EL ART POP

A A RR TT

PP OO PP

El Pop Art surgió como reacción al Expresionismo Abstracto a partir, fundamentalmente, de un cambio de fuentes: las raíces surrealistas de aquel movimiento se sustituyeron por las dadaístas del Pop, dado el interés de sus precursores por las fronteras del arte y por Duchamp, el primero en exponer objetos cotidianos, fabricados en serie, en galerías o museos.

T

ambién se considera a Yves Klein

antecedente del Pop por su uso de la monotonía y la indiferenciación, que lo emparenta con Warhol, pero resultaron vitales para el nacimiento de esta corriente las anteriores experimentaciones con las posibilidades del collage, que los cubistas inventaron para explorar las diferencias entre realidad y representación. Dadaístas y surrealistas ampliaron su potencial y en la posguerra se convirtió en el arte del assemblage, que permitía crear arte a partir de elementos preexistentes y diversos entre los que se establece relación. El MoMA dedicó en 1961 una exposición a “El arte del assemblage”, medio que sería punto de

partida del environment y el happening. El nacimiento del Pop Art tuvo, además, mucho que ver con la cultura inglesa y estadounidense de posguerra: dio sus primeros pasos en Reino Unido y creció a raíz de los debates planteados en el Independent Group en el ICA sobre la nueva cultura urbana norteamericana, en la que se cuestionaba la solemnidad romántica del arte británico de los cuarenta.

S

us impulsores convirtieron la trivialidad

en un tema digno de tratamiento estético y la monumentalizaron recurriendo a la ampliación y reflejando los iconos de la cultura de masas de forma inteligente y crítica. Pese a su impulso popular, el estilo se orientó a partir de la reivindicación de Duchamp de que el arte debía ser, ante todo, inteligente. Aunque los asuntos abordados fuesen banales, los medios estéticos de los artistas Pop solían ser sofisticados. Este fue un arte de reflexión crítica que reclamaba la ausencia de prejuicios tanto por parte de los artistas como por parte de la audiencia. Los creadores pop americanos, más pragmáticos, se inspiraron en la publicidad; en Inglaterra

predominó la representación de los símbolos de la producción y el consumo de masas.

C

superficie

onsiderado neodadaísta por algunos

expertos, Robert Rauschenberg exploró en sus assemblages lo mínimo, inestable y efímero. Formado en la Academie Julien y en el Black Mountain College, junto a Albers, pintó en los cincuenta cuadros totalmente blancos cuya imagen era la sombra del espectador, o totalmente negros, después de las monocromías de Fontana y Klein.

P

osteriormente tanteó la Combine

Painting, combinando superficies pintadas y objetos pegados a la hora de generar piezas tridimensionales autoestables (recordad Monogram). Su filosofía estética se relaciona con la de John Cage, favorable a “desenfocar” la mente del espectador e inducirle a abrirse a su conciencia y ambiente. Sus cuadros vivos rodean, o casi, a quien los observa. La obra de Jasper Johns es más disciplinada e irónica. A diferencia de Rauschenberg, utilizó imágenes aisladas y banales (números, dianas, mapas, banderas) que destacan por su falta, aparentemente, de relevancia: el espectador busca un significado concreto; el artista, crear una

J

ohns se interesó por la inercia pictórica y

por la noción de la pintura como objeto, más que como representación. A veces ensambló lienzos subrayando el punto en que se juntan o pegó reglas, cucharas o escobas. Junto al de Rauschenberg, su trabajo representa un

alejamiento de la pintura pura.

E

l movimiento urbano que constituye el

arte pop, al contrario que el Expresionismo abstracto, pretende unir arte y vida mediante el enfriamiento de las emociones. Tiene el propรณsito de reflejar la superficialidad de los elementos de la cultura de masas en sus obras, es decir, coge productos de consumo accesibles para todos y los representa.

C

on esto se destaca la inexpresiรณn y la

impersonalidad del objeto, alejรกndose de cualquier tipo de subjetividad del artista.

Por otro lado, la repetición es una característica que abunda en este movimiento ya que en los medios de comunicación se usa como método tanto como para crear iconos como para anestesiar a la sociedad sobre problemas graves. Por lo tanto, en este punto de la historia del arte, el arte ya no imita la vida, sino que es la vida que imita el arte o la imagen

L

parodia de muchos de sus compañeros.

as pinturas de Lichtenstein, como las

de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros, comparten un vínculo directo a la imagen habitual de la cultura popular estadounidense, sino también tratar el tema de una manera impersonal, ilustrando claramente la idealización de la producción en masa. Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del arte pop. Warhol intentó tomar Pop más allá de un estilo artístico a un estilo de vida y su obra a menudo se muestra la falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la Este trabajo inspiró muchas de las ideas que regirían el movimiento y resume sus características: mezcla fascinación e ironía por los símbolos de opulencia americanos; se trata de un collage, una técnica típicamente pop y su composición es sofisticada, plena de alusiones, en contraste con la banalidad del

tema tratado.

E

l arte pop, buscaba utilizar imágenes

populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.

A R T M O D E R N O

A

rte moderno es un término propio de

distintos ámbitos del mundo del arte (la historiografía del arte, la estética y teoría del arte y el mercado de arte), que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico.

O

E

tra ambigüedad evidente es la

utilización de la expresión "arte moderno" en oposición a "arte antiguo", que tampoco coincide siempre con el arte de la Edad Antigua (desde el inicio de la historia hasta el siglo V), especialmente en formas como "maestros antiguos" y "maestros modernos", siendo aquellos los del siglo XV al XVII, y estos los posteriores, épocas convencionalmente separadas por criterios historiográficos y museológicos.2 ste representaría la tradición; mientras

que el arte moderno representaría la experimentación.1Al ser principalmente un concepto estético y no cronológico, cualquier delimitación de un periodo para el "arte moderno" es problemática, empezando por una dificultad obvia: el arte de la Edad Moderna (de mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII) no es lo que se entiende como "arte moderno", mientras que sí lo es el arte de la Edad Contemporánea (desde finales del siglo XVIII hasta la actualidad).

L

as expresiones "arte moderno" y "arte

contemporáneo" se utilizan muy a menudo de forma totalmente intercambiable, incluso en la bibliografía especializada3 y el entorno institucional (museos y universidades);4

M

ientras que en otras ocasiones, en los

mismos ámbitos, se utilizan en oposición, reservando para el "arte moderno" un periodo indefinido, que puede ir desde distintos momentos del siglo XIX hasta distintos momentos del siglo XX.

B

ien las que comienzan antes de

la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y se desarrollan en el periodo de entreguerras (1918-1939), o bien las que surgen después de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), o incluso las "transvanguardias" de finales del siglo XX, cuando se acuñó el concepto de lo "postmoderno", que para algunos autores pondría fin al "arte moderno" en sí.5

N

o hay consenso para determinar si es

el "arte moderno" o el "arte contemporáneo" el que ejemplifican las vanguardias; ni tampoco para determinar si esa diferenciación debe aplicarse a alguna de las sucesivas generaciones de vanguardias:

Ú

nicamente si se entiende el concepto

de arte moderno no como cronológico, sino como estético (de estilo, de sensibilidad o incluso de actitud), pueden explicarse ciertas paradojas: un pintor academicista como William Adolphe Bouguereau (muerto

en 1905) no hace "arte moderno", mientras que Vincent van Gogh (muerto en 1890) indudablemente sí;

L

C

alificar como "modernos" a el

Greco (muerto en 1614), Velázquez (muerto en 1660), a Rembrandt (muerto en 1669) o a Goya (muerto en 1828) es algo tan común que se ha convertido prácticamente en un tópico.6

E

a invención de la fotografía había

convertido esta función artística, hasta entonces esencial (pintores de corte), en algo accesorio, cuando no obsoleto. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, llegando incluso a la abstracción. La Revolución industrial no sólo trajo las innovaciones técnicas que permitieron la arquitectura del hierro y del cristal, sino que cambió para siempre las relaciones productivas y sociales, y con ellas, la posición del artista frente a su cliente.

l arte moderno, como innovación frente

a la tradición artística del arte occidental, representa una nueva forma de entender la teoría y la función del arte, en que el valor dominante de las llamadas artes figurativas (pintura y escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su condición literal.

Se

denomina arte

una corriente

de

moderno a renovación

artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, siendo el

más prolífico de toda la historia del

con los estilos dominantes en la época,

arte. Durante esos años, multitud de

tanto los de tradición academicista

tendencias

o

como los rupturistas y se trató de crear

fueron

un arte de inspiración en la naturaleza

menos

y

movimientos

estructurados

más

se

sucediendo vertiginosamente, con un

a

la

vez

carácter internacional.

novedades derivadas de la revolución industrial,

que con

hierro

Denominado a este periodo fin de siècle y belle époque, pero Según los países recibió

diversas

denominaciones, Nouveau, en

como Bélgica

Se

se

incorporaban

materiales como

y

puede

el

el

cristal.

confundir

el arte

moderno con el arte contemporáneo, pero no tienen nada que ver uno con otro.

Art y

en

El arte moderno es un concepto muy

Francia, Jugendstil , en Alemania y los

singular

países

ámbitos en el mundo del arte sobre

nórdicos

Style, en

los

y Austria, Modern

países

ya

que

tiene

diferentes

anglosajones,

todo en la estética, en la historiografía,

Nieuwe Kunst, en los países Bajos

en la teoría de lo que es el arte y en el

y Liberty o Floreale, en

mercado.

Italia.

Se buscaba crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que rompiera

Los

conceptos

de arte

contemporáneo y arte moderno, como hemos dicho anteriormente, se utilizan frecuentemente

de

una

manera

intercambiable,

muchas

intercambiadas

entre

entornos

en

biografías

institucionales

o

veces

son

especializadas, incluso hay en muchas ocasiones en los cuales tiene similares ámbitos que se utilizan en oposición, es decir, reservan al arte moderno con un tiempo indefinido que puede estar entre los distintos movimientos del siglo XIX

al

siglo

XX.

Es que este tipo de artes pretende hacer una distinción entre la parte productiva

del

arte

que

estará

identificada con unas determinadas definiciones de modernidad, es decir, para que lo entendáis mejor por ejemplo el arte académico hace una representación de todo lo tradicional del arte, mientras tanto este estilo de arte experimenta para sacar cosas innovadoras.

Esto ocurre porque muchas veces no hay

una

conformidad

contemporáneo y arte

entre arte

moderno y

es

por eso que mucha gente lo confunden, algo

normal

después

de

todo.

concepto

poético

que

las

cosas

poseían.

La posición de innovación que tiene los artistas de esa época abre una puerta a la libertad del ámbito artístico y por ello van desapareciendo los rasgos relacionados con el arte hasta ese

momento.

Es por ello por esas técnicas usadas en el arte por lo que nace el concepto de arte moderno, que se define como el irracionalismo en su manera más grande, aunque también tenemos que decir que esto no es una característica solo de este tipo de arte ya que pasados los siglos ha habido muchos tipos de arte que han presentado ese irracionalismo.

Los

artistas

de

este

tipo

de

arte hicieron una declaración en la deformación de las cosas, sobre todo de los objetos, que se realizaba de forma deliberada, cuyo objetivo era la búsqueda de satisfacción de cierto

Aun

así tenemos que tener en

cuenta

que

este

concepto es

la

definición más “artístico” es decir el concepto más sencillo del arte, y es por eso por lo que este concepto es el más incondicionalmente irracional hablando estéticamente que la humanidad ha podido

conocer.

Por esto mismo es por lo que se le atribuye la característica de irracional a este concepto, ya que se puede observar

el

carácter

revolucionario que tenía.

impopular

y