Carcara #27

#27

FALL

2021

ISSN 2596-3066

Cover Photo: Rosa Gauditano

EDITORIAL PHOTOGRAPHIC ART, DEMOCRATIC ART.

Photographic art, in its two-dimensionality, is the most democratic of the arts. It is true that there are photos that, due to their price, will never reach popular homes for being regarded as a unique work. To use a capitalist expression: these are the idiosyncrasies of the market. Or the vanity of billionaires who demand the exclusive privilege of a unique work. But this is not the main characteristic of photography, much less of photo art.

A photo can be multiplied to exhaustion, in magazines, books, posters, small, medium, large and giant projections. And, with the increasing sophistication of smartphones, photos will multiply. Better for the people, who will be able to access iconic photos, better for the billions of photographers, who will be able to carry out their experiences around the world. Carcara Photo Art strongly defends the democratization of art. In particular, photographic art and its numerous trends. Photo art, in its incredible malleability, frequents all trends in contemporary art.

Each issue of this magazine is the realization of this proposal. This issue, then, brings memorable examples. From the painful record of those suffering from the great drought of 1877-79, a milestone in Brazilian photojournalism, by Joaquim Antonio Corrêa, to the globalized Japanese daily life, by Erick Rosa. Conceptual works by Ana Rovati, revealing absences, and the forceful menstrual records

by Evelyn Ruman. And the cameras of Eliária Andrade, Lázaro Roberto and Rosa Gauditano, used as an aesthetic expression and instrument of political militancy. To complete: the expressionist allegories by Antônio Prado; Celso Oliveira’s colorful and sonorous spell; the imagery cartographies of Daniela Torrente; the everyday plural of Marcos Muzi; the infantile reverberation of Maria Cecília São Thiago; and the start of Stanley Kubrick’s career. We end mathematically: QED, as we’d like to demonstrate...

CARLO CIRENZA

THE CAMERA THAT CREATES FEMINIST MANIFESTOS

Rosa Gauditano explodes sensitivity, especially with children, especially indigenous children. The foreground, the details. Everything makes up aesthetics and poetry. Here, a soft and tender poetry. Quite unlike the blunt and indignant poetry she captures in social movements. There is also poetry in revolutions, in demonstrations. The Russian poet Vladimir Mayakovski is exemplary ([...] if I say / “A” / this “a” / is a trumpet alarm for Humanity. / If I say / “B” / it’s a new one bomb in the battle of man.), as well as the Cuban Nicolás Guillén (I have, let’s see, / I already learned to read, / to count, / I know I already learned to write / and to think / and to laugh. / I know I already have / where to work / and earn / what I have to eat . / I have, let’s see, / I have what I had to have). Both make revolutionary poetry.

How revolutionary are the photos of Rosa Gauditano. They show themselves as a manifesto that demands recognition, justice, space and time for women. Rosa Gauditano’s feminist camera is her instrument of denunciation for liberation.

Rosa Gauditano was born in São Paulo. She has a degree in Digital Video at Universidade Paulista and taught Photography at the Pontifical University of São Paulo. She is the director of Studio R. She was the founder of Fotograma agency, worked at Folha de São Paulo newspaper and Veja magazine. She founded the NGO Nossa Tribo, which connects indigenous villages and cities, producing photography and video. Her works are in these collections: Mexican Council of Photography, Mexico; SP Museum of Art, Pirelli/Masp Collection; Curitiba Photography Museum; Solidarity Museum, Fund. Salvador Allende, Santiago, Chile; Museum of Image and Sound of SP; Cinemateca de Monterrrey, Mexico; Afro-Brasil Museum and in private collections. To know and compare the works of Rosa Gauditano, it is worth going to her portal: https://www.rosagauditano.com.br.

Rosa Gauditano

RECORDS OF AN ABSENCE, TRANSFORMED INTO A WORK OF ART. “I’m Brazilian and I’ve lived in Madrid for a few months. When I came here, my mother didn’t cry. At least not in front of me. When I told her I was going to get off the internet, she cried.”

ANA ROVATI, IN TESTIMONY TO MARIANO KLAUTAU FILHO, ON THE SP ARTE 365 WEBSITE, IN 2019.

What is a work of art? Who defines the existence of a work of art? The artist or the spectator? Certainly both. However, what defines a work of art is the emotion it provokes. The artist gets emotional before creating the work of art. The spectator gets emotional or not in front of the artwork. These images by Ana Rovati call for attention, reflection and complicity. This is what conceptual works usually ask for. Here, they ask to be seen with four eyes: the spectator’s eyes and the photographer’s eyes. Thus, the force of perception is increased. And you can dive into the artist’s intention and add it to the intentionality of the viewer. Then the emotion emerges and surprises.

Ana Rovati speaks of her proposal: “OFFLINE is a project in which I question contemporary relationships dictated by the logic of hyper connection. For that, I stopped using the internet for a year. In 2018, a photobook of the project was released.

Composed of 13 texts +1 attached, excerpts from letters and 50 images, the book shows, through texts, photographs and files, the daily impacts of this process. The experience took place from 02.12.2015 to 02.12.2016 in Madrid and Rio de Janeiro.

Circulation: 330 units. This publication was included in the official selection of photobooks at the ZUM 2018 Festival, by IMS, and was selected by MIS - Museum of Image and Sound - to be part of Nova Fotografia 2020”.

Ana Rovati was born in Porto Alegre - Rio Grande do Sul, graduated in Social Communication at PUC-RS and studied Photography at Escuela Fotodesign Aldo Bressi, in Buenos Aires, Argentina. She currently lives and works in São Paulo - SP.

Ana Rovati

EXPRESSIONIST ALLEGORIES THAT EVOKE THE DESTRUCTION OF THE ORIGINAL ANDEAN PEOPLES “It’s Latin America, the region of open veins”.

EDUARDO GALEANO “Aztecs, Incas and Mayans numbered between seventy and ninety million people when foreign conquerors appeared on the horizon; a century and a half later, they had been reduced, in total, to only three and a half million.”

DARCY RIBEIRO

The Andes guards the laments of all the destroyed and/ or enslaved people by Spanish explorers. These crimes have not yet been tried. Not punished. But the Andes are eternal witnesses.

In these “Open Veins in the Andes”, Antônio Prado opens up his entrails. And the voices are there. The beauty of the images does not hide the tragedies. On the contrary, they reverberate them.

These photos, in their abstract expressionist allegories, force us to historical consciousness, leave us introspective, reflective and take us inside this incredible landscape and its wonderful original civilizations.

Antônio Prado, economist and erudite amateur photographer, sent this testimony to Carcara Photo Art.

“I was born in the city of Bebedouro, São Paulo, in 1958. I started photographing when I was still a boy. I was enchanted by the family photos my father took with a medium-format Czechoslovak Flexaret.

In the seventies, I got a Pentax Contarex, with a 50mm, macro lens and a 200mm telephoto lens. In the 2000s, I bought a Canon 35mm digital camera.

I took a lot of pictures from the planes’ window. I photographed the Andes, mainly the Chilean part. They were exhibited at the embassy of Finland, in my farewell from Chile, leaving Cepal, Santiago, to FAO, Rome.

My photos are more influenced by painters and film directors. I like the Impressionists, the Baroque and the Renaissance: Monet, Degas, Rembrandt, Caravaggio, Vermeer, Botticelli, Michelangelo, Raphael.

In cinema: Stanley Kubrick, Federico Fellini, Akira Kurosawa, Francis Ford Coppolla, David Lean, Ingmar Bergman, Werner Herzog.”

Antonio Prado

A CONJUROR WHO BEWITCHES US WITH COLORS AND SOUNDS

Celso Oliveira’s photos call for multiple looks. In the figurative or the “almost abstract”, Celso Oliveira is an excellent creator of aesthetic compositions. It’s not the document or the reference that catches your eye. It’s the careful composition.

Gradually, we configure the image, we bend to the emotions.

But there is something else: the sound, the music, we can feel an impressionist sound that goes from Claude Debussy to Eric Satie. We would say he is a conjurer... He bewitches us. Celso Oliveira proposes timelessness. Not yesterday, today, tomorrow.

A document beyond the devourer Kronos. Thus, he bets on permanence: that record is, at the same time, testimony forever and poetry.

His work is mainly documentary, it is aimed at recording cultural manifestations and popular festivals in the Northeast.

But he doesn’t neglect experimentations, nor the landscapes that almost lead to abstractionism.

Celso de Oliveira Silva was born in Rio de Janeiro, in 1957.

Son of a mother from the state of Ceará, he always wanted to return to his maternal origins. He started photographing in 1975, as a laboratory assistant at Estúdio Fotografismo e Artes, in Rio de Janeiro. Then he moved to São Paulo, where he has worked in newspapers and magazines. In 1980, he moved to Fortaleza, where he was part of the team coordinated by Chico Albuquerque (19172000) for the newspaper “O Povo”. In the capital of Ceará, with photographer Tiago Santana, in 1994, he created the agency and publishing house Tempo D’Imagem.

He has Walter Firmo as a reference, based on a report by “Realidade” magazine on the drought in Brazil’s Northeast region.

He reveals: “When I saw those photos, I thought, one day I want to go to the Northeast.”

Of the great masters, Cartier-Bresson, Joseph Koudelka and Sebastião Salgado stand out. It is worth seeing and hearing him in the documentary “Celso Oliveira, 40 years of Ceará”, by Maria Amélia Bernardes Mamede.

[Celso Oliveira: 40 years of Ceará – CULTURA DENDICASA (secult. ce.gov.br)]

Celso Oliveira

EXCITING AND PROVOCATIVE IMAGETIC CARTOGRAPHIES

Do I see what I imagine seeing? Does DanielaTorrente’s impressionist exercise transform the real into an unreal, an objectivity into subjectivity? What is there –is it true? An unrevealed truth? Daniela Torrente’s beautiful photos are almost cartographic images, almost maps. Like maps, images say: this is proof that there is something, that something exists. So what do I see? What exists or what do I imagine to exist? An ontological exercise must be done to realize the diffuse images of Daniela Torrente. Thus, we can transform our perception into objectivities or subjectivities, rational or irrational. In any circumstance, emotions emerge from the photos we contemplate. The works that Daniela proposes to us are moving. Aesthetically exciting. Each one of them takes us to a path. It is essential to go through it.

Daniela Torrente was born in São Paulo in 1976, where she lives and works. She has a degree in Fine Arts from FASM Faculdade Santa Marcelina and a postgraduate degree in Image, Processes, Management and Contemporary Culture from CEI Madalena Centro de Estudos da Imagem. She participates in the monitoring group of Hermes Artes Visuais projects, guided by artists Carla Chaim, Nino Cais and Marcelo Amorim. Her work is part of the collection of the Museum of Image and Sound of São Paulo (MIS). Her research questions concepts such as identity construction, belonging, erasure and memory, through various media such as photography, engraving, collage and sewing. Some exhibitions: MIS Nova Fotografia 2020 (São Paulo/SP); Lumen Exhibition - Espacio Gallery (London/UK); Origins - Gallery 1338 (São Paulo/SP); 2nd Salon of Visual Arts of Indaiatuba - Secretariat of Culture (Indaiatuba - 1st place; 31st Annual Visual Arts Exhibition - Espaço Eugenie Villien FASM (São Paulo/SP). She also worked in the curatorship department of Casa da Imagem belonging to Museu da Cidade from Sao Paulo.

Daniela Torrente

A MILITANCY AESTHETICALLY EXERCISED THROUGH IMAGES AND SOUNDS

Some photos send some of us, Brazilians, to an imaginary that, we are sure, we have already lived. Reality or not, we feel the imprint of an interiority, something that comes from within.

If we are descendants of black people, then the feeling almost overwhelms us and explodes. As much as illuminating and warming the present, some photos bring us something from the past, even an unlived past, an immemorial past. This ambivalence is present in this sensitive and vibrant shoot by Eliária Andrade. It also adds a good dose of militancy: empowered women, mainly black. Thus, our contemplation is completed: images, framing, sounds, blackness. And we become one more activist, member of this wonderful “Ilú Obá de Min”, a group that brings together women, mostly black, to play percussion instruments and which traditionally opens the street Carnival in São Paulo.

Eliária Andrade abandoned mechanical engineering to dedicate herself to photojournalism. Her testimony to the Mulheres Luz website (https://www.mulheresluz.com.br/ensaios/olharesdo-ilu/#galeria):

“Bloco Afro Ilú Obá de Min (“Women’s hands that play for Xangô”), officially started to open São Paulo’s carnival. It is a block that has approximately 450 members, and its drums are composed exclusively of women.

In this shoot I bring a small clipping, where I focus my gaze on the expressive looks and bodily movement of the members who represent the Orixás.

Not all Orixás are in this essay, but the imposing figure of Xangô, represented by the educator Cibelle de Paula, shows the size of the force, the energy that transcends reality, rescuing and extolling Afro-Brazilian culture.”

Eliária Andrade has more than 30 years of career as a photo reporter for the newspapers Diário Popular, Diário de São Paulo and O Globo. She is part of the Photographers for Democracy group and is one of the authors of the book “Donas da Bola”.

Eliaria Andrade

COMPLICITY IN THE SEARCH FOR COLOR AND LIGHT IN TOKYO Tokyo is an explosion, a supernova. Colors, neon, generosity. I like to think that these photos somehow create a mosaic-- of everything the eyes register and the head tries to make sense of. The pandemic added an urgency to register more and more. And looking at it now, I dare say these photos have a bit of that. A record of this Tokyo of the present. And the constant search for color and light in these current times.

ERICK ROSA

One has to delve into the daily life of a city in order to extract its essence. One needs to pay attention to the prosaic of urbanity to be present in it. One should get involved with the inhabitants of a metropolis to breathe collective life. Erick Rosa left out the glamor of the cherry trees, the sensuality of the geisha, the vigor of the samurai. And he brought a Tokyo made of human beings, like us; of buildings like ours; of globalities and singularities that the great metropolises keep and exude. With a careful journalistic aesthetic, which seeks to reveal people, lights and colors, Erick Rosa transports Japanese news from Tokyo to any part of the world. No mystery. And then, by revealing the common, the commonplace, the trivial, he makes us accomplices of the city and its inhabitants through contemplation.

Erick Rosa is from Rio de Janeiro, studied in the USA, worked in São Paulo, Lisbon, Singapore and now lives in Tokyo. He’s a publicist, faithfully believes in Spotify’s algorithm-- and always carries a camera in his pocket. He points out that he doesn’t know how to speak Japanese, but found out that it’s by getting lost (and not understanding almost anything) that he discovers (and is surprised every day) even more about Japan and its people.

In addition to an amateur photographer and writer of chronicles about his experiences living abroad, throughout this trajectory, Erick was awarded and judged at the main festivals in the world of advertising.

Erick Rosa

“I BLEED THEREFORE I AM”

The work “Sangro Logo Existo” began with the perception and acceptance of my feminine and in the battle against the taboos and prejudices generated around menstrual blood.

EVELYN RUMAN

Art. Meta art. Anti-art. The unusual. The uncanny. Chance.

Signs that ask for the decoding of meanings and signifiers. A look that transforms unusual, chance and sign into photographic art.

This is what Evelyn Ruman’s careful gaze reproduces. A look at the same time physical and metaphysical. She doesn’t give us a recipe.

She proposes. And she asks for calm, attention, reflection. There is the meaning of conceptual art. It is essentially experimental, often enigmatic. And, in this experience, she asks us to look at the world from other references, to be discovered and rediscovered through contemplation. It is necessary to look carefully at Evelyn Ruman’s works, reinvent them, re-signify them. And then look around.

Around near and around far. Certainly, the viewer will discover new possibilities to see and feel the world. And unravel and admire Evelyn Ruman’s wide-open and outraged secrets.

Born in São Paulo and dedicated to photography since 1985, she is a feminist and activist in the fight against violence, abuse and sexual exploitation of women and children. Her works are always guided by an ethical concern, with themes related to the condition of women in situations of social marginality and vulnerability: inmates of judicial asylums, HIV positive, indigenous, carriers of Down syndrome, elderly and girls at social risk.

She created the Self-Image Method, which uses photography as a tool for social intervention.

Her works were exhibited in several countries such as Chile, Spain, Belgium, China, Mexico, Brazil, Italy and Cuba. She has received several awards, including the Porto Seguro Award 2002 in Contemporary Research (current Brazil Photography Award) and the Rome International Art Biennial (2012). Her website: Evelyn Ruman (myportfolio.com).

Evelyn Ruman

JOAQUIM ANTONIO CORRÊA FLAGELLATED, THE PAINFUL PIONEERING SPIRIT OF BRAZILIAN PHOTOJOURNALISM.

Long before Auschwitz-Birkenau and Treblinka in Poland or Dachau and Neuengamme in Germany, Brazilians experienced hunger and misery in “concentration camps” in the Northeast.

The Great Drought of 1877-1879, in northeastern Brazil, was the most devastating drought phenomenon in the country’s history, occurred during the colonial period and caused the death of around 450,000 people, out of a total of 800,000 who lived in the affected area. For three years in a row there was no rain, no harvest, no planting, loss of herds and families fleeing.

To denounce the tragedy, the Portuguese cartoonist Rafael Bordalo Pinheiro (1846-1905) published, on July 20, 1878, in an illustration in the magazine O Besouro, two photos that are part of a set of 14 photographic records of victims of the drought.

However, no credit was given to the author of the photos, Joaquim Antonio Corrêa, whose studio was in Fortaleza, Ceará. Data on Joaquim Antonio Corrêa are not known. Abolitionist José do Patrocínio traveled to Ceará to record images of the drought. It was he who hired the services of Joaquim Antônio Corrêa, and instructed him in how to portray the flagellated in the studio.

According to the work “Images of the Drought of 1877-78 - A contribution to the knowledge of photojournalism in the Brazilian press”, by researchers Joaquim Marçal Ferreira de Andrade and Rosângela Logatto, the publication of photos of victims of the greatest drought in the Northeast of the 19th century was one of the pioneering initiatives of the Brazilian press in the use of photographs as supporting documents of a fact.

Sources: -Photos by Joaquim Antonio Corrêa: https:// b r a s i l i a n a f o t o g r a f i c a . b n . g o v. b r / b r a s i l i a n a / browse?value=Corr%C3%AAa%2C+J.+A.&type=author - https://pt.wikipedia.org/wiki/Grande_Seca - Landmark in Brazilian photojournalism: the drought in Ceará is documented with photographs | Brasiliana Fotográfica (bn.gov.br)

Flagelados

BLACKNESS WITH A LOT OF DIGNITY

Lazaro Roberto is brave. He decided to align himself with Mário Cravo Neto and Pierre Verger, two icons of Brazilian photography. Lázaro Roberto is stubborn and competent. Without financial resources or family tradition, he studied photography and imprinted his mark. Lázaro Roberto is an indignant activist.

His camera is a political instrument, and we can hear his voice ringing loudly when we look at his pictures.

In the history of photography, portraits and landscape are present at all stages. But we don’t always find so much dignity in portraits as in this series by Lázaro Roberto. Dignity and blackness.

He was born in Salvador, in the neighborhood of Fazenda Grande do Retiro. Street photographer, art educator and militant of the black movement, Lázaro Roberto, 63, has been working since the 1970s on the outskirts of the Bahian capital. He received the Clementina de Jesus Trophy from Unegro - Black Union for Equality, a supraparty national entity, founded on July 14, 1988, in Salvador, Bahia, dedicated to people who stand out in the social affirmation of black people. He lived with Pierre Verger and portrayed the FrancoBahian photographer at the end of his life. He did several workshops at Espaço Pierre Verger da Fotografia Baiana. In an interview with Gislene Ramos, from Vice Brasil (https://www.vice.com/pt/ article/zmdzz8/o-fotografo-baiano-que-documenta-a-historiaafro-brasileira-ha-40-anos), Lázaro Roberto recounts: “I didn’t come from a family of photographers. In the 1970s, theater groups were common in the periphery, at the time of the dictatorship; and there was a group of progressive Italian priests who were against the military dictatorship and who encouraged cultural work in the community. Then, using the church space, we created an annual art party with residents of the neighborhood, and at one of these parties I saw a black and white photo exhibition by photographer and filmmaker Antônio Olavo [it was Paixão e guerra no sertão de Canudos, 1993, name of the film and of the exhibition], then I fell in love with photography.”

Lazaro Roberto

A SINGULAR AESTHETIC THAT TAKES US TO A PLURAL EVERYDAY

Images in process. It is impossible to multiply image awareness. Thought does not have the power to multiply an image ad infinitum, no matter how hard we try. But the imagery suggestion, aesthetically proposed, can lead us to enjoy, in a present moment, the before and after of a photographic work of art. What time was captured? What moments before, during and after are materialized in thought? It is worth remembering the beautiful compositions of the couple Bernhard (1931-2007) and Hilla (1934-2015) Becher, called “Tipologies”, based on unusual anonymous industrial constructions, erected by engineers, and not coming from an architect’s drawing board. There, the images are multiplied from different contents, offering the spectator the possibility of creating and joining emotions, giving rise to a dramatic sense of ensemble.

In Marcos Muzi, the conceptual expansion of an image emerges, multiplied aesthetically. But, despite being close to the work of the Bechers, they do not bring a dramatic experience. There is even a placid visual pleasure. There is a peaceful multiplicity that brings us a certain calm. Faced with these photos, we tend to introspect. Faced with this unique, multifaceted identity aesthetics in itself, we are invited to rethink our everyday plural, multiplied in various objectivities.

Marcos Muzi was born in Piracicaba, São Paulo, in 1966.

He has been photographing professionally since the 1980s. He lives and works in São Paulo. He is dedicated to optical illusions and stereoscopy, representation of three-dimensional objects in a plane and optical illusion. He is co-author of the book “EstereoFluxos São Paulo” (Gavin / Muzi / Cotait). He took part in the creation of exhibitions themed on optical illusion: SP3D (Masp, 2004/5), The magical world of Escher (CCBB SP, RJ, DF 2011/5), Miração (Muzi/ Cotait) (3M Art Show, Largo da Batata, 2018). And he takes part in the collective Photographers for Democracy.

Marcos Muzi

METAPHORS THAT PROVOKE INTENSE MOMENTS OF ANAMNESIS

What is it? What are these? A real and surreal aesthetic at the same time. You have to interpret! What, “interpret”? Who proposes such insanity? You have to feel... Then yes. It doesn’t matter what Maria Cecília means. She is saying regardless of whether you listen. Hearing is absolutely individual, solitary. Maria Cecília takes sound photos. Beautiful Bartok. Stravinsky. Debussy.

Choose yours. There are countless possibilities to get emotional with Maria Cecília. All from absolutely childish icons. Nor Kronos, devourer; nor Kairós, a sensitive mathematician. Only Ayon, an infinite, unmeasurable time. Metaphorically intense, timeless. We need to penetrate Maria Cecília’s metaphors and allow childhood to be relived and recreated. We have to merge that and our childhood. And penetrate cerebrally, not Cartesianly, to carry out intense moments of anamnesis. Forget time, live by memory. You have to flow; you have to let yourself be rocked. Maybe it’s easier to go back to the real world. She reveals about her work, dubbed Unforgettable: “I try to show how the image extends beyond its own limits. I take back stereoscopic photographs of my brothers, taken by my father between 1929 and 1944, and reread these images, creating a back and forth between times and spaces in order to create a possibility of materializing the longing I feel for a time that I haven’t lived.”

Maria Cecilia de São Thiago was born in São Paulo, where she lives. She is a graphic designer, jewelry designer and photographer. She lived for six years in Munich, Germany. Her works have been exhibited in Paris, Caen, Florence, Rome and Budapest. She is a postgraduate in the Course of Processes, Management and Contemporary Culture at Madalena Center for Image Studies / Unimes Metropolitan University of Santos 2017 and graduated in Visual Communication at FAAP-Faculty of Plastic Arts from Fundação Armando Álvares Penteado.

Maria Cecilia de Sao Thiago

PHOTOGRAPHY AS AN APPRENTICESHIP TO A CINEMA ICON. Before becoming a cinema icon, Stanley Kubrick was a photographer.

And he was already rehearsing his bows and irreverence. He worked for Look magazine and left his marks there. From April 30 to August 4, 2021, Helsinki’s K1 Kämp Gallery exhibited “Through a Different Lens: Stanley Kubrick Photographs”, organized in collaboration with the Museum of the City of New York and SK Film Archives LLC. The following text is taken from the gallery’s website: Through a Different Lens: Stanley Kubrick Photographs | Suomen valokuvataiteen museo

“Stanley Kubrick (1928-1999) worked as a photojournalist for Look magazine years before becoming known as a filmmaker and director of classics such as ‘Dr. Strangelove’ (1964), ‘2001: A Space Odyssey’ (1968) and ‘A Clockwork Orange’ (1971).

Kubrick was born in New York and grew up in the Bronx.

As a young man, he was less interested in formal education than in lessons learned in the real world. For a photographer like Kubrick, there was no better place to be at the time than New York, home to Life and Look, America’s two leading pictorial magazines.

The Manhattan office became his faculty; his editors and fellow photographers, the teachers; and New York, his area of study.

Kubrick worked on the magazine for five years, from 1945 to 1950.

Kubrick’s photographs for Look were generally in line with the magazine’s populist perspective, attuned to postwar American themes such as consumerism, entertainment, science and family. At times, however, he strayed from his mainstream approach, turning his idiosyncratic tastes towards the eccentric.

Kubrick’s photography laid the technical and aesthetic foundations for his cinematography: it was through the lens of the photographic camera that he learned to be a keen observer of human interactions and to tell stories through images arranged in dynamic narrative sequences.”

Stanley Kubrick

EDITORIAL ARTE FOTOGRÁFICA, ARTE DEMOCRÁTICA.

A arte fotográfica, na sua bidimensionalidade, é a mais democrática das artes. É verdade que há fotos que, pelo seu preço, jamais chegarão às residências populares como obra única. Para usar uma expressão capitalista: são as idiossincrasias do mercado. Ou a vaidade de bilionários que exigem o privilégio da exclusividade da obra única. Mas não é essa a característica principal da fotografia e muito menos da fotoarte-. Uma foto pode ser multiplicada à exaustão, em revistas, livros, posters, projeções pequenas, médias, grandes e gigantes. E com a cada vez maior sofisticação dos celulares, as fotos se multiplicarão. Melhor para as pessoas, que poderão ter acesso a fotos icônicas, melhor para os bilhões de fotógrafos que poderão realizar suas experiências mundo afora. Carcara Photo Art defende acirradamente a democratização da arte. Em particular, da arte fotográfica e suas inúmeras tendências. A fotoarte, na sua incrível maleabilidade, frequenta todas as tendências da arte contemporânea. Cada edição desta revista é a concretização dessa proposta. Este número, então, traz exemplos memoráveis. Do doloroso registro dos flagelados na grande seca de 1877-79, um marco no fotojornalismo brasileiro, por Joaquim Antonio Corrêa, ao quotidiano japonês globalizado, de Erick Rosa. Obras conceituais: de Ana Rovati, revelando ausências, e os contundentes registros menstruais de Evelyn Ruman. E as máquinas fotográficas de Eliária Andrade, Lázaro Roberto e Rosa Gauditano, utilizadas como expressão estética e instrumento de militância política. Para completar: as alegorias expressionistas de Antônio Prado; o feitiço colorido e sonoro de Celso Oliveira; as cartografias imagéticas de Daniela Torrente; o quotidiano plural de Marcos Muzi; a reverberação infantil de Maria Cecília São Thiago; e o início da carreira de Stanley Kubrick. Terminamos matematicamente: CQD, como queríamos demonstrar...

CARLO CIRENZA

ANA ROVATI Registros de uma ausência, transformados em obra de arte.

“Sou brasileira e moro em Madri há alguns meses. Quando vim para cá, minha mãe não chorou. Pelo menos, não na minha frente. Quando contei a ela que ia sair da internet, ela chorou.”

ANA ROVATI, EM DEPOIMENTO A MARIANO KLAUTAU FILHO, NO SITE DA SP ARTE 365, EM 2019.

O que é uma obra de arte? Quem define a existência de uma obra de arte? O artista ou o espectador? Certamente, ambos. Contudo, o que define uma obra de arte é a emoção que ela provoca. O artista se emociona antes de criar a obra de arte.

O espectador se emociona ou não diante da obra de arte. Estas imagens de Ana Rovati pedem atenção, reflexão e cumplicidade. É o que costumam pedir as obras conceituais. Aqui, elas pedem para serem vistas a quatro olhos: os olhos do espectador e os olhos do fotógrafo. Assim, aumenta-se a contundência da percepção. E pode-se mergulhar na intencionalidade do artista e adicioná-la à intencionalidade do espectador. Então, a emoção emerge e surpreende.

Ana Rovati fala de sua proposta: “OFFLINE é um projeto em que questiono as relações contemporâneas ditadas pela lógica da hiperconexão. Para isso deixei de utilizar a internet durante um ano. Em 2018, um fotolivro do projeto foi lançado. Composto por 13 textos +1 anexado, trechos de cartas e 50 imagens, o livro mostra, através de textos, fotografias e arquivos, os impactos cotidianos desse processo. A experiência aconteceu de 02.12.2015 a 02.12.2016 em Madrid e Rio de Janeiro. Tiragem: 330 unidades.

Esta publicação entrou para seleção oficial de fotolivros do Festival ZUM 2018, do IMS, e foi selecionado pelo MIS - Museu da Imagem e Som - para ser parte do Nova Fotografia 2020.

Ana Rovati nasceu em Porto Alegre - RS, formou-se em Comunicação Social na PUC-RS e cursou Fotografia na Escuela Fotodesign Aldo Bressi, em Buenos Aires, Argentina. Atualmente vive e trabalha em São Paulo SP.

ANTÔNIO PRADO ALEGORIAS EXPRESSIONISTAS QUE EVOCAM A DESTRUIÇÃO DOS POVOS ANDINOS ORIGINÁRIOS Es America Latina, la región de las venas abiertas.

EDUARDO GALEANO Aztecas, incas y mayas sumaban entre setenta y noventa millones de personas cuando los conquistadores extranjeros aparecieron em el horizonte; um siglo y médio después, se habian reducido, en total, a sólo três millones y médio.

DARCY RIEIRO

Os Andes guardam as dores e os lamentos de todos os povos destruídos e/ou escravizados pelos exploradores espanhóis.

Esses crimes ainda não foram julgados. Nem punidos. Mas os Andes são eternas testemunhas. Nestas “Veias abertas nos Andes”, Antônio Prado escancara entranhas. E as vozes estão lá. A beleza das imagens não esconde as tragédias. Ao contrário, reverberamnas. Estas fotos, nas suas alegorias expressionistas abstratas, nos obrigam à consciência histórica, nos deixam introspectivos, reflexivos e nos remetem para o interior dessa incrível paisagem e suas maravilhosas civilizações originárias.

Antônio Prado, economista e erudito fotógrafo amador, enviou este depoimento para Carcara Photo Art.

“Nasci na cidade de Bebedouro, São Paulo, em 1958. Comecei a

fotografar ainda menino. Me encantavam as fotos de família que meu pai tirava com uma Flexaret checoslovaca, de formato médio.

Nos anos setenta, ganhei uma Pentax Contarex, com lentes 50mm, macro e uma teleobjetiva de 200mm. Nos anos 2000, comprei uma câmera digital Canon 35mm.

Fiz muitas fotos a partir da janela de aviões. Fotografei os Andes, principalmente a parte chilena. Foram expostas na embaixada da Finlândia, em minha despedida do Chile, saindo da Cepal, Santiago, para a FAO, Roma.

Minhas fotos são mais influenciadas por pintores e diretores de cinema. Gosto dos impressionistas, dos barrocos e renascentistas: Monet, Degas, Rembrandt, Caravaggio, Vermeer, Botticelli, Michelangelo, Raphael.

No cinema: Stanley Kubrick, Federico Fellini, Akira Kurosawa, Francis Ford Coppolla, David Lean, Ingmar Bergman, Werner Herzog.”

CELSO OLIVEIRA UM PRESTIDIGITADOR QUE NOS ENFEITIÇA COM CORES E SONS

As fotos de Celso Oliveira pedem múltiplos olhares. No figurativo ou no “quase abstrato”, Celso Oliveira é um exímio criador de estéticas composições. Não é o documento nem a referência que salta aos olhos. É a cuidadosa composição. Aos poucos, vamos configurando a imagem, vamos nos curvando às emoções. Mas há algo mais: o som, a música, podemos sentir uma sonoridade impressionista que vai de Claude Debussy a Eric Satie.

Diríamos que ele é um prestidigitador... Ele nos enfeitiça. Celso Oliveira propõe atemporalidades. Não o ontem, o hoje, o amanhã.

Um documento para além de Kronos devorador. Assim, ele aposta na permanência: aquele registro é, ao mesmo tempo, testemunho para sempre e poesia.

Seu trabalho é sobretudo documental, está voltado para o registro de manifestações culturais e festas populares do Nordeste.

Mas ele não descuida de experimentações, nem das paisagens que quase levam ao abstracionismo.

Celso de Oliveira Silva nasceu no Rio de Janeiro, em 1957.

Filho de mãe cearense, sempre desejou voltar à origem materna.

Começou a fotografar em 1975, como assistente de laboratório no Estúdio Fotografismo e Artes, no Rio de Janeiro. Muda-se para São Paulo, onde trabalha em jornais e revistas. Em 1980, vai para Fortaleza, onde integra a equipe coordenada por Chico Albuquerque (1917-2000) no jornal O Povo. Na capital cearense, junto com o fotógrafo Tiago Santana, em 1994, cria a agência e editora Tempo D’Imagem.

Tem Walter Firmo como uma referência, a partir de uma reportagem da revista Realidade sobre a seca no Nordeste. Ele revela: “Quando vi aquelas fotos, pensei, um dia quero ir para o Nordeste.”

Dos grandes mestres, destaca Cartier-Bresson, Joseph Koudelka e Sebastião Salgado. Vale a pena vê-lo e ouvi-lo no documentário “Celso Oliveira, 40 anos de Ceará”, de Maria Amélia Bernardes Mamede.

[Celso Oliveira: 40 anos de Ceará – CULTURA DENDICASA (secult. ce.gov.br)]

DANIELA TORRENTE EMOCIONANTES E PROVOCATIVAS CARTOGRAFIAS IMAGÉTICAS

Eu vejo o que imagino ver? O exercício impressionista de DanielaTorrente transforma o real num irreal, uma objetividade numa subjetividade? Aquilo que está ali é verdade? Uma verdade não revelada? As belas fotos de Daniela Torrente são imagens quase cartografias, quase mapas. Como os mapas, as imagens dizem: esta é a prova de que há algo, de que algo existe. Então, o que eu vejo? O que existe ou o que eu imagino existir? Há que se fazer um exercício ontológio para realizar as difusas imagens de Daniela Torrente. Assim, podemos transformar nossa percepção em objetividades ou subjetividades, racionais ou irracionais.

Em qualquer circunstância, emergem emoções das fotos que contemplamos. São emocionantes as obras que Daniela nos propõe. Esteticamente emocionantes.Cada uma delas nos remete a um caminho. É fundamental percorrê-lo.

Daniela Torrente nasceu em São Paulo, em 1976, onde vive e trabalha. É formada em Artes Plásticas pela FASM - Faculdade Santa Marcelina e pós-graduada em Imagem, Processos, Gestão e Cultura Contemporânea pela CEI Madalena Centro de Estudos da Imagem. Participa do grupo de acompanhamento de projetos Hermes Artes Visuais, orientado pelos artistas Carla Chaim, Nino Cais e Marcelo Amorim. Seu trabalho é parte do acervo do Museu da Imagem e do Som de São Paulo (MIS). Sua pesquisa questiona conceitos como construção da identidade, pertencimento, apagamento e memória, através de diversas mídias como fotografia, gravura, colagem e costura. Algumas exposições: MIS Nova Fotografia 2020 (São Paulo/SP); Lumen Exhibition - Espacio Gallery (Londres/UK); Origens - Galeria 1338 (São Paulo/SP); 2º Salão de Artes Visuais de Indaiatuba - Secretaria de Cultura (Indaiatuba - 1o. lugar; 31ª. Anual de Artes Plásticas - Espaço Eugenie Villien FASM (São Paulo/SP). Trabalhou no departamento de curadoria da Casa da Imagem pertencente ao Museu da Cidade de São Paulo.

ELIÁRIA ANDRADE MILITÂNCIA ESTETICAMENTE EXERCITADA POR MEIO DE IMAGENS E SONS

Há fotos que remetem, alguns de nós, brasileiros, para um imaginário que, temos certeza, já vivemos. Realidade ou não, sentimos a marca de uma interioridade, algo que vem de dentro. Se somos descendentes de negros, então, o sentimento quase nos assalta e explode. Tanto quanto iluminar e aquecer o presente, algumas fotos nos trazem algo do passado, mesmo um passado não vivido, um passado imemorial. Essa ambivalência está presente neste sensível e vibrante ensaio de Eliária Andrade.

Acrescente-se também uma boa dose de militância: mulheres emponderadas, principalmente, negras. Assim, se completa a nossa contemplação: imagens, enquadramentos, sons, negritude.

E nos tornamos mais um militante, membro deste maravilhoso “Ilú Obá de Min”, bloco que reúne uma bateria de mulheres, em sua maioria negras, e que tradicionalmente abre o carnaval de rua de São Paulo.

Eliária Andrade abandou a engenharia mecânica para se dedicar ao fotojornalismo. Seu depoimento ao site Mulheres Luz (https://www.mulheresluz.com.br/ensaios/olhares-doilu/#galeria):

“O Bloco Afro Ilú Obá de Min (“Mãos femininas que tocam para Xangô”), passou oficialmente a fazer a abertura do carnaval de São Paulo. É um bloco que conta com aproximadamente 450 integrantes, sendo que a sua bateria é composta exclusivamente por mulheres.

Trago neste ensaio um pequeno recorte, onde eu foco o meu olhar nos

olhares expressivos e no movimento corpóreo das integrantes que representam os Orixás. Nem todos os Orixás estão neste ensaio, mas a figura imponente de Xangô representada pela educadora Cibelle de Paula, mostra o tamanho da força, da energia que transcende a realidade, resgatando e enaltecendo a cultura afro – brasileira.”

Eliária Andrade tem mais de 30 anos de carreira como repórter fotográfica nos jornais Diário Popular, Diário de São Paulo e O Globo. Integra o grupo Fotógrafos pela Democracia e é uma das autoras do livro “Donas da Bola”.

ERICK ROSA CUMPLICIDADE NA BUSCA PELA COR E LUZ EM TÓQUIO Tóquio é uma explosão, uma supernova. De cores, neon, generosidade. Gosto de pensar que essas fotos, de alguma forma, criam um mosaico-- de tudo aquilo que os olhos registram e a cabeça tenta fazer sentido. A pandemia acrescentou uma urgência de registrar mais e muito. E olhando agora, arrisco dizer que essas fotos têm um pouco disso. Um registro dessa Tóquio do presente. E a constante busca pela cor e luz nestes tempos atuais.

ERICK ROSA

Há que se embrenhar pelo quotidiano de uma cidade, para extrair dela sua essência. Há que se atentar para o prosaico da urbanidade, para se presentificar nela. Há que se envolver com os habitantes de uma metrópole, para respirar a vida coletiva. Erick Rosa deixou de lado o glamour das cerejeiras, a sensualidade das gueixas, o vigor dos samurais. E trouxe uma Tóquio feita de seres humanos, como nós; de edifícios, como os nossos; de globalidades e singularidades que as grandes metrópoles guardam e transpiram.

Com uma cuidadosa estética jornalística, que busca revelar pessoas, luzes e cores, Erick Rosa transporta uma atualidade japonesa de Tóquio para qualquer parte do mundo. Sem mistério.

E então, ao revelar o comum, o corriqueiro, o trivial, ele nos torna cúmplices da cidade e de seus habitantes pela contemplação.

Erick Rosa é carioca, estudou nos EUA, trabalhou em São Paulo, Lisboa, Singapura e hoje vive em Tóquio. É publicitário, acredita fielmente no algoritmo do Spotify-- e sempre carrega uma câmera no bolso. Ele destaca que não sabe falar japonês, mas descobriu que é se perdendo (e não entendendo quase nada) que ele descobre (e se surpreende todos os dias) ainda mais sobre o Japão e as pessoas.

Além fotógrafo amador e escritor de crônicas sobre as suas experiências morando fora, em toda essa trajetória, o Erick foi premiado e jurado nos principais festivais do mundo da propaganda.

EVELYN RUMAN “SANGRO LOGO EXISTO” O trabalho “Sangro Logo Existo” teve início na percepção e aceitação do meu feminino e na batalha contra os tabus e preconceitos gerados em torno do sangue menstrual.

EVELYN RUMAN

Arte. Metaarte. Antiarte. O inusitado. O insólito. O acaso.

Signos que pedem a decodificação de significados e significantes.

Um olhar que transforma insólitos, acasos e signos, em arte fotográfica. Isso é o que o cuidadoso olhar de Evelyn Ruman reproduz. Um olhar ao mesmo tempo físico e metafísico. Ela não dá uma receita. Ela propõe. E pede calma, atenção, reflexão. Aí está o sentido da arte conceitual. Ela é essencialmente experimental, quase sempre enigmática. E nessa experiência, ela pede que se olhe o mundo a partir de outros referenciais, a serem descobertos e redescobertos por meio da contemplação. Há que se olhar cuidadosamente os trabalhos de Evelyn Ruman, reinventá-los, ressignificá-los. E depois, olhar ao redor. O redor perto e o redor longe. Certamente, o espectador descobrirá novas possibilidades de ver e sentir o mundo. E desvendar e admirar os segredos escancarados e indignados de Evelyn Ruman.

Nasceu em São Paulo e dedica-se à fotografia desde 1985.

Feminista e ativista na luta contra a violência, abuso e exploração sexual de mulheres e crianças, seus trabalhos são sempre orientados por uma preocupação ética, com temas vinculados à condição de mulheres em situações de marginalidade social e vulnerabilidade: internas de manicômios judiciários, soropositivas, indígenas, portadoras de síndrome de Down, terceira idade e meninas em risco social.

Criou o Método da Autoimagem, que utiliza a fotografia como ferramenta de intervenção social.

Suas obras foram expostas em diversos países como Chile, Espanha, Bélgica, China, México, Brasil, Itália e Cuba. Recebeu diversos prêmios, destacando-se o e o Prêmio Porto Seguro 2002 em Pesquisas Contemporâneas (atual Prêmio Brasil de Fotografia) e a Bienal Internacional de Arte de Roma (2012). Seu site: Evelyn Ruman (myportfolio.com)

JOAQUIM ANTONIO CORRÊA FLAGELADOS, O DOLOROSO PIONEIRISMO DO FOTOJORNALISMO BRASILEIRO.

Muito antes de Auschwitz-Birkenau e Treblinka, na Polônia; Dachau e Neuengamme, na Alemanha; brasileiros experimentaram a fome e a miséria em “campos de concentração” no Nordeste. A Grande Seca de 1877–1879, no Nordeste brasileiro, foi o mais devastador fenômeno de seca da história do Brasil, ocorrido no período imperial, responsável pela morte de cerca de 450.000 pessoas, de um total de 800.000 que viviam na área afetada. Foram três anos seguidos sem chuvas, sem colheita, sem plantio, com perda de rebanhos e com a fuga das famílias.

Para denunciar a tragédia, o chargista português Rafael Bordalo Pinheiro (1846 – 1905) publicou, em 20 de julho de 1878, em uma ilustração da revista O Besouro, duas fotos que fazem parte de um conjunto de 14 registros fotográficos de vítimas da seca. Porém, não foi dado crédito para o autor das fotos, Joaquim Antonio Corrêa, cujo ateliê ficava em Fortaleza, no Ceará. Não são conhecidos dados sobre Joaquim Antonio Corrêa. O abolicionista José do Patrocínio viajou até o Ceará para fazer o registro das imagens da seca. Foi ele quem contratou os serviços de Joaquim Antônio Corrêa, e o instruiu na maneira de retratar os flagelados em estúdio. Segundo o trabalho “Imagens da Seca de 1877-78 – Uma contribuição para o conhecimento do fotojornalismo na imprensa brasileira”, dos pesquisadores Joaquim Marçal Ferreira de Andrade e Rosângela Logatto, a publicação de fotos de vítimas da maior seca nordestina do século XIX foi uma das iniciativas pioneiras da imprensa brasileira na utilização de fotografias como documentos comprobatórios de um fato.

Fontes: -Fotos de Joaquim Antonio Corrêa: https:// b r a s i l i a n a f o t o g r a f i c a . b n . g o v. b r / b r a s i l i a n a / browse?value=Corr%C3%AAa%2C+J.+A.&type=author - https://pt.wikipedia.org/wiki/Grande_Seca - Marco no fotojornalismo brasileiro: a seca no Ceará é documentada com fotografias | Brasiliana Fotográfica (bn.gov.br)

LAZARO ROBERTO NEGRITUDE COM MUITA DIGNIDADE

Lazaro Roberto é corajoso. Resolveu se alinhar a Mário Cravo Neto e Pierre Verger, dois ícones da fotografia brasileira.

Lázaro Roberto é obstinado e competente. Sem recursos financeiros, nem tradição familiar, estudou fotografia e imprimiu sua marca. Lázaro Roberto é um ativista indignado. Sua máquina fotográfica é um instrumento político e podemos ouvir sua voz soando alto quando contemplamos suas fotos.

Na história da fotografia, retratos e paisagem estão presentes em todas as fases. Mas não é sempre que encontramos tanta dignidade em retratos como nesta série de Lázaro Roberto.

Dignidade e negritude.

Ele nasceu em Salvador, no bairro da Fazenda Grande do Retiro. Fotógrafo de rua, arte-educador e militante do movimento negro, Lázaro Roberto, 63 anos, atua desde os anos 1970 na periferia da capital baiana. Recebeu da Unegro - União de Negros pela Igualdade, entidade nacional suprapartidária, fundada em 14 de julho de 1988, em Salvador, na Bahia - o Troféu Clementina de Jesus, dedicado a pessoas que se destacam na afirmação social do povo negro. Conviveu com Pierre Verger e retratou o fotógrafo franco-baiano no final de sua vida. Fez várias oficinas no Espaço Pierre Verger da Fotografia Baiana. Em entrevista a Gislene Ramos, da Vice Brasil (https://www.vice.com/pt/article/ zmdzz8/o-fotografo-baiano-que-documenta-a-historia-afrobrasileira-ha-40-anos) Lázaro Roberto contou: “Eu não vim de uma família de fotógrafos. Nos anos 1970, era comum grupos de teatro na periferia, época da ditadura; e tinha um grupo de padres italianos progressistas que eram contra a ditadura militar e que incentivaram trabalhos culturais na comunidade. Daí, usando o espaço da igreja criamos uma festa de arte anual com moradores do bairro, e numa dessas festas vi uma exposição em preto e branco do fotógrafo e cineasta Antônio Olavo [era Paixão e guerra no sertão de Canudos, 1993, nome do filme e da exposição], daí me apaixonei pela fotografia.”

MARCOS MUZI UMA ESTÉTICA SINGULAR QUE NOS REMETE PARA UM QUOTIDIANO PLURAL

Imagens em processo. É impossível multiplicar a consciência da imagem. O pensamento não tem o poder de multiplicar uma imagem ad infinitum, por mais que se esforce.

Mas a sugestão imagética, proposta esteticamente, pode nos levar a desfrutar, num momento presente, o antes e o depois de uma obra de arte fotográfica. Que tempo foi capturado? Que momentos antes, durante e depois se concretizam no pensamento? Há que se lembrar das belas composições do casal Bernhard (19312007) e Hilla (1934-2015) Becher, chamadas “Tipologias”, a partir de insólitas construções industriais anônimas, erigidas por engenheiros, e não oriundas da prancheta de um arquiteto.

Ali, as imagens se multiplicam a partir de diferentes conteúdos, oferecendo ao espectador a possibilidade de criar e juntar emoções, fazendo emergir uma dramática sensação de conjunto.

Em Marcos Muzi, emerge a expansão conceitual de uma imagem, multiplicada esteticamente. Mas, apesar de se aproximarem do trabalho do casal Becher, elas não trazem uma experiência dramática. Há inclusive um plácido prazer na visualidade. Há uma pacífica multiplicidade que nos traz uma certa calma. Diante destas fotos, tendemos à introspecção. Diante desta estética identitária, singular, multifacetada em si mesma, somos convidados a repensar o nosso quotidiano plural, multiplicado em diversas objetividades.

Marcos Muzi nasceu em Piracicaba, SP, em 1966. Fotografa profissionalmente desde a década de 1980. Vive e trabalha em São Paulo. Dedica-se a ilusões óticas e estereoscopia, representação de objetos tridimensionais em um plano e da ilusão ótica. É coautor do livro “EstereoFluxos São Paulo” (Gavin/Muzi/Cotait). Participou da criação de exposições com temática em ilusão óptica: SP3D (Masp, 2004/5), O mundo mágico de Escher (CCBB SP, RJ, DF 2011/5), Miração (Muzi/Cotait) (Mostra 3M de Arte, Largo da Batata, 2018). Participa do coletivo Fotógrafos Pela Democracia

MARIA CECÍLIA SÃO THIAGO METÁFORAS QUE PROVOCAM INTENSOS MOMENTOS DE ANAMNESE

O que é? O que são? Uma estética real e surreal, ao mesmo tempo. Há que se interpretar! Como, interpretar? Quem propõe tal insanidade? Há que sentir... Aí sim. Pouco importa o que Maria Cecília quer dizer. Ela está dizendo, independentemente de você ouvir. A audição é absolutamente individual, solitária. Maria Cecília faz fotos sonoras. Bela Bartok. Stravinski. Debussy. Escolha o seu.

São inúmeras as possibilidades de se emocionar com Maria Cecília.

Tudo partindo de ícones absolutamente pueris. Nem Kronos, devorador; nem Kairós, sensível matemático. Somente Ayon, um tempo infinito, não mensurável. Metaforicamente intenso, atemporal. Há que se penetrar nas metáforas de Maria Cecília e se deixar reviver e recriar a infância. Há que se fundirem, aquela e a nossa infância. E penetrar cerebralmente, não cartesianamente, para realizar intensos momentos de anamnese. Esquecer o tempo, viver de memória. Há que fluir, há que se deixar embalar. Talvez fique mais fácil voltar ao mundo real. Ela revela sobre seu trabalho, batizado Unforgettable: “Tento mostrar como a imagem se estende além de seus próprios limites. Retomo fotografias estereoscópicas dos meus irmãos, feitas por meu pai entre 1929 e 1944, e faço uma releitura dessas imagens, criando um vai e vem entre tempos e espaços com o intuito de criar uma possibilidade de materialização da saudade que sinto, de um tempo que não vivi.”

Maria Cecilia de São Thiago nasceu em São Paulo, onde vive. É designer gráfica, designer de joias e fotógrafa. Viveu seis anos em Munique, na Alemanha. Seus trabalhos foram exibidos em Paris, Caen, Florença, Roma e Budapest. É pós-graduada no Curso de Processos, Gestão e Cultura Contemporânea no Madalena Centro de Estudos da Imagem / Unimes Universidade Metropolitana de Santos 2017 e diplomada em Comunicação Visual pela FAAP - Faculdade de Artes Plásticas pela Fundação Armando Álvares Penteado.

ROSA GAUDITANO A MÁQUINA FOTOGRÁFICA CRIADORA DE MANIFESTOS FEMINISTAS

Rosa Gauditano explode sensibilidade, principalmente com crianças, com destaque para crianças indígenas. O primeiro plano, os detalhes. Tudo compõe estética e poesia. Aqui, uma poesia terna e suave. Bem ao contrário da poesia contundente e indignada que ela capta nos movimentos sociais. Também há poesia nas revoluções, nas manifestações. São exemplares, os poetas Vladimir Maiakovski, russo, ([...] se eu falo / “A” / este “a” / é uma trombeta-alarma para a Humanidade. / Se eu falo / “B” / é uma nova bomba na batalha do homem.) e Nicolás Guillén, cubano, (Tengo, vamos a ver, / que ya aprendí a leer, / a contar, / tengo que ya aprendí a escribir / y a pensar / y a reír. / Tengo que ya tengo / donde trabajar / y ganar / lo que me tengo que comer. / Tengo, vamos a ver, / tengo lo que tenía que tener.)

Ambos fazem poesia revolucionária. Como revolucionárias são as fotos de Rosa Gauditano. Elas se mostram como um manifesto que exige reconhecimento, justiça, espaço e tempo para as mulheres. A máquina fotográfica feminista de Rosa Gauditano é seu instrumento de denúncia para a libertação.

Rosa Gauditano nasceu em São Paulo. É graduada em Video Digital na Universidade Paulista e ensinou Fotografia na Pontifícia Universidade de São Paulo. É diretora do Studio R. Foi fundadora da agência Fotograma, trabalhou no jornal Folha de São Paulo e na revista Veja. Fundou a ONG Nossa Tribo, que fazia conexão entre as aldeias indígenas e cidades, produzindo fotografia e vídeo. Obras nos acervos: Conselho Mexicano de Fotografia, México; Museu de Arte de SP, Coleção Pirelli/Masp; Museu de Fotografia de Curitiba; Museu da Solidariedade, Fund. Salvador Allende, Santiago, Chile; Museu da Imagem e do Som de SP; Cinemateca de Monterrrey, México; Museu Afro-Brasil e em coleções particulares. Para conhecer e comparar as obras de Rosa Gauditano, vale ir ao seu portal: https://www.rosagauditano.com.br/

STANLEY KUBRICK FOTOGRAFIA, COMO APRENDIZADO DE UM ÍCONE DO CINEMA. Antes de se transformar num ícone do cinema, Stanley Kubrick foi fotógrafo. E já ensaiava suas reverências e irreverências. Trabalhou para a revista Look e deixou lá suas marcas. De 30 de abril a 4 de agosto de 2021, a Galeria K1 Kämp, de Helsinki, exibiu a exposição Through a Different Lens: Stanley Kubrick Photographs, organizado em colaboração com o Museu da Cidade de Nova York e o SK Film Archives LLC. O texto a seguir foi extraído do site da galeria: Through a Different Lens: Stanley Kubrick Photographs | Suomen valokuvataiteen museo

“Stanley Kubrick (1928-1999) trabalhou como fotojornalista para a revista Look anos antes de se tornar conhecido como cineasta e diretor de clássicos como Dr. Strangelove (1964), 2001: Uma Odisseia no Espaço (1968) e Laranja Mecânica (1971).

Kubrick nasceu em Nova York e cresceu no bairro do Bronx.

Quando jovem, ele estava menos interessado em educação formal do que em lições aprendidas no mundo real. Para um fotógrafo como Kubrick, não havia lugar melhor para estar na época do que Nova York, lar da Life e Look, as duas principais revistas pictóricas da América. O escritório de Manhattan tornou-se sua faculdade; seus editores e seus colegas fotógrafos, seus professores; e Nova York, sua área de estudo. Kubrick trabalhou na revista por cinco anos, de 1945 a 1950.

As fotografias de Kubrick para Look geralmente estavam de acordo com a perspectiva populista da revista, sintonizada com temas americanos do pós-guerra, como consumismo, entretenimento, ciência e família. Às vezes, no entanto, ele se desviou de sua abordagem mainstream, direcionando seu gosto idiossincrático para o excêntrico. A fotografia de Kubrick lançou as bases técnicas e estéticas para sua cinematografia: foi através das lentes da câmera fotográfica que ele aprendeu a ser um observador agudo das interações humanas e a contar histórias através de imagens dispostas em sequências narrativas dinâmicas.”

Credits Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios Graphic Project: Marcelo Pallotta Designer Assistant: Katharina Pinheiro Translation: Bruna Martins Fontes Acknowledgements:

Ateliê Oriente, José Carlos Ferreira dos Santos Filho, Fabio de Mesquita Sampaio, Jaakko Laasanen, Jarkko Wickström, Paulo Marcos de Mendonça Lima, Solon Ribeiro, Suomen Valokuvataiteen Museo, The Finnish Museum Of Photography

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