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Magíster en Arte y Patrimonio ARTE URBANO: espacios de valor intangible

Estética relacional Nicolás Bourriaud

Carolina Rodríguez Acuña


Escritor, crítico de francés nacido en 1965.

arte

y

curador

Fundador de la revista Documents sur l´art (1992-97) y co-fundador de la revista literaria Perpendiculaire.

Nicolás Bourriaud

Curador del Pabellón francés de la Bienal de Venecia (1990) y en galerías y centros culturales de París, Nueva York, Friburgo y San Francisco, entre otras ciudades. Es autor de novelas y ensayos. Entre estos últimos se destacan Postproducción (Adriana Hidalgo 2004), reeditado en 2006 y Estética relacional, que desde su publicación en francés e inglés han generado gran impacto en el mundo del arte. Es el actual Director de la Escuela Superior Nacional de Bellas Artes de París


ÍNDICE Prólogo________________________________________5

La forma relacional____________________________9 El arte de los años noventa___________________27 Los espacios-tiempo del intercambio___________49 Copresencia y disponibilidad: la herencia teórica de Félix González-Torres_____________ 59 Relaciones pantalla___________________________79 Hacia una política de las formas______________99

Glosario_____________________________________135


Pr贸logo (p谩gs. 5-8)


Estética relacional del autor Nicolás Bourriaud reúne una serie de textos en torno a la problemática de lectura de las expresiones artísticas de los ‘90. Inicia haciéndonos el siguiente cuestionamiento ¿de dónde provienen los malos entendidos del arte de los años noventas? Asegura que se debe a la ausencia de un discurso teórico pertinente para decodificar prácticas “aparentemente inasibles” configura la cuestión central a debatir. La propuesta de Bourriaud es aportar a la reconstitución y lectura de los problemas del arte contemporáneo. El arte contemporáneo exige que sea pensando desde el planteamiento actual de los artistas y no por lo que las propuestas que han hecho las generaciones anteriores. El crítico, en

primera instancia, debe reconstruir los problemas de una época particular y examinar sus diferentes respuestas. Actualmente nos encontramos frente a una estandarización de las relaciones humanas debido a espacios controlados de comunicación, por lo que “El sujeto ideal de la sociedad de figurantes estaría entonces reducido a la condición de mero consumidor de tiempo y de espacio.” El debate actual del de hoy es si, ¿es aún posible generar relaciones con el mundo, en un campo práctico -la historia del artetradicionalmente abocas a su "representación"?. Debemos aclarar que la realización artística hoy aparece como un terreno de experimentaciones sociales.


¿De dónde provienen los malentendidos que rodean el arte de los años noventa sino de una ausencia de discurso teórico?

¿Cuáles son las apuestas reales del arte contemporáneo, sus relaciones con la sociedad, con la historia, con la cultura?

¿Cómo decodificar estas producciones aparentemente inasibles, ya sean procesuales o comportamentales - en todos los casos "explotadas“, para los estándares tradicionales- sin esconderse detrás de la historia del arte de los años sesenta?

¿Es aún posible generar relaciones con el mundo, en un campo práctico -la historia del arte- tradicionalmente abocada a su "representación"?


La forma relacional (págs.9 – 25)


Christine Hill

La actividad artística evoluciona (épocas, contextos sociales) ya que no tiene una esencia inmutable, por lo que debe estudiarse en el presente.

Lo nuevo criterio.

ya

no

es

un

¿Cómo podemos comprender los comportamientos artísticos que se manifestaron en las exposiciones de los años noventa y los modos de pensar que los sostienen si no partimos de la situación misma de los artistas?


Las prácticas artísticas contemporáneas y el proyecto cultural Bourriaud plantea para comprender la forma relacional, que primero debemos comprender que el actual (90), al igual que las vanguardias del siglo XX, desarrolladas a partir de la ideología moderna se reconstituye ahora a partir de presupuestos filosóficos, culturales

y sociales totalmente diferentes. Los artistas se han despojado de la historia para trabajar libres del peso de una ideología, razón por la que la crítica no los legitima pues no aparecen como fenómenos precursores de la evolución histórica.

“aprender a habitar el mundo, en lugar de querer construirlo según una idea preconcebida de la evolución histórica. En otras palabras, las obras ya no tienen como meta formar realidades imaginarias o utópicas, sino constituir modos de existencia o modelos de acción dentro de lo real ya existente, cualquiera que fuera la escala elegida por el artista”.

“Nada más absurdo que afirmar que el arte contemporáneo no desarrolla proyecto cultural o político alguno y que sus aspectos subversivos no tienen base teórica: su proyecto, que concierne tanto a las condiciones de trabajo y de producción de objetos culturales como a las formas cambiantes de la vida en sociedad.”


La obra de arte como intersticio social

La posibilidad de un arte relacional - un arte que tomaría como horizonte teórico la esfera de las interacciones humanas y su contexto social, más que la afirmación de un espacio simbólico autónomo y privado- da cuenta de un cambio radical de los objetivos estéticos, culturales y políticos puestos en juego por el arte moderno.

Para entender esta idea, debemos primero comprender en nacimiento de una cultura urbana mundial que se extiende casi a todos los fenómenos culturales. Los artistas comprendieron que este era un territorio por conquistar y la ciudad posibilitaba una experiencia social completa. La obra de arte ya no se presenta como un espacio por

recorrer, sino como una duración por experimentar. Cuando se plantea la idea de la obra como un intersticio social, alude al término usado por Marx para definir comunidades de intercambio que escapaban al cuadro económico capitalista por no responder a la ley de la ganancia.

“el arte siempre ha sido relacional en diferentes grados, o sea, elemento de lo social y fundador del diálogo.”


Gabriel Orozco

Gabriel Orozco

“Este es justamente el carácter de la exposición de arte contemporáneo en el campo del comercio de las representaciones: crear espacios libres, duraciones cuyo ritmo se contrapone al que impone la vida cotidiana, favorecer un intercambio humano diferente al de las "zonas de comunicación" impuestas.”


La estética relacional y el materialismo aleatorio

La estética relacional se inscribe en una tradición materialista. Althusser lo ha definido como un materialismo de encuentro. La obra de arte es considerada como intersticio social; el arte es un estado de encuentro y la forma de la obra contemporánea se extiende más allá de su forma material, es una amalgama, un principio aglutinante dinámico. Una obra de arte es un punto sobre una línea. Gordon Matta-Clark

“El cuadro se abre, después del objeto aislado puede ahora abarcar la escena entera: la forma de la obra de Gordon Matta-Clark o de Dan Graham no se reduce a "cosas" que estos dos artistas "producen"; no es el simple efecto secundario de una composición, como lo desearía una estética formalista, sino el principio activo de una trayectoria que se desarrolla a través de signos, de objetos, de formas y de gestos.”


La forma y la mirada del otro Para que se complete esta forma es imprescindible la mirada del otro, abriendo este debate con una definición que considera acertada del también crítico francés Daney: "toda forma es un rostro que nos mira", y por lo tanto sin el otro no tiene sentido la obra. Y es que la forma sólo puede nacer de un encuentro entre dos planos de la realidad. En el arte actual solo hay forma en el encuentro, en la relación dinámica. La forma se recrea con la mirada del otro, cumple la función de

un rostro, (generando una especie de responsabilidad, que da sentido, denota deseo y reconocimiento). Es ese momento en que el otro nos cosifica, son transacciones con la subjetividad de los demás. La práctica artística de hoy reside entonces en las invenciones de relaciones entre sujetos, miles de relaciones que fortalecen la noción de infinito.

“El arte actual muestra que sólo hay forma en el encuentro, en la relación dinámica que mantiene una propuesta artística con otras formaciones, artísticas o no.”


Los espaciostiempo del intercambio (pågs.49 – 58)


Las obras y los intercambios

Las obras de arte poseen la cualidad de poseer una relativa transparencia social. Una obra de arte esta lograda en la medida que genera una apertura al dialogo, forma que Duchamp le llama “el coeficiente del arte” (mecanismo subjetivo que produce arte en un estado bruto)

La concepción del espacio- tiempo ahora es considerado como el espacio-tiempo del intercambio. Las obras producen espaciostiempo relacionales, experiencias interhumanas que tratan de liberarse de las obligaciones de la ideología de la comunicación de masas, de los espacios en los que se elaboran.

“En el comienzo del arte se encuentra el comportamiento del artista, el conjunto de disposiciones y de actos que confieren a la obra su pertinencia en el presente. Lo "transparente" de la obra de arte nace porque los gestos que la forman y la informan, elegidos o inventados libremente, forman parte de su tema.” Jackson Pollock


El tema de la obra

Los artistas relacionales tienen en común trabajar en un horizonte práctico y teórico que se encuentra en las relaciones humanas. Las obras producidas en los años 90 transforman al que mirra en un interlocutor directo. Ponen de relieve el tacto y el contacto. Sin embargo los artistas relacionales son los primeros, después de los conceptuales en los 60, que no parten de la reinterpretación de otro movimiento, ya que están interesados en el presente y en reflexionar sobre el destino de la actividad artística.

“el arte relacional no es el "renacimiento” de un movimiento o estilo. Nace de la observación del presente y de una reflexión sobre el destino de la actividad artística. Su postulado fundamental - la esfera de las relaciones humanas como lugar para la obra de arte- no tiene ejemplos en la historia del arte, aunque aparezca a posteriori como el segundo plano evidente para la práctica estética y el tema modernista por excelencia”


Espacios-tiempo en el arte de los años noventa La forma que cada artista le da a esta producción relacional no es inmutable ni similar. En el estudio de los espacios-tiempo de los noventa, considera que los artistas trabajan desde un punto de vista tripartito, pueden encarar este reto a través de tres preceptos o bases: . estética: materialmente.

cómo

traducirlo

“debemos tener presente que esos trabajos no celebran la inmaterialidad. Ninguno de estos artistas privilegia las performances o el concepto, palabras que ya no tienen significado. En síntesis, ya no existe la primacía del proceso de trabajo sobre los modos de materialización de ese trabajo”

histórica: cómo inscribirse en un juego de referencias artísticas. social: cómo proponer una posición coherente en relación al estado actual de la producción y de las relaciones sociales. El arte relacional se inspira sobre todo en los procesos flexibles que rigen la vida común…lo cotidiano.

“El arte de hoy nos obliga a pensar de manera diferente las relaciones entre el espacio y el tiempo: es lo esencial, allí reside su mayor originalidad.”


Hacia una política de las formas (págs.99 – 131)


Cohabitaciones Sistemas Visuales El autor reconoce entre dos tipos de arte históricos. El arte renacentista y el moderno. Postula que la pintura renacentista se encontraba limitado pues, gracias a la perspectiva, el espectador en un punto de vista mono óptico se podía situar en un único lugar. Además asignaba valores o símbolos sociales. El arte moderno busca darle al espectador muchas miradas, busca que sus en su experiencia, este, se sienta envuelto. Finalmente hace una relación simbiótica entre la multiplicidad de las miradas y el arte proveniente de África y Oriente. La imagen es un momento El autor nos habla de que efectivamente la imagen es un momento. Esta detenida en el tiempo: no avanza y no se detiene. Lo que muestran los artistas Realidad: aquello de lo que puedo hablar, de aquello que se puede mantener una conversación con el otro. Imaginación: prótesis que se fija sobre

lo real con el fin de producir mas intercambios entre los interlocutores. El arte destruye lo a priori, es necesario de la experiencia . El artista hablaba por códigos, y en el arte moderno se han roto. Dichos códigos se han roto para traspasar los limites, ahora el artista y el espectador son quienes deben trabajar para darle un nuevo sentido a los objetos. Lo que muestran los artistas Realidad: aquello de lo que puedo hablar, de aquello que se puede mantener una conversación con el otro. Imaginación: prótesis que se fija sobre lo real con el fin de producir mas intercambios entre los interlocutores. El arte destruye lo a priori, es necesario de la experiencia . El artista hablaba por códigos, y en el arte moderno se han roto. Dichos códigos se han roto para traspasar los limites, ahora el artista y el espectador son quienes deben trabajar para darle un nuevo sentido a los objetos.


Los limites de la subjetividad individual El artista no piensa solo ni actúa solo. Esta rodeado de un contexto y por ende dicho contexto afecta su obra y el afecta el contexto. Pensar en lo contrario es un cliché.

La ingeniería de la subjetividad Los años90 vieron la tecnología influir en las practicas colectivas. El arte no estuvo exento de ello y el artista se encargo de usarla como recurso. Este recurso pone en relación una nueva estructura en la relación artista obra y espectador: artista, interlocutor, publico activo. Esta visión de la obra como un interlocutor procuraba al artista de una despersonalización y la obra surgía por la relación entre el interlocutor y el publico activo. Pese a que el autor no lo dice se esta refiriendo a lo que posteriormente se designara como arte interactivo.

¿Un arte sin efecto? Una de las criticas que se le hace al arte es su supuesto carácter de interés elitista. Sin embargo esto deja de lado propuestas que buscan ser de un arte para todos (por ejemplo el arte conceptual) y que son atacadas de la misma manera. El autor propone que este ataque, a dicho arte, surge no por el carácter elitista sino porque el artes es una forma suavizada de critica social. Estas obras se juzgan, según el autor, a partir del criterio de coexistencia: tomando en cuenta la historia del arte y el valor político de las formas. Se mira en ellas “la proyección de lo simbólico y lo real”. Postula por ultimo que la exposición de arte, es una forma de sacar a este de su alienación reinante.


El porvenir político de las formas

El desanimo de la sociedad se da a partir de la no materialización de las ideas, de su falta de forma. Después de la modernidad y su fracaso al no hacer reales y aplicables sus ideales, las relaciones en el arte han cambiado. Las nuevas relaciones, influenciadas por el capitalismo, se encuentran en una dinámica proveedor/cliente. Dinámica que ha logrado hacer del arte algo utilitarista y mercantilista, aunque no con totalidad. Rehabilitar la experimentación No se pueden formalizar ideas sino se es libre para la experimentación. Si uno no es libre y no experimenta y deja muchos elementos al azar no produce nuevos conocimientos. Es decir simplemente vuelve a las tradiciones y realiza operaciones meramente técnicas, que desbocan en una repetición de aquello que ya se ha hecho.

Estética relacional construidas

y

situaciones

El arte ha cambiado para ser situacionista y en esa medida se inmiscuye en un carácter de lo cotidiano. En dicho carácter una obra puede ocurrir sin necesidad de un otro, mas el arte necesita de otro para suceder. Aun así, este arte, logra mostrar elementos mas allá de la cotidianidad y proponer nuevas dinámicas dentro de ella. Así se proponen obras no convencionales, en la medida en que la única relación sea a través del intercambio, que cambian el paradigma y lo reconcilian con el arte.


El paradigma estético (Félix Guattari y el Arte)

Termina con el enunciado más filosófico del libro, el llamado paradigma estético de Félix Guattari. Guattari es un escritor cuyas preocupaciones plásticas le han llevado a escribir con un pensamiento de la escultura, del dibujo, de la composición y otros elementos de la plástica. Este compañero en varios ensayos de Gillez Deleuze, impone en estos una estética propia de sí.

En este capitulo el autor se basa en la explicación de algunas ideas, reflexiona sobre la subjetividad, de cómo se produce su desnaturalización, de cómo funciona y cuáles son sus unidades finalizando con el ya anunciado “paradigma estético”.


Desnaturalizar la subjetividad

superstición o la ideología de pocos, casi un concepto utópico.

Guattari propone desnaturalizar la subjetividad. Quitarle su valor elevado con el fin de evitar que esta se convierta en un equipamiento colectivo. Es decir que ser torne rígida y al servicio del poder de unos cuantos. En esta medida, dice el autor, esta subjetividad se asemeja al arte. No solo en el aspecto ya comentado sino también, en la medida en que ambas, el arte y la subjetividad, buscan conquistar la individualidad. Ambas necesitan ser transformada (desnaturalizadas y desterradas) para que no caer en un uso mercantil vulgar. Estatuto y subjetivad

funcionamiento

de

la

Se proponen dos análisis de la subjetividad desde la fenomenológica y el estructuralismo. Para la fenomenológica la subjetividad es una realidad individual en donde no puede existir nada mas, mientras que, para el estructuralismo es solo una

unos

Respecto a este tipo de subjetividad Guattari hace un análisis, basado en estudios de semiótica y antropología, en donde explica como la subjetividad individual es un caos. Además muestra como es necesario ampliar el territorio de lo subjetivo a un termino colectivo. Argumenta que hasta ahora la subjetividad individual esta manejada por la estructura mental de orden cultural. Para que exista la subjetividad individual y personal, es necesario el medio que se antepone a esta; reconociendo así un conjunto de relaciones sociales y no solo la producción de un sujeto. Para producir esta subjetividad colectiva es necesario el entorno cultural, el consumo cultural, y los artilugios ideológicos. Finalmente una producción indéxica, individual y personal que crearan nuevas relaciones sobre la experiencia humana. De este modo Guattari ve el arte como un detonante de la sensibilidad.


Las unidades de subjetivación

Tomando en cuenta lo anterior y retomando las nociones románticas del arte, Guattari busca cambiar el paradigma de la subjetividad en el arte. Expresa que para el actual tiempo, y retomando las concepciones estéticas de Kant, Hegel y el romanticismo, debemos aceptar que la subjetividad esta ligada al arte. Sin embargo, para una época contemporánea, no se puede ver al artista como un genio sino como un operador de sentido, pues esto, es solo ver en el la posibilidad de capitalizar su subjetividad. En cambio propone una homogenización de la subjetividad con el fin de desmercantilizar la noción de arte. Al valer la firma, la unicidad y la subjetividad individual como se ha hecho desde el romanticismo, el arte ha entrado en una dinámica mercantil donde se le de valor a dichas elementos. El autor según lo que Guattarri propone,

es romper dicha subjetividad, dejar de firmar y quitarle valor al estilo, con el fin de cambiar el curso del arte y evitar que sea solo un producto capitalista mas. Recoge esta ultima propuesta exaltando el trabajo y las propuestas de corrientes artísticas y artistas como: Marcel Duchamp, Andy Warhol, Raushemberg, Beuys, los surrealistas, el dadaísmo y los situacioncitas.


El paradigma estético La critica del paradigma del cientificismo

Siempre la misma canción, el síntoma y la obra

Para Guattari la estética tiene el gran poder de adaptarse a diferentes niveles del conocimiento y a todos los saberes. Sin embargo cuestiona la adhesión a una academia y alienta la producción de nuevos sentidos que no surjan desde el pensamiento cientifista, sino mas a la manera de la creación procesual como la que lleva a cabo un artista. Producción de conocimiento que esta sujeta a incertidumbres y no a una verdad irrefutable.

El autor retoman los conceptos de la labor del artista y la actividad de la contemplación. Dicha actividad se resalta en la medida en la que afecta la psique del espectador. Bajo este precepto juzga de estar enferma a la sociedad, y que su enfermedad se llama capitalismo y su efecto la homogeneidad. Compara también la labor del artista con la del psicoanalítico en la medida en que ambos trabajan, no solo en la psique de otro, sino en la medida en que ambos realizan su actividad sobre materias inexistentes. Ambas profesiones, bien sea la del psicoanalítico o la del artista, pueden llevar a la neurosis o a la claridad. Propone que según Guattari el arte tiene la posibilidad de curar la homogenización que ha producido el capitalismo.


La obra de arte como objeto parcial

La obra de arte es importante como una posibilidad de subjetivación estética que sorprende al espectador y crea nuevos sentidos simbólicos, no retóricos ni discursivos. Entiéndase la obra como un canal de información en el que existe una transferencia de subjetivación entre en autor y quien mira la obra. Esta transferencia es inconsciente y relativa en tres instancias: lo que había previsto realizar el artista, lo que realizo, lo que el espectador ve en ella. Así se demuestra como la obra resignifica conceptos, como bien lo expone Duchamp en su obra. Sin embargo esta producción de conocimiento crea solamente enunciados parciales que se insertaran en la subjetividad colectiva debido afectos y perceptos de quien observa la obra, sujeto a sus construcciones sociales.


Para una praxis artística ecosofica La ecosofía es una practica que busca reconstruir aquellos territorios, políticos, sociales y tangibles. Busca reconstruir aquel vacío que el capitalismo, la búsqueda exagerada de bienes y el deterioro de los territorios existenciales individuales y colectivos, ha dejado. Todo esto a partir de la subjetividad, de cambiar aquellas viejas ideas que rompen con lo social, lo privado y lo civil. Es por eso que el arte contemporáneo es uno de sus grandes aliados. El autor nos expone como el cambio de miradas del arte moderno al contemporáneo a servido a la causa de la ecosofía. Como gracias a su carácter pluridisciplinario e inclusivo a logrado potenciar obras importantes. Cita como ejemplos la obra de Marcel Broodthaers, quien relación la imagen y la poesía, Joseph Beuys quien incluye la política en forma y Guattari quien parece recoger aquellos desplazamientos en el arte para producir su critica a los sistemas de producción y la segregación de una profesión especifica.

La economía conductista del arte actual

Sin embargo, el autor, deja abierta una pregunta ¿Cómo insertar esta estética, propuesta por Gauttari, en las tramas rígidas de la economía capitalista? A lo que responde que según Oscar Wilde: la modernidad es el momento para que la vida imite al arte. En esa misma media Marx propone una praxis y una poiesis en donde se transforma a si mismo y transforma a la materia. Finalmente George Batail hace una critica a la economía capitalista en la que todo ha de tener una función, que clasifica la existencia humana en categorías preestablecidas. Así Guattari nos dice que la única finalidad aceptable de la actividad humana es producir subjetividad que enriquezca la relación con el mundo. Para ello el mejor ejemplo son los artistas contemporáneos que utilizan el tiempo como material e incitan al espectador a modularlo. Siendo ellos mismo universos de subjetivación en constante flujo.


Glosario (pรกgs. 135-143)


Arte 1. Término genérico que califica un conjunto de objetos puestos en escena en el marco de un relato llamado "historia del arte". Este relato establece una genealogía crítica y plantea como problema lo que está en juego en esos objetos, a través de tres subconjuntos: pintura, escultura, arquitectura. 2. La palabra "arte" aparece hoy sólo como un resto semántico de esos relatos, cuya definición más precisa sería esta: el arte es una actividad que consiste en producir relaciones con el mundo con la ayuda de signos, formas, gestos u objetos.

Arte (Fin del) El "fin del arte" existe sólo en la perspectiva idealista de la historia. Podemos sin embargo retomar, con un dejo de ironía, la fórmula de Hegel según la cual "el arte es para nosotros una cosa del pasado", para transformarla en figura estilística: estemos disponibles para lo que suceda en el presente, que supera a priori nuestra facultad de entendimiento.

Artista Recordando la generación conceptual y minimalista de los años sesenta, el crítico Benjamín Buchloch definía al artista como un "sabio/filósofo/artesano" que entrega a la sociedad"los resultados objetivos de su trabajo". Esta figura sucedía a la del artista como "sujeto médium y trascendental", representada por Yves Klein, Lucio Fontana o Joseph Beuys. Los recientes desarrollos del arte son sólo un matiz de la intuición de Buchloch: el artista de hoy aparece como un operador de signos, que modela las estructuras de producción con el fin de lograr dobles significantes. Un empresario/político/realizador. El denominador común entre todos los artistas es que muestran algo. El hecho de mostrar basta para definir al artista, se trate de una representación o de una designación.


Artificial El arte no es el mundo de la suspensión del querer (Schopenhauer) o de la desaparición de la contingencia (Sartre), sino un espacio vaciado de artificio. No se opone de ninguna manera a la autenticidad (un valor absurdo concerniendo el arte), sino que sustituye coherencias, aunque sean falsas, del mundo ilusorio de la "verdad". Es el mal-mentir que traiciona al trabajador, cuya sinceridad, por cierto conmovedora, termina inevitablemente por sonar falsa.

Academicismo 1. Actitud que consiste en encariñarse con los signos y las formas muertas de su época, y estetizarlos. 2. Sinónimo: pompier. " ¿Y por qué no sería bombero, si le viene bien? (Samuel Beckett). Comportamiento 1. Junto a esos dos géneros establecidos que son la historia de las cosas y la historia de las formas, queda por inventar una historia de los

comportamientos artísticos. Es ingenuo pensar que la historia del arte constituye un todo susceptible de reemplazar de manera duradera esos tres componentes. Una micro biografía del artista revelaría los gestos que hizo en el espacio de su obra. 2. Artista, productor de tiempo. Todas las ideologías totalitarias se caracterizan por la voluntad de dominar el tiempo vivido, sustituyendo a la flexibilidad del tiempo vivido e inventado por el individuo, el fantasma de un lugar central en el que sería posible acceder al sentido global de la sociedad. El totalitarismo busca sistemáticamente instaurar una forma de inmovilismo temporal, uniformar o colectivizar el tiempo vivido, fantasma de eternidad que apunta, en primer lugar, a estandarizar y controlar los comportamientos. Foucault insistía en que el arte de vivir se oponía a "todas las formas ya presentes o amenazadoras del fascismo“.


Criterio de coexistencia Toda obra de arte produce un modelo de sociedad, que traspone el ámbito de lo real o podría traducirse en él. Entonces, frente a una producción estética, podemos preguntarnos: ¿esta obra me autoriza al diálogo? ¿Podría yo existir, y cómo, en el espacio que esta obra define? Una forma puede ser más o menos democrática: las formas que produce el arte de un régimen totalitario son perentorias y cerradas sobre sí mismas (sobre todo por su insistencia en lo simétrico); no dejan "al que mira" la posibilidad de completarlas. (Ver: relacional, estética) Estética Una noción que distingue a la humanidad de las demás especies animales. Enterrar a sus muertos, reír, suicidarse, no son más que los corolarios de una institución fundamental, la de la vida como forma estética, marcada por ritos, puesta en forma. Estilo El movimiento de una obra, su trayectoria. "El estilo de un pensamiento es su movimiento" (Gilles

Deleuze y Félix Guattari).

Forma Unidad estructural que imita un mundo. La práctica artística consiste en crear una forma susceptiblede "perdurar", haciendo que se encuentren de manera coherente entidades heterogéneas con el fin de producir una relación con el mundo. Gesto Movimiento del cuerpo que revela un estado psicológico o que pretende expresar una idea. Lo gestual es el conjunto de las operaciones necesarias puestas en juego por la producción de obras de arte, su fabricación a la producción de signos periféricos (acciones, hechos, anécdotas). Habitar Después de haber imaginado la arquitectura y el arte del futuro, el artista propone ahora soluciones para habitarlos. La forma contemporánea de la modernidad es ecológica, la obsesiona la ocupación de formas y la utilización de las imágenes.


Imagen Construir una obra implica la invención de un proceso para ser mostrado. En ese proceso, toda imagen adquiere el valor de un acto. Materialismo crítico El mundo está constituido por encuentros materiales y aleatorios (Lucrecio, Hobbes, Marx, Althusser). El arte también está hecho de reuniones azarosas, caóticas, de signos y de formas. Hoy, los artistas comienzan por crear espacios en los cuales puede surgir el encuentro. El arte actual no presenta el resultado de un trabajo, es el trabajo en sí, o el trabajo por venir. Moderno Los ideales de la modernidad no han desaparecido, se han adaptado: así, "la obra de arte total" se realiza hoy en su versión espectacular, vaciada de todo contenido teleológico. Nuestra civilización compensa la hiperespecialización de las funciones sociales por la unificación progresiva de las actividades de ocio: se puede predecir sin demasiados riesgos que la experiencia estética del individuo

lambda del final del siglo XX se parecerá más o menos a lo que imaginaban los vanguardistas de comienzos de siglo: entre el disco de video interactivo, el CD Rom, las consolas de juego cada vez más multimedia y la sofisticación extrema de los espacio de ocio masivos, discotecas o parques de atracciones, vamos haciala condensación del ocio bajo formas unitarias. ¿Hacia un arte compacto? Apenas aparezcan lectores de CD Rom o CD-I que dispongan de autonomía suficiente, el libro, la exposición y el film se van a encontrar en competencia con un modo de expresión a la vez más completo y más apremiante para el pensamiento, que distribuirá la escritura bajo formas nuevas, la imagen y el sonido. Ready-made Figura artística contemporánea de la invención del cine. El artista pasea su subjetividad-cámara por lo real, se define como un camarógrafo; el museo juega el papel de película, graba. Por primera vez, con Duchamp, el arte ya no consiste en traducir lo real con signos, sino presentar lo real como tal. (Duchamp, los hermanos Lumière...)


Realismo operatorio Presentación de la esfera funcional en un dispositivo estético. La obra propone un modelo funcional y no una maqueta; es decir, no se considera la noción de dimensión, como en la imagen digital, cuyas proporciones pueden variar según el tamaño de la pantalla, que -a la inversa del cuadro- no encierra las obras en un formato preestablecido sino que materializa lo virtual en un sinnúmero de dimensiones.

Relacional (arte) Conjunto de prácticas artísticas que toman como punto de partida teórico y práctico el conjunto de las relaciones humanas y su contexto social, más que un espacio autónomo y privativo. Relacional (estética) Teoría estética que consiste en juzgar las obras de arte en función de las relaciones humanas que figuran, producen o suscitan. (Ver: criterio de coexistencia)

Semionauta El artista contemporáneo es un semionauta, inventa trayectorias entre signos.


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