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Palabra de Editor Amigas y amigos visionarios,

Número 17 2015 Consejo Editorial

Lo sentimos mucho. Íbamos a lanzar un especial sobre los sentimientos y a última hora cambiamos de opinión. Vamos a hablar de los sentidos o, mejor dicho, de cómo el arte puede trasladarnos más allá de la obviedad inmediata de lo percibido. Traspondremos las fronteras de la percepción y la emotividad para llegar al territorio del arte auténtico, creador de universos paralelos y sensaciones imposibles de ser explicadas mediante palabras. Es un viaje diseñado para corazones fuertes, mentes educadas y almas sensibles. Contamos para ello con los mejores guías: Gabri Solera, desde Madrid, propone espacios solitarios construidos a base de geometrìa y color. El fotógrafo mexicano Gerardo Nigenda† demuestra a título póstumo que se puede mirar a pesar de ser invidente. Y Stella Rahola crea una escultura matérica donde las texturas son parte constructiva esencial de su obra. Vista, oído, gusto, olfato y tacto se reinterpretan desde el arte en este número lleno de nuevas sensaciones: escultura táctil, arte olfativo, gastronomía alternativa, ilusiones ópticas y arquitectura acústica.

Director General / Editor Christian Fernández Alonso Directora Editorial Mamen de Zulueta Editor Corresponsal - Nueva York Joaquín Carter Editor Corresponsal - Buenos Aires Diego Moscato Editor Corresponsal - Barcelona Luciano Benites Directora de Relaciones Públicas Enid de la Parra Asesor de Contenidos Enrique Torrijos Publicidad Marcos Fernandez publimarcos@gmail.com Portada: Serge Lutens. Iris-Silver-Mist.

Hablaremos de la instalación como recurso expresivo y campo de experimentación por el que transitan un número creciente de creadores visuales y cuyas propuestas de interacción e inclusión convencen a un público cada vez más participativo y curioso. Y para cerrar, Jane Long nos muestra desde Australia, con una depurada técnica de restauración fotográfica, cómo dar nueva vida a imágenes del pasado a las que aporta su inconfundible sello creativo. Colaboran en este número:

Editor CHF VISION © Espacio de Artes Visuales

Publicación bimestral online editada por VISION Iberoamericana, S.L. www.chfvision.com ISSN (en trámite) Copyright 2015© VISION Iberoamericana, S.L. Todos los derechos reservados.

Alba Cecilia Gutiérrez Joanne Trujillo Argüelles Sebastián Valente

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INCONTENIBLE

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Editorial Sentir los sentidos

Escultura Táctil Prohibido no tocar

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Instalación Arte Ambiental

Gastronomía Alternativa Paladares extremos

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Ilusiones Ópticas Creer para ver

Arte Olfativo Artistas Aspirantes

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Visionarios Gabri Solera Stella Rahola Gerardo Nigenda

Pasado Perfecto Restauración Jane Long

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128 Artista Invitado Yasuhisa Toyota

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VISION Editorial

SENTIR LOS SENTIDOS

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oy el ser humano por dentro. El que detecta las ondas electromagnéticas de la luz visible. Alerta al sentido químico del cuerpo, percibo las vibraciones de todo aquello que toco. “Hay perfumes tan frescos como carnes de niños, suaves sones de oboes, verdes como praderas”. Soy Baudelaire. O Kandinsky, porque saboreo triángulos o creo música a través del impacto de las horas del crepúsculo. Por medio de mis órganos busco estímulos que alistan la conciencia a recibir las impresiones de los objetos externos a mí. Soy en el espacio, en el tiempo y en el entorno. Poseo ese saber inconsciente de dónde habita cada parte de mi cuerpo sin necesidad de verlo. El sentido del calor o su ausencia en la piel, el sentido del equilibrio que gobierna mi oído. El dolor que salta de las articulaciones. Mi sistema de alarma.

hace de la sensación el origen de las ideas y de ahí al entendimiento. Al borde de la parte visible del sistema nervioso, con las manos, el pie, la curva del vientre, me comunico e intercambio placer o pensamiento.

Transformar la luz en forma a través del iris, percibir la ondulación sugerente del sonido. La piel es ojo. La energía que llega a través de la presión. Soy un ser de reacciones químicas y eléctricas que se producen en la nariz y en la lengua. Degusto el aire húmedo y el contacto primigenio. Soy hambre, sed y dolor visceral. Músculos pequeños en la piel que la fuerzan a contraerse ante el ataque.

Y después, sólo después, siento los sentidos. Un sonido armónico me causa un estremecimiento. Observo un color o un trazo y tiemblo, pero no de frío. Un volumen, real o imaginado, me dibuja una sonrisa. Una geometría me acoge y me cobija. Unos ojos ajenos reemplazan por un instante a los míos y me obligan a cambiar de paisaje y pasaporte. Y soy, así, más mujer y hombre que antes, transitando de la sensación al sentimiento.

La mente, limpia de toda inscripción al nacer,

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Pearlfisher gallery. Jump In. 2015.


VISION Instalaci贸n

Instalaci贸n


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ntre las opciones de expresión del arte contemporáneo, las llamadas “instalaciones” tienen un lugar preponderante. Se trata de una modalidad contemporánea de la escultura -nacida en la década de 1960 en el contexto del arte Pop- en la cual el artista toma un espacio de la arquitectura y lo transforma con una intención estética y comunicativa. Son obras de carácter efímero, que promueven la integración de diferentes formas artísticas y procesos mediáticos y que se proponen para ser recorridas, atravesadas e interferidas por los espectadores. Los llamados “ambientes” o “espacios ambientales” (environments) y las “instalaciones” (installations) son el resultado de una creciente diversificación y desacralización de las artes, y de una tendencia a borrar las fronteras entre las distintas disciplinas artísticas, características estas que los historiadores del arte detectan en la primera mitad del siglo XX. Las propuestas antiartísticas del grupo Dadá, surgido en Zurich en 1916, parecen constituir un punto final del arte, pues en ellas se rechazan no solamente la búsqueda de la belleza y la imitación de la naturaleza, principios sagrados de los siglos anteriores -que ya habían caído en desprestigiosino todos los valores que podían quedar en pie para los artistas, como la perdurabilidad de la obra, la maestría técnica, la coherencia formal, la planeación del trabajo, el conocimiento de un oficio específico, la diferenciación clara entre las distintas disciplinas.


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“Entiendo por instalación al formato que abarca todos los formatos, a la forma interdisciplinaria de pensar y presentar la obra, al “marco” que me permite designar como arte todo lo que se me antoja y que me libera de las ataduras económicas y estéticas dictadas por la historia mercantil del arte tradicional” - Luis Camnitzer

Cedric Le Borgne. Voyageurs. 2015.


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“En una instalación el espacio transitado deviene distancia y el tiempo transcurrido se convierte en duración” - Luis Fernando Valencia


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David Mach. Out of Order .2014.


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Entendemos hoy perfectamente que un movimiento tan destructivo no podía durar mucho tiempo, y que la necesidad humana del arte, reconocida ya por las ciencias del espíritu, debía imponerse frente a esa actitud nihilista. Y en efecto, de esta supuesta muerte del arte surgieron nuevos movimientos y nuevas opciones para los artistas, y el Dadá como fuente de renovación parece no agotarse todavía. El movimiento Dadá se considera el origen del Pop, y también del Arte Conceptual, con todas sus derivaciones, como el Happening, el Body Art, el Fluxus, y las instalaciones, pues todos ellos tienen como fundamento una actitud desacralizadora, que equipara el arte con la vida, y que rechaza todas las restricciones técnicas, temáticas y formales de las artes tradicionales


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Wayne Garrett y Caitlind Brown Cloud. 2014.


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El término Installations parece haber sido usado por primera vez por el artista Dan Flavin para nombrar sus extrañas propuestas de escultura, que consistían en tubos de neón ubicados de manera completamente inusual en las salas de exposición. Se trataba, dicho de la manera más prosaica, de obras hechas a base de instalaciones eléctricas; pero, desde el punto de vista artístico, había allí una original propuesta de creación de formas y definición de espacios, por medio de líneas luminosas. El nombre de “Instalaciones” se extendió desde ese momento, pues pareció más apropiado que el de “Ambientes” para denominar ese tipo de obras escultóricas que se apropian de un espacio para transformarlo.

Giorgos Zogolopoulos . Umbrellas. 2014.


VISION Es claro entonces que, cuando hablamos de instalaciones, estamos ubicados en un concepto abierto de arte, una modalidad contemporánea de la escultura, en la cual el espacio que contiene la obra tiene un papel protagónico. El espacio es en este caso el soporte de la obra, como lo es la tela en un cuadro al óleo o la madera en una talla tradicional. El artista expresa en ese espacio sus ideas y sentimientos, y para el logro de este objetivo puede valerse de las técnicas de antigua tradición en la pintura y la escultura, o de técnicas más modernas como el collage, la fotografía o el video, así como de todo tipo de objetos encontrados, ensambles, textos, sonidos y demás posibilidades que la revolución artística del siglo XX abrió para los artistas.


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Olafur Eliasson. Big Bang Fountain. 2015


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Otro aspecto importante de las Instalaciones es que se trata de un arte efímero, que puede durar unas pocas horas o días y que queda solamente en la memoria de los artistas, los espectadores o en los registros visuales de las cámaras. Como práctica artística que con su nacimiento puso en evidencia la crisis del arte moderno, la instalación se ha ido configurando, depurando y definiendo a través de las transformaciones que se dan en las obras de los artistas y del diálogo y las confrontaciones entre los productores y los receptores del arte.

- VISION Extractado parcialmente y adaptado de GUTIÉRREZ, Alba. (2009). La instalación en el arte contemporáneo colombiano. Universidad de Antioquia. Colombia.


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Ilusiones 贸pticas

Creer para ver


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VISION Percepci贸n


Akiyosi kiatoka. 2014. 28


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AAkiyosi kiatoka. 2014.

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Hugh Turvey. 2014


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Vik Muniz. Soldado de la Guerra Civil. 2010. 34


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VISION Visionarios


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Urbium_10. 2014.


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Gabri Solera


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Urbium 04 2014.


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abri Solera (Madrid España. 1983). Licenciado en Periodismo por la Universidad Complutense. Máster en Fotografía Digital y Creativa en EFTI. Ha participado en Descubrimientos PHE 2012 y ferias como Estampa, Entrefotos, Salida de Emergencia (Madrid) y MirartePhoto (Guadalajara). Ha realizado varias exposiciones individuales en Madrid y otras colectivas en lugares como el IVAM (Valencia), Museo Guggenheim (Bilbao), Instituto Cervantes, Círculo de Bellas Artes y Ayuntamiento (Madrid), Fundación Antonio Saura (Cuenca) y en Alemania, Francia, Holanda, Portugal, China y Brasil. Ha ganado concursos como el de la Alianza Francesa, Olympus, Fotoactitudes, Eurostars Hotels. Su trabajo se ha reseñado en publicaciones como New Landscape Photography y Peripheral Arteries (Nueva York), Journal du Net (Paris), Photographic Museum y Shots Photography Competition(Londres). Trabaja como fotógrafo y editor para Getty Images.


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Urbium 05. 2014.


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Urbium 06. 2014.


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Urbium 09 2014.


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Urbium 07.2014.


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Urbium 08. 2014.


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Stella


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Rahola

Porcelain Walls.2012.


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tella Rahola (Barcelona, España, 1980). Es arquitecta y máster en proyectos arquitectónicos por la Universidad Politécnica de Cataluña. Su paso por el estudio del suizo Peter Zumthor le dio algunas de las claves que configuraron su trayectoria. Por ejemplo, la artesanía intrínseca en el proceso de construcción o los momentos de ensamblaje como momentos en los cuales la arquitectura cobra todo su sentido. En la escuela Massana de Barcelona se especializó en porcelana y vidrio. Con una línea de trabajo muy vinculada a la investigación, la escultora se interroga acerca del modo en que un material y una forma determinados se reúnen en un objeto. ¿Qué relaciones existen entre material, técnica y forma? ¿cómo descifrar la unidad de los objetos? o, dicho de otro modo, ¿cómo conseguir que de un objeto se desprenda el significado de un determinado material en una determinada forma? Actualmente es artista residente en el centro de arte contemporáneo Piramidón de Barcelona. Stella ha realizado numerosas residencias de artista, como en el EKWC (s’-Hertogenbosch, Holanda), en el Art Institute of Chicago o CEAC (Xiamen, China). También ha obtenido diversos reconocimientos en su trayectoria, como el premio Beca Antón (Asturias, 2014), Premio Cube Cultura (Guadalajara, México, 2012), premio Fundació Centre del Vidre (2012) o el Premio ArtFAD (Barcelona, 2012).


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Innerspace.2012.


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Empooling. 2014.


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Tangerines. 2012.


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...la materialidad resuelve no solo esta contención del espacio sino también la vibración del límite a través de sus cualidades.

Cal - Ligrafies. 2013.


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Shui. 2013.


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En ello reside la arquitectura de una atm贸sfera: lo no evidente, lo no abstracto, sino la concreci贸n, el momento en que la idea toma un cuerpo.

Nuvol. 2013 - 2014.


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Entre lo invisible y lo tangible llegando a la homeostasis emocional. 2007.

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Gerardo Nigenda


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erardo Nigenda (México, Distrito federal , 1967-2010) Perdió la vista a los 25 años a causa de una retinopatía diabética. En 1999, con 32 años, comenzó su producción fotográfica en blanco y negro, que lo llevó a impartir diversas ponencias y talleres en el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo de Oaxaca y a participar en exposiciones internacionales como la II Bienal de Arte Contemporáneo de la Fundación ONCE en Madrid, España y el Centro de la Imagen en México. Con exquisito tacto, Gerardo Nigenda aborda el erotismo de modo nada usual, conjuntando los elementos visuales con el relieve del Braille. Sus fotografías son una invitación discreta a las sensaciones y a experimentar el arte fuera de la percepción convencional.


Hay enlace, hay fusi贸n, hay interaccion. 2007.

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el registro fotográfico es un diálogo táctil entre el fotógrafo y la modelo, quien también está en las mismas condiciones: sin ver.

Mirando lo inusual. 2007.


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Dócil y sedosa coincidencia de las sensaciones. 2007.

... Se trata, tal vez, de ‘sensografías’, es decir, una escritura con sensaciones a partir de un soporte fotográfico. - Joanne Trujillo


Multimiradas en el ascenso corporal. 2007.

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Un diĂĄlogo distante entre lo Ă­ntimo y lo cotidiano.2007.

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La fragilidad del referente inicial induce a la evocacion sensual. 2007.


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AgrĂŠganos en tus redes favoritas: http://goo.gl/u2h8z

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Yasuhisa


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Toyota

Artista Invitado

Elbphilharmonie, Hamburgo. 2014.


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asuhisa Toyota (Hiroshima, Japón, 1952.) es el más reconocido especialista en ingeniería acústica. Ha dirigido más de 60 proyectos en todo el mundo, incluyendo la Sala de Conciertos Walt Disney, el Suntory Hall de Tokio, el Colegio Bard Performing Arts Center de Nueva York, el Centro Kauffman para las artes escénicas en Kansas City y el auditorio de VitoriaGasteiz en España.


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Liquid. 2006.


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Toyota es graduado del Instituto de Diseño de Kyushu y presidente de la empresa Nagata Acoustics de Tokio. Desde finales del 2006, sus obras en curso incluyen la Sala de Conciertos del Centro Cultural Shenzhen en la República Popular de China; el Centro de Música de Helsinki, Finlandia; la sala de conciertos de la radio danesa en Copenhague; la Filarmónica del Elba en Hamburgo y la renovación de la Sala de Concierto de la Ópera de Sydney. También ha trabajado en el proyecto del New World Center de Miami Beach. Durante la temporada 2011-2012, Toyota consultó con la acústica en la remodelación de la Orquesta Filarmónica de Israel.


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Foto: Oliver Heisssner. Techo del Gran Sal贸n de la Filam贸rnica del Elba. 2014.


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La acústica de una sala de conciertos no se puede medir en un nivel puramente físico; también está estrechamente relacionada con la percepción subjetiva.


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Filarm贸nica de Par铆s.


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Kauffman Center for the Performing Arts. Kansas City, Missouri, USA.


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Escultura tรกctil

Prohibido

Paula Gaetano Adi. Alexitimia. 2006 - 2007.


VISION Escultura

no tocar


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ara cada uno de nuestros sentidos parece existir un arte, una ciencia o una industria: pintura, música, perfumería, gastronomía... Pero ¿qué rama de las expresiones artísticas se ha desarrollado para disfrutar a través del sentido del tacto?

como Alexitimia, de Paula Gaetano, un volumen hemiesférico que transpira cuando se le toca.

Una de las actitudes que han caracterizado tradicionalmente al arte de la escultura es la que autores como Esteban Lorente califican como «prejuicio visual». Si la escultura es, en Más allá de las obras concebidas para invidentes, esencia, una masa tridimensional que ocupa un una nueva generación de escultores está creando espacio y que es aprehendida por los sentidos piezas cuyo destino primario es ser tocadas. La que captan su volumen y su peso además de su escultura actual reivindica este campo sensorial apariencia visual, ha sido esta apariencia visual proponiendo experiencias táctiles inéditas la que ha condicionado casi exclusivamente la

Chang Tzu-lung. 2015.


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Eni D’Carvalho. Tocar e Sentir. 2010.


VISION creación escultórica. Es decir, que la escultura ha estado ligada y sometida a valores que son propios de la pintura, de un arte que se produce en la bidimensionalidad. El tacto es el sentido por el cual percibimos las texturas, los tamaños, los pesos, las consistencias y nos proporciona el primer contacto con los elementos para crear una obra de arte. Sin embargo, suele estar relegado al último puesto con referencia a la información que transmite al cerebro y al uso que de él se hace. El tacto activo (cuando la impresión sobre la piel de un objeto es motivada y conseguida por nuestra propia voluntad ) y el mecanismo exploratorio que ponemos en funcionamiento al ejercerlo (el acto volitivo de extender la mano para tocar), fue denominado en 1966 “sistema háptico” por el psicólogo norteamericano John Gibson. El sistema háptico involucra no sólo al tacto activo sino también un modo, una manera de tocar y de explorar ya que funcionan juntos la piel, los músculos y las articulaciones para reconocer lo que tocamos.


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JohannEyfells. Egg sculpture. 2014.


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A diferencia del resto de los sentidos, para los que utilizamos órganos específicos como los ojos, oídos, nariz y boca, en el tacto no interviene una estructura individual definida. Para algunos es la totalidad de la piel mientras que otros lo ubican en las manos. El propio Kant se refirió a la mano como "el cerebro humano externo" y en los años 50 el psicólogo Géza Révész afirmaba que "la mano es más inteligente y está dotada de una mayor energía creativa que la cabeza". En culturas como la japonesa, las obras no se encuentran colgadas en la pared o expuestas al espectador de manera continuada. Éstas se conservan cuidadosamente fuera del alcance de la mirada, en cajones, muebles u otros espacios, y sólo cuando sienten que su espíritu está preparado el arte, para disfrutarlas, entonces las sacan, las admiran y las tocan. Hay una intención expresa al producir la obra y también al estar preparado para consumirla, tocarla, sentirla.


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VISION La propia experiencia de percepción táctil entraña su propia materialidad. El tacto posee una particularidad propia: es imposible prescindir de él. Se pueden cerrar los ojos y dejar de ver, se pueden tapar los oídos y dejar de oír, pero... ¿cómo interrumpir, siquiera por un momento, las funciones táctiles? La escultura solicita directamente al sentido del tacto, a diferencia de la pintura que atrae la atención del sentido de la vista. La obra escultórica sólo se aprecia en toda su expresión palpando, tocando o manejando los objetos. Tocar es básicamente la única manera por la que podemos tener una sensación directa de la forma tridimensional del objeto.

UC San Diego Crafts Center. Art U Can Touch. 2011.


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Museo del Louvre. Afrodita de Milos. 130 - 100 AC.


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No sólo la geometría o nuestro físico sino la concepción total de lo que hay dentro de nosotros se basa en el sentido del tacto. - Bertrand Russell

Pero si algo caracteriza a la inmensa mayorìa de los museos y centros de exposiciones es la prohibición expresa de tocar. Lejos de poder reafirmar o contrastar la percepción visual con las manos, se nos obliga a renunciar a la sensación táctil que nos transmitiría otra información complementaria sobre las obras.

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Francois Lenoir. El chef Dominique Persoone esnifa cacao en polvo con su shooter en Brujas, BĂŠgica. 2015.


VISION Arte Culinario

GastronomĂ­a Alternativa


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La cocina de cada época no es más que la representación en la mesa de las ilusiones de la sociedad de su tiempo

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ood Art o arte experiencial? Afirma el célebre chef Ferrán Adriá que la cocina es un lenguaje en el que debe producirse una conexión entre el que escucha y el que habla, entre el que elabora el plato con con pasión y el que lo consume con delectación. Elevada a la categoría de arte culinario, la gastronomía actual se basa, como muchas otras experiencias sublimes, en un juego de sensaciones. Una buena experiencia gustativa es el resultado de una suma de percepciones subjetivas en las que influye tanto el entorno como el plato en sí. Más allá de lo exótico de los ingredientes o lo inhabitual lde su preparación, la experiencia percibida se diseña como un todo. El sentido del gusto es más sencillo y aversivo que el del olfato, pues surgió en los seres vivos para asegurar la ingestión de nutrientes y rechazar los potenciales agentes tóxicos. En pocas palabras, está diseñado más para rechazar que para aceptar, por lo que la gastronomía alternativa se preocupa de involucrar en esta experiencia sensorial todo un cúmulo de sensaciones y rituales complejos que involucran recuerdos, aprendizajes y propuestas de experimentación con todo lo que parezca radicalmente nuevo. Hasta el oído, que pareciera no ser comúnmente considerado, está presente en la cocina actual a través de los sonidos crujientes y crocantes. También el tacto juega un papel trascendental: uno de los grandes desafíos científicos es el de desentrañar los mecanismos moleculares


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Gokakukei Iyokan. Naranjas pentagonales japonesas.


VISION y fisiológicos que sustentan la percepción oral de las texturas de los alimentos y cómo estas influyen en el placer gastronómico. En los últimos años cada vez es más frecuente el recurso a otras culturas para introducir sabores, texturas, aromas y presentaciones novedosas con el fin de sorprender los paladares, retinas y pituitarias de los comensales.


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VISION Se van introduciendo en el lenguaje cotidiano expresiones como maridaje, hasta hace poco reservadas para sommelliers, chefs y gourmets y las cocinas se nutren de ingredientes y aparatos nunca antes sospechados por madres o abuelas. Aunque para muchos pudiera constituir una excentricidad, la inclusión de insectos en los menús es una tradición milenaria, documentada en textos clásicos como la Biblia. Las culturas orientales, africanas y latinoamericanas incorporan desde siempre a su cocina una rica variedad de reptiles e insectos. Se trata de un alimento saludable, bajo en grasas y rico en proteínas y otros nutrientes. Aunque Europa es el continente donde menos se consume este tipo de comida, la entomofagia -así se llama esta especialidad culinaria- está creciendo con fuerza, contando entre sus singulares ingredientes con larvas, grillos, saltamontes, insectos palo, hormigas o alacranes. ¿Experiencia multisensorial? ¿Arte, artesanía u oficio? ¿Cocineros, chefs o artistas? Díganoslo la próxima vez que ordene el dúo de escorpiones al ajillo y cigala a la plancha de Patxi Moliá.

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Siseel Tolaas. 2014.


VISION Arte Olfativo

Artistas Aspirantes


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as sensaciones olfativas son las que menor atención han merecido tanto por parte de la psicología de la percepción como del arte. Nuestro cerebro está capacitado para percibir y diferenciar más de 10.000 olores diferentes y por ello no deja de sorprendernos la escasez de términos en cualquier idioma para definirlos: suelen tomar prestado su nombre como alusión a algún objeto (desde el olor a mar al olor a almendras) o incluso elaboradas metáforas publicitarias. Algunos estudios científicos sostienen que lo primero que sentimos al nacer son los olores, antes de que podamos ver o escuchar nada. Tal vez la explicación de que con el tiempo los olores pasen a un segundo plano sensorial tenga que ver con que las áreas del cerebro implicadas en el uso del lenguaje tienen pocos enlaces directos con el sistema olfativo. Quizás por esta misma razón el olfato no suele estar presente en la práctica artística. El olor nos remite a reacciones instintivas primarias, a experiencias y memorias pasadas, pero no a razonamientos lógicos o ideas, mucho más fáciles de transmitir a través de la imagen, el sonido o la palabra. Los olores son volátiles y evanescentes, y aunque puedan capturarse en firma de perfumes y esencias es obvio que es mucho más complicado registrar, reproducir y conservar un olor que un sonido o una imagen. Las propuestas artísticas más recientes buscan establecer una conexión sinestésica entre visión y olfato, pero el intento no es nuevo: en los siglos XVIII y XIX era habitual que en las representaciones teatrales se usasen fragancias para sumergir a los espectadores en la atmósfera de la obra recreando, por ejemplo, el ambiente fantástico y etéreo en las obras sobre hadas o imitando el olor real de un tocador femenino. Existen también antecedentes en la industria cinematográfica: desde principios del siglo XX, se realizaron algunos experimentos de este tipo diseminado aromas por la sala o rascando unas tarjetas para oler algo concreto en ciertas escenas (Scent of Mystery, 1960) pero no han pasado de anécdotas sin continuidad ni éxito comercial.

Siseel Tolaas. Without Borders. 2014.


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Maki Ueda gusta de definirse a sí misma como artista olfativa y sensorial. Nacida en Japón, reside en un país donde las flores definen gran parte de la identidad nacional: Holanda. Pero a diferencia de la industria del perfume, Ueda no trabaja con ingredientes sintéticos sino que utiliza exclusivamente ingredientes naturales, destilando los aromas a partir de su propia fuente. A través tanto de piezas olfativas como instalaciones logra conectar el olor con la memoria, las emociones, la percepción y las experiencias personales. Además realiza talleres en los que enseña a ser más consciente del sentido del olfato y a capturar los olores de nuestro entorno. Continuando la tradicional ceremonia japonesa Kodo, cercana al ikebana y a la ceremonia del té y en trorno al olor del incienso, Ueda crea espacios experienciales como Olfactory Labyrinth, que consiste en once frasquitos con olores que la artista asocia con su niñez. Para disfrutar de su obra sólo hay que agitar un poco la botella, echar unas gotitas de su contenido en una tirita de papel y aspirar.


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Maki Ueda. Olfactory Labyrinth. 2013.


VISION Por su parte, la noruega afincada en Berlín Sissel Tolaas utiliza un enfoque diferente recreando lo que con humor llama rutas turísticas olfativas. Artista y a la vez científica, sus antecedentes están en el mundo de la química, las matemáticas y la lingüística. Lejos del naturalismo de Ueda, prefiere trabajar con olores corporales y urbanos y asegura haber logrado encapsular el olor del miedo, de la violencia, del dinero… reivindicando las fosas nasales como medio de conocimiento. Una de sus obras más conocidas consiste en una pared impregnada con feromonas del sudor de varios hombres en situaciones extremas.

El olfato es un sentido completamente incomprendido La obra de Tolaas tiene un trasfondo mucho más tecnológico y científico e incluso ha ejercitado su percepción y mente para deshacerse de los prejuicios sobre lo que es un buen y un mal olor, optando por una perspectiva claramente analítica. Paradójicamente, Tolaas no cree que su sentido del olfato sea especialmente bueno, pero afirma que empezó a entrenarlo cuando se dio cuenta de que, a pesar de que el olfato es el sentido más primitivo, está mucho menos estudiado que la vista y el oído. Actualmente, cuenta con un archivo de más de 7.000 olores guardados en botes herméticos con fragancias de todo tipo, desde plátanos podridos a telas sucias.

Siseel Tolaas. 2014.


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Otra de las artistas más reconocidas es la escocesa Anya Gallaccio, que ha realizado diversas exposiciones de arte olfativo como Red on Green (2012) en la que creó una alfombra de 10,000 rosas rojas y la apetitosa Walls of Chocolate (2014) que incitó literalmente a más de un visitante a lamer la obra. Sus instalaciones reflejan un profundo conocimiento de las cualidades físicas, el mundo natural y el paisaje.

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Anya Gallaccio. Red on Green. 2012.


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Innocence.2014.


VISION Pasado Perfecto

Jane Long

Restauraci贸n


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Jane Long es una fotógrafa australiana residente en Brisbane. Utiliza para esta serie imágenes los archivos de la Colectia Costică Acsinte de Rumanía. Long va mucho más lejos de la restauración tradicional, creando un nuevo entorno y significado para cada foto.


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All Hands on Deck. 2015.


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Beacon. 2014.


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La serie “Bailando con Costică” se exhibió por primera vez en la Embajada rumana en Canberra, el 27 de marzo de 2015. También se mostrará en el Festival Foto rumano en mayo y la Bienal Internacional de Fotografía Ballarat en agosto.


Fresh. 2014.

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Probablemente nunca conocer茅 las historias reales de estas personas, pero en mi mente se convirtieron en personajes de cuentos de mi propia invenci贸n.


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Corvo. 2014.


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VISION Recomendado

9 al 12 de abril 2015 Dallas, TX. Estados Unidos Situada en la Fashion Industry Gallery -junto al Museo de Arte de Dallas en el revitalizado Arts District Center- la Feria de Arte de Dallas 2015 contará con más de 90 destacados marchantes de arte nacionales e internacionales y galerías que exhibirán pintura, escultura, obra sobre papel, fotografía, vídeo e instalación de artistas modernos y contemporáneos. http://dallasartfair.com

8 al 12 de abril 2015 Milán, Italia la Feria de la Imagen de Milán MIA 2015 ofrece la posibilidad a los coleccionistas de arte de disfrutar de un evento festivo, innovador e interesante donde encontrarán tanto artistas consagrados como emergentes. En su quinta edición, MIA 2015 promueve fuertemente la educación en fotografía con el objetivo de crear una nueva base de jóvenes coleccionistas que se acerque el arte contemporáneo a través de la imagen fotográfica. http://www.miafair.it/milano/en/

23 al 26 de abril 2015 Nueva York, Estados Unidos Durante los últimos treinta y siete años, Artexpo ha ido cambiando la forma de comprar y vender arte. Nuestra exposición anual con jurado coloca a las mayores editoriales, galerías y coleccionistas cara a cara con cientos de artistas consagrados y emergentes. En resumen, somos el mayor mercado del arte actual del mundo. Este año, vamos a acoger a más de 400 expositores que mostrarán artistas, galerías y editores de todo el mundo, exhibiendo obras de arte originales, grabado, pintura, dibujo, escultura, fotografía, cerámica, itografías, obras de vidrio y mucho más, todo bajo un mismo techo en el Pier 94. http://www.world-arts.com/


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Robert The juega con The Art Crisis. Una peculiar manera de plantear la crisis del arte a través de este libro troquelado. Sin duda, una obra que se convertirá en objeto de deseo para los coleccionistas. Y no, no es un libro, es una escultura.

Joan Allen da vida a la pintora Georgia O’Keeffe y Jeremy Irons hace lo propio para el fotógrafo Alfred Steiglitz en esta doble biografía dirigida por Bob Balaban. Disponible en DVD y Blue-Ray. Sony pictures.


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La editorial Phaidon se ha propuesto condensar 30,000 años de arte en esta faraónica compilación. Sin duda, una obra de referencia imprescindible que actualiza la exitosa primera edición. ISBN: 9780714847894

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En el próximo número Dimensión. ¿Existe algo parecido a una Divina Proporción? Las escalas, los tamaños, los máximos y los mínimos constituyen poderosos recursos expresivos para los artistas. Movimimientos como el minimalismo contrastan con megaesculturas, y los gigantescos proyectos de land art crean paradojas visuales con el microarte. En este número, el tamaño importa. Y mucho.

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Creadores Jane Long Photography info@janelong.com.au www.janelong.com.au facebook.com/janelongphotography Gerardo Nigenda marthaes200@yahoo.com.mx Stella Rahola Matutes stella@stella.cat Gabri Solera solera@gabrisolera.com

Museos Museo Amparo (Puebla) www.museoamparo.com Museo Antiguo Colegio de San Ildefonso www.sanildefonso.org.mx Museo Arocena (Coahuila) www.museoarocena.com Museo Archivo de la Fotografía www.cultura.df.gob.mx/index.php/ recintos/museos/maf

MUMEDI - Museo Mexicano del Diseño www.mumedi.org

Museo Universitario de Ciencias y Arte www.muca.unam.mx

Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez (Zacatecas) www.arts-history.mx/ museofelguerez

Centro Cultural de España www.ccemx.org

Museo de Arte Carrillo Gil www.macg,inba.gob.mx

Centro Cultural Estación Indianilla www.estacionindianilla.com.mx Centro de Cultura Casa Lamm www.casalamm.edu.mx

Museo del Palacio de Bellas Artes www.museobellasartes.artte.com

Centro Cultural Isidro Fabela www.isidrofabela.com

Museo Franz Mayer www.franzmayer.org.mx

Colección Andrés Blaisten www.museoblaisten.com

Museo Nacional de Arte http://www.munal.com.mx

San Carlos, Centro Cultural vestibulo.sccc@gmail.com

Museo Nacional de San Carlos www.mnsancarlos.inba.gob.mx Museo de la SHCP www.shcp.gob.mx/dgpcap Museo Soumaya www.soumaya.com.mx Museo Tamayo www.museotamayo.org

Archivos Costică Ascinte Archive http://colectiacosticaacsinte.eu


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