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B-SIDE MAGAZINE // N_2 · OTOÑO 2011

B-SIDEMG.COM

música · MADRID:

CAPITAL DEL MUSICAL

· NICOLA ROBERTS · LAURA MARLING · REM · JOSS STONE · AMY WINEHOUSE · LITTLE DRAGON · THE HORRORS VS. CAT'S EYES ENTREVISTAMOS A

· VERÓNICA FERREIRO · VENUECONNECTION arquitectura y diseño· RETRATOS URBANOS BARCELONA BAW

moda · RECORDAMOS A JESÚS DEL POZO ·

ESTILISMOS DE OTOÑO

cine · PEDRO ALMODOVAR

veGa MÚSICA · ARTE · CULTURA · DISEÑO · TENDENCIAS · ESTILO


sumario #2 OTOÑO 2011

20 48 10

49 92

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07

04 · THE HORRORS VS. CAT'S EYES 07 · LITTLE DRAGON 08 · NICOLA ROBERTS 10 · MADRID: CAPITAL DEL MUSICAL 16 · THE RAPTURE 18 · MAYER HAWTHORNE 20 · REPORTAJE BILLIE HOLIDAY 22 · BELLEZA & TALENTO 32 · AMY WINEHOUSE 38 · COLDPLAY 40 · ENTREVISTA VERÓNICA FERREIRO 48 · BJÖRK 49 · EN PORTADA: VEGA 60 · REM 65 · THE KOOKS 70 · ENTREVISTA VENUECONNECTION 74 · ARQUITECTURA: BARCELONA 76 · ESPECIAL ILUSTRACIÓN 82 · FRANCESC RIFÉ 96 · JESÚS DEL POZO 108 · CINE: PEDRO ALMODÓVAR


editorial

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espegamos una vez más, “querido lector” (recupero estas palabras que tanto quise utilizar siempre), en esta ocasión con Vega y su cuenta atrás respaldando nuestros pasos. Un reto más cumplido, tenerla a ella como protagonista absoluta de este número. Y es que ya hace cuatro meses avisamos que íbamos a capear la crisis (y las propias de cada uno) con la mejor de las sonrisas y sobre todo, lo mejor del arte y la cultura. Ha llovido desde entonces, y sigue lloviendo en estos ya fríos días por la geografía española, pero no estamos dispuestos a ponerle la otra mejilla al mal tiempo. Así que dejamos a un lado procesos electorales, asesinatos de dirigentes políticos, el tremendismo sobre la caída de la economía europea y toda esa actualidad negra en nuestro día a día, para disfrutar, como ya hicimos en nuestro arranque, de esa particular filosofía que tenemos los de B-side. Nos volvemos a ver después de Navidades, así que cuidadito con el turrón, ¡SALUD! JESÚS ROMÁN

staff DIRECCIÓN / DIR. CREATIVA

JESÚS ROMÁN

MODA

REDACCIÓN - MÚSICA

LUIS A. BERRENDERO DORY ÁLVAREZ ABAD CARLOTA HERNÁNDEZ

JESÚS ROMÁN JAVIER DECIMAVILLA LAURA SERRANO-CONDE MIRA CIRERA SARMIENTO PABLO DELGADO TALY ARJONA SANTIAGO TADEO ANDRÉS ARAGÓN ROBERTO CORTÉS ADRIÁN CIUTAT DANIEL VALLS HALLING DAVID VIDAL SANS GONZALO GALLEGO

B-SIDE MAGAZINE NO SE HACE RESPONSABLE DE LOS COMENTARIOS Y OPINIONES DE SUS COLABORADORES

INTERIORISMO

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OLGA FRANCO FEDE CASTAÑO LAURA SERRANO-CONDE

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FE DE ERRATAS: EN LAS PÁGINAS 76 Y 77 DE NUESTRO ANTERIOR NÚMERO LA CANTANTE NICCÓ VESTÍA UNOS LEGGINS DEL DISEÑADOR MIGUEL VIZCAÍNO, NO DE VINTAGE COMO SE ESPECIFICABA


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B-CURIOUS · MÚSICA

CON SU QUINTO ÁLBUM, SKYING, FARRIS Y LOS SUYOS PASARÁN POR NUESTRO PAÍS EN DICIEMBRE

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he Horrors y Cat’s Eyes. Un quinteto y un dueto. Música garage rock y melodías más lentas y poperas. Una formación enteramente inglesa, la otra británico-canadiense. Dos grupos diferentes con un denominador común: Faris Badwan. Y es que, mientras sigue trabajando en la gira de presentación del aclamado tercer disco, Skying, el líder del grupo británico The Horrors ha decidido sumarse a un proyecto paralelo y asombrar a sus seguidores con una música que nada tiene que ver con el punk gótico en el que tan cómodo se le ha visto en los últimos años. Melodías más poperas, más románticas y, sobre todo, más sinfónicas sonarán en las radios de todo el mundo en los próximos meses. Será el nuevo signo de identidad del vocalista británico y la soprano canadiense Rachel Zeffira, su actual compañera sentimental. El dúo se llama Cat's Eyes y ya tiene disponible su primer LP homónimo, producido por Steve Osborne y para el que han contado con la colaboración del prestigioso Chris Cunningham, considerado uno de los mejores directores de videoclips del mundo. Su primer sencillo, I Knew It Was Over, ha sido grabado en la Basílica de San Pedro del Vaticano, y ha contado con la música de un órgano centenario y el acompañamiento de

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un coro femenino, de voces angelicales capaces de erizar la piel a cualquiera. Un cambio de registro que sin duda dejará boquiabierto a más de uno. No sabe con certeza hasta dónde le llevará esta nueva aventura, pero lo que sí tiene claro Faris Badwan es que demostrará a su público que sigue siendo el mismo de siempre y que aún le queda mucha guerra por dar. De momento, los amantes The Horrors podrán disfrutar de su ídolo a principios de diciembre cuando Barcelona, Madrid y Bilbao se llenen de ese sonido punk inconfundible con toques de psicodelia, que tanto gusta a los siniestros The Horrors.

POP ALTERNATIVO EN EL DEBUT DEL DUO FORMADO POR FARIS Y RACHEL ZEFFIRA


vs

Faris Badwan TEXTO

LAURA SERRANO-CONDE


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B-CRITIC · BREVES MÚSICA

DESTACADOS

SONDRE LERCHE SONDRE LERCHE (Mone Records, 2011)

FLORRIE

EXPERIMENTS (XRL, 2011)

ANOUSHKA SHANKAR

TRAVELLER (Deustche Grammophon, 2011)

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e los países nórdicos se va extendiendo una nueva tendencia musical de baja intensidad, intimista y contemporánea, con artistas a la cabeza como José González o Kings of Convenience. Sondre Lerche se enmarca en este ámbito, donde la baja temperatura de sus países de origen se torna en una confortante y abrigada propuesta sonora. El cantautor noruego acaba de presentar su sexto trabajo discográfico, de título homónimo. Esto, unido al primer plano de la portada, da muestras de que estamos ante un álbum muy personal, en el que el compositor ofrece un compendio de todo lo aprendido a lo largo de su prolífica carrera. Manteniendo la línea que ha mostrado a lo largo de toda su discografía, el joven artista, se aleja cada vez más de las comparaciones que le han venido persiguiendo desde que comenzó su andadura allá por 2001. Ya no es únicamente el heredero de Elvis Costello, o la continuación de Elliott Smith. Ahora, Sondre Lerche es simplemente él mismo, mostrándose con un lenguaje personal donde los exquisitos arreglos y las contagiosas melodías, dan a sus canciones un ambiente pop para todos los públicos, con una acústica envolvente y ciertos detalles orquestales, dando a las composiciones un relativo sabor atemporal. JAVIER DECIMAVILLA

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F

lorrie no podía haber elegido mejor titulo para su primer EP que Experiments. Esta británica sigue sorprendiendo a público e industria con sus decisiones. Las discográficas se pelean por ella y los Xenomania sueñan con producir su primer LP. Pero Florrie ha decidido arriesgarse y montárselo por su cuenta, tener en sus manos el manejo total de su carrera. A parte de poseer una imagen atractiva y una voz que encaja a la perfección en el electropop, también escribe sus temas. La nueva promesa europea ha pasado de ser la batería de Girls Aloud o Alesha Dixon a subirse a un escenario para interpretar sus propios temas. En su segundo EP nos ofrece 6 cortes que cuentan con el mejor shyntpop, mostrado con clase. Las influencias van desde la mejor cara de Sophie-Ellis Bextor (Speed of light), pasando por las guitarras de The XX (Experimenting with rugs) y acabando en la parte mas sofisticada y sensual de Kylie Minogue (What you doing this for?). Aparte de hacer lo que le da la real gana, Florrie ha sido imagen de Nina Ricci y ha puesto música a una campaña de Dolce & Gabanna. Y lo mejor de todo, es que esto acaba de empezar. GONZA GALLEGO

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noushka Shankar vuelve a demostrarnos en su nuevo disco Traveller que las fronteras en el mundo de la música son relativas; en esta ocasión, fusionando prodigiosamente la tradición india de su complicadísimo sitar con el flamenco. Esta artista con mayúsculas nos descubre a través de la experimentación y búsqueda de las raíces de los diferentes estilos musicales, que existen en sus orígenes muchas y asombrosas semejanzas. Este disco supone una nueva reafirmación en la gran capacidad que tiene el flamenco para entenderse con otras músicas del mundo y también la que ha tenido la sitarista para comprender y sentir el flamenco. Un resultado posible gracias a la colaboración de numerosos músicos españoles, entre ellos Javier Limón (productor), Pepe Habichuela, Piraña, Concha Buika, Duquende, Sandra Carrasco y Farruco. Un álbum de 12 canciones, casi tantas instrumentales como cantadas, que desprende tremenda riqueza cultural por lo cualitativo y cuantitativo en su variedad humana: músicos y cantantes, indios y españoles, voces femeninas y masculinas. MIRA CIRERA


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LITTLE DRAGON

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RITUAL UNION (Peacefrong Holdings 2011)

o primero que piensas al comprobar los años que llevan metidos los Little Dragon en el mundo de la música (nacieron en 1996) y el escaso número de discos que han lanzado en ese tiempo es; ‘Si aún siguen vivos, es porque deben ser muy buenos’. Y con su último disco ese pensamiento se confirma. Después de colaborar con artistas de la talla de Gorillaz, la banda sueca lanzaba este verano el tercer LP de su carrera, Ritual Union. Un álbum de escucha pausada, en el que intentan mezclar la esencia de sus dos primeros trabajos con nuevos registros en los que el grupo está intentando introducir su música; delicada, minimalista, a veces casi desnuda, que deja la voz de Yukimi Nagano al frente de

algunos temas con la única compañía de un reducido número de sintetizadores. La música que Litlle Dragon nos muestra en este último trabajo baila entre el synth-pop, la electrónica y el neo soul, lo que lo convierte en un disco atractivo, con un sonido diferente y arriesgado con material tan delicado, que roza en algunos puntos la sensualidad. Esto puede ser un arma de doble filo, ya que puede resultar por momentos una producción con ritmo desigual. Ritual Union reúne un buen puñado de pequeñas joyas que parecen estar concentradas en la segunda mitad del disco. Sin duda el trío de ases está formado por Summertearz, que acaba convirtiéndose en todo un grower gracias a una

ingeniosa y adictiva base, Crystalfilm por sensualidad y elegancia, y Please Turn, el mejor tema del disco, por la oscuridad que le otorga el juego de sintetizadores. Otros cortes que consiguen destacar son las enérgicas Little Man y Shuffle A Dream, sin olvidarnos de Seconds, la pieza instrumental que cierra el disco y lo despide por la puerta grande. Little Dragon después de este largo parece haber pasado con creces todas las pruebas para sobrevivir en el mundo del música, llegando a conseguir lo mas difícil; tener una base considerable de fans muy fieles en Europa, y al parecer también al otro lado del charco, colocando su último CD en lo más alto de las listas independientes de USA. GONZALO GALLEGO

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Nicola Roberts TEXTO

JESÚS ROMÁN

LIBRE DE HÁNDICAPS, POR FIN LEJOS DE LA IMAGEN NEGATIVA PROYECTADA DE ELLA COMO MIEMBRO DEL QUINTETO BRITÁNICO GIRLS ALOUD, NICOLA ROBERTS PRESENTA SU DEBUT EN SOCIEDAD CON EL ACERTADÍSIMO TÍTULO DE CINDERELLA’S EYES (LOS OJOS DE CENICIENTA) EN REFERENCIA AL FAMOSO PERSONAJE LITERARIO INFANTIL.

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ada más cercano a la propia realidad; criada en un pequeño pueblo del condado de Cheshire al norte de Inglaterra, Nicola se dio a conocer por su participación en el show televisivo Popstar. Cinco álbumes, veinte singles consecutivos en lo más alto de la lista británica de ventas y cinco giras de éxito con Girls Aloud -amén de una venta desmesurada de merchandising- abalan su trayectoria como estrella del pop contemporáneo. Sin embargo, muy pocos apostaban por ella en favor de otras compañeras de formación que se han beneficiado de un fulgurante ascenso mediático (hablamos sin duda alguna de la princesita de Reino Unido, Cheryl Cole). Creciéndose ante la adversidad, Nicola Roberts nos deleita con uno de los ejercicios de pop mainstream más interesantes en lo que va de año. Comparable quizá con aquella ópera prima en solitario de Gwen Stefani, por lo original y complejo de la propuesta, Cinderella’s Eyes apuesta a caballo ganador por un sonido que discurre entre la electrónica alternativa y el pop dulzón. El resultado, un coctel de lo más trendy a punto de estallar en nuestros oídos.

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Todo en este debut sabe a nuevo, y por encima de todo a honestidad, doce composiciones autobiográficas con un halo de modernidad perpetuo. Desde el impulsivo Beat Of My Drum firmado por Diplo, a Fish Out of Water y I, con el sello incofundible de los también ingleses Metronomy. Sin olvidar la producción de Dragonette en el increíblemente fresco Lucky Day, la aportación de The Invisible Men en esos cortes más optimistas del repertorio como Say It Out Loud. Y por supuesto, una más que notable muestra de elegancia de la mano de Dimitri Tikovoi (Goldfrapp, The Horrors, Placebo), que termina de imponer la cohesión que un álbum de estas características necesita. Desempolven los leggins de vinilo, renueven los estampados de flores y pongan en su lista de artículos de primera necesidad el tinte cobrizo para el pelo, porque Nicola ha llegado para quedarse, y con ella la vuelta de tuerca más descarada, interesante y ante todo necesaria que se haya hecho de la década de los ochenta.


"NICOLA HA LLEGADO PARA QUEDARSE, Y CON ELLA LA VUELTA DE TUERCA MÁS DESCARADA, INTERESANTE Y ANTE TODO NECESARIA QUE SE HAYA HECHO DE LA DÉCADA DE LOS OCHENTA"


Madrid

capital

musical DEL

TEXTO

LAURA SERRANO-CONDE


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DESDE HACE ALGUNOS AÑOS, MADRID ACOGE LOS MUSICALES QUE ANTERIORMENTE HAN ARRASADO EN LAS TAQUILLAS DE LONDRES Y NUEVA YORK. QUIERE CONVERTIRSE EN LA CAPITAL DEL MUSICAL Y PARECE QUE LO ESTÁ CONSIGUIENDO, PUES LOS ESPECTÁCULOS TEATRALES QUE SE REPRESENTAN EN LA GRAN VÍA EN NADA TIENEN QUE ENVIDIAR EN CALIDAD A LOS DE BROADWAY O PICADILLY SQUARE. ESTE OTOÑO VIENE CARGADO DE MUSICALES QUE DEJARÁN BOQUIABIERTOS A LOS AMANTES DEL BUEN TEATRO.

EL REY LEÓN (TEATRO LOPE DE VEGA)

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esde Nueva York, donde lleva representándose más de tres décadas, llega el espectáculo más esperado: El Rey León. Se podrá ver, por primera vez en castellano, a partir del 21 de octubre en el Teatro Lope de Vega de la Gran Vía. La compañía Stage Entertainment, responsable de montajes como Mamma Mía, Chicago o Los Miserables, trae a la capital española la producción más grande echa hasta el momento, dos horas y media de música, luz y color, que envolverán las cuatro pareces del teatro para que el público pueda disfrutar de la magia de la sabana africana. Más de cincuenta actores serán los encargados de dar vida a los distintos animales y elementos de la naturaleza de la película a través de más de 200 esculturas, figuras animadas y máscaras.

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CHICAGO (TEATRO NUEVO ALCALÁ)

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os años después de su estreno en la arteria madrileña, regresa Chicago, otro de los platos fuertes de los próximos meses. Protagonizado por artistas como Marta Ribera, María Blanco y Manuel Bandera, el musical es una mezcla entre comedia negra y drama carcelario y se podrá ver en el Nuevo Teatro Alcalá a partir del 18 de noviembre. El espectáculo está producido por la compañía Stage Entertainment y cuenta la historia de dos mujeres, Roxie Hart y Velma Kelly, encerradas por haber cometido crímenes pasionales y que intentan ganarse el favor de Billy Flynn, un abogado sin escrúpulos que utiliza a la prensa sensacionalista para sacar a sus clientes de prisión.

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tro de los musicales más interesantes de este otoño es Más de 100 mentiras. Sabina, el musical, un espectáculo que rinde homenaje a la trayectoria del maestro Sabina y que se podrá ver a partir del 6 de octubre en el Teatro Rialto. Letras ásperas y amargas de hitos como ¿Quién me ha robado el mes de abril?, Con un par, Y nos dieron las 10, Contigo o Más de 100 mentiras –que da nombre al espectáculo- serán cantadas en riguroso directo, y servirán de hilo conductor del argumento, que bebe del universo salinero: la historia cuenta la vida de gente callejera, con un oscuro pasado, que, entre putas y alcohol, intenta sobrellevar su dura existencia. El montaje, que ha contado en todo momento con la supervisión del propio Joaquín Sabina, se enfrenta a uno de los retos más duros según el director David Serrano: entretener y no defraudar a los seguidores del genio de Úbeda.

MÁS DE CIEN MENTIRAS, SABINA EL MUSICAL (TEATRO RIALTO)

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SHREK EL MUSICAL (TEATRO NUEVO APOLO)

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e la mano de la productora Theatre Properti lleva a Madrid el ogro más entrañable de todos los tiempos, dispuesto a animar a los más pequeños con su mal humor y su mala suerte. Desde el pasado 21 de septiembre -y durante tres meses- se puede ver este montaje en el Teatro Nuevo Apolo, convertido ahora en una mágica ciénaga, envuelta en sueños e ilusión, y en la que todo es posible. Luz, color, música y humor son las claves de este espectáculo ameno que satisface con creces a los fans de la oscarizada película de Dreamworks, y que sin duda se emocionarán cantando el archiconocido I’m a believer.

HAIR (TEATRO ARTERIA COLLISEUM)

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a partir del 27 de octubre en el Teatro Arteria Coliseum, el público madrileño podrá disfrutar de nuevo de Hair. Love and Rock, un espectáculo divertido y con mucho humor, ganador del Premio Tony en la categoría de mejor revival en 2009. Tras el éxito cosechado el pasado febrero en Madrid, el musical volverá a reflexionar sobre temas polémicos como la religión, el abuso de poder, la libertad, el consumo de drogas, la defensa del amor y de la igualdad. Con canciones como Somebody to love, Aquarius, What a piece of work is man o What do I go?, Hair narrará las vicisitudes de un grupo de hippies en su lucha contra el sistema de los años sesenta, y la deshumanización que experimenta la sociedad moderna. El elenco de 29 actores lo encabeza Lucía Jiménez, que ya actuó en el musical El otro lado de la cama y que actualmente protagoniza la serie de televisión 14 de abril. La República.

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"MUESTRAN CON SU SEXTO DISCO DE ESTUDIO UN CAMINO CLARO Y CONCISO ENTRE LO TRADICIONAL Y LO VANGUARDISTA. EL ROCK AMERICANO ADQUIERE OTRA DIMENSIÓN, MÁS CONCILIADORA Y HONESTA"

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on una carrera marcada por los altibajos musicales y comerciales, por las idas y venidas estilísticas y, sobre todo, por una serie de magníficos discos empañados en los últimos tiempos por trabajos algo difusos, My Morning Jacket presentan Circuital, el que probablemente sea su álbum más sincero. Diez canciones son suficientes para asistir a la reinvención de uno de los grupos actuales más convincentes. Es posible que éste no sea su mejor trabajo, pero quizás sí que sea el más personal, en el que la banda de Kentucky muestran al mundo su saber hacer en esto de la música, su manera de entender la profesión y, en definitiva, la vida. Se trata de un disco unitario en su concepción, que suena conciso y en el que cada canción se muestra como parte inseparable del resto, como pieza única dentro del conjunto que representa el álbum. El cuidado sonido y la siempre hipnótica voz de Jim James, sirven de guía

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y catalizador para que el oyente consiga adentrarse en el disco y se deje llevar por la atmósfera que inunda el desarrollo de cada una de las piezas de la obra. El arranque del álbum se podría definir como un muestrario de los objetivos perseguidos por el quinteto con esta nueva entrega. Victory dance y Circuital son claros ejemplos del sonido progresivo, con envolventes arreglos que ha ido perfeccionando el grupo hasta la actualidad. Resulta difícil destacar algún corte por encima de los demás, pero conviene reseñar la delicadeza de Wonderful (They way we feel), la adictiva Holdin on to Black Metal o la melancólica Movin away. En Circuital, My Morning Jacket indagan en las raíces norteamericanas sin dejar de lado la contemporaneidad. Se trata de indie-folk sin complejos, con una variada instrumentación y ciertos detalles cercanos a lo experimental que dan al disco un sonido algo barroco pero más que creíble.

Se podría hablar de un ejercicio de estilo, pero lo cierto es que el grupo muestra con su sexto disco de estudio un camino claro y conciso entre lo tradicional y lo vanguardista. El rock americano adquiere otra dimensión, más conciliadora y honesta. JAVIER DECIMAVILLA


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RON SEXSMITH LONG PLAYER LATE BLOOMER (Cooking Vinyl. 2011)

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ada nuevo disco de Ron Sexsmith es una buena noticia para el mundo de la música, no obstante se trata, sin duda, de uno de los mejores compositores de su generación. Un artesano de canciones, un auténtico creador de melodías, con el suficiente oficio como para no defraudar nunca con sus nuevas composiciones. Long Player Late Bloomer es la última entrega discográfica del artista canadiense. Un álbum repleto de sensibilidad donde la cálida voz de Sexsmith acaricia cada una de las notas que llegan a nuestros oídos. El trabajo está repleto de grandes canciones de pop luminoso y optimista, aunque no carentes de cierta melancolía. En ocasiones se ha dicho que Ron Sexsmith

no edita nunca su mejor disco, pero que ninguno de sus trabajos es de baja calidad. Esto ya es bastante más de lo que se puede decir de mucha de la música que escuchamos actualmente. Este último LP rebosa genialidad y es un claro ejemplo de la excelente propuesta musical del cantante. Además añade un gran número de joyas (Get in line, Love shines, Belive it when I see it, Middle of love…) a su ya dilatado y estupendo catálogo sonoro. JAVIER DECIMAVILLA

THE JAYHAWKS

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MOCKINGBIRD TIME (Rounder/UGMD 2011)

ieciséis años después de su último disco con la formación original, The Jayhawks han regresado con Mockingbird Time. Fue el aclamado y fabuloso álbum Tomorrow The Green Grass el que vio por última vez juntos a Gary Louris y Mark Olson, allá por 1995. En él la banda dio una soberbia lección de tradición folk actualizada y revisada en clave de pop, con las maravillosas armonías vocales del tándem como principal seña de identidad. Eran muchas las expectativas creadas alrededor de este nuevo trabajo cuando se anunció su llegada, pero ha ocurrido lo que en la mayoría de los

casos pasa, las nuevas composiciones se reciben con gran entusiasmo, pero tras la escucha dejan una sensación de frialdad en el oyente. Aun así no se debe infravalorar este disco, pues en él seguimos encontrando canciones bellísimas como Closer to your side, Tiny arrows o Pouring rain at down. Mockingbird Time es un disco más que co-

rrecto, pero quizás parecería mucho mejor si la banda y la que es su obra maestra no llevaran a cuestas el peso de la leyenda, ya que cuando se logra la excelencia, la propia superación es una empresa que se antoja sumamente complicada. JAVIER DECIMAVILLA

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QUE THE RAPTURE ERA UN GRUPO DE SINGLES, NOS DIMOS CUENTA HACE AÑOS CUANDO SUS DISCOS ESTUVIERON A LA CABEZA DE LAS TENDENCIAS DE LA ÉPOCA Y SUS CANCIONES SE CONVIRTIERON EN ÉXITOS INDISCUTIBLES. CASI CINCO AÑOS DESPUÉS DE SU ANTERIOR ENTREGA, LA BANDA NEOYORKINA VUELVE POR SUS FUEROS, PARA DEMOSTRAR AL MUNDO QUE NO HABÍAN MUERTO, QUE AÚN TIENEN COSAS QUE APORTAR A LA ÉPOCA ACTUAL. TEXTO

I

n The Grace Of Your Love, es un ejemplo más del dance-pop que ha ido ofreciendo el grupo a lo largo de sus años de trabajo. Género que representa las dos caras de una misma moneda, por un lado la añoranza y el revival de una época en la que dicho estilo era el paradigma de la modernidad y, por otro lado, la consecución de un panorama actual en el que parece que la vuelta atrás representa la moda más avanzada. Para grabar el disco, The Rapture han contado con la producción de todo un experto en los sonidos de pop bailable actuales, como es el francés Philippe Zdar, responsable de trabajos como los de sus compatriotas Phoenix, entre otros. Se trata de un álbum con una producción limpia, donde los teclados adquieren un gran protagonismo, pero se aprecia que el estilo parece algo encorsetado, sin aportaciones novedosas o simplemente originales a lo que se viene haciendo año tras año. Aún así, el grupo vuelve a ofrecer un conjunto de

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JAVIER DECIMAVILLA

canciones que claramente se ofrecen como auténticos auténticos hits en potencia. Canciones bailables, pegadizas y, en algunos momentos, sugerentes, como I Miss You o Children. Sin duda merece una mención aparte el adictivo single de adelanto del disco, How Deep Is Your Love? Realmente, este tema sobresale por encima del resto y, sin duda, es el reclamo perfecto para presentar el trabajo. Si bien In The Grace Of Your Love contiene singles muy reseñables, junto a ellos se encuentran piezas que disminuyen la intensidad del trabajo y que dejan el regusto amargo de ser temas de relleno. Este cuarto disco de The Rapture supone un punto y seguido en su discografía, manteniendo sus señas de identidad pero carente de la mínima innovación que se supondría al permanecer casi cinco años sin editar ningún trabajo discográfico. Aunque es cierto que esta sensación de repetición de recetas se percibe en la práctica totalidad de los discos que se editan cada año dentro de este género.


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© RUVAN WIJESOORIYA

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WILCO

THE WHOLE LOVE (dBpm. 2011)

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l indiscutible talento compositivo y creativo de Jeff Tweedy se pone una vez más al servicio de los amantes de la buena música, sin prejuicios sonoros y manteniendo la línea de sus últimas entregas discográficas. The Whole Love es el título del nuevo álbum de Wilco, banda que tiene un lugar privilegiado dentro del mundo de la música. El disco arranca con una dentellada experimental titulada Art of almost, tema de más de siete minutos donde se muestran los Wilco más vanguardistas, pero donde resulta difícil reconocer su característico sonido. La última canción del disco, llamada One Sunday morning (Song for Jane Smiley’s boyfriend), es un desarrollo algo

monótono pero no por ello carente de emoción, de doce minutos de duración, con un Jeff Tweedy algo más introspectivo y de una menor intensidad sonora. Entre ambos temas se estructura el nuevo álbum de estudio de la banda de Chicago, con un sonido más reconocible, destacando el single I might, o canciones como Born alone. Wilco en estado puro. Aunque la innovación no vas más allá del primer corte, volvemos a encontrar composiciones memorables que añadir a su exquisito cancionero. No estamos ante el mejor trabajo de Wilco, pero mantiene el nivel contribuyendo a aumentar la leyenda que el grupo ha ido forjando a lo largo de los años. JAVIER DECIMAVILLA

MAYER HAWTHORNE HOW DO YOU DO (Universal Republic. 2011)

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ow do you do es el título del nuevo disco que el multiinstrumentista y cantante de Michigan Mayer Hawthorne publicó el pasado el 11 de octubre. La crítica internacional parece empeñada en incluirle entre los actuales cantantes blancos de música negra pura, pero para nada es comparable a Amy Winehouse o Jamie Lidell y, aunque su influencia del soul clásico de los sesenta es evidente, recoge su esencia con un toque light y moderno pese a su base retro. Además, en concreto en este álbum, brotan unas irrefrenables referencias a Michael McDonald o al rock de Steely Dan (Hey Nineteen), grupo al que homenajea en A Long Time. Una voz blanca y a menudo impostada, sin pretensiones del grosor y potencia

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característicos de Motown, pero que en este segundo álbum presenta con una mejora indudable desde que sacara su primer largo (A strange arrangement). A la manera antigua, sus grabaciones son analógicas y de pocas pistas. La temática principal es el amor y de ello es un claro ejemplo el single The walk y, como guiño a sus inicios en el hip hop, incluye el tema Can’t stop en colaboración con el conocidísimo rapero Snoop Dogg. MIRA CIRERA


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"BLEUPHORIA SE DESQUITA DE ESE AIRE LÁNGUIDO DE PROPUESTAS PREVIAS A BASE DE UPTEMPOS EN UN ESTADO DE SATISFACCIÓN PERMANENTE, ACOMPAÑADO DE NUEVO EN LA PRODUCCIÓN POR KEITH CROUCH Y JAMEY JAZ, Y CON UNA INSUPERABLE NÓMINA DE VOCES FEMENINAS"

RAHSAAN PATTERSON

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atorce años después de debutar con aquel álbum homónimo que le posicionó como una de las más prometedoras estrellas del firmamento negro, hermano mayor de ese renacimiento del soul clásico de finales de los noventa, Rahsaan Patterson mantiene intacta la capacidad de sorprender. Quizá por haber dejado atrás su época en una multinacional (con MCA publicó sus dos primeros trabajos), tal vez porque jamás comprometió su altísimo nivel creativo a las exigencias de un contrato… Lo cierto es que con Bleuphoria, el compositor norteamericano parece sentirse absolutamente libre. Y mientras que en su anterior aventura discográfica, Wines & Spirits (2007), se retorcía de dolor en cada uno de los cortes acompañando a una etapa bastante oscura a nivel personal, en este nuevo largo se observa una felicidad renovada que, por lo pronto,

BLEUPHORIA (Artistry Music. 2011)

hace de este su trabajo más bailable. Con influencias claras de mediados de los ochenta: un repertorio repleto de sintetizadores, percusiones pesadas con cierto regusto funk, armonías que estriban del mejor soul setentero (algo a lo que sí nos tiene acostumbrados el bueno de Rahsaan), así como ciertas referencias a la música disco, Bleuphoria se desquita de ese aire lánguido de propuestas previas a base de uptempos en un estado de satisfacción permanente, acompañado de nuevo en la producción por Keith Crouch y Jamey Jaz, y con una insuperable nómina de voces femeninas que le respaldan a lo largo de los trece temas. Con Faith Evans y Shanice Wilson nos ofrece el revientapistas Crazy (Baby), junto a Lalah Hathaway abrió esta nueva etapa con el electro-soul de 6A.M. y con la diva club Jody Watley presenta Ghost. Dejando espacio, por descontado, para

otro tipo de cortes como los “principescos” Goodbye y Mountain Top, o piezas ciertamente hipnóticas como la que da título al álbum o la que lo cierra, God. Una gratísima sorpresa este regreso de una de las voces clave en la historia del soul y r&b más reciente. JESÚS ROMÁN

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extraño EL

fruto jazz DEL

TEXTO

ANDRÉS ARAGÓN


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a respiración de Clarence era cada vez más trabajosa. La neumonía no sólo estaba poniendo en jaque su carrera profesional. Había alcanzado una fase crítica, pero Estados Unidos no había encontrado la cura contra el racismo. No era tarea sencilla que un músico negro lograra atención en un hospital. Menos si éste era del sur y segregado. Chocó contra las verjas de uno y otro hasta que sus pulmones se cansaron. Clarence murió porque ningún hospital para blancos quiso dar a un negro los cuidados necesarios. No hay que olvidar que hablamos de poblaciones en las que el renacimiento del Ku Klux Klan durante los años 20 alcanzó casi 5 millones de fieles. Que habían vendido como recuerdo durante aquella época postales con fotos reales de negros ahorcados y quedamos. El linchamiento era una práctica más de la justicia contra los de siempre. Por fortuna aquel periodo vio tan bien el inicio de su declive. Empezaron a surgir iniciativas ciudadanas para abolir ese castigo, aunque la reticencia de los Estados del sur impidió erradicarlo. Al tiempo, el progresivo acercamiento del reaparecido KKK al incipiente fascismo europeo le hizo perder una inmensa mayoría de adeptos. De fondo, pioneros como el legendario Benny Goodman empezaban a aportar cotidianeidad a la estampa de blancos y negros trabajando juntos. El jazz eliminó barreras, aunque el sur… LOS ÁRBOLES DEL SUR DAN UN FRUTO EXTRAÑO HAY SANGRE EN LAS HOJAS Y SANGRE EN LAS RAÍCES. UN CUERPO NEGRO SE BALANCEA CON LA BRISA DEL SUR, UN FRUTO EXTRAÑO CUELGA DE LOS ÁLAMOS. Imagina dos cuerpos jóvenes, que todavía no han llegado a los 20 años. Imagínalos con las ropas desgarradas y el rostro destrozado. Desfigurado por una paliza y una soga al cuello que los hace colgar de un árbol.

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THOMAS SHIPP Y ABRAM SMITH FUERON AHORCADOS EL 7 DE AGOSTO DE 1930. EL FAMOSO TEMA DE BILLIE HOLIDAY HACE REFERENCIA A LA INSTANTÁNEA TOMADA AQUELLA NOCHE.

ESCENA PASTORAL DEL SUR CORTÉS, LOS OJOS HINCHADOS Y LA BOCA TORCIDA EL AROMA DE LA MAGNOLIA DULCE Y FRESCA Y DE REPENTE ESE OLOR A CARNE QUEMADA A sus pies una muchedumbre blanca posa sonriente. Mira curiosa. Incluso entretenida. Señalan divertidos. Hay hasta una niña. ¿Por qué no? Esto es el Sur. Aquí esto es natural. Y en el centro de la imagen un hombre reta a la cámara con gesto serio mientras señala los cuerpos mutilados. Ésta es nuestra justicia. AQUÍ ESTÁ LA FRUTA PARA QUE LOS CUERVOS LA ARRANQUEN, PARA QUE LA LLUVIA RECOJA, PARA QUE EL VIENTO SE LLEVE PARA QUE EL SOL PUDRA, PARA QUE EL ÁRBOL DEJE CAER AQUÍ ESTÁ ESE CULTIVO EXTRAÑO Y AMARGO. Quizá las entrañas se te hayan revuelto de indignación, de asco ante la brutalidad que puede desarrollar el ser humano. Así fue como se sintió Abel Meeropol, un maestro judío, al ver la fotografía años más tarde. Su desconcierto ante esa barbarie desembocó en un poema que publicó en la revista The New York Teacher. Músico aficionado, le añadió una composición para que su esposa, Laura Duncan, la interpretara. Alcanzó cierto reconocimiento en la escena irremediablemente minoritaria, pero no fue hasta que cambió de labios cuando consiguió su carácter eterno. Ocurrió una noche en el Café Society, el primer local nocturno que aceptaba a clientes blancos y negros por igual. Fue allí, en 1939, cuando Meeropol conoció a la hija de aquel músico muerto por neumonía. Su nombre: Billie Holiday. El café se para. El público se une en un silencio reverencial. Las luces se apagan. Un único foco señala al escenario, centro de lo único que existe en el mundo en ese momento. De las vísceras de Holiday sale una voz que duele, que denuncia; un hilo lleno de desprecio a la sinrazón. Canta ahogada de incomprensión, o quizá de un sentimiento para el que no caben palabras. La música tomó su lugar en la lucha por los derechos civiles.

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B-CURIOUS · MÚSICA

talento belleza &

TRAEMOS A NUESTRAS PÁGINAS A DIEZ AUTORAS CONTEMPORÁNEAS CON UN DENOMINADOR COMÚN: ALTAMENTE ATRACTIVAS Y BELLAS Y, POR ENCIMA DE TODO, CON GRANDES DOSIS DE TALENTO COMO INTÉRPRETES, COMPOSITORAS, PRODUCTORAS O ARREGLISTAS.

NICOLE ATKINS MONDO AMORE (Razor & Tie. 2011)

OH LAND OH LAND (Sony Music. 2011)

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l pop electrónico de genética ambient tiene en la danesa Oh Land una nueva abanderada. Tras un debut frío en la forma, experimental en el concepto y minimalista en la ejecución (Fauna, 2008), Nanna Øland se rodea de la élite del viejo continente para dar forma al núcleo central de su nueva propuesta homónima. Dan Carey (Sia, La Roux, Franz Ferdinand) y Dave McCracken (Beyoncé, Depeche Mode, Natalie Imbruglia) orquestan de manera soberbia una propuesta de fácil digestión, no por ello exenta de cierta innovación. A través de los once temas del álbum la rubísima cantante demuestra con creces dulzura, y si bien parece bastante cómoda con los cortes más juguetones del repertorio (Voodoo, Human, Son Of A Gun,

LAS CLAVES DEL ÉXITO

EN UNA INDUSTRIA DOMINADA

POR MUJERES B.SIDE | OTOÑO 2011

White Nights), es en las composiciones más profundas y oscuras -dentro de la oscuridad que permite el género-en las que su propuestas ta adquiere tintes de excelencia: Lean, Wolf & I, Perfection, Rainbow… este es un trabajo de contrastes apto para todo tipo de paladares, que superará holgadamente el corte de los más sibaritas. JESÚS ROMÁN

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ras recuperar el muro de sonido de Phil Spector, melodías a lo Roy Orbison y lo mejor de los grupos de chicas con su espléndido debut, Neptune City (Columbia, 2007), Nicole Atkins volvió a fijarse en los 50 y 60, sólo que variando sensiblemente su enfoque. El pop/rock vuelve a ser su campo de acción, auque introduce elementos de psicodelia, country, blues, folk y, como sorpresa, una pieza pseudopunk, You Come To Me. Tampoco abandona del todo sus baladas nostálgicas de intensa emotividad, pero se aprecia su loable voluntad de alejarse de la fórmula de su precedente trabajo. Para lograr ese objetivo, ayuda la colaboración en cuatro de los cortes de Robert Harrison, entre ellos el sobresaliente soul-pop de Cry Cry Cry, y el dúo con Yim Yames en War Is Hell, una de esas baladas que revelan el talento de Atkins. Ahora bien, el gran aliciente de su música sigue siendo su interpretación vocal, esa expresiva y poderosa voz que con el tiempo seguramente se convierta en su principal seña de identidad. SANTIAGO TADEO


JULIA STONE THE MEMORY MACHINE (Pias. 2010)

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ras presentar dos estimables álbumes junto a su hermano Angus, A Book Like This (EMI, 2007) y Down The Way (EMI, 2010), la australiana Julia Stone vio finalmente en las tiendas su álbum debut en solitario. Lo había grabado el 2008, en Nueva York, pero tardó casi dos años en ver la luz por uno de esos misterios de la industria musical. The Memory Machine desarolla el mismo tipo de folk de domingo lluvioso que conocemos de las grabaciones junto a su hermano, de modo que esta obra quizá

decepcione a los que esperasen algún tipo de variación. Exhibe idéntica facilidad para crear canciones encantadoras y su voz, a falta de unas letras algo más estimulantes, sigue siendo el principal atractivo del álbum. Y sí, se echa de menos el contrapunto que suele ofrecer Angus, pero el resultado es sólido en líneas generales. Eso sí, por mucho que el diseño del librito y de las carátulas delantera y trasera imite la estética de los films de terror de serie B, la música es tan inofensiva como de costumbre. SANTIAGO TADEO

NERINA PALLOT YEAR OF THE WOLF (Geffen Records. 2011)

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ompositora de vocación, la británica Nerina Pallot acumula cuatro largos con este Year Of The Wolf que nos ocupa y una década de experiencia que comenzó en la misma discográfica que hoy apoya sus decisiones y que se vio forzada a abandonar tras su debut. El camino no ha sido fácil, más cuando la londinense defiende su estilo hasta el punto de rechazar la ayuda de Rick Nowels, Rob Davis o Linda Perry, perfectos anfitriones para el pop mainstream pata negra. Pues bien, tras éxitos moderados con sellos indies, “co-workings” para trabajos como el Aphrodite de Kylie Minogue y un embarazo que vio nacer a su hijo Wolfie a finales del pasado año, Nerina se deja la piel en

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once cortes con fuerte carga emocional a medio camino entre el folk, el pop de tradición inglesa o el soul más almibarado. Bernard Butler y Andy Chatterley (esposo de la cantante y padre de su retoño) la acompañan en las tareas de producción, colocando con cierta comodidad este Year Of The Wolf entre los álbumes del año, aunque para ello tenga que competir de manera directa con 21. Siendo, cabe remarcar, un albúm mucho más colorista aunque ciertamente menos contundente que el de Adele. A destacar el impresionante primer single, Put Your Hands Up. JESÚS ROMÁN


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AGNES OBEL PHILHARMONICS (Pias. 2010)

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na obra que bebe de PJ Harvey y Joni Mitchel tanto como de Eric Satie y Claude Debussy, y que posee ese fascinante minimalismo de las grabaciones en solitario de Bugge Wesseltoft. Así de inclasificable es el debut de Agnes Obel, artista danesa que grabó una personalísima música de extraordinaria sensibilidad. Melodías sencillas, arreglos reducidos a la esencia y con sabor camerístico, y una de esas voces nacidas para seducir a críticos y melómanos. Crea sus piezas al piano, cuando se

le ocurre una letra, que además suele ser interesante, la canta, cuando no, se queda como instrumental, y en ambos casos el resultado es de una extraña pero magnética belleza. Una suerte de pop/rock de estética folk sin ser exactamente ninguna de las dos cosas, que atrae desde la primera escucha, pero que requiere de cierta paciencia y atención para ser apreciado como merece. Afortunadamente, Just So fue seleccionada para un anuncio, impulsando así sus ventas: hubiera sido una pena que este debut pasase desapercibido. SANTIAGO TADEO

GRETCHEN PARLATO THE LOST AND FOUND (Obliqsound Records. 2011)

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ara una gran mayoría, el nombre de Gretchen Parlato puede resultar totalmente desconocido. Para la escena jazzística no lo es. Fue la primera vocalista en formar parte del programa del Thelonious Monk Institute of Jazz, y ha sido cantante de sesión en más de medio centenar de proyectos, entre ellos los dos últimos álbumes de Esperanza Spalding. No resulta extraño que esta última salga a relucir, estando como está

a la vanguardia del jazz con tintes latin. Es precisamente en ese registro sonoro en el que Parlato se mueve con soltura, compartiendo con la ganadora del Grammy su delicadeza, una tímbrica bastante similar y una fijación por la guitarra acústica, la percusión sincopada y las líneas de bajo con fuerte presencia. Con The Lost And Found sigue desarrollando su identidad clásica, más aún que con su anterior propuesta In A Dream, siempre partiendo

de esa base intimista que explota hasta la extenuación en pistas como Better Than, Henya o el luminoso Holding Back The Years. Indispensable. JESÚS ROMÁN

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LYKKE LI BREAKING IT UP (LL Recordings. 2011)

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u debut, Youth Novels (LL Recordings), fue una de las más gratas sorpresas del 2008 en la escena pop/ rock internacional. La joven artista sueca, que grabó esos primeros temas antes de cumplir los 20, exhibió una arrebatadora efervescencia juvenil acompañada por ritmos electrónicos y un tema para la

posteridad, el memorable Little Bit. Tres años después presentó este segundo trabajo, en el que se esforzó por escapar de la imagen post-adolescente transmitida en su debut. Breaking It Up sí es una obra más madura, aunque en esencia proponga el mismo tipo de pop/rock de estética electrónica. Lo grabó en Los Angeles, pero hasta el estudio se llevó la oscuridad y melancolía escandinava

que ya conocíamos, de modo que los temas son, salvo excepciones, una sucesión de desamores y desesperanzas. Ejemplo: Sadness Is A Blessing, declaración de intenciones en la que canta la siguiente frase: "Sadness is my boyfriend". Por otra parte, los arreglos y la producción vuelven a ser cosa de Björn Yttling (Peter Bjorn And John), que realiza un excelente trabajo. SANTIAGO TADEO

LAUREN PRITCHARD WASTED IN JACKSON (Universal Island. 2011)

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os permitimos recuperar la ópera prima de Lauren Pritchard, de la que se cumple ahora un año, ya que se trata de una de esas cada vez más raras ocasiones en las que un debutante despacha un material compacto, en el que arreglos, composiciones y producción en conjunto desprenden autenticidad. En homenaje a su Jackson natal (que poco echa de menos a tenor del corte que da título al álbum) Lauren coproduce esta primera incursión discográfica con el omnipresente Eg White, experto en el pop más orgánico de corte negroide. Cita Pritchard entre sus influencias a Billy Joel o Al Green, y sin ser la más avezada de las vocalistas, combina aceptablemente el R&B más clásico con el pop acústico y el folk de acento sureño. Siempre dejando lugar a la experimentación y

demostrando su alta capacidad interpretativa. El contrapunto, sin contar alguna rareza como Hanging Up o I Hope It’s You, Wasted in Jackson resulta algo previsible. Atentos a la homóloga femenina de James Morrison, porque parece tener bastante que contar. JESÚS ROMÁN


B-CURIOUS · MÚSICA

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KEREN ANN 101 (EMI Music. 2011)

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uede parecer un tópico si digo que la mezcolanza cultural en la vida de Keren Ann queda reflejada en sus canciones. La israelí de sangre holandesa residente en Francia desde temprana edad ha terminado por trascender los límites de la canción de autor, tan común en el país galo y tan cercana también a sus comienzos. Aunque es cierto que el folk sigue teniendo una fuerte presencia en 101, grabado a caballo entre Nueva York, Tel AViv y París, y que las guitarras sostienen el

grueso de los arreglos, se nota, a diferencia de anteriores proyectos, una influencia del pop/rock inglés de los 60 (Sugar Mama), el tango francés (Blood On My Hands) y hasta la electrónica más elegante (My Name Is Trouble). Por lo demás, poca novedad en el frente; suaves melodías, punteos de guitarra cercanos al blues y el folk sureño, orquestaciones y arreglos corales tan delicados como la propia línea melódica principal que hacen las veces de señas de identidad de la compositora y productora.

All The Beautiful Girls canta ella, pero no todas tienen la capacidad de despachar uno de los discos de escucha obligada en lo que va de año… JESÚS ROMÁN

LENKA TWO (Epic Records. 2011)

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zucarado hasta empalagar en más de un momento; melodías peligrosamente pegadizas; letras entre infantiles, ingenuas e inofensivas; arreglos que has escuchado miles de veces; y una voz que puede resultarte tan encantadora como anodina. Esos son los ingredientes de Two, segundo álbum de Lenka, que repite el mismo acercamiento comercial y tremendamente accesible al pop/rock que hizo de su debut homónimo uno de los éxitos del 2008. No es aquí donde hay que buscar el futuro del pop, ni una música artísticamente osada, ni ningún tipo de experimentación. Ahora bien, para reconciliarse con el pop/rock comercial sí es una buena recomendación, pues no es vulgar ni obvio y los arreglos

al menos sí muestran algo de imaginación y riqueza en ciertos cortes. Tampoco es Lenka una artista que brille por su personalidad, pero hay que reconocerle su capacidad para crear piezas redondas de pop y estribillos que te llevas pegados una buena temporada. En ocasiones no hace falta más para pasar un rato entretenido. SANTIAGO TADEO

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B-ALIVE · MÚSICA // CRÓNICA

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James

Morrison SALA COLONIAL NORTE, MADRID

TEXTO

DAVID VIDAL SANS

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principios del mes de Octubre, James Morrison visitaba Madrid para ofrecer un concierto de presentación de su disco The Awakening ante la prensa y un reducido público que había conseguido sus entradas gracias a una emisora de radio, patrocinadora del evento. El británico cantó varios de los temas incluidos en su tercer trabajo con el cual ha sido número 1 de ventas en Reino Unido durante dos semanas consecutivas. Un disco producido por Bernard Butler, responsable del álbum debut de Duffy, RockFerry; algo que puede apreciarse en The Awakening por su sonido pop/rock con toques de soul y una pincelada de country. La sala Colonial Norte se quedó pequeña ante la presencia y la voz del británico, que saludando en español con un tímido "buenas noches", dio comienzo al recital con Six Weeks e In My Dreams, los dos primeros temas de su actual trabajo. Tras ellos llegó el turno de I Won't Let You Go, el primer single, con el ha estado varias semanas en el Top10 británico. Acompañado de un bajo, un teclista y dos bellas coristas, James dio paso a Up, uno de los más aplaudidos, una balada que en su versión de estudio canta junto a la también británica Jessie J. Un segundo single con posibilidades de convertirse en un nuevo Broken Strings, sencillo de mayor éxito del cantante y compositor en el que le acompañaba la canadiense Nelly Furtado en 2008.

QUINTO ÁLBUM DE LA BANDA BRITÁNICA, QUE LES TRAE DE GIRA A NUESTRO PAÍS EN DICIEMBRE

Mientras afinaba la guitarra en un improvisado descanso, James presentó su corte favorito del álbum, Slave To The Music, una canción inspirada en Michael Jackson, según contó a los asistentes. "Quería un tema funk, uptempo, con ritmo, algo que hubiera cantado Michael", explicó. Esta es, de hecho, la pista más potente y sorprendente de The Awakening, predominado por baladas y mediotiempos cuyas letras vienen marcadas por la reciente muerte de su padre y que ha dado como resultado temas sobrios y llenos de melancolía como Person I Should Have Been o One Life. Tras esta enérgica presentación, el cantautor retrocedió en el tiempo hasta su

primer trabajo para ofrecernos You Give Me Everything, con el que se dio a conocer hace cinco años y que le abrió las puertas a su país y a toda Europa. Antes de despedirse con Nothing Ever Hurt Like You, mezclada con el clásico I Heard Through The Grapevine popularizado por Marvin Gaye y perteneciente a su anterior trabajo, agradeció a los asistentes el cariño recibido y nos invitó a verle de nuevo en marzo, cuando volverá a nuestro país para presentar sus temas en directo en Razzamataz en Barcelona (24) y en la Sala La Riviera de Madrid (25), donde seguro nos conquistará con su carisma, sus letras y sobretodo su raspada y característica voz.

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Laura

Marling E

n los últimos años hemos vivido en el panoa una artista más completa, sin ataduras comerciarama musical de nuestro país un constante les y despojada de la ingenuidad propia de su edad. crecimiento de la figura femenina como canTemas como The muse, muestran la amplitud del hotautora con tendencia al folk. Puede parecer algo rizonte musical de la artista, pues se nota un acercanuevo aquí, pero en el resto de países anglófonos es miento al jazz y, el hecho de que sea la canción que algo en continuo crecimiento, con emergentes figuabre el álbum, dice mucho de las intenciones que ras como la de Cat Power o Feist y la permanente puede perseguir en futuras entregas. Piezas como influencia de las grandes damas americanas como Don’t ask me why o Salinas, son un claro ejemplo del Lucinda Williams o Patty universo folk en el que tan Griffin entre otras. En el grubien se mueve la cantante. "ESTAMOS ANTE ALGO po de nuevas cantautoras Laura Marling da gran imporMÁS QUE UNA PROMESA, aparece la británica Laura tancia a la interpretación de las NOS ENCONTRAMOS CON Marling que, aunque en ciercomposiciones y el protagoUNA ARTISTA DE GRAN ta medida deja algo de lado el nismo que quiere dar a su voz, TALENTO, MOSTRANDO LA country para adentrarse más se percibe constantemente DISCONFORMIDAD CON EL en el pop inglés, mantiene la gracias a la manera en que enESTANCAMIENTO CREATIVO esencia del sonido de corvuelve canciones más desnuQUE SE PUEDE TENER UNA VEZ te acústico y las trabajadas das o minimalistas como Night CONOCIDO EL ÉXITO" letras de sus predecesoras. after night o Rest in the bed. La apabullante juventud de Marling, con sólo 21 años, Estamos ante algo más que una promesa, nos enconno indica que sea una recién llegada en esto de la mútramos con una artista de gran talento que, paso a sica, pues acaba de editar su tercer trabajo discográfipaso, va trazando las líneas maestras de lo que será su co. Tras su prometedor debut Alas, I cannot swim y cancionero, mostrando la variedad de registros que un segundo álbum de clara evolución y camino hacia puede llegar a abarcar y la disconformidad con el esla madurez como fue I speak because I can, ahora tancamiento creativo que se puede tener una vez collega A creature I don’t know, un disco en el que, nocido el éxito. Está en el camino correcto, pero ahora siguiendo la línea del anterior, se empieza a vislumbrar debe intentar no desviarse de él. JAVIER DECIMAVILLA

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B-CRITIC · MÚSICA

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DESTACADOS

M

ucho han dado que hablar las estrategias de lanzamiento que, en los últimos años, han adquirido grupos como Radiohead o, más recientemente, Kaiser Chiefs para presentar sus discos. En tiempos de escasas ventas, ejemplos como estos se vuelven, en algunos casos, necesarios aunque sólo sea como simple llamada de atención hacia sus nuevos trabajos. En el caso de la banda de Leeds la novedad radica en que cada comprador del disco puede elegir los diez temas que prefiera de entre los veinte que propone el grupo. Es comprensible que este álbum, lo componen en realidad las veinte canciones propuestas, al margen de las elecciones personales de cada uno. Aparentemente The Future Is Medieval se ha concebido desde el principio como un paso adelante dentro de la carrera del grupo, pretendiendo dar el salto de madurez que se han exigido a sí mismos después de tres discos de éxito. A priori parecen querer alejarse del sonido más juvenil y gamberro de sus anteriores

entregas, si bien es apreciable que sus señas de identidad permanecen intactas fomentando ahora otras vertientes musicales más elaboradas y profundas. Se aprecian influencias claras en un gran número de las nuevas canciones de Kaiser Chiefs, lo que no hace más que evidenciar lo ambicioso del proyecto, aunque en muchos momentos la excesiva variedad e innovación intencionada es tal que se pierde el concepto de disco como tal. Hay temas guitarreros, coqueteos electrónicos, baladas acústicas o canciones puramente “brit”. Aun así pueden resaltar algunos cortes como When All Is Quiet, Stars With Nothing, Heard it Break o If You Will Have Me. Conviene reconocer el esfuerzo de ofrecer un producto novedoso tanto en forma como en contenido, pero si cogemos el álbum como la unión de las veinte canciones expuestas, éste se vuelve demasiado largo, difuso y, tan ecléctico que en ocasiones se vuelve algo monótono. Realmente el objetivo perseguido por el quinteto no llega a concretarse, pues este no

KAISER CHIEFS

revisar dicho estilo y demostrar su más que contrastado talento, el artista nacido en Knoxville ha regresado en 2011 con una nueva entrega bajo el brazo que no hace más que confirmar la opinión formada que se ha ido teniendo de él. No resulta fácil en la actualidad realizar álbumes con los que volver a los años 50 o 60 sin sonar anticuado o excesivamente nostálgico, pero cuando se consigue, parece un soplo de aire fresco dentro del panorama musical de hoy en día. The man that time forgot suena a rockabilly, a country, a swing y a todo aquello que nos pueda remitir a la América de mediados del siglo pasado. Conecta directamente con mitos como Chuck Berry, Bo Diddley o Buddy Holly y acerca al oyente la estructura sonora de una de las épocas doradas de la historia de la música. En este nuevo trabajo John Paul Keith se presenta tal cual, sin la impronta del de su banda para, según palabras del propio artista, simplificar la imagen y ser fiel a sí

mismo. Se trata de un álbum de escasa duración, apenas 34 minutos distribuidos en 12 cortes, lo que habla una vez más de lo rotundo y lo sincero de la propuesta. Canciones cortas y directas, con patrones sonoros sencillos, como mandan los cánones del rock & roll puro. Estamos hablando de un músico singular, elegante, preciso. Un rocker del siglo XXI que no desmerece lo más mínimo a ninguna de las leyendas que salpican sus composiciones a modo de influencias. Caminando por la senda de lo clásico, el artista demuestra con apabullante actitud, que la recuperación de las raíces norteamericanas no es dar marcha atrás en la evolución de la música popular, sino que es un paso más dentro de la cultura propia del país. Se percibe la pasión y dedicación con que trabaja el de Tennessee en cada una de las notas, porque ante todo, John Paul Keith es un hombre que vive por y para la música, un enamorado de su profesión, ajeno a modas y superficialidades. JAVIER DECIMAVILLA

THE FUTURE IS MEDIEVAL (Polydor/Universal Music. 2011)

es el álbum de madurez que todo grupo de rock debe tener. Seguirán intentándolo con mayor o menor fortuna, pero no parece que el exceso de temas y de registros sea el camino a seguir. JAVIER DECIMAVILLA

JOHN PAUL KEITH

THE MAN THAT TIME FORGOT (Big Legal Mess/Fat Possum. 2011)

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ace dos años debutaba en el mundo discográfico John Paul Keith junto a su banda The One Four Fives con el soberbio disco Spills and thrills, en el que recuperaba gran parte del sonido clásico del Rock & Roll americano. Tras

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ILUSTRACIÓN

LUIS BERRENDERO

TEXTO Y DISEÑO

JESÚS ROMÁN


B-CURIOUS · MÚSICA

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© BRYAN ADAMS

M

ucho se ha escrito de una de las últimas damas de la canción negra, mucho y bastante mal. Porque si de algo se encargó la prensa más amarillista es de recrearse en los vicios, idas y venidas de una figura pública torturada por su propia fama; consumida por unas inseguridades que hacían de ella un blanco fácil para el morbo gratuito, una mina para el sensacionalismo. Amy Winehouse era la gallina de los huevos de oro dentro y fuera de los escenarios. Sus portadas en tabloides y revistas se cotizaban al alza, sus conciertos eran de obligada asistencia –aunque solo fuera para contemplar su decadencia- y la venta de sus discos se contaba por millones. Aquella chiquilla tímida de origen judío y prodigiosa garganta de la que un día se empezó a hablar en los pasillos y despachos de las más importantes casas discográficas, nunca dejó de ser un alma perdida, que pasó de trastornos alimenticios a problemas de dependencia de determinadas sustancias ilegales, llevándola

a protagonizar escenas de lo más dantescas a lo largo de este último quinquenio. A pesar de que su imagen evolucionara hasta el punto de convertirse en icono mediático, mezclando la irreverencia más rockera con la sofisticación 50’s del jazz, su música siempre llevaba implícita la fragilidad de la joven británica. De su ópera prima Frank (2003) al archiconocido Back To Black (2006) que la catapultó definitivamente al estrellato y le valió cinco premios Grammy entre otras muchas distinciones, discurren años de graves problemas personales que dejaron en los anales de la industria joyas como Rehab o You I’m No Good; ya se encargó ella misma de advertirlo en infinidad de ocasiones como epitafio premonitorio: “I told you I was trouble…” El pasado mes de Julio conmocionaba al mundo la noticia de su fallecimiento a los 27 años de edad, como ya lo hicieran las igualmente tempranas muertes de Jim Morrison, Janis Joplin, Kurt Cobain y Jimi Hendrix. Y la que había sido durante cinco años el bufón oficial del mundillo musical por su falta de condescendencia

(cancelaciones de giras, borracheras públicas, declaraciones poco afortunadas, problemas con la justicia…) mientras Back To Black se convertía en el disco más vendido del siglo en su Reino Unido natal, pasaba a ser despedida con los honores que parecían habérsele negado

UNA DE LAS ÚLTIMAS INSTANTÁNEAS DE AMY PARA SU COLECCIÓN CON

FRED PERRY

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B-CURIOUS · MÚSIVA

constantemente por culpa de la mala prensa. El mundo entero decía adiós a la Winehouse como uno de los más grandes músicos que ha conocido nuestra historia más reciente. Tras de sí, un buen puñado de canciones con reminiscencias del jazz clásico, del soul más complejo y del rhythm and blues más sucio. La diva del moño perpetuo y los grandísimos ojos verdes bebía de las raíces y llevaba el blues en la voz… de ahí que las comparaciones con Sarah Vaughan o Nina Simone fueran prácticamente inevitables. Siempre fue y será recordada como un tremendo animal escénico.

Siempre fue y será recordada por ser diferente. Y es por ello que hace tres meses la industria del disco lloraba tan amargamente su rápida partida, escasos como estamos de productos reales –obviando por descontado que los beneficios de su corta pero intensa carrera fueron aplastantes-. Cierto es que los compromisos contractuales parecieron importar mucho más que la salud de la cantante y compositora londinense y cierto es que se seguirá explotando hasta la saciedad su nombre y su talento. Pero no es menos cierto que Amy Winehouse ha escrito por méritos propios su nombre en el olimpo de los más grandes. Descansa en paz por siempre pequeña Amy.

FRANK (Universal Island R. 2003)

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esultaba poco predecible lo que sobrevendría a la artista inglesa años después en el momento de publicar su debut Frank, cuyo título era un claro homenaje a la figura de Frank Sinatra. Por entonces la vocalista coqueteaba con el soul, con el jazz e incluso con el garage británico tan en voga en aquel momento, sin llegar a casarse con ninguno de los géneros. Se dejaba ver como una especie de crooner políticamente incorrecto que junto a Salaam Remi o Commisioner Gordon consiguió despachar un producto fresco (no muy alejado de lo que su compatriota Miss Dynamite propuso el año anterior) partiendo de una base estilística bastante clásica. Buen ejemplo de ello dan temas como Take The Box, un más que urbano In My Bed, o el sentido What Is It About Men; mientras que en el terreno más purista encajaba cortes como (There Is) No Greater Love o I Heard Love is Blind. Sin duda un prometedor comienzo de carrera que no pasó desapercibido. Lo mejor estaba por llegar.

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BACK TO BLACK (Universal Island R. 2006)

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egundas partes nunca fueron buenas. No para Amy Winehouse. Con Rehab se desató la histeria; Amy decía hola a su imagen de diva venida a menos, y arropada por metales, percusiones reales y líneas de bajo cargadas de groove le gritaba al mundo que ella tenía la sartén por el mango. Ser una mujer de armas tomar terminó por convencer al público que arropó su Back To Black de tal manera que hasta los pilares de la industria se tambalearon, dando paso a un revival soulero en la escena mainstream que no hubiera sido posible sin un personaje de tamaña actitud. Me And Mr. Jones, Back To Black, Tears Dry On Their Own, Some Unholy war, Love Is A Losing Game… un repertorio breve pero perfectamente orquestado al 50% entre Mark Ronson y Salaam Remi que se ha prolongado hasta el momento de su fallecimiento y que durará tanto como su memoria, es decir, por siempre.


© BRYAN ADAMS


KatyB K

aty B ha revolucionado ella solita el panorama musical británico. ¿Su propuesta? Un poco de dubstep, algo de garage con pizcas de house y electrónica y una base musical claramente R&B. Aunque esta mezcla puede parecer un tanto extraña, el resultado es único y le ha servido para colocar varios singles en el “top ten” de la lista británica y su álbum en el #2. Desde sus inicios ha trabajado con algunos de los artistas más importantes de la escena electrónica (Ms. Dynamite, Geeneus, Zinc, DJ Fresh o Todd Edwards) habiendo conseguido ya un –merecido- nombre propio. El dubstep es un estilo musical prácticamente desconocido fuera del Reino Unido; sin embargo, parece que Katy B es la nueva abanderada del género tras otros como Big Chocolat, Kevin Martin o Caspa. Este estilo tan peculiar nació en Londres hace poco más de diez

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años y ahora está en pleno auge (solo hace falta echar un vistazo a las listas de ventas británicas). Lights On es seguramente su tema insignia y el que resume a la perfección su sonido único. Diferente, atrevido y pegadizo. Y es que la música británica está de moda. Lejos de quedar eclipsada por grandes estrellas como Adele, Leona Lewis o Jessie J, Katy B se ha hecho un pequeño gran hueco en la escena más alternativa. En ningún momento sientes que la música de esta joven inglesa sea prefabricada, y hoy en día eso no es tan fácil de encontrar. Tal ha sido el éxito de la joven londinense que ha sido una seleccionada para interpretar uno de los temas oficiales de las olimpiadas del próximo año que se celebrarán en su ciudad natal, uniendo fuerzas con el reconocidísimo DJ y productor Mark Ronson. Una mezcla explosiva.

Habrá que esperar a su segundo disco para saber si realmente ha venido para quedarse, aunque el hecho de que tres de sus cuatro singles hayan conquistado lo más alto de las listas inglesas dice mucho de su futuro. De seguir por este camino tenemos Katy B para años. DANIEL VALLS-HALLING


B-CRITIC · BREVES MÚSICA

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LUCINDA WILLIAMS BLESSED (Lost Highway. 2011)

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i hay alguien a quien la madurez y el paso del tiempo sientan bien y no merma un ápice de su talento musical, ésa es Lucinda Williams. La cantautora de Louisiana se muestra disco tras disco como el paradigma de la América más tradicional y rural, la que permanece en el imaginario colectivo rodeada de carreteras secundarias y áridos parajes, la que se muestra orgullosa de su cultura. Con Blessed, Lucinda vuelve a demostrar que es en el terreno de la melancolía donde mejor se desenvuelve. Una voz rota que canta letras llenas de honestidad para enfrentarse a los momentos más difíciles que arrastra la vida en la cara menos amable de Estados Unidos. Es en este contexto donde se desarrolla el último álbum de la veterana artista, donde los sonidos más acústicos relatan con cierta crudeza la experiencia de vivir, pero se mantienen diversas puertas abiertas a la esperanza y el optimismo. Lucinda Williams ha elaborado un gran disco, quizás su mejor trabajo de los últimos años y el menos autobiográfico según palabras de la propia autora, donde las canciones, vídeos y fotografías muestran que se trata de una obra a corazón abierto, mirando directamente a los ojos del que se acerque a ella. JAVIER DECIMAVILLA

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a cantante y compositora americana Maya Azucena regresa con su nuevo disco Cry Love. Con su peculiar frescura y característico afán por concienciar y sensibilizar a la sociedad a través de su música, la artista transmite especial preocupación por la humanidad, con mensajes de esperanza, justicia, amor y autoconfianza en una atrevida y personal combinación de nusoul, hip hop e incluso dancehall. La producción ejecutiva ha estado a cargo de Christian Ver Halen, habitual colaborador tanto en la composición de sus canciones como guitarrista de su banda “The Rooftop”.

MAYA AZUCENA

CRY LOVE (Azucena Songs. 2011)

El álbum, de once cortes, comienza con una producción de Pete Miser que da título al CD y las canciones se suceden como una alternancia de intenciones de lucha y emoción. Así, encontramos temas de gran intensidad como los potentes The half o Warriors (cuyo video está nominado al mejor video musical en Williamsburg International Film Festival gracias a la producción de Fabrika Pro) y la suavidad de Near o la versión de la preciosa Little guetto boy, de Donny Hathaway, junto al cantante y pianista Chris Rob como broche final. MIRA CIRERA

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B-CURIOUS · MÚSICA

Cold PLAY CUANDO SE PRESENTÓ EVERY TEARDROP IS A WATERFALL COMO ADELANTO DEL NUEVO LANZAMIENTO DISCOGRÁFICO DE COLDPLAY, LAS OPINIONES Y SENSACIONES FUERON MUY VARIADAS, DESDE LA CRÍTICA MÁS FEROZ POR UTILIZAR LA BASE DE RITMO DE LA NOCHE Y ARGUMENTAR ASÍ UNA FALTA TOTAL DE CREATIVIDAD, HASTA EL ELOGIO A LA VALENTÍA QUE SUPONE COGER UN TEMA TAN CONOCIDO Y CONVERTIRLO EN UN SINGLE AL MÁS PURO ESTILO DE LA BANDA BRITÁNICA.

PORTADA DE MYLO XYLOTO, QUINTO TRABAJO DE LA BANDA BRITÁNICA

B.SIDE | OTOÑO 2011

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medida que pasan los años, Coldplay han ido perdiendo algo de espontaneidad y autenticidad en sus propuestas, pero a cambio han ganado efectividad comercial y conocimiento total del negocio. Se han convertido en una banda de pop de estadio gracias a la repetición de una fórmula más que efectiva. Mylo Xyloto es el quinto álbum de la banda y el segundo a las órdenes del productor Brian Eno, tras el exitoso Viva La Vida Or Death And All His Friends. En él se mantienen las señas de identidad propias del grupo inglés. Se trata de un graffiti sonoro donde adquieren gran protagonismo las pegadizas melodías y estribillos coreables, así como el característico y personal teclado que acompaña gran número de cortes como Paradise o Charlie Brown, todo ello guiado con pulso firme por el carisma de Chris Martin y su contagiosa voz. También hay cortes que recuerdan al sonido de sus comienzos como el intimista Us against the World, pero no es éste el sonido que domina el álbum, sino más bien todo lo contrario, lo mainstream aparece continuamente en cada corte, claro ejemplo de ello es Princess of China, cantada a dúo con Rihanna. Los londinenses se mueven continuamente entre el odio y la devoción hacia su música y es precisamente en ese terreno en el que mejor se desenvuelven. Para bien o para mal la evolución de Coldplay es clara, de la melancolía en su debut Parachutes han avanzado hasta el apabullante optimismo en sus dos últimos discos. Puede que tanta alegría y colorido saque de quicio a muchos de sus primeros seguidores, pero han conseguido llegar a la primera línea de la música popular con un sonido propio y continúan ganando adeptos a su causa. Mylo Xyloto no es más que pop comercial de impecable factura, con un buen número de hits en potencia pero escasa repercusión artística. JAVIER DECIMAVILLA


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VERÓNICA

FERREIRO


B-FAMOUS · ENTREVISTA

SUENA UN BREVE PASAJE DE LAIO, EL TEMA QUE ABRE EL DEBUT DE NUESTRA PROTAGONISTA. PULSO EL BOTÓN DE PAUSA PERO ECHO A ANDAR LA MEMORIA. HA LLOVIDO BASTANTE DESDE LA PRIMERA VEZ QUE TUVE EL PLACER DE VERLA EN DIRECTO, NO RECUERDO BIEN SI EN EL JUNCO, LA TEMPO, O ALGÚN OTRO DE LOS TEMPLOS NEGROIDES DE NUESTRA QUERIDA CAPITAL. ELLA, LA MUJER DE LA SONRISA PERPETUA, TAN GALLEGA DE CORAZÓN COMO DE ACTITUD (NO SE ME OFENDAN LOS GALLEGUIÑOS, LO DIGO EN EL MEJOR DE LOS SENTIDOS), HA CONSEGUIDO AL FIN MATERIALIZAR SU PRIMER ÁLBUM. Y LOS QUE LA CONOCEMOS Y ADMIRAMOS SABEMOS BIEN LO QUE ESO SIGNIFICA… DICE LA FERREIRO QUE “LAIO SON RAÍCES, CULTURA, NOSTALGIA…” YO DIGO MÁS, LAIO ES EL CAMINO DE BALDOSAS AMARILLAS POR EL QUE VIMOS CORRETEAR A JUDY GARLAND, UN CAMINO HACIA LOS SUEÑOS. E INSISTO, SABEMOS BIEN LO QUE ESO SIGNIFICA, QUE A ESTA ARTISTA MULTIDISCIPLINAR YA NO HAY QUIEN LA PARE. SONRÍO Y VUELVO A PULSAR EL BOTÓN DE “PLAY”… POR

JESÚS ROMÁN

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En el libreto del disco defines LAIO, entre otras acepciones, como “raíces”; y ciertamente es música de raíz, pero si tuvieras que resumir el proceso de creación de este proyecto en una sola palabra, ¿Cuál sería y por qué? Intenso. Porque hemos visto crecer algo desde los inicios, pasando por todas sus etapas y formando parte activa en cada parte del proceso, y eso implica muchas horas, mucha energía, mucho de nosotros mismos. Ver evolucionar un proyecto creado "con tus propias manos" es muy intenso, y eso, no tiene precio.

vendrá solo. De cualquier forma, hay que estar al servicio de las canciones, hay que escuchar lo que piden. A priori, es muy difícil imaginar gospel en español, flamenco en inglés o soul en rumano… Sobre todo porque son géneros populares y van unidos a una cultura, a una sociedad determinada. Creo que el secreto está en buscar aquello que nos distingue, lo que nos hace "ser verdaderos", sea en inglés o en chino. Y si quieres componer en español, tratar de ser t más tus influencias, no tus influencias y luego tú…es mucho más arriesgado.

¿Por qué ha llevado tanto tiempo que este proyecto vea la luz? No contar el apoyo de una multi, ¿Es más un lastre o una oportunidad? Han intervenido varios factores. Por supuesto que no contar con un respaldo discográfico supone un lastre al principio porque implica autofinanciarse y autogestionarse todo y eso, como dije antes, requiere mucho tiempo y esfuerzo. Dependes de muchas cosas para poder tirar adelante con todo el proceso. Pero a la larga, se ha convertido en una verdadera oportunidad. Poder dedicarle el tiempo que deseas a componer, juntarse con la banda a escuchar música, a simplemente "convivir"; elegir cada arreglo, darle tiempo a las canciones para que respiren y sepas lo que necesitan… el camino y el aprendizaje es infinito. No digo que con una discográfica no hubiésemos podido hacerlo igual, pero quizás que nadie te ponga fechas, condiciones o límites, en definitiva expectativas, hace que el objetivo sea disfrutar del proceso por el mero placer de hacer música (al final es de lo que se trata).

LAIO está en las tiendas, ¿Cuál es el siguiente paso ahora? ¿Hay expectativas de mover el material fuera de nuestras fronteras? Pues lo más importante para nosotros ahora es tocar todo lo que podamos. Es un repertorio para ser tocado, para transformar las canciones cada concierto. Lo cierto es que a las pocas puertas que hemos llamado fuera, la respuesta ha sido impactante. Así que claro que sí, en principio no hay límites y trataremos de moverlo fuera.

Cantas en gallego, en inglés, en castellano e incluso despides el repertorio con un término alemán. ¿Aquello de que los géneros “negros” no aceptan más sonoridad que la del inglés es ya un mito? Cuando escuchas algo y te suena verdadero y natural, es decir "fluye", supongo que hay que preguntarse por qué. Claro que el idioma influye pero creo que lo más importante son los sonidos. ¡Al fin y al cabo es música! Si se consigue encontrar el equilibrio entre los sonidos que proporciona cada idioma, el ritmo natural de las frases y la melodía, lo demás

Danza y canto… ¿Nunca te picó el gusanillo de la interpretación? Hace años sí, en alguna ocasión me lo he planteado (hablando de teatro o cine), pero por alguna razón la vida y mis inquietudes artísticas me han dirigido irremediablemente hacia la música. Y lo cierto es que hoy lo agradezco porque desde que tomé esa decisión, me relaciono con mi voz de otra manera, como un instrumento más al servicio de lo que suena, del conjunto. De cualquier forma, en mi opinión tanto la danza como el canto, ¿Qué son si no mas que artes para expresarse? Interpretamos coreografías o canciones y estamos a su servicio, para poder comunicarnos con el otro. Si yo te digo Carmen Rey, tu me dices… Sólo puedo decir cosas maravillosas. Maestra, amiga, música, honestidad, generosidad... Siempre digo que cantamos/ tocamos como somos y Carmen además de ser maravillosa música/compositora/cantante es enorme como persona. Pocas personas y músicos he conocido como ella. Y recomendaros su segundo disco, Meu. (Judgad vosotros mismos).

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B-FAMOUS · ENTREVISTA

La grandeza del que cree en lo eterno de un instante es un frase extraída del octavo corte de LAIO. ¿Grabar un álbum en directo permite capturar instantes que de otra forma se perderían? Totalmente, al menos para la música más abierta. Es una apuesta por lo auténtico con lo bueno y lo malo que eso implica. Los momentos mágicos son brutales, pero también hay muchas cosas que hay que sacrificar, pequeños fallos que no se puede evitar que haya en tomas enteras. Merece la pena, sin duda. Es duro aceptarse a veces porque es la realidad sin artificios, pero eso es lo que somos… Sé que es pronto para hacer esta pregunta pero, ¿Tocarías otros géneros de cara a un nuevo proyecto? Por supuesto, claro que sí. Siempre que sienta que "me veo" en lo que suena, que es de verdad, apostaré por ello. Pero ahora toca asentarse y afianzarse en este proyecto porque hay mucho que rodar, y creo que eso nos dará respuestas y sugerencias para más adelante tener más claro qué si y qué no queremos hacer. La dirección de las cosas considero que es muy importante, por no decir lo más importante. Y para eso necesitamos "caminar", tocar y compartirlo con la gente. Siempre has citado a Rachelle Ferrell como una de tus influencias con más peso y compartes con ella el gusto por las armonías complicadas, ¿Puede llegar a ser obsesiva la búsqueda de la perfección técnica? Supongo que depende mucho de la personalidad de cada uno, de su nivel de exigencia y grado de perfeccionismo. De cualquier manera, todos los procesos de aprendizaje tienen etapas, y hasta que interiorizas ciertas cosas es muy difícil no pensar en ellas y no obsesionarse con querer tener todas las herramientas posibles para poder ser lo mejor que tus cualidades te permitan. Con los años y la experiencia se va encontrando el equilibrio. Si no, ¿Qué gracia tendría cumplir años? Mi admiración por Rachelle es por lo que me hace sentir, más allá de su grandeza vocal. Creo que posee un nivel de expresividad y una excelencia musical como pocos.

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"GRABAR UN ÁLBUM EN DIRECTO ES UNA APUESTA POR LO AUTÉNTICO, CON LO BUENO Y LO MALO QUE ESO IMPLICA. LOS MOMENTOS MÁGICOS SON BRUTALES. ES DURO ACEPTARSE A VECES PORQUE ES LA REALIDAD SIN ARTIFICIOS, PERO ES LO QUE SOMOS..."

¿Cuál crees tu que es el problema por el que propuestas algo más densas de lo habitual no terminan de llegar al público español mientras en países como Estados Unidos se premia con galardones comerciales (los Grammy, por ejemplo) a artistas como Esperanza Spalding? Simplemente es algo cultural. En España nos encanta "poner etiquetas", seguir la tendencia que crean otros y, por lo tanto, despreciar "lo nuevo". Al lado de la palabra jazz en España aparecen a menudo calificativos como minoritario, complejo, música para músicos, etc. Y aunque en parte sea cierto, creo que ahora las cosas están cambiando, que el jazz como música ha evolucionado mucho. Y prueba de ello es lo que ha sucedido con Esperanza Spalding. Ha traspasado géneros hasta incluso llegar a conseguir un Grammy, porque implica al espectador en su música independientemente de que ese espectador sea amante del jazz o no. Su música, sin ser sencilla "SUENA" sencilla, ella la hace sonar fresca. Como te decía antes, "fluye" y esa es la clave. De cualquier forma, sin ayudas es muy difícil hacer evolucionar ese tipo géneros y darle salida a los proyectos. Creo que a menudo por desconocimiento, la gente en España elige lo bueno conocido y no lo malo por conocer. Pero tengo fe y no creo que sea imposible, simplemente hay que dar con fórmulas creativas que funcionen, que aunque sean complejas musicalmente no dejen de ser comunicativas. Y ese es nuestro trabajo como

músicos y artistas. Al menos, eso hemos intentado con LAIO. Creo que es la mejor manera de contribuir a que esos géneros más densos y minoritarios dejen de serlo. ¿Qué sueños te quedan por cumplir y qué nuevos se te plantean tras la salida al mercado de este disco? Ahora mismo mi deseo es llevar nuestra música a todos los sitios posibles, compartirla con toda la gente que podamos y así sacarle el máximo partido a LAIO. Tras la salida del disco no sé qué pasará, las respuestas vendrán después, al ver cómo reaccione la gente ante nuestro trabajo. Me gusta estar en el hoy, pero si tengo que soñar para mañana, deseo que a la gente le emocione y le mueva este trabajo tanto como nos ha emocionado a nosotros hacerlo. Llevas a tus espaldas importantes giras con artistas como Ana Torroja, David Bisbal o Soraya, además de trabajar como cantante de sesión en innumerables ocasiones. ¿Qué te gusta más de esa otra faceta de tu trabajo? ¿Alguna experiencia para no olvidar durante las giras? De esa faceta me gusta prácticamente todo. ¡¡He aprendido una barbaridad!! (y sigo aprendiendo) Es un regalo poder vivir de la música en cualquiera de sus facetas. Me han dado la oportunidad de trabajar a un gran nivel, conocer, convivir y compartir enormes escenarios con grandes artistas y personas. Me ha servido y me sirve para probarme a mi misma, conocer mis límites musicales y personales. Se crece mucho porque se vive mucho y muy intensamente, y aunque es duro y agotador, te hace encontrarte con partes de ti mismo que de otra manera sería complicado. Es una gran responsabilidad estar formando parte de espectáculos tan grandes, y la capacidad de trabajo que llegas a adquirir es abrumadora. Me ha servido mucho la disciplina de la danza para esto. La capacidad de esfuerzo y sacrificio de una persona es ilimitada. Y eso lo he descubierto en muchos de estos trabajos. Experiencias para no olvidar? todas!! Cada viaje, cada conversación, cada escenario, cada persona que he conocido… todo es inolvidable.


B-FAMOUS · ENTREVISTA

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LAIO (Autoeditado. 2011)

tenor de su amplia experiencia como cantante de sesión, corista y vocal coach, era solo cuestión de tiempo que viéramos llegar a las tiendas y, lo que es más importante, a nuestros oídos, el debut discográfico de Verónica Ferreiro. Curtida en la mejor tradición jazzística, la cantante de A Coruña lucha contra etiquetas orquestando un repertorio de pura fusión en el que ritmos caribeños, soul, funk, swing e incluso pinceladas de la tradición celta y el folk se unen en perfecta armonía, proporcionándonos uno de los ejercicios musicales más complejos y valiosos que ha parido la reciente historia musical española. Verónica es una cantante de matices, con un

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vasto registro y una impecabilidad sorprendentes para su corta edad y es por ello que a través de los casi sesenta minutos de duración de LAIO, grabado en el más absoluto directo entre Madrid y Galicia, encontramos momentos de verdadera excelencia: las atmosféricas Floating Lovers y Please, Dont Fall In Love, la extremadamente sensible Stop Your Step! o esos 20, Riverside y LAIO, que hurgan sin prejuicios en los recovecos de lo uptempo… diez canciones a medio camino entre lo orgánico y lo eléctrico con sabor a improvisación jazzera que rozan la perfección técnica y van sobradas de calidad interpretiva. Recuerden bien este nombre, no se arrepentirán.

SALA CLAMORES, MADRID

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n sus más de treinta años de historia, una de las más longevas salas de conciertos de la capital, la Clamores, ha visto desfilar innumerables figuras de nivel, ahora de la escena patria, ahora de la internacional. Jazz, funk, soul, bossa… el epicentro cultural de la capital española no escatima en géneros ni artistas a la hora de ofrecer su programación. No podíamos imaginar mejor marco para que la coruñesa Verónica Ferreiro presentara su mimadísima creación, LAIO. Acompañada por su banda habitual (Rubén García a los teclados, Diego Lipnizky a la guitarra, Chuchi Crespo a la batería y Sergio Fernández al bajo y la dirección musical) y arropados por un silencio sepulcral poco habitual en las salas madrileñas, comenzaba la velada a golpe de fado, reivindicando con Lela su procedencia gallega y llevando la sensibilidad del público hasta el máximo nivel. Un tema más, Don’t Waste Your Time de Rachelle Ferrell, nos lleva directamente al comienzo del repertorio de este ambicioso debut. Con LAIO da buena cuenta de su alta capacidad para el “scat”, abriendo un primer tercio bastante cercano al jazz más enérgico, con la única excepción de Instante, seguida de un Floating Lovers de influencias latinas repleto del mejor groove y con un trabajo coral de infarto. Todo

EN LA SALA CLAMORES EL PASADO 19 DE OCTUBRE

fluye sin mayor problema, dirigiéndose el sonido hacia el R&B más “smooth”, hasta que aparece en escena la invitada de la noche, Carmen Rey, con la que interpreta casi entre lágrimas Crer. Con palabras de agradecimiento y la sonrisa del público ya en el bolsillo cierra con Please Don’t Fall In Love, en uno de los momentos más íntimos del concierto, y Lares, incrementando hasta la extenuación sonora el ritmo de la noche. Verónica y los suyos,

© WWW.TONYMADRID.COM

también en parte por el buen trabajo de los técnicos de sonido, consiguen un acabado impecable. Despedidas. Ovación más que merecida y vuelta a escena con In The Winelight de Kurt Elling. Minutos después decían adiós con la esperanza de pasear este espectáculo de nivel por la geografía española. Auf Wiedersehen canta. Yo me levanto, aplaudo. Como yo, todos los presentes. Esta ha sido, sin duda alguna, una noche mágica.

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CARTEL PONY BRAVO

© DANIEL ALONSO

Bienvenidos AL

extrarradio indie DEL

patrio

TEXTO

ADRIÁN CIUTAT


B-CURIOUS · MÚSICA

DE FORMA NATURAL Y PROGRESIVA SE HA IDO DIFERENCIANDO EL CONCEPTO DE INDIE (PESE A SER SU APÓCOPE) DEL DE INDEPENDIENTE, SIENDO ESTA DISTANCIA AÚN MAYOR EN NUESTRO PAÍS. ASÍ DE AQUELLAS BANDAS QUE CAPITANEAN LA ESCENA INDIE (VETUSTA MORLA, LOVE OF LESBIAN, LORI MEYERS, ETC…) CONOCÉIS DESDE SUS PEGADIZOS ESTRIBILLOS HASTA LOS NOMBRES DE SUS LÍDERES MIENTRAS QUE DE AQUELLAS QUE HABITAN EN LA PERIFERIA DEL INDIE VAGAMENTE OS SUENAN SUS NOMBRES. CADA UNO EN SU HÁBITAT DEBEN EXISTIR PERO CREEMOS NECESARIO ACORTAR DISTANCIAS CON AQUELLOS MÁS REMOTOS:

P

D

Pony Bravo

esde los suburbios de la zona sur tenemos el placer de presentaros a Pony Bravo. Ellos son Daniel Alonso: voz y teclados, Darío del Moral: bajo y guitarra, Pablo Peña: bajo y guitarra y Javier Rivera a la batería. Esta banda sevillana ha asimilado de manera asombrosa blues, reggae jamaicano, flamenco setentero, minimal, música etíope y americana por nombrar las influencias más notables. Tras varias demos y la publicación del EP El Miedo a Nada en 2008, aparece ese mismo año su primer larga duración Si bajo de espalda ya no me da miedo (y otras historias). En él encontrarás doce temas de sonidos fronterizos y dispares con sensación de homogeneidad, un heredado espíritu coplero, un discurso musical bilingüe, propio, cercano y en definitiva un derroche de atrevimiento que no te dejará indiferente. Pero es con su segundo disco con el que han conseguido un mayor reconocimiento de crítica y público. Un gramo de fe (El Rancho, 2010) es un trabajo con una considerable inclinación electrónica, una base rítmica cercana al krautrock y una lírica que se sirve de la ironía y el sentido del humor para la

crítica (social, económica…) y la mística andaluza. Destacar la colaboración de los catalanes Za! y la surrealista propuesta estética de los carteles de la banda a cargo de Daniel Alonso. Se trata de procesos de autograbación con licencia Creative Commons que en palabras suyas es beneficioso tanto para el oyente (accesibilidad: descarga libre, posibilidad de compartirlo) como para al artista (promoción). Esta forma de legalizar su trabajo que llaman Copyleft se ha convertido en un símbolo de la actitud de la equina agrupación. Una muy personal y acertada reivindicación de la música popular.

está formada por tan sólo dos integrantes, Papa DuPau y Spazzfrica Ehd. Su primer disco Eki Eki Eki Kazaam! data de 2006 y, pese a mantener el carácter experimental, en él predomina un hardcore en la línea de At The Drive-In. Con Macumba ó Muerte (2009) se da el verdadero pistoletazo de salida a la

improvisación y al disonante, divergente sonido de la banda. Se podrían llenar decenas de páginas intentando describir su música pero sería inconcreto y aburrido así que no lo haré, lo único verdaderamente fiel es escucharlo. Eso sí, dile adiós a moldes e ideas preconcebidas, y el que avisa no es traidor. Megaflow da nombre a su trabajo de 2011 y supone una vuelta de tuerca a su ya enrevesado sonido. Un amasijo de onomatopeyas, géneros, velocidades que conviven en un medio en principio anárquico para después revelar una cuidada estructura. Con las sucesivas escuchas la confusión inicial se traduce en gratificante euforia. Este trabajo se acompañó de un manifiesto escrito por los componentes que refleja lo estratosférico de sus límites y se puede descargar de forma gratuita en su bandcamp. Si tenéis oportunidad no os perdáis su directo. Una muestra de a qué suena la detonación de prejuicios y complejos.

ZA!

or ya haberles nombrado, desde la región noreste de la península, damos paso a Za!. El mundo y Za! se dan un sorprendentemente afectuoso abrazo en lugar del cordial apretón de manos esperado. Y es que estos catalanes mantienen, desde su nacimiento, una estrecha comunicación con la Pachamama. En su sonido Asía se asoma, África está omnipresente, suena Brasil, atrona la Norteamérica más hardcore… en su nombre también intercontinentales acepciones: unos espíritus japoneses que invocan al suicidio, una proposición muy común en polaco, una larguísima y boyante dinastía árabe… Al menos eso dicen, no te queda claro si es cierto ó lo acaban de improvisar pero con ellos todo es así. Todas estas nacionalidades definen el sonido de la banda que, tras la marcha de Der Buggamaistah a Camboya poco después de publicar su álbum de 2009,

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B-CURIOUS · MÚSICA

Bigott

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SU QUINTO ÁLBUM, THE ORIGINAL SOUNDTRACK, SE PUBLICÓ EL 25 DE OCTUBRE

Guadalupe Plata

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ablando de grandes directos nos hacemos sombra con la mano para volver a mirar al sur, en este caso hacia Úbeda. En el horizonte de un polvoriento y turbador desierto se dibujan las siluetas de Guadalupe Plata. Se trata de un trío: el chamánico guitarrista Pedro de Dios, el baterista Carlos Jimena y Paco Luis Martos, que toca una cuerda de motosierra atada a un palo de madera sujeto a un barreño que ejerce las funciones de bajo. Para encontrar su sonido estos desalmados decidieron profanar las tumbas de sus bluesmen predilectos (Hound Dog Taylor, Skip James ó Screamin’ Jay Hawkins entre otros), y preparar un caldero con un cabello de cada uno, unas cucharadas propias de su tierra natal y una pastilla concentrada de psychobilly. En 2009 publican su primer EP homónimo autogestionado en el que ya destilan su mezcla de hipnosis, obsesión y sexualidad por medio de oxidados y característicos slides de guitarra y demenciales ritmos de percusión.

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Su primer larga duración, también homónimo, aparece en 2011. Una “serpiente negra” y con cascabel a la que oyes arrastrarse por lo que parece un pantano abre este álbum en el que pulen su blues tóxico, oscuro, primitivo. Los alaridos de Perico de Dios se oyen lejos, saturados, los rasgueos de la guitarra te desgarran la carne. También con plataforma bandcamp para la libre descarga. Interesantísima propuesta de blues de raíz capaz de hipnotizar al más reacio al género.

ás hacia el interior se encuentran tanto la tierra, Zaragoza, como la propuesta de Borja Laudo conocido como Bigott. Con un sorprendente debut (The Sentimental Sandwich, 2006) y una ambiciosa y extensa continuación (What a Lovely Day Today, 2008), la trayectoria del maño se podría describir como una constante expansión en cuanto a riqueza y talento. . Sus letras en inglés, “porque le sale de los cojones”, están cargadas de un sentido del humor que roza el surrealismo. En 2009 aparece su tercer álbum Fin. Los poco más de 25 minutos de folk, country y pop con toques de psicodelia, todos ellos pasados por el filtro personal del artista de cavernosa voz, hacen de éste un trabajo amable y de fácil digestión. Canciones cortas, directas, adornadas con bellos coros femeninos y cuidados arreglos. Tan sólo un año después publica This is The Beginning of a Beautiful Friendship, de nuevo breve pero notable trabajo. Con un sonido minimalista y crudo se trata de su catálogo más pop. En él contribuye Clara Carnicer (pareja y musa de Bigott) que junto a Muni Camón enriquecen el aspecto vocal del proyecto. Uno de los secretos mejor guardados de la canción de autor de nuestro país.

NO NOS QUEDA ESPACIO PARA ACERCAROS A MÁS SATÉLITES DEL INDIE PATRIO, SIN EMBARGO QUEREMOS DEJAROS ALGUNOS NOMBRES A LOS QUE ESPERO OS ACERQUÉIS PESE A LA AUSENCIA DE INTERMEDIARIOS: GINFERNO, FIERA (PROYECTO POST-PUNK DE LOS COMPONENTES DE PONY BRAVO), LAS BUENAS NOCHES, ORTHODOX, BETUNIZER Y LA OTRA AGRUPACIÓN QUE CONFORMAN LOS ZA! JUNTO CON LOS HERMANOS JUNQUERA, LA ORQUESTA DEL CABALLO GANADOR. COMO DIRÍA BIGOTT ESPERO QUE “ESTE SEA EL COMIENZO DE UNA BONITA AMISTAD”.


björk L

a carrera musical de la ecléctica Björk ha sido, Como contraste, el núcleo central Cosmogony es etéen casi toda su extensión, un alarde de creatireo y grandioso y se inspira en los mitos de la creavidad. Su universo es tan personal, que o bien ción de la civilización y el universo. Los 9 restantes te entra o bien no te entra. Pero lo que es indudable tratan temas de la naturaleza, que suele asemejar a es que cada álbum que lanza está trabajado milimétrisentimientos amorosos. Destaca principalmente una camente, hasta lo más minimalista de su discografía. rica amalgama de coros en temas como Moon. Virus, el amor insaciable, es probablemente la perla del disCuando cayó en mis manos su recopilación Greatest co y en Sacrifice habla de la falta de valoración del hits (2002), quedé prendada de su voz medio hablada sacrificio de la pareja. medio cantada al estilo islanTodo lo que rodea a Biophi"TODO LO QUE RODEA dés, y en toda canción enconlia supone un avance musical, A BIOPHILIA SUPONE traba un algo cautivador. Era tecnológico y marketiniano, y UN AVANCE MUSICAL, rara, pero claramente para es que sólo de la cabeza de TECNOLÓGICO Y bien, para muy bien. Ahora, la polifacética Björk podían mi experiencia con su octavo MARKETINIANO... Y ES QUE aflorar estas iniciativas. Para CD es bipolar. SÓLO DE LA CABEZA DE la grabación y gira de 3 años, Biophilia es una original y atreLA POLIFACÉTICA BJÖRK la cantante ha encargado insvida mezcla de ciencia, cibernéPODÍAN AFLORAR ESTAS trumentos a medida como tica, naturaleza y sentimientos. INICIATIVAS" un órgano de tubos digital Una propuesta interesante y “Harpsichord”, bobinas Tesla y una lira de péndulo atractiva, pero en la que encuentras recovecos tan de 10 pies, que combina con harpas, baterías digitainsólitos que hay que tener flema para sumergirse en les y efectos que evocan los ruidos de la naturaleza. ellos con gusto. Dark matter seguida de Hollow son Además, se ha diseñado una aplicación gratuita de poco más de 9 minutos de tenebrosidad, puede que cada canción con animaciones musicales para i-Pad, necesarios para dar credibilidad al “todo” espacial y i-phone o iPod Touch con las que éstas se podrán terrenal que recrea, el cual debe contener belleza y desestructurar y reconvertir. oscuridad, pero los coros electrónicos que parecen presencias extrañas y órganos ultragraves son literalAunque mucho más accesible para sus fieles, algo mente experimentos duros de escuchar. para conocer para los nuevos… MIRA CIRERA

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vega

ES PROBABLE QUE MUCHOS PIENSEN QUE SENTARSE A CONVERSAR CON ALGUIEN A QUIEN RESPETAS A NIVEL PROFESIONAL ES SENCILLO, QUE JUEGAS EN TERRENO CONOCIDO. DOY FE QUE NO LO ES. OCHO AÑOS DESPUÉS DE INDIA, CON EL QUE SE ESTRENÓ EN EL (A PRIORI) DIFÍCIL MUNDO DE LA MÚSICA, ECHO LA VISTA ATRÁS Y ME DOY CUENTA QUE HE COMPARTIDO MUCHOS MOMENTOS CON ELLA...

TEXTO Y ENTREVISTA FOTOGRAFÍA POSTPRODUCCIÓN FOTOGRÁFICA ESTILISMO

JESÚS ROMÁN

DANNIEL ROJAS DANNIEL ROJAS Y JESÚS ROMÁN

MIGUEL GARCÍA

PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE AGRADECIMIENTOS

PATRICIA LEDO

HOTEL SANTO DOMINGO

VEGA APARECE POR CORTESÍA DE SONY MUSIC ENTERTAINMENT, S.L.


CAMISA DENNY ROSE FALDA DENNY ROSE ZAPATOS MENBUR


CHAQUETA

SAINT AGUSTINE ACADEMY VESTIDO

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B-FAMOUS · ENTREVISTA // EN PORTADA

...O SIENDO ALGO MÁS REALISTA, CON LA PARTE DE MERCEDES QUE SE ESCONDE EN LAS CANCIONES DE VEGA. AGRUPO SU AÚN MODESTA DISCOGRAFÍA ENCIMA DEL ESCRITORIO Y PIENSO QUE LOS AÑOS NO HAN PASADO EN BALDE Y QUE ESAS LETRAS QUE VEGA CANTA HAN EVOLUCIONADO, DEJANDO VER A UNA MUJER MADURA, SEGURA DE SÍ MISMA Y ALGO MÁS OPTIMISTA. CONFIESO ENCONTRARME TAMBIÉN EN ESE PUNTO DE EQUILIBRIO PERSONAL QUE DESPRENDE SU NUEVO TRABAJO. Y ES ESE PARALELISMO LO QUE QUIZÁ ME HAGA MÁS FÁCIL DEJAR QUE FLUYAN LAS PREGUNTAS. LO QUE FINALMENTE ACABÓ SIENDO UNA MÁS QUE AGRADABLE CHARLA. COMIENZA LA CUENTA ATRÁS…

¿Qué significado tiene el vuelo 547? Tengo la sensación que para ti esa cuenta atrás, como concepto, es un “empezar de cero”… Creo que La cuenta atrás es uno de mis temas más sociales. Para mi es un hastío ver las cosas que pasan en este mundo mientras nos quedamos impasibles sentados en el sillón. Llega un momento que pienso: “No lo soporto, me piro”. Ese es el significado del vuelo 547. Cuando no estás conforme con algo, creo que hay que reaccionar, no te puedes quedar sentado mirando. Es un tema completamente social, algo raro en mi, no tiene nada que ver con mi carrera. De hecho, en los textos del libreto explico que es una continuación en temática a Mi propio mundo; cuando lo escribí era mucho más joven y creía que todo era de colores… La cuenta atrás viene a decir que me cansé de esperar a que llegara ese mundo perfecto. Córdoba en India. Berlín en Circular. Nueva York y A Coruña en Metamorfosis. El que conozca tu discografía echará de menos las ciudades en este nuevo álbum… Realmente hay una. El más Feliz está ubicada entre Finisterra y Santiago de Compostela porque habla de alguien que hace el camino de Santiago. Hay otra, que se llama Nueva Orleans pero no se incluyó al final en el disco. Probablemente la recupere más adelante. ¿El sonido de ese tema es distinto, similar a lo que se asocia a esa ciudad, o sigue la línea del álbum? Es el más parecido a Metamorfosis. Aunque a muchos les parece que Como yo no hay dos es un single de continuación, creo que dentro de La cuenta atrás, Nueva Orleans es el más cercano a nivel de sonoridad. Metamorfosis era un disco más acústico y de sonidos mucho más convencionales, mientras que este es mucho más arriesgado. No solo están las ciudades… Los números tienen presencia en muchas de las canciones, bien sea para contar estrellas, cartas o simplemente horas ¿Cómo de importantes han sido los números en tu carrera? La han condicionado para bien y para mal. Para mal cuando parecía que lo único que importaban eran los números.

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Y para bien porque he conseguido buenos números, a pesar de que no hayan invertido grandes cifras en mi. Creo que toda mi carrera tiene mucha relación con ellos. Soy una gran amante de los números, me encanta el número 13 al contrario que a mucha gente. Realmente en mi vida, sobre todo en lo profesional, todo ha sido una cuenta atrás desde el principio, como una escalera que tenía que subir y lo he ido haciendo como he podido. Pero el hecho de que aparezcan números en varios de los títulos de las canciones, ¿Tiene algo que ver con esto? Sí, hay bastante juego con los números. Como por ejemplo en 1906 Estrellas, que habla de estar seguro de lo que quieres ser pero también incluye referencias a ese mimo por Galicia que yo tengo; me encanta la 1906, que es una cerveza gallega. Este en concreto es un tema bastante emblemático para mí de este disco porque es el que mejor representa ese sonido de los 80 que quería y el que tiene un poco más de riesgo para lo que yo vengo haciendo. Más números: Como yo no hay dos del que hablábamos antes, ¿El famoso ego del artista o reafirmación personal? Reafirmación personal, totalmente. El ego del artista no lo tengo porque me parece una idiotez. Me considero muy igual a la gente que viene a mis conciertos. Además, soy una defensora a ultranza del “ser único”, lo digo en Como yo no hay dos y en más canciones del disco, es super importante ser honesto con uno mismo y quererse. También tengo bastante sentido de la autocrítica y del humor, me gusta reírme de mi misma. Diferencio bastante bien un insulto de una broma y, de hecho, me encanta que me piquen con sentido del humor y contesto con un sentido del humor también muy mío, aunque haya gente a la que pueda parecerle algo agresivo... Definitivamente, es un canto a la reafirmación personal. ¿En algún momento de estos casi diez años de carrera te ha costado abstraerte del “personaje” de Vega? Le ha costado más al público que a mi, las cosas como son [risas]. Para mi han pasado

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VESTIDO

VICKY MARTÍN BERROCAL ZAPATOS

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"EL EGO DEL ARTISTA NO LO TENGO PORQUE ME PARECE UNA IDIOTEZ. ME CONSIDERO MUY IGUAL A LA GENTE QUE VIENE A MIS CONCIERTOS. ADEMÁS, SOY UNA DEFENSORA A ULTRANZA DEL 'SER ÚNICO'. ES SUPER IMPORTANTE SER HONESTO CON UNO MISMO Y QUERERSE"

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estos diez años con cada día, cada hora y todo lo que tenía que ocurrir. Ha sido un esfuerzo a base de hablar con la gente en los conciertos, estar en contacto directo con ellos, en Internet cuando no había nadie escribiendo un blog y contestando comentarios, para que se dieran cuenta que el personaje que se vendió dista mucho de cómo es la persona. En realidad no hablaba tanto del personaje de Vega en Operación Triunfo, como del propio hecho de ser un personaje público. Si te digo la verdad, lo llevo muy bien y no lo he asimilado como algo extraño, también porque siempre he puesto una barrera muy grande entre la vida personal y la profesional. Lo que sí tengo muy claro es que cuando salgo por la puerta de mi casa sigo siendo natural y si me saludan, devuelvo el saludo, lleve un cigarro en la boca, la cara lavada o esté en zapatillas… Al hilo de lo que mencionabas de ser de las primeras en tener presencia en Internet, las redes sociales juegan un papel importante en las relaciones públicas de un cantante, y este es un campo que conoces bien (recordemos que es licenciada en publicidad y RR.PP.) pero, ¿No crees que exponerse de manera tan cercana al público puede ser un arma de doble filo? Lo es, sin duda. Lo digo siempre. Nunca acabas por enfadarte con la Red porque hay gente que lo valora, lo disfruta y lo toma con el respeto debido. Pero efectivamente hay otros que están deseando humanizar al artista no para disfrutar de él como un igual sino para machacarlo. Lo digo abiertamente, hay gente que se aburre, tiene un montón de complejos y todas sus frustraciones intentan pagarlas con alguien que creen “superior” a ellos, aunque estés al mismo nivel; porque si consiguen hundirte, lo consideran una victoria. Realmente muy pocas cosas me alteran el carácter, pero sí lo hace la gente maleducada. Si las críticas son con mala educación, no las acepto y lo digo. No creo en el “ser políticamente correcto” que era muy frecuente en el mundo de los artistas antes porque ya es intrínseco a mi persona ser respetuosa y educada. Ante todo, soy persona antes de ser artista.

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De Cuanta decepción de tu anterior trabajo, a A tientas se percibe un optimismo renovado que se mantiene en toda La cuenta atrás. ¿Cómo han sido estos dos años desde Metamorfosis? Siempre hago referencia a los textos en mis discos, en los que realmente cuento muchas cosas que no se saben. El de A tientas es bastante revelador: es una canción que está escrita entre 2009 y 2011. Yo rara vez hago esto; cuando escribo una canción, la termino. Pero concretamente con A tientas hay un proceso de recuperación de dos años que se percibe entre lo que conoce todo el mundo de 2009 y lo escrito ahora. Soy una persona muy visceral, cuando sufro, sufro como “La Macarena de Triana”, tengo todos los puñales clavados y soy la más sufridora del planeta [risas] pero cuando me levanto

"SOY UNA PERSONA MUY VISCERAL, CUANDO SUFRO, SOY LA MÁS SUFRIDORA DEL PLANETA. PERO CUANDO ME LEVANTO, TENGO LA CAPACIDAD DE BORRAR COMPLETAMENTE... ES MUY TRISTE CANTARLE A LA GENTE QUE HAY UN MEJOR MAÑANA CUANDO TU PROPIA VIDA VA EN PICADO"

tengo la capacidad de borrar completamente. Réquiem resume lo que viví en ese periodo. Está cantada en segunda persona pero es una especie de credo que me hacía a mi misma. Es muy triste estar cantándole a la gente que hay un Mejor Mañana cuando tu propia vida personal va en picado. Se pasa mal y estaba jodida, pero si cantaba ese tema es porque efectivamente creía que existía un mejor mañana. Y aunque tardara dos años en llegar, lo hizo. Lo que sí hay en La cuenta atrás es presencia de ese proceso de mejora. Normalmente damos consejos a los demás que no somos capaces de aplicarnos a nosotros mismos pero el hecho de “desnudarte” al componer, también puede servir como proceso de autoayuda…

Creo que lo dije en Twitter. Me considero en cierta manera como los poetas que no tenían miedo a decir que estaban dolidos por la persona amada pero en el fondo lo hacían por necesidad de canalizar. Yo no soy muy de hablar de temas personales, por ejemplo en entrevistas del corazón, pero no puedo ser más transparente con mis propias canciones. Lo que está claro es que aunque pasen los años, el sello Vega siempre está ahí, ¿Alguna asignatura pendiente a la hora de componer, algo que quieras contar y aún no hayas podido? Puedes cambiar y evolucionar como persona pero no hasta el punto de que no se te reconozca. Yo tengo una forma de escribir muy peculiar y eso tiene que estar ahí, sino estaría defraudando a mucha gente. Con respecto a componer, no tengo nada pendiente, porque soy incapaz de quedarme con las ganas de contar algo. Sin embargo a nivel musical, hay muchos días que me preguntó por qué no me gusta salir con bailarines a actuar [risas]. Soy autora y doy a la canción de autor el valor que merece pero no tengo prejuicios con otros géneros. Pero también hay un tema más bailable en el álbum, que es precisamente Para Bailar. Sí [risas] Esos son mis experimentos. Es la canción capricho de La cuenta atrás, como ya me pasó con Princesa de cuento en Metamorfosis, que sentía que había sacado los pies del tiesto. En esta ocasión he avanzado un poquito más, y quizá algún día me veáis con bailarines detrás, aunque lo dudo [risas]. Me apetecía hacer algo más cercano al pop-rock electrónico, aunque tampoco puedes asustar a la gente de primeras. Entiendo que alguien consagrado pueda permitírselo con millones de euros en una cuenta bancaria. Yo estoy en ese punto en que necesito que el público asimile poco a poco los cambios. ¿Y cómo ha influido Sebastian Krys en este cambio de sonido, el aire ochentero que ya empezó a percibirse en tu último trabajo de manera más orgánica y que ahora evoluciona con otro tipo de elementos como los sintetizadores? Es que se lo pedí. Él, por su edad, tiene


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mamadísima la época de los 80 y yo, que soy muy fan de Morrisey, le pedí expresamente guitarras como las de los Smiths, o a Bowie… Le llevé las maquetas y hubo que trasladar todo esto a mi estilo. Para mi es fundamental el trabajo que ha hecho Sebastian. Queremos hacer algo especial con uno de mis patrocinadores, un evento en el que invitemos al público a escuchar las maquetas del disco conmigo, para que vean el antes y el después, que noten como se construye una canción. Ya que lo mencionas, ¿Qué supone contar con patrocinadores ahora que las cosas no están precisamente bien? Al menos los que yo tengo se han partido la cara apoyándome, eso es algo muy difícil. Estoy encantada con ellos y me siento super afortunada. Los videoclips (por ejemplo en el de Como yo no hay dos todos los decorados están construidos) suponen una inversión muy fuerte. Igual ocurrió con Lolita o Nueva York. Es una inversión que a día de hoy no haría una discográfica. Entonces, ¿Cuál es el balance que haces de esa anterior etapa que has dejado atrás con Universal y con Metamorfosis? Con Universal estuve siete años durante los cuales no siempre hemos estado de acuerdo. De hecho, recuerdo haber pedido la carta de libertad con Circular. Me pidieron una oportunidad más, hicimos la reedición y realmente cuando llegó Metamorfosis fue una apuesta de Universal Miami, no de Universal España. Ese fue un disco que funcionó gracias a los patrocinadores, con videos y giras que costearon ellos. Como Universal no estaba de acuerdo en la forma de entender mi carrera y querían mi próximo disco para 2013 (ya tenía material grabado), pedí la carta de libertad y me fui sola. Luego apareció Sony… Justamente de eso quería hablar, ¿En qué forma ha influido Sony Music en La cuenta atrás? ¿Te han dado la libertad creativa que necesitaba este proyecto? Estoy feliz porque hice lo que quería hacer. Lo costeé yo misma y me fui a Los Ángeles a grabarlo. Ellos se encontraron con un disco hecho y lejos de querer condicionarme me dieron libertad

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para las fotos, el diseño, todo… Les veo trabajar con ganas y todos los días recibo un mensaje preguntándome cómo estoy. También está el hecho de ver mis hojas de promo llenas… Tu que diriges tu propia editorial (Vega’s Home Music), ¿Qué opinión te merece lo ocurrido con la SGAE? Siempre queda la sensación de que el artista está desprotegido, bien sea frente al comprador por aquello de la piratería, bien frente a las entidades de gestión o las discográficas… Estoy a favor de que se recauden derechos de autor, vivo de esto y quiero cobrar por mi trabajo, igual que cualquier otro. Otra cosa es que exista una taquilla indiscriminada. Entiendo que haya una gestión, lo que no puede ser es que a los autores nos llegue una ínfima parte de lo recaudado y haya poca transparencia. No es fácil trabajar desde tu propia editorial, pero es lo que hay hasta que se pongan soluciones. Tampoco se cree en la cultura en este país. Este es el país de la cultura del todo gratis. Es más, si nos dejaran entran a un supermercado y coger la cerveza gratis, eso haríamos. Pero no es culpa del público, es un problema educacional. Y puedes crear leyes para gestionar, pero no sirven de nada si al mismo tiempo no se educa y se hace ver a la gente que mover a una banda completa tiene un coste alto y no es algo gratuito. Por eso los patrocinadores son casi igual de importantes que la propia discográfica, ya que impiden que el precio de los conciertos repercuta demasiado en el bolsillo de los que compran la entrada, como pasa en Estados Unidos. Otra cosa, y ahí sí que soy muy defensora de la opinión del público, es que habría que encontrar la manera de “justipreciar” las cosas para que se tenga acceso a ello pagando. Después de que la anterior gira funcionara muy bien, sin olvidar el llenazo absoluto del Teatro Lara, ¿Cómo planteas llevar los nuevos temas al directo? Primero banda, luego más adelante haré acústicos. Pero ahora mismo tengo un subidón importante y tengo muchas ganas de coger al guitarrista, al batería y ponerme a pegar botes, como ya ocurrió en Galileo. Este es un disco que se presta mucho a ese formato.

LA CUENTA ATRÁS (Sony, 2011) Enfundada en su eterna guitarra, dando señales más que evidentes de que una letrista a tener en cuenta irrumpía en la escena patria, la cordobesa Vega debutaba de largo ocho años atrás con India a los mandos de Paco Trinidad y la ya extinta Vale Music. Circular llegó años después con las producciones de Nigel Walker y ella siguió girando sin dar la vuelta, dando tumbos por una industria que parecía darle la espalda a canciones sinceras y una voz extremadamente particular. Metamorfosis aparecía en escena cuando muchos la daban por perdida, trayendo tras de sí una renovada imagen de lolita y un repertorio con ecos del mejor poprock de los ochenta que le debe mucho a la mano experta del argentino Sebastian Krys. Anuncios, espectaculares videoclips y una más que decente gira desembocan tras un breve periodo de tiempo en un nuevo trabajo, La cuenta atrás, en el que la compositora termina por lapidar la tristeza que desprende su anterior propuesta. Ya nadie duda que Vega es una mujer con las ideas claras y esto, junto a dos años de recuperación emocional, hacen de esta su mejor apuesta, trayendo de vuelta los 80 más guitarrereros y eléctricos. Entre sintetizadores y percusiones programadas, con una amplia lista de colaboradores de nivel, Vega pare una colección de canciones optimistas y vitales que terminarán de consagrarla como una de las propuestas más serias del panorama español.

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© ANTON CORBIJN

Rem

DESPUÉS DE MÁS DE TREINTA AÑOS DE AUTÉNTICO ROCK, REM HA ANUNCIADO SU SEPARACIÓN. DICEN QUE YA LO HAN HECHO TODO, QUE ES BUENO SABER “CUÁNDO ES HORA DE RETIRARSE DE LA FIESTA”. NO HAY VUELTA ATRÁS. COMO YA DIJERAN EN UNA DE SUS CANCIONES MÁS CONOCIDAS, “ES EL FIN DEL MUNDO TAL Y COMO LO CONOCEMOS, PERO NOS SENTIMOS BIEN” TEXTO

LAURA SERRANO


B-CURIOUS · MÚSICA

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Discografía Destacada ÁLBUMES QUE MARCARON UN ANTES Y UN DESPUÉS EN LA HISTORIA DEL ROCK

MURMUR (I.R.S., 1983)

FABLES OF THE RECONSTRUCTION

DOCUMENT (I.R.S., 1987)

OUT OF TIME (Warner Bros, 1991)

(I.R.S., 1985)

Y

es que la mítica banda de rock alternativo nacida en los ochenta no se despide con las manos vacías sino que el próximo 15 de noviembre sacarán a la venta su último disco, REM, Part lies, part heart, part truth, part garbage 1982-2011, un recopilatorio de sus 40 mejores éxitos que pretende ser un regalo para los miles y millones de seguidores en todo el mundo que les han mostrado su cariño a lo largo de todos estos años. Losing My Religion, Man On The Moon, Supernatural Superserious, Is the End Of The World As We Know It o Bad Day serán algunas de las maravillas que se podrán escuchar en este CD que además incluirá tres canciones inéditas, A Month of Saturdays, Hallelujah y We All Go Back To We Belong. Mucho tiempo ha pasado desde que Michael Stipe, Peter Buck, Mike Mills y Bill Berry publicaran en los ochenta su primer sencillo, Radio Free Europe, un tema que ya dejaba entrever el futuro prometedor que les esperaba. Durante más de tres décadas han editado 15 álbumes, han abarrotado los estadios de medio mundo, han colapsado las radios de todo el Planeta y han vendido más de 85 millones de discos. Hoy, podemos decir que son una de las bandas de rock alternativo más influyentes de la historia, tanto es así que grupos como Nirvana o Radiohead han

confesado en más de una ocasión haberles tenido como fuente de inspiración. Críticos, incómodos con los cánones sociales establecidos, honrados, humildes y sin ansias de fama. Así fueron ellos. Cuatro jóvenes con ilusión que desataron la locura y lograron emocionar con sus canciones a millones de personas de todas las edades. Nacidos en Georgia a principios de los ochenta, fueron creadores de un nuevo género musical en una época en la que el punk vivía sus años de gloria. Con una identidad propia que nada tenía que ver con el estilo

PART LIES, PART HEART, PART TRUTH, PART GARBAGE 1982-2011, QUE MARCA EL FIN DE TRES

PORTADA RECOPILATORIO

DÉCADAS ENCIMA DE LOS ESCENARIOS.

AUTOMATIC FOR THE PEOPLE (Warner Bros, 1993)

que reinaba en ese momento, apostaron por los riff de mandolina e iniciaron un camino que pronto les catapultó al Olimpo del rock. Su años dorados los vivieron en los noventa, cuando Losing my religion logró convertirse en un fenómeno planetario y discos como Out of Time o Automatic For The People, que mostraban su faceta más madura, les otorgaron un puesto privilegiado en el competitivo panorama musical. Tras la retirada del batería Bill Berry en 1997, REM sufrió un punto de inflexión. Muchos seguidores dicen que ya nunca volvió a tener la calidad por la que eran conocidos hasta entonces, que perdieron parte de su esencia. Sea como fuere, los otros tres componentes del grupo decidieron dar un paso más e introducir en sus melodías ciertas pinceladas de música electrónica. Fue durante esta segunda etapa cuando sacaron a relucir su lado más combativo, y sus letras se tornaron críticas con el poder y la frivolidad, y defensoras del medio ambiente, de la democracia y de los derechos humanos. El pasado marzo, REM anunció la salida al mercado de su último disco, Collapse into now, al que han descrito como el trabajo más completo de toda su carrera. Es el final de un sueño que parecía que no iba a acabar nunca. Habrá que esperar hasta el próximo 15 de noviembre para escuchar a REM decir su último adiós.

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Belgrado

"BASAN SUS COMPOSICIONES EN LA IMPROVISACIÓN Y LA NATURALIDAD Y LEJOS DE QUERER HACER MÚSICA COMERCIAL, ELLOS MISMOS DEFINEN SU TRABAJO COMO UN PUNTO MUSICAL DE LOS 80, GUITARRAS DE LOS 90 Y ELECTRÓNICA DEL 2000"

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hema Ruíz (bajo), Inés Pardo (voz) y Mario de Inocencio (guitarra, sintetizadores y coros) conforman Belgrado, nueva banda española de pop, rock y electrónica. Aprovechando el parón de su anterior grupo (El canto del loco), Chema decide reunirse con dos amigos de la infancia, con los cuales ya había colaborado en anteriores ocasiones, para iniciarse en este nuevo proyecto juntos. Los tres cántabros fusionan con fuerza y ganas sus diferentes estilos musicales: Chema viene del poprock, Inés ha formado parte de Lone Ark como cantante de reggae, aunque también se decanta por el funk y soul, y Mario aporta el toque rock a la formación como hizo en otras ocasiones con Buzzstation, Días Extraños o Algunos Hombres Buenos. Con un nombre potente y sonoro, Belgrado llega con nuevas ideas que mostrar. En su álbum debut, titulado de igual forma, nos sorprenden con un estilo diferente al que suele ofrecernos el panorama musical español. Basan sus

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composiciones en la improvisación y la naturalidad y lejos de querer hacer música comercial, ellos mismos definen su trabajo como “un punto musical de los 80, guitarras de los 90 y electrónica del 2000 ”, aunque parezca inevitable encasillarles en algo más cercano al indie-pop o el new age. Lo cierto es que ya cuentan con más de 4.000 seguidores en su facebook. Con el iPad como método de improvisación en parte de sus composiciones y tras seis meses de trabajo conjunto, presentan su debut con La Ciudad como primer single, definiendo bien lo que es Belgrado (que significa ciudad blanca) y aportando así energía desde el comienzo, con una estructura popera, guitarras rock y estribillo rompedor. También podemos encontrar temas más rockeros (Virus), o por el contrario disfrutar de un ambiente electro-pop más elaborado ( Juliette). En total, diez cortes en los que no hay que pasar por alto una versión del conocido tema ochentero de Batiatto, Yo quiero verte danzar, que refleja lo que la banda ofrece al público,

BELGRADO BELGRADO (Sony Music. 2011)

que no es otra cosa que bailar en todos los géneros… Tenemos material suficiente para poder hablar largo y tendido de ellos. El gusto está servido en bandeja… juzguen ustedes mismos. TALY ARJONA


B-CURIOUS · NOVEDADES NACIONAL

REBECA JIMÉNEZ

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VALIENTE (Warner Music Spain. 2011)

aliente es el título del segundo disco de Rebeca Jiménez, pero es algo más que eso, define con realismo la situación de la artista en el mundo de la música y, quienes la siguen desde sus inicios, saben que es así, una persona luchadora, aguerrida y con agallas. Bajo la herencia de las grandes songwriters americanas y, dando muestras de su vasta cultura musical, Rebeca regresa tras su premonitorio debut Todo llegará con doce nuevas canciones bajo el brazo. La emotividad y el cariño puesto en cada una de las composiciones, junto a la cuidada

producción de Bori Alarcón, dan al disco un sonido realmente profundo, en el que la voz de la cantante suena más sincera y personal que nunca, acariciando cada palabra con la pasión y la elegancia que desprende en cada interpretación. Si a todo esto se añade que Rebeca ha estado acompañada en algunos temas por las voces de su hermana Lucía, de la fantástica Vicky Gastelo o del soberbio Carlos Tarque, no es exagerado decir que, tras varias escuchas, este álbum se convertirá en una pieza imprescindible para muchos amantes del rock español clásico. JAVIER DECIMAVILLA

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B-CRITIC · BREVES MÚSICA

NNEKA SOUL IS HEAVY (Epic Records. 2011)

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on la presentación de su tercer disco Soul Is Heavy, a la venta desde el 11 de octubre, Nneka se consagra como una de las indiscutibles grandes voces negras del soul urbano más actual. Nacida en Nigeria y trasladada a Alemania a sus 19 años, la cantante deposita sinceramente sus raíces africanas, fusionándolas con una fuerte referencia reggae y dub, hip hop y soul , imprimiendo en sus composiciones una franqueza y naturalidad únicas a través de canciones que nos hablan de política, realidad y creencias. El álbum está producido por DJ Farhot y

mezclado por Tom Elmhirst y Phillippe Weiss, quienes han participado en los últimos trabajos de Amy Winehouse, Adele o CeeLo Green, entre otros. Además, ha contado con las colaboraciones de Ms. Dynamite en Sleep y la de Black Thought (principal figura de The Roots) en God Knows Why. Su gira europea comienzó el 18 de octubre hasta finales de año actuando en Portugal, España, Francia, Suiza, Alemania, Italia, Inglaterra, Austria, Bélgica, Holanda, Suecia, Noruega, Dinamarca, Polonia y Eslovenia. MIRA CIRERA

TWIN SISTER IN HEAVEN (Domino Records. 2011)

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ras haber sacado un par de Ep’s, ya está a la venta el disco debut del grupo de Long Island Twin Sister. In Heaven es un trabajo prácticamente inclasificable, ya que cada canción crea una atmósfera diferente. Sin embargo, podemos hablar de retro pop, indie y dance, un sonido experimental que en general parece trasladarte al pasado, aderezado con efectos de sonido y sintetizadores en ambientes que van y vienen envolviéndote en una especie de paz que emboba.

La voz de la cantante Andrea Estella, muy sutil y habitualmente como en un susurro, pasa en muchas ocasiones de un primer a un segundo plano casi como colchón musical. Melodías sencillas (Luna’s theme) y en algunos casos repetitivas pudiendo resultar pesadas, como en la canción principal Bad street, de la que ya han presentado su videoclip. Sorprenden con un tema que me hace imaginar la vieja y desértica Almería, como si de una película del oeste se tratara, probablemente también porque se titula Spain. Cierran el álbum con Eastern Green, donde Eric Cardona se lanza a cantar la misma melodía que sigue a la guitarra, supuestamente simple pero con alguna subida de intensidad que la hace más dinámica. MIRA CIRERA

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B-CURIOUS · MÚSICA

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LOS NUEVOS PRÍNCIPES DEL BRIT-ROCK

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l rock británico siempre ha sido una cuna de grandes artistas roqueros. Algunos años atrás Mick Jagger, Paul McCartney y Eric Clapton, entre (muchos) otros, se dieron a conocer en todo el mundo. Ahora se ha consolidado una nueva dinastía encabezada por Arctic Monkeys, Kasabian o uno de los grupos más de moda últimamente, The Kooks. Desde su debut Inside In / Inside Out The Kooks conquistaron prácticamente medio mundo. Consiguieron siete discos de platino entre los Estados Unidos, el Reino Unido e Irlanda, sin olvidar un disco de oro en Australia. En solo cuatro años ya pueden presumir de ser uno de los grupos más y mejor valorados del panorama indie internacional. Sus letras personales pero divertidas, sus riffs de guitarra y su puesta en escena siempre impecable son sus grandes armas. Estos chicos son otra de las muchas bandas que han nacido en Brighton, esa ciudad al sur de Londres y conocida por su inmensa actividad musical. Luke y los

suyos tomaron prestado el nombre de la famosa canción de David Bowie para su nombre y empezaron a tocar casi a diario en bares y locales de su Brighton natal. Tres meses después ya habían firmado con Virgin Records y publicaron su primer sencillo Eddie’s Gun que entró en el top 40 británico. Así nació en fenómeno de The Kooks. Poco tardaron en llegar las nominaciones y premios. Y las cosas siguieron mejorando para estos chicos. Su segundo álbum, ‘Konk’ fue directamente al primer puesto de la lista de álbumes británica. Su sueño se había cumplido. ¿Qué diferencia a The Kooks del resto de grupos brits? Su carisma. Representan la nueva generación del rock británico. Su último disco Junk Of The Heart sigue la misma fórmula que los ha hecho triunfar hasta hoy: guitarras poderosas, melodías pegajosas y una tremenda vitalidad juvenil que engancha a cualquiera. Ahora están dispuestos a conquistar los escenarios europeos y agrandar aún más su historia

THE KOOKS

JUNK OF THE HEART (Virgin Records. 2011)

su sueño, y quien sabe, quizás acabarán por igualar los éxitos de las leyendas musicales que escribieron Jagger y compañía. POR DANIEL

VALLS-HALLING

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B-FAMOUS · ENTREVISTA

BELÉN ARJONA ES SEGURAMENTE UNA DE LAS CANTAUTORAS ESPAÑOLAS MÁS RECONOCIDAS DURANTE LOS ÚLTIMOS AÑOS. CON CUATRO DISCOS A SUS ESPALDAS Y UNA NOMINACIÓN A LOS GRAMMYS LATINOS, LA MADRILEÑA HA DECIDIDO TOMAR UN NUEVO RUMBO CON UN PROYECTO JUNTO AL BRITÁNICO LANIGAN, O LO QUE ES LO MISMO, BEL AND THE BOY POR

DANIEL VALLS-HALLING

Para ti Belén, este proyecto supone hacer borrón y cuenta nueva? Para nada. Yo estoy muy orgullosa de todo lo que he hecho hasta ahora. Mi carrera en solitario ha sido dura pero creo que he conseguido muchas cosas. Esta es una nueva etapa sin renunciar nunca a lo que fui. Bel and the Boy es consecuencia de Belén Arjona. Todo surge por algo y todos nos debemos renovar de vez en cuando para volver al epicentro de nuestra creatividad y arte. Ahora el británico y la madrileña se marchan al Reino Unido a probar suerte con ‘We Belong Here’, su primer trabajo conjunto. La razón principal de esta despedida es la afinidad estilística de su nuevo sonido más ochenteno, británico e innovador con el mercado anglosajón “me da pena, pero es un reto”. ¿A qué se debe este nuevo rumbo en la carrera musical de Belén Arjona (cantar en inglés, a dúo...)? Hemos querido hacer un álbum cálido, John y yo llevábamos ya mucho tiempo tocando juntos. El idioma en el que nos comunicábamos era el inglés. Es mi segunda lengua ya que estudié en un colegio bilingüe y viví años fuera. Estábamos componiendo y todo nos salía en inglés. Un día nos miramos y nos dijimos ¡vamos a enseñar al mundo estas canciones!

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con John me entiendo muy bien, así que decidimos unir fuerzas y aliarnos en este mundo tan complicado. Describe el sonido y el proyecto de Bel and The Boy Es un sonido pop con reminiscencias electrónicas. Tiene una parte oscura que representa esa búsqueda de lo perdido y otra parte más alegre. Es un disco muy ecléctico con mucha fuerza y pasión.

BEL AND THE BOY WE BELONG HERE

(Autoeditado, 2011) El primer trabajo de Bel And The Boy es un disco que sorprende, pero en el buen sentido. Cada canción es un mundo distinto. Desde el primer single Best Not To Say It en el que Belén deja atrás su sonido habitual por uno más trasgresor, pasando por canciones en las que John también se anima a cantar, como la preciosa Stars, hasta Is It Worth It, seguramente una de las mejores canciones del disco, una auténtica montaña rusa musical con una letra llena de poesía y emoción. Belén y John han demostrado que realmente no hace falta tener millones a tus espaldas para producir buena música. We Belong Here es uno de esos discos para recordar.

pero claro ya no podía ser Belén Arjona sola. Nos pusimos y el nombre y nos pusimos manos a la obra. ¿Cómo y cuándo surgió el proyecto? Surge a finales del 2009. Veníamos de una experiencia agridulce y estábamos perdidos. Estas canciones nos ayudaron a encontrarnos. Fue como hacerle honor a nuestras propia terapia que era escribir. ¿Cómo prefieres trabajar? A mí personalmente me gusta trabajar en equipo. Me gusta el calor de la gente y

¿Qué influencias tiene Bel And The Boy? Tenemos muchas influencias. Nos gustan muchos grupos y solistas. Entre otras pueden ser Bat for Lashes, Muse, Alanis Morrissette. Ahora os vais a Londres a probar suerte. ¿Qué expectativas tenéis? Tenemos muchas pero somos conscientes de que va a ser una carrera de fondo. Va a ser un poco a poco. Queremos patearnos los clubs y tocar en todas partes hasta ir creándonos un nombre. Una carrera de fondo en definitiva. ¿Es un adiós definitivo a España? ¡No! ¡España me lo ha dado todo! siempre vamos a volver a España y seguiremos con nuestros conciertos allí aunque será menos a menudo que antes que tocábamos todos los meses. Al menos una vez cada 2 ó 3 meses vendremos a España.

SALA CLAMORES (MADRID) El pasado 24 de septiembre Belén y John ofrecieron su último concierto en España. No es un adiós, es un hasta luego me comenta Belén, ilusionada por este nuevo reto. La sala Clamores de Madrid fue el lugar escogido para esta noche tan especial, y el dúo no decepcionó. La voz de Belén Arjona es un auténtico placer para los oídos, y su nuevo sonido es todo un acierto. No voy a tirar la toalla dijo Belén antes de empezar a cantar el tema insignia de su nueva etapa, Best Not To Say It. Con fuerza, pasión y emoción interpretó cada segundo de la canción. Lo mismo durante una hora y media de concierto en el que no sólo ofrecieron sus temas sino que incluso versionaron en acústico el clásico de Radiohead Creep y una vez más, Belén puso los pelos de punta con esa voz tan especial.


B-FAMOUS ツキ ENTREVISTA

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BEL andツキtheツキboy

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B- CURIOUS · MÚSICA

Venueconnection VENUECONNECTION

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FIRE IT UP! (Keepin' the groove, 2011)

ailable y explosivo se presenta este tercer álbum del grupo madrileño. Ritmos contagiosos creados al estilo del funky más setentero que nos transmiten esa sensación intuitiva o, dicho de otro modo, groove en estado puro. Con buenos arreglos de metales y unas voces impecables, este nuevo trabajo difiere bastante de los dos anteriores: En Strawberry Swan Lake se conjugaba una fusión de estilos que podrían denominarse acid-jazz-lounge. En Madrid Boogie, el funk se mezclaba con electrónica y sonidos étnicos. Con Fire It Up! no podemos por menos que levantarnos de la silla y bailar, o mínimo mover la cabeza de un lado a otro llevando el ritmo de la batería y del bajo. Es precisamente el sonido de las percusiones el que podría haber resultado algo mejorable, si tuviéramos que poner algún punto negativo… Aún así, catorce cortes con los que poder hartarse de escuchar groove de calidad fabricado en nuestro país y en los que los músicos se visten con sus mejores galas para regalarnos un acabado casi de escenario.

B.SIDE | OTOÑO 2011


Venue: lugar en el que se celebra una actuación. Connection: conexión, enlace. ¿Escogisteis este nombre buscando hacer un guiño a las bandas de moda de los setenta (Sly & The Family Stone, Earth, Wind & Fire), o por el contrario surgió por azar? La verdad es que no lo escogimos por eso, aunque nos alegra que se pueda hacer esa asociación. El nombre surgió en el lugar donde se formó el proyecto y nos pareció que reflejaba perfectamente el espíritu del grupo, el de conectar con la gente a través de la música y del directo. Quizás deberíamos haber pensado en lo difícil que iba a resultar pronunciarlo en nuestro país… Y hablando de nombres, ¿Por qué Fire It Up! para vuestro tercer disco? Hemos querido hacer un álbum cálido, vivo y analógico, que encienda el ánimo. Fire It Up! es un tema que lo refleja perfectamente, no sólo por su letra, sino porque además surgió y se grabó en parte de forma improvisada. Con Madrid Boogie conseguisteis la inclusión definitiva de VenueConnection en el mundo del funky jazz. ¿Cuáles son vuestras expectativas para este nuevo álbum? Muchas gracias, aunque nosotros no lo consideramos así, creemos que nos queda mucho camino todavía para ser una banda referente del soul-funk o funkjazz. Con este álbum buscamos llegar a la gente, además de en España, en países que admiramos musicalmente como EEUU o Reino Unido. En cuanto a sonidos podríamos decir que vuestros comienzos pasaron por el acidjazz, evolucionando a un funk-soul mucho más bailable en Madrid Boogie. ¿Seguís pretendiendo que el público se mueva con Fire It Up! o buscáis algo más? Intentamos transmitir un mensaje positivo y optimista a la gente a través de nuestra letras y nuestra música; que disfrute, baile y se divierta al escucharla, al menos durante la hora que dura el álbum. Ya hay demasiadas noticias negativas en el mundo y demasiada música triste, así que intentamos ir en la dirección opuesta. Imagino que cada nuevo disco supone un reto. ¿Queréis reivindicar con este nuevo

YA PODEMOS DISFRUTAR DEL RECIÉN PUBLICADO TERCER ÁLBUM DEL GRUPO MADRILEÑO VENUECONNECTION, FIRE IT UP!. CON MÁS GROOVE QUE NUNCA, HACEN ALARDE DEL MEJOR FUNK/JAZZ MADE IN SPAIN. NADIE MEJOR QUE ELLOS MISMOS PARA HABLARNOS DE SU NUEVO TRABAJO, RESPONDIENDO A ALGUNAS PREGUNTAS POR

TALY ARJONA

trabajo un sonido que asemeje más el directo, alejándoos así de lo electrónico? La verdad es que has dado en el clavo. La electrónica nos pareció interesante en su momento porque ofrecía sonidos innovadores, pero ahora ya existe muy poca innovación y se utiliza más por comodidad que por otra cosa, porque es infinitamente más cómodo utilizar bases electrónicas que un batería real, o samplear un Rhodes en vez de utilizar uno auténtico y sufrir el calvario de su afinación, apagadores, martillos… Pero no hemos buscado comodidad en Fire It Up!, sino autenticidad.

Average White Band, Chaka Khan… y no seguimos porque rellenamos toda la página. Fire It Up se ha publicado en formato digital, CD y vinilo. ¿Sois partidarios de la distribución en plataformas digitales o por el contrario os veis obligados a adaptaros a estas nuevas formas de difusión? La verdad es que nos gusta Spotify, el CD y el vinilo; consumimos todos los formatos de música y creemos que cada uno tiene su momento. Gracias a las plataformas digitales podemos tener catálogos inmensos a nuestra disposición con sólo un click, y eso no puede ser malo. Eso sí, nos gusta especialmente el vinilo. ¿Alguna manía o costumbre antes de subiros a un escenario y mostraros como mejor sabéis hacerlo ante el público? Es curioso que algunos miembros de la banda no pueden comer antes de tocar, y otros no pueden tocar sin comer antes… Publicáis en esta ocasión a través de vuestro propio sello, Keepin´The Groove ¿Os planteáis en un futuro promocionar a otras bandas españolas que estén comenzando? Acabamos de montar el sello y todavía es muy joven para introducir a otros grupos, aunque desde luego lo planteamos en el futuro si Fire It Up! funciona y encontramos proyectos interesantes.

En este álbum seguís siendo fieles a vuestros músicos y a las magníficas voces de Ángeles Dorrio y Karl Frierson. Pero, ¿Quién se ha ocupado en esta ocasión de la composición y letras de los temas? La composición no ha variado sustancialmente respecto a discos anteriores, los temas siguen surgiendo de las líneas de bajo o de acordes de guitarra, y a partir de ahí se incorporan los otros instrumentos. Luego vienen las voces y las letras, que en este disco, son en su mayoría de Karl y Javi. más aun.

Una anécdota curiosa que recordéis durante un concierto… En un concierto que nos llamaron con muy pocos días de antelación, tuvimos que tocar con un batería con el que nunca habíamos tocado ni ensayado. Tuvo que aprenderse todos los temas en dos días y tirar de partituras, nos encontramos en el escenario y tocamos allí por primera vez… y salió muy bien, la verdad.

¿Cuáles son vuestras influencias musicales y referentes? En este disco nos han influenciado especialmente los discos de finales de los 70 de Stevie Wonder, Herbie Hancock, Earth, Wind and Fire, Brothers Johnson y George Duke. Por supuesto, hay muchos más, como Roy Hargrove, Jamiroquai, Incognito, Maxwell, D’Angelo, Patrice Rushen,

Y ya para finalizar, ¿Podríais mencionar algún vinilo imprescindible que no pueda faltar en vuestra colección? Cualquiera de los 70 de Earth, Wind and Fire, suenan brutales, grabar con esa orquestación hoy en día es casi impensable. Nos encantaría que se volviera a valorar la música como se hacía en aquella época para que hubieran más producciones de ese tipo, aunque no parece muy probable.

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B-CRITIC · MÚSICA

"PIECES OF ME ES EL RESULTADO DE LA SUMA DE DOCE TEMAS QUE MUESTRAN ESAS FACETAS DE SU PERSONALIDAD, ESE COMPLEJO PUZZLE QUE INCLUSO EVOCANDO A GRANDES COMO ARETHA FRANKIN, BILLIE HOLLIDAY O PATTI LA BELLE NO TERMINA DE CASAR"

LEDISI

S

PIECES OF ME (Verve Forecast. 2011)

i hablamos de un estilo musical ligado al R&B contemporáneo, en el que prevalece la devoción extrema por el soul clásico, con una interpretación análoga a los sonidos más jazzeros de la década de los 50, 60 y 70, entonces, sólo entonces podemos hablar del estilo de Ledisi Anibade Young. Esta cantante, actriz, compositora y productora publica su cuarto disco, editado bajo el prestigioso sello Verve Forecast y lo hace de una manera un tanto lineal y bastante alejada de lo que fueron sus anteriores éxitos discográficos. Pieces of me es el resultado de la suma de doce temas que muestran esas facetas de su personalidad, ese complejo puzzle que incluso evocando a grandes como Aretha Frankin, Billie Holliday o Patti La Belle no termina de casar. Ledisi posee una voz prodigiosa, única dentro del género soulful y en éste rompecabezas sólo nos muestra ritmos programados con poca creatividad e interpretaciones vocales bastante ligeras para lo que nos tiene acostumbrados. Haciendo un repaso por el repertorio encontramos Pieces of Me, primer single del álbum, una balada en la que destaca el piano y la voz de Ledisi, toda una oda

B.SIDE | OTOÑO 2011

en la que la artista se muestra desnuda evocando sus sentimientos más profundos y su carácter femenino ante el mundo que le rodea. Le sigue otra balada cargada de sensualidad So Into You. Bravo, un mid-tempo a piano de los que hacen chascar los dedos y mover la cabeza al ritmo de la base a los amantes del R&B. O I Miss You, uno de los cortes más personales donde Ledisi nos habla sobre el trance que pasa el corazón cuando la persona a la que amamos ya no forma parte de nuestra vida. En Stay Together, única colaboración del álbum, empasta a la perfección con Jaheim a pesar de esa monótona base y esos arreglos más que conocidos en el mundo del R&B. Shut Up (de espíritu optimista), Shine, Hate Me y BGTY, todos ellos transiciones del blues al R&B más actual con el siempre exquisito registro vocal de Ledisi. Como broche de oro, el remake de One Step Ahead de Aretha Frankin. Pieces of Me, a pesar de todo, adolece de una falta de creatividad sonora y frescura, echando en falta ese soul más purista que hizo brillar a la cantante norteamericana en sus anteriores trabajos. Esperamos más de sucesivos proyectos. ROBERTO CORTÉS


B-CURIOUS · MÚSICA

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"UNA EXQUISITA PRODUCCIÓN A MANO DE PAUL O'DUFFY ( DUSTY SPRINGFIELD, BARRY MANILOW Y LA PROPIA AMY), EN EL CUAL DIONNE ABORDA CON SUAVIDAD Y SOLTURA UN REPERTORIO DULCE, PEGADIZO Y MUY APROPIADO PARA UNA CHICA DE SU EDAD"

DIONNE BROMFIELD

GOOD FOR THE SOUL (Lioness Records. 2011)

L

a primera vez que oimos cantar a Dionne Bromfield contaba tan solo con 13 años. Era un video casero, en el que una amiga de la familia la acompañaba a la guitarra. Detrás de la cámara, estaba un tipo de aspecto taciturno que parecía impresionado con el talento de la pequeña. Hasta aquí todo sería una historia ordinaria más, si no fuera porque la guitarrista era Amy Winehouse, y el cámara Pete Doherty. Dionne enterneció a muchos con su versión dulce y aniñada de If I Ain't Got You de Alicia Keys. Su madrina, que también era filántropa, confió en ella desde ese instante y no dudó en ficharla para su sello discográfico: Lioness Records. Introducing Dionne Bromfield fue el debut del sello y de Dionne como artista. En él se nos presentó a una niña, vestida como tal, cantando versiones de hits de los “girl groups” de los 60 (Foolish Little Girl, Mamma Said, My Boy Lollipop...).

Algo refrescante en el panorama actual, donde sin ningun tipo de complejo se viste a púberes como las... estrellas del pop que quizás algún día serán. La madurez de su voz y la influencia de su madrina musical dejaban claro que Dionne es mucho más que una obra de caridad de Amy. Por si cabían dudas, este año se ha lanzado el que podría decirse que es el verdadero debut de Dionne: Good For The Soul. Todos los cortes están co-escritos por ella misma. A sus 15 años, forma parte del legado dejado por Winehouse, y como tal no cabría esperar ningún tipo de plástico injustificado y artificios. El disco suena como el de una Amy de la era Back To Black con 15 primaveras. Una exquisita producción a mano de Paul O'Duffy ( Dusty Springfield, Barry Manilow y la propia Amy), en el cual Dionne aborda con suavidad y soltura un repertorio dulce, pegadizo y muy apropiado para una chica de su edad. El sonido no

podría ser otra cosa que vintage. Dionne canta como si fuera la lider de una girl band de chicas malas, pero en temas tan tiernos como Too Soon To Call It Love descubrimos que en realidad no es Rizzo, sino un híbrido entre ella y Sandy. Esa vulnerabilidad quizas solo fruto de su edad hacen de su música un producto irresistible y apto para cualquier momento y estado de ánimo. No en vano, el disco cuenta con 14 temas en su versión normal, de los cuales tan solo 3 son prescindibles. No tiene tantas aristas como su mentora, pero poco a poco ira desprendiéndose de la etiqueta de "Winehouse para niños" y podrá hacerse un hueco con su propia identidad. PABLO DELGADO

B.SIDE | OTOÑO 2011


PASEOS ARQUITECTÓNICOS

MERCADO DE SANTA CATERINA, DISEÑADO POR ENRIC MIRALLES // MÁS INFORMACIÓN SOBRE BAW EN WWW.MIELARQUITECTOS.COM/BAW/

POR

BARCE

LONA TEXTO

CRISTINA JOVER

A TRAVÉS DE LA PROPUESTA QUE MIEL ARQUITECTOS PRESENTÓ HACE ALREDEDOR DE UN AÑO, PODEMOS CONOCER BARCELONA DESDE UN PUNTO DE VISTA MÁS ARQUITECTÓNICO MEDIANTE VISITAS TURÍSTICAS A LOS SITIOS MÁS REPRESENTATIVOS DE LOS PRINCIPALES MAESTROS CATALANES: ENRIC MIRALLES, ANTONI GAUDÍ E ILDEFONS CERDÀ.


B-CREATIVE · ARQUITECTURA

SON 3 PASEOS DIFERENTES DIRIGIDOS POR AQUITECTOS CON ANDAR CRÍTICO Y POSICIÓN CONTEMPORÁNEA, CON LA PRINCIPAL INTENCIÓN DE MOSTRARLE AL PÚBLICO LA CIUDAD DE BARCELONA, ALTAMENTE RECOMENDADOS POR SU RIQUEZA DE CONTENIDO Y CONOCIMIENTO SOBRE CADA UNA DE LAS OBRAS, POR UN PRECIO DE UNOS 25 EUROS (23 EUROS GRUPOS DESDE 3 PERSONAS Y 20 EUROS GRUPOS DESDE 10 PERSONAS) POR CADA TOUR DE APROXIMADAMENTE 2 HORAS. TODO UN LUJO CULTURAL DEDICADO A TODOS LOS PÚBLICOS CON CIERTO INTERÉS POR LA ARQUITECTURA Y POR DESCUBRIR LAS IDEAS, LOS CONCEPTOS Y LAS HISTORIAS QUE DIERON FORMA A LA ACTUAL BARCELONA.

ENRIC MIRALLES (BAW 1)

E

s considerado como el arquitecto español de su generación con más proyección internacional. Murió en el año 2000 a causa de un tumor cerebral sin poder ver acabadas varias de sus mejores obras que estaban a punto de empezar.

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ANTONI GAUDI (BAW II)

CASA MILÀ, EMBLEMA DEL ESTILO DEL ARQUITECTO ANTONI GAUDI

F

ue el máximo representante del modernismo catalán. Con su gran capacidad para ver sus obras tridimensionalmente en su cabeza, realizaba hasta el más mínimo detalle en ellas, personalizándolas con su sello, con su exquisitez a la hora de esculpir hasta el pomo de una puerta. La obra de Gaudí es una búsqueda constante de la perfección del arte, de la perfección personal y de la perfección de la sociedad humana. “La BAW.2 es el retrato de ese sueño sinuoso que llevó a Gaudí desde su inquietud por lo social, en una Barcelona en plena expansión metropolitana, hasta su inmersión en lo divino, viendo en la monumentalidad la síntesis final de lo arquitectónico y convirtiéndose así en “el último constructor de catedrales.”

ILDEFONS CERDÀ (BAW III)

“La BAW.1 es un viaje sosegado desde los cimientos de Barcelona hasta la realidad actual, acompañados por las ideas y modos de operar de Enric Miralles, malogrado genio que junto a Benedetta Tagliabue diseñaron una de las más brillantes obras de arquitectura de esta ciudad, el Mercado de Santa Caterina.”

VISTA AÉREA DE LA CIUDAD DE BARCELONA EN EL QUE SE APRECIA EL TRAZADO PROPUESTO POR CERDÀ

F

ue un urbanista, ingeniero, jurista, economista y político. Reconocido por ser el creador del Ensanche de Barcelona cuando en 1859 se aprobó su proyecto, creando con ello la nueva ciencia de la urbanización y el comienzo de la actual Barelona.

“Con la BAW.3 viajaremos al origen de las líneas maestras que trazó Ildefons Cerdà sobre el plano de Barcelona, aquella malla cuadrangular de 133×133 m sin límites ni jerarquías ni periferias que ha otorgado a Barcelona la condición de ciudad racional y avanzada tanto técnica como socialmente.” B.SIDE | OTOÑO 2011


ILUSTRACIÓN PERTENECIENTE A ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS, EDITADO POR EDELVIVES

ilustración especial

ANA JUAN SE HIZO CON EL PREMIO NACIONAL DE ILUSTRACIÓN EL PASADO AÑO. EN ESTA OCASIÓN LE TOCA EL TURNO A EMILIO URBERUAGA, AUTOR DEL ARCHICONOCÍDO MANOLITO GAFOTAS DE ELVIRA LINDO. ESTOS Y OTROS NOMBRES SON EL PASADO Y EL PRESENTE DE LA ILUSTRACIÓN CONTEMPORÁNEA. PERO EN B-SIDE QUEREMOS HACER UN REPASO MUY NUESTRO POR LA OBRA DE ALGUNOS DE LOS ILUSTRADORES MÁS INTERESANTES DEL PANORAMA ACTUAL.


B-CREATIVE · ILUSTRACIÓN

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RÉBECCA DAUTREMER

AMBAS PIEZAS SOBRE ESTAS LÍNEAS CORRESPONDEN A CYRANO, UNA DE LAS OBRAS MÁS FAMOSAS DE LA ILUSTRADORA FRANCESA

L

a ilustradora francesa Rébecca Dautremer, nacida en Galp en 1971, se ha convertido en una de las figuras indispensables de la escena europea. Empezó a desarrollar su estilo clásico con tintes de la escuela flamenca estudiando grafismo en la Escuela Superior de Artes Decorativas de París. Desde entonces su obra no ha parado de desarrollarse, abalada por el éxito editorial de cuentos como Princesas Olvidadas, Cyrano o Diario Secreto de Pulgarcito y la buenísima acogida de sus exposiciones por toda la geografía mundial. Más allá de la literatura infantil, Rébecca también al público adulto por la sobriedad de su trazo y la elegancia de cualquiera de sus ilustraciones.

PORTFOLIO ONLINE DE REBECCA DAUTREMER: www.rebeccadautremer.com

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B-CREATIVE · ILUSTRACIÓN

ILUSTRACIÓN CENTRAL PERTENECIENTE A UNA ANIMACIÓN PARA ROYAL BANK DE CANADÁ. // ABAJO IZQUIERDA: PORTADA DEL LIBRO CATS NIGHT OUT DE CAROLINE STUTSON. ABAJO DERECHA: STORMING THE CAPITAL

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B-CREATIVE · ILUSTRACIÓN

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JON KLASSEN

I

ILUSTRACIÓN "ICE CASTLE AND EVIL CASTLE

nfluenciado, en sus propias palabras, por nombres tan dispares como Charlie Harper, Pieter Bruegel o Saul Bass, el canadiense Jon Klassen (más concretamente nacido en Ontario aunque ha pasado buena parte de su vida en los Estados Unidos) demuestra un potente ojo para la composición, bien sea en animación, bien en ilustración física, jugando permanentemente con formas rectas, degradados de color y texturización vintage. En su amplio portafolio de trabajo llama la atención su contribución a la larga lista de videoclips de la banda U2 con I'll Go Crazy If I Don't Go Crazy Tonight de su último trabajo discográfico No Line On The Horizon.

PORTFOLIO ONLINE DE JON KLASSEN: www.burstofbeaden.com

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B-CREATIVE · ILUSTRACIÓN

ALEX DUKAL

EN EL SOBERBIO TRABAJO DE ALEX DUKAL DESTACA EL USO DEL COLOR Y EL TRATAMIENTO DE LA LUZ

O

riginario de la Patagonia, el ilustrador Alex Dukal muestra un dominio absoluto de las luces y el color, protagonistas indiscutibles de sus historias. A medio camino entre la literatura infantil y el trabajo para agencias, el argentino sigue desarrollando su labor artística, si bien en los noventa hubo espacio en su carrera para la docencia, la pintura e incluso el diseño web. Sus composiciones, ciertamente surrealistas, mezclan paisajes y personajes de toda índole generando un todo lleno de enigma y en el que pesa por encima de todo, la calidez. Todo un maestro en la sombra al que seguirle la pista.

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PORTFOLIO ONLINE DE ALEX DUKAL: www.circografico.com.ar PARA SEGUIR DÍA A DÍA SU TRABAJO Y APORTACIONES: http://alexdukal.blogspot.com/


B-CREATIVE · ILUSTRACIÓN

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TAKASHI MURAKAMI

MURAKAMI NO ES UN ARTISTA AL USO. DE AHÍ QUE SE DEBE VER POR REDES SOCIALES COMO TWITTER www.twitter.com/takashipom_en

A ARRIBA: TAN TAN BO PUKING - A.K.A. GERO TAN (2002) // ABAJO IZQUIERDA: MERCHANDISING DEL ARTISTA JAPONÉS CON SUS ARCHICONOCIDAS FLORES. // ABAJO DERECHA: PORTADA DE GRADUATION DEL RAPERO KANYE WEST

sus casi 50 años, el japonés Takashi Murakami ha conseguido posicionarse como una de las voces clave del movimiento pop en la segunda mitad del siglo pasado. Su cada vez más exitosa carrera trasciende los límites del propio arte, dando paso a una importante mercadotecnia generada con toda clase de productos de su firma y sello. Llegando incluso, tal es la extensión de su impronta, que se le considera precursor del Superflat , una suerte de movimiento post-modernista basado en el manga y el cómic, con ciertos resquicios de la tradición japonesa clásica. Su relación con la música se hizo patente cuando desarrolló la dirección creativa de Graduation, tercer álbum del rapero Kanye West. Abre bien los ojos, porque tras pasar por el MOCA de Los Ángeles, el francés Versailles o el Guggenheim bilbaíno, es posible que puedas ver la obra del japonés en tu ciudad en los próximos meses.

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fran cesc

rifé TEXTO

CRISTINA JOVER

RESTAURANTE ARROP (VALENCIA)

© FERNANDO ALDA www.fernandoalda.com


B-CREATIVE · INTERIORISMO

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EL CATALÁN FRANCESC RIFÉ ES YA UNO DE LOS DISEÑADORES MÁS PRESTIGIOSOS DEL CIRCUITO NACIONAL

CUANDO OBSERVAS DISTINTOS TRABAJOS SUYOS, PUEDES VER QUE TODOS TIENEN LO MISMO EN COMÚN. HAN PASADO MUCHOS AÑOS DESDE QUE FRANCESC RIFÉ EMPEZARA CON SU CARRERA, CUANDO ALLÁ POR 1994, DESPUÉS DE VARIAS COLABORACIONES CON OTROS ESTUDIOS, DECIDIERA FUNDAR SU PROPIO ESTUDIO. EN CADA UNA DE SUS OBRAS OBSERVAMOS SIMPLICIDAD (LEJOS DE DENOMINARLA MINIMALISMO), ORDEN ESPACIAL Y PROPORCIÓN GEOMÉTRICA.

A

sí defiende su filosofía de trabajo. Y es que este diseñador catalán, siempre busca el equilibrio entre todo ello como resultado de la propia funcionalidad que necesita cada espacio. Por ello, cada estancia la convierte en única, dotando al proyecto con la personalidad que se busca mediante la combinación de materiales y el diseño de distintos muebles. Tanto proyectos de interiorismo comercial como privados, nacionales o internacionales, Francesc Rifé se plantea las obras analizándolas hasta el mínimo detalle, para poder ofrecer la mejor propuesta lejos del interiorismo estándar. Para él, el espacio es el auténtico lujo. Haciendo alarde de que la excelencia es su día a día, Os ofrecemos una breve recopilación de algunas de sus últimas obras.

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B-CREATIVE · INFOGRAFÍA

PASTELERÍA POMME SUCRE (OVIEDO)

COMO SI DE UNA JOYERÍA SE TRATASE, LOS PASTELES SON EXPUESTOS EN VITRINAS DE CRISTAL A MODO DE RELIQUIAS. ADEMÁS DEL AMARILLO COMO PUNTO FUERTE, DESTACA QUE LAS VITRINAS SEAN EL ESPACIO QUE CONFECCIONA LAS ESTANTERÍAS INCRUSTADAS EN LA PARED © FERNANDO ALDA www.fernandoalda.com

más fotos de este proyecto en http://www.fernandoalda.com/index.php?Opc=105&Lng=1&Par1=480&Par3=22

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B-CREATIVE · INFOGRAFÍA

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RESTAURANTE ARROP (VALENCIA)

VIVO EJEMPLO DEL EQUILIBRIO ENTRE LO ANTIGUO Y LO NUEVO. SIN PERDER NI UN ÁPICE DE ELEGANCIA, CONSIGUE, MEDIANTE LA COMBINACIÓN DE PIEDRA Y CRISTAL, CONFECCIONAR UN AMBIENTE ESPECIAL CON LA AYUDA DE PUNTOS DE LUZ SUSPENDIDOS A DIFERENTES ALTURAS DEL TECHO. © FERNANDO ALDA

www.fernandoalda.com // más fotos de este proyecto en http://www.fernandoalda.com/index.php?Opc=105&Lng=1&Par1=510&Par3=22

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B-CREATIVE · INTERIORISMO

RESTAURANTE NU (GIRONA)

LA PIEDRA ES LA PROTAGONISTA DE ESTE PROYECTO, CONTEMPLANDOSE EN LA ESTRUCTURA QUE CUBRE EL TECHO. HA SIDO REALIZADA MEDIANTE DESPIECE SIGUIENDO UNA CUADRÍCULA QUE CREA ESPACIOS EN NEGATIVO PARA CAMUFLAR EL PASO DE LAS INSTALACIONES

más fotos de este proyecto en http://www.fernandoalda.com/index.php?Opc=105&Lng=1&Par1=592&Par3=22

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© FERNANDO ALDA www.fernandoalda.com


B-CREATIVE · INTERIORISMO

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UNO DE LOS PUNTOS FUERTES DE ESTE LOCAL ES EL TECHO DE CRISTAL SUSTENTADO POR LAS VIGAS (ALGUNAS MERAMENTE DECORATIVAS) QUE SE HAN DEJADO VISTAS, OFRECIENDO LUZ NATURAL A TODO EL ESPACIO

TIENDA NINO ÁLVAREZ (ANNEX)

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LOOK BOOK Otoño 2011

EL OTOÑO POR FIN ESTÁ ENTRE NOSOTROS. LA ESTACIÓN QUE MUCHOS ESTABAN ESPERANDO PARA LUCIR SUS MEJORES GALAS. LOOKS DE TEMPORADA DE INSPIRACIÓN RETRO QUE VAN DESDE EL VINTAGE MÁS CINCUENTERO Y ELEGANTE HASTA LA ESTÉTICA ROCKERA MÁS CASUAL. B-SIDE TE LO PONE FÁCIL SI QUIERES ESTAR A LA ÚLTIMA. ATENTO A NUESTRAS PROPUESTAS.

ESTILISMOS ILUSTRACIONES

DORY ÁLVAREZ ABAD

CARLOTA HERNÁNDEZ


B-TRENDY · TENDENCIAS TEMPORADA

87

Midnight / Él CINTURÓN DE PIEL DE COS - 39 €

CARDIGAN DE LANA MERINA DE H&M - 34,95 €

CAMISETA GRÁFICA DE COS - 29 €

TROLLEY DE CABINA DE ZARA - 79,95 €

PANTALÓN DE H&M - 19,95 €

PORTADOCUMENTOS DE ZARA - 17,95 €

RELOJ BICOLOR DE

WEARESELECTERS - 17,48 € BLUTCHER DE PIEL DE ASOS

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B-TRENDY · TENDENCIAS TEMPORADA

Midnight ) Ella BROGUES DE PIEL METALIZADA DE TOPSHOP

JERSEY DE PUNTO METALIZADO DE DOROTHY PERKINS SUJETADOR DE SEDA DE TOPSHOP

MÁSCARA DE PESTAÑAS DE LANCÔME - 25 €

PANTALONES SASTRE DE ZARA - 45,95 € BLUSA DE GASA SIN MANGAS DE TOPSHOP MITONES DE PIEL CON TACHUELAS DE FRIIS & COMPANY - 29,95 €

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B-TRENDY · TENDENCIAS TEMPORADA

89

Vino tinto ) Él

CAMISA DENIM DE ALGODÓN DE COS - 59 €

AMERICANA DE TERCIOPELO DE H&M - 49,95 €

BOLSO BOWLING DE PIEL Y SINTÉTICO DE ZARA - 139 €

BOTINES BROGUES DE PIEL DE MANGO - 129,95 €

CALCETINES TRICOLORES DE COS - 12 €

CAMISETA DE ALGODÓN DE H&M - 9,95 € GAFAS ESTILO "RETRO" DE WEARESELECTORS - 14,50 €

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90

B-TRENDY · TENDENCIAS TEMPORADA

Burgundy ) Ella

BLUSA SATINADA ESTAMPADA DE COS

CAMISA DE CREPE COMBINADA DE TOPSHOP

BOLSO SATCHEL DE PIEL DE MISSELFRIDGE - 52 €

SUJETADOR DE GASA DE TOPSHOP

PANTALONES DE LANA 70'S DE COS - 89 € FALDA LÁPIZ DE TOPSHOP ZAPATOS GLITTER DE PEDRO GARCÍA

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B-TRENDY · TENDENCIAS TEMPORADA

91

Nómada ) Él LLAVERO MOSQUETÓN DE COS - 12 €

CALCETINES JACQUARD DE ASOS

JERSEY DE PUNTO MELANGE DE COS - 79 €

VAQUEROS SLIM-FIT DE COS - 79 €

PARKA DE ALGODÓN DE TOPMAN BOTAS DE PIEL DE ZARA - 69,95 €

BUFANDA DE DOBLE FAZ DE COS - 25 €

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B-TRENDY · TENDENCIAS TEMPORADA

Grunge ) Ella

GORRO DE LANA CABLEADA DE TOPSHOP

PARKA CON CAPUCHA DE PULL&BEAR - 49,99 €

BOLSO BANDOLERA DE LONA Y PIEL DE ZARA - 49,95 €

CAZADORA-CHAL DE PIEL DE HAIDER ACKERMAN - 2598 €

CHAQUETA DE LANA Y PIEL DE COS - 125 €

SUJETADOR Y TANGA DE ALGODÓN DE BLANCO - 8,99 € y 3,99 €

ZAPATILLAS DE NOBUK DE HOSS INTROPIA

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B-TRENDY · TENDENCIAS TEMPORADA

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Posguerra ) Él

AMERICANA DE ALGODÓN ATERCIOPELADO DE COS - 175 € POLO DE PIQUÉ CON CUELLO DE TARTÁN DE FRED PERRY - 60 £ (70 €)

PAJARITA BURDEOS DE EL GANSO - 25 € CALCETINES RAYADOS DE COS - 5 €

BLUTCHER-DEPORTIVOS DE ANTE DE FRED PERRY

CHINOS "RELAXED" DE ALGODÓN DE COS - 69 €

GORRA DE CUADROS DE EL GANSO - 30 €

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B-TRENDY · TENDENCIAS TEMPORADA

COLONIA GLAMOUR 100ML. DE MOSCHINO - 82,5 €

Posguerra ) Ella

GAFAS DE SOL NACARADAS DE BIMBA&LOLA - 85 €

BLUSA DE SEDA ESTAMPADA DE TOPSHOP

ZAPATOS ABOTINADOS DE SERRAJE DE DOROTHY PERKINS GUANTES DE PIEL CON PELO DE BIMBA&LOLA - 92 €

VESTIDO DE ALGODÓN DE MANGA FRANCESA DE COS - 79 €

ABRIGO DE LANA DE MIU MIU BOLSO DE PIEL DE ZARA - 89,95 €

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B-FAMOUS · RICCARDO TISCI

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RICCARDO TISCI

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ablar de Riccardo Tisci es hacerlo sobre el nuevo glamour gótico. Su estilo romántico, a la vez que intimista, sensual y melacólico, refleja su pasado personal y convierte el estilo de este joven milanés en uno de los hits más cotizados del panorama no solo de la moda sino del arte actual. Todas sus creaciones están cargadas de un tamizado estilo gótico. Un oscurantismo dinámico, fresco y muy rock. Rozando lo trash, Tisci siempre sabe como dotar a sus creaciones de un inteligente sentido de la medida. Un equilibrio ideal de formas entre una geometría dura y arriesgada acompañado de un moderno barroquismo con el que consigue una bella armonía musical de formas, perfecta para no dejar indiferente a nadie. Al margen de su faceta como director creativo de Givenchy, y su rumoreada sucesión como cabeza de la firma Dior, el italiano se ha hecho cargo del diseño de Watch The Throne, una de las colaboraciones más controvertidas del año, entre los raperos Kanye West y Jay-Z.

LUIS ALBERTO BERRENDERO

KANYE WEST & JAY-Z WATCH THE THRONE (Roc-A-Fella R./Def Jam 2011)

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IMAGEN DEL LIBRETO DE WATCH THE TRHONE CON RICCARDO TISCI AL FRENTE DE LA DIRECCIÓN CREATIVA

astante acertada es la frase con la que Jay-Z y Kanye West han decidido titular su primer álbum conjunto. Watch The Throne, o lo que viene siendo para los hispanohablantes, “vigila el trono”. Y es que de manera individual son los cabezas de cartel del hip-hop mundial; todo lo que tocan lo convierten en oro y no tienen ningún tipo de intención de abandonar el sillón de reyes de la industria estadounidense. En conjunto no tenía por qué ser diferente, así que el de New York y el de Atlanta visten sus mejores galas para ofrecernos un disco opulento, en el que el barroquismo sonoro y la autocomplacencia más gratuita se unen en un ejercicio de vanalidad absoluta. Para rematar esta muestra de presuntuosidad, nada como contar con la cara más cotizada de la moda

mundial, Riccardo Tisci. Con todo, y teniendo en cuenta que no se asemeja en nada a la obra maestra que West nos dejó el pasado año (My Beautiful Dark Twisted Fantasy), encontramos momentos de alto nivel y verdadera vanguardia… No Church In The Wild, Why I Love You, Murder To Excellence o ese oscurísimo Ni**as in Paris dan ejemplo. JESÚS ROMÁN B.SIDE | OTOÑO 2011


JESÚS DEL POZO ATENTO A LOS DETALLES ENTRE BASTIDORES DE LA COLECCIÓN OTOÑO/ INVIERNO 2011/2012

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JesúsPozo DEL

my·man

TEXTO

ESPERANZA GARCÍA CLAVER

FOTOGRAFÍA BACKSTAGE

JAVIER TOMAS-BIOSCA www.javiertomasbiosca.com

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B-TRENDY · JESÚS DEL POZO

ESTE VERANO VEÍAMOS PARTIR A LA AGUJA DE ORO DE LA MODA ESPAÑOLA, DEJANDO ATRÁS CASI CUATRO DÉCADAS DE CARRERA Y UN SÓLIDO NOMBRE DENTRO DE LA INDUSTRIA INTERNACIONAL. NADIE MEJOR QUE ESPERANZA GARCÍA CLAVER, QUIEN FUERA SU RESPONSABLE DE COMUNICACIÓN DE 2004 A 2008 Y QUE COMPARTIÓ GRANDES MOMENTOS CON DEL POZO, PARA HABLARNOS CON FIDELIDAD DE LOS PUNTOS CLAVES DEL ESTILO DEL MODISTO ESPAÑOL, UNA SOMBRA QUE VIMOS REFLEJADA CON ROTUNDO ÉXITO EN LA PASADA EDICIÓN DE CIBELES. CON MY MAN DE BARBRA STREISAND ABRIERON SU PRIMER DESFILE PÓSTUMO Y CON ESAS MISMAS DOS PALABRAS COMENZAMOS NUESTRO PARTICULAR HOMENAJE

OTOÑO/INVIERNO 2011/12

LOOK EN PUNTO Y LANA CON DETALLE EN LATÓN PERTENECIENTE A LA ÚLTIMA COLECCIÓN DEL MODISTO ESPAÑOL EN VIDA.

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B-TRENDY · JESÚS DEL POZO

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NERVIOS ANTES Y DURANTE LA PRESENTACIÓN EN CIBELES DE LA COLECCIÓN PRIMAVERA/VERANO 2011

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odas las veces que he escrito sobre Jesús del Pozo ha sido sobre su proceso creativo; su lenguaje plástico; su armonía estética; la combinación de formas, colores y texturas; sus volúmenes; su carácter artesanal; su sencillez aparente; su naturalidad y elegancia… Por encima de todos estos valores que identifican a un maestro y a una marca, también se identifica a una persona maravillosa, a un sencillo y sincero compañero de la vida. La austeridad del caballero castellano, la gracia de las artes escénicas, la sensibilidad de un artista, las manos de un artesano y el sentido conceptual de un arquitecto, hacen de su trabajo y de su obra una coherencia vital. A Jesús no le interesaba aquello que gritaba, lo estridente o lo obvio, sino lo auténtico, la seguridad y confortabilidad por dentro. Ese lujo íntimo tan difícil de alcanzar, que se une inevitablemente a la armonía, la coherencia, el silencio y la depuración de formas.

" " ME IMPORTA EL LUJO POR DENTRO MÁS QUE POR FUERA, EL QUE SE SIENTE AUNQUE NO SE VEA JESÚS DEL POZO

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FITTING LA NOCHE PREVIA AL DESFILE. EL CANSANCIO A MITAD DE LA NOCHE ERA EVIDENTE EN LA GENTE DEL EQUIPO


PRIMAVERA/VERANO 2012

LA MODELO CARMEN KASS EN EL ÚLTIMO DESFILE DE CIBELES CON VESTIDO COLOR TESTA DI MORO DE PUNTO DE SEDA


B-TRENDY · JESÚS DEL POZO

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MODELO EN PRIMER PLANO: CARDIGAN DE TRICOT. ESTA COLECCIÓN ESTÁ BASADA EN LA MUJER DE LOS AÑOS 50,

De este proceso de abstracción de formas, texturas, materiales y colores se alcanza la esencia de la sensibilidad y creatividad, lo auténtico. Jesús era fiel a sus ideas y a su criterio estético de manera espontánea y lo transformaba en filosofía de vida. Por este motivo, la mujer Jesús del Pozo es atemporal, elegante, que no llama gratuitamente la atención, con inquietudes, admirada por fuera y segura por dentro, porque el auténtico lujo es sentirse única.

A MIS MUJERES LAS VES SI LAS MIRAS JESÚS DEL POZO

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ÚLTIMOS RETOQUES ANTES DE SALIR A ESCENA


B-CREATIVE · RECOMENDAMOS

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WEEKEND PILLS BY MR. MARCEL SCHOOL

(MADRID)

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n el marco de las actividades de MrMarcelSchool, centro de formación de diferentes disciplinas dentro del ámbito de la creatividad, nacen las Weekend Pills: un ciclo de ponencias de profesionales del sector que tendrán lugar los fines de semana y que estarán acompañadas por las presentaciones de jóvenes talentos, por un lado, y de talleres de creación dedicados a los niños, por otro. Las Weekend Pills tendrán lugar dos sábados al mes, durante los meses de Noviembre, Enero, Febrero, Marzo y Abril en utopic_US, el gran espacio para la creatividad y la inspiración en el corazón de Madrid. Se componen de tres actividades complementarias: las ponencias de profesionales, las presentaciones de jóvenes talentos Intermission y los talleres …for kids Las ponencias serán impartidas por profesionales de diferentes ámbitos del mundo de la creatividad, la cultura, la comunicación, el diseño o la animación, y tendrán el formato de charlas amenas y cercanas… ¡Que son en fin de semana! Con ello, MrMarcel School busca enriquecer el espíritu de todo aquel que quiera acercarse a su sede y compartir un rato con ellos.

MÁS INFORMACIÓN: www.facebook.com/MrMarcelSchool

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NOTICIAS BREVES


B-CULTURED · BREVES CINE

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JOSE LUIS ALCAINE, MEDALLA DE ORO

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EL GALARDONADO DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA

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ras una larga espera, el pasado mes de marzo, Peter Jackson inició el rodaje de la historia previa a El señor de los anillos llamada El hobbit . Jackson ya fue el director de las tres partes de la saga multimillonaria que consiguió diecisiete Oscar en total. La cinta cuenta la leyenda del hobbit Bilbo Bolsón, tío de Frodo (protagonista de la trilogía), que viaja a la Montaña Solitaria acompañado

EL HOBBIT. EL REGRESO DE PETER JACKSON

l 4 de octubre, José Luis Alcaine, director de fotografía, recibió la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España por su trabajo dedicado a la luz. Nacido en Tánger, fue el primero que utilizó la iluminación de tubos fluorescentes como luz de apoyo en la década de los 60. Alcaine agradeció el homenaje y afirmó haber tratado de disfrutar en todas las películas en las que ha participado, tanto en las buenas como en las malas. Y puestos a soñar, le gustaría estar a las órdenes de los hermanos Coen. Hemos podido ver su trabajo en películas como ¡Átame!, Belle Epoque, Las trece rosas o en la reciente La piel que habito.

por un grupo de enanos para recuperar un tesoro robado por el dragón Smaug. Este largometraje de fantasía vuelve a contar con la presencia de Cate Blanchett que interpreta el mismo personaje que ya encarnó en El señor de los anillos. Como escenario de fondo, repiten los maravillosos paisajes de Nueva Zelanda. No está de más anunciar a los seguidores más fieles que Peter Jackson cuelga vídeos en la Red donde narra y desvela algunos secretos de la película. Si no surge ningún contratiempo, en España tendremos que esperar hasta diciembre del año 2012 para ver esta nueva aventura basada en la obra literaria de J. R. Tolkien.

BARDEM, EL NUEVO ENEMIGO DE 007

EL ACTOR ESPAÑOL PROSIGUE SU ANDADURA EN HOLLYWOOD

J

avier Bardem será el nuevo villano de la nueva entrega de James Bond. El ganador del Oscar por No es país para viejos. confirmó esta noticia en un programa de la cadena estadounidense ABC. El agente secreto británico ha tenido muchos enemigos, incluso se ha enfrentado a mujeres de armas tomar, pero solo dos habrán tenido acento español, recordemos a Fernando Guillén Cuervo en Quantum of Solace. El título oficial de la película todavía no se ha anunciado, lo que sí se sabe es que será dirigida por Sam Mendes (American Beauty) y Daniel Craig encarnará, por tercera vez, a James Bond. Su entreno está previsto para noviembre de 2012.

NOLAN CIERRA LA TRILOGÍA DE EL CABALLERO OSCURO

C ANNE HATHAWAY CARACTERIZADA COMO CATWOMAN

hristopher Nolan está al mando de la tercera y última parte de la trilogía de Batman, que él mismo dirige y que se titulará El caballero oscuro: la leyenda renace. La cinta se estrenará en julio del 2012. Repiten Christian Bale, Morgan Freeman y Michael Caine como personajes principales. Además, se incorpora una nueva “gatita”, encarnada por Anne Hathaway, y que seguro sorprenderá con un look mucho más actual del que estamos acostumbrados a ver en las felinas de Batman. Hans Zimmer será el encargado de la banda sonora. La película se rueda en la ciudad de Los Ángeles aunque Nolan amenaza con desplazarse hasta Nueva York para rodar imágenes de las protestas de los “indignados” norteamericanos, conocidos como el movimiento Occupy Wall Street. B.SIDE | OTOÑO 2011


PEDRO ALMODOVAR Y VICTORIA ABRIL

Pedro Almodovar POCO QUEDA YA QUE CONTAR SOBRE UNO DE LOS MANCHEGOS MÁS INTERNACIONALES DE NUESTRO PANORAMA ACTUAL. CASI TODOS CONOCEMOS QUE NACIÓ EN CIUDAD REAL EN 1949. TAMBIÉN, QUE MUCHO ANTES DE CONVERTIRSE EN DIRECTOR DE CINE, FUE ADMINISTRATIVO EN UNA COMPAÑÍA TELEFÓNICA, Y QUE HACE UNOS 31 AÑOS EMPEZÓ UNA CARRERA METEÓRICA EN LA INDUSTRIA CINEMATOGRÁFICA. TEXTO

FEDE CASTAÑO

© Mimmo Cattarinich


B-CRITIC · MÚSICA B-CULTURED · CINE

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uizás sea menos conocida su faceta como dibujante, en los años en los que se ganaba la vida como administrativo, mientras explotaba su vena artística aprovechando el excelente caldo de cultivo de la noche madrileña. Fue en 1980 cuando estrenó su primera película comercial Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón. La llevó a cabo con un presupuesto de unos 3000 euros – 500.000 de las antiguas pesetas- y le llevó más de un año rodarla, debido a problemas técnicos y logísticos. Aunque la técnica era pobre, la base narrativa sobre la que se asienta el film, ya mostraba flecos de lo que hoy se ha convertido en un sello personal. Es este estilo reconocible lo que ha generado que el director manchego tenga tantos detractores, principalmente debido a que refleja una cultura suburbana cuyo objetivo, o al menos uno de ellos, es escandalizar a la clase burguesa acomodada. El problema, si se puede definir de esta manera, con cualquier película de este director, productor y guionista, es que lejos de la máquina comercial cinematográfica, presenta unos personajes increíbles con problemas mundanos. Esto hace que empatizar con ellos sea difícil, por lo tanto introducirse en sus truculentas historias puede ser imposible para algunas personas. Es el principal motivo por el que a Almodóvar se le adora o se le odia.

CARTEL DE

TACONES LEJANOS (1991)

Con independencia de esto, todos se deben doblegar sin duda a su genio artístico, principalmente por dos motivos. El primero, porque cuida la composición de cada fotograma de una manera casi obsesiva. Un claro ejemplo es la utilización del color en sus películas; el gusto por los colores contrastados tan propios de la cultura Punk es muy característico (destacar que casi siempre busca que en cada plano

haya algo de azul y rojo). La segunda, la

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EL DIRECTOR MANCHEGO DA INSTRUCCIONES A LA ACTRIZ ELENA ANAYA DURANTE EL RODAJE DE

LA PIEL QUE HABITO

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capacidad que tiene para construir unos personajes redondos con un fondo y una profundidad casi únicos. La clásica dicotomía entre el bien y el mal se diluye en sus películas, haciendo muy difícil encontrar la línea que separa estos dos extremos. Y no podemos olvidar la maestría con la que dirige a los actores, para dar forma a estos personajes, en especial a las mujeres. Aunque esto tampoco sea un secreto. Si puede haber un pero en su carrera profesional, es el creado por los desacuerdos con la academia del cine. Muchos criticaron su postura por ser uno de los grandes beneficiados de las subvenciones repartidas al cine español. Independientemente de los debates que puedan surgir a raíz de este sistema de financiación, los cuales merecen un artículo aparte, si es cierto que el mencionado conflicto parecía fruto del choque de los egos desmesurados, pues se debía principalmente a no estar de acuerdo en las votaciones que dejaron a Hable con ella (2001) fuera de la selección para la entrega de los Oscars. Aunque más tarde se intentaran acercar posturas adjudicando dichos enfados a un desacuerdo con el sistema de votaciones, más que por las votaciones en sí mismas. Por suerte esta etapa parece olvidada ya y el omnipresente director vuelve a ser noticia una vez más por su trabajo. En esta ocasión, con La piel que habito.

LA PIEL QUE HABITO (El Deseo, 2011)

a última obra de Almodóvar es un vano intento de presentarse como un director capaz de manejar cualquier género. Y si lo es, es porque el film rezuma el sello característico del director manchego por los cuatro costados. Una historia truculenta en la que la venganza y el amor se diluyen. Unos personajes que de tan profundos y complejos, rozan lo increíble. La película no se aleja de los tonos clásicos de Almodóvar, y aunque se pretende tocar una atmósfera más inquietante, no se llega a realizar con total éxito. Que mal hizo Operación Triunfo inculcando en los artistas que deben saber tocar cualquier palo. No hay hecho más falso. La perfección se alcanza con la especialización, y está claro que Almodóvar está más cerca de dicha absoluta en sus dramedias habituales, ya que es donde se desenvuelve como pez en el agua. En resumen, una historia más de este talentoso director que sólo aquellos que ya amen su trabajo podrán disfrutar.

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B-CULTURED · CINE

LOS IMPRESCINDIBLES

110 min. Dennis Gansel GUIÓN Dennis Gansel, Peter Thorwarth MÚSICA Heiko Maile FOTOGRAFÍA Torsten Breuer REPARTO Jürgen Vogel, Frederick Lau, Jennifer Ulrich, Max Riemelt, Christiane Paul, Elyas M'Barek, Jacob Matschenz... AÑO

2008

DURACIÓN

PAÍS ALEMANIA DIRECTOR

L

a pregunta “¿Podría volver a pasar?” marca el punto de partida del director Dennis Gansel para llevar a cabo un largometraje que no deja indiferente a nadie. Da cierto miedo pensar que en una sociedad como la nuestra, aparentemente avanzada, se instale de nuevo un régimen dictatorial. Basada en la novela de Morton Rhue, escrita a mediados de los 80, La ola cuenta la historia de un profesor de instituto llamado Rainer Wegner (Jürgen Vogel) que debe concienciar a sus alumnos acerca del tema de la autocracia durante la semana de proyectos. Para intentar explicar el significado real de esta palabra realiza un experimento en el que se verá envuelto, y que sin querer, también verá afectada su vida privada y la de los adolescentes, pero cuando quiere parar “el juego”, Rainer se da cuenta de que “la

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ola” ya es imbatible. La situación se le ha ido de las manos. Rodada en el año 2008, la historia transcurre en una ciudad ficticia de Alemania, aunque no se ha querido relacionar este fenómeno a ningún sitio real alemán. Cabe destacar la gran presentación que se hace de los personajes, cada uno muestra su vida cotidiana y la relación tan chocante que tienen con sus padres. Es de aplaudir la dirección de actores, tanto alumnos como profesores bordan sus papeles haciendo muy creíble cada uno de los personajes. Existen estereotipos muy marcados que nos trasladan a nuestra época adolescente; todos hemos conocido a un pijo, a una hippie, a un rebelde o a un marginado. Más que una película, parece un documental. Tenemos esa sensación de realismo continuamente. Lleno de localizaciones tanto internas, (el colegio, la discoteca, casa de profesor y alumnos) como externas, donde por ejemplo, la calle se convierte en testigo de esa revolución que acaba de comenzar. Como último apunte, aparece una banda sonora que encaja a la perfección con el espíritu rebelde de los estudiantes.

La ola


B-CULTURED · CINE

POR

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OLGA FRANCO

Mi vida sin mi

C

on 23 años, Ann (Sarah Polley) descubre lo que es vivir cuando le detectan un cáncer terminal. Dos hijas pequeñas y un marido en paro, le han tenido demasiado ocupada para pensar en ella misma. A partir de esa terrible noticia, Ann elabora una lista con las diez cosas que tiene que hacer antes de morir. Ann lleva una vida paralela, todo su entorno desconoce que en dos meses morirá. Sin embargo, Isabel Coixet, directora de la cinta, tomaría la decisión contraria de estar en el lugar de la protagonista: “Ann es la mujer que me gustaría ser y no soy. Me gustaría compartir la pena de que me voy a morir con todo el mundo. No sería una persona heroica como la protagonista, sino una cobarde”. La sensibilidad que tiene Mi vida sin mí es casi indescriptible con palabras, Coixet quiere emocionar y lo consigue. Podríamos decir que es una película triste, con un dramatismo extremo, que hay que armarse de valor para verla, pero el mensaje que se quiere transmitir es muy distinto: la vida es corta, por lo tanto disfrutemos al máximo. La cámara en mano y el hecho de evitar casi el uso

de planos fijos, hace que nos acerquemos más a la historia, la hace más creíble consiguiendo que en muchas escenas se escape alguna lágrima. Es necesario resaltar la interpretación de Sarah Polley, la sencillez en persona, parece que esta historia fue escrita para que solo ella la interpretara, está extraordinaria. Respaldada por la productora El deseo, la película tuvo una gran acogida en el Festival de Cine de Berlín donde 2.000 espectadores se pusieron en pie y aplaudieron este largometraje que además consiguió el Premio de los exhibidores. También se alzó con dos Premios Goya al mejor guión adaptado y a la mejor canción original en el año 2003.

AÑO

2003

DURACIÓN

106 min. Isabel Coixet

PAÍS ESPAÑA DIRECTOR GUIÓN Isabel

Coixet Alfonso de Villalong FOTOGRAFÍA Jean Claudie Larrieu REPARTO Sarah Polley, Scott Speedman, Mark Ruffalo, Amanda Plummer, Leonor Watling, Deborah Harry... MÚSICA

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B-CULTURED · CARTELERA CINE

La voz dormida

A

21/10/2011 GÉNERO: Drama Benito Zambrano GUIÓN Benito Zambrano, Carmen LópezAreal, Ignacio del Moral MÚSICA Magda Rosa Galván, Juan Antonio Leyva FOTOGRAFÍA Alex Catalán REPARTO Inma Cuesta, María León, Marc Clotet, Daniel Holguín, Ana Wagener... ESTRENO:

PAÍS ESPAÑA DIRECTOR

Las aventuras de Tintín

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l maestro del cine Steven Spielberg lleva a la gran pantalla y en 3D Las aventuras de Tintín, la exitosa saga de cómic de Hergé protagonizada por un astuto periodista y su fiel sabueso, Milú. Es una de las películas más esperadas del año y, aunque apenas han trascendido detalles, seguro que vendrá cargada de misterio, intriga, suspense, acción y mucha emoción. Los protagonistas de la cinta serán el británico Jamie Bell (Billy Elliot), en el papel de Titín, y Andy Serkis (Gollum, en El señor de los anillos), que dará vida al Capitán Haddock. Finalmente, Daniel Craig (el actual James Bond) será Rackham el Rojo.

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spirante a representar a España en los Oscar en la próxima edición de estos premios, La voz dormida es un filme desgarrador que traslada al espectador hasta el corazón de la España de la posguerra. Dirigida por Benito Zambrano y protagonizada por Inma Cuesta, Ana Wagener y Ángela Cremonte, este drama es la adaptación cinematográfica de la novela más conocida de la escritora extremeña Dulce Chacón, fallecida en 2003. La película cuenta la historia de Hortensia, una mujer embarazada, apresada por ser opositora al régimen franquista y su lucha por escapar de la ejecución inminente, programada para después de su parto. Su hermana Pepita, hará todo lo posible para liberar a su hermana de la condena al tiempo que intenta huir de las garras de un amor prohibido.

28/10/2011 Animación/Aventuras PAÍS USA DIRECTOR Steven Spielberg GUIÓN Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish MÚSICA John Williams REPARTO Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost, Toby Jones... ESTRENO: GÉNERO:


B-CULTURED · CARTELERA CINE

Crepúsculo: Amanecer (Vol 1)

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CARTELERA

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risten Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner regresan al cine para protagonizar la cuarta entrega de la popular saga Crepúsculo, de la escritora estadounidense Stephenie Meyer. Dirigida por Bill Condon, Amanecer será presentada a los amantes del cine de ficción y vampiros, tan de moda en estos momentos, en dos partes por cuestión de tiempo. El estreno de la segunda parte está previsto para noviembre de 2012. En esta cuarta parte, Edward y Bella deciden sellar su amor a través del compromiso y celebran su boda. Felices e ilusionados por iniciar su nueva vida juntos, marchan hacia un lugar idílico en el que pasar su luna de miel. Durante su estancia, Bella se queda embarazada y, aunque ama al bebé con toda su alma, pronto se da cuenta de que traerlo al mundo no va a resultar tan fácil como ella creía.

18/11/2011 Fantástico PAÍS USA DIRECTOR Bil Condon GUIÓN Melissa Rosenberg MÚSICA Carter Burwell FOTOGRAFÍA Guillermo Navarro REPARTO Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Anna Kendrick, Peter Facinelli, Dakota Fanning, Ashley Greene, Jackson Rathbone, Nikki Reed... ESTRENO: GÉNERO:

Asesinos de élite

R GÉNERO: Thriller Gary McKendry GUIÓN Gary McKendry, Matt Sherring MÚSICA Reinhold Heil, Johnny Klimek FOTOGRAFÍA Simon Duggan REPARTO Robert De Niro, Jason Statham, Clive Owen, Yvonne Strahovski, Dominic Purcell, Adewale Akinnuoye-Agbaje... ESTRENO:

18/10/2011

PAÍS USA DIRECTOR

obert De Niro, Clive Owen y Jason Statham se ponen a las órdenes del debutante Gary McKendry para protagonizar Asesinos de élite, un trepidante thriller, rebosante de acción, basado en la novela The Feather Men del autor Ranulph Fiennes. La película cuenta las hazañas de tres ex miembros de las fuerzas especiales que son contratados por un jeque árabe para llevar a cabo una peligrosa misión: matar a los tres miembros del Servicio Especial Aéreo británico (SAS), responsables de la muerte de tres de sus hijos durante unos disturbios ocurridos en Omán diez años atrás.

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B-side Magazine Issue #2  

B-side Magazine, revista de índole cultural con la música como eje central · MÚSICA · ARTE · CULTURA · DISEÑO · TENDENCIAS · Para hablar de...

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