La Danza

AleDanz

Mision y vision

El objetivo de esta revista es que las personas tengan un poco de conociemiento acerca de los tipos de danza que exitenm en elmundo, sus caracteristicas, vestimenta, cualees son las mas conocidas, en que estados se practican o se miran mas, los requis8itos para ello, entre otras cosas.

Se mostratran ilutrasionhes para conocer mas sobre el tema, infomacion, para que sea interesante para todas aquellas perosnas que estan leyendo esto, etc.

La danza ha estado evolucionando con el paso del tiempo. Desde la prehistoria, el ser humano ha tenido la necesidad decomunicarse corporalmente con movimientos que expresaban sentimientos y estados de ánimo. Algunas pinturas rupestres encontradas muestran dibujos de figuras danzantes, las cuales seasociacon ilustraciones de rituales. Estos primeros movimientos rítmicos sirvieron igualmente para ritualizareventos importantes

En Egipto las danzas fueron llevadas por los faraones, en Grecia, se hacían rituales de danza dedicados a los Dioses del panteón griego, estos bailes son reconocidos hoy en día como los orígenes del teatro contemporáneo occidental, en Roma, la danza formó parte de las procesiones, festivales y celebraciones en los años 150 a. C.

¿Qué es la danza?

La danzaes un arte que se basa en la expresión corporal, generalmente acompañada de música. Es una de las formas de expresión más ancestrales del ser humano que puede tener fines artísticos, de entretenimiento o religiosos.

Es también llamada “el lenguaje del cuerpo” y se vale de una secuencia de movimientos corporales que acompañan de manera rítmica a la música. También es entendida como una expresión de emociones, ya que, en algunos casos, a través de los movimientos se persigue la intención de comunicar los sentimientos.

La danza y la musica

La música y la danza son dos disciplinas distintas, impartidas por profesionales especializados, que tienen objetivos y contenidos diferenciados. Sin embargo ambas tienen numerosos aspectos en común, de los que pueden beneficiarse mutuamente.

Autores de reconocido prestigio en la pedagogía musical como Dalcroze y Orff, no conciben la enseñanza musical si esta no va acompañada de movimiento.

Es un instrumento que permite ordenar los distintos ritmos naturales, con la finalidad de hacer más fácil su lectura y ejecución. Existen distintos tipos de compases según el acento base se repita cada dos, tres o cuatro pulsaciones.

El ritmo se puede definir como una organización temporal del sonido, que nos permite predecir cómo van a irapareciendo en losucesivo.

Los pasos de danza tienen un ritmo interno propio. Este debe interactuar con el ritmo de la música para poder coordinarse y conseguir una base firme en el movimiento.

Para los/as bailarines/as el ritmo es una constante que proporciona la principal fuerza de movimiento.

El ritmo.

El compás.

El tiempo.

Señala aspectos relacionados con la rapidez, es decir, hace referencia al grado de lentitud o velocidad con que deben ser marcados los tiempos de un compás. Para ello se utiliza un vocabulario especial que permite calificar sus matices: adagio, allegro etc.

En danza los movimientos tienen también su propio tempo. El tempo de un movimiento podemos sentirlo a través de la velocidad de su realización, la duración, el intervalo entre dos acontecimientos, las pulsaciones, acentuaciones, silencios y la intensidad de su ejecución.

Los matices.

Se define como los diferentes contrastes que pueden aparecer en el transcurso de una composición y que afectan a un fragmento de la misma en un momento determinado.

Hay dos tipos de matices:

Uno que afecta al grado de rapidez o lentitud con el que se ejecuta determinado fragmento o agógica y

Otro que afecta al grado de intensidad con que se ejecutaría determinado fragmento o dinámica.

La acción de la dinámica en la música viene dada por la variación de los matices de fuerza, suavidad, gravedad o ligereza de los sonidos, bien por transición o bien progresivamente.

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Tipos de danza

ACADEMICA

El ballet, danza académica, danza clásica o balé es un tipo de danza y también el nombre de la técnica correspondiente. Según las épocas, los países o las corrientes y el espectáculo, esta expresión artística puede incluir: danza, mímica, y teatro (de orquestay coral), personas y maquinaria.

La Danza Académica es un conjunto estructurado de movimientos rítmicos aunados al compás de música, la cual es enseñada en escuelas o academias de baile. En muchas instituciones educativas, la danza es una de las de las prácticas que complementan la enseñanza básica que por lo general combina la teoría, el estudio científico y el ejercicio con el deporte, aquí, se crea un completocurriculum o patrón de enseñanza en el que los alumnos pueden optar por primas o unidades de crédito académico para conseguir su título, además de esto, el cuerpo adopta una nueva disciplina que complementa a la persona.

Entonces ¿el diseño curricular es lo que define a la danzaacadémica? Se podría decir que si, ya que este incluye además de la compleja práctica que conlleva, una etapa teórica en la que los matices de aprendizaje que predominan al inicio son los históricos, esto fundamenta en el estudiante una noción de lo importante que ha sido en sociedad este conjunto de movimientos armónicos que denominamos baile. También se aprende técnica, se explica inclusive científicamente de lo que el cuerpo es capaz de hacer al ritmo de una melodía bailable, que además de ser saludable, ofrece sentimientos y emociones particulares.

A la danza académica la rigen una serie de reglas y leyes ideadas tanto para la seguridad del bailarín como para la ejecución perfecta del baile. Este compendio de instrucciones es impartido por profesionales en el área altamente calificados que llevan a sus pupilos a su máxima expresión de talentos en los eventos que la academia organiza para mostrar a un selecto público lo que son capaces de hacercon la instrucción recibida.

Las danzas académicas más comunes son la danza clásica, en la que predomina el vals y todas las corrientes rítmicas que danzan entre música clásica y de instrumento de cuerda o aire, y el ballet, una sinfonía del cuerpo que expresa con el cuerpo del o de la bailarina más que expresiones, actitudes y

sentimientos. En el ballet, solo con el movimiento, se puede concebir una historia descrita sólocon la silueta y su incorporación a un ritmo determinado.

DANZA MODERNA

La danza moderna es un género amplio de danza teatral o de concierto que incluía estilos de danza como el ballet, la danza folclórica, étnica, religiosa y social; y surgió principalmente de Europa y los Estados Unidos a fines del sigloxix y principios del xx. Se consideró que se había desarrollado como un rechazo o una rebelión contra el ballet clásico, y también como una forma de expresar preocupaciones sociales como factores socioeconómicos yculturales.

A fines del siglo xix, artistas de danza moderna como Isadora Duncan, Maud Allan y Loie Fuller fueron pioneras en nuevas formas y prácticas en lo que ahora se llama danza estética o libre. Estos bailarines ignoraron el estricto vocabulario de movimientos del ballet (el conjunto particular y limitado de movimientos que se consideraban propios del ballet) y dejaron de usar corsés y zapatillas de punta en la búsqueda de una mayor libertad de movimiento.

A lo largo del siglo xx, las preocupaciones sociopolíticas, los principales acontecimientos históricos yel desarrollo de otras formas de artecontribuyeron al desarrollo continuo de la danza moderna en los Estados Unidos y Europa. Avanzando en la década de 1960, comenzaron a surgir nuevas ideas sobre la danza como respuesta a las formas de danza anteriores y a los cambios sociales. Finalmente, los artistas de la danza posmoderna rechazarían el formalismo de la danza moderna e incluirían elementos como la performance, el contact improvisación, la técnicade liberación y la improvisación.

La danza moderna estadounidense se puede dividir (aproximadamente) en tres períodos o eras. En el período moderno inicial (c. 1880–1923), caracterizado por el trabajo de Isadora Duncan, Loie Fuller, Ruth Saint Denis, Ted Shawn y Eleanor King, la práctica artística cambió radicalmente, pero las técnicas de danza moderna claramente diferenciadas aún no habían surgido. En el período moderno central (c. 1923-1946), los coreógrafos Martha Graham, Doris Humphrey, Katherine Dunham, Charles Weidman y Lester Horton buscaron desarrollar estilos de movimiento y vocabularios con identidad estadounidense, y desarrollaron sistemas de entrenamiento de danza definidos y reconocibles. En el período moderno tardío (c. 1946-1957), José Limón, Pearl Primus, Merce Cunningham, Talley Beatty, Erick Hawkins, Anna Sokolow, Anna Halprin y Paul Taylor introdujeron abstraccionismo y movimientos devanguardia, y allanaron el camino para la danza posmoderna.5

La danza moderna ha evolucionado con cada generación posterior de artistas participantes. El contenido artístico se ha transformado y cambiado de un coreógrafo a otro, al igual que los estilos y las técnicas. Artistas como Graham y Horton desarrollaron técnicas en el Período Moderno Central que todavía se enseñan en todo el mundo y existen muchos otros tipos de danza moderna en laactualidad.

En 1915, Ruth St. Denis fundó la escuela y compañía de danza Denishawn con su esposo Ted Shawn.17 Martha Graham, Doris Humphrey y Charles Weidman fueron alumnos de la escuela y miembros de la compañía de danza. En busca de una audiencia más amplia y más receptiva para su trabajo, Duncan, Fuller y Ruth St. Denis realizaron una gira por Europa. Martha Graham es a menudo considerada como la madre fundadora de la Danza de concierto moderna del siglo xx.18 Graham vio el ballet como demasiado unilateral: europeo, imperialista y antiestadounidense. Se convirtió en estudiante de la escuela Denishawn en 1916 y luego se mudó a la ciudad de Nueva York en 1923, donde actuó en comedias musicales, teatros de variedades y trabajó en su propia coreografía. Graham desarrolló su propia técnica de baile, la técnica Graham, que giraba en torno a los conceptos de contracción y liberación. En las enseñanzas de Graham, ella quería que sus alumnos "Sintieran". "Sentir" significa tener un mayor sentido de conciencia de estar pegado al suelo y, al mismo tiempo, sentir la energía en todo el cuerpo, extendiéndola a la audiencia. Sus principales contribuciones a la danza son el enfoque del "centro" del cuerpo (en contraste con el énfasis del ballet en las extremidades), la coordinación entre la respiración y el movimiento, y la relación del bailarín con el suelo

DANZA CONTEMPORANEA

La danza contemporánea surge como una reacción a las formas clásicas y probablemente como una necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca expresar una idea, un sentimiento, una emoción, pero mezclando movimientos corporales propios del sigloXX y XXI.

Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX. En los inicios se buscaba una alternativa a la estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y realizando movimientos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, fueron apareciendo variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se introducían movimientos de otras técnicas corporales, como el flamenco, movimientos de danzas tribales y hasta del yoga. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este renovadoestilo de danza se llamó danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos, llegándose incluso a no dejar claro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen. Según Nieves Rosales, "Hoy pareceque cualquiera es bailarín de contemporáneo, pero no todovale".

Se pueden distinguiren los inicios dos escuelas, laamericanay la europea. Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como la proyección de imágenes yvideo.

La danza clásica tiene una dramaturgia con principio, clímax y desenlace. La danza contemporánea puede seguir esta estructura o bien, contar historias de una forma no lineal.

La danza contemporánea puede hablar de un concepto, proponer un ambiente o presentar movimientos con el propósito de conseguir una estética determinada, no siempre tiene que contar una historia. Por otro lado, la danza clásica se construye a través de pasos ya existentes y siempre codificados mientras que la danza contemporánea busca la innovación y la creación de nuevas formas de movimiento de acuerdo con las necesidades del coreógrafo o el intérprete. La danza clásica busca el preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión con loetéreo, con locelestial; más bien está ligada al concepto de lo

apolíneo . La danza contemporánea busca la conexión con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones, la no estructura, la transgresión; está ligada al concepto de lo dionisíaco.

El coreógrafo suele tomar las decisiones creativas. Él o ella elige si la pieza tendrá un carácter abstracto o narrativo. Los bailarines son seleccionados en función de su habilidad y entrenamiento. La coreografía es determinada basándose en su relación con la música o los sonidos con los que se baila. El papel de la música en danza contemporánea es diferente al de otros géneros porque puede servir de fondo para la pieza. El coreógrafo supervisa la elección del vestuario y su valor estético para la composición general de la actuación y también paravercomo influyeen los movimientos de los bailarines.

La danza como las otras artes ha tenido grandes cambios estéticos durante toda su historia. En los últimos cincuenta años la investigación y la búsqueda continua de las nuevas formas de expresión ha conducido a la danza por diferentes caminos hacía la perfección técnica y artística. Influida por los cambios de la vida social y política y también de otras artes, la danza ha cambiadosu forma de ser, su estéticay su percepción.

DANZA TRADICIONAL/FOLCLORICA

Los Bailes Folclóricos es un término utilizado para describir a un gran número de danzantes, que tienden acompartir los atributos similares:

Originalmente bailado aproximadamente en el siglo xix o antes (en cualquier caso, noestán protegidos por derechos de autor).

Su práctica se realiza por una tradición heredada, más que por la innovación.

Bailado por la gentecomún y no exclusivamente por la aristocracia.

Se realiza espontáneamente y no existe un órgano rector que tiene la última palabra sobre lo que es "la danza" o la autorización para enseñarlo. Esto también significa que nadie tiene la última palabra sobre la definición de bailes folclóricos o laedad mínima para tales danzas.

Danzas tradicionales valencianas

Las danzas folclóricas tradicionalmente se realizan durante los acontecimientos sociales. Los nuevos bailarines a menudo aprenden esta danza informalmente mediante la observación hacia otras personas y/o la ayuda de otros comoamigos, familiares, etc.

La danza folclórica es vista más como una actividad social en lugar de competencia, aunque hay grupos profesionales y semiprofesionales de danza folclórica, que en ocasiones realizan competiciones de bailes folclóricos.

El término "danza folclórica" que determina los bailes en grupos de 24 o 29 personas hacen referencia a sus santos, o ayudan a asociaciones, y normalmente se originó antes de siglo xxi. Para otras culturas los términos "la danza étnica" y/o "danza de dioses" a veces se usan, aunque este último puede abarcar también al de "danzas ceremoniales".

Hay una serie de bailes modernos, como los procedentes de la cultura hip-hop, que evolucionan espontáneamente, pero el término "danza folclórica", por lo general, no es aplicado a ellos, ocupando su lugar los términos "danza de calle" o "danza vernacular". El término "danza folclórica" está reservada para las danzas que son en gran medida de tradición europea y se originó en los tiempos para la distinción entre los bailes de gente corriente y los bailes de laalta sociedad.

Gran parte de los bailes modernos se originóa partirde bailes folclóricos.

Los términos "étnicos" y "tradicionales" se utilizan cuando es necesario hacer hincapié en las raíces culturales de la danza. En este sentido, casi todas las danzas son de origen étnico. Si algunas danzas, como la polca, cruzan fronteras étnicas e incluso cruzan la frontera entre el "folclor" y "baile de salón", las diferencias étnicas son a menudo bastante considerables a mencionar, por ejemplo, la polcacheca vs. polca alemana.

No todos los grupos étnicos son bailes de la danza folclórica, por ejemplo, el origen de las danzas rituales no se consideran como bailes folclóricos. Las danzas rituales son generalmente denominados "bailes religiosos", a causa de su propósito.

Son varios tipos de danza folclórica, incluidos el baile del país Inglés, danza folclórica internacional, danza irlandesa, danza Maypole, la danza Morris, baile Nordic Polca, Baile de bastones, baile de plaza y danza con espada. Algunos bailes coreografiados como la contradanza, danzas folclóricas israelíes, la danza del país escocés, y baile moderno occidental, se llaman danzas folclóricas, aunque esto no es cierto en el sentido más estricto. La mayoría de los bailes y danzas de baile se originaron a partir de danzas folclóricas, con el perfeccionamientogradual en los últimos años.

Las personas familiarizadas con la danza folclórica a menudo pueden determinar de qué país es una danza, incluso si no han visto ese baile antes.

Algunos países tienen características exclusivas de danza, aunque los países vecinos a veces tienen características similares. Por ejemplo, la danza schuhplattling alemán y austriaco se compone de bofetadas en el cuerpo y los zapatos en un patrón fijo, una característica que pocos países tienen. Las danzas evolucionaron a veces mucho antes de las fronteras políticas actuales, por lo que algunos bailes son compartidos por varios países. Por ejemplo, los serbios, búlgaros y croatas comparten el mismo o similar baile, e incluso a veces utilizan el mismo nombre y la música.

Aunque la danza folclórica históricamente fue realizada por la gente común de la cultura local, bailes folclóricos internacionales han recibido alguna popularidad en universidades y centros comunitarios en los Estados Unidos y otros países.

Por ejemplo la danza folclórica mexicana ha desarrollado a lo largo de cinco siglos, en la era precolombina, una influencia de danzas de origen español o francés, gracias a los acontecimientos ocurridos en esa época.

La fusión de estas influencias con la cultura indígena ha creado más de 300 estilos de baile dentro de las treinta y dos entidades federativas mexicanas.Igualmente las danzas folclóricas sudamericanas pueden ser de origen indígena, mestizo o criollo; ligadas a festividades religiosas (católicas o indígenas) o acontecimientos comunales (siembra, riego o cosechas). en esta es importante la cultura

DANZAS REGIONALES

En las danzas regionales mexicana el objetivo central es tener saberes de incidir de forma propositiva en la transformación de la danza y con ello propiciar el desarrollo personal.

La danza regional mexicana aspira a ser vinculada a la tradición, la lucha por la re valoración, conservación y enriquecimiento de la cultura nacional y la creencia de que la danza no solo enseña una técnica, unos pasos, sino enseñar una forma de vida, una concepción del mundo, desarrollar un sentido de la estética, de lo bello, así como la vinculación con otras artes, con la finalidad de potenciar las capacidades, habilidades y destrezas de las y los futuros danzantes.

También sirve para poder expresar sentimientos, emociones y experiencias del transcurso de la vida, esta se utiliza para tradiciones y ritos como los antepasados, también sirve para celebrar ocasiones importantes para pueblos, colonias y familias yciudades de nuestro país.

Tienen como finalidad proporcionar herramientas que permitan que su objeto de estudio sea bajo una perspectiva que equilibre la teoría y la práctica, teniendocincoáreas deconocimientovinculadas entre sí.

 Anomalística,

 Musical,

 Escénica,

 Teórico-artística

 Teórico-metodológica.

En este sentido se parte de la premisa etimológica de que el acercamiento a la danza debe ser integral, esto mediante el desarrollo y la experimentación de diversas habilidades comoson:

Aplicación de técnicas de observación, registro y descripción de la forma, contexto histórico, social ycultural de las danzas populares y/o tradicionales.

Ejecución técnica llevada acabocon disciplina

Capacidad creativaque permita la re-significación del baile

Se realiza a través del aprendizaje de la técnica de ballet Vagánovay otras, aunadas al estudio de las danzas de carácter, la técnica del dueto, la danza contemporánea, el jazz, el yoga, el aprendizaje del piano para la hermosa

Bertha Hernández Valencia, bailarines y las materias teórico-artísticas: el desarrollo de las facultades físicas y expresivas permiten adquirir equilibrio y la destreza necesaria para la demanda profesional requerida en compañías de danzaclásica, neoclásicaycontemporánea.

Estados del Norte[editar]

Tracalada norteña o polka norteña

Originalmente este baile viene de Europa. Representa a los estados del norte del país como Chihuahua, Tamaulipas, Nuevo León, Sonora, Coahuila, Baja California. Los vestuarios en las mujeres pueden ser faldas con camisas o vestidos largos, son de manga larga y de cuello alto con encaje, en la cintura lleva una cinta larga para amarrarlo alrededor de la cintura dándole al final la forma de un moño grande. Los zapatos pueden ser botas a media pantorrilla (blancas o negras) y en el cabello se peinan con un chongo alto colocándose un moño en la superior del peinado. En los hombres, su traje puede ser un pantalón de mezclilla o de vaquero con una camisa de manga larga a cuadros, sobre ésta un saco con flequillos a los costados. En el cuello un pañuelo amarrado, en la cabeza portan un sombrero norteño y se usan botas de vaquero.

Bailes:

 Redova

 Sonora bronco

 Pasitoduranguense

 Calabaceado

 Zapateado

 Sinaloense

 Banda o tambora

 Florde pitahaya

 Cumbia texana

 Grupero

 Tejana

 Cumbia norteña

 Bolero

DANZAS POPULARES

También conocidas como danzas folklóricas (del anglosajón folklore, o sea, folk lore, conocimiento popular) o danzas tradicionales, son aquellas que reflejan la tradición y las costumbres de un pueblo, y que se transmiten de generación en generación. Suelen acompañar celebraciones religiosas, días festivos y eventos de significación local, por lo que normalmente se ejecutan con vestimentas tradicionales, una música específica yen ciertas épocas del año.

Las danzas populares o tradicionales a menudo actúan como símbolos nacionales, representando toda una cultura local. En ocasiones su valía es únicamente regional, o sea, son danzas regionales, típicas ya no de un país sino de una de sus regiones. En todos los casos, las danzas populares forman parte del acervo cultural de las naciones y de sus métodos propios de expresión. Algunos ejemplos de danzas populares son:

 El tamunangue. Es un baile sudamericano de orígenes mestizos, con una importante influencia africana e indígena. Es practicado en distintas regiones de Venezuela, Colombia y Chile, a menudo en honor de los santos patronos católicos. El baile implica una serie de coreografías ejecutadas en pareja.

 La marinera. Es una danza típica de la costa del Perú, en la que convergen elementos hispanos, africanos y aborígenes. Se ejecuta en parejas, con la ayuda de pañuelos y con largas y vistosas faldas por parte de las mujeres. Aunque tiene claras raíces en bailes semejantes de Chile y la región, se ha convertidoen un ícono nacional del Perú desdeel siglo XIX.

 El tango. Es un baile típico de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo, y de toda la zona del río de la Plata, fruto del cruce de la cultura gauchesca, los ritmos africanos y la fuerte inmigración italiana que tuvo la región. Se baila en parejas y de manera vistosa, al son del acordeón y de canciones escritas en buena medida en el argot local, el lunfardo.

 El flamenco. Es un baile propio de la región española de Andalucía, especialmente en Cádiz y sus regiones aledañas. Es fruto de un importante intercambio cultural entre los gitanos, los moros y la tradición hispana, y desde 2010 es considerado patrimonio inmaterial de la humanidad. En el baile las mujeres gozan de un notorio protagonismo, ataviadas con faldas y a menudoacompañadas de castañuelas.

La rumba. Es una danza y género musical propios de la Cuba del siglo XIX, marcados por una clara herencia hispano-africana. Se puede bailar de manera individual o en parejas, y se acompaña con distintos tipos de tambores. Los pasos de baile suelen implicar movimientos de la pelvis o las caderas, dependiendo del estilo específico de rumba: el guaguancó, la columbia, entre otros.

Psicología de la danza

De principio a fin lo que ha sido la historia de la danza se ha visto dentro de los métodos tradicionales para la preparación de un bailarín, pero a lo largo de este tiempo los profesores se han percatado de que estos métodos no siempre dejan lo mejor preparado al alumno de danza. Por eso mismo es importante ver los avances que se ha tenido en la ciencia del deporte y la psicología, para así poder tener una información más entendible para poder aplicar la psicología en la enseñanza de la danza y poder otorgarles un mejor rendimiento a los estudiantes de ésta disciplina, al igual de que nos dará un mejor panorama para la preparación mental que conlleva la danza.

Pirámide de la actitud escénica

Ésta es la cual los bailarines experimentan durante su actuación, conduciéndolos a una actitud escénica, el cual es originado por los cambios realizados por el bailarín para poder rendir al máximo. En la base se encuentra la motivación, posteriormente la confianza en uno mismo, consecuentemente la intensidad y por último laconcentración.

Motivación: La motivación es cuando una persona encuentra por cierto medio una manera de satisfacer alguna necesidad y así crea una mejor disposición o aumento por la realización de dicha acción.

Confianza en uno mismo: Este es el segundo nivel en cuanto a la pirámide de actitud escénica, siendo uno de los niveles más influyentes en la actuación de la danza, al igual que parte integral del programa psicológico de rendimiento. Esta confianza dentro de la danza se identificará por la sólida fe que obtenga el bailarín en el momento de aprender y realizar cierta técnica o al representar algún papel. Por lo tanto, nunca se le debe limitar a un bailarín a la enseñanza de habilidades técnicas y artísticas, por lo que se debe mostrarles la confianza en cuanto a la capacidad de laejecución de dicha técnica.

Intensidad: Es cuando llega la hora de actuar, refiriéndose al grado de preparación psicológica que tendrá el bailarín al momento previo de su actuación. Esta se caracteriza por las diversas evoluciones que presentarán en el estado fisiológico, como lo son los latidos del corazón, presión sanguínea, producción de adrenalina e incluso miedo. Los bailarines la pueden presenciar de una manera tanto positiva como negativa.

Concentración: El máximo punto de la pirámide de actitud escénica. En ciertas ocasiones es el menos comprendido, sin embargo, es el que sintoniza a los bailarines en su actuación. Este es la capacidad que se tiene hacia una cosa en un largo periodo de tiempo.

Historia

Miología

El baile de los coribantes inventado por los caretos o coribantes, ministros de la religión bajo los primeros titanes, lo ejecutaban al son de tambores, de pífanos, zampoñasy al tumultuoso estrépito de los cascabeles, lanzas, espadas y escudos. La fábula dice que con el ruido de dicho baile salvaron de la barbarie de Saturno al pequeño Júpiter, cuya educación les había sido confiada.

Las danzas o bailes campestres, que se dice fueron inventados por el dios Pan, se ejecutaban en los bosques y parajes deliciosos por jóvenes de ambos sexos coronados de ramos de encina y guirnaldas de flores.

Antigua Grecia

fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte, teniendo una musa dedicada a ella: Terpsícore. Los primeros vestigios provienen de los cultos a Dioniso (ditirambos), mientras que fue en las tragedias principalmente las de Esquilo donde se desarrolló como técnica, en los movimientos rítmicos del coro.

Los griegos conocieron este arte desde tiempo inmemorial, y en el octavo libro de La Odisea vemos que los feacios obsequiaron ya en aquellos remotos tiempos al hijo de Laertes recién llegado a la corte de Alcínoo con un baile ejecutado por una tropa de jóvenes al son de la armoniosa lira de Demódoco, los que bailaron con tanto primor y ligereza que Ulises quedó arrebatado por la encantadora movilidad de sus pies. A las sabias leyes de Platón se debió el que este arte llegase al último grado de perfección entre los griegos, como que Ateneo nos dice que los escultores más hábiles iban a estudiary dibujar las varias actitudes de los bailarines, para copiarlas después en sus obras.

Los griegos introdujeron el baile en la escena, cuya invención se atribuye a Batilo de Alejandría y a Pílades: el primero lo unió a la comediay, el segundo, a la tragedia. Esta diversión, que forma uno de los principales placeres de la juventud, no podía menos de gustara los romanosy a los demás pueblos que les sucedieron.

Antigua Roma

Entre los romanos se usaba una especie de danza que mejor debería llamarse pantomima en los entierros o funerales. Un hombre tomaba el vestido del difunto y, cubierta su cara con una máscara, iba delante de la pompa lúgubre remedando las costumbres y modales más conocidos del sujeto que representaba, de modo que venía a ser un orador fúnebre sin hablar una palabra, de todas las costumbres del muerto.

El baile o danza de los salios fue instituido por Numa Pompilio, segundo rey de Roma, en honor de Marte, el que ejecutaban doce sacerdotes llamados salios escogidos de las más ilustres familias de Roma.

El baile o danza de los salios fue instituido por Numa Pompilio, segundo rey de Roma, en honor de Marte, el que ejecutaban doce sacerdotes llamados salios escogidos de las más ilustres familias de Roma.

El baile del Himeneo o «danza nupcial» estaba en uso entre los romanos. Se ejecutaba en los matrimonios de los antiguos por jóvenes y doncellas coronados de flores, que con sus figuras y con sus pasos expresaban la alegría que reina en una feliz unión. Con el tiempo este baile, tan sencillo en su origen, pasó a ser un vivo ejemplo y una pintura la más obscena de las funciones más secretas del matrimonio. La licencia y el libertinaje llegaron a tal punto que el Senado se vio precisado a echar de Roma a todos los danzarines y maestros de semejante baile.

Edada Media

La danza medieval tuvo escasa relevancia, debido a la marginación a la que la sometió la Iglesia, que la consideraba un rito pagano. A nivel eclesiástico, el único vestigio eran las «danzas de la muerte», que tenían una finalidad moralizadora. En las cortes aristocráticas se dieron las «danzas bajas», llamadas así porque arrastraban los pies, de las que se tiene poca constancia. Fueron más importantes las danzas populares, de tipo folklórico, como el pasacalle y la farándula, siendo famosas las «danzas moriscas», que llegaron hasta Inglaterra (Morris dances). Otras modalidades fueron: el carol, el estampie, el branle, el saltarello y la tarantela.

Renacimiento

La danza renacentista tuvo una gran revitalización, debida al nuevo papel preponderante del ser humano sobre la religión, de tal manera que muchos autores consideran esta época el nacimiento de la danza moderna. Se desarrolló sobre todo en Francia –donde fue llamado ballet-comique–, en forma de historias bailadas, sobre textos mitológicos clásicos, siendo impulsado principalmente por la reina Catalina de Médici. Se suele considerar que el primer ballet fue el Ballet comique de la Reine Louise (1581), de Balthazar de Beaujoyeulx. Las principales modalidades de la época eran la gallarda, la pavana y el tourdion. En esta época surgieron los primeros tratados sobre danza: Domenico da Piacenza escribió De arte saltandi et choreas ducendi, siendo considerado el primer coreógrafo de la Historia; Thoinot Arbeau hizo una recopilación de danzas populares francesas

Barroco

La danza barroca siguió desarrollándose nuevamente en Francia (ballet de cour), donde hizo evolucionar la música instrumental, de melodía única pero con una rítmica adaptada a la danza. Fue patrocinada especialmente por Luis XIV, que convirtió la danza en grandes espectáculos (Ballet de la Nuit, 1653, donde intervino el rey caracterizado de sol), creando en 1661 la Academia real de Danza. Como coreógrafo destacó Pierre Beauchamp, creador de la danse d'école, el primer sistema pedagógico de la danza. Las principales tipologías fueron: minuet, bourrée, polonaise, rigaudon, allemande, zarabande, passepied, gigu e, gavotte, etc. En España también se dieron diversas modalidades de danza: seguidilla, zapateado, chacona, fandango, jota, etc.

Romanticismo

La danza romántica recuperó el gusto por los bailes populares, las danzas folklóricas, muchas de las cuales sacó del olvido. Surgió el clásico vestuario de ballet (el tutú), aparecido por primera vez en el Ballet de las Monjas de Robert le Diable (1831), de Giacomo Meyerbeer. Se empezó a componer música puramente para ballet, destacando Coppélia (1870), de Léo Delibes. En el aspecto teórico, destacó la figura del coreógrafo Carlo Blasis, principal creador del ballet moderno en cuanto codificó todos los aspectos técnicos concernientes a la danza: en El código de Terpsícore (1820) relacionó la danza con las otras artes, efectuando estudios de anatomía y movimientos corporales, ampliando el vocabulario relativo a la danza, y distinguiendo varios tipos de bailarines según su físico. También introdujo el baile sobre las puntas de los pies, en el que destacaron Marie Taglioni y Fanny Elssler. En bailes populares, continuó la moda del vals, y aparecieron la mazurcay la polca.

Reglamento de la danza

Pensar en danza significa pasión, arte, creatividad y expresión. La palabra nos recuerda el cuerpo, el movimiento y la libertad. Pero danza también significa disciplinay respeto, las cuales se reflejan en nuestra vida diaria, incluyendo el salón de clases. Las clases de danza, los ensayos y las prácticas son la base esencial de la formación, y es importante tomar en cuenta algunas reglas básicas de comportamiento para aprovechar al máximo a nuestros maestros, compañeros y nosotros mismos. Todos conocemos la manera como debemos comportarnos en determinados lugares, aunque algunas veces lo olvidamos o simplemente no queda claro lo correcto o lo incorrecto. Aquí algunas recomendaciones esenciales para mantener el orden en el salón y demostrar respeto y educación.

1. La puntualidad es clave. Llegar puntual a clase es uno de los elementos más importantes para un bailarín. No se trata de llegar justo al inicio de la clase, sino que es recomendable llegar mínimo 15 minutos antes y aprovechar el tiempo para calentar un poco, hacer ejercicios de estiramiento, o incluso prepararte mentalmente para rendir.

2. Sé ordenado. Al llegar, asegúrate de mantener tus pertenencias en su lugar, sin que estorben en el salón. Si las dejas en un vestidor, mantenlas cerradas, si están dentro del aula, vigílalas.

3. La puntualidad es clave. Llegar puntual a clase es uno de los elementos más importantes para un bailarín. No se trata de llegar justo al inicio de la clase, sino que es recomendable llegar mínimo 15 minutos antes y aprovechar el tiempo para calentar un poco, hacer ejercicios de estiramiento, o incluso prepararte mentalmente para rendir.

4. Sé ordenado. Al llegar, asegúrate de mantener tus pertenencias en su lugar, sin que estorben en el salón. Si las dejas en un vestidor, mantenlas cerradas, si están dentro del aula, vigílalas.

5. 5. Shh… Cuando el maestro esté dando una corrección, dicte algún ejercicio o haga algún comentario, asegúrate de guardar silencio y no interrumpir. Treva Bedinhaus, de la Universidad Dance Arts Society en Texas sugiere evitar hablar con algún compañero o reírse. Por otra parte, también afirma que es importante hacer preguntas, siempre pidiendo permiso para hablar.

Dance Rules

Thinking about dance means passion, art, creativity and expression. The word reminds us of the body, movement and freedom. But dance also means discipline and respect, which are reflected in our daily lives, including the classroom. Dance classes, rehearsals and practices are the essential basis of training, and it is important to take into account some basic rules of behavior to get the most out of our teachers, colleagues and ourselves. We all know how we should behave in certain places, although sometimes we forget it or it is simply not clear what is right or wrong. Here are some essential recommendations to maintain order in the classroom and show respect and education.

1. Punctuality is key. Getting to class on time is one of the most important elements for a dancer. It is not about arriving right at the beginning of the class, but it is advisable to arrive at least 15 minutes before and take advantage of the time to warm up a bit, do stretching exercises, or even mentally prepare yourself to perform.

2. Be neat. When you arrive, make sure you keep your belongings in their place, out of the way in the room. If you leave them in a dressing room, keep them closed, if they are inside the classroom, keep an eye on them.

3. Punctuality is key. Getting to class on time is one of the most important elements for a dancer. It is not about arriving right at the beginning of the class, but it is advisable to arrive at least 15 minutes before and take advantage of the time to warm up a bit, do stretching exercises, or even mentally prepare yourself to perform.

4. Be neat. When you arrive, make sure you keep your belongings in their place, out of the way in the room. If you leave them in a dressing room, keep them closed, if they are inside the classroom, keep an eye on them.

5. Shh… When the teacher is giving a correction, dictating an exercise or making a comment, be sure to remain silent and not interrupt. Treva Bedinhaus of the Dance Arts Society University in Texas suggests avoiding talking to a partner or laughing. On the other hand, she also affirms that it is important to ask questions, always asking for permission to speak.

6. Encuentra tu lugar. Cuando eres nuevo (o incluso si ya llevas un tiempo danzando) debes asegurarte de encontrar en el salón el lugar que más se acomode a ti de acuerdo a tu nivel y tus conocimientos. El Ballet de Virginia recomienda pedir consejo a tu maestro para que te ubique en un lugar en la barra o centro, donde no estorbes, pero te puedan ver. También es importante ser honesto, y si no te sabes los ejercicios, procura ubicarte en donde te veas, pero no obstruyas a los demás.

7. Ensaya y respeta. Si no estás en ensayos, pero te gustaría quedarte a observar ten en cuenta dos cosas: pide permiso al maestro y busca un lugar en donde no obstruyas ni distraigas.

8. Con permiso. Si por alguna razón llegas tarde a clase, pide siempre permiso para entrar. Lo mismo al terminarse la clase. Si te sientes mal o debes abandonar la clase, no te vayas sin antes pedir permiso al maestro y hacerle saberque te irás.

9. Advertencia. Si te lesionaste o sientes dolor en alguna parte de tu cuerpo, avísale a tu maestro. Esto es muy importante para que entienda los motivos por los cuales marcas algún ejercicio o no tomas su clase.

10. ¿Por dónde camino? Cuando termines un ejercicio ten siempre en cuenta que debes cruzar el salón por detrás, ¡nunca frente al espejo! Y para las clases en barra, específicamente ballet, recuerda que, para cambiar de lado, debes voltear por adentro, girar tu cuerpo hacia la barra.

11. No mastiques, apunta. Cualquier estilo de danza requiere un gran esfuerzo físico, por lo cual es muy peligroso mascar chicle mientras bailas. ¡No lo hagas! Gaynor Minden habla sobre la importancia de evitar a toda costa cualquier alimento, sobre todo masticar chicle. Se considera una falta de respeto, y es peligroso.

12. Termina y no te desplomes. Cuando te dicten cualquier combinación, siempre termínala de una forma u otra. También, sigue bailando hasta que el maestro te pare; esta es una de las reglas de la Compañía de Virginia. Aseguran que además de ser un distractor, es una falta de respeto al maestro. Evita gestos, quejas y comportamientos groseros. Sin duda, la danza es una actividad que te libera y te ayuda a expresar tus emociones y pensamientos; pero también es una disciplina y es poresto que conlleva reglas y maneras de comportamiento. Seguir estos simples consejos te asegurará el mejoramiento en tu técnica y te ayudará a disfrutar aún más de tus clases. Recuerda que ser un bailarín respetuoso y disciplinado te llevará lejos.

6. Find your place. When you are new (or even if you have been dancing fora while) you should make sure to find the place in the room that best suits you according to your level and your knowledge. The Virginia Ballet recommends asking your teacher for advice to place you in a place in the barre or center, where you will not be in the way but can be seen. It is also important to be honest, and if you do not know the exercises, try to place yourself where you can see yourself, but do not obstruct others.

7. Rehearse and respect. If you are not in rehearsals, but would like to stay and observe, keep two things in mind: ask the teacher for permission and find a place where you do not obstruct ordistract.

8. With permission. If for any reason you are late for class, always ask permission to enter. Same thing at the end of class. If you feel bad or have to leave class, don't leave without first asking the teacher for permission and letting them knowyou're leaving.

9. Warning. If you are injured or feel pain in any part of your body, tell your teacher. This is very important so that you understand the reasons why you mark an exercise or do not take your class.

10. Where do I walk? When you finish an exercise, always keep in mind that you must cross the room from behind, never in front of the mirror! And for barre classes, specifically ballet, remember that to change sides, you must turn inside out, turn your body towards the barre

11. Don't chew, aim. Any style of dance requires great physical effort, which is why it is very dangerous to chew gum while dancing. Do not do it! Gaynor Minden talks about the importance of avoiding any food at all costs, especially chewing gum. It is considered disrespectful, and it is dangerous.

12. Finish and don't collapse. When dictated to any combination, always finish it one way or another. Also, keep dancing until the teacher stops you; this is one of the rules of the Virginia Company. They assure that in addition to being distracting, it is disrespectful to the teacher. Avoid gestures, complaints and rude behavior. Without a doubt, dance is an activity that frees you and helps you express your emotions and thoughts; but it is also a discipline and that is why it entails rules and ways of behavior. Following these simple tips will ensure you improve your technique and help you enjoy your classes even more. Remember that being a respectful and disciplined dancerwill take you far.

Estudios de danza

En la década de 1920, los estudios de la danza (práctica de la danza, la teoría crítica, análisis musical y de la historia) comenzaron a ser considerados como disciplinas académicas. Hoy en día estos estudios son una parte integral de las artes en muchas universidadesy programas de humanidades.

A finales del siglo xx, se reconoció el conocimiento práctico como igual al académico; esto condujo a la aparición de prácticas de investigación. Una amplia gama de cursos de baile están disponibles, incluyendo:

Práctica profesional: habilidades de interpretación y técnica, docencia Práctica de investigación: la coreografíay el desempeño.

Etnocoreología, que abarca los aspectos relacionados con la danza de: antropología, estudios culturales, estudios de género, estudios de área, la teoría post-colonial, etnografía, etc.

La danza terapia o terapia del baile.

La danzay la tecnología: los nuevos mediosy tecnologías de alto rendimiento.

Análisis del movimiento Labán y estudios somáticos.

Títulos académicos están disponibles, desde licenciaturas hasta doctorados y otras becas postdoctorales.

Enfoques

Teatral

La danza de concierto, como la ópera, generalmente depende, para su forma a gran escala, de una estructura narrativa dramática. Los movimientos y gestos de la coreografía están destinados principalmente a imitar la personalidad y los objetivos de los personajes y su papel en la trama. Estos requisitos teatrales tienden a realizar movimientos más largos y libres que los habituales en los estilos de danza no narrativos. Por otro lado, el ballet blanco, desarrollado en el siglo xix, permite interludios de danza rítmica que se convirtieron en ballets totalmente "sin trama" en el siglo xx y que permitían pasos de baile rápidos y rítmicos como los del petit alegro. Un ejemplo bien conocido es la Danza de los polluelos de cisne en el segundo acto del Lago de los cisnes.

El ballet se desarrolló a partir de producciones dramáticas cortesanas de Francia e Italia de los siglos XVI y XVII y durante algún tiempo los bailarines interpretaron danzas desarrolladas a partirde las conocidas de la suite musical, todas ellas definidas

Dance studios

In the 1920s, dance studies (dance practice, critical theory, musical analysis, and history) began to be regarded as academic disciplines. Today these studies are an integral part of the arts in many universities and liberal arts programs.

At the end of the 20th century, practical knowledge was recognized as equal to academic knowledge; this led to the emergence of investigative practices. A wide range of dance courses are available, including:

Professional practice: performance skills and technique, teaching. Research practice: choreography and performance.

Ethnochoreology, covering dance-related aspects of: anthropology, cultural studies, gender studies, area studies, post-colonial theory, ethnography, etc.

Dance therapy ordance therapy.

Dance and technology: new media and high performance technologies.

Laban movementanalysis and somatic studies.

Academic degrees are available, from bachelor's degrees to doctorates and other postdoctoral fellowships.

Approaches

Theatrical

Concert dance, like opera, generally depends for its large-scale form on a dramatic narrative structure. The movements and gestures of the choreography are mainly intended to mimic the personality and goals of the characters and their role in the plot. These theatrical requirements tend to make movements longer and freer than usual in non-narrative dance styles. On the other hand, ballet blanco, developed in the 19th century, allows for rhythmic dance interludes that became fully "plotless" ballets in the 20th century, allowing for fast, rhythmic dance steps like those of the petit allegro. A well-known example is the Dance of the Swan Chicks in the second act of Swan Lake.

Ballet developed out of 16th- and 17th-century French and Italian court drama productions, and for some time the dancers performed dances developed from those known in the musical suite, all of which are defined as

por ritmos definidos, estrechamente identificados con cada danza. Estos aparecieron como danzas de personajes en la era del nacionalismo romántico.

El ballet alcanzó una moda generalizada en la era romántica, acompañado por una orquesta más grande y concepciones musicales más grandiosas que no se prestaban fácilmente a la claridad rítmica y por una danza que enfatizaba el mimo dramático. Se necesitaba un concepto más amplio de ritmo, lo que Rudolf Laban denomina "ritmo y forma" del movimiento que comunica carácter, emoción e intención, mientras que solo ciertas escenas requerían la sincronización exacta del paso y la música esencial para otros estilos de danza, de modo que, para Labán, los europeos modernos parecían totalmente incapaces de captar el significado de "movimientos rítmicos primitivos", una situación que comenzó a cambiar en el siglo xx con producciones como El rito de la primavera de Igor Stravinsky con su nuevo lenguaje rítmico que evoca sentimientos primarios de un pasado primitivo.

Participativo y social

Los bailes sociales, aquellos destinados a la participación más que a una audiencia, pueden incluir varias formas de mímica y narrativa, pero típicamente se establecen mucho más cerca del patrón rítmico de la música, por lo que términos como valsy polka se refieren tanto a piezas musicales como al baile en sí. El ritmo de los pies de los bailarines puede incluso formar parte esencial de la música, como en el claqué. La danza africana, por ejemplo, tiene sus raíces en pasos básicos fijos, pero también puede permitir un alto grado de interpretación rítmica: los pies o el tronco marcan el pulso básico mientras que los hombros, las rodillas o la cabeza recogen ritmos cruzados. los mejores bailarines dando simultáneamente expresión plástica a todos los elementos del patrón polirrítmico.

by defined rhythms, closely identified with each dance. These appeared as character dances in the era of romantic nationalism.

Ballet reached a widespread fashion in the Romantic era, accompanied by a larger orchestra and grander musical conceptions that did not lend themselves easily to rhythmic clarity, and by dance that emphasized dramatic mime. A broader concept of rhythm was needed, what Rudolf Laban calls "rhythm and form" of movement that communicates character, emotion, and intent, while only certain scenes required the exact timing of step and music essential to otherstyles of dance, so that, for Laban, modern Europeans seemed totally incapable of grasping the meaning of "primitive rhythmic movements", a situation that began to change in the 20th century with productions such as Igor Stravinsky's The Rite of Spring with its new rhythmic language. that evokes primal feelings from a primitive past.

Participatory and social

Social dances, those intended for participation rather than an audience, can include various forms of mime and storytelling, but are typically set much closer to the rhythmic pattern of the music, which is why terms like waltz and polka refer to both pieces of music as well as the dance itself. The rhythm of the dancers' feet can even form an essential part of the music, as in tap dancing. African dance, forexample, has its roots in fixed basic steps, but can also allow fora high degree of rhythmic interpretation: the feet or trunk set the basic pulse while the shoulders, knees or head pick up cross-rhythms. the best dancers simultaneously giving plastic expression to all the elements of the polyrhythmic pattern.

El papel de la danza durante la pandemia

Con la declaración del Estado de alarma en marzo de 2020, el sector de la danza se encontró ante un escenario complejo. Por un lado, la parte más profesional del sector se encontró con un panorama de suspensión de todo su panel de actuaciones y contratos, sin una respuesta clara a qué hacer con los espectáculos programados que quedaron en suspenso.

Aparte de la suspensión de espectáculos y sus implicaciones económicas y profesionales, el sector se encontró ante la imposibilidad de reunirse y mantener los ensayos, necesarios para el mantenimiento de los bailarines y para poder retomar la actividad cuando las circunstancias lo permitieran.

Según un informe realizado por la Federación Estatal de Asociaciones y empresas de Teatro y Danza (FAETEDA), durante los tres primeros meses de confinamiento se suspendieron en España 4 091 funciones artísticas. Esto supuso una pérdida de 17 696 677,25 €. La pandemia supuso además una incertidumbre total. A día de hoy, el sectorsigue sin retomar la normalidad, condicionado por laevolución de la covid-19.

Día internacional de la danza

El 29 de Abril de cada año, desde 1982 por la iniciativa del Consejo Internacional de la Danza de UNESCO, es celebrado en todo el mundo el Día Internacional de la Danza, se eligió este día, por ser el natalicio de Jean-Georges Noverre, innovador y estudioso se este arte, maestro y creador del ballet moderno. Fue instituído a partir de la propuesta del maestro ruso Piepor Gusev de Leningrado, de homenajear al gran innovador del ballet clásico, el coreógrafo francés Jean Georges Noverre, nacido el 29 de abril de 1727. La fecha conmemora el nacimiento de Jean Georges Noverre (17271810), quién fue el másgrande coreógrafo de su época, el creadordel ballet moderno.

La reconocida bailarina y coreografa Karima Mansour menciona que, la danza sigue siendo la acción más buscada para ayudarnos a restablecer la conexión perdida y volver a nuestras raíces, en el sentido cultural, sensorial, personal e individual más inmediato, de igual forma menciona que, la danza evoca el equilibrio desde donde se conecta la justicia, musicalidad, tono, conciencia individual y cósmica.

Danzas más conocidas en México

Jarabe tapatío

El jarabe tapatío se considera el baile nacional de México y es, por lo mismo, el más conocido. Se bailaal son del mariachi y los bailarines portan trajes típicos nacionales: la mujer, el vestido de «china poblana» y el hombre, el traje charro.

Esta danza se inventó durante la Revolución como un estandarte de unidad nacional y porello incluye los estilos más característicos de diversas regiones. A este conjunto de culturas se le llama «jarabe», aunque hay algunas discusiones sobre si el nombre hace alusión a la idea de mezcla o a ladulzura que se manifiesta entre la pareja de bailarines.

El epicentro de este baile es el estado de Jalisco, pues, aunque es una congregación de diferentes bailes, esaquí donde se ha adoptado como propio.

La Danza de los Viejitos

Esta curiosa danza es tradicional de Morelia y, en específico, del pueblo de Jarácuaro, pero se ha convertido en una de las más famosas y representativas a nivel nacional e internacional. Los orígenes de esta danza están en la época prehispánica, como parte de un ritual en honor de Huehuetéotl, el dios del fuego o «dios viejo» (Tata Yurhiata), para pedirle buenas cosechas y otros favores. Se fue adaptando, primero con la Conquista y la llegada del catolicismo (cuando prohibieron por un tiempo este baile) y aun en tiempos más recientes, con los materiales que se usan para las máscaras y lasvestimentas.

En este baile participan cuatro hombres vestidos con el traje de los campesinos purépechas: camisa y pantalones de manta blancos. Están cubiertos con un sarape de muchos colores y usan unos huaraches con suelas de madera, para que el zapateado suene bien; traen puesta una máscara de madera que representa la cara de un anciano sonriente y en la cabeza llevan fibras de zacate como peluca y sombreros con largos listones coloridos. En la mano llevan un bastón.

La polka norteña

Este baile se originó y popularizó durante la Colonia, en lo que ahora son los estados de Coahuila, Nuevo León, Chihuahua y Tamaulipas. Originalmente era un baile de campesinos. Fue una adaptación del baile de origen polaco, que llegó en aquella época, a la que se le añadieron muchos pasos nuevos. Ahora, esta danza es tradicional de esa región del norte y representa una parte importantísima de la cultura norteña.

De esta danzaexisten muchasvariantes. Se baila en Veracruz, Puebla, San Luis Potosí e Hidalgo y cada región tiene su propia forma de hacerlo.

Lo que tienen en común es que se baila sobre una tarima de madera, para que resuene el taconeo. La música típica de este baile es interpretada por un trío de violinesy dos instrumentos de cuerdas de la familia de laguitarra, que se conocen como jaranas o directamente, huapangueras.

La versión más conocida es la de Veracruz. Ahí, el traje típico consiste en un sombrero y guayabera y pantalón blancos para los hombres, mientras que las mujeres usan un conjunto de blusay falda blancas que destaca porser holgado.

El huapango

La jarana yucateca

Desde la época de la Colonia –entre los siglos XVII y XVIII– la Península de Yucatán era un lugar próspero y lleno de vida. Los españoles y criollos, que se mantenían al margen de las tradiciones populares, se burlaban cuando comenzaban las fiestas típicas diciendo “Ya empezó la jarana”, de forma despectiva. El pueblo maya tomó esto como una forma de decirle a las festividades y empezaron a utilizar el nombre como un genérico para todos los sones que se interpretaban.

La jarana se bailaba sobre todo en las vaquerías, que son fiestas originalmente asociadas con el proceso de marcar el ganado y que ahora están relacionadas también a motivos religiosos en los pueblos de Yucatán. Sin embargo, ahora es parte de la identidad del estado.

Mejores bailarines

ISADORA DUNCAN (1877-1927)

Duncan es una de las bailarinas contemporáneas más reconocidas en la historia de la danza contemporánea. Es que ella, rompió con las reglas de la danza clásica, los movimientos, los pasos, las posiciones y todo lo que estaba establecido hasta ese momento.

Isadora Duncan se supo destacar por su innovación y por crear su propio estilo, es por eso que se le conoce como la madre de la danza moderna. En sus obras e interpretaciones se inspiraba en la cultura griega y su distinción era crear movimientos naturales, expresar desde dentro y transmitir de manera íntegra, lo que quería comunicar.

MARTHA GRAHAM (1894-1991)

Martha Graham es otra de los grandes referentes para los bailarines contemporáneos. Fue bailarina, coreógrafa y profesora de danza y entre estas diferentes etapas desarrolló movimientos provenientes de la emoción.

Graham creó una danza moderna diferente, movimientos de contraer y soltar; completamente conectada con sus emociones.

KATHERINE DUNHAM (1909-2006)

Katherine Dunham fue bailarina contemporánea y coreógrafa estadounidense. Creó una academia de danza en Estados Unidos donde todos los alumnos eran afroamericanos; quedando en la historia de la danza moderna como “la madre de la danza moderna africano-americana”.

Originalmente era bailarina de danza clásica, cuando empezó a descubrir la cultura africana, añadió movimientos tanto en la danzaclásica como en la moderna.

Cabe destacar que la técnica de Katherine Dunham sigue en pie en la actualidad y es uno de los fundamentos más importantes en la danza contemporánea de Estados Unidos.

MARY WIGMAN (1886-1973)

Mary Wigman bailarina contemporánea nacida en Alemania; y fue catalogada como una de las más importantes en la historia de Europa. Wigman enseñó que no existen

movimientos bastos o desagradables, sino que los movimientos que un bailarín contemporáneo deja salir de su cuerpo es la representación gráfica de sus emociones y sentimientos.

Su filosofía de danza sigue teniendo una gran influencia en Europa y también en América junto con Hanya Holm con quién estudió en una academia.

HANYA HOLM (1893-1992)

Hanya Holm fue una bailarina contemporánea que enfatizó los movimientos de la espalda y el torso y su base era la improvisación. Según Holm, era más importante lo que un bailarín expresaba con su cuerpo que loque dictaban las normas de la danza.

Vale mencionar que, Hanya Holm, nacida en Alemania, estudió con Mary Wigman. Se mudó a Nueva York donde estudió más a fondo la técnica de Wigman.

Sus trabajos fueron destacados, su obra Metropolitan Daily fue la primera coreografía de danza moderna que se retransmitió por televisión y fue una de las coreógrafas de los musicales de Broadway.

TED SHAWN (1891 – 1972)

Ted Shwan es uno de los mejores bailarines contemporáneos.

Nació en Kansas City y se adentró en la danza moderna a causa de la recuperación por una enfermedad; y a partir de ahí, Shawn empezó a estudiar este arte y se encontró con Ruth Saint-Denis, con quien formaron pareja artística y matrimonio. Más adelante crearon la escuela Denishawn donde pasaron muchos de los bailarines que más tarde serían grandes artistas reconocidos.

DORIS HUMPHREY (1895-1958)

Humphrey es una de los “Big Four”, loscuatro grandes bailarinescontemporáneosque establecieron los fundamentos de ladanza moderna norteamericana.

Doris Humphrey creó coreografías basadas en los sucesos del momento. Junto Charles Weidman, fundó una compañía de danza moderna que llevó sus obras por todo el país estadounidense.

Actualmente aún se estudian, por todo el mundo, las coreografías de esta bailarina.

CHARLES

WEIDMAN (1901 – 1975)

Charles Weidman también fue pionero en el desarrollo de la danza moderna.

Nació en Lincoln, Nebraska y ha sido uno de los grandes bailarines contemporáneos de todas las épocas.

Su característica particular fue la exploración de una nueva estética en la danza, nuevos principios de técnica que incluyen la gravedad, la caída y la recuperación, el movimiento sostenido, suspendido y vibratorio.

JOSÉ LIMÓN (1908 – 1972)

Este bailarín contemporáneo es un verdadero referente en la danzacontemporánea.

Sus comienzos en la danza fueron tardíos, pero tras un duro esfuerzo y capacitación consiguió llegar a lo más alto. También trabajó como coreógrafo y creó la Limón Dance company.

ERICK HAWKINS (1909 – 1994)

Erick Hawkins fue bailarín y coreógrafo nacido en Trinidad, Colorado. Empezó sus estudios en la danza clásica pero pronto se interesó por la danza moderna transformándose en uno de los mejores bailarines contemporáneos.

Hawkins fue bailarín del American Ballet y del Ballet Caravan donde realizó su primera coreografía “Show Piece”. Una peculiaridad de este artista fue que en alguna de sus obras no ponía música o si la ponía lo hacía terminado el show. El presidente de los Estados Unidos le gratificó con la Medalla Nacional de las Artes, un mes antes de morir.

Seguramente alguno de estos bailarines contemporáneos han sido la inspiración de millones de personas alrededor del mundo. Si eres una de esas personas que ha soñado transformarse en un bailarín contemporáneo…¡Te invitamos a TEB! Pondremos a tu disposición los mejores profesores quienes te ayudarán a convertirte en tu mejor versión. Comunícate con nosotros y forma parte de nuestra Comunidad TEB.

¡Estás a un paso de hacer tu sueño realidad!

CHARLES WEIDMAN (1901-1975)

Charles Weidman was also a pioneer in the development of modern dance. He was born in Lincoln, Nebraska and has been one of the great contemporary dancers of all ages.

Its particular characteristic was the exploration of a new aesthetic in dance, new principles of technique that include gravity, fall and recovery, sustained, suspended and vibrating movement.

JOSE LEMON (1908 – 1972)

This contemporary dancer is a true benchmark in contemporary dance. His beginnings in dance were late, but after a hard effort and training he managed to reach the top. He also worked as a choreographer and created the Limón Dance company.

ERICK HAWKINS (1909-1994)

Erick Hawkins was a dancerand choreographer born in Trinidad, Colorado. He began his studies in classical dance but soon became interested in modern dance, becoming one of the best contemporary dancers.

Hawkins was a dancer with the American Ballet and the Caravan Ballet where he performed his first choreography “Show Piece”. A peculiarity of this artist was that in some of his works he did not put music or if he did, the show ended. The President of the United States awarded him the National Medal of Arts, a month before he died.

Surely some of these contemporary dancers have been the inspiration of millions of people around the world. If you are one of those people who has dreamed of becoming a contemporary dancer… We invite you to TEB! We will put at your disposal the best teachers who will help you become your best version. Contact us and be part of ourTEB Community.

You are one step away from making your dream come true!