15 Flourishing Latin American Artists in Miami

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1 15 Latin American Artists in South Florida Collection

FLOURISHING LATIN AMERICAN ARTISTS IN MIAMI

Texts/Textos Megan Carnrite: Juan Abuela, Maria Andreina Gonzalez, Luis La Rosa, Leonardo Moleiro, Rafael Montilla.

Jared Christensen: Luis Altieri, Ileana Rincón-Cañas, Felix Carmelo Rios, Sandra Szkolnik.

Kelly Zhong: Morelia Avilán, Julio Figueroa Beltrán, Astolfo Funes, Marianela Pérez, Rosario Rivera-Bond, Wuilfredo Soto.

Agradecimientos/ acknowledgements

Photographs/Fotografías Juan Abuela: Courtesy of the artist’s studio/Cortesía del taller del artista. Luis Altieri: Alejandro González, Lucía Cruz (Black Tower Gallery) (Kali-Venus Aphrodite/Kali-Venus Afrodita). Morela Avilán: Carolina Muñoz.

Julio Figueroa Beltrán: Courtesy of the artist’s studio/Cortesía del taller del artista. Astolfo Funes: Courtesy of the artist’s studio/Cortesía del taller del artista. Maria Andreina Gonzalez: Carolina Muñoz, Álvaro Romero (Portrait of the artist and Red “Precinto”/Retrato de la artista y Precinto rojo). Luis La Rosa: Courtesy of the artist’s studio/Cortesía del taller del artista, Carolina Muñoz (Particle Accelerator). Leonardo Moleiro: Courtesy of the artist’s studio/Cortesía del taller del artista, Claudio Napolitano (Portrait of the artist/Retrato del artista). Rafael Montilla: Edwar Simal (Kube Man/Hombre kubo), Manuela Delgado (Portrait of the artist and A Cube in a Block/Retrato del artista y Un cubo en una manzana), Rafael Montilla (Kubes in Action and Kubes Land/Kubos en acción y Kubos Land). Marianela Pérez: Courtesy of the artist’s studio/Cortesía del taller de la artista, Anabel Morey (Portrait of the artist, Red Harmony and Mediterranean Sea/Retrato de la artista, Armonía roja y Mar Mediterráneo). Ileana Rincón-Cañas: Courtesy of the artist’s studio/Cortesía del taller de la artista, Francisco Páez-Pumar (Portrait of the artist/Retrato de la artista). Félix Carmelo Ríos: Michael López, Juan Vicente Oropeza (Portrait of the artist/Retrato del artista). Rosario Rivera-Bond: Oriol Tarridas.

Wuilfredo Soto: Courtesy of the artist’s studio/Cortesía del taller del artista, Mariana Soto (Portrait of the artist, Chromatic Waves Motion, White Metallic Distortion, Black Metallic Distortion and Silent Distortion Steel/ Retrato del artista, Movimiento de ondas cromáticas, Distorsión metálica blanca, Distorsión metálica negra y Acero de distorsión silenciosa). Sandra Szkolnik: Carolina Muñoz, Camila Funes (Portrait of the artist/Retrato de la artista). Portrait of/Retrato de Katherine Chacón: Manuela Delgado.

Manuela Delgado

Graphic Design/Diseño gráfico Olga Kelbic Editor/Corrector Megan Carnrite/Katherine Chacón Translations/Traducciones Katherine Chacón Concept and Editorial Coordination/Concepción y Coordinación editorial Katherine Chacón/Pan Paniscus Art Services.

Printing/Impresión Printed in Colombia by/Impreso en Colombia por Global Print Services, Inc. www.globalprintservicesinc.com Copies/Ejemplares 200 ISBN: 979-8-218-15744-9

Copyright/Todos los derechos reservados ©2023 Katherine Chacón Miami - Florida

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Mónica Amor Morela Avilán Elizabeth Chacón Carolina Delon Imago x las Artes Rafael Montilla Carolina Muñoz Trina Oropeza Rosella Papale Jim Peele María Alejandra Prado Eladio Robertson Eduardo Rodríguez Wuilfredo Soto

Delgado Valdés Gallery Signo, Arte Contemporáneo Román Funes G. Ricardo López Tomasi Vanessa Valdés P.

FLOURISHING LATIN AMERICAN ARTISTS IN MIAMI

Introduction South Florida, and in particular the city of Miami, is an extraordinary culturally-rich community formed by the gathering of dozens of diverse groups that hail from all corners of the globe. In the art field, the confluence of creators with different traditions, styles and narratives is notable.

However, these artists—whether beginning or re-starting their careers—must be inserted into a new cultural environment. They need platforms that allow them to show and discuss their work, as well as engage with professionals conversant with current critical approaches. Exhibitions, publications, talks, and other vehicles are some ways that artists can become integrated into the dynamic and plural cultural environment of the United States.

The book series 15 Latin American Artists in South Florida was conceived to contribute to this task. This first volume, 15 Flourishing Latin American Artists in Miami, compiles the work of creators from Argentina, Cuba, Peru, Puerto Rico, the Dominican Republic and Venezuela, whose blooming trajectories show the vibrant plurality of visual arts in our city.

Paintings by Luis Altieri and Rosario Rivera-Bond revisit the free lines of abstract expressionism to comment on inner drives associated with spirituality, in Altieri, and daily experiences, in Rivera-Bond. The minimal gesture is Morela Avilán’s signature with which she interweaves fields of color that aspire to represent the cosmos. The languages ​​derived from geometric abstraction take different routes in the paintings of Felix Carmelo Rios, associated with minimalist rigor, and Marianela Pérez, interested in building dynamic planes through color. Likewise, Sandra Szkolnik, Maria Andreina González and Wuilfredo Soto base their three-dimensional proposals on geometry. Szkolnik creates "folded" structures that examine space; González focuses on color as a vibratory element, and Soto inquires into new paths for kinetic art. The sculptures by Juan Abuela, the "quantum" installations by Luis La Rosa, and the urban interventions and performances by Rafael Montilla, are also the result of their studies on geometry, assumed as a pivot for artistic formulations with the grammar of contemporary art. Leonardo Moleiro creates colorful figures that border geometric and representative languages. In the figurative sphere, the enigmatic paintings of Julio Figueroa Beltrán and the digital artworks by Ileana Rincón-Cañas offer delicious dreamlike visions for our imagination. For his part, Astolfo Funes elaborates on a raving and strident figuration related to Street Art and graffiti.

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Young American curators—Megan Carnrite, Jared Christensen, and Kelly Zhong—wrote critical essays on the work of the artists gathered here. They not only gave a professional vision of each work but made possible the promotion of these artists in alternate circuits to the Latin American orbit.

I thank all the creators who believed in this project and the professionals who made it possible through their lucid gazes: to the curators for their wise critical comments on the artists, especially Megan Carnrite, who also edited the English texts; to Venezuelan designer Olga Kelbic, whose years conceiving art publications gave her the sensitivity and sense of excellence necessary to undertake a publication like this; and to all who in one way or another helped to make this book a tangible reality.

Katherine Chacón

Introducción El sur de la Florida, y especialmente la ciudad de Miami, posee una extraordinaria riqueza cultural debido a la convivencia de docenas de grupos humanos provenientes de diversos rincones del mundo. En el campo del arte, es notable la confluencia de creadores que traen consigo diferentes tradiciones, estilos y narrativas. No obstante, estos artistas, ya sea que inicien o retomen su carrera, se ven urgidos de insertarse en un ambiente cultural que los desconoce, por lo que necesitan de plataformas que les permitan mostrar y discutir su trabajo, así como establecer relaciones con profesionales conocedores de los enfoques críticos actuales. Exposiciones, publicaciones, charlas y otros vehículos de difusión, son algunas de las vías para darse a conocer e integrarse al dinámico y plural entorno cultural de los Estados Unidos.

La serie de libros 15 artistas latinoamericanos en el sur de la Florida ha sido concebida para contribuir con este cometido. Este primer volumen, 15 Flourishing Latin American Artists in Miami, compila el trabajo de creadores provenientes de Argentina, Cuba, Perú, Puerto Rico, República Dominicana y Venezuela, cuyas trayectorias se encuentran en pleno auge y dan cuenta de la vibrante pluralidad que poseen las artes visuales de nuestra ciudad.

Los cuadros de Luis Altieri y Rosario Rivera-Bond actualizan los trazos libres del expresionismo abstracto para hablar de pulsiones interiores asociadas a la espiritualidad, en Altieri, y a las vivencias cotidianas, en Rivera-Bond. Morela Avilán ha hecho del gesto mínimo su sello particular con el que entreteje campos de color que aspiran a representar el cosmos. Los lenguajes derivados de la abstracción geométrica toman diversas vías en las pinturas de Felix Carmelo Rios, asociado al rigor minimalista, y Marianela Pérez, interesada en construir planos dinámicos a través del color. Asimismo, Sandra

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Szkolnik, Maria Andreina González y Wuilfredo Soto asientan sus propuestas tridimensionales en la geometría. Szkolnik, en estructuras «plegadas» que examinan el espacio; González, en su focalización del color como elemento vibratorio, y Soto, indagando en nuevos derroteros para el arte cinético. Las esculturas de Juan Abuela, las instalaciones «cuánticas» de Luis La Rosa, y las intervenciones urbanas y performances de Rafael Montilla resultan también de estudios sobre la geometría, asumida como pivote de formulaciones plásticas acordes con la gramática del arte contemporáneo. Leonardo Moleiro crea coloridas figuras que bordean lo geométrico y lo representativo. En el campo de la figuración, las enigmáticas pinturas de Julio Figueroa Beltrán y los trabajos en arte digital de Ileana Rincón-Cañas rescatan para nuestro imaginario las deliciosas visiones de lo onírico. Por su parte, Astolfo Funes elabora una figuración rabiosa y estridente que debe mucho al Street Art y al grafiti.

Jóvenes curadores americanos —Megan Carnrite, Jared Christensen y Kelly Zhong— escribieron los ensayos críticos sobre el trabajo de los artistas aquí reunidos. De esta forma, no solo se otorgó una visión profesional de cada obra, sino que se proyectó su posible promoción en circuitos alternos al ámbito latinoamericano.

Agradezco a todos los creadores que creyeron en este proyecto y a los profesionales que lo hicieron posible a través de sus lúcidas miradas: a los curadores por sus atinados comentarios críticos sobre los artistas, especialmente a Megan Carnrite, quien además llevó a cabo la edición de los textos en inglés; a la diseñadora venezolana Olga Kelbic, a quien sus años creando publicaciones de arte le han otorgado la sensibilidad y el sentido de excelencia necesarios para acometer una publicación como esta, y a todas las personas que de una u otra forma coadyuvaron a que este libro fuese hoy una realidad palpable.

Katherine Chacón

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Pressure 13, 2022 Wood, concrete, and spray paint 32 x 29.7 x 10 in.

Presión 13, 2022 Madera, concreto y pintura en aerosol 81.3 x 75.4 x 25.4 cm

Juan ABUELA

Juan Abuela’s Pressure series is a masterclass in precision.

Despite the seemingly disparate and commanding materials—including concrete, wood, and spray paint—Abuela’s clever hand thoughtfully applies each element such that the resulting sculpture asserts itself in space, declaring that is how it was always meant to exist. Never overwrought, never underdone, always in harmony. Although many of the works in Pressure are oversized, they maintain a sense of levity as if unconstrained by the tethers of gravity. Abuela’s Pressure 16 is a shining example of the series’ successes. The sculpture is nearly four feet high with three curved wooden bands, each painted with a vibrant gradient, enveloping a cast concrete block. In less adept hands, these

Villa Clara, Cuba, 1974.

literally and figuratively hefty features may otherwise lend to a cumbersome

Education/Educación

charge, but with Abuela’s savvy, they are seemingly weightless and natural.

Abuela’s early and constant interaction with different artistic manifestations in Cuba, including his family’s generations-long dedication to carpentry, provided him with an unconventional art education.

The prismatic paint colors also allude to this organic nature. Each color melts seamlessly from one into the next, suggesting the curvilinear wooden bands are instead translucent liquids actively refracting a warm passing light as they ebb and flow around the concrete core.

La serie Presión de Juan Abuela es una clase magistral de exactitud. A pesar del uso de materiales imponentes y aparentemente dispares, como el concreto, la madera y la pintura en aerosol, la mano inteligente de Abuela cuida cada elemento para que la escultura resultante se afirme en el espacio exponiendo la idoneidad de su existencia. Nunca sobrecargada, nunca irresoluta, siempre en armonía. Aunque muchas de las obras de esta serie son de gran tamaño, trasmiten una sensación de ligereza, como si no estuvieran restringidas por las ataduras de la gravedad. Presión 16 es un brillante ejemplo de los aciertos de la serie. La pieza mide más de un metro de alto y está construida con tres bandas curvas de madera pintadas en vibrantes gradaciones, que envuelven un bloque de concreto. En manos menos expertas, esta pesadez —―literal y figurada— podría haberse convertido en una engorrosa carga, pero la inteligencia de Abuela la lleva a parecer naturalmente liviana. Los colores prismáticos de la pintura también aluden a esta naturaleza orgánica. Cada tono se funde a la perfección con el siguiente, sugiriendo que las bandas de madera curvilíneas son, más bien, líquidos translúcidos que refractan una cálida luz a medida que fluyen continuamente alrededor del núcleo de hormigón.

Abuela recibió una educación artística no convencional en Cuba, como resultado de su temprana y constante interacción con diferentes manifestaciones artísticas, entre ellas, la legada por su familia, dedicada por generaciones a la carpintería.

Solo shows/exposiciones individuales Two-Faced. Miami International Fine Arts (MIFA) (Miami, FL, 2022).

Unfunctional Function. Sidney & Berne Davis Art Center (SBDAC) (Fort Myers, FL, 2021).

Selected group shows/selección de exposiciones colectivas 1xONE. JCamejo Art (Miami, FL, 2019).

Bradica. Saladrigas Gallery, Ignatian Center for the Arts at Belen Jesuit Preparatory School (Miami, FL, 2018).

Nine. Artists on The Green. Gallery at Green Library, Florida International University (FIU) (Miami, FL, 2015).

Con lo mínimo. Aimee Perez Gallery (Miami, FL, 2014).

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Pressure 17, 2022 Wood, concrete, and spray paint

17 x 17 x 8 in.

Presión 17, 2022 Madera, concreto y pintura en aerosol

43.1 x 43.1 x 20.3 cm Pressure 14, 2022 Wood, concrete, and spray paint 8 x 41 x 7.5 in.

Presión 14, 2022 Madera, concreto y pintura en aerosol 20.3 x 104.1 x 19 cm Pressure 16, 2022 Wood, concrete, and spray paint 42 x 16 x 10 in.

Presión 16, 2022 Madera, concreto y pintura en aerosol 106.6 x 40.6 x 25.4 cm

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Pressure 21, 2022 Wood, concrete, and spray paint 10 x 27 x 22 in.

Pressure 21, 2022 Madera, concreto y pintura en aerosol 25.4 x 68.5 x 55.8 cm Pressure 18, 2022 Wood, concrete, and spray paint 24 x 4 x 6 in. (ea.) (3 pieces) Presión 18, 2022 Madera, concreto y pintura en aerosol 60.9 x 10.1 x 15.2 cm (c/u) (3 piezas) Pressure 7, 2022 Concrete and lacquer paint 19 x 13 x 13 in.

Presión 7, 2022 Concreto y pintura de laca 48.2 x 33 x 33 cm

August in Leo, 2022 Mixed media on canvas 59 x 59 in.

Agosto en Leo, 2022 Técnica mixta sobre tela 150 x 150 cm

Luis ALTIERI

Luis Altieri’s works lie somewhere between art and meditation, as does the artist himself. Aside from his prolific painting practice, Altieri is a trained yogi, which manifests literally and conceptually throughout his work.

Across largely abstract expressionist works, we see collaged imagery from East Asian culture, the Hindu Om most recognizable among them. The paintings call to mind the works of Robert Rauschenberg, only more spiritual than political. At the heart of Altieri’s practice is the gesture, which the artist describes as something from deep within, tapping into ancestral memories. These gut influences ground his paintings as flowing dark forms, a meditative release translated from the spirit to the arm to the surface—a bridge, as Altieri calls it. Vibrant colors enter the canvas as counterpoints to the gestural lines; they connote emotions and bring exuberance to some pieces in response to the minimalism of others.

Altieri speaks of the dance of expressionist poetics in which paintings represent a choreography of line, gesture, and color. The resulting works form a body that contains small moments of expression subsumed in a field of color, constantly navigating the balance between chaos and silence.

Buenos Aires, Argentina, 1962.

Education/Educación Life Drawing/Dibujo con modelo vivo.

Asociación Estímulo de Bellas Artes (Buenos Aires, 1993-1996).

Visual Arts/Artes Plásticas. Studios of the artists/Talleres de los artistas: Carlos Tessarolo, Pérez Celis y Víctor Chab (Buenos Aires, 1996-2000).

Selected solo shows/Selección de exposiciones individuales

Las obras de Luis Altieri, como el propio artista, se ubican en un lugar entre el arte y la meditación. Aparte de su prolífica práctica pictórica, Altieri es un experimentado yogui, lo que se manifiesta literal y conceptualmente en todo su trabajo. En sus piezas expresionistas en gran medida abstractas se yuxtaponen imágenes de la cultura de Asia oriental, siendo el Om hindú la más reconocible. Sus pinturas recuerdan las obras de Robert Rauschenberg, pero son más espirituales que políticas. El corazón de la práctica de Altieri es el gesto, que el artista describe como algo nacido de lo más profundo, que tiene como fuente la memoria ancestral. Estos impulsos viscerales cimentan sus pinturas mediante un flujo de formas oscuras, una descarga meditativa que va del espíritu al brazo y de este a la superficie; un puente, en palabras del artista. Los colores vibrantes se suman al lienzo como contrapunto a estas líneas gestuales; ellos connotan emociones y aportan exuberancia a algunas piezas en respuesta al minimalismo de otras. Altieri habla de la danza de la poética expresionista en la que las pinturas representan una coreografía de línea, gesto y color. Las obras resultantes forman un cuerpo que contiene pequeños momentos de expresión subsumidos en un campo de color, navegando constantemente entre el caos y el silencio.

Poética expresionista. Cott Gallery (Buenos Aires, 2022).

Abstracta. Miami Circle Contemporary Art (MCCA) (Miami, Fl, 2019).

Luis Altieri. Pinturas. Palacio Duhau (Buenos Aires, 2018).

Pintura & Collage. Museo Emilio Caraffa (Córdoba, Argentina, 2015).

Alta Frecuencia. Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires, 2008).

Pinturas. Universidad Nacional de San Martín (Buenos Aires, 2008).

Selected group shows/selección de exposiciones colectivas 41e Moussem Culturel International d’Assilah. Palais de la Culture (Asilah/Arcila, 2019).

Marrakesh Recontre Internationale des Artistes. Association Ateliers d’Art Contemporain (Marrakesh, 2018).

De Kunst10daagse, 10 days of Art (Bergen, Netherlands/Países Bajos, 2008).

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Kali-Venus Aphrodite, 2022 Mixed media on canvas 78.8 x 118.1 in. (diptych) Kali-Venus Afrodita, 2022 Técnica mixta sobre tela 200 x 300 cm (díptico) Vermelho, 2022 Mixed media on canvas 47.2 x 78.8 in. (diptych) Vermelho, 2022 Técnica mixta sobre tela 140 x 200 cm (díptico)

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Shakti, 2022 Mixed media on canvas 59 x 59 in.

Shakti, 2022 Técnica mixta sobre tela 150 x 150 cm Sienna Erotic Skin, 2022 Mixed media on canvas 47.2 x 78.8 in. (diptych) Siena piel erótica, 2022 Técnica mixta sobre tela 140 x 200 cm (díptico) Terrataurus, 2022 Mixed media on canvas 59 x 59 in.

Terratauro, 2022 Técnica mixta sobre tela 150 x 150 cm

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Blue-Purple Lunette, 2019 Acrylic on canvas 18 in. Ø Luneta azul-violeta, 2019 Acrílico sobre tela 45.7 cm Ø

Morela AVILÁN

Morela Avilán’s work investigates the physical manifestations and symbolic correlations of nature, energy, and the cosmos. Informed by her 30-year career as a civil engineer and a painting trajectory of more than 25 years, Avilán’s paintings draw many influences from her interests in quantum physics, history, and spirituality. Each painting is built upon overlapped strokes, forming multiple layers to create a dynamic field of color. For Avilán’s most recent series, Lunar, she explores how celestial light reflected in the moon can be captured through various monochrome color fields intended to embody the symbolic aspects of the moon, often linked to feminine energy. Avilán’s use of the circular canvas also operates as an important allegorical device referring to the cyclical evolution. Unlike Solar, her previous series, where Avilán covered the canvas with bright dabs of yellow, orange, and red hues, her recent work offer a quieter, more nuanced representation with softer shades of purple, blues, and greens. As well, influenced largely by the 2020 pandemic, Lunar investigates the contemplative, anxious, and fearful emotions humanity experienced during this tumultuous period.

El trabajo de Morela Avilán investiga en las manifestaciones físicas y los correlatos simbólicos de la naturaleza, la energía y el cosmos. Sustentada en una carrera de treinta años como ingeniera civil y una trayectoria pictórica de más de veinticinco años, la obra de Avilán revela sus intereses por la física cuántica, la historia y la espiritualidad. Cada pintura se construye a partir de trazos que se superponen formando múltiples capas que originan un campo dinámico de color. En su serie más reciente, Lunar, Avilán explora cómo la luz celestial reflejada en la luna puede representarse en superficies monocromáticas con el fin de encarnar los aspectos simbólicos del astro, a menudo vinculados con la energía femenina. El uso que la artista hace del lienzo circular opera asimismo como un importante dispositivo alegórico referido al devenir cíclico. A diferencia de Solar, su serie anterior, donde Avilán cubría la tela con toques brillantes de amarillos, naranjas y rojos, su obra reciente ofrece una representación más sosegada, matizada con tonos más suaves de púrpura, azul y verde. Inspirada en gran medida por la pandemia de 2020, Lunar indaga asimismo en las emociones contemplativas, en la ansiedad y en el temor que experimentó la humanidad durante ese período tumultuoso.

Caracas, Venezuela, 1956.

Education/Educación Civil Engineering/Ingeniería Civil.

Universidad Central de Venezuela (Caracas, 1976-1983).

Painting/Pintura. Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas (Caracas, 1986-1996).

Painting/Pintura. Instituto de Arte Federico Brandt (Caracas, 1986-1996).

New Techniques of Visual Expression/ Nuevas técnicas de expresión visual.

Teacher/Profesor: Víctor Hugo Irazábal (Caracas, 2000-2005).

Selected solo shows/Selección de exposiciones individuales Solar. Curator’s Voice Art Projects (Miami, FL, 2017).

Chromatic Capriccio. Humboldt Group Foundation (Miami, FL, 2016).

Sonata en sol. Alianza Francesa de Chacaíto (Caracas, 2015).

Selected group shows/selección de exposiciones colectivas Colección de colecciones. Sala de Exposiciones del Plata (Dorado, Puerto Rico, 2021).

Echo. Works in Geometric Abstraction by Latin American Artists. Arts Warehouse (Delray Beach, FL, 2021).

Lines of Expression. Pompano Beach Cultural Center (FL, 2020).

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Lunar 15, 2020-2022 Acrylic on canvas 46 in. Ø Lunar 15, 2020-2022 Acrílico sobre tela 116.8 cm Ø Blue-Green Lunette, 2019 Acrylic on canvas 18 in. Ø Luneta azul-verde, 2019 Acrílico sobre tela 45.7 cm Ø

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Square Lunette I, 2019 Acrylic on canvas 12 x 12 in.

Luneta cuadrada I, 2019 Acrílico sobre tela 30.5 x 30.5 cm Gold-Green-Purple Lunette, 2019 Acrylic on canvas 12 in. Ø Luneta oro-verde-violeta, 2019 Acrílico sobre tela 30.5 cm Ø Lunar 11, 2020 Acrylic on canvas 36 in. Ø Lunar 11, 2020 Acrílico sobre tela 91.4 cm Ø Lunar 10, 2020 Acrylic on canvas 36 in. Ø Lunar 10, 2020 Acrílico sobre tela 91.4 cm Ø

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The Encounter, 2012 Oil on canvas 78 x 72 in.

El encuentro, 2012 Óleo sobre tela 198.1 x 182.8 cm

Julio FIGUEROA BELTRÁN

Cuban painter Julio Figueroa Beltrán utilizes a broad range of subjects to investigate people’s relationship with the known and unknown environment. In his paintings that refer to surrealism, the artist brings together various fauna and flora with modern-day industrialized subjects, emphasizing a strange coexistence between nature and manmade objects. He paints in a figurative realistic style while exploring ways to challenge viewers’ perspectives by enlarging certain objects or shrinking others. His use of varying perspectives also prompts an encounter with the sublime as viewers ponder his fantastic landscapes and meticulously painted dreamlike worlds. Another important aspect in Figueroa Beltrán’s paintings is color, demonstrating the artist’s ability to create

Havana/La Habana, Cuba, 1984.

atmosphere and produce unsettling moods. His pieces are bright and colorful,

Education/Educación

but these beautiful images often conjure feelings of loneliness and introspec-

Painting/Pintura. Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro.

(Havana/La Habana, 1999-2003).

tion. Figueroa Beltrán does not present an overt narrative for his paintings but instead wants viewers to conceive their own meaning behind each work. Thus, his work captivates viewers as they try to make sense of the fantastical and often unnerving worlds.

Visual Arts/Artes Visuales. Instituto Superior de Arte (ISA) (Havana/La Habana, 2004-2007).

Selected solo shows/Selección de exposiciones individuales

El pintor cubano Julio Figueroa Beltrán aborda una amplia gama de temas para indagar en las relaciones del ser humano con su entorno conocido y desconocido. En sus pinturas de inspiración surrealista, el artista reúne seres de la fauna y la flora con motivos relativos al mundo industrializado de hoy, enfatizando una extraña convivencia entre la naturaleza y lo hecho por el hombre. Pinta en un estilo figurativo realista mientras explora formas de desafiar el punto de vista del espectador, al agrandar ciertos objetos y reducir otros. Su uso de diferentes perspectivas provoca un encuentro con lo sublime, que ocurre cuando el espectador se adentra en sus paisajes fantásticos y mundos oníricos meticulosamente representados. Otro aspecto importante en la obra de Figueroa Beltrán es el color, que demuestra la habilidad del artista para crear atmósferas y producir inquietantes estados de ánimo. Sus hermosas imágenes, radiantes y coloridas, a menudo evocan sentimientos de soledad e introspección. La obra de Figueroa Beltrán no ofrece una narrativa obvia; por el contrario, busca que el espectador conciba su propio significado en cada pieza. Por lo tanto, su trabajo cautiva a quien lo observa, mientras lo invita a dar sentido a estos mundos fantásticos y, a menudo, desconcertantes.

A Place Beyond the Subconscious.

Sidney & Berne Davis Art Center (Fort Myers, FL, 2022).

Tales from the Inner World to the Outer Space. MIFA Gallery (Miami, FL, 2021).

Midnight Passages. Kendall Art Center (Miami, FL, 2019).

Reparación de la memoria. Galería Rubén Martínez Villena (Havana/La Habana, 2007).

Selected group shows/Selección de exposiciones colectivas Beyond the Plate. Mural and Ceramics from KAC. Museum of Arts & Sciences (Daytona Beach, FL, 2022).

Interference. San Pietro in Atrio (Como, Italy, 2019).

Florida Contemporary. Artis-Naples. The Baker Museum of Art (Naples, FL, 2016).

Collections/Colecciones Frost Art Museum of the Florida International University (Miami, FL).

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The Persuasion Room, 2020 Oil on canvas 72 x 56 in.

La habitación de la persuasión, 2020 Óleo sobre tela 182.8 x 142.2 cm The Tree of Fire, 2019 Oil on canvas 72 x 56 in.

El árbol de fuego, 2019 Óleo sobre tela 182.8 x 142.2 cm The Secret Window, 2021 Oil on canvas 56 x 72 in.

La ventana secreta, 2021 Óleo sobre tela 142.2 x 182.8 cm

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Caldera, 2013 Oil on canvas 78 x 72 in.

Cráter, 2013 Óleo sobre tela 198.1 x 182.8 cm Midnight Launch, 2020 Oil on canvas 66 x 40 in.

Lanzamiento de medianoche, 2020 Óleo sobre tela 167.6 x 101.6 cm

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Color Portrait, 2015 Acrylic on canvas 84 x 84 in.

Retrato en color, 2015 Acrílico sobre tela 213.3 x 213.3 cm

Astolfo FUNES

Venezuelan artist Astolfo Funes paints vibrant works that explore themes of femininity and “the woman.” His pieces, often painted on large canvases, feature faces or groups of women boldly confronting the viewer. They assert an air of self-confidence—―frequently lounging in various bar environments with one or many wine glasses in the background. Funes combines contrasting figurative and abstract expressionist styles to create dynamic compositions full of movement. His application of strokes, stains, drips, and even text overlap with intention and ferocity. However, the artist makes extensive use of drawing, outlining the contours of his figures or applying thick and continuous black lines which, in turn, create a striking and almost graffiti-like quality to his paintings. Funes’

Maracay, Venezuela, 1973.

works critically examine the clichés around femininity and go over topics such

Education/Educación

as beauty, glamor and sexuality. Although his pieces are characterized by their

Visual Arts/Artes Plásticas. Taller Libre de Artes Plásticas (San Carlos, Venezuela, 1993-1994).

lively chromaticism, his women rarely show any signs of expression. Rather, they hold an air of seriousness, sometimes bordering on resignation. In turn, Astolfo Funes’ paintings highlight the relationships between reality and artifice, beauty and contemporary culture.

El artista venezolano Astolfo Funes realiza excitantes obras que exploran temas sobre la feminidad y la mujer. Sus piezas, a menudo pintadas en grandes lienzos, representan rostros o grupos de mujeres que se enfrentan con audacia al espectador. Poseen un aire de confianza en sí mismas, y con frecuencia yacen en ambientes de bares con una o varias copas de vino al fondo. Funes combina estilos figurativos y expresionistas abstractos que contrastan entre sí para crear composiciones dinámicas y llenas de movimiento. Trazos, manchas, goteos e incluso textos se superponen en estas piezas con determinación y ferocidad. Sin embargo, el artista hace un extenso uso del dibujo, delineando los contornos de sus figuras o trazando gruesas y continuas líneas negras que dan a sus pinturas una calidad llamativa cercana al grafiti. Las obras de Funes examinan críticamente los clichés sobre la feminidad e indagan en tópicos como la belleza, el glamur y la sexualidad. Si bien sus piezas se caracterizan por un vivo cromatismo, sus mujeres rara vez se muestran expresivas. Mantienen, más bien, un aire de seriedad que a veces bordea la resignación. A su vez, las pinturas de Astolfo Funes destacan las relaciones entre realidad y artificio, belleza y cultura contemporánea.

Contemporary Painting/Pintura Contemporánea. IUESAPAR (Caracas, 1995-1996).

Selected solo shows/selección de exposiciones individuales Retrato Expresionista. Art Design Gallery (Miami, FL, 2018).

Face to Face. Primo Piano Livin Gallery (Lecce, 2017).

Astolfo Funes. Mycelium Studios (Melbourne, 2017).

En blanco. Solar Gallery (East Hampton, NY, 2010).

Expresionismus Realis. Centre National d’Art et Essai Le Lucernaire (Paris/París, 2002).

Awards/premios He has been honored with 14 awards, including the Armando Reverón Award for Young Artists given by the Venezuelan Association of Visual Artists (Caracas, 2008).

Ha sido merecedor de catorce premios, entre ellos el Premio Armando Reverón a un artista joven, otorgado por la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos (Caracas, 2008).

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Gold Africa, 2018 Acrylic and ink on canvas 84 x 147 in. África dorada, 2018 Acrílico y tinta sobre tela 213.3 x 373.8 cm The Bar, 2019 Acrylic, charcoal, oil, and pastel on canvas 65 x 72 in.

El bar, 2019 Acrílico, carboncillo, óleo y pastel sobre tela 165.1 x 182.8 cm

28

The Gold Purse, 2019 Acrylic, charcoal, oil, and pastel on canvas 141 x 110 in.

El monedero dorado, 2019 Acrílico, carboncillo, óleo y pastel sobre tela 358.1 x 279.4 cm Blue Lashes, 2010 Acrylic, charcoal, oil, and pastel on canvas 60 x 50 in.

Pestañas azules, 2010 Acrílico, carboncillo, óleo y pastel sobre tela 152.4 x 127 cm The Grey Bar, 2022 Acrylic, charcoal, oil, and pastel on canvas 64 x 85 in.

El bar gris, 2022 Acrílico, carboncillo, óleo y pastel sobre tela 162.5 x 215.9 cm

29

Open White “Precinto”, 2022 Aluminum and powder coating 122 x 216.5 x 141.7 in.

Precinto blanco abierto, 2022 Aluminio y recubrimiento electrostático 310 x 550 x 360 cm

Maria Andreina GONZALEZ

Maria Andreina Gonzalez’s series Precintos and Chromatic Thesis prove the artist isn’t afraid to rewrite expectations of the capacities of color and material. While her bold palette and robust use of acrylic and metal should, in theory, lead to an unrestrained spectacle, Gonzalez has such a masterful command of visual language that presumed unruliness is instead polished, dynamic, and balanced. She achieves this harmony partly through her clever use of white gaps, as evidenced in works like Chromatic Thesis. Mix Materials I Series, where energetic multicolored bars are relieved by black and white stripes positioned in the background, and Red Precinto. The red swaths of color claw upward and outward toward the viewer, with each strip’s pronounced bends

Maracay, Venezuela, 1970.

and angular cuts creating dynamic new lines in every direction—but Gonzalez’s

Education/Educación

perfectly proportioned white space between each strip breaks the chaos. It

Painting/Pintura. Jason Galarraga’s Studio/Taller de Jason Galarraga (Caracas, 1996-2000).

transforms the installation into a bold but sleek statement. These white spaces also reorient the works into the pseudo-linguistic, with each vibrant vertical stripe acting as a letter or glyph. Pieces from Chromatic Thesis work much the same, illustrating Gonzalez’s fearless and deft application of restraint.

Las series Precintos y Tesis cromática de María Andreina González demuestran la determinación de esta artista para replantear los alcances expresivos del color y los materiales. Si bien su audaz paleta y su uso vigoroso del acrílico y el metal podrían haberla conducido a soluciones desordenadas, su magistral dominio del lenguaje visual hace que este supuesto descontrol sea, en cambio, algo pulido, dinámico y equilibrado. La artista logra esta armonía a través del uso inteligente de los vacíos, como se evidencia en Tesis cromática.

De la serie Materiales mixtos I, donde las enérgicas franjas multicolores son balanceadas por líneas negras y blancas colocadas al fondo. En Precinto rojo las cintas rasgan el espacio hacia arriba y hacia el espectador, con curvas pronunciadas y cortes angulares que crean nuevas y dinámicas líneas en todas las direcciones. Pero los vacíos perfectamente proporcionados que González deja entre cada tira rompen el caos, lo que transforma la instalación en una declaración audaz pero elegante. Estos también reorientan las obras hacia lo pseudolingüístico, con cada franja vertical vibrante actuando como una letra o un glifo. Las obras de Tesis cromática funcionan de la misma manera, ilustrando la contención intrépida y hábil de González.

Introduction to Acrylic Painting/ Introducción a la pintura en acrílico.

Boca Raton Museum Art School (Boca Raton, FL, 2015).

Drawing/Dibujo. María “Nena” Valbuena’s Studio/Taller de María «Nena» Valbuena (Caracas, 2016).

Artmaking/Elaboración de piezas de arte. Artist/Artista: Leonardo Acosta (Caracas, 2017).

Artmaking/Elaboración de piezas de arte. Artist/Artista: Antonio Paz (Caracas, 2018-2019).

Visual Arts/Artes Visuales.

Patricia Van Dalen’s Studio/Taller de Patricia Van Dalen (Miami, FL, 2020-2021).

Expressive techniques of contemporary painting/Técnicas expresivas de la pintura contemporánea.

Teacher/Profesor: Nicolas Wilton.

Art2Life (Sausalito, CA, 2021).

Mixed Media Art/Arte de medios mixtos. Teacher/Profesor: Bibby Gignilliat (Sausalito, CA, 2022).

Private collections/Colecciones privadas Miami, FL; Washington D. C.; Madrid, Spain/España.

31

Chromatic Thesis. From Original I Series, 2022 Assemblage of diverse materials in an acrylic box 11 x 9 x 3.1 in.

Tesis cromática. De la serie Original I, 2022 Ensamblaje de materiales diversos en caja acrílica 28 x 23 x 8 cm Chromatic Thesis. From Geometry I Series, 2022 Assemblage of diverse materials in an acrylic box 13.7 x 25.5 x 7.1 in.

Tesis cromática. De la serie Geometría I, 2022 Ensamblaje de materiales diversos en caja acrílica 35 x 65 x 18 cm

32

Red “Precinto”, 2022 Aluminum and powder coating 23.6 x 63 x 23.6 in.

Precinto rojo, 2022 Aluminio y recubrimiento electrostático 60 x 160 x 60 cm Chromatic Thesis. From Mix Materials I Series, 2022 Assemblage of diverse materials in an acrylic box, 22 x 8.2 x 3.9 in.

Tesis cromática. De la serie Materiales mixtos I, 2022 Ensamblaje de materiales diversos en caja acrílica, 56 x 21 x 10 cm

33

Interstellar, 2021 Softboxes, LED lights, thread, and metallic structure 81 x 75 x 16 in.

Interstellar, 2021 Ventanas plegables para fotografía, luces LED, hilo y estructura metálica 205.7 x 190.5 x 40.6 cm

Luis LA ROSA

While his ability to tackle complex issues through his distinctly geometric sensibility has long marked his career, Luis La Rosa’s recent installations are a particularly exceptional series that fully displays his thoughtfulness and precision. Gravitational Wave Sensor makes for a stellar exemplar of La Rosa’s distinct approach to material and interpretation. Conical-tiered plant supports and convex plastic discs combine to form an otherworldly curvilinear pyramid that engages with the space around it. The bowing shape of each transparent disc allows the installation to stretch beyond its physical bounds through an array of dynamic refractions and shadows. Like the mightiest masses of the cosmos, Gravitational Wave Sensor lassos the bodies around it, drawing them

Caracas, Venezuela, 1972.

inward. Similarly, whether in moving through the installation space or by our

Education/Educación

own minuscule bends in spacetime, viewers cannot help but engage with the

Business Administration/Administración de Empresas. Universidad Santa María (Caracas, 1996-2000).

work and consider their corporeal form as it relates to the ascending pyramid.

Beyond being formally striking, Gravitational Wave Sensor and La Rosa’s entire oeuvre of installations are a triumph in their ability to put visual language to the entanglements of the universe.

Si bien la capacidad de Luis La Rosa para abordar temas complejos a través de su sensibilidad claramente geométrica ha marcado su carrera durante mucho tiempo, sus instalaciones recientes conforman una serie excepcional que muestra plenamente el pensamiento y la precisión del artista.

Gravitational Wave Sensor es un ejemplo sobresaliente del enfoque de La Rosa hacia los materiales y la construcción de sentido. Aquí se combinan soportes cónicos para plantas y discos convexos de plástico para formar una pirámide curvilínea de visos extraplanetarios que se acopla al espacio que la rodea. Los arcos de los discos transparentes permiten que la instalación desborde sus límites físi-

Sculpture and Painting/Escultura y pintura. Blanca Lemoine’s Studio/Taller de Blanca Lemoine (Caracas, 2004-2006).

Selected group shows/Selección de exposiciones colectivas Salon Comparaisons. Grand Palais (Paris/París, 2022).

Martin Arts 31st Annual all Florida Juried Art Show. The Arts Council (Martin County, FL, 2021).

4th Edition Triennial at the Ephemeral Open-Air Museum. Arte_Fits Foundation (Dorado, Puerto Rico, 2021).

Invited Artist/Artista Invitado.

6th Biennial Origins in Geometry.

Museum of Geometric and MADI Art (Dallas, TX, 2021).

cos a través de una dinámica serie de sombras y refracciones. Al igual que las

ArtFields. ArtFields Collective (Lake City, SC, 2021).

poderosas masas del cosmos, Gravitational Wave Sensor enlaza los cuerpos que

Awards/premios

la rodean atrayéndolos hacia sí. De manera similar, ya sea al moverse en torno a

Honorable Mention/Mención de honor Martin Arts 31st Annual all Florida Juried Art Show. The Arts Council (Martin County, FL, 2021).

la instalación o por las minúsculas curvas que se crean en el espacio-tiempo, el espectador no pueden evitar involucrarse con esta pieza y considerar su propia corporeidad en relación con la pirámide ascendente. Más allá de ser formalmente impactante, Gravitational Wave Sensor y toda la obra instalativa de La Rosa logran hábilmente otorgar una gramática visual a las complejidades del universo.

First Place/Primer lugar.

6th Biennial Origins in Geometry.

Museum of Geometric and MADI Art (Dallas, TX, 2021).

35

Chromosaturation Microcells, 2021 PVC pipes, LED lights, and steel straps 16 x 27 x 24 in.

Chromosaturation Microcells, 2021 Tubos de PVC, luces LED y precintos de aluminio 40.6 x 68.6 x 61 cm Particle Accelerator, 2019 Laser cut aluminum and epoxy resin 22 x 22 x 22 in.

Particle Accelerator, 2019 Aluminio cortado con láser y resina epóxica 55.8 x 55.8 x 55.8 cm

36

Gravitational Wave Sensor, 2021 Fresnel lens magnifiers, metallic plant supports, and steel wire 58 x 75 x 26 in.

Gravitational Wave Sensor, 2021 Lupas Fresnel, soportes metálicos para plantas y alambre de acero 147.3 x 190.5 x 66 cm Multidimensional Black Holes, 2021 Wood, iron, and pigment 96 x 72 x 480 in.

Multidimensional Black Holes, 2021 Madera, hierro y pigmento 243.8 x 182.9 x 1219 cm

37

At Last, 2022 Acrylic on canvas 54 x 60 in.

Finalmente, 2022 Acrílico sobre tela 137.1 x 152.4 cm

Leonardo MOLEIRO

Not one to shy away from a bold palette and striking shapes, it is easy to be drawn into Leonardo Moleiro’s fearless practice. In every work, he creates an enticing plane of converging forms in seductive hues. While these features may quickly bewitch you, the real magic of Moleiro’s paintings is, in fact, the sense of rhythm and movement. Using a highly considered balance of repetition and reflection, he instils each painting with a pulsing undercurrent which drives the work forward like a pounding bass drum. Between Your Eyes is a thundering example of this effect. This oversized painting sees sweeping swaths of colors and suggestions of faces emanating from the center of the canvas. This pulse ripples outward as each element repeats or transforms, and

Caracas, Venezuela, 1972.

the painting appears to bloom in real time. The persistent pulsing, in concert

Education/Educación

with the painting’s hulking size, makes it appear as though it may escape be-

Sociology/Sociología. Universidad Central de Venezuela (Caracas, 1989-1994).

yond the confines of the frame and ensnare you as it continues to unfurl and grow. While he is clearly a master of palette and shape, Leonardo Moleiro’s kaleidoscopic paintings’ power predominantly comes from the captivating nature

Graphic Design/Diseño Gráfico.

Instituto de Diseño Caracas (Caracas, 1993-1996).

Visual Arts/Artes Visuales. Escuela Cristóbal Rojas (Caracas, 1990-1991).

of their heartbeat.

Selected solo shows/selección de exposiciones individuales

Es fácil ser capturado por la audaz práctica de Leonardo Moleiro, sin soslayo de su enérgica paleta y llamativa figuración. En cada trabajo, el artista crea un sugestivo plano de formas convergentes en tonos seductores. Si bien estas características pueden ser tremendamente fascinantes, la verdadera magia de las pinturas de Moleiro es, de hecho, su sentido del ritmo y el movimiento. Valiéndose de un muy bien pensado equilibrio entre repeticiones y reflexiones, el artista instila un trasfondo pulsante en cada pintura, lo que la impulsa hacia adelante como un bombo que retumba. Entre tus ojos es un indiscutible ejemplo de este efecto. Esta pintura de gran formato muestra amplias áreas de color y rostros sugeridos que emanan del centro del lienzo. El pulso ondea hacia afuera a medida que cada elemento se repite o se transforma, y la

CORE Exhibit. Long Beach Airport Gallery (CA, 2022).

Under the Mask. A Metamorphosis. Van Der Plas Gallery (New York, NY, 2020).

In My Place. Keystone Art Space (Los Angeles, CA, 2019).

Defining Ourselves. Able Arts Work Gallery (Long Beach, CA, 2019).

Selected group shows/selección de exposiciones colectivas Sending Love. Keystone Gallery (Los Angeles, CA, 2022).

pintura parece florecer en tiempo real. Este persistente latido, junto con el gran

CORE 2021. Able Arts Works Gallery (Long Beach, CA, 2021).

tamaño de la pieza, hace sentir que esta superará los confines del cuadro y

Awards/premios

atrapará al espectador a medida que continúe desplegándose y creciendo. Si

Popular Choice. Elección Popular.

Made in California. Brea Gallery (Los Angeles, CA, 2020).

bien es evidente que Moleiro es un maestro de la paleta y la forma, el poder de sus pinturas caleidoscópicas proviene predominantemente de la naturaleza cautivadora de lo que palpita en ellas.

Best Quality/Premio a la Calidad. Miles Closer. Mosaic Art Center (Nanjing, 2017).

39

Between Your Eyes, 2022 Acrylic on canvas 60 x 73 in.

Entre tus ojos, 2022 Acrílico sobre tela 152.4 x 185.4 cm Back to Me, 2022 Mixed media on wood 46 x 42 in.

De vuelta a mí, 2022 Técnica mixta sobre madera 116.8 x 106.6 cm

40

The Passage of Time, 2022 Acrylic on canvas 63 x 46 in.

El paso del tiempo, 2022 Acrílico sobre tela 160 x 116.8 cm Not Yet, 2022 Acrylic on canvas 65 x 56 in.

Todavía no, 2022 Acrílico sobre tela 165.1 x 142.2 cm Blue, 2019 Acrylic on wood panel 30 x 40 in. (diptych) Azul, 2019 Acrílico sobre panel de madera 76.2 x 101.6 cm (díptico)

41

I Am You. From Kube Man Performance Series.

Performance. Lincoln Road, Miami Beach, FL. 07/05/2021.

Yo soy tú. De la serie de performances Hombre kubo.

Performance. Lincoln Road, Miami Beach, FL. 05/07/2021.

Rafael MONTILLA

On its face, Rafael Montilla’s practice may appear eccentric but peer closer, and it’s clear his sophisticated approach presents an edge on which impactful paradoxes and blurred boundaries delicately balance. Using his distinctive white cubes, Montilla artfully bridges the gaps between space, time, and dimensions, past, present, and future, and between the private and public.

For his Kubes Land series, the artist arranges an assembly of cubes, sometimes produced three-dimensionally, within a landscape, each slightly larger or smaller than the prior. This progression, along with the subtle imperfections in each cube’s symmetry, alludes to motion as if the arrangement is a collection of snapshots of one cube tumbling through time and space. The Kubes in Action series has a

Caracas, Venezuela, 1957.

similar sense of movement—Montilla’s cubes dance through space and time and

Education/Educación

become one with their urban environment, collapsing the distinctions between

Oil painting/Pintura al óleo. Lucio Rivas’ Studio/Taller de Lucio Rivas (Caracas, 1973-1975).

dimensions. In his performative work Kube Man, the artist realizes these same aims while engaging with other bodies; the divisions between oneself, others, and space become indistinct. Reaching beyond the gallery walls, Montilla’s work always captivates the places and people around him.

La práctica de Rafael Montilla puede parecer excéntrica a primera vista, pero mirada en detalle, muestra un sofisticado enfoque donde se equilibran delicadamente impactantes paradojas y límites borrosos. Usando sus distintivos cubos blancos, Montilla une con ingenio las brechas entre espacio, tiempo y dimensión, pasado, presente y futuro, y entre lo público y lo privado. En la serie Kubos Land, el artista dispone en el paisaje un conjunto de cubos — ― a veces producidos en tres dimensiones— que se van agrandando o empequeñeciendo en sucesión. Esta progresión, junto a las sutiles imperfecciones en la simetría, alude al movimiento, haciendo que la composición sea como una colección de instantáneas de un cubo dando tumbos a través del tiempo y el espacio. La serie Kubos en acción da una sensación similar de dinamismo: los cubos de Montilla bailan a través del espacio y el tiempo, y se vuelven uno con el entorno urbano, colapsando las distinciones dimensionales. En su obra performática Hombre kubo, el artista logra estos mismos objetivos al interactuar con otros cuerpos; la separación entre uno, los otros y el espacio se hace indistinta. Más allá de las paredes de la galería, el trabajo de Montilla cautiva siempre al entorno y a las personas que lo rodean.

Drawing and Textile Art/Dibujo y Arte textil. Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas (Caracas, 1989-1991).

Clay modeling/Modelado en arcilla.

Taller Arte Fuego Cándido Millán (Caracas, 1990-1992).

Selected solo shows/selección de exposiciones individuales Secret Symbols. Broward Art Guild (Fort Lauderdale, FL, 2021).

Period for COVID-19. Hernán Gamboa Gallery, Humboldt International University (Coral Gables, FL, 2020).

Kubes in Action. Coral Gables Museum (FL, 2018).

Through My Eyes. Galería Adelmo (Miami, FL, 2017).

Selected group shows/selección de exposiciones colectivas Trienal de Tijuana: I. Pictórica Internacional. Centro Cultural Tijuana (2021).

Black History Month. Broward Art Guild (Fort Lauderdale, FL, 2021).

Ontario Latin Arts Festival (Hamilton, ON, 2019).

Orbits. Curator´s Voice Art Projects (Miami, FL, 2019).

43

Kubes Land Landscape intervention. Morningside Park, Miami, FL. 08/05/2017 Kubos Land Intervención del paisaje. Morningside Park, Miami, FL. 05/08/2017 Five Cubes on the Sea. From Kubes Land Series. Landscape intervention.

Key Biscayne Marina, Miami, FL. 06/13/2018 Cinco cubos en el mar. De la serie Kubos Land. Intervención del paisaje.

Key Biscayne Marina, Miami, FL. 13/06/2018

44

Kubes in Action Urban interventions. Wynwood, Design District and Doral, Miami, FL. 2016 to 2018 Kubos en acción Intervenciones urbanas. Wynwood, Design District y Doral, Miami, FL. 2016 a 2018 A Cube in a Block. From Kubes Land Series.

Landscape intervention. Midtown, Miami, FL. 08/12/2022 Un cubo en una manzana. De la serie Kubos Land. Intervención del paisaje. Midtown, Miami, FL. 12/08/2022

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Red Harmony, 2018 Acrylic on canvas 36 x 36 in.

Armonía roja, 2018 Acrílico sobre tela 91.4 x 91.4 cm

Marianela PÉREZ

Marianela Pérez utilizes painting and photography to express her interpretations of the surrounding environment and her own subjectivity. Many of her works derive from photos she captures of the urban landscape and her everyday life. Her practice explores the fragmentation of forms in space and the use of color to convey emotions linked to her vital experiences as a woman and a migrant. Although she predominantly paints, she also uses different techniques such as collage, paper sculpture, and digital media. In her work, Marianela Pérez breaks down the images she captures and subtracts them into their core components―—lines, angles, and fragments of solid color.

Although each field is almost intuitively painted onto the canvas, Pérez achieves

Caracas, Venezuela, 1960.

the pieces fit together like a bold puzzle. In the work entitled Mediterranean Sea,

Education/Educación

for example, the artist uses various blue, teal, and yellow shades that form to-

Commercial Art/Diseño publicitario. Endicott College (Beverly, MA, 1979-1981).

gether one cohesive image. The colors simultaneously push and pull away from the canvas, creating a dynamic field that alludes to waves or the enchanting feeling of being by the ocean. Through the process of fracturing, Pérez transforms her compositions into a harmony of lines and chromatic explosions.

Marianela Pérez utiliza la pintura y la fotografía para expresar sus interpretaciones del entorno que la rodea y de su propia subjetividad.

Muchas de sus obras se derivan de fotografías que captura en el paisaje urbano y en su vida cotidiana. Su práctica explora la fragmentación de las formas en el espacio y el uso del color para transmitir emociones vinculadas a su experiencia vital como mujer y como migrante. Aunque predominantemente pinta, Marianela Pérez también utiliza diferentes técnicas como el collage, la escultura en papel y los medios digitales. En su trabajo, la artista descompone las imágenes que captura y las substrae a sus principales componentes: líneas, ángulos y fragmentos de color sólido. Si bien cada campo cromático es ejecutado casi intuitivamente, Pérez logra que las piezas encajen como en un audaz rompecabezas.

En la obra titulada Mar Mediterráneo, por ejemplo, la artista usa varios tonos de azul, verde azulado y amarillo para formar una imagen cohesiva. Los colores empujan y halan el espacio del lienzo, creando un dinamismo que quizás alude a las olas o a la sensación embriagante de estar junto al océano. A través del proceso de fractura, Pérez transforma sus composiciones en una armonía de líneas y explosiones cromáticas.

Ambient Design/Diseño Ambiental.

Instituto Villasmil de León (Caracas, 1982-1986).

Photography/Fotografía. RMTFRoberto Mata Taller de Fotografía (Caracas, 2010-2014).

Selected solo shows/selección de exposiciones individuales The Shape of Color. Miami Dade College Hialeah Gallery (Miami, FL, 2022).

Geometric Jump. Spanish River Library Gallery (Boca Raton, FL, 2020); Hernán Gamboa Gallery. Humboldt International University (Coral Gables, FL, 2019).

Caracas espacialidad virtual. Galería Secadero Uno, Hacienda La Trinidad Parque Cultural (Caracas, 2014-2015).

Selected group shows/selección de exposiciones colectivas Papeles de creación. Centro de Artes Integradas (Caracas, 2022).

Contemporary Art of the Latin American Diaspora. Cultural Council for Palm Beach County (FL, 2022).

Echo. Works in Geometric Abstraction by Latin American Artists. Arts Warehouse Gallery (Delray Beach, FL, 2021).

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Mediterranean Sea, 2021 Acrylic on canvas 48 x 60 in.

Mar Mediterráneo, 2021 Acrílico sobre tela 121.9 x 152.4 cm Folding III, 2020 Paper on wood 12 x 12 in.

Plegable III, 2020 Papel sobre madera 30.4 x 30.4 cm Folding IV, 2020 Paper on wood 12 x 12 in.

Plegable IV, 2020 Papel sobre madera 30.4 x 30.4 cm

48

Magenta, 2018 Digital print on plexiglass 24 x 24 in.

Magenta, 2018 Impresión digital en plexiglás 60.9 x 60.9 cm City Lines II, 2019 Giclee print on paper 24 x 24 in.

Líneas de la ciudad II, 2019 Impresión Giclée sobre papel 60.9 x 60.9 cm Window of Time, 2021 Mixed media on canvas 48 x 60 in.

Ventana de tiempo, 2021 Técnica mixta sobre tela 121.9 x 152.4 cm

49

Fly. From I Am Not an Object Series, 2021 Photography and digital composite image Volar. De la serie No soy un objeto, 2021 Fotografía e imagen digital compuesta

Ileana RINCÓN-CAÑAS

Photography forms the foundation of Ileana Rincón-Cañas’ work, primarily self-portrait and landscape. However, the finished works reflect more of a painterly process that happens all in post-production, where she builds pieces up layer by layer, sometimes even incorporating images of actual paint to add visual texture. While drawing inspiration from the tradition of surrealism, Rincón-Cañas is less interested in exploring dream states or the subconscious, as reflected in her well-thought-out approach to making work. Her pieces stem from an active imagination; she creates sketches accompanied by writing to visualize a piece and sets out to take the photographs needed. The collected images then get pulled apart and put back together into digital composites, re-

Caracas, Venezuela, 1975.

flecting her more than twenty years of animation and motion graphics work. Her

Education/Educación

resulting works have a weightless ethereal quality, though they often deal with

Photographic Edition/Edición fotográfica. SUB. Plataforma Educativa (Buenos Aires, 2021).

heavy subject matter, embracing explorations of self-esteem, pollution, migration, and gender equality. The work retains a dreamlike quality; Rincón-Cañas pieces encourage viewers to contemplate mysterious connections between seemingly disparate objects and situations.

La fotografía, principalmente el autorretrato y el paisaje, es el fundamento del trabajo de Ileana Rincón-Cañas. Sin embargo, sus obras son el resultado de un proceso pictórico que ocurre en la posproducción, donde la artista construye sus piezas capa por capa, incorporando, incluso, imágenes de trazos reales para agregar texturas visuales. Si bien Rincón-Cañas se inspira en la tradición del surrealismo, está menos interesada en explorar los estados oníricos o el subconsciente, lo que se refleja en su meditado enfoque de ejecución creativa. Sus obras nacen de una imaginación activa; crea bocetos con anotaciones para visualizar la pieza y se dispone a tomar las fotografías necesarias. Luego, la artista separa las imágenes recopiladas y las vuelve a unir en composiciones digitales, haciendo evidente la destreza adquirida en sus más de veinte años de trabajo en animación y motion graphics. Las imágenes resultantes tienen una calidad etérea e ingrávida, aunque a menudo traten temas densos como las exploraciones en la autoestima, la contaminación, las migraciones y la igualdad de género. Esa persistente cualidad onírica de las imágenes de Rincón-Cañas invita al espectador a considerar misteriosas conexiones entre objetos y situaciones aparentemente dispares.

Photobook/Fotolibro. SUB. Plataforma Educativa (Buenos Aires, 2021).

Photography Staging/La puesta en escena fotográfica. Organización Nelson Garrido (ONG) (Caracas, 2021).

Certificate Program in Emerging Photography/Diplomado en Fotografía emergente. Fotografía Emergente (San Miguel de Allende, 2020).

Master in Animation/Máster en Animación. Escuela Superior de Imagen y Sonido (CEV) (Madrid, 2003).

Selected group shows/selección de exposiciones colectivas Pine and Palm. Coral Springs Museum of Art (FL, 2022).

Miami New Media Festival. XVII Edition.

Civility vs. Violence. Doral Contemporary Art Museum (Miami, FL, 2022).

Estampa Madrid. Pedro Luis Requena Art (Madrid, 2022).

Los colores de Miami. Miami International Fine Arts (MIFA) (Miami, FL, 2022).

Diálogos emergentes. Museo del Ferrocarril. (San Luis Potosí, 2022).

Políticamente incorrecto. Con A de Arte (Madrid, 2022).

51

I Seek For and It Catches Me. From River of Grass Series, 2023 Photography and digital composite image Busco y me atrapa. De la serie Río de hierba, 2023 Fotografía e imagen digital compuesta White Dreams, 2021 Color digital photography Sueños blancos, 2021 Fotografía digital a color Mirror Theory, 2020 Photography and digital composite image Teoría del espejo, 2020 Fotografía e imagen digital compuesta

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Try. From I Am Not an Object Series, 2021 Photography and digital composite image Intentar. De la serie No soy un objeto, 2021 Fotografía e imagen digital compuesta Thrive. From River of Grass Series, 2022 Photography and digital composite image Prosperar. De la serie Río de hierba, 2022 Fotografía e imagen digital compuesta

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Concrete Modular Composition I b, 2022 Acrylic on canvas 47.2 x 47.2 in.

Composición concreta modular I b, 2022 Acrílico sobre tela 120 x 120 cm

Felix Carmelo RIOS

Felix Carmelo Rios makes paintings meant to live in interiors. Inspired by the Brazilian Neo-Concrete movement and visual languages derived from geometric abstraction, his minimalist works explore proportion and color. Each piece begins on graph paper, where Rios builds blocks utilizing the Fibonacci sequence. No two shapes are the same size, but they remain proportionally relevant. The blocks then get transposed onto a canvas where Rios arranges them intuitively until settling on a composition. This process harkens to his work in other designing showrooms; he organizes shapes on canvas as he might move pieces around a room, treating space as a living entity to which he feels a primordial connection. For color, Rios draws from Le Corbusier’s Ar-

Arecibo, Puerto Rico, 1968.

chitectural Polychromy of 1931, mixing acrylics to get as close as possible to the

Education/Educación

originals. The paintings are meditations on the perception of color relationships.

Associate in Architectural Drawing/ Técnico en Dibujo Arquitectónico Liceo de Arte y Tecnología de Puerto Rico (San Juan, 1995).

They work well alone or in groups, where Rios creates an enjoyable viewing and spatial experience. Rios doesn’t ascribe set orientations to his paintings in the hope that each work can adapt within its space, shifting placement and orientation to suit the overall design.

Interior Design/Diseño Interior Miami International University of Arts and Design (Miami, FL, 1997).

Painting/Pintura. Abstract Art School S35 (Madrid, 2020).

Félix Carmelo Ríos crea pinturas para espacios interiores.

Inspirado en el movimiento neoconcreto brasileño y en lenguajes visuales derivados de la abstracción geométrica, sus obras minimalistas exploran la proporción y el color. Cada pieza comienza en un papel cuadriculado, donde Ríos construye bloques utilizando la secuencia de Fibonacci. Aunque no hay dos bloques de igual tamaño, las formas siguen siendo proporcionalmente relevantes. Ríos luego transpone los bloques al lienzo donde intuitivamente los va ordenando hasta que define una composición. Este proceso está vinculado a su oficio como diseñador de salas de exposición, ya que organiza las formas en el lienzo como si dispusiera mobiliario en una habitación, tratando el espacio como una entidad viva con la que siente una conexión primordial. En cuanto al color, se inspira en la Policromía arquitectónica de Le Corbusier de 1931, mezclando pigmentos para acercarse lo

Solo shows/exposiciones individuales Rhythms. Imago Art in Action (Coral Gables, FL, 2021). group shows/exposiciones colectivas Art in Motion. Downtown Dorado.

Sala de Exposiciones del Plata Salvador Rivera (Dorado, Puerto Rico, 2022).

X Marks the Spot: Felix Carmelo Rios, Guillermo Garcia Cruz, Marisol Martinez & Mary Valverde. Laundromat Art Space (Miami, FL, 2022).

Punto de Encuentro. Galeria Tour Soto, Capitolio de Puerto Rico (San Juan, 2017).

más posible a los tonos originales. Sus obras son meditaciones sobre la percep-

Black Velvet. Arte@Plaza (San Juan, 2016).

ción de las relaciones cromáticas. Pueden disponerse solas o en grupos, en los

Love is the Color. Arte@Plaza, (San Juan, 2016).

que Ríos logra atractivas experiencias visuales y espaciales. El artista no asigna orientaciones fijas a sus obras, esperando que cada una pueda, al ser cambiada de ubicación y orientación, adaptarse al diseño general del espacio.

Collections/colecciones Sabanera Health (Dorado Beach, Puerto Rico).

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Concrete Modular Composition III a, 2022 Acrylic on canvas 76.7 x 29.5 in.

Composición concreta modular III a, 2022 Acrílico sobre tela 195 x 75 cm Concrete Modular Composition III b, 2022 Acrylic on canvas 76.7 x 29.5 in.

Composición concreta modular III b, 2022 Acrílico sobre tela 195 x 75 cm Concrete Modular Composition III c, 2022 Acrylic on canvas 29.5 x 76.7 in.

Composición concreta modular III c, 2022 Acrílico sobre tela 75 x 195 cm

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Concrete Modular Composition I a, 2022 Acrylic on canvas 29.5 x 47.2 in.

Composición concreta modular I a, 2022 Acrílico sobre tela 75 x 120 cm Botanical Modular Composition V, 2022 Acrylic on canvas 47.2 x 47.2 in.

Composición botánica modular V, 2022 Acrílico sobre tela 120 x 120 cm

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Passages, 2021 Acrylic and Flashe paint on canvas 79 x 79 in.

Pasajes, 2021 Acrílico y pintura Flashe sobre tela 200.6 x 200.6 cm

Rosario RIVERA-BOND

Throughout her career, Rosario Rivera-Bond has captured her surrounding world in abstract expressionist paintings. Her works start with an action developed from a line or a wash of color, which explains why the artist prefers to work on large canvases that, although providing her with a challenge, are suitable fields for expanding the intense emotionality that nourishes her work. Her contents come forth throughout the process of painting and are manifested intuitively with each brushstroke and layer of paint. In Quantum Theories, spontaneous strokes of pink, neon yellow, and black overlap fields of soft blues, purples, and greys. Her brushwork dances across the canvas while small dots of bright colors are applied intentionally on top of black gestures.

These dots are reminiscent of stars or the polka dot fabrics on a woman’s dress.

In addition, they wink at urban femininity, a constant reference in Rivera-Bond’s work. The colors in the artist’s paintings are spontaneous but not arbitrary. She chooses colors in response to her daily life and through the painting process.

The artist’s muted background, bright lines, and meticulous details build a fascinating visual experience.

La Vega, Dominican Republic/ República Dominicana, 1949.

Education/Educación Architectural Interior Design/Diseño Interior Arquitectónico. Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña (Santo Domingo, 1970-1973).

Visual Arts/Artes Visuales. Académie de la Grande Chaumière (Paris/París, 1973-1975).

Visual Arts/Artes Visuales. Camden Arts Centre (London/Londres, 1975-1976).

A lo largo de su carrera, Rosario Rivera-Bond ha capturado el mundo que la rodea en obras de lenguaje abstracto-expresionista. Sus pinturas derivan de una acción que se desarrolla a partir de una línea o un lavado de color, por lo que la artista prefiere los grandes formatos que, si bien le comportan un desafío, son el campo idóneo para desplegar la intensa emocionalidad que sustenta su trabajo. Sus contenidos surgen del proceso mismo de la pintura y se manifiestan intuitivamente con cada pincelada y capa de pigmento. En Teorías cuánticas, por ejemplo, los trazos espontáneos de rosa, amarillo neón y negro se superponen a campos de tenues azules, violetas y grises. La pincelada baila sobre la superficie del lienzo mientras pequeños puntos de colores brillantes aparecen intencionalmente sobre trazos gestuales hechos en negro. Estos puntos recuerdan a las estrellas o a la tela de algunos vestidos femeninos, y hacen un guiño a la feminidad urbana, un referente constante en el trabajo de Rivera-Bond. Los colores de la artista son espontáneos, pero no arbitrarios. Ella

Selected solo shows/selección de exposiciones individuales Splash. Museo de Arte Moderno de Santo Domingo (2017).

The Way We See Things. Curator’s Voice Art Projects (Miami, FL, 2015).

Simplemente una ilusión. Museo de Arte Moderno de Santo Domingo (2011).

Wishful Thinking. Galerie Adler.

(Paris/París, 2010).

Group shows/ Exposiciones colectivas She has participated in more than 60 group exhibitions in the US, Latin America, Europe, and Asia.

Ha participado en más de 60 exposiciones colectivas en América, Europa y Asia.

los elige en respuesta a lo que le suscita la vida diaria y el propio proceso creati-

Awards/premios

vo. Sus fondos apagados, líneas brillantes y detalles meticulosos construyen, así,

Juror’s Choice Award/Premio del Jurado, ArtBrazil Contemporary Art Fair.

(Ft. Lauderdale, FL, 2017, 2018).

una fascinante experiencia plástica.

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Bon matin!!!, 2020 Acrylic and Flashe paint on canvas 72 x 72 in.

Bon matin!!!, 2020 Acrílico y pintura Flashe sobre tela 182.9 x 182.9 cm Looking Out, 2021 Acrylic and Flashe paint on canvas 72 x 72 in.

Mirando hacia afuera, 2021 Acrílico y pintura Flashe sobre tela 182.9 x 182.9 cm Back to My Garden V, 2019 Acrylic and Flashe paint on canvas 79 x 79 in.

De regreso a mi jardín V, 2019 Acrílico y pintura Flashe sobre tela 200.6 x 200.6 cm

60

Quantum Theories, 2020 Acrylic and Flashe paint on canvas 60 x 72 in.

Teorías cuánticas, 2020 Acrílico y pintura Flashe sobre tela 152.4 x 182.9 cm Unbounded 16, 2018 Acrylic and Flashe paint on canvas 74 x 108 in.

Sin límites 16, 2018 Acrílico y pintura Flashe sobre tela 188 x 274.3 cm

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Chromatic Waves Motion, 2021 High Definition and UV prints on acrylic set on expanded PVC 47 x 47 in.

Movimiento de ondas cromáticas, 2021 Impresiones de alta definición y UV en acrílico sobre PVC expandido 119.3 x 119.3 cm

Wuilfredo SOTO

Wuilfredo Soto is a Venezuelan self-taught artist whose practice is defined by the geometric languages of kinetic art and Op-art. In his artwork, Soto challenges viewers’ perceptions through the repetition of lines and geometric forms and the incorporation of light and transparencies. The artist develops his initials sketches in digital form. Using technology to dissect shapes and volumes and create multiple layers permits him to compose and test his geometric structures, a continual process that allows him the freedom to generate new variables, combinations, and juxtapositions. Color is also a key component in all of Wuilfredo Soto’s artworks, enhancing his work’s visual effects through strong contrasts of vivid colors, black and white. The use of industrial materials

Caracas, Venezuela, 1961.

such as aluminum bars, sheets of plexiglass, PVC, and acrylic paint combined

Education/Educación

with techniques such as laser cuts or high-definition printing guarantees the

Bachelor of Administration/Licenciado en Administración. Universidad Santa María (Caracas, 1988-1992).

artist accuracy of the shapes and the spot colors―—all necessary aspects for the grammar of his work. Wuilfredo Soto believes that light, shape, and the observer can greatly affect the outcome. Operating together, these elements create captivating optical illusions that mimic movement and motion.

Wuilfredo Soto es un artista venezolano autodidacta cuya práctica está definida por los lenguajes geométricos del arte cinético y el arte óptico. En su obra, Soto desafía la percepción del espectador mediante la repetición de líneas y formas geométricas, y la incorporación de luces y transparencias. El artista desarrolla sus bocetos iniciales en formato digital. El uso de la tecnología para diseccionar formas y volúmenes y crear múltiples capas le permite componer y comprobar sus estructuras geométricas, en un proceso continuo que le da la libertad de generar nuevas variables, combinaciones y yuxtaposiciones. El color también es un componente clave en la obra de Wuilfredo Soto, con el que realza los efectos visuales de su trabajo a través de fuertes contrastes de tonos vivos, blanco y negro. El uso de materiales industriales ―—barras de aluminio, láminas de plexiglás, PVC y pintura acrílica—― combinado con técnicas como el corte con láser o la impresión de alta definición, garantizan al artista la precisión de las formas y los colores directos, aspectos necesarios para la gramática de su trabajo. Para Soto, la obra final resulta de la interacción de la luz, la forma y la visión del espectador que, al operar conjuntamente, crean cautivadoras ilusiones ópticas que simulan acción y movimiento.

Master in Business/Maestría en Negocios. Universidad Santa María (Caracas, 1994-1995).

Certificate Program in Western Art History/Diplomado en Historia del Arte Occidental. Universidad Metropolitana (Caracas, 2011).

Solo shows/exposiciones individuales Shifting Forms. Eduardo Lira Art Gallery (Miami, FL, 2018).

Selected group shows/selección de exposiciones colectivas 6th Kinetic Biennial Boynton Beach.

Downtown Boynton Beach (FL, 2023).

Echo. Works in Geometric Abstraction by Latin American Artists. Arts Warehouse Gallery (Delray Beach, FL, 2021).

First Art Show. Atlantic Village-Fundana (Hallandale Beach, FL, 2021).

Lines of Expression. Pompano Beach Cultural Center (Pompano Beach, FL, 2020).

De-Quilt. Curator’s Voice Art Projects (Miami, FL, 2019).

Cromo-relatos. Centro de Artes Integradas (Caracas, 2013).

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White Metallic Distortion, 2021 Acrylic paint and aluminum bars on canvas 40 x 40 in.

Distorsión metálica blanca, 2021 Pintura acrílica y barras de aluminio sobre tela 101.6 x 101.6 cm Black Metallic Distortion, 2021 Acrylic paint and aluminum bars on canvas 40 x 40 in.

Distorsión metálica negra, 2021 Pintura acrílica y barras de aluminio sobre tela 101.6 x 101.6 cm Silent Distortion Steel, 2020 RTA marked vinyl and aluminum on expanded PVC 47 in. Ø Acero de distorsión silenciosa, 2020 Vinil RTA rotulado y aluminio sobre PVC expandido 119.3 cm Ø

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Orange Floating Lines, 2022 Acrylic stripes, acrylic paint, and UV print on expanded PVC 32 x 32 in.

Líneas flotantes anaranjadas, 2022 Franjas de acrílico, pintura acrílica e impresión UV sobre PVC expandido 81.2 x 81.2 cm Tricky Grid. Circles, 2020 Aluminum and High Definition and UV prints on expanded PVC 55 x 55 in.

Cuadrícula engañosa. Círculos, 2020 Aluminio e impresiones UV y de alta definición sobre PVC expandido 139.7 x 139.7 cm Blue Gravitation, 2020 Acrylic paint, acrylic mirrors, and aluminum on expanded PVC 55 x 55 in.

Gravitación azul, 2020 Pintura acrílica, espejos acrílicos y aluminio sobre PVC expandido 139.7 x 139.7 cm

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Folded Connections/Bronze and White, 2023 Acrylic laminate, polyethylene, and plexiglass 48 x 48 x 3 in.

Pliegues conectados/Bronce y blanco, 2023 Acrílico laminado, polietileno y plexiglás 121.9 x 121.9 x 7.6 cm

Sandra SZKOLNIK

Sandra Szkolnik’s visual priorities rest on shape and form.

She uses the triangle to build gridded patterns that are laser cut into acrylic sheets and adhered to vinyl. She prefers neutral metallic, black, and white, though she’ll utilize smaller works to experiment with pops of color. Szkolnik then builds forms in an intuitive process of push and pull. Her interests lie in the concept of the rhizome, an organic network in which every piece is connected to and influenced by every other. In folding her works, Szkolnik describes areas that want to be “mountains” and those that want to be “valleys,” apropos terms to keep in mind when viewing her finished pieces, which often feel like topographical maps. Another reference point for Szkolnik is origami; the paper fold-

Lima, Perú, 1968.

ing craft inspired her practice and remains a foundational element. No matter

Education/Educación

the size of her work, she always strives to maintain the delicate weightlessness

Graphic Design/Diseño gráfico. Instituto Toulouse Lautrec (Lima, 1986-1989).

of paper. This is easiest to see in her smaller-scale works, which are held to their bases with magnets, allowing viewers to reshape them as they see fit. This interaction reinforces a key concept for Szkolnik; an unending interest in finding variation within repetition.

Computer Applications/Aplicaciones informáticas. Massachusetts College of Arts (Boston, MA, 1991-1992).

Solo shows/exposiciones individuales Folds. Imago Art in Action (South Miami, FL, 2023).

Las prioridades visuales de Sandra Szkolnik se basan en la forma plana y la forma tridimensional. Usa el triángulo para construir retículas de acrílico laminado cortado con láser, a las que adhiere láminas de vinilo. Szkolnik prefiere colores metálicos neutros, negros y blancos, aunque suele experimentar con tonos brillantes en obras de menor formato. Construye sus formas en un proceso intuitivo de avances y retrocesos. Sus intereses radican en el concepto de rizoma, una red orgánica en la que cada segmento está conectado e influenciado por el resto. Al plegar sus obras, Szkolnik describe áreas que parecen «montañas» y «valles», términos a tener en cuenta al observar sus piezas terminadas, que a menudo semejan mapas topográficos. El origami es otra referencia en su trabajo. El arte del plegado de papel inspiró su práctica en un inicio y sigue siendo un elemento fundamental. No importa el tamaño de sus obras, la artista siempre se esfuerza por mantener la delicada ingravidez del origami. Esto se

Selected group shows/selección de exposiciones colectivas ArtFields. ArtFields Collective (Lake City, SC, 2021).

MARJCC 2021 International Women’s Day Exhibition. Michael-Ann Russell Jewish Community Center (Aventura, FL, 2021).

Arte en pelota. Apafa León Pinelo (Lima, 2019).

A Brighter World. Women’s International Zionist Organization (Wizo) (Miami, FL, 2018).

Small Works Exhibition. National Association of Women Artists, INC. (New York, NY, 2018).

imanes, lo que permite a los espectadores transformarlas libremente. Esta inte-

Deseos Reflejados. Galería John Harriman/Make a Wish Foundation (Lima, 2018).

racción refuerza un concepto clave para Szkolnik: su interés interminable por

Pinta Miami (Miami, FL, 2018).

encontrar variación dentro de la repetición.

Spectrum Miami (Miami, FL, 2017).

percibe fácilmente en piezas de menor escala, sujetas a sus bases mediante

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Monochrome Folds/Red, 2023 Acrylic laminate, vinyl, plexiglass, stainless steel, and magnets 22 x 22 x 4 in.

Pliegues monocromáticos/Rojo, 2023 Acrílico laminado, vinil, plexiglás, acero inoxidable e imanes 55.8 x 55.8 x 10.1 cm Standing Folds/White and Green, 2023 Acrylic laminate, vinyl, aluminum, and quartz 48 x 16 x 16 in.

Pliegues al vuelo/Blanco y verde, 2023 Acrílico laminado, vinil, aluminio y cuarzo 121.9 x 40.6 x 40.6 cm Small Format Folds/Silver and Orange, 2023 Acrylic laminate, vinyl, plexiglass, stainless steel, and magnets 10 x 10 x 5 in.

Pliegues de formato pequeño/ Plateado y anaranjado, 2023 Acrílico laminado, vinil, plexiglás, acero inoxidable e imanes 25.4 x 25.4 x 12.7 cm

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Monochrome Folds/Blue, 2023 Acrylic laminate, vinyl, plexiglass, stainless steel, and magnets 22 x 22 x 4 in.

Pliegues monocromáticos/Azul, 2023 Acrílico laminado, vinil, plexiglás, acero inoxidable e imanes 55.8 x 55.8 x 10.1 cm Standing Folds/White and Orange, 2023 Acrylic laminate, vinyl, aluminum, and quartz 60 x 16 x 16 in.

Pliegues al vuelo/Blanco y anaranjado, 2023 Acrílico laminado, vinil, aluminio y cuarzo 152.4 x 40.6 x 40.6 cm Folded Structure/Gold and Blue, 2022 Acrylic laminate, vinyl, and fiberglass 20 x 12 x 5 in.

Estructura plegada/Dorado y azul, 2022 Acrílico laminado, vinil y fibra de vidrio 50.8 x 30.4 x 12.7 cm

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Katherine Chacón Chacón is a Venezuelan art curator, art writer, and critic, based in the United States, specializes in Venezuelan and Latin American art. She has extensive experience in museum management and cultural administration. She has undertaken international curatorial projects and coordinated, edited, and written outstanding art publications. Chacón began her career at the Museo de Bellas Artes in Caracas where she hold the position of Chief Curator of the Latin American Art Collection. Her work as a curator of exhibitions includes shows carried out in museums and cultural institutions in Venezuela, the USA, Colombia, Costa Rica, Cuba, Puerto Rico, and Dominican Republic. She has served as the General Director of the Museo Armando Reverón (Macuto, 1994-2001), the Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez (Caracas, 2001-2006) and the Museo Alejandro Otero (Caracas, 2006-2008). She acted as Coordinator of the Venezuelan exhibition in the XXI Bienal de São Paulo, Brazil, 1991, and as Commissar of the Venezuelan show in the 51st edition of the Venice Biennale, Italy, 2005. She is a member of AICA —International Association of Art Critics— where from 2011 to 2016 she served as a member of the Awards Committee in its Venezuelan Chapter. She currently runs the company Pan Paniscus Art Services, based in Miami, Florida.

Chacón es una curadora de arte, escritora y crítica de arte radicada en los Estados Unidos. Está especializada en arte venezolano y latinoamericano, y tiene una amplia experiencia en gestión de museos y administración cultural. Ha realizado proyectos y ha coordinado, editado y escrito destacadas publicaciones de arte. Chacón comenzó su carrera en el Museo de Bellas Artes de Caracas, donde ocupó el cargo de curadora en jefe de la Colección de Arte Latinoamericano. Su labor como curadora de exposiciones incluye muestras realizadas en museos e instituciones culturales de Venezuela, Estados Unidos, Colombia, Costa Rica, Cuba, Puerto Rico y República Dominicana. Ha sido Directora General del Museo Armando Reverón (Macuto, 1994-2001), del Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez (Caracas, 2001-2006) y del Museo Alejandro Otero (Caracas, 20062008). En 1991 fue coordinadora del envío venezolano a la XXI Bienal de São Paulo, Brasil, y en 2005, actuó como Comisaria del envío venezolano a la 51° edición de la Bienal de Venecia, Italia. Es miembro de AICA —Asociación Internacional de Críticos de Arte— donde de 2011 a 2016 se desempeñó como miembro del Comité de Premiación en su Capítulo Venezolano. Actualmente dirige la compañía Pan Paniscus Art Services, con sede en Miami, Florida.

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Megan Carnrite She is a curator, artist, and educator of modern and contemporary art with her practice and research specializing in cameraless photography. In addition to exhibiting in numerous group and solo exhibitions, she has taught courses and worked in museum education. Her research and curatorial endeavors have covered a range of artists and art practices, including working with living artists.

One of her curatorial experience highlights was providing early research during the planning stages of the exhibition Bruce Nauman: Contrapposto Studies at Punta Della Dogana (2021-2022). She holds a Master of Fine Arts degree in Photographic and Electronic Media from Maryland Institute College of Art and a Master of Arts in Art History from the University of Chicago. She is currently engaged in doctoral research at the University of Westminster, London.

Es curadora, artista y educadora de arte moderno y contemporáneo con práctica e investigación especializadas en fotografía sin cámara. Además de haber expuesto en numerosas muestras colectivas e individuales, Carnrite ha impartido cursos y trabajado en educación museística. Sus esfuerzos en investigación y curaduría han cubierto una variedad de artistas y prácticas creativas, incluyendo el trabajo con artistas activos. Una de sus más destacadas experiencias curatoriales fue el llevar a cabo una investigación temprana para la exposición Bruce Nauman: Contrapposto Studies realizada en Punta Della Dogana (2021-2022). Tiene una Maestría en Medios Fotográficos y Electrónicos del Maryland Institute College of Art (MICA) y una Maestría en Historia del Arte de la Universidad de Chicago. Actualmente realiza una investigación doctoral en la Universidad de Westminster, Londres.

Jared Christensen He is an arts professional based in Baltimore, MD. He received a BFA in Photography from Westminster College in Salt Lake City, UT. While there, he wrote a number of exhibition reviews and artist profiles for 15 Bytes, an online publication covering the arts in Utah. In 2017, he moved to Baltimore to attend the Maryland Institute College of Art (MICA), where he earned an MFA in Curatorial Practice. His master's thesis, Become Again: Identity as Process, is published on the MICA website. Jared has worked on numerous exhibitions in the Baltimore area, most recently Aperture Foundation’s Prison Nation at the Albin O. Kuhn Library of the University of Maryland Baltimore County, in 2022, and Become Again at Terrault Gallery, in 2019. In addition, Christensen has presented his artwork in two solo exhibitions and various group shows.

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Es un profesional de las artes residenciado en Baltimore, MD. Posee una Licenciatura en Fotografía del Westminster College de Salt Lake City, UT. Mientras estuvo allí, Jared escribió una serie de reseñas de exposiciones y perfiles de artistas para 15 Bytes, una publicación en línea dedicada a las artes en Utah. En 2017, se mudó a Baltimore para asistir al Maryland Institute College of Art (MICA), donde obtuvo una Maestría en Prácticas Curatoriales. Su tesis de maestría, Become Again: Identity as Process, está publicada en el sitio web del MICA. Jared ha trabajado en numerosas exposiciones en el área de Baltimore, siendo las más recientes Prison Nation de Aperture Foundation, realizada en la Biblioteca Albin O. Kuhn de la Universidad de Maryland Baltimore County en 2022, y Become Again en la Galería Terrault en 2019. Además, Christensen ha mostrado su trabajo artístico en dos exposiciones individuales y varias muestras colectivas.

Kelly Zhong She earned her Master of Arts in Museum Studies from New York University in 2022, and her Bachelor of Fine Arts, summa cum laude, from the Maryland Institute College of Art (MICA) in 2018. She has assisted with curating and producing exhibition materials for Counternarratives: Performance and Actions in Public Space (Decker Gallery, 2018), and Binding the Clouds: The Art of Central Asian Ikat (The George Washington University Textile Museum, 2018), among others. In addition to her curatorial experience, she has presented her artwork in exhibitions such as Your Place at the Table: Rooted III (311 Gallery, 2023), and Telling Stories (Shoebox LA, 2022). She was awarded ArtRich People’s Choice Award in 2019, first-place master’s thesis in the Museum Studies department at NYU in 2022, and recently presented a workshop at the 2022 National Partnership for Educational Access conference.

Obtuvo su Maestría en Estudios Museísticos de la Universidad de Nueva York en 2022 y su Licenciatura en Bellas Artes, summa cum laude, del Maryland Institute College of Art (MICA) en 2018. Ha colaborado con la curaduría y produc�ción de materiales para las exposiciones Counternarratives: Performance and Actions in Public Space (Decker Gallery, 2018) y Binding the Clouds: The Art of Central Asian Ikat (The George Washington University Textile Museum, 2018).

Ha presentado su obra en exposiciones como Your Place at the Table: Rooted III (311 Gallery, 2023) y Telling Stories (Shoebox LA, 2022), entre otras. Recibió el ArtRich People's Choice Award en 2019 y el primer lugar para tesis de maestría del Departamento de Estudios Museísticos de la NYU en 2022. Recientemente dirigió un taller en la conferencia de la Asociación Nacional para el Acceso Educativo de 2022.

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Printed in Colombia by Global Print Services, Inc. March 2023. Typefaces from the Raleway families. Silk paper 150 g.

Impreso en Colombia por Global Print Services, Inc. Marzo de 2023. Caracteres tipográficos de las familias Raleway. Papel Glasé de 150 g.

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