EB 8769 - Proksch, Ein Spanier für Elise by Breitkopf & Härtel

Michael Proksch

„Ein Spanier für Elise” verbindet klassische Formen und Harmonien mit modernen Rhythmen. Unterschiedliche Stilelemente, gewürzt mit einer Prise Ironie und in

Ein Spanier für Elise

Verbindung mit musikalisch anregenden Titeln wecken die musikalische Phantasie und motivieren zu ausdrucksstarkem Klavierspiel. Primo- und Secondo-Part stellen ähnliche spieltechnische Anforderungen.

Zwölf raffinierte Stücke für Klavier zu vier Händen für Kinder, Jugendliche und Erwachsene

Die CD bietet neben konzertanten Einspielungen auch Play-Along-Tracks zum Üben und Mitspielen aller Titel.

A Spaniard for Elise

“A Spaniard for Elise” blends classical forms and harmonies with modern rhythms. Many different stylistic elements, heightened with a hint of irony and combined with musically stimulating titles, stimulate the players’ musical imagination and

Twelve Sophisticated Pieces for Piano Duet for Children, Youths and Adults

motivate pianists to play with greater expressiveness. The primo and secondo parts make similar technical demands on the players. In addition to the concert performance of the pieces, the CD also offers play-along tracks conceived as an aid for learning and performing the collection.

ISMN 979-0-004-18181-2

www.breitkopf.com

9 790004 181812 EB 8769

Edition Breitkopf 8769

MICHAEL PROKSCH EIN SPANIER FÜR ELISE Zwölf raffinierte Stücke für Klavier zu vier Händen für Kinder, Jugendliche und Erwachsene

A SPANIARD FOR ELISE Twelve Sophisticated Pieces for Piano Duet for Children, Youths and Adults mit CD | with CD

Edition Breitkopf 8769 Printed in Germany

Vorwort

Preface

„Ein Spanier für Elise“ enthält eine Sammlung von vierhändigen Stücken, die durch Verschmelzung moderner Rhythmen mit klassischen Formen und Harmonien eine breite Palette von Ausdrucksmög lichkeiten bieten. Die Vermischung unterschiedlicher Stilelemente, augenzwinkernd und mit einer Prise Ironie gewürzt, weckt, zusammen mit bildhaften Titeln, die musikalische Phantasie und motiviert zu ausdrucksstarkem, lebendigen Klavierspiel. Die Sätze sind so konzipiert, dass Primo- und Secondo-Part etwa gleiche spieltechnische Anforderungen stellen. So können Spielerinnen und Spieler ähnlichen Leistungsstands gut miteinander musizieren. Wenn auch die meisten Kompositionen aus der Un terrichtspraxis mit Kindern und Jugendlichen heraus entstanden sind, so ist es ein großes Anliegen dieses Heftes, dass sich auch Erwachsene angesprochen füh len, ihr Klavierspiel wieder aufzufrischen. Vielleicht lassen sie sich sogar dazu „verführen“, gemeinsam mit anderen im Familien- oder Freundeskreis zu musizie ren. Auf diese Weise können sie, z. B. zusammen mit ihren Kindern, interessante Erfahrungen machen. Die konzertanten Einspielungen auf der beiliegenden CD zeigen jeweils eine Möglichkeit der musikalischen Umsetzung, die zu schöpferischem Umgang mit der Musik anregen sollen. Daneben enthält sie auch Play along-Tracks zum Üben, Einstudieren und Mitspielen aller zwölf Titel. Näheres dazu findet sich, zusammen mit weiteren Anregungen zu Spiel und Unterricht, in den kommentierenden Hinweisen ab Seite 41. Alle Kompositionen und Texte entstanden in enger Zusammenarbeit mit der Pianistin Ritva Sjöstedt, deren pädagogische und pianistische Erfahrungen wesent lich zur Entstehung des Heftes sowie der Einspielung der CD beigetragen haben.

“A Spaniard for Elise” is a collection of piano duets that offer a broad palette of expressive resources th rough their fusion of modern rhythms with classical forms and harmonies. Treated in a playful manner and with a hint of irony, this mix of different stylistic elements – along with illustrative titles – stimulates the players’ musical imagination and motivates them to play with greater expressiveness and vivacity. The pieces are conceived in such a way that the Primo and Secondo parts make about the same technical demands on the players. Pianists of similar technical proficiency will thus find it easy to play together. Even though most of the pieces arose in conjunction with the teaching of children and youths, it is a major concern of this book that adults also feel encouraged to freshen up their piano playing. Indeed, we hope that they might be inspired to make music together with other family members or friends. It is a wonderful way for adults to make interesting new experiences, in particular with their children. The concert performance of the pieces on the enclosed CD should be seen as only one of many ways to interpret them and is intended to stimulate a crea tive approach to the music. In addition, the CD also contains play-along tracks for all twelve pieces concei ved as an aid for learning, practicing and performing. Further information, along with tips and ideas for playing and teaching, can be found in the commen taries beginning on page 44. All the pieces and texts were written in close collabo ration with the pianist Ritva Sjöstedt, whose pianistic and pedagogical experience played an essential role in the conception and realization of this book as well as of the CD recording.

Viel Spaß beim Hören, Spielen und Üben wünscht

Have fun with “A Spaniard for Elise” – whether you’re practicing, playing or simply listening!

Michael Proksch

München, Herbst 2003

Illustrationen von Dorothea Lindenberg

Illustrations by Dorothea Lindenberg

Munich, Fall 2003

Inhalt | Contents

Seite | Page

CD-Track*

1 Erste Annäherung First Advances

1/13/14

2 GeburtstagsParty BirthdayParty

2/15/16

3 Auf dem Meeresgrund On the Ocean Floor

3/17/18

4 Im septimen Himmel In Seventh Heaven

4/19/20

5 Gute Laune High Spirits

5/21/22

6 Seine-sucht (Pont Neuf) Seine Scene (Pont Neuf)

6/23/24

7 Erik Satie, von frischer Landluft überrascht Erik Satie, surprised by the fresh Country Air

7/25/26

8 Gag-Time

8/27/28

9 Lesor

9/29/30

10 Kokosnüsse knacken Breaking Coconuts

10/31/32

11 Tango Sambo

11/33/34

12 Ein Spanier für Elise A Spaniard for Elise

12/35/36

Hinweise und Anregungen für Spiel und Unterricht Tips and Comments for Playing and Teaching

41 44

Zur CD | On the CD Ausführende | Performers: Michael Proksch, Ritva Sjöstedt, Klavier Aufnahme | Recording: Juli 2003, München Schnitt | Edition + Premastering: Matthias Ebert, ADERA Publikationen, München Herstellung | Production: Stefan Zimmer Print- und Medienservice, Finnentrop Gesamtspielzeit | Total duration: 56’51” © und P 2004 Breitkopf & Härtel, Wiesbaden * Konzertfassung/Primo/Secondo Concert version/Primo/Secondo

Ein Spanier für Elise Michael Proksch

1 Erste Annäherung Behutsam Cautiously

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3 Auf dem Meeresgrund

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* Die Stimmführung in den Takten 4–8 kann auf beide Hände verteilt werden; die linke Hand spielt dann die nach unten gestrichenen Noten (siehe auch die Takte 16/17 und 28/29). / The voice-leading in measures 4–8 can be distributed between both hands; the left hand then plays the notes with downward-pointed stems (also see measures 16/17 and 28/29). Breitkopf EB 8769

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* Wem es leichter fällt, kann bis Takt 38 auch nur die untere Oktave spielen, was zudem den verträumten Charakter des ersten Teils unterstreicht. To facilitate things, play only the lower octave up to measure 38. Moreover, thisEB variant Breitkopf 8769 enhances the dreamy character of the first part.

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* Bei der Wiederholung beide Töne eine Oktave höher spielen. Play the two notes one octave higher during the repetition.

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Hinweise und Anregungen für Spiel und Unterricht (unter Mitarbeit von Ritva Sjöstedt)

Allgemeines Das Notenbild in Partiturform erwies sich für ein besseres Verständnis der Kompositionen als günstiger. Rhythmisch anspruchsvolle Stellen lassen sich so beim Zusammenspiel leichter und schneller überschauen. Fingersätze sind sparsam eingesetzt und nur als Vorschlag gedacht. Pedalanweisungen und Artikulationszeichen finden sich oft nur in den ersten Takten der Stücke und gelten solange weiter (simile), wie es keine neuen Anweisungen gibt. Das eigene Ergänzen ist eine gute Übung und kann der Vertiefung beim Erarbeiten dienen. In einigen Stücken ist es unter Umständen sinnvoll, die Melodie oder einzelne Melodiephrasen auf beide Hände zu verteilen. An den entsprechenden Stellen sind die Noten nach oben bzw. unten gehalst. Beim Erarbeiten der Stücke ist es für das genaue Zusammenspiel der vier Hände empfehlenswert, auch nur einzelne Stimmen, z. B. Melodie und Bass (Primo: rechte Hand; Secondo: linke Hand), zusammen zu spielen. Die Stücke sind in dem Anliegen geschrieben, durch agogische und dynamische Feinheiten, sowie nuancierte Klangfarben, die Musik zum Sprechen zu bringen. Zu den bekannten italienischen Anweisungen wurden deshalb einige in deutscher Sprache hinzugefügt, die Assoziationen wecken und so helfen können, das Spiel interessanter und lebendiger zu gestalten. Einige Harmoniefolgen können als Improvisationsgrundlage für das eigene Erfinden von Melodien dienen.

Zur CD Der erste Teil der CD stellt die zwölf Stücke jeweils in einer von vielen Interpretationsmöglichkeiten exemplarisch vor und möchte zu phantasievoller, freier Umsetzung des Notentextes ermutigen. Dabei kann jeder Spieler eigene Ideen einbringen und ausprobieren. Dies betrifft durchaus auch das Tempo der Sätze, denn die Praxis hat gezeigt, dass viele der Kompositionen auch langsamer gespielt gut klingen. Die anschließenden Play-along-Fassungen bieten die Möglichkeit, auch ohne realen Mitspielpartner üben zu können. Sie enthalten jeweils einmal nur den Primo- sowie den Secondo-Part und versuchen, durch einen eher nüchternen, gleichleibenden Puls und ein etwas langsameres Tempo, das durch eingespielte Vorzähler vorgegeben wird, das Erfassen der Stücke zu erleichtern. Dem Beginn der Musik bzw. den Vorzählern in jedem Play-along-Track ist eine längere Pause zum Einnehmen der Spielposition vorangestellt. Es ist empfehlenswert, so bald wie möglich mit einem „realen“ Spielpartner zu probieren, vor allem, weil sich dabei noch andere „Antennen“ entwickeln. Denn gemeinsames Musizieren führt in lebendiger Weise dazu, auf den anderen einzugehen und seinem und dem eigenen Spiel besser zuzuhören. Dadurch kann ein schöpferischer Dialog entstehen.

Zu den Stücken im Einzelnen 1 Erste Annäherung Dieses schlichte Stück in C-dur baut ganz auf die beruhigende Wirkung der immer wiederkehrenden Subdominante F-dur auf, welche erst nach drei Anläufen nach d-moll und G-dur weitergeführt wird. Primo: Übergabe der Melodie von einer zur anderen Hand, häufig bewusst von links, der meist schwächeren Hand, nach rechts Secondo: wenige Dreiklänge und ihre Umkehrungen; Wechsel von C- nach F-dur (T. 1 und 2) und d-moll nach G7 (T. 13 und 14) akkordisch üben; Eintragen der Harmoniesymbole verdeutlicht die Struktur. Beide: schwingendes Legato (sanfte Stimmung)

2 GeburtstagsParty Primo: Einführung Synkope; Weiterführen einer Melodie bei Aufteilung auf beide Hände Secondo: Begleitung durch nachschlagende Dreiklänge auf T, S und D7 (theoretische Einführung möglich), beginnend mit C-dur in Grundstellung rechte Hand (r. H.): häufige Wechsel zwischen den Dreiklängen üben und festigen bewegungsmäßige, in anderen Stücken wiederkehrende Abläufe; Sicherheit hierin, kann die Aufmerksamkeit für die Basslinie erhöhen. linke Hand (l. H.): pointiertes Staccato, Betonung der vierten Taktzeit durch Bindung zur nächsten Note Beide: Spaß an dem synkopierten Rhythmus

3 Auf dem Meeresgrund Primo: T. 1–8: Begleitfunktion in gleichmäßigem Schweben; „Lichtpunkte“ durch hervorgehobene Töne setzen; die angegebene Handverteilung kann auch weggelassen werden, dann ggf. eine Oktave höher spielen. T. 9ff.: aufblühendes Melodiespiel (Höhepunkt T. 25); Assoziation ruhiger Meerestiefe lässt weichen Klang und fließende Linien entstehen. T. 23: „Tonleiter“ als sich aufschwingende, musikalische Phrase empfinden (geschmeidiger Daumenuntersatz!). Secondo: T. 1–8: Einführung des Themas einschließlich des Harmonieschemas (zu den Quinten/Sexten der l. H. können übrigens auch andere Melodien erfunden werden); T. 17: r. H.: Hilfe beim Übergang zu den Achteln: erste Achtel etwas schwerer, zweite Achtel sehr leicht spielen. Beide: Schwerpunkte im Alla-breve-Takt durch Vorstellung eines ruhigen Wiegens oder Pendelns; leichtes Schwanken des Oberkörpers kann hier unterstützend wirken (z. B. Secondo ab T. 9).

4 Im septimen Himmel … spielt im Titel auf die immer wiederkehrenden Septimenakkorde an und bietet Gelegenheit, den Unterschied

42 zwischen großen Septimen (am Anfang des Stückes) und den kleinen Septimen (z. B. in T. 16) kennen zu lernen. Primo: Dialogspiel in dramaturgischer Steigerung der paarweise auftretenden Motive, Rückkehr zum gesanglich fortgesetzten Anfangsmotiv in T. 17, agogische Ausgestaltung; T. 12 und 13: vereinfachte Version: Sechzehntel als Achtel spielen. Secondo: Akkorde möglichst sostenuto (Fingerkontakt zu den Tasten!), zweitaktigen Spannungsbogen als Grundlage für den Dialog im Primo-Part aufbauen.

Vivo-Teil: einfache, kraftvolle Artikulation; schnell reagierende, eher runde Finger ermöglichen den raschen Wechsel von Legato zu Staccato. l. H.: Stärkung des vierten und fünften Fingers, Beginn auch mit dem vierten Finger möglich. Secondo: schwebender Klang als Grundlage für die elegische Melodie, Zweitakteinheiten denken; T. 1–2 und/oder 18–22: Die zweite Achtel kann bei kleinen Händen von der r. H. übernommen werden. Vivo-Teil: schnelles Umschalten auf kräftige Impulse für die Akkorde

5 Gute Laune Primo: vorwärtstreibende Staccati aus schnell reagierendem Handgelenk bei ruhigem Arm; bei Legatobögen die jeweils erste Note stark betonen; Vorschläge ggf. zunächst weglassen. T. 1–8: r. H. spielt allein, T. 9–16 Aufteilung auf l. H und r. H. Secondo: viertaktiges Begleitmuster (andere Melodien dazu erfinden!), Betonung der jeweils vierten Zählzeit durch gebundene Achtel

6 Seine-sucht (Pont Neuf) … spielt im Titel auf Paris und seine berühmte Brücke über die Seine an. Das erweckt vielleicht Bilder mit einer leicht melancholischen Stimmung, wie sie in manchen französischen Filmen auftauchen. Primo: Zunächst einzeln üben; dabei besonders ein schönes Legato und das Weiterführen innerhalb der Phrasen erarbeiten. Secondo: gebrochene Akkorde als Klangteppich; fließende Achtel von der l. H. zur r. H., jeden Takt als einen musikalischen Gedanken empfinden und trotzdem größere Zusammenhänge erzeugen; Eingehen auf die Melodie durch eigene agogische Impulse. Beide: einfache ABA Form mit zwei musikalischen Gedanken; B-Teil baut auf den Dominantspannungen der darunter liegenden Akkorde auf; nur allmählich steigern, die Spannung bis zum Forte in T. 18 weiterwachsen lassen.

7 Erik Satie, von frischer Landluft überrascht Der französische Komponist Erik Satie war bekannt für seinen unangepassten Lebensstil. Stellen wir uns den Komponisten etwas kauzig und eher wortkarg in einer verrauchten Pariser Künstlerkneipe vor. Der erste Teil des Stückes spricht in den harmonischen Wendungen seine musikalische Sprache. Doch unser Dahinträumen wird plötzlich gestört: Ein Windstoß öffnet die Fenster und herein strömt frische Luft, die an die Vitalität des Landlebens mit seiner unkomplizierten Frische erinnert und wie eine reinigende Brise in den Zigarrendunst der Pariser Bohemiens fährt. Primo: Verfeinerung des Legatospiels im Unisono; offene Phrasen, quasi ohne Antwort, gestalten; klingt auch gut, wenn mit der rechten Hand nur die jeweils untere Stimme der Oktaven gespielt wird.

8 Gag-Time Die Komposition verwendet, wie der Titel erahnen lässt, Elemente des Ragtimes, die sich mit Swing vermischen und beim Aufbau einer größeren Spannung durch „blue notes“ in T. 16 bereichert werden. Primo: T. 7: Akzente auf den Synkopen bekommen den richtigen „drive“, wenn kurz vor ihnen abgesetzt wird. T. 15: die Triolen, welche auf den dynamischen Höhepunkt in T. 16 hinsteuern, als Vorübung in kleinen Gruppen im Tempo üben: 15 II a)

Secondo: alle Töne kurz, aber eher entspannt; beim ersten Zusammenspiel Schwerpunkte im Bass als Gegengewicht zu den Synkopen besonders betonen (Grundregel auch für ähnliche Fälle, vgl. Nr. 10 und Nr. 5). Beide: Die Mischung aus entspannter Swing-Stimmung und den melodischen Entwicklungen wird am besten erreicht, wenn als Grundlage für das Stück ein Alla-breve-Takt empfunden wird.

9 Lesor Ausgangspunkt für das Stück ist ein fünftaktiges Thema aus dem Konzert für Flöte und Orchester op. 11 von Lorin Maazel. Der Titel „Lesor“ leitet sich aus den Vornamen seiner beiden Kinder Leslie und Orwell ab, für die das Stück geschrieben wurde. In einem vierstimmigen Satz wandert das Thema durch drei Stimmlagen, bevor es sich nach längerem Aufschwung in neuem harmonischen Umfeld wiederfindet und aufblüht. Angestrebt wird eine ätherisch schwebende Klangwelt, die später fließende Achtel bereichern. Nach dem unerwarteten Wechsel in die gleichnamige Durtonart (D-dur) ab T. 48, löst sich alles Vorwärtsdrängende in Schwerelosigkeit auf. Beide: Vor dem Erarbeiten: CD hören und Notentext mitlesen, um die Motivik und ihre Verkettungen herauszuhören; bewusste Gestaltung von Übergängen von einer Stimme in die andere (z. B. von T. 15–18). Zu Beginn des Übens bildet das Schwingen im 3/4-Takt eine gute Grundlage. Die Vorstellung des Klangbildes eines Streichquartetts hilft zum Gelingen eines durchgehenden Cantabile-Spiels.

43 10 Kokosnüsse knacken ... steckt voller, entspannter Lebensfreude, wobei der karibische Schwung später vom Vorwärtsdrängen rockiger Rhythmen abgelöst wird und die Spannung bis zur größtmöglichen Reibung zwischen dem hohen Ton F und dem D-dur-Dreiklang steigt. Primo: T. 13: Repetitionen bis zur betonten Synkope wirkungsvoll steigern (vgl. auch T. 17, 37, 41). T. 43 ff.: Akzente sind für das Üben in langsamerem Tempo gedacht; sie werden bei schnellerem Tempo unbedeutender. T. 49 ff.: Hilfe für den Übergang von Achteln zu Triolen: an die Viertel der l. H. denken, von dort führen und stützen. Secondo: Thema mit Gegenbewegung im Mittelteil; Schlussteil (ab. T. 37) l. H.: beim rockigen Begleitmuster im Tempo bleiben! Ab T. 45 erleichterte Fassung möglich: T. 43/44 bis zum Schluss wiederholen. Beide: Charakteristik des „karibischen Rhythmus“: die ersten beiden Viertel kurz, dann Schwung auf dem nachfolgendem Achtel ➀; letzte Achtel im Takt wieder sehr leicht; hier gut beim Zusammenspiel aufeinander hören, darf keinesfalls zu früh kommen ➁. 1

T. 43 ff.: ständige Wiederholung des Samba-Rhythmus mit vorwärtstreibenden Achteln (hypnotische Wirkung), jeweils ersten Ton einer Notengruppe betonen! 8

( ) ( ) Secondo: T. 27ff.: Die Verbalkung in den ersten beiden Achteln der r. H. verdeutlicht den rhythmischen Ablauf (3/8 + 1/8 + 2/8 + 2/8). Das Sprechen eines unterlegten Textes (z. B. „Tanzen wir | den | Sambo | feurig!“) unterstützt das Erlernen des Rhythmus’: Tan zen wir, den Sam bo feu rig!

( ) ( )

12 Ein Spanier für Elise

( )

… lebt von einer etwas respektlosen Vermischung: typisch spanische Akkordfolgen werden in einen 5/4-Takt eingebaut, in dem später auch noch Motive aus Beethovens „Für Elise“ auftauchen.

( )

Primo: T. 16: bester Einstieg in die rhythmische Struktur; die richtigen Schwerpunkte der Aufteilung in 3/8 + 3/8 + 4/8 werden hier durch die l. H. unterstützt.

( ) ( )

11 Tango Sambo … ist kein Schreibfehler, sondern deutet als Wortspiel auf eine Vermischung der Stile hin. Nach dem sentimentalen Anfang setzt unerwartet ein dramatischer Tango-Rhythmus ein. Der Secondo gibt die Grundstimmung vor und der Primo reagiert darauf, so dass ein leidenschaftlicher Dialog ensteht. „Machissimo“ meint hier etwa wie ein Argentinier, der sich seinen stolzen Tanzbewegungen hingibt. Wenn Primo und Secondo sich im Schlussteil (T. 43 ff.) gut aufeinander „einschwingen“, können vielleicht Bilder des Karnevals in Rio lebendig werden. Primo: T. 18/19: Das Des ➀ deutlich ansteuern, die beiden Sechzehntel ➁ als Auftakt zum folgenden Ton G hinführen. 1

T. 40ff.: einfache Klopfübung zwischen linker (L) und rechter (R) Hand als Vorbereitung auf die ekstatische Schlusssteigerung: R L R L

Töne der r. H. bereits beim langsamen Üben hervorheben ➀, l. H. sehr leicht und auch später immer locker lassen ➁. 8

( ) 2

T. 26ff.: wieder fließender, geschmeidiger Charakter

44 Secondo: Das Einprägen der wenigen Akkordfolgen (Grundstellung und erste Umkehrung) zu Beginn ermöglicht später die Konzentration auf den Rhythmus: Grundstellung und 1. Umkehrung

E-dur

F-dur

G-dur

Nützliche Vorstellung: Die Energie springt von der linken zur rechten Hand über ➀. T. 41: das Grundgefühl des 5/4-Taktes beibehalten, eine sechste Viertel unbetont anfügen. Wichtig: Nach diesem unbetonten Viertel, den folgenden neuen Takt mit viel Schwung beginnen (Schwerpunkt) ➀:

d-moll

Zum schnelleren Erlernen des Rhythmus’ ist anfangs folgende Aufteilung des Taktes hilfreich: 1

2 3 4

Beide: T. 31, Kadenz: Die Richtung der Notenhälse zeigt das Übereinandergreifen der Hände an. Die jeweils überkreuzende Hand sofort in Richtung der nachfolgenden beiden Töne bewegen, diese mit dem Blick schon vorher anvisieren.

5 6

Tips and Comments for Playing and Teaching (in collaboration with Ritva Sjöstedt)

General Observations The presentation of the music text in score form has proven to be more practical for an easier grasp of the pieces. Rhythmically difficult passages can thus be assimilated more easily and quickly when the two players are working together. Fingerings have been used sparingly and are only intended as suggestions. Pedal indications and articulation signs are often found only in the first measures of a piece and are applicable only as long as there are no new indications (simile). It is advisable for the player to supplement these markings on his own, both as a practical aid and as a means of better understanding the piece while working on it. In some of the pieces, it might be more practical at times to divide the melody or melodic segments between both hands. At the passages in question, the notes have been supplied with stems pointing upwards or downwards. When working on the pieces, one should play individual parts, e.g. melody and bass (Primo: right hand; Secondo: left hand) together as a means of obtaining a more precise cohesion of the four hands. The pieces were written with the aim of making the music speak through agogic and dynamic refinements, as well as through variegated tone colors. In addition to the standard

Italian expression marks, some English indications have also been added in an attempt to give rise to certain associations that can help the playing be more lively and interesting. Some harmonic progressions can be taken as improvisation sources for the pianist’s own elaboration of melodies.

Notes on the CD By way of example, the first part of the CD features the twelve pieces played in one of many interpretations. The aim here is to encourage a free and imaginative transposition of the musical text. Each player should introduce and try out his own ideas. This also concerns the tempo of the pieces, since practice has shown that many of the pieces also sound well when played more slowly. The subsequent play-along versions offer the players a chance to practice without their partner. They present the Primo and Secondo part once each. Pre-recorded beats set a fairly slow tempo and a moderate, regular pulse, making it easier to grasp the pieces. Before the beginning of the audible beats and the music on each play-along track, there is quite a long pause to give the player enough time to get ready and get herself in the right playing position. It is recommended to begin practicing as soon as possible with a “real” partner, especially since this helps the player

45 develop different “antennae.” Making music together is a vital way to help adapt oneself to others and to pay closer attention to their playing, as well as to one’s own. This is how a creative dialogue arises.

4 In Seventh Heaven

Notes on the individual Pieces

Primo: Dialogue with dramaturgical build-up of the motifs that appear in pairs, leading to the songfully elaborated opening motif in m. 17, with agogic elaboration. mm. 12 and 13: Simplified version: play the sixteenths as eighths. Secondo: Keep the chords as sostenuto as possible (finger contact with the keys!). Build up a two-measure-long arc of tension as a foundation for the dialogue in the Primo part.

1 First Advances This simple piece in C major derives its gentle, calming effect from the steady recurrence of the F major subdominant, which gives way to a development in D minor and G major only after three attempts. Primo: The melody shifts from one hand to the other, often deliberately from the left – and generally weaker – hand to the right. Secondo: Some triads and their inversions. Practice shifting from C to F major (mm. 1 and 2) and from D minor to G7 (mm. 13 and 14) as chords. Entering the harmonic symbols will clarify the structure. Both players: Swinging legato (gentle mood)

2 BirthdayParty Primo: Introduction to syncopation. Continue the melody by dividing it up between the two hands. Secondo: Accompaniment through staggered chords on T, S and D7 (theoretical introduction possible), beginning with C major in root position. Right hand (r.h.): Frequently changing chords consolidate and strengthen motoric processes such as one finds in other pieces as well. Feeling secure here will help you be more attentive to the bass line. Left hand (l.h.): Sharp staccato with stress on fourth beat through slurring with the next note. Both players: Fun with syncopated rhythms.

3 On the Ocean Floor Primo: mm. 1–8: Accompanying function that projects a feeling of evenness and floating. “Points of light” are supplied by stressed notes. The indicated division of the hands can be ignored, and one can also play an octave higher at will. mm. 9ff.: The melody blossoms forth and climaxes at m. 25. The idea of the tranquil ocean depths gives rise to a gentle sound and flowing lines. m. 23: Feel the scale as a soaring musical phrase (supple thumb crossing!). Secondo: mm. 1–8: Introduction of the theme including the harmonic pattern (incidentally, other melodies can also be invented to fit the fifths and sixths of the l.h.). m. 17 r.h.: Facilitate the transition to the eighths by playing the first eighths somewhat heavily and the following one very lightly. Both players: You can set accents in alla breve time by imagining a gentle rocking or swaying motion. This feeling can be reinforced by slightly swaying the upper body (e.g. Secondo, beginning at m. 9).

The title alludes to the regularly recurring seventh chords and gives the players a chance to become acquainted with the difference between major sevenths (at the beginning of the piece) and minor sevenths (e.g. in m. 16).

5 High Spirits Primo: Staccati with a dynamic, forward drive produced with a nimbly reacting wrist and calm arm. Strongly accentuate the first note at legato slurs. The appoggiaturas can be initially left out. mm. 1–8: Right hand plays alone; mm. 9–16 divided between l.h. and r.h. Secondo: four-measure-long accompaniment pattern (can also be used as a basis for original melodies!). The fourth beats are stressed through slurred eighths.

6 Seine Scene (Pont Neuf) The title refers to Paris and its famous bridge across the Seine. This might awaken images with a slightly melancholic feeling, such as one finds in many French films. Primo: Practice alone at first. Concentrate on obtaining a beautiful legato and flowing phrases. Secondo: Broken chords provide a carpet of sound, with flowing eighths alternating between the l.h. and the r.h. The player should sense every measure as a musical idea, yet produce larger connections. She must handle the melody with her own agogic impulses. Both players: Simple ABA form with two musical ideas. The B section is built on the dominant-degree tensions of the underlying chords. Build up the piece only gradually, allow the tension to increase up to the forte in m. 18.

7 Erik Satie, surprised by the fresh Country Air The French composer Erik Satie was known for his unconventional lifestyle. Let us imagine the composer as a crusty, taciturn guest of a smoke-filled Parisian artists’ pub. The first part of the piece speaks his musical tongue in its harmonic turns. Suddenly, however, our daydream is disrupted by a gust of wind. As the windows swing open, fresh air comes rushing in. Awakening invigorating memories of country life, it spreads its uncomplicated freshness through the Paris Bohème and cuts through the haze of cigar smoke like a purifying breeze. Primo: Perfection of legato playing in unison. Create phrases that are open, almost without an answer. Playing the lower voice of the unison melody alone with the right hand also sounds good.

46 Vivo section: A simple, forceful articulation with a rapid reaction and somewhat rounded fingers make it possible to shift quickly from legato to staccato. l.h.: Strengthening of the fourth and fifth fingers, whereby one can also begin with the fourth finger. Secondo: Strive for a hovering, free-floating sound as the basis for the elegiac melody and think in units of two measures. mm. 1–2 and/or 18–22: The second eighth can be played by the r.h. when the player’s hands are too small. Vivo section: rapid shift to powerful impulses for the chords.

8 Gag Time As its title suggests, this piece mixes elements of ragtime together with swing and spices it all up with “blue notes” in m. 16 to build up the tension. Primo: m. 7: Accents on the syncopations get the right “drive” when they are preceded by a slight break. m. 15: The triplets that head for the dynamic climax in m. 16 should be practiced a tempo in little groups beforehand: 15 II a)

10 Breaking Coconuts Breaking Coconuts is a light-hearted, joyous piece in which a Caribbean swing gives way to a forceful surge of rock rhythms. The excitement grows until the piece reaches the greatest possible friction between the high note F and the D major chord. Primo: m. 13: Intensify the repeated notes up to the stressed syncopation (also see mm. 17, 37, 41). mm. 43ff.: The accents are intended for practice in a slower tempo; they are less important when the piece is played more rapidly. mm. 49ff.: Aid for the transition from normal eighths to triplets: think of the quarter notes of the l.h. and use them as a guide and support. Secondo: Theme with contrary motion in the middle section. Closing section (beginning at m. 37) l.h.: keep the rockstyle accompaniment pattern in tempo! A simplified version is possible from m. 45 on: just repeat mm. 43/44 up to the end. Both players: A characteristic of the “Caribbean rhythm” is that the first two quarters are short, and the following eighth is taken with swing and drive ➀; the last eighth in the measure is again very light. Pay close attention here to the coordination; these notes should not enter too early ➁. 1

Secondo: All notes are short but rather relaxed. When playing this piece for the first time, one should particularly stress the focal points in the bass as a counterweight to the syncopations (basic rule for similar cases as well; see No. 10 and No. 5). Both players: The mixture of relaxed swing mood and melodic elaboration is best obtained when one feels the alla breve meter as the groundwork of this piece.

( ) ( ) ( ) ( )

9 Lesor The idea for this piece came from a five-measure theme from Lorin Maazel’s Concerto for Flute and Orchestra op. 11. The title “Lesor” was derived from the Christian names of Maazel’s two children Leslie and Orwell, for whom the piece was written. In a four-part texture, the theme wanders through three voice ranges before it embarks on a fairly long upward impetus that takes it to a new harmonic environment, where it blossoms forth again. The goal here is to achieve an ethereal, floating soundscape that is later enlivened with flowing eighth notes. After the unexpected change from D minor to D major at m. 48, the previous driving, forceful movement is now dissolved into a weightless hovering. Both players: Before working on the piece, listen to the CD and follow the music text along with it in order to distinguish the motifs and how they are linked together. Carefully shape the transitions from one voice to another (e.g. at mm. 15–18). A swinging movement in 3/4 time provides a good rhythmic basis when one begins practicing. Imagining the sound of a string quartet might be helpful for successfully achieving an evenly cantabile style of playing.

11 Tango Sambo There is no typographical error in the title, but a word play that hints at a mixture of styles. A sentimental-sounding first section leads to the sudden, dramatic entrance of a tango rhythm in the second section. While the Secondo sets the basic mood, the Primo reacts to it, thus giving rise to a passionate dialogue. “Machissimo” should evoke, say, a proud Argentinean abandoning himself to his vigorous dance steps. When Primo and Secondo end up swinging together harmoniously in the closing section (mm. 43ff.), one might feel as if one were at the carnival of Rio. Primo: mm. 18/19: Clearly aim for the D flat ➀; the two sixteenths ➁ serve as an upbeat to the following note G. 1

( ) mm. 26ff.: again more flowing and supple mm. 43ff.: Steady repetition of the samba rhythm with forcefully driving eighths (hypnotic effect). Always stress the first note of a group of notes!

( )

Stress the r.h. notes ➀ when practicing slowly and always keep the l.h. ➁ very light and supple, on through the end. 8

( ) 2

Secondo: mm. 27ff.: The beaming of the first two eighths of the r.h. clarifies the rhythmic structure (3/8 + 1/8 + 2/8 + 2/8). You can get a better feeling for the rhythms by speaking a text with the appropriate emphases, e.g. “DANCE all night to SAM-ba rhythms.”

Secondo: Memorizing the few chordal sequences (root position and first inversion) at the beginning will help you keep your focus on the rhythm more effectively later: Root position and 1st inversion

Dance all night with Samba rhythms

( ) E major

F major

G major

d minor

( )

12 A Spaniard for Elise A Spaniard for Elise derives its particular charm from its irreverent mixture of typically Spanish chordal sequences in 5/4 time, into which motifs from Beethoven’s “Für Elise” are subsequently inserted. Primo: m. 16: For the best access to this rhythmic structure, note that the proper stress points of the division into 3/8 + 3/8 + 4/8 are supported here by the l.h.

( )

To grasp the rhythm more quickly, you might find the following subdivision of the measure helpful while practicing. 1

2 3 4

5 6

Note: the energy leaps from the left to the right hand via ➀. m. 41: Keep the basic 5/4 pulse, and add a sixth quarter note, but without stressing it. Important: after this unstressed quarter, beginning the following new measure with great vigor. ➀

( ) mm. 40ff.: Simple tapping between the l.h. (L) and r.h. (R) as a way of practicing the build-up to the ecstatic closing sequence.

R L R L

Both players: m. 31, cadenza: The direction of the note stems indicates the crossing of the hands. The hand that does the crossing has to move immediately towards the position of its following two notes, which should be staked out with the eyes beforehand.

Michael Proksch, gebürtiger Dresdener, lebt seit 1985 in München. Nach privatem Unterricht, Klavier studium in der Klasse von Prof. Wolfgang Plehn an der Dresdener Hochschule für Musik Carl Maria von Weber, nach dem Abitur bei Prof. Günther Hörig; bis 1989 pianis tisch-pädagogische Studien bei Lola Tavor in Genf; in dieser Zeit erste Kompositionen für Kinder. Nach dem Aufbau einer privaten Klavierklasse in München, Entwicklung einer eigenen Klavierdidaktik mit Improvisationselementen; ab 1995 erscheinen Für kleine Klavier künstler Teil 1 bis 4 und die CD Klavier ab vier beim ADERA-Verlag in München, heute Breitkopf & Härtel. Langjährige Kompositionstätigkeit mit verschiedenen Uraufführungen und Veröf fentlichungen, daneben Filmmusiken sowie Produktionen für Bühne und Fernsehen (z. B. BR, ZDF, RTL); Zusammenarbeit mit der Filmemacherin Freya Klier und in literarisch-musikalischen Programmen mit der Schauspielerin Juliane Kosarev bei Auf tritten u. a. in Hamburg, Berlin, Köln, München, Genf und Paris. 2006 war Proksch Composer in Residence der Klassikstiftung Weimar, 2010 erschien das gemeinsam mit seiner Schwester verfasste autobiografische Buch Und plötzlich waren wir Verbrecher im dtv-Verlag, danach Lesereisen, Fernsehauftritte (u. a. im ZDF-Mittagsmagazin) und Film-Porträt in der Reihe Lebenslinien des BR sowie Hörfunksendungen; Uraufführung des Musikzyklus D-Mut beim offiziellen Festakt zum Tag der Deutschen Einheit 2010 in Dresden.

Michael Proksch Born in Dresden, Michael Proksch has been living in Munich since 1985. After initial private training, he studied piano in the class of Prof. Wolfgang Plehn at Dresden’s Carl Maria von Weber Hochschule für Musik. He perfected himself with Prof. Günther Hörig after graduation and subsequently studied piano and piano pedagogy with Lola Tavor in Geneva until 1989. It is at this time that he wrote his first works for children. Proksch founded his own piano class in Munich and developed an original system of piano didactics with improvisatory elements. In 1995 he began releasing Für kleine Klavierkünstler Parts 1 to 4 and the CD Klavier ab vier, all produced by the ADERA- Verlag in Munich. Michael Proksch has been active as a composer for many years now and can look back on a number of world premieres and publications as well as film scores and produc tions for stage and television. He collaborated with the filmmaker Freya Klier and, together with the actress Juliane Kosarev, he performed in literary-musical programs in Hamburg, Berlin, Cologne, Munich, Geneva, Paris and elsewhere. In 2006 Proksch was Composer in Residence of the Klassikstiftung Weimar; in 2010 his book Und plötzlich waren wir Verbrecher, written together with his sister, was published by dtv, afterwards reading tours, TV appearances and a film portrait within the TV format Lebenslinien of the Bayerischer Rundfunk (Bavarian Broadcasting); in 2010 world premiere of his music cycle D-Mut in Dresden during the official ceremony to mark the Day of German Unity.

Michael Proksch

„Ein Spanier für Elise” verbindet klassische Formen und Harmonien mit modernen Rhythmen. Unterschiedliche Stilelemente, gewürzt mit einer Prise Ironie und in

Ein Spanier für Elise

Zwölf raffinierte Stücke für Klavier zu vier Händen für Kinder, Jugendliche und Erwachsene

Die CD bietet neben konzertanten Einspielungen auch Play-Along-Tracks zum Üben und Mitspielen aller Titel.

A Spaniard for Elise

Twelve Sophisticated Pieces for Piano Duet for Children, Youths and Adults

ISMN 979-0-004-18181-2

www.breitkopf.com

9 790004 181812 EB 8769

Edition Breitkopf 8769