Catalogue vendange tardive 2017 by Chamalot

Vendange tardive

2017

Antoine Carbonne Benoît Géhanne Julie Dawid Jé émie Delhome Johan Larnouhet Benjamin Hocha t Jérémy Liron F ançoise Pét ovitch Aurore Pallet Sa ah T itz

Vendange tardive 2017 textes de Théo-Mario Coppola

Antoine Carbonne Benoît Géhanne Johan Larnouhet Jérémy Liron Aurore Pallet

... Chacune des œuvres d’Antoine Carbonne propose de livrer un monde à la contemplation désinvolte ... 3

Antoine Carbonne L’instinct de la couleur, de sa matérialité primordiale, est une sensation. Point de départ à la construction d’une peinture qui ne trahit pas le présent. Cet instinct fait resurgir en même temps le réel et le rêve, la vérité et le fantasme. Chacune des œuvres d’Antoine Carbonne propose de livrer un monde à la contemplation désinvolte, à façon d’un Limbour. La proximité des couleurs vives appuyant le déploiement d’une énergie féconde, démiurgique. Certains éléments évoquent la peinture surréaliste et une sensualité de l’entremêlement pour laquelle les figures humaines, la nature florissante et les citations à l’âge classique entrent dans ce complexe univers de résurgences. Les corps sont sans visage, objets de désir ou de volonté mystérieuse. L’onirisme est atteint par la force du décor. Il est vecteur d’une narration cryptée, au seuil de la psychanalyse. Les scènes plus quotidiennes et urbaines sont cadrées comme au cinéma, ou comme nous le ferions avec nos téléphones portables, créant une intimité provoquée par le regard. Comme cette salle de cinéma. Comme cette cuisine. Comme cet escalator. La facture des œuvres sur papier, à la gouache, intensifie la proximité avec l’espace environnant, parfois livré avec une intense vivacité, parfois retenu dans une composition souple mais sereine où le paysage s’extrait du contexte. Il semble ici et ailleurs. Une hétérotopie en somme, celle qui permet à l’humanité de se sentir tout le temps ailleurs et en même temps ici, c’est-à-dire projeté dans un espace où la narration au futur est encore possible, où l’individu peut s’aventurer. Mais cette vision du lieu n’est pas strictement conceptuelle. Elle appelle à nouveau à l’émotion d’un instant, à l’expression rapide d’un regard furtif ou d’un souvenir plus fort que le réel lui-même. Elle est aussi un Eden. La peinture d’Antoine Carbonne transfigure. Elle ne témoigne pas d’un état, mais combine cet état à des variations d’humeur, édifiant ainsi un environnement libre de l’Histoire et des repères temporels traditionnellement bâtis. Par rapprochement des peintures entre elles, non rattachées à des séries, se dessine une plus vaste narration dans laquelle tout semble résonner, entrer en contact. L’une ne précède pas l’autre.

voir le CV d’Antoine Carbonne page 74

La narration fluide, diffuse, est induite par les spécificités de la perception. Cette narration n’est donc pas le fruit de l’intention d’un auteur seul mais de sa volonté de donner à chacun les clefs d’une réécriture. Ce positionnement permet d’interpréter par association des œuvres diverses, traversées par des signes ayant valeur d’indices.

L’île mystérieuse, 2014, gouache sur papier, 70 x 100 cm

Nemo, 2015, huile sur toile, 200 x 150 cm

Lâ&#x20AC;&#x2122;empire des lumieres, 2015, huile sur toile, 195 x 135 cm

Enter Painting, 2014, huile sur bois, 110 x 80 cm

Porte-fenêtre à Châteauroux, 2013, huile sur bois, 120 x 80 cm

Jacquemard, 2014, gouache sur papier, 70 x 100 cm

Double trou, 2017, huile sur toile, 200 x 150 cm

Livio, 2017, gouache sur papier, 140 x 140 cm

Thebaide, 2015, huile sur toile, 200 x 220 cm

Carfax, 2017, gouache sur papier, 140 x 150 cm

... L’image de la ruine qui peuple le postmoderne n’a plus besoin ici d’être un sujet de contemplation ... 17

BenoÎT GÉHANNE Le langage pictural de Benoît Géhanne s’élance avec musicalité dans le recouvrement des espaces et l’apparition des images. Son œuvre peut ainsi être évoquée à travers les compositions de Schubert dont l’écriture labyrinthique s’amuse de l’usage de certains motifs, des réinterprétations perpétuelles d’histoires récurrentes. Cette musique est l’occasion d’un questionnement de la peinture, sans arrêt sur image. L’image de la ruine qui peuple le postmoderne n’a plus besoin ici d’être un sujet de contemplation. La peinture digère ces éléments pour les revitaliser ailleurs. Le point de départ de la série réalisée pour la résidence Chamalot est presque un accident, pour ainsi dire une situation. Sa perception de l’environnement et de la présence de barrages hydrauliques dans la nature environnante déclenche ainsi la réalisation d’un travail ouvert à la combinaison complexe des formes et des états de la peinture. La variété des techniques, l’appropriation des formes produites par ces images et leur double symbolique dialoguent ou s’entrechoquent les unes les autres. Ces rapprochements formels nourrissent la peinture d’un jeu dynamique, fait de rebonds. La courbe des barrages est alors prétexte à l’exploration de la ligne, au dessin d’une forme jusqu’alors inconnue. Celle-ci s’ajoute à la citation des images qui deviennent ainsi moteurs d’une réflexion sur un vocabulaire de la peinture, inclusif et diffus. Il ne s’agit pas de s’attarder en pure contemplation sur ces représentations mais au contraire de poursuivre l’écriture d’une histoire qui entre en résonance avec d’autres formes, d’autres éléments inscrits eux-aussi dans l’histoire de la peinture. Le dépassement s’opère dans le délicat soulèvement de ces formes qui semblent s’ouvrir, comme des opercules, laissant apparaître des paysages et des éléments d’architecture. La construction d’une horizontalité elle-même suggère le détournement du paysage. Les couleurs évoquent un vocabulaire de la construction, du chantier et de la signalétique. Ce que la couleur construit, elle le doit au langage du réel codifié, aux signes qui alentour fondent un lexique pictural. Ce vocabulaire renvoie lui-même à des objets techniques, tel ce parafoudre haute-tension. Au second plan, l’association de la forme, de l’image et de la couleur évoque le champ lexical de l’énergie, renvoyant à une époque d’utopie. Et, de la même manière que le paysage

voir le CV de Benoît Géhanne page 74

est régulièrement contraint par les activités humaines, en particulier quand cellesci induisent l’exploitation économique, Benoît Géhanne intègre à la construction de la peinture la perturbation des éléments entre eux. La peinture, elle-aussi, est un espace de luttes. Ces bousculements sont mobilisés jusque dans la matière même du support. L’huile associée à l’aluminium prolonge cette réflexion sur la matérialité de la peinture, appliquée sur un support non conventionnel. Les coffrages de bois laissent leur emprunte sur le béton des barrages. Le travail de texture permet d’enrichir la composition d’une atmosphère où la matité domine, perturbant ainsi la lecture traditionnelle de l’image, intégrée comme un élément à distance, découpée par une forme au premier plan, à travers laquelle elle se laisse en partie saisir. Les suggestions et les allusions s’imbriquent, l’œuvre s’ouvrant là où elle se borne et où se dessinent les marges.

flèche, barrage #1 , 2017, CP, chêne et acrylique, 250 x 18 x 120 cm flèche, barrage #2, 2017, CP, chêne et acrylique, 140 x 54 x 110 cm

retenue #1, 2017, huile sur aluminium, 144 x 120 cm

retenue #6, 2017, huile sur aluminium, 100 x 80 cm

recul #15, 2017, huile sur aluminium, 100 x 80 cm

circuit #3, 2016, graphite sur papier, 50 x 70 cm

circuit #2, 2016, graphite sur papier, 50 x 70 cm 24

circuit #5, 2016, graphite sur papier, 50 x 70 cm

retenue #5, 2017, huile sur aluminium, 100 x 80 cm

retenue #4, 2017, huile sur aluminium, 144 x 120 cm

retenue #3, 2017, huile sur aluminium, 144 x 120 cm

retenue #2, 2017, huile sur aluminium, 100 x 80 cm

biais #20, 2014, bois, peinture acrylique, photographies, 168 x 134 x 25 cm vue de lâ&#x20AC;&#x2122;exposition Full frontal nudity, 2016, galerie Djeziri-Bonn, Paris

... L’esthétique de ces espaces offre au regardeur la chance de s’y perdre, de s’abandonner au monde ... 31

JOHAN LARNOUHET La peinture de Johan Larnouhet déploie l’univers de l’installation, avec des références à la composition classique et une géométrie mobilisée comme un vocabulaire en expansion, en fonction des associations d’objets et des situations perçues. Ces espaces peuvent ainsi être envisagés comme des décors abandonnés. La peinture devient un chantier où toutes les formes sont accueillies avec un égal respect. À l’heure du numérique, ses peintures tentent de reconstruire une réalité à partir de cette multiplication des écrans, comme autant de fenêtres ouverte sur le monde, de prismes de projection. Certains sols peints en damier ou en motifs géométriques renforcent le sentiment d’étrangeté, rappelant les peintres primitifs italiens où le mystère tient aussi à la multiplication des formes. Cette étrangeté est accentuée par le dégradé des ciels, projection de l’immense et du désirable, ainsi que de l’inattendu. Entassement d’éléments contradictoires ou complémentaires, les formes proposées coexistent entre elles. La peinture de Johan Larnouhet est un art de la synthèse, réalisant le rapprochement des éléments par l’épure, laissant peu à peu disparaître les sources. Les formes simples, parfois élémentaires, semblent intégrer une codification, un langage primordial avec lequel des possibilités infinies sont étalées. La mise en scène évoque le théâtre et l’agencement d’un espace clos, déterminé, réceptacle d’une situation. Les figures humaines en sont absentes. Le mouvement est suggéré par la position des éléments. La composition enrichie par un jeu subtil d’éclairages et de perspectives permettant de sculpter le vide, de lui donner une identité. Vies en chantier et théâtres du quotidien s’imbriquent et provoquent la naissance de nouvelles atmosphères au langage radical. Le dualisme de la composition de la peinture traverse certaines de ses œuvres. L’architecture fait face à la nature, l’ombre portée se construit dans des espaces baignés de lumière, les espaces clos se poursuivent ailleurs avec des ouvertures

voir le CV de Johan Larnouhet page 74

éparses. Ses inspirations mobilisent les utopies et la construction de mondes fictifs, réalisés à partir d’éléments du réel. Sa peinture convoque aussi bien des références à la renaissance italienne, qu’à la peinture métaphysique ou à l’art minimal. Par juxtaposition, Johan Larnouhet accentue le contraste, formalise les oppositions, suggérant la construction des coulisses de la peinture, affirmant son goût pour une architecture labyrinthique et utopique. La réflexion distanciée et le questionnement induit, le projet non strictement réaliste et figuratif de la peinture de l’artiste entretiennent des similitudes avec les préceptes de la forme épique du théâtre de Brecht, avec une ambition plus conceptuelle que politique : prééminence de la narration, vision élargie du monde, montage, présence du spectateur face au spectacle. L’esthétique de ces espaces offre au regardeur la chance de s’y perdre, de s’abandonner au monde.

sans titre (détail), 2016, huile sur toile, 180 x 180 cm

sans titre, 2016, huile sur toile, 160 x 130 cm

sans titre, 2016, huile sur toile, 180 x 180 cm

sans titre, 2015, huile sur toile, 200 x 160 cm

sans titre, 2016, huile sur toile, 160 x 130 cm

sans titre, 2017, huile sur toile, 160 x 200 cm

Pruitt-Igoe, 2017, huile sur toile, 160 x 195 cm

Sans titre, 2017, huile sur toile, 160 x 200 cm

sans titre, 2014, huile sur toile, 195 x 160 cm

sans titre, 2015, huile sur toile, 160 x 200 cm

... Le cadrage, parfois accidenté, augmente la perception sensible d’un instant volé .... 45

JÉRÉMY LIRON A côté, quand le regard se laisse aller à la contemplation d’autre chose, à la marge de l’action principale et du spectaculaire. A côté, quand une ombre projetée intensifie la matérialité d’un objet, d’un élément d’architecture. A côté, quand la pensée entre en intimité avec le réel. La peinture de Jeremy Liron procède par détours successifs. Le regard semble ricocher d’un point à un autre, libéré de l’attrait premier du réel, là où d’ordinaire l’action se trame. La quotidienneté entre en résonance dans le rapprochement des sujets. Sensible à l’approche littéraire de Hugo von Hofmannstahl qui portait son regard sur tous les objets du monde, à commencer par les plus communs et donc les plus oubliés, Jérémy Liron explore luimême ce vocabulaire de la marge. Il s’attarde sur ce que le regard exclut habituellement. Qu’il s’agisse d’un parcours d’architecture, de la tête d’une sculpture, d’une barrière au coin d’une rue, d’un paysage d’été serein. L’architecture est ainsi livrée en portrait. Et, les habitants absents sont suggérés par les aménagements alentour. Un travail sur l’épuisement de la reproduction des formes aboutit à une confrontation aux caractéristiques de l’architecture et du paysage. Ce dernier suggère un rapport sentimental à la matérialité des choses. Le cadrage, parfois accidenté, augmente la perception sensible d’un instant volé. La peinture de Jérémy Liron est évocatrice d’un présent permanent, nourri pas la multiplication des images, perçues et vécues comme des instantanés. La vision périphérique s’impose comme l’indice d’une grande déambulation, à la recherche de l’absence, d’un signe caché, d’une forme surprenante. La fragmentation du réel s’accompagne d’une stylistique minimale, retenue par les lignes de fuites, les couleurs douces et lissées. Les tonalités accentuent la distanciation de l’action et peut-être du temps lui-même qui semble s’échapper, revenir d’un autre état, d’un passé révolu. Ses peintures sont-elles finalement celle du présent permanent, de l’instant à saisir, ou au contraire doivent-elles-être considérées comme des souvenirs, des évocations

voir le CV de Jérémy Liron page 75

plus lointaines ? La peinture ajoute à l’image le trouble du temps choisi, ce qui ouvre la lecture de l’œuvre au statut de l’image, à ses caractéristiques plastiques et à son langage esthétique. L’œuvre se confond-elle avec le document ? Une des réponses sur cette question du temps de la représentation et du rapport à l’image comme document est apportée par Aby Warburg, autre inspiration déterminante dans le travail de Jéremy Liron. L’image est primordiale. Elle s’impose avant toutes les autres actions de la représentation. Avec elle, ce n’est plus la réalité qui importe, mais le rapport au monde, c’est-à-dire la traduction des impressions humaines. L’image est une sempiternelle conjuration des peurs et des incompréhensions. La peinture de Jérémy Liron est contextualisation du réel. L’image ne reproduit pas le réel, elle en dessine les bornes, nécessaires à la projection de l’individualité. A la périphérie du monde et au centre de soi-même.

Paysage 122, 2013, huile sur toile sous plexiglas, 134 x 134 cm (détail)

Paysage 150, 2017, huile sur toile, 132 x 105 cm

Paysage 137, 2017, huile sur toile, 120 x 120 cm

Sans titre, 2017, huile sur toile, 50 x 40 cm

Paysage 147, 2017, huile sur toile, 144 x 111 cm

Paysage 145, 2017, huile sur toile, 2 x (162 x 130 cm) (diptyque)

Paysages 136, 143, 135, 138, 2017, huile sur toile, 116 x 96 cm chaque

Paysages 142, 141, 149, 139 , 2017, huile sur toile, 116 x 96 cm chaque

Sans titre, 2017, huile sur toile, 55 x 46 cm

Paysage 121, 2013, huile sur toile, 134 x 134 cm

... Au seuil de la tempĂŞte, avant que la catastrophe ne se produise, tout est encore possible ... 59

AURORE PALLET La peinture de Aurore Pallet combine le travestissement des formes, la mobilisation du document et l’exploration des proximités formelles. Chaque série est une histoire en plusieurs chapitres où la forme révèle la condition d’un état de l’action humaine. Elle construit des hypothèses sur le monde en mobilisant des concepts classiques, point d’appui d’un travail qui se saisit du document, du mythe et de ses symboles. L’humanité est scrutée au travers du drame et du fait historique. Ces hypothèses sont des ouvertures sur l’interprétation humaine des phénomènes, créant des images mentales. Les déchaînements de la nature ne sont-ils pas les métaphores de la folie humaine ? Dans l’Odyssée d’Homère, Ulysse doit affronter les vents libérés par le dieu Eole. Sa grotte de lave à Stromboli en Sicile, où Rossellini filma Ingrid Bergman dans le rôle d’une femme prisonnière de l’île, est un lieu de mythologie perpétuelle. C’est aussi sur une île déserte que Prospero et Miranda se retrouvent dans la Tempête de William Shakespeare. L’exploration du paysage moteur de l’action rappelle également les grands thèmes de la peinture classique, comme Paysage orageux avec Pyrame et Thisbé de Nicolas Poussin où les éléments déchaînés évoquent les passions troublées et le mystère d’une nature indomptable. Et de la peinture romantique allemande, lieu d’une réflexion philosophique sur le rapport de l’individu face à l’immensité des paysages. L’évocation de la tornade est aussi celle du cinéma américain avec Twister de Jan de Bont en 1996 ou Take Shelter de Jeff Nichols en 2011. C’est aussi la tornade qui emporte Dorothée dans le Magicien d’Oz de Lyman Frank Baum, élément déclencheur de l’aventure du livre. Avec les tempêtes et des déluges, les comportements humains, en proie au doute et à la survie, sont révélés. Au seuil de la tempête, avant que la catastrophe ne se produise, tout est encore possible, au bord du basculement. Aurore Pallet a notamment porté son attention sur les chasseurs d’orages et de leurs inlassables pérégrinations. Ils appréhendent ainsi la nature en exposant leur corps à la dureté des éléments, essayant de rejoindre le sublime, d’être là « au bon moment ».

voir le CV d’Aurore Pallet page 75

L’individu ne peut plus feindre ou jouer. Elle s’est également inspirée de la fresque de Uccello, le Déluge, poursuivant cette interprétation d’un motif récurrent dans son œuvre. Avec les Augures, en lien avec le De Rerum Natura de Lucrèce, les paysages sont accidentés au point d’incarner des fantômes. Ils sont les indices tangibles de notre lien avec le cosmos, de l’engloutissement, au milieu des signes et des images, avec lesquels nous nous débattons. Au milieu des tempêtes, qui devenons-nous, oracles ou héros ? Aurore Pallet dépasse la lecture classique du phénomène naturel, mobilisant les documents qui étayent la clarification du réel, dans une visée anthropologique. Toujours prêts à nous saisir des rôles offerts par le destin, nous luttons pour notre survie. En acceptant le kairos, nous saisissons l’opportunité qui jamais ne se représente à nous. Les orages et les tempêtes intéressent Aurore Pallet parce qu’ils sont des prétextes, des biais symboliques menant à une réflexion sur l’image mentale, l’instant qui précède un déclenchement, la transformation d’un état. Saisir le moment où tout est encore possible, où le monde n’a pas encore totalement basculé, c’est ouvrir la peinture au vertige du présent.

Les augures 12, 2017, huile sur bois, 55 x 132 cm

Les annonces fossiles 15, 2014, huile sur bois, 17 x 25 cm

Les annonces fossiles 17, 2014, huile sur bois, 17 x 25 cm

Les Augures 10, 2017, huile sur bois, 91,5 x 81 cm

Les Augures 14, 2017, huile sur bois, 55 x 72,5 cm

Les Augures 9, 2016, huile sur bois, 45 x 77 cm

Sans titre, 2017, huile sur toile, 160 x 130 cm

Les Augures 7, 2016, huile sur bois, 35 x 60 cm

Sans titre, 2017, huile sur bois, 50 x 40 cm

Antoine Carbonne ... Benoît Géhanne ... Johan Larnouhet ... Jérémy Liron ... Aurore Palet ... Théo-Mario Coppola ... 73

Antoine Carbonne, né en 1987, vit et travaille à Bruxelles. Il est diplômé de l’Ecole Nationale des Beaux Art de Paris en 2011. Il est représenté par la Galerie Virginie Louvet à Paris. Expositions personnelles : Sunbathed (Galerie Virginie Louvet, Paris, 2014), Espèces d’espaces (GAC, Créteil, 2014). Expositions collectives récentes : Le confort moderne (Clovis XV, Bruxelles, 2014), Après la pluie.I (Galerie Virginie Louvet, Paris, 2014), EXO#4 (Belleville, Paris, 2014), Round the Rugged Rocks (Espace Plateforme, Paris, 2014). Résidences : Lycée agricole Naturapolis (Châteauroux, 2014), Ateliers du Plessix-Madeuc (Corseul, 2013). Prix : Fondation Colas, 2012, Colin Lefranq, 2009. Benoît Géhanne, né en 1974, vit et travaille à Paris

Il est diplômé de l’École Nationale des Arts Décoratif en 1997. Expositions personnelles récentes : Full frontal nudity (galerie Djeziri-Bonn, Paris, 2016), Station (mairie du 11ème arrondissement de Paris, 2015), Le cas, les circonstances (Progress Gallery, Paris, 2014), Niches (galerie du HautPavé, Paris, 2014). Expositions collectives récentes : Piss off reality (galerie Djeziri-Bonn, Paris, 2017), Dix ans de résidences à Chamalot (Chamalot-Résidence d’artistes, Paris, 2016), Chromatisse (galerie Djeziri-Bonn, Paris, 2016), et/ou (Progress Gallery, Paris, 2015), Des lieux de Digression (Progress Gallery et les Salaisons, Paris, 2015), Lauréats du prix Novembre à Vitry (galerie Jean-Collet, Vitrysur-Seine, 2014), Tout va, et de travers (Les Salaisons, Romainville, 2013). Prix et résidences : Lauréat du Prix Novembre à Vitry, 2013, Art et logements sociaux - résidence dans un immeuble de la SIEMP (Paris 11ème, 2015), La Permanence - avec le collectif kurt-forever (Clermont-Ferrand, 2013). Publications : Point Contemporain n°6 - septembre 2017, catalogue 10 ans de résidence à Chamalot 2016, catalogue des lauréats du Prix Novembre à Vitry 2013, catalogue Et pour matériaux, les standards 2013, catalogue Vendanges de Printemps 2012 - Chamalot-Résidence d’artistes, catalogue Jeune Création 2012.

Johan Larnouhet, né en 1988, vit et travaille à Paris. Il est diplômé de l’Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris en 2013. Expositions récentes : Brouhaha (Le Granit, Belfort, 2017), Correspondances (galerie Mansart, Paris, 2017), Jeunes créateurs, (Les Passerelles, PontaultCombault, 2017), Salon de Montrouge (Montrouge, 2016), Only lovers (Le coeur, Paris, 2016), Lost in between (galerie Alexandra de Viveiros, Paris, 2016). Prix : sélectionné pour : Prix Marin, 2017, Keskar Prize, 2014, Takifuji Art Award, 2013. Publications : 50 artistes qui ont la banane, Tafmag, 2016, catalogue du Salon de Montrouge 2016, texte de Mickaël Roy , catalogues de Novembre à Vitry, 2014 et 2013.

Jérémy Liron est né en 1980 à Marseille, il vit et travaille à Lyon. Son travail est représenté par la galerie Isabelle Gounod à Paris. Diplômé de l’École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris en 2005, titulaire d’une agrégation en Arts Plastiques depuis 2007, son travail a bénéficié de nombreuses expositions personnelles et collectives en France et à l’étranger. Enseignant et écrivain, il a publié plusieurs récits et essais. Il est également directeur de collection pour les éditions Publie.net depuis 2009 et administrateur de l’URDLA, Centre International de l’Estampe et de l’Image Imprimée à Villeurbanne depuis 2011. Dernières expositions personnelles :Tacet, (galerie Isabelle Gounod, Paris, 2017) ; Mélancolie des paysages, (galerie Andersen, Luxembourg, 2017) ; Figures, (L’angle, La Roche sur Foron, 2016) ; Les archives du désastre, (galerie Isabelle Gounod, Paris, 2016) ; L’infinie distance des choses dans leur temps, (Fondation Bullukian, Lyon, 2016) ; Retourner le regard, (Ateliers Vortex, Dijon, 2015) ; +++, (galerie des Jours de Lune, Metz, 2015) ; Déployer l’instant/parcourir la mémoire, (artothèque de Caen, 2014) ; Hypnagogies, (galerie Isabelle Gounod, Paris, 2014). Aurore Pallet est née en 1982 à Paris. Elle vit et travaille à Montreuil. Après une maîtrise de littérature, elle rentre aux Beaux-arts de Paris (ateliers de Penone et Albérola) dont elle est diplômée en 2009. Elle est représentée par la galerie Isabelle Gounod à Paris. Expositions récentes : Prendre Les Augures, (exposition personnelle, Labanque, Béthune, 2017) ; Le Déluge, (exposition personnelle, château de Saint Marcel de Félines, 2017) ; Fantômes 2, (exposition collective, galerie Jeune Création, commissariat Benoît Blanchard et Sarah Mercadante, 2017) ; La French Touch, (ArtspaceBoan, Séoul, commissariat Caroline Bissière et Jean-Paul Blanchet, 2016). Prochaine exposition personnelle à la galerie Isabelle Gounod en 2018. Théo-Mario Coppola, né à Roubaix en 1990, est curateur, critique d’art et jeune chercheur. Diplômé de Sciences Po Toulouse et d’un Master II Recherche - SOPOREC (Sociologie politique des représentations et Expertise Culturelle), il travaille actuellement à la rédaction d’une thèse de doctorat sur la socialisation de l’artiste contemporain dans les mondes de l’art à Paris. Proche du cinéma expérimental, il défend activement depuis 2013 l’œuvre de Boris Lehman, aux côtés du réalisateur.Il a notamment organisé Great Expectations avec Amalia Ulman à Venise en 2015, Le Paradis, un peu plus loin autour de la figure de Chantal Akerman, à Paris en 2016, Hotel Europa à Vilnius en Lituanie en juin 2017. Sensible à la notion de ''communauté affective'', il envisage l’exposition comme une situation sociale totale, au sein de laquelle les identités s’affirment et les valeurs se construisent, dans des expressions collectives. La matière textuelle de ses expositions entre en résonance avec la littérature, l’activisme politique et l’expérimental, interprétant, dans une perspective critique des variations autour du statut d’auteur.

Ce catalogue a été édité par Chamalot-Résidence d’artistes à l’occasion de l'exposition Vendange tardive 2017 au CAC de Meymac du 11 novembre 2017 au 14 janvier 2018.

Contact : Chamalot - Résidence d’artistes 19300 Moustier-Ventadour +33 (0)5 55 93 05 90 chamalot.residence@free.fr www.chamalot-residart.fr

Remerciements : L’association tient à remercier : ses adhérents et donateurs, le comité de sélection, EDF.

Avec l’aide du Ministère de la Culture / DRAC de la Nouvelle-Aquitaine, du Conseil Régional de la Nouvelle-Aquitaine, du Conseil Départemental de la Corrèze, Moustier-Ventadour

de la Communauté de Communes de Ventadour, de la Commune de Moustier-Ventadour, de la Communauté Européenne (Leader Corrèze-Ventadour).

Chamalot-Résidence d’artistes fait partie de Cinq,25 - Réseau d’art contemporain en Limousin.

Raphaële Kriegel p.31

Tous droits de reproduction réservés

Cyrille Cauvet p.47-57

pour tous les pays ISBN : 978-2-917684-15-3

Crédits photographiques :

Les artistes / Les auteurs

Dépôt légal : novembre 2017