Pop Art

L.a edición en Pop Art España: diciembre 2020

© 2022 by Hurtado Allison y García Sherly Diseño de la colección: Pop Art Reservados todos los derechos de esta edición para © Hurtado Allison y García Sherly, S.A. de C.V Estado de México, Cuautitlán Izcalli, Col. Santa Maria las Torres, Avenida Primero de Mayo s/n, Campo Uno. Tel. 5521963594 Fax 55987-9654

ISBN: 964-654-753-126-4

Impresión: Litográfica Ingrames S.A de C.V - Centeno 162.1 - México, D.F Impreso en México

ÍNDICE

¿QUÉ ES EL POP ART?

8

Su historia en pocas palabras 10 Pop Art en EUA 14 Pop Art en Europa 16

¿POR

QUÉ Y PARA QUÈ?

18 Objetivos 20

ARTISTAS Y

OBRAS

31

Roy Lichtenstein 32 Whaam! 34 Look Mickey 36 Mujer en el baño 37

La belleza del día: “Mujer llorando” 39 Keith Haring 41 Andy Mouse (1986) 45 Ignorance = Fear 46 Safe Sex (1988) 48 Andy Warhol 50 Díptico de Marylin Monroe 52 Skulls (1979) 57

3-D Vacuum 59 JEFF KOONS 60 Play-Doh 62

Three Ball 50/50 Tank 65 GLOSARIO 68

Y todo comenzó con una lata...

El arte tiene muchas vertientes y al ahondar en éste no podemos apartarnos de su historicidad porque su espacio y su tiempo nos servirán como discurso para orientarnos un poco: ”la idea del arte varía continuamente según las épocas y los pueblos, y lo que para una determinada tradición cultural era arte, parece disolverse frente a nuevos modos de actuar y gozar”.

Hay quienes sostienen que es un arte surgido a partir de la era posmoderna y existen algunos otros que afirman que no es arte porque éste último no puede ser el resultado de imágenes superfluas y estéticamente burdas sino de la inspiración individual de cada artista, sin embargo, tenga aceptación o no, ya es conocido como Arte Pop.

Lo irreverente, lo prosaico, lo cómico, lo exagerado, lo polémico, lo satírico, de eso está lleno el Arte Pop pero hay mucho más que ver, el trasfondo de una sociedad basada en el consumo es el motivo. No es positivo ni negativo, simplemente es.

Lo que sucede con el Arte Pop es curioso, es considerado arte gracias a su irreverencia y crítica creativa; ha marcado una tendencia y, al mismo tiempo, resulta ser un objeto de consumo masivo. Pero no es la única corriente que ha caído en este ámbito comercial, actualmente podemos darnos cuenta de que todo el arte está inmerso en la industria cultural. Las obras se han masificado a través de productos.

La corriente Pop, para muchos no ha dejado de ser “un arte menor, una curiosidad kitsch destinada al mero entretenimiento de las masas”, no hay que tratar de cambiar posturas, de eso está

hecho el mundo, de la diversidad de opiniones, sin embargo, lo que si resulta indiscutible es que, a pesar del rechazo y falta de aceptación, el Arte Pop marcó una corriente y está plasmado en la historia del arte moderno.

El Arte Pop justifica su existencia en el arte porque fue un movimiento que manifestó su inquietud sobre el cambio que se estaba gestando en una sociedad que era bombardeada por imágenes para incitar el consumo.

Sus exponentes se arriesgan a parodiar lo que nadie ve en la mercancía, es decir, los productos utilizados por las mayorías fueron removidos de su contexto, se les dio la oportunidad de ser admirados y pertenecer al ámbito artístico, es decir, lo cotidiano se volvió insólito y extraño en las pinceladas Pop.

Para entender el Pop Art la mejor forma que podemos hallar es tratar de verlo según su propio criterio, sus propios límites (si es que los hay), no podríamos analizarlo desde una postura de cánones clásicos porque resultaría que sólo habría prejuicios en su contra. Tom Wesselmann refiere una nueva forma de ver el trabajo artístico: “me confunde un tanto que la gente espere que el arte transmita un mensaje (...) Toda pintura es un hecho y con eso basta”.

¿QUÉ ES EL

Su historia en pocas palabras

El Pop Art como movimiento artístico, surge a mediados de 1950, desafiando el hermetismo del arte expresionista al afirmar que el empleo de imágenes de la cultura popular podría convertirse en arte, en pocas palabras, vulgarizó lo que había venido significando arte. Una de sus principales premisas es que el arte es para un público, no sólo para el mismo artista.

Los elementos básicos de esta corriente son tomados de los medios de comunicación y de la vida cotidiana, este contenido es removido de su contexto, es decir, se aísla al objeto de donde pertenece y se combina con otros elementos para su contemplación.

Una de las cualidades de este campo artístico era que sus seguidores se negaban a aceptar un estilo predeterminado, su fin era no tener reglas, querían salir de las reglas

del arte academicista, así lo explica Jamie James en su libro Pop Art: “lo que distinguía al Arte Pop de escuelas anteriores de pintura era su rechazo de un estilo artístico, una actitud heredada del Dadaismo” Tal vez sea una de las razones por las cuales no ha sido bien visto pero si continuamente criticado.

Esta nueva posibilidad de arte tuvo influencias, principalmente corrientes anteriores como el Dadaísmo o el Surrealismo; autores dadaístas como Marsden Hartley y Marcel Duchamp fueron precursores del pensamiento Pop al tomar como ejemplo que cualquier objeto podría convertirse en arte si su artista asi lo decidía.

Asimismo, el realismo inglés, el cual tuvo como característica básica exponer los problemas de la sociedad para de algún modo provocar un cambio o mínimo una

reflexión por parte del público, lo retoma el Arte Pop, en el sentido de que éste muestra la realidad de mediados del siglo XX en la cual figuraba la moda, consumismo desmedido y los contenidos mediáticos, reflejando lo absurdo de ese comportamiento para hacer una sátira.

El mundo es dividido generalmente en 2 opciones como lo sostenía el maniqueísmo, si existe lo bueno también existe lo malo. Cada elemento tiene su contraparte para buscar el equilibrio, uno no puede existir sin el otro, como el bien y el mal o la guerra y la paz. Del mismo modo, en el arte pictórico encontramos que la mayoría de las corrientes artísticas han resultado de una fase dialéctica de contraposición, por lo regular, el surgimiento de una ha sido de la oposición de alguna precedente; así el Pop Art es considerado como arte moderno en la concepción de las escuelas de arte pero en términos de crítica de cualquier otro campo es conocido como anti - arte, es el anti - arte del expresionismo abstracto por distanciarse y rechazar a éste último.

Esta corriente Pop, representó un importante movimiento artístico

del siglo XX que se caracteriza por el uso de imágenes tomadas de los medios masivos de comunicación, la cotidianeidad de las personas y la explosión publicitaria, en pocas palabras, la cultura de masas, como: anuncios publicitarios, cómics, recortes de periódico, fotografías, imágenes eróticas, así como cualquier elemento que reflejara la vida habitual de cualquier individuo, es decir, cualquier objeto cultural que represente algo para las colectividades. Las obras pueden ser pinturas, esculturas o cualquier otra manifestación llamada arte - objeto que conduzca hacia el Pop Art.

La selección de dichos elementos en los trabajos Pop tiene justificación, puesto que en el fondo existía un objetivo general, asi lo menciona Jorge Juanes: “sensibilizar a los hombres anestesiados por la saturación circundante de objetos banales”. Es decir, este Arte se

convirtió en un juego psicológico el cual pretendía invitar a la reflexión, a poner un poco más atención a algo que al parecer era de menor importancia porque se asimilaba en la vida diaria, el consumismo.

Esto último se desató debido a la provocación de la publicidad aunada a la sobreproducción que ya había hecho que cambiara el ciclo de producción de los productos, sin olvidar el bienestar psicológico que buscaban las personas después de haber salido de un contexto bélico en años anteriores.

Sin duda, cada corriente tiene sus parámetros y tendencias por las cuales se vuelven reconocibles por los individuos que las perciben Así, encontramos que una de las características físicas presentes en las creaciones Pop son los colores, los cuales son una constante y un referente directo. Colores primarios

en algunos y llamativos en la mayoría, las obras quieren hablar por sí mismas y esta es su manera. Barthes sostiene al respecto: “el color del Pop es declaradamente químico; remite con agresividad al artificio de la química, oponiéndose a la naturaleza”.

Y con respecto a esto último, el Arte Pop no utilizó de la misma forma a la naturaleza como lo hicieron en su momento los clásicos; los artistas Pop se atrevieron a enaltecer sí a la naturaleza, pero artificial de la cual nadie había tenido aprecio hasta entonces, es decir: “(...) si bien ya no es una naturaleza vegetal, paisajística o humana, psicológica: hoy en día, la naturaleza es lo social absoluto o, mejor (...) lo gregario”.

Pop Art en EUA

El mismo fenómeno Pop se desarrolló y creció en básicamente dos lugares, uno fue en Inglaterra y el otro fue en Estados Unidos, esto no quiere decir que no se haya dado en algunos otros países, pero el auge y la proliferación de creaciones además de autores que solidificaron esta corriente se considera fueron en estas regiones.

En el caso del Pop Art en Norteamérica hubo símbolos específicos como la figura del presidente de los Estados Unidos de América, John F. Kennedy, quien representaba el progreso de la nación estadounidense. En este mismo sentido, también la bandera de aquel país, fue un elemento que pusieron en cuestión, quitándole ese valor simbólico de significar un lugar con ciertas características, es decir, se convirtió en un objeto común plasmado en una pintura.

Asimismo, el dólar, más allá de lo que puede significar en la realidad como vehículo de poder y riqueza, se redujo a una simple imagen.

Los referentes constantes para cautivar la inspiración de los creadores Pop en el continente americano fueron según sostiene Tilman Osterwold: “el progreso, los medios de comunicación y el culto a las estrellas florecían en Hollywood y sobre todo en Nueva York, la capital cultural de los EEUU”

Siguiendo esta misma línea que caracteriza el Pop estadounidense, el Star system fue significativo, las caras conocidas masivamente en aquella época fue el significante perfecto para inmortalizarlo en un lienzo.

Los juicios de valor fueron hacia su perfección estereotipada y nunca

cambiante, es decir, las personalidades de la música o la actuación como Marilyn Monroe fueron ideales para decir que la banalidad que disfrazaba su verdadera vida era lo importante para aquella fría sociedad. Además, debemos recordar que estos personajes se convirtieron en modelos ejemplares para las masas ordinarias: “los rostros maquillados y embellecidos proporcionan iconos de los años sesenta, compensan la frustración e insignificancia del consumidor que se asfixia en el anonimato”.

Pop Art en Europa

Por otro lado, históricamente antes de convertirse en un boom en Nueva York, el Arte Pop ya había comenzado en Europa, específicamente en Inglaterra, a partir de algunos artistas quienes se denominaron como el Grupo Independiente, los cuales a pesar de no dedicarse todos al arte, supieron encontrar los temas para someterlos a diversas discusiones, éstos iban desde la cibernética hasta las técnicas artísticas. La razón de por qué se hacían era: “para comprender los problemas de la cultura contemporánea y satisfacer las exigencias de la propia época”.

En Inglaterra, los temas frecuentes en las obras Pop fueron: “la subcultura, la cultura popular, las imágenes de los medios de comunicación, las nuevas

tecnologías, el diseño, la industria del consumo y la industria mecánica, así como las interrelaciones de estas manifestaciones y su influencia con el hombre”. Nosotras añadiríamos situaciones, lugares y costumbres cotidianas y el propio arte.

El Pop Art surge como una reacción contra las ideas del Expresionismo Abstracto. Tan es así que sus exponentes, ya no pretendían expresarse a sí mismos a través de sus obras, buscaban más bien una separación con su obra, Así lo refiere uno de los exponentes más reconocidos, Roy Lichtenstein: “Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas Pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la

realizo” El Arte Pop buscaba utilizar imágenes de la cultura popular para que pudieran ser entendidas por el público, todo ello en oposición con lo hermético que fue el Expresionismo Abstracto pues sus autores creaban obras que sólo ellos comprendían. Es decir, en parte lo que buscaron lograr los artistas Pop fue romper la línea divisoria entre un arte elevado y uno popular, por decirlo de algún modo, abrieron la oportunidad de democratizar el arte y que cualquier persona pudiera acceder a éste. Ejemplo de lo anterior, lo encontramos en la obra Sin título al estilo de Andy Warhol sobre la obra clásica de La última cena originalmente elaborada por Leonardo Da Vinci. La siguiente imagen, hace un intento por desmitificar lo elevado de esta obra de arte universalmente reconocida por su valor artístico.

Objetivos

Uno de los objetivos del Pop Art, fue otorgarles la posibilidad a las colectividades de ser admiradas también a través de la utilización de sus productos e imágenes como manifestación artística, así lo explica Jorge Juanes: “ejemplares reproducibles que ponen en crisis la idea de obra única e irrepetible, otrora identificada como ‘verdadero arte”.

Así es como se buscaba enfatizar el aspecto banal de algún elemento común, a menudo a través del uso de la ironía, el humor y la exageración. Tan es así que exageraban en la intensidad de los colores, la cantidad de elementos, y a través de esta saturación, llevaban a cabo una reflexión sobre el aumento de las conductas consumistas y la superficialidad en la que se basa la vida moderna.

El plátano de Warhol Andy Warhol, 1967

El Arte Pop surgió en contraposición al Expresionismo Abstracto y en empatía con una sociedad que no deja de producir mercancías y basar su funcionamiento en el despilfarro, de tal forma que las reacciones no se hicieron esperar; la crítica y al mismo tiempo la utilización de elementos de la sociedad capitalista fueron los componentes que respaldaron este fenómeno artístico.

Cualquier corriente perteneciente al arte clásico sostendría mediante sus creaciones, una dotación de singularidad, inspiración y cuidado estético en la composición. El Pop Art no tiene como objetivo mostrar la apropiación de reglas visuales, simplemente es “(...) ofrecido al placer de la mirada y ajeno a lucubraciones metafisico-estéticas” si llegaran a resultar, sería por alguna coincidencia.

Mural Jackson Pollock, 1943

Es importante decir que había diferencias entre el Pop en Estados Unidos y en Europa porque se pensaría que esta corriente tuvo homogeneidad en su estructura, sin embargo, podemos constatar que a pesar de haber utilizado temáticas similares, existió incluso disparidad entre todos sus autores.

En Gran Bretaña, las producciones Pop, fueron más sobrias y al margen de la extravagancia. Todo ello tiene su justificación, pues recordemos que los ingleses acababan de sufrir

Interior Richard Hamilton, 1964

las consecuencias de la destrucción que había dejado la Segunda Guerra Mundial, por tanto, sus artistas realizaron obras con menos saturación en los colores, es decir, fueron más conservadores. En cambio, en Estados Unidos, las obras Pop fueron con colores llamativos, la temática bélica era tomada con sátira más que con sobriedad; lo popular estaba en primer plano, su industria crecía sin obstáculos porque no tuvo la devastación que vivieron los países europeos. Entonces las figuras predilectas eran Mickey Mouse y el cantante Elvis Presley; el entretenimiento, la cultura del consumo y las figuras mediáticas era lo que ocupaba la atención de las personas y eso fue plasmado en el arte.

En general, en el continente europeo no hubo la misma cantidad de exponentes de Arte Pop como el caso de Norteamérica, si acaso hubo ejemplos aislados en Alemania, Italia y Francia. Tal vez una de las razones haya sido su tradición conservadora sobre lo que para ellos venía significando el arte. Además, debemos tener en cuenta que esta corriente artística surgió después de la Segunda Guerra Mundial, por tanto, imaginemos cuáles eran las sensaciones del entorno a través de los ojos de los artistas en ese momento, muy diferentes a las de Estados Unidos, probablemente.

Cada época ha tenido distintas maneras de desfogar su sentir, de dar a conocer sus puntos de vista; de esa misma forma, el Arte Pop lo ha hecho a partir de satirizar lo que estaba ocurriendo en las sociedades modernas, en cuanto a la banalidad,

superficialidad y el vacío de la era del capitalismo y el contexto de la moda y la publicidad. La postura de este movimiento artístico es reflejarle al mundo que todos los individuos somos producto del ciclo consumista.

Y si nos parece sin sentido las obras Pop que han buscado enfrentarnos a las condiciones de nuestro tiempo, yo preguntaría por qué no despreciar en todo caso esta realidad de la cual toman como fuente de inspiración los artistas.

La sociedad del consumo a la que hemos referido en reiteradas ocasiones tuvo una relación estrecha con esta corriente artística porque le proporcionó su materia prima a través de imágenes triviales, comunes, habituales de los productos de uso masivo. Cabe plantear la pregunta sobre si es

Girl with Tear I Roy Lichtenstein, 1977

un arte producto de la lógica del consumo o si surgió para cuestionar al sistema, la primera afirmación resulta ser más seductora pues lo queramos o no, las obras Pop se han convertido en parte del consumo masivo. Es una herramienta de burla que también se transformó en decoración.

Irónicamente nació para negar estilo alguno, defendió cuestiones que jamás hubiese apoyado la escuela clásica de arte y de pronto para finales de la década de los 60, el Arte Pop era tan famoso y conocido que comenzó a ser recurrente su utilización y también a ser enmarcado dentro de ciertas

características persistentes, de hecho, actualmente resulta sencillo reconocer su discurso. Lo anterior lo sostiene Jamie James: “la imaginería del Arte Pop, la cual había parecido originalmente revolucionaria precisamente porque esto era un lugar común, irónicamente, se convirtió en un lugar común por sí mismo”.

Reyes Cruzar Hariton Pushwagner, S.F

Uno de los cuestionamientos más frecuentes hacia los creadores de este tipo de obra, era que en ningún momento se notaba el talento del creador, es decir, sus trabajos eran tachados como meras imitaciones de la realidad y no pasaban al nivel artístico por no tener un sello distintivo y personal. La respuesta a dichas acusaciones simplemente era que lo presentado hablaba

Interior Roy Lichtenstein, 1991

por sí mismo, como lo sostiene Michael Compton en su libro Pop Art: “desde que las imágenes se han vuelto realidad, el artista que las incorpora a su trabajo está, de hecho, usando la realidad. El efecto es como un collage o ensamble”.

Imitar la realidad siempre ha sido un referente artístico, la mayoría de los que están involucrados con el arte, parten de la observación de lo que hay a su alrededor. Sin embargo, quienes se salieron del esquema tradicional de plasmar lo que se ve en el entorno fueron los artistas pertenecientes a las vanguardias del siglo XX como: el expresionismo, el surrealismo, el futurismo, quienes, en vez de tomar como referente a la realidad o el entorno, realizaron una introspección y manifestaron su interior mediante la imaginación y lo onírico. El Arte Pop imita la realidad, pero incluye a la imaginación y lo absurdo como parte de su presentación.

1973

Still life with crystal bowl Roy Lichtenstein,

Además de las observaciones academicistas de valoración que recibió el Arte Pop, existe un criterio culturalmente utilizado para discernir qué es lo que tiene valor para tomársele en cuenta y categorizar las cosas, eso es el gusto, el cual siempre nos marca pautas de comportamiento y opinión, así también en ocasiones, obstaculizan. Por ejemplo, si un crítico de arte opina que tal obra no es de buen gusto, marcará lineamientos de aceptación para las demás personas. El gusto es engañoso y sumamente subjetivo, por lo que al Arte Pop se refiere, no hay que dejarnos llevar por el gusto para acercarnos a éste, pues mucho de lo que nos han dicho que es arte de “buen gusto”, aquí probablemente no lo hallaremos.

A pesar de cualquier objeción, el arte se adaptó a la era del

consumismo, a los cambios sociales, culturales, ideológicos, económicos; las obras Pop fueron la forma artística de responder a todo esto. Los artistas buscaron una forma de manifestar su inquietud sobre lo mundano, así es como se dio el Pop Art en esta confrontación de posturas y cánones que no lograban asimilarlo. De concebirse primeramente como una crítica a la superficialidad de la sociedad americana, pasó a ser un nuevo estilo, una nueva manera de plasmar ideas y demostrar que pueden seguir surgiendo alternativas de concebir el mundo a través del arte.

Tienda Pop III (1) Keith Haring, 1989

ARTISTAS ARTISTAS ARTISTAS ARTISTAS ARTISTAS ARTISTAS ARTISTAS

Roy Lichtenstein

Roy Fox Lichtenstein nace en Nueva York en 1923, y se considera uno de los pintores más influyentes de la tendencia Pop Art (estilo del que hemos hablado en otras ocasiones) artista gráfico y escultor fue más conocido por las interpretaciones

de cómic que hizo a gran escala. Fue una parte fundamental en el movimiento pop, junto con Andy Warhol o Jasper Johns con un arte «rápido, accesible y anti- elitista»

Este autor fue, sin duda alguna, uno de los máximos exponentes del Pop Art americano, sus obras representan temas como la sociedad de consumo, la vida diaria y la cultura de masas, temas que

extraía directamente de fuentes como la publicidad, las revistas de moda, e incluso los cómic. Su linea estética se basó en composiciones y apariencias sencillas, pintadas con colores primarios, en su mayoría. Asentó su trabajo en una crítica social muy dura hacia el mundo contemporáneo.

En su primera etapa seguía un estilo expresionista abstracto, hasta que sobre 1958 empieza a experimentar con imágenes de los cómics, libremente interpretadas, y mezcladas con cuadros del Viejo Oeste del artista estadounidense Frederic Remington. Desde 1961 se dedica en exclusiva a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.

Sus cómic, como Good Morning, Darling eran una ampliación de los dibujos a mano que realizaba,

con la técnica de puntos (consistía en una técnica que imitaba los puntos benday, un proceso impresión industrial usado en viñetas que, desde pequeños círculos coloreados, representaba variaciones cromáticas) y el uso de colores primarios y tonos brillantes también en su impresión.

Whaam! es su obra más famosa, nace como una adaptación de DC Comics «All-American Men of War» donde la narrativa de guerra queda totalmente explicita.

En sus últimas obras, en las que cobran especial relevancia los personajes populares de la novela rosa, los paisajes estilizados y las copias de postales de templos clásicos, empezamos a notar la influencias de artistas como Matisse y Picasso.

En 1962 tiene lugar su primera exposición en la galería Leo Castelli, se recibió con cautela, pues era un público que no estaba acostumbrado a ver su mundo cotidiano reducido a temas artísticos. Hasta 1980 su pintura se fue haciendo más compleja y casi al final de su vida comenzó a experimentar con la escultura.

Durante sus últimos años este autor tomó mayor presencia social y estima en los museos de medio mundo, de hecho en España tenemos dos de sus obras, Mujer bañándose en el Museo ThyssenBornemisza y la escultura que preside el patio interior del Reina Sofía. En el año 93, el Guggenheim Museum de Nueva York realizó una retrospectiva, que viajó por muchos países.

Whaam!

Whaam! 1963 es una gran pintura en dos lienzos del artista pop estadounidense Roy Lichtenstein que toma su composición de una tira cómica. El lienzo de la izquierda muestra un avión de combate estadounidense que dispara un misil al lienzo de la derecha y golpea un avión enemigo que se aproxima; sobre el avión estadounidense, las palabras del piloto aparecen en una burbuja amarilla: 'PRESIONÉ EL CONTROL DE FUEGO... Y DELANTE DE MÍ, LOS COHETES LLEGARON POR EL CIELO...'. El contorno de la explosión resultante emana en amarillo, rojo y blanco; el título onomatopéyico de la obra, '¡WHAAM!', oscila en diagonal hacia

arriba a la izquierda de la bola de fuego en amarillo, como si fuera una respuesta visual a las palabras del piloto. La pintura está representada en la tradición formal de las tiras cómicas impresas a máquina: líneas negras gruesas que encierran áreas de color primario y letras, con áreas uniformes de puntos Ben-Day,

La composición de la obra está tomada de un panel dibujado por Irv Novick que apareció en el número 89 de All-American Men of War , publicado por DC Comics en febrero de 1962. Del panel original, Lichtenstein produjo dibujos preliminares, uno de los cuales está en Tate's colección (

Dibujo para 'Whaam!' 1963, Tate T01131). En este dibujo, expuso su primera visualización de la pintura, incluida la marca de la división del único panel original en dos partes, limitando el plano principal a una y la explosión a la otra. Revelando el proceso de Lichtenstein de realizar cambios menores durante la creación de una obra, las anotaciones de color en el dibujo son diferentes a los colores finales

Whaam! Roy Lichtenstein, 1963

utilizados en la pintura, en particular el uso de amarillo en lugar de blanco para las letras de '¡WHAAM!'.

Look Mickey

En Look Mickey , Lichtenstein nos confronta con una escena en la que el chiste llega a expensas de un ícono popular: el siempre irascible Pato Donald. Salimos con una sensación de ambigüedad, no la simple broma que esperábamos, ya que nos identificamos con el narrador, Mickey, y la víctima, Donald. La paradoja es esencial para el arte pop.

Look Mickey Roy Lichtenstein, 1961

Mujer en el baño

Se trata de un enorme lienzo de formato cuadrado (173 x 173 cm) pintado al óleo por el artista estadounidense Roy Lichtenstein en el año 1963. En la actualidad forma parte de la colección permanente del museo Thyseen Bornemisza de Madrid.

Se puede observar que es una constante en él el uso de colores planos. Y esta obra de Mujer en el baño es un buen ejemplo, ya que tan solo ha aplicado al lienzo tonos primarios: azul, amarillo y rojo.

Otra característica de la pintura de este artista es que en sus obras predomina el dibujo. De hecho si vemos esta Mujer en el baño, todo

está dibujado con gruesas líneas que delimitan el rostro y las manos de la muchacha. Toda ella pintada con una enorme sonrisa y mucha vitalidad y dinamismo (algo típico de los recursos publicitarios) lo cual contrasta con el estatismo geométrico de los azulejos de la pared del baño. De hecho, bien podría ser el anuncio de algún tipo de jabón, que además de limpiar proporciona una enorme felicidad.

Mujer en el baño Roy Lichtenstein, 1963

La belleza del día: “Mujer llorando”

Mujer llorando se expuso por primera vez en el Museo de Arte de Milwaukee en 1965 y desde entonces ha recorrido en mundo. Tiene la particularidad del drama: las lágrimas, la mirada, la boca, el primer plano... es hipnótica.

Se dice que está inspirada en una serie de Picasso. Puede ser, Roy Lichtenstein era un gran fanático de la obra del artista español. Mujer llorando tiene, además, una fuerte connotación norteamericana.

Finalmente logró transmitir esa sensación de especial en el arte. Cada vez que alguien ve una obra sabe quién es el autor. Sin embargo,

sobre todo al principio, él buscaba lo contrario.

“Los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo”, dijo una vez.

Los caminos del arte son muy extraños.

La belleza del día: “Mujer llorando” Roy Lichtenstein, 1964

Keith Haring

pequeño Keith Haring empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados que veía en la televisión. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburg, donde comenzó a hacer serigrafías para imprimir en camisetas.

(Kutztown, Pensilvania, 1958 - Nueva York, 1990) Artista estadounidense, el más importante de los pintores de graffiti de los años ochenta. Desde muy

Prosiguió sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, durante 1978 y 1979, bajo la dirección de Keith Sonnier y

Joseph Kosuth. En el verano de 1979 presentó una performance titulada Poetry-Word-Things en el Club 57 de Manhattan; al año siguiente, sin embargo, se volcó en los graffiti, dibujando imágenes como las de los dibujos animados, hechas con un rotulador directamente sobre anuncios en el metro de Nueva York.

A esto le siguieron una serie de historietas, hechas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad; la iconografía era una mezcla de elementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, a los que se añadieron más tarde figuras corriendo, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear; el tratamiento de Keith Haring de temas como el poder y el miedo a la tecnología sugiere angustia y refleja su inquietud moral.

El soporte pictórico que utilizaba Haring era variado y accesible (papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas). Sus fuentes son múltiples: desde el arte esquimal y africano hasta la cultura maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china y los all-over de Pierre Alechinsky, Andy Warhol y Mark Tobey, a partir de los cuales evolucionó hacia su estilo semiabstracto característico, una especie de new wave azteca que recuerda a Jackson Pollock y a A. R. Penck.

El estilo de Haring refleja el ethos de la generación Pop y de la cultura callejera del East Villagede Manhattan. Intentó plantear las cosas de la manera más simple posible. Como Andy Warhol, Haring abrazó la cultura demótica, es

decir, una combinación de moda, arte y música, rompiendo barreras entre estas manifestaciones para darles una mayor extensión; este factor es básico para entender su éxito comercial en todo el mundo, en varios géneros, incluyendo murales, escultura, posters y pintura corporal.

Keith Haring hizo su primera exposición individual en la galería Tony Shafrazi de Nueva York en 1982 y, a mediados de los años ochenta, sus grandes esculturas de acero pintado se expusieron en la galería Leo Castelli; en estos años hizo pinturas más abstractas, con las siluetas típicas de los puzzles. En 1986 abrió una boutique, la Pop Shop, en la que vendía sus productos; su populismo iba también dirigido a los niños y adolescentes, cuyos monopatines adornaba.

Haring era el nexo de unión, gracias a su formación, entre los artistas del graffiti autodidactas y la corriente principal de artistas jóvenes responsable de una forma abrasiva de expresión popular.

Su actividad frenética de graffitista le llevó a hacer pinturas en prácticamente todas las estaciones de metro de Nueva York, con el correspondiente riesgo de ser detenido por atacar a la propiedad pública; le gustaba este elemento de peligro y le parecía que era un ingrediente esencial del contenido del arte de los graffiti. En 1986 pintó un trozo del muro de Berlín. En 1989 creó la Fundación Keith Haring para ayudar a remediar problemas sociales. Murió víctima del sida el 16 de febrero de 1990 en Nueva York.

Andy Mouse Keith Haring, 1986

Andy Mouse (1986)

Andy ratón es una serie de serigrafías impresiones creadas por el artista estadounidense Keith Haring en 1986. El personaje de Andy Mouse es una fusión entre Disney ‘s Mickey Mouse y Andy Warhol . La serie, que consta de cuatro serigrafías sobre papel tejido , todas firmadas y fechadas a lápiz por Haring y Warhol, se vendió por 56.400 dólares en Christie’s en diciembre de 2001.

El personaje Andy Mouse es una representación de Andy Warhol como Mickey Mouse. Haring y Warhol estaban fascinados con Disney, particularmente con Mickey Mouse.

En uno de los retratos, Andy Mouse aparece en un billete de un dólar. Haring declaró: “Es como tratarlo [a Warhol] como si fuera parte de la cultura estadounidense, como lo fue Mickey Mouse. Que él

mismo se había convertido en un símbolo, un signo de algo completo, universalmente comprensible. En cierto modo, se hizo un hueco en la cultura. Por mucho que Mickey Mouse ... ponerlo en un billete de un dólar lo estaba convirtiendo aún más en un ícono o en parte del sueño americano “.

Richard Lloyd, Director Internacional de Impresiones y Múltiples, analizó que “ Andy Mouse es una brillante culminación de toda la obra de Haring. Su audaz calidad gráfica, compleja composición y glorioso color son marcas de agua altas para el artista. La gran escala de Andy Mouse y sus brillantes referencias posmodernas de íconos del pop como Mickey Mouse, a través de Andy Warhol, marcan esto como una obra fundamental de Haring que sigue siendo relevante para el arte contemporáneo actual “.

Ignorance = Fear

Creado en conjunto con el grupo activista AIDS Coalition to Unleash Power (ACT UP), con sede en Nueva York, Haring diseñó este cartel en 1989, un año después de que le diagnosticaran, y el mismo año en que estableció la Fundación Keith Haring para el SIDA. Este cartel fue utilizado por ACT UP en una campaña de pasta de trigo en la ciudad de Nueva York a principios de 1990: los neoyorquinos se enfrentaron a esta poderosa imagen en edificios, paredes, autobuses, trenes subterráneos y vallas publicitarias. El diseño del cartel presenta tres figuras que reproducen el proverbial "no veas el mal, no escuches el mal, no hables mal"

tres monos sabios, haciéndose eco de las luchas que enfrentan las personas que viven con el VIH/SIDA y el opresivo gobierno, religioso, salud, e instituciones sociales que no respondieron ni reconocieron adecuadamente la epidemia, mientras que el número de muertos y la desinformación deliberada en torno a la enfermedad continuaron aumentando durante las décadas de 1980 y 1990. Incorporando los lemas ahora icónicos de ACT UP "Silencio = Muerte" e "Ignorancia = Miedo", el llamativo diseño de Haring instó a los transeúntes a actuar y luchar contra el SIDA. La mayoría de las copias del cartel se perdieron o fueron destruidas por el clima y el tiempo.

Safe Sex (1988)

Las pinturas Safe Sex de Haring tomaron forma en este contexto de invención desesperada, importando el discurso recién concebido sobre el sexo, el riesgo y el placer en el ámbito del arte superior. Aunque difíciles de apreciar en retrospectiva, estas obras cruzaron una línea en su práctica, violando una regla no escrita, una cuidadosamente salvaguardada en el papel de Haring como escritor de graffiti en el metro, que dice que el lenguaje no debe ganarle la mano a la figuración. Extremadamente consciente de los mensajes de marca, Haring nunca antes había insertado un eslogan en su arte (su omnipresente póster de

FREE SOUTH AFRICA de 1985 siguió a las dos pinturas de Safe Sex); y si la frase SEXO SEGURO no era del todo un eslogan, no obstante sugería una instrucción a seguir, como lo ilustran las dos figuras.

Más concretamente, era poco probable que el mensaje particular de estas obras tuviera un atractivo masivo, desafiando tanto la homofobia convencional como las guerras culturales de la derecha cristiana. Incluso el subastador que consiguió Safe Sex para el beneficio de GMHC se preocupó por el hecho de que “mostraba dos figuras masculinas que se acariciaban entre sí”, y expresó su preocupación de que “esto pueda aparecer en el New York Times”.

Safe Sex

Keith Haring, 1988

Andy Warhol

(Andrew Warhola; Pittsburgh, Estados Unidos, 1928 - Nueva York, 1987) Artista plástico estadounidense que llegó a ser el más conocido representante del pop art, corriente artística en boga durante las décadas de 1950 y 1960 que se inspiró en la cultura de masas. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen y The New Yorker.

Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó

progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.

Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un

proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.

El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convirtió en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática, Electric

chair es una de sus obras más significativas. Otra faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital; su peculiar aspecto, andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo característico, acabó por definir un nuevo icono: el artista mismo.

Díptico de Marylin Monroe

El consenso general dicta esta obra como una de las obras famosas de Andy Warhol más buscadas. Díptico de Marilyn se considera una de las obras icónicas del pop art y en una encuesta llevada a cabo por el diario “The Guardian”, se le nombró la tercera obra de arte moderno de más influencia del momento.

Esta pieza fue uno de los grandes aciertos de Warhol, que encontró en la serigrafía fotográfica la técnica con la que sería reconocido en el mundo. Además, este estilo tenía características que agradaban al neoyorquino: era sencilla, rápida y le permitía realizar leves modificaciones a una misma foto una y otra vez, además de poder ser producida en serie, lo que le permitía poder vender este tipo de obras en más de una oportunidad. Una especie de grabado moderno. De acuerdo a algunos críticos, los 25

cuadros situados a la izquierda -de colores brillantes- representan la vida de la celebridad, mientras que los 25 de la derecha -en blanco y negro- a su muerte.

Pero, ¿por qué eligió a Monroe? Los especialistas aseguran que lo hizo por su estatus de celebridad y, a la vez, de símbolo sexual. En ese sentido, Warhol realizó muchas obras con Monroe como modelo, pero también de otras celebridades. Incluso, realizaba algunos a pedido de coleccionistas.

Skulls (1979)

Skulls se hizo en el estudio de Warhol en Nueva York, conocido como The Factory,. Fue creado sobre un lienzo sin estirar que se había extendido sobre el suelo del estudio y la fotografía en blanco y negro que sirvié de base fue tomada por Ronnie Cutrone, que por aquel entonces era uno de los asistentes de Warhol.

Esta pieza está conformada por colores vívidos, rojo, amarillo, azul y morado que contrastan con un tema que muchos podrían encontrar algo macabro.

Historiadores del arte suelen vincular el uso repetido del cráneo por Warhol en su trabajo de este período con el tiroteo que casi le cuesta la vida al artista en 1968. Otros, sugieren que el interés de Warhol en el cráneo como motivo se debió a su deseo de evocar la condición humana.

3-D Vacuum

3-D Vacuum era parte de una serie de obras tempranas que Warhol realizara basándose en imágenes impresas arrancadas de las secciones de anuncios del periódico. Además de aspiradoras, Warhol pintó imágenes de calentadores de agua, televisores, neveras, cazuelas y otros electrodomésticos.

Aunque no se trataba de lujosas prendas de vestir de diseño, zapatos o jovería cara, considerados en bloque, los enseres domésticos de uso cotidiano de Warhol formaban parte integrante del antiguo concepto que la clase trabajadora tenía del «sueño americano». En la era posbélica, los estadounidenses aspiraban a poseer aquellos objetos para su comodidad personal y doméstica, alentados a ello como parte de su deber patriótico de contribuir a reactivar la economía de posguerra estadounidense.

En la pintura proto-pop de Warhol queda claro que el confort de 3-D Vacuum cuesta dinero: «11,25 $», concretamente. Sin embargo, tal y como recalca el anuncio de la aspiradora que aparece en el periódico, ese producto «anhelado» resulta accesible merced a sus facilidades de pago: los valores comerciales condiciones financieras laxas y disponibilidad instantánea que tan importantes resultan para la pintura de Warhol. Por otro lado, las gotas de pintura, la omisión de letras y las palabras torcidas se antojan sumamente sediciosas respecto de los principios del capitalismo de posguerra, la publicidad y la cultura de consumo.

JEFF KOONS

Jeff Koons es hoy el artista vivo más cotizado del mundo. Un broker de Wall Street más publicista que artista que comenzó a ser famoso en -como no- los años 80. Su filosofía de empresario especulador se basa en que más que la obra, hay que saber cómo publicitarla, y por ello fue el primer artista en contratar

los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen, algo nunca visto. Koons estudió pintura en el Instituto de Arte de Chicago y en el Colegio de Arte de Maryland. Después se dedicó a trabajar como corredor de bolsa en Wall Street en una época en la que, como todos sabemos, este

repugnante oficio de cocainómanos engominados y superficiales estaba de moda.

Poco después se establece como artista comprando materiales en mercadillos de todo a 100. Por ello, desde el principio jugó con la polémica y la apropiación como base de su dudoso trabajo artístico, recibiendo en no pocas ocasiones varias demandas legales por violación a los derechos de autor (y no siempre obteniendo veredictos favorables en las cortes).

El tipo utilizaba objetos cotidianos de valor mínimo (algo que ya hizo Duchamp 100 años antes) pero enfocados al mass media y la publicidad, hablándonos supuestamente sobre los sueños de la clase media y la búsqueda ansiada de fama, dinero y estilo de vida. Algo que él mismo consiguió.

Sus admiradores lo clasifican como minimalista, Neo-pop, conceptual

y demás etiquetas rimbombantes. Ven en sus esculturas, instalaciones, pinturas, y fotografías a una especie de da Vinci del siglo XXI, pero mejor. Un «americano europeo», un tipo a tener muy en cuenta según muchos detritus que hoy guían, no sólo el mercado del arte, sino las escuelas de bellas artes de medio mundo.

Sus detractores ven en él la encarnación de los males que aquejan al arte actual: un arte inofensivo, banal, ejemplo de una posmodernidad cutre, ladrona y kitsch. En definitiva una celebración del consumismo, donde la exaltación de lo superfluo es más que evidente.

Play-Doh

En 2014, Jeff Koons fue objeto de una retrospectiva en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York. Fue en este colosal espectáculo que el artista estrenó su monumental escultura, Play-Doh, una escultura que ya se había vuelto legendaria en las dos décadas de su creación.

Play-Doh es una de las obras más grandes y complejas de la serie Celebration de Koons, un grupo que comenzó a mediados de la década de 1990 y que incluye íconos contemporáneos como Balloon Dog, Hanging Heart y Tulips. En estas piezas, Koons llevó las técnicas de fabricación a nuevas alturas; hoy, la serie se ha vuelto casi mítica.

El resultado de la dedicación

resuelta del artista para producir el acabado perfecto es muy visible en Play-Doh, con sus grietas, curvas y el brillo tenue de sus colores mate. Se perdonaría a los espectadores si pensaran que en realidad están mirando una masa Brobdingnagian de Play-Doh, con colores vibrantes apilados uno encima del otro.

Tan convincente es la superficie que, para muchos, desencadena recuerdos infantiles de juego y creatividad, esa edad antes de que se impusieran las limitaciones del gusto y el aprendizaje.

Play-Doh Jeff Koons (1994)

Three Ball 50/50 Tank (Two Dr. J. Silver Series, One Wilson Supershot) Jeff Koons (1985)

Este es uno de una serie de tanques que Koons hizo en 1985 para su primera exposición individual, titulada Equilibrium, en la galería de Nueva York, International With Monuments. Los tanques, vitrinas de vidrio apoyadas sobre soportes de acero negro, se fabricaban en tres tamaños, con capacidad para una, dos o tres pelotas de baloncesto profesionales. Los tanques de equilibrio total están completamente llenos de agua destilada y una pequeña cantidad de reactivo de cloruro de sodio, para ayudar a que las bolas huecas permanezcan suspendidas en el centro del líquido.

En una segunda versión, los Tanques 50/50, solo la mitad del tanque se llena con agua destilada, con el resultado de que las bolas flotan mitad dentro y mitad fuera del agua. Al mismo tiempo, se exhibió un grupo de objetos fundidos en bronce, incluido un bote salvavidas y una escafandra autónoma). Para complementar las camisetas sin

Three Ball 50/50 Tank

mangas, Koons enmarcó una serie de carteles publicitarios creados por la empresa de ropa deportiva Nike y los colgó en las paredes. Estos representan a los héroes del baloncesto estadounidense con zapatillas Nike y otra ropa deportiva, sosteniendo y rodeados de pelotas de baloncesto. Para Koons,

Los tanques eran el último estado del ser... Los carteles de Nike eran las Sirenas, las grandes engañadoras, que decían ¡Adelante! lo he logrado ¡Tú también puedes lograrlo! Y los bronces eran las herramientas para Equilibrium que te matarían si los usabas. Entonces, el tema subyacente, en realidad, era que la muerte es el último estado del ser. Lo que fue paralelo a este mensaje fue que los niños blancos de clase media han estado usando el arte de la misma manera que otros grupos étnicos han estado usando el baloncesto

GLOSARIO

Discernir 1. tr. Distinguir algo de otra cosa, señalando la diferencia que hay entre ellas. Comúnmente se refiere a operaciones del ánimo. 2. tr. Conceder u otorgar un cargo, distinción u honor.

Era posmoderna Posmodernidad puede referirse tanto al proceso de transformación cultural de la modernidad a partir de la década de 1970, y especialmente 1980, como a los diferentes movimientos culturales, filosóficos y artísticos de ese período que cuestionan los paradigmas de la modernidad, así como su vigencia universal y atemporal.

Expresionismo Abstracto fue ese movimiento pictórico dentro de la abstracción posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos terribles acontecimientos siguió un

periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana.

Esto da como resultado la proliferación de obras de arte que incluían formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Un desencanto por lo colectivo dio como resultado obras muy personales.

Gregario Que, junto con otras, sigue ciegamente las ideas o iniciativas ajenas.

Hermético 2. adj. Impenetrable, cerrado, aun tratándose de algo inmaterial. Imágenes superfluas superfluo

1. adj. No necesario, que está de más.

lucubraciones elucubrarz

1. tr. Elaborar una divagación complicada y con apariencia de profundidad.

2. tr. Imaginar sin mucho fundamento. U. t. c. intr. 3. tr. desus. Trabajar velando y con aplicación e intensidad en obras de ingenio.

Proliferación proliferar De prolífero.

1. intr. Reproducirse en formas similares.

2. intr. Multiplicarse abundantemente.

Prolífico: 1. adj. Que se reproduce o es capaz de reproducirse en abundancia.

2. adj. Dicho de un escritor, de un artista, etc.: Creador de muchas obras.

Star system es el sistema que utilizaban los estudios de Hollywood para seleccionar, formar y promocionar a sus actores hasta convertirlos en estrellas de cine, con el fin de asegurarse la asistencia masiva de los espectadores a las salas de cine, así como el éxito de sus costosas producciones.

El star system hollywoodiense tenía como objetivo difundir una imagen idealizada de sus estrellas con el fin de explotar al máximo su imagen y asegurar el éxito de sus películas.

BIBLIOGRAFIA

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Equipo editorial, Etecé. (2022). “Pop Art”. Concepto.de. Sitio web:https:// concepto.de/pop-art/

UNIVISIÓN. (2017). 7 obras de Pop Art que querrás conocer mejor (seguro ya las has visto por ahí). UNIVISIÓN Sitio web: https://www.univision.com/ entretenimiento/cultura-pop/7-obras-de-pop-art-que-querras-conocermejor-seguro-ya-las-has-visto-por-ahi

¿Qué es el pop art?

El pop art, conocido en español como arte pop, es un movimiento plástico que tuvo su origen en la década de 1950. Nació entre Gran Bretaña y Estados Unidos, pero fue este último el país que se convirtió en el abanderado del movimiento. Sin embargo, el arte pop generó una onda expansiva en todo el mundo, tanto en Europa como en América Latina, Asia y Oceanía.

El arte pop se contextualiza en el pleno proceso de confor mación de la sociedad de consumo, cuyo impulso definitivo tuvo lugar tras la segunda guerra mundial y la llegada de la televisión, la nueva invasora de los hogares.

Este estilo artístico nació como un intento de hacer un arte que tomará en cuenta el universo de símbolos y temas de interés masivo, es decir, los símbolos “populares” a los cuales la élite cultural parecía dar la espalda y negar su movilizadora penetración en el imaginario colectivo.