Bolzano Danza - Tanz Bozen 2021 / Booklet

16-30/07 www.bolzanodanza.it www.tanzbozen.it

Direttore Artistico | Künstlerischer Leiter

Emanuele Masi

Ente organizzatore | Veranstalter Fondazione Haydn di Bolzano e Trento Stiftung Haydn von Bozen und Trient Via Gilm | Gilmstraße 1/A I – 39100 Bolzano | Bozen Redazione | Redaktion Maria Luisa Buzzi Maria Prast

Grafica | Grafik Plus Communications Stampa | Druck La Bodoniana

Team Annamaria Anderlan, Sofia Best, Noemi Eleonora Biagi, Michela Bortolomiol, Martina Bovo, Caterina Busto, Simone Brusco, Maria Luisa Buzzi, Erwin Canderle, Eugenia Carro, Valentina Cavion, Maurizio Conta, Jessica Covi, Gianluca Cucco, Roberta Creazzo - Social Boby, Armin Ferrari , Andrea Ferretti, Amanda Filippi, Alberto Folchini, Massimo Franceschini, Julian Geier, Marco Giustini, Amina Hussein, Ilaria Lanteri, Laura Lirussi, Monica Loss, Andrea Macchia, Mauro Mannella, Emanuele Masi, Helene Metzner, Barbara Montanari, Andrea Morandi, Alice Nardelli, Dennis Paone, Judith Paone, Giulia Pasqualini, Stefano Polita, Maria Prast, Luca Predenz, Pasquale Quaranta, Andrea Rizzi, Luisa Sinesi, Nancy Spinel, Elisabetta Starita, Valeria Told, Martina Vianovi, Barbara Westermann, Andrea Zamparelli, Andrea Zampolli, Mario Zanella, Sandro Zanon

Luglio | Juli 2021 Con riserva di modifica | Änderungen vorbehalten

Mecenati Art Bonus | Art Bonus-Mäzenen

STIFTUNG SÜDTIROLER SPARKASSE FONDAZIONE CASSA DI RISPARMIO DI BOLZANO

Sponsor

Swan Emanuele Masi

Direttore Artistico | Künstlerischer Leiter

Bolzano Danza, oggi più che mai, interpreta la contemporaneità guardando al futuro con la consapevolezza di quanto è passato.

Un anno fa, quando la pandemia ci concedeva una fragile tregua e si accelerava un forzato ritorno alla normalità, il Festival è andato controcorrente proponendo con l’edizione EDEN un atto simbolico e sicuro: una serie di centinaia di aperture di sipario per un solo spettatore.

A un anno di distanza Bolzano Danza rientra progressivamente in una dimensione festivaliera: lo fa con spazi e tempi più dilatati che permettano al pubblico un’esperienza più profonda e agli artisti di lasciare un segno marcato e non effimero della propria presenza.

Con leggerezza e ironia abbiamo scelto come animale-guida di questa 37esima edizione il CIGNO, che nel nostro immaginario non è solo sinonimo di danza, ma anche soprattutto un archetipo che rappresenta trasformazione e cambiamento.

Se il radicale progetto EDEN ci aveva spinti a indagare l’essenza stessa del teatro nella relazione tra spettatore e interprete, l’iconico volatile ci accompagna invece in un percorso per riscoprire la danza: riscritture contemporanee dei grandi classici del balletto come Il Lago dei cigni, ma anche Giselle e La sagra della primavera; reenactment - letteralmente “rimessa in azione” - de La morte del cigno con oltre venti nuove performance commissionate agli artisti che animano il Festival; rivisitazioni di caposaldi della letteratura musicale, nuove estetiche e alcuni dei più iconici milestones della danza contemporanea.

Sfogliando il programma, ritroverete gli elementi identitari di Bolzano Danza: la musica dal vivo con l’Orchestra Haydn, l’atteso ritorno della Gauthier Dance - nostra compagnia associata - e di amici del Festival come Olivier Dubois e Alessandro Sciarroni; le prime assolute, le coproduzioni, le grandi coreografe e giovani talenti, e una nuova sezione dedicata alle esperienze digitali. Dal Teatro Comunale alle strade della città, tra cigni reali e immaginari, vi invitiamo a ritrovare la danza in tutte le sue possibili, molteplici, bellissime forme.

© Andrea Macchia

Mit Überzeugung zeigt Tanz Bozen in diesem Jahr das Gegenwärtige im Bewusstsein des Erlebten und mit Blick in die Zukunft.

Im Sommer 2020 bot uns die Pandemie ein kurzes Aufatmen. Vielerorts sehnte man sich danach, möglichst schnell zur „Normalität“ zurückzukehren.

Tanz Bozen wollte sich dem nicht beugen und präsentierte mit EDEN eine sichere und zugleich symbolträchtige Festivalausgabe: Hundert Male hob sich der Vorhang im vergangenen Sommer für jeweils nur einen Zuschauer oder eine Zuschauerin.

Heuer versprüht Tanz Bozen wieder Festivalcharakter, gewährt aber mehr Zeit und Raum. Das ermöglicht dem Publikum eine intensivere Erfahrung, während die Künstler und Künstlerinnen die Chance haben, nicht nur flüchtige, sondern dauerhafte Zeichen zu setzen.

Durch die 37. Ausgabe von Tanz Bozen führt der Schwan: Inbegriff des Tanzes. Archetypisch steht er für Transformation und Veränderung.

Während wir in EDEN über die Beziehung zwischen Zuschauern und Darstellern das Wesen des Theaters beleuchtet haben, geht es in diesem Jahr um die Wiederentdeckung des Tanzes: Reenactments der größten Meisterwerke aus der Geschichte des Balletts, angefangen von Schwanensee und Der sterbende Schwan, über Giselle und Le Sacre du Printemps bis hin zu Stücken internationaler Starchoreografen und -choreografinnen sowie italienischen Talenten; Welturaufführungen und Koproduktionen.

Im Programm findet sich Altbewährtes und Neues: Abende mit Live-Musik – gespielt u.a. vom Haydn Orchester und die allseits beliebte ‚Partnerkompanie‘ Gauthier Dance aus Stuttgart.

Mit Olivier Dubois und Alessandro Sciarroni kehren auch langjährige Freunde des Festivals nach Bozen zurück. Erstmals wird es auch einen Festivalbereich geben, der ausschließlich dem Digitalen und Multimedialen gewidmet ist.

Ob im Stadttheater oder auf den Straßen von Bozen, umgeben von realen oder imaginären Schwänen: SWAN lädt dazu ein, den Tanz in all seinen Facetten (wieder) zu finden.

Ven | Fr

Mar | Di

16.07.

20.07.

Teatro Comunale | Stadttheater ore 21 Uhr

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 20 Uhr

OLIVIER DUBOIS / Swan Blast

GAUTHIER DANCE // DANCE COMPANY THEATERHAUS STUTTGART Swan Lakes

p. | S. 4

Parco dei Cappuccini | Kapuzinergarten / ore 23 Uhr

KOR’SIA / Swan

p. | S. 58

Sab | Sa

p. | S. 60

Teatro Comunale | Stadttheater ore 21 Uhr

CCN BALLET DE LORRAINE Come out

17.07.

p. | S. 20

Cantina Kettmeir, Caldaro | Kellerei Kettmeir, Kaltern ore 18 + 20 Uhr

COLLETTIVO CINETICO DIALOGO TERZO: IN A LANDSCAPE _

p. | S. 8

Parco Cappuccini | Kapuzinergarten / ore 22.30 Uhr

CLUB GUY & RONI Swan Lake the Game _

p. | S. 22

Mer | Mi

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio ore 21 Uhr

21.07.

Fondazione Antonio Dalle Nogare, Bolzano | Stiftung Antonio Dalle Nogare, Bozen / ore 21 Uhr

GAUTHIER DANCE // DANCE COMPANY THEATERHAUS STUTTGART The Dying Swans Live Experience

COD/COMPAGNIE OLIVIER DUBOIS Prêt à baiser

p. | S. 24

Gio | Do

p. | S. 59

22.07.

Teatro Comunale, Foyer | Stadttheater, Foyer ore 19.30 + 20.15 Uhr

Dom | So

18.07.

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 20 Uhr

MM CONTEMPORARY DANCE COMPANY / Duo d’Eden

p. | S. 10

Teatro Comunale | Stadttheater / ore 21 Uhr

KOR’SIA / Giselle

p. | S. 14

Lun | Mo

19.07.

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 21 Uhr

p. | S. 18

SHAHAR BINYAMINI / Evolve

RADHOUANE EL MEDDEB Les cygnes sont morts!

Teatro Comunale | Stadttheater / ore 21 Uhr

p. | S. 61 p. | S. 26

BALLET NATIONAL DE MARSEILLE (LA)HORDE Childs Carvalho Lasseindra Doherty Ven | Fr

23.07.

NOI Techpark / ore 15 -20 Uhr

SILVIA GRIBAUDI & MARGHERITA LANDI Swan – VR moving bodies _

p. | S. 62

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 21 Uhr = MUSICA DAL VIVO | LIVEMUSIK

= DIGITAL

JACOB GÓMEZ / Meohadim

p. | S. 32

Sab | Sa

Mer | Mi

24.07.

28.07.

Parco delle Semirurali | Semiruralipark / ore 10-12 Uhr

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 20 Uhr

SILVIA GRIBAUDI & MARGHERITA LANDI Inner Swan – Workshop _

p. | S. 63

CLUB GUY & RONI / The Dying Swan _ Teatro Comunale | Stadttheater ore 21 Uhr

NOI Techpark / ore 15-20 Uhr

SILVIA GRIBAUDI & MARGHERITA LANDI Swan – VR moving bodies _

p. | S. 62

Teatro Comunale, Studio Stadttheater, Studio / ore 20 Uhr

DanceWorks _

p. | S. 35

Teatro Comunale Stadttheater / ore 21 Uhr

p. | S. 65

p. | S. 42

LA COMPAGNIE DE SOI / MICOMPAÑIA ORCHESTRA HAYDN ORCHESTER Requiem (Sià Karà) _

Gio | Do

29.07.

ALESSANDRO SCIARRONI FOLK-S_ Will you still love me tomorrow?

Museion / ore 18 Uhr

MARIA HASSABI / Untitled (2021)

p. | S. 36

p. | S. 48

Teatro Comunale, Foyer | Stadttheater, Foyer ore 19.30 + 20.15 Uhr

CHIARA BERSANI / L’Animale

p. | S. 66

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 21 Uhr

Dom | So

MARCO D’AGOSTIN / BEST REGARDS

25.07.

Parco delle Semirurali | Semiruralipark / ore 10-12 Uhr

SILVIA GRIBAUDI & MARGHERITA LANDI Inner Swan – Workshop _

p. | S. 63

Ven | Fr

30.07.

Museion / ore 18 Uhr

p. | S. 48

MARIA HASSABI / Untitled (2021) Lun | Mo

26.07.

Parco Cappuccini | Kapuzinergarten / ore 19.30 + 20.15 Uhr

p. | S. 64

SILVIA GRIBAUDI / Peso Piuma

p. | S. 50

Teatro Comunale, Studio Stadttheater, Studio ore 20 Uhr

CAMILLA MONGA Swaën _

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 21 Uhr

LALI AYGUADÉ COMPANY / Hidden

p. | S. 38 p. | S. 67

Mar | Di

27.07.

Teatro Comunale | Stadttheater / ore 21 Uhr

Parco delle Semirurali | Semiruralipark / ore 21 Uhr

SILVIA GRIBAUDI / Graces

p. | S. 40

CLUB GUY & RONI TETRIS Mon amour_

p. | S. 52

Parco dei Cappuccini | Kapuzinergarten / ore 22.30 Uhr

TOVEL (AKA MATTEO FRANCESCHINI) The Circle _ L I V E S E T _

U-GAME

PAGI N A SE I T E

68

DAY BY DAY

PAGIN A SE ITE

70

TICKETS

p. | S. 54

PAGIN A SE ITE

72

16.07.

GAUTHIER DANCE// DANCE COMPANY THEATERHAUS STUTTGART Swan Lakes

UNA PRODUZIONE DI | EINE PRODUKTION VON THEATERHAUS STUTTHART ■ P R IMA I TALI ANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG

D

ire Swan Lake nella danza significa citare il balletto dei balletti, il titolo forse più amato e di certo rivisitato della storia. Gli archetipi e le antitesi che porta con sé – uomo/animale, amore/tradimento, bene/male - hanno ispirato nei secoli molti autori.

Ora quattro star della danza mondiale, su invito di Eric Gauthier, ripensano il titolo per l’effervescente Gauthier Dance. Non un unico Swan Lake bensì quattro brevi e diversissimi Laghi dei cigni di circa venti minuti ciascuno. La canadese Marie Chouinard ha ideato LE CHANT DU CYGNE: LE LAC per otto danzatrici su una composizione elettronica originale di Louis Dufort con sentori di Čajkovskij. Lo spagnolo Cayetano Soto UNTITLED FOR 7 DANCERS, pezzo nel quale si concentra sul tema della trasformazione uomo-animale, donna-cigno su un paesaggio sonoro classico-elettronico opera del compositore e violoncellista Peter Gregson.

Shara Nur è il titolo scelto da Marco Goecke per la sua rilettura che trasporta i danzatori della Gauthier Dance sulle rive di un lago cupo, nervoso, frenetico popolato di uccelli in abiti eleganti. La coreografia di Hofesh Shechter – neo “artist in residence” della compagnia di Stoccarda - per nove interpreti, si intitola Swan Cake ed è una festa di cigni vestiti con colori vivaci che si abbandonano a un vortice selvaggio.

16.07. ore 21 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Sala Grande | Stadttheater Bozen, Großer Saal ca. 110 min

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CAT. A

D

er Schwanensee ist für viele der Inbegriff des klassischen Balletts. Die Gegensätze Mensch und Tier, Liebe und Verrat, Gut und Böse haben viele Choreografen über Jahrhunderte hinweg inspiriert.

Eric Gauthier holte vier Stars der internationalen Tanzszene ins Boot, die das Werk für das innovative Ensemble Gauthier Dance// Theaterhaus Stuttgart von Grund auf neu denken. Das Resultat ist kein einzelner, abendfüllender Swan Lake, sondern ein ambitioniertes Programm mit vier Schwanensee-Stücken, stilistisch so unterschiedlich wie die Choreografen selbst. Der Beitrag der kanadischen Choreografin Marie Chouinard nennt sich LE CHANT DU CYGNE: LE LAC, ein Stück für acht Tänzer und Tänzerinnen zur elektronischen Musik von Louis Dufort, mit Anspielungen auf Tschaikowsky.

Mit der Verwandlung vom Mensch zum Tier, von Frau zu Schwan beschäftigt sich der Spanier Cayetano Soto. Er befasst sich in UNTITLED FOR 7 DANCERS zu Klängen des Cellisten und Komponisten Peter Gregson mit dem Instinkt als universelle und kulturübergreifende Kraft.

Marco Goecke lehnt sein Stück Shara Nur an den antiken Mythos des Schwans an und konnotiert ihn männlich. Die Choreografie für neun Tänzer des Israeli Hofesh Shechter, neuer Artist in Residence der Company, trägt den Titel Swan Cake. Zu pochenden Klängen seiner eigenen Komposition lässt der Choreograf die Idee der Reinheit und Schönheit hinter sich und wagt sich auf die dunkle Seite.

LE CHANT DU CYGNE: LE LAC Ideatrice, coreografia, luci, scene, video e costumi | Schöpferin, Choreografie, Licht, Bühne, Video und Kostümdesign Marie Chouinard Compositore | Komponist Louis Dufort Direzione prove | Probenleitung Lucie Vingeault

UNTITLED FOR 7 DANCERS Coreografia | Choreografie Cayetano Soto Musica | Musik Peter Gregson Scene, costumi | Bühne, Kostümdesign Cayetano Soto, Dario Suša Concetto luci | Lichtkonzept Cayetano Soto Lighting design Mario Daszenies, Cayetano Soto Drammaturgia | Dramaturgie Dario Suša, Esther Dreesen-Schaback Assistenza coreografica | choreografische Assistenz Mikiko Arai

UNTITLED FOR 7 DANCERS LE CHANT DU CYGNE: LE LAC

Swan Cake

Shara Nur

© Jeanette Bak

Shara Nur Coreografia | Choreografie Marco Goecke Musica | Musik Björk Lighting design Udo Haberland Scene, Costumi | Bühne, Kostümdesign Michaela Springer

Swan Cake Coreografia, scene, composizione | Choreografie, Set, Komposition Hofesh Shechter Lighting design Hofesh Shechter, Mario Daszenies Costumi | Kostümdesign Hofesh Shechter, Gudrun Schretzmeier Assistenza | Assistenz KIm Kohlmann

Interpretazione | Tanz Bruna Azerdo de Andrade, Louiza Avraam, Nora Brown, Andrew Cummings, Anneleen Dedroog, Alessio Marchini, Barbara Melo Freire, Luca Pannacci, Garazi Perez Oloriz, Mark Sampson, Jonathan dos Santos, Izabela Szylinska, Sidney Elizabeth Turtschi, Theophilus Veselý, Shawn Wu, Shori Yamamoto come ospiti | als Gäste: Joaquin Angelucci, Jonathan Reimann, Gaetano Signorelli

Gauthier Dance//Dance Company Theaterhaus Stuttgart Künstlerische Leitung | Direzione artistica Gauthier Dance / Coreografo | Choreograf Eric Gauthier

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Dai primi anni Ottanta coreografa di riferimento della scena canadese e mondiale, ha creato più di 50 lavori, assoli e di gruppo, per la sua compagnia e ha contribuito all’ideazione di linee musicali, costumi e luci per i propri allestimenti. Ha diretto per quattro anni la Biennale Danza di Venezia. Considerata un’artista ‘spericolata’ per il suo lessico unico, ha affidato suoi lavori anche al National Ballet of Canada, São Paulo Companhia de Dança, Ballets de Monte-Carlo e GöteborgsOperan.

Seit Beginn der 1980er schrieb die weltbekannte kanadische Choreografin mehr als 50 Soli und Ensemblewerke für ihre Kompanie, wobei sie stets bei der Entwicklung von Musik, Kostümen und Lichtinstallationen mitwirkte.

Vier Jahre lang leitete sie die Biennale Danza. Chouinard, deren Choreografien aufgrund ihrer gewagten Inszenierungen oft regelrechte Skandale auslösten, arbeitete mit ihrem Ensemble unter anderem für das National Ballet of Canada, die São Paulo Companhia de Dança sowie für das Ballets de MonteCarlo und die GöteborgsOperan.

© Jeanette Bak

Hofesh Shechter 6

© Sylvie Ann

Marie Chouinard

Nato a Gerusalemme, Hofesh Shechter, OBE, ha deciso di vivere e lavorare nel Regno Unito. La sua compagnia è in residenza al Brighton Dome, lui è „artista associato” al Sadler’s Wells di Londra. Musicista oltre che coreografo, Shechter ha creato per il teatro, la lirica e la televisione, i suoi lavori sono in repertorio in diversi teatri del mondo tra cui la Royal Opera House, la Scala di Milano, il Nederlands Dans Theater. Dall’estate 2021 è artist in residence della Gauthier Dance// Theaterhaus Stuttgart.

Der Träger des Ordens des Britischen Empire wurde in Jerusalem geboren, lebt und arbeitet jedoch in Großbritannien. Seine Kompanie ist im Brighton Dome an der Küste Südenglands zu Hause, er selbst wirkt als „Associated Artist“ am Tanztheater Sadler‘s Wells in London, ist aber als Musiker und Choreograf auch für das Theater, die Oper und das Fernsehen tätig. Seine Arbeiten werden regelmäßig auf den großen internationalen Bühnen, etwa dem Royal Opera House, der Mailänder Scala oder dem Nederlands Dans Theater gezeigt. Seit Sommer 2021 ist er Artist in Residence bei der Theaterhaus-Company Gauthier Dance.

Nato a Barcellona, Cayetano Soto come autore freelance ha ricevuto commissioni dalle principali compagnie del globo tra cui Nederlands Dans Theater, Royal Ballet of Flanders, Ballett Zürich, Stuttgart Ballet, Balé da Cidade de São Paulo, Aspen Santa Fe Ballet e Ballet Dortmund per cui ha ideato una Carmen a serata intera.

Il suo Uneven, nel 2011, è stato nominato alla Golden Mask. Dal 2015 al 2018 è stato “Resident Choreographer” del Ballet British Columbia.

Der aus Barcelona stammende, freischaffende Choreograf Cayetano Soto choreografierte für die renommiertesten internationalen Kompanien: Nederlands Dans Theater, Royal Ballet of Flanders, Ballett Zürich, Stuttgarter Ballett, Balé da Cidade de São Paulo, Aspen Santa Fe Ballet oder Ballett Dortmund, für das er eine abendfüllende Carmen schuf. Uneven wurde 2011 für die Golden Mask nominiert. Von 2015 bis 2018 fungierte er als „Resident Choreographer“ beim Ballet British Columbia.

© Jeanette Bak

Marco Goecke

© Jeanette Bak

Cayetano Soto

Coreografo tedesco pluripremiato, dal 2019 è artista residente alla Gauthier Dance e dalla stagione 2019/2020 Direttore Artistico dello Staatsballett Hannover. Ha creato titoli originali per le principali compagnie del mondo, dallo Stuttgart Ballet al Nederlands Dans Theater, dai Ballets Canadiens de Montréal all’Opéra de Paris. Il suo balletto Nijinski, creato per la Gauthier Dance è entrato nel repertorio del Teatro Massimo di Palermo e al Ballett Zürich.

Der preisgekrönte deutsche Choreograf ist seit 2019 Artist in Residence bei Gauthier Dance und seit der Spielzeit 2019/2020 künstlerischer Leiter des Staatsballetts Hannover. Seine Arbeiten lieferte er an einige der bedeutendsten Tanzensembles der Welt, etwa an das Stuttgarter Ballett, das Nederlands Dans Theater, die Ballets Canadiens de Montréal oder das Ballett der Opéra de Paris. Sein Stück Nijinski, ursprünglich für Gauthier Dance, fand Eingang in das Repertoire des Teatro Massimo di Palermo und des Balletts Zürich.

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17.07.

COLLETTIVO CINETICO

DIALOGO TERZO: IN A LANDSCAPE

I

A

l lavoro In a landscape firmato dal Leone d’Oro Alessandro Sciarroni per CollettivO CineticO, uno dei gruppi più rappresentativi dell’avanguardia italiana, muove da pratiche ginnico-sportive plasmate in performance. Costruito sull’omonima composizione giovanile di John Cage – composizione ritmica dal sapore meditativo scritta nel 1948 per pianoforte solo (o arpa) – DIALOGO TERZO: IN A LANDSCAPE di Sciarroni mette in atto una nuova pratica della ripetizione con l’hula hoop. Il tema della circolarità cara al coreografo marchigiano emerge qui nella pratica di abilità e virtuosismo con il cerchio colorato dei cinque performer. In abiti unisex, i corpi vivono di un movimento sussultorio e ondulatorio producendo un’energia ipnotica, contemplativa.

Per Sciarroni le figure sembrano addirittura “tese verso ciò che pare somigliare a una sparizione volontaria del soggetto”.

lessandro Sciarroni, Gewinner des Goldenen Löwen, überträgt in seinem Stück In a landscape, das er für das Avantgarde-Ensemble CollettivO CineticO geschaffen hat, Bewegungen aus der Sportgymnastik in eine Performance.

DIALOGO TERZO: IN A LANDSCAPE bedient sich der gleichnamigen, rhythmischen Komposition mit meditativen Anklängen des jungen John Cage, ein Stück für Soloklavier (oder Harfe) aus dem Jahr 1948. Sciarroni zeigt dazu eine repetitive Bewegungsabfolge mit Hula-Hoop-Reifen. Der Kreis ist ein wichtiges Motiv für den aus den Marken stammenden Choreografen, welches er hier in Form von Geschicklichkeitsübungen mit bunten Reifen aufgreift. Die fünf Ensemblemitglieder in geschlechterneutralen Kostümen erzeugen mit ihren meist fließenden Bewegungen eine hypnotische Energie.

Für Sciarroni vermitteln die Figuren ein Gefühl von Unbeschwertheit, fast so als würden sie sich selbst unsichtbar machen wollen.

17.07. ore 18+20 Uhr Cantina Kettmeir, Caldaro Kellerei Kettmeir, Kaltern

Coreografia, regia | Choreografie, Regie Alessandro Sciarroni Azione, creazione | Aktion, Kreation Simone Arganini, Margherita Elliot, Carmine Parise, Angelo Pedroni, Francesca Pennini, Stefano Sardi Lighting design Alessandro Sciarroni Musiche | Musik John Cage, Stefano Sardi Costumi | Kostüme Ettore Lombardi Tecnica | Technik Stefano Baraldi

LIVE

In caso di piogga lo spettacolo si terrà il 18.07 | Bei Regen wird die Aufführung auf den 18.07. verschoben.

35 min

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CAT. B

In collaborazione con | in Zusammenarbeit mit

© Alessandro Sciarroni

18.07.

MM CONTEMPORARY DANCE COMPANY Duo d‘Eden

È

D

18.07. ore 20 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Studio Stadttheater Bozen, Studio

Coreografia, colonna sonora | Choreografie, Soundtrack Maguy Marin Coreografia rimontata | Choreografische Überarbeitung Cathy Polo, Ennio Samarco Costumi | Kostüme Montserrat Casanova Luci | Licht Pierre Colomer

uno dei duetti più belli del repertorio contemporaneo, Duo d’Eden di Maguy Marin.

Estrapolato dallo spettacolo corale Eden, creato ad Angers nel 1986, è diventato pezzo culto e di repertorio per molte compagnie. Danzato da étoile dell’Opéra de Paris (Wilfried Romoli nella versione filmica con Cathy Polo), da Riccardo Di Cosmo e Alessia Gay al Teatro dell’Opera di Roma, ora è la compagnia indipendente di Michele Merola a vivificarlo. Un corpo a corpo di rara bellezza tra due esseri seminudi, un passo a due di prese e avvinghiamenti dal quale emerge uno stato di grazia da paradiso terrestre. Ispirato al biblico incontro di Adamo ed Eva, questo lungo passo a due sospeso vede la danzatrice mescolarsi con la carne del suo partner, per farsi inseparabili e complementari.

17 min

10

CAT. B

uo d’Eden von Maguy Marin ist eines der schönsten Duette des zeitgenössischen Tanzrepertoires. Das aus dem 1986 in Angers entstandenen Eden hervorgegangene Werk entwickelte sich für viele Kompanien zum Kultstück.

So wurde es etwa von den Größen der Pariser Oper (Wilfried Romoli und Cathy Polo in der Filmversion) oder von Riccardo Di Cosmo und Alessia Gay an der Oper in Rom interpretiert. Nun wurde es ins Repertoire der unabhängigen Kompanie MM Contemporary Dance von Michele Merola aufgenommen. Mit seltener Ästhetik bewegen sich zwei halbnackte Wesen Körper an Körper, halten und umstreichen einander, bis sie gemeinsam die Gnade des Paradieses auf Erden erlangen. Inspiriert von der biblischen Begegnung von Adam und Eva verschmilzt die weibliche Figur mit ihrem Partner.

Gemeinsam werden sie zu einem untrennbaren, sich gegenseitig ergänzenden Paar.

Interpretazione | Darsteller*innen Emiliana Campo, Nicola Stasi Produzione | Produktion MM Contemporary Dance Company Coproduzione | Koproduktion Fondazione I Teatri

Con il sostegno di | mit Unterstützung von Centro Servizi Culturali S. Chiara – Trento, Circuito Danza del Trentino Alto Adige/Südtirol, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Regione Emilia-Romagna, Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto, ASD Progetto Danza - Reggio Emilia

MM CONTEMPORARY DANCE COMPANY Fondata a Reggio Emilia nel 1999 dal coreografo Michele Merola, è una delle realtà più vivaci della scena italiana. La compagnia interpreta oltre a lavori del suo fondatore titoli di Mats Ek, Mauro Bigonzetti, Thomas Noone, Gustavo Ramirez Sansano, Karl Alfred Schreiner, Emanuele Soavi, Enrico Morelli, Eugenio Scigliano, Daniele Ninarello e naturalmente Duo d’Eden di Maguy Marin.

Das 1999 in Reggio Emilia von dem Choreografen Michele Merola gegründete Ensemble ist eine der aktivsten Kompanien Italiens. Neben den Arbeiten ihres Gründers tanzt die Truppe auch Stücke von Mats Ek, Mauro Bigonzetti, Thomas Noone, Gustavo Ramirez Sansano, Karl Alfred Schreiner, Emanuele Soavi, Enrico Morelli, Eugenio Scigliano, Daniele Ninarello und natürlich Duo d’Eden von Maguy Marin.

© Riccardo Panozzo

Maguy Marin Regina da oltre quarant’anni della scena mondiale grazie a un personalissimo teatrodanza, Leone d’Oro alla carriera alla Biennale di Venezia, Maguy Marin, di produzione in produzione, scombina carte e codici. Dalla scrittura più formale al puro testo, dal ritmo devastante e ipnotico al racconto beckettiano, ogni sua pièce dispiega un universo a sé stante, spesso tumultuoso, quasi sempre radicale.

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© Tim Douet

Dank ihrer ganz persönlichen Handschrift im Tanztheater zählt Maguy Marin seit über vierzig Jahren zu den absoluten Stars der internationalen Bühnen. Und doch mischt die Preisträgerin des Goldenen Löwen von Venedig für ihr Lebenswerk bei jeder Produktion die Karten neu. Formales und Essentielles, erschütternde und hypnotisierende Rhythmen oder Beckett’sche Erzählungen: jedes ihrer Werke beschreibt ein Universum für sich, das oft aufrührerisch und fast immer radikal ist.

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© JULIAN MOMMERT

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18.07.

KOR’SIA Giselle

■ P R IMA I TALI ANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG

G

iselle, ovvero la contadinella che muore per amore e poi perdona l’amante fedifrago, simbolo dell’amore puro che resiste nonostante tutto. Tema su cui oggi riflettono Antonio de Rosa e Mattia Russo con la loro compagnia spagnola Kor’sia proiettando nel terzo millennio e nelle relazioni liquide e mediate dalla tecnologia la nostra Giselle. Undici danzatori tra bouquet di margherite, computer e mazze da golf vivono i sogni d’amore di oggi. Incapaci di comprendere il vero amore romantico sostituito da pratiche di meditazione, danze psichedeliche e molto altro.

Forse una condizione tanto spettrale e impalpabile quanto l’aldilà delle Willi. Adagiata sulla palpitante musica di Adam con i suoi Leitmotiv d’amore interpolata da composizioni originali, questa riscrittura non va certo guardata con un occhio al libretto di Théophile Gautier piuttosto come un vero e proprio reenactment contemporaneo di alcuni suoi archetipi.

18.07. ore 21 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Sala Grande Stadttheater Bozen, Großer Saal

ca.75 min CAT. A

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Idea, direzione | Idee, Leitung Mattia Russo, Antonio de Rosa Coreografia | Choreografie Mattia Russo, Antonio de Rosa in collaborazione con gli interpreti | in Zusammenarbeit mit den Darsteller*innen Drammaturgia | Dramaturgie Gaia Clotilde Chernetich, Kor‘sia Assistenza drammaturgica | Dramaturgieassistenz Giuseppe Dagostino Consulenza artistica | Künstlerische Beratung Agnès López-Río

G

iselle, die Bauerstochter, die an gebrochenem Herzen stirbt und ihrem treulosen Geliebten dennoch verzeiht, ist ein Symbol für die reine Liebe, die allen Widrigkeiten trotzt. Mit ihrer spanischen Kompanie Kor’sia greifen Antonio de Rosa und Mattia Russo dieses Leitmotiv auf und übertragen es in ein von flüchtigen Beziehungen geprägtes drittes Millennium. Elf Tänzerinnen und Tänzer erzählen zwischen Margeritensträußen, Computern und Golfschlägern vom Traum der großen Liebe, können jedoch die wahre Romantik, die mit Meditationspraktiken, psychedelischen Tänzen und vielem mehr kompensiert wird, nicht begreifen.

Vielleicht ist die Liebe ein Zustand, der genauso geisterhaft und ungreifbar ist wie die Welt der „Willis“. Die Neufassung der Giselle, eingebettet in die pochenden Rhythmen von Adolphe Adam, dessen Liebesmotive durch Neukompositionen ergänzt werden, ist kaum mit dem ursprünglichen Libretto von Théophile Gautier vergleichbar, sondern verdient es, als eigenständiges, zeitgenössisches Reenactment des Balletts betrachtet zu werden.

Scene | Bühne Amber Vandenhoeck Voce | Stimme Patrica Rezai Musica | Musik Adolphe Adam & PERMANENT DESTRUCTION, Naomi Velissariou & Joost Maaskant Composizione musicale | Musikkomposition Susana Hernández Pulido Luci | Licht Marc Salicrú Idea, design costumi | Idee, Kostümdesign Adrian Bernal Costumi | Kostüme Amedeo Piccione

Interpretazione | Darsteller*innen Mattia Russo, Antonio de Rosa, Agnès LópezRío, Giulia Russo, Astrid Bramming, Alejandro Moya, Christian Pace, Angela Demattè, Claudia Bosch, Gonzalo Álvarez, Jerónimo Ruiz Produzione | Produktion Kor’sia Coproduzione | Koproduktion Teatros del Canal Madrid, Staatstheater Darmstadt Germany, Bolzano Danza | Tanz Bozen

© Maria Alperi

© Stefano Montesi

M’ama o non m’ama?

Er liebt mich.

Er liebt mich nicht.

Intervista | Interview Mattia Russo & Antonio de Rosa

Sono un collettivo, italiano, che ha scelto la Spagna come luogo d’elezione. Ad animarlo

i coreografi Antonio de Rosa e Mattia Russo, danzatori formatosi rispettivamente all’Accademia Nazionale di Roma e alla Scuola di Ballo del Teatro alla Scala e il drammaturgo Giuseppe Dagostino. Dal 2015 lavorano insieme con il nome di Kor’sia.

Cinque ad oggi le produzioni presentate in Europa e America Latina, Tel Aviv e Taipei.

Per altre compagnie hanno invece creato Jeux - Nijinsky (Víctor Ullate Ballet); Siciliana (Teatro Massimo di Palermo), Engel in Blau - Paul Klee (Konzert Theatre CompanyBerna) e Pagliaccio (Ballet du Rhin). Già vincitori di numerosi Premi a concorsi coreografici, il loro penultimo lavoro The Lamb è stato nominato “Best Dance Show” allo spagnolo Max Awards nel 2018. Nel 2020 ha debuttato a Madrid Giselle.

Perché proprio Giselle, come archetipo da ripensare oggi?

Da tempo abbiamo intrapreso la strada della rivisitazione dei classici per costruire un possibile immaginario che si concentri perfettamente 16

su un’idea del filosofo Paul Valery: “Non ci sono poemi terminati, ci sono solo poemi abbandonati”.

La nostra fascinazione per i lavori del passato deriva dal potersi connettere a una comprensione dell’umanità attraverso immaginari condivisi e collettivi. In queste opere del repertorio accademico, inalterate nel tempo, possiamo trovare risposte o modi di vivere, lezioni, allegorie, soluzioni ai nostri problemi attuali.

Il tema dell’amore puro, incondizionato, è ancora valido oggi?

La giovane Giselle che si lancia con coraggio, impegno e sincerità nell’amore nonostante tutto, beh… nelle nostre strade non la troviamo. La domanda però resta: è possibile accedere all’amore puro oggi?

Ci sono visioni diverse anche tra gli scienziati: da un lato la medicina ha riconosciuto la sindrome del cuore spezzato come una vera e propria patologia clinica; mentre al contrario è innegabile che l’impronta tecnologica stia introducendo nuovi modi e forme di amare/non amare.

La Giselle del 1841 sembra appartenere a una visione del

mondo che manca o sta per scomparire, trascinando con sé la dimensione governata da Myrtha in cui vivono le Willi, le giovani donne che, come Giselle, sono morte per amore.

Ma paradossalmente sembra anche che questo mondo sotterraneo irreale, spettrale, metaforizzi la liquidità dei rapporti attuali attraverso gli schermi che circondano le nostre vite. I nuovi dispositivi tecnologici hanno moltiplicato la velocità delle relazioni, nonché quella delle possibili e molteplici frustrazioni; configurando il fallimento dell’amore come tema attuale.

La trama del balletto, un tempo ideata da Théophile Gautier, è stata interamente ripensata. La musica invece?

Non facciamo riferimento al libretto originale, ma ci basiamo sul personaggio principale. Il nostro focus è l’idea che la capacità di amare sia una soluzione al dolore, cura e guarigione. E Giselle è “amore nonostante tutto”.

La musica di Charles Adam la utilizziamo per ricreare sensazioni attraverso temi, ma gli estratti musicali vanno visti da un altro punto di vista.

© Ernesto Artillo

Seit 2015 arbeiten die italienischen Choreografen Antonio de Rosa und Mattia Russo sowie der Dramaturg Giuseppe Dagostino im Tanzkollektiv Kor’sia zuammen. Wahlheimat der Künstler ist Spanien. Bisher schufen

sie fünf Produktionen, die in Europa, Lateinamerika, Israel und Taiwan gezeigt wurden. Sie kreierten Choreografien wie Jeux - Nijinsky für das Víctor Ullate Ballet, Siciliana für das Teatro Massimo in Palermo, Engel in Blau - Paul Klee für das Ensemble KonzertTheater Bern und Pagliaccio für das Ballet du Rhin. Die beiden Choreografen wurden mehrfach für ihre Arbeiten ausgezeichnet Ihr vorletztes Stück The Lamb wurde bei den spanischen Max Awards 2018 in der Kategorie „Best Dance Show“ nominiert. 2020 wurde in Madrid ihre letzte Arbeit Giselle uraufgeführt, die im Rahmen von Tanz Bozen erstmals in Italien gezeigt wird.

Warum sollte man gerade Giselle als Archetyp heute neu betrachten?

Seit einiger Zeit beschäftigen wir uns mit der Neuaufbereitung

von Ballettklassikern, um ganz im Sinne des Philosophen Paul Valéry eine neue Vorstellungswelt zu erschaffen: „Ein Gedicht ist nie abgeschlossen, nur abgebrochen.” Unsere Faszination für die Klassiker der Tanzgeschichte rührt daher, dass wir uns über gemeinsame und kollektive Bilder mit einem Verständnis der Menschheit verbinden können. In diesen Arbeiten des akademischen Kanons, die im Laufe der Zeit nicht verändert wurden, können wir heute Antworten und Allegorien, Lehrstücke und Lösungen für die Probleme unserer Zeit sehen.

von 1841 scheint einem Weltbild anzugehören, das im Verschwinden begriffen ist und damit auch das Reich der Myrtha mitreißt, in dem jene jungen Bräute (Willis) leben, die wie Giselle für die Liebe gestorben sind. Aber paradoxerweise scheint es, dass diese unwirkliche, gespenstische Unterwelt als Metapher für die Flüchtigkeit aktueller BildschirmBeziehungen zu lesen ist. Die neuen Technologien haben Beziehungen schnelllebig gemacht und begünstigen Frustration; das Scheitern der Liebe wird dadurch zu einem aktuellen Thema.

Hat das Thema der reinen, bedingungslosen Liebe heute noch Gültigkeit? Die junge Giselle, die sich so mutig, aufrichtig und ahnungslos in die Liebe stürzt, nun ja... das finden wir heute nicht mehr. Aber die Frage bleibt: Ist es möglich, einen Zugang zur reinen Liebe zu finden?

Das Libretto von Théophile Gautier und die Handlung des Balletts wurden von euch neu gedacht. Was ist mit der Musik?

Selbst unter Wissenschaftlern gibt es unterschiedliche Ansichten: Auf der einen Seite hat die Medizin das „GebrochenesHerz-Syndrom“ als Krankheitsbild anerkannt; auf der anderen Seite ist es unbestritten, dass neue Kommunikationstechnologien neue Formen und Wege des Liebens/Nichtliebens hervorbringen. Die Giselle

Wir beziehen uns nicht auf das originale Libretto, sondern lediglich auf die Hauptfigur.

Im Mittelpunkt steht die Idee, dass die Fähigkeit zu lieben ein Gegenmittel für den Schmerz, ja ein Heilmittel, ist. Und Giselle ist der Inbegriff von „Liebe trotz allem“. Die Musik von Charles Adam hilft uns dabei, Gefühle durch musikalische Themen wiederzugeben, aber die Musikauszüge müssen aus einem anderen Blickwinkel betrachtet werden.

> ON TOUR 1./4.06.2022 - Théâtre de Chaillot, Parigi | Paris. Tbd 2022 - Mercat des Flores, Barcellona.

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19.07.

SHAHAR BINYAMINI Evolve

U

E

19.07. ore 21 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Studio | Stadttheater Bozen, Studio

Coreografia | Choreografie Shahar Binyamini Interpretazione | Darsteller*innen Yotam Baruch, Kornelia Lech Musica | Musik Mica Levi Costumi | Kostüme Shahar Binyamini, Omri Alvo

n duetto sul concetto di crescita, in senso scientifico e artistico. L’esercizio fisico, lo sforzo per i danzatori sono strumenti per lo sviluppo dei muscoli, la loro è una lotta constante per conoscersi meglio, domare il proprio corpo.

In Evolve si incontrano due entità distinte che si attraggono e si respingono. Il loro è un gioco di potere, di affermazione di unicità ma anche una ricerca di armonia che li motiva a spostarsi e interagire con il mondo caotico che li circonda.

Due straordinari interpreti, per un incontro di rara bellezza, senza fronzoli incentrato sull’essenza e la veridicità del movimento.

in Duett zum Thema Wachstum, sowohl im wissenschaftlichen als auch im künstlerischen Sinne. Mit unermüdlichem Training stärken Tänzerinnen und Tänzer ihre Muskeln und versuchen, ihre Körper immer besser kennen und beherrschen zu lernen. In Evolve treffen einander zwei Körper, die sich gleichzeitig anziehen und abstoßen. Ihr Spiel dreht sich um Macht, die Behauptung der Einzigartigkeit aber auch um die Suche nach Harmonie, die sie dazu bringt, sich fortzubewegen und mit der chaotischen Welt, die sie umgibt, zu interagieren. Ein körpernahes, selten schönes Duett ohne Schnörkel zweier herausragender Interpreten, das die Essenz und die Authentizität der Bewegung in den Mittelpunkt stellt.

In collaborazione | in Zusammenarbeit mit Fuori Programma Festival

50 min

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CAT. A

SHAHAR BINYAMINI Danzatore di Batsheva Dance Company dal 2006 al 2013, è insegnante di Gaga. I suoi primi lavori coreografici nascono all’interno del programma di Batsheva “Dancer create” del quale più tardi diviene anche direttore artistico. Oggi è coreografo indipendente, ha creato Mensch per il Saarländische Staattheater, Empty3 per Ate9 e Gauthier Dance Company, Vulner per Norrdans, Untitled per il Balletto di Hannover,

I am per il Ballet du Rhin.

Nel 2013 ha fondato il gruppo di ricerca Tnuda che unisce danzatori, scienziati e coreografi con base al prestigioso Weizmann Institute di Rehovot, Israele, con lo scopo di esplorare le connessioni tra scienza e movimento.

Ist Gaga-Instructor und war zwischen 2006 und 2013 als Tänzer in der Batsheva Dance Company. Seine ersten Choreografien entstanden dort im Rahmen des Programms „Dancer create“, das er später auch als künstlerischer Direktor leitete. Heute arbeitet er als freier Choreograf und schrieb unter anderem Mensch für das Saarländische Staattheater, Empty3 für Ate9 und die Gauthier Dance Company, Vulner

für Norrdans, Untitled für das Staatsballett Hannover sowie I am für das Ballet du Rhin.

2013 gründete er die Forschungsgruppe Tnuda, die sich aus Tänzerinnen, Wissenschaftlerinnen und Choreografen zusammensetzt und am renommierten Weizmann Institute in Rehovot ansässig ist. Ziel der Forschungen sind die Zusammenhänge zwischen Naturgesetzen und Bewegung zu ergründen.

20.07.

CCN – BALLET DE LORRAINE Come out

■ P R IMA I TALI ANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG

V

entitré straordinari danzatori del Ballet de Lorraine al servizio di Olivier Dubois, della sua danza martellante e collettiva. Come out è un lavoro ‘di lotta’ avvolto nel colore rosa che prende spunto e nome dall’omonima partitura minimalista di Steve Reich del 1964 qui estesa, grazie ad arrangiamenti a cura dello stesso Dubois e del fedele compositore François Caffenne, a 50 minuti. Il risvolto sociale della composizione di Reich scaturita da un collage di registrazioni di voci di ragazzi neri coinvolti in un omicidio ad Harlem rende più che mai attuale questo pezzo, alla luce degli scontri tra comunità afroamericana e polizia negli States. La frase che Reich scorpora dalla registrazione e ripete in diverse modalità “Ho dovuto aprire la ferita e farvi fuoriuscire un po’ di sangue per mostrarlo a loro”, spinge Dubois a “voler vedere questo sangue ribollire come il rosa di un rosso sottocutaneo. Per sperare di vederlo riversarsi come manifestazione di trionfo della vita”. La coreografia infatti non punta ad altro se non a sfidare, sotto forma di resistenza, lo sforzo della vita. Coerente nell’estenuante ripetizione con variazione e accumulo, Come out abbaglia con la sua massa e le sue geometrie, le sue onde e le sue deviazioni.

20.07. ore 21 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Sala Grande | Stadttheater Bozen, Großer Saal 50 min

20

CAT. A

D

reiundzwanzig herausragende Tänzerinnen und Tänzer des Ballet de Lorraine sind hier für Olivier Dubois im Einsatz. Come out ist ein kämpferisches, pulsierendes Stück, dessen Ausgangspunkt die gleichnamige Komposition von Steve Reich ist. Das Original aus dem Jahr 1964 wurde dank der Arrangements von Dubois und seinem Komponisten François Caffenne auf eine Dauer von 50 Minuten erweitert. Der gesellschaftliche Aufschrei, den Reich mit seiner Collage von Stimmaufnahmen junger Schwarzer, die in einen Mord in Harlem verwickelt wurden, einst auslöste, macht das Stück heute angesichts der Konflikte zwischen afroamerikanischer Bevölkerung und Polizei in den USA aktueller denn je. Der Satz, den Reich aus der Aufnahme isoliert und auf verschiedene Weisen wiedergibt, („Ich musste die Wunde öffnen und ein wenig Blut herauskommen lassen, um es ihnen zu zeigen“, also der Polizei, um sich zu entlasten) inspirierte Dubois zu seiner eigenen Interpretation: „Ich will dieses Blut wallen sehen, so rosa, wie es durch die Haut scheint. In der Hoffnung, es möge sich als Manifestation des Triumphes des Lebens ergießen.“ Tatsächlich zielt die Choreografie darauf ab, mithilfe des Widerstandes den Widrigkeiten des Lebens die Stirn zu bieten. Zermürbend in der Wiederholung, Variation und Akkumulation überzeugt Come out mit einer starken Präsenz, seiner Geometrie, seinen Wellen und Ableitungen.

CCN - Ballet de Lorraine Direttore | Direktor Petter Jacobsson Coreografia, scenografia | Choreografie, Bühnenbild Olivier Dubois Musica | Musik Steve Reich Arrangiamenti | Arrangements Olivier Dubois, François Caffenne Luci | Lichtdesign Emmanuel Gary Collaboratore artistico | Künstlerische Mitarbeit Cyril Accorsi Repetitore | Repetitor Valérie Ferrando Costumi | Kostüme Olivier Dubois, Martine Augsbourger, Atelier costumi | Kostümatelier CCN - Ballet de Lorraine

© Laurent Philippe

Interpretazione | Darsteller*innen Esther Bachs Viñuela, Amandine Biancherin, Angela Falk, Inès Hadj-Rabah, Margaux Laurence, Laure Lescoffy, Valérie Ly-Cuong, Emilie Meeus, Elsa Raymond, Céline Schoefs, Jonathan Archambault, Alexis Bourbeau, Charles Dalerci, Flavien Esmieu , Nathan Gracia, Léo Gras, Tristan Ihne, Matéo Lagière, Afonso Massano, Rémi Richaud , Willem-Jan Sas

Con il sostegno di | mit Unterstützung von AMBASSADE DE FRANCE EN ITALIE

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20.07.

CLUB GUY & RONI Swan Lake the Game

R

S

20.07. ore 22.30 Uhr Parco dei Cappuccini, Bolzano | Kapuzinergarten, Bozen

Concetto e coreografia | Konzept und Choreografie Roni Haver, Guy Weizman in collaborazione con gli interpreti | in Zusammenarbeit mit den Darsteller*innen Testi | Texte Rik van den Bos Musiche | Musik Kordz (Alexandre Kordzaia) Set design Ascon de Nijs Costume design MAISON the FAUX Lighting & video design Maarten van Rossem Online art design Martijn Halie Interpretazione | Darsteller*innen Adam Peterson, Angela Herenda, Camilo Chapela, Enrique Monfort, Felix Feenstra, Harold Luya, Igor Podsiadly, Jesula Visser, Jochem Braat, Jonathan Bonny, Niels Meliefste, Rosie Reith, Sanne den Hartogh, Tatiana Matveeva, Sam Corver, Sofiko Nachkebiya, William English, Zaneta Kesik

ipensare il Lago dei cigni nello stile eclettico di Club Guy & Roni significa compiere un’operazione quasi blasfema. Infatti con il loro Swan Lake the Game portano il pubblico su una piattaforma virtuale, Hotel NITE, dove ciascun giocatore (una libellula sullo schermo) attraverso device sceglie e influenza la visione collettiva e la storia del balletto. L’utente individua tra le disponibili una storia da seguire al termine della quale, rispondendo a delle domande, farà delle scelte che influenzeranno la visione generale: chi sarà il cigno nero? Come finirà la storia?

Per la prima volta a Bolzano Danza il Game si farà in formato ‘cinema sotto le stelle’ con la possibilità di votare dal proprio cellulare e a maggioranza scegliere gli snodi cruciali di questo Swan Lake fuori dagli schemi. Ma potranno partecipare al gioco anche utenti da casa acquistando il biglietto.

DIGITAL

ca. 45 min

CAT. B NB: Biglietti per la partecipazione online | Tickets für die OnlineTeilnahme erhalten Sie hier: https://tinyurl.com/SwanLakeGame

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ich auf so revolutionäre Weise an den Schwanensee heranzuwagen, wie es Club Guy & Roni getan haben, grenzt fast an Blasphemie. Bei Swan Lake the Game trifft sich das Publikum auf einer virtuellen Plattform, dem „Hotel NITE“, wo jeder User (in Form einer Libelle) über verschiedene Endgeräte das kollektive Bild mitbestimmen kann. Man stellt sich eine eigene Geschichte zusammen, sucht sich eine Handlung aus, an deren Ende man eine Reihe von Fragen beantworten muss. Die darin getroffene Auswahl beeinflusst den Plot für alle anderen mit: Wer ist der schwarze Schwan?

Wie geht die Geschichte aus? Für Tanz Bozen wird Swan Lake the Game zum allerersten Mal in Kinoformat umgesetzt. Unter freiem Himmel hat das Publikum die Möglichkeit, per Handy abzustimmen. Die Mehrheit entscheidet über den Verlauf dieser außergewöhnlichen Nacherzählung von Schwanensee. User können an dem Spiel auch von zu Hause aus teilnehmen, indem sie über die Website der Kompanie ein Ticket erwerben.

21.07.

COD/ COMPAGNIE OLIVIER DUBOIS Prêt à baiser

U

D

> Visita guidata gratuita della Collezione

> kostenlose Führung durch die temporäre

permanente e temporanea della Fondazione Antonio Dalle Nogare alle ore 19.30

und dauerhafte Sammlungsaustellung der Stiftung Antonio Dalle Nogare um 19.30 Uhr

n duetto performativo creato nel 2012 per il Musée d’art moderne di Parigi: un lungo bacio, Prêt à baiser, coreografato sulla Sagra della primavera di Igor Stravinsky arrangiata da François Caffenne, fedelissimo collaboratore di Olivier Dubois. Ospitata alla Fondazione Antonio Dalle Nogare, come un‘opera all’interno della collezione permanente, Prêt à baiser è interpretata dallo stesso Dubois con il danzatore italiano Nicola Manzoni.

Una panchina, una luce fioca. Un uomo, solo, seduto in attesa. Un altro uomo gli si avvicina con passo deciso. I suoi occhi ci dicono che è pronto a conquistare. Il suo corpo teso e i suoi gesti nervosi sono le sue armi di seduzione di massa.

21.07. ore 21 Uhr Fondazione Antonio Dalle Nogare, Bolzano | Stiftung Antonio Dalle Nogare, Bozen

ie Duo-Performance, die 2012 für das Musée d’art moderne in Paris geschaffen wurde, endet in einem langen Kuss zweier Männer. Die Choreografie von Prêt à baiser ist mit Klängen aus Igor Stravinskys Sacre du Printemps unterlegt; in einem Arrangement von François Caffenne, der seit vielen Jahren mit dem Choreografen und Tänzer Olivier Dubois zusammenarbeitet. In Prêt à baiser, das in der Stiftung Antonio Dalle Nogare zu Gast ist, wird Dubois mit dem italienischen Tänzer Nicola Manzoni zu sehen sein. Eine Parkbank, gedämpftes Licht. Darauf ein Mann, allein sitzend, wartend.

Ein zweiter Mann nähert sich mit entschiedenem Schritt. Seine Augen signalisieren seine Bereitschaft zur Eroberung. Sein angespannter Körper und die Nervosität seiner Bewegungen sind seine Waffen zur Verführung der Massen.

Coreografia | Choreografie Olivier Dubois Musica | Musik Igor Stravinskij Le Sacre du printemps Interpretazione | Darsteller*innen Olivier Dubois, Nicola Manzoni Con il sostegno di | mit Unterstützung von

ca. 50 min

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gratuito previa prenotazione kostenlos mit vorheriger Reservierung

AMBASSADE DE FRANCE EN ITALIE

In collaborazione con | in Zusammenarbeit mit

© Boris Munger

“ Of the muse…With my mouth, I will turn you into an artwork.

With my kiss, I will lend my insatiable and morbid condition the appearance of my desire.

To possess, drain the lifeblood and fill my abyssal blackness.

To create eternity from my murderous lips. Some kind of sacrifice to feed the artist’s posterity to offer his body to the lone wolf.

The first note, this bassoon…This lamentation of the huntress.

The licentious and complicit hunt of the muse. Where are you?

Here I am. Where are you? I’m here, behind the woods.

Under the flashlights, the Hollywood cliché: glory or blatant evidence of a murder ” Olivier Dubois 25

22.07.

BALLET NATIONAL DE MARSEILLE – (LA)HORDE Childs Carvalh Lasseindra Doherty ■ P R IMA I TALI ANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG

C

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22.07. ore 21 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Sala Grande | Stadttheater Bozen, Großer Saal

Concetto | Konzept (LA)HORDE – Marine Brutti, Jonathan Debrouwer, Arthur Harel Coreografie | Choreografien Lucinda Childs, Tânia Carvalho, Lasseindra Ninja, Oona Doherty

osa hanno in comune la fondatrice del filone minimalista della postmodern dance americana Lucinda Childs, l’icona queer del voguing francese Lasseindra Ninja, la visionaria artista portoghese Tânia Carvalho e la nordirlandese Oona Doherty? Una commissione per il Ballet national de Marseille diretto dal collettivo (LA)HORDE da parte dei parigini Théâtre de la Ville e Théâtre du Chatelet. E si ritrovano in una serata le cui atmosfere cambiano radialmente da un brano all’altro con non poche sorprese. Lucinda Childs, Leone d’oro alla Carriera alla Biennale di Venezia nel 2017, rimonta a distanza di dodici anni dalla creazione a Marsiglia il suo Tempo Vicino, brano ritmico di attraversamenti della scena; Oona Doherty, Leone d’Argento alla Biennale di Venezia di quest’anno, ridisegna per la compagnia il suo Lazarus; Lasseindra Ninja – per la prima volta a confronto con un gruppo di danzatori ‘classici’ -

ca. 95 min

as verbindet die Gründerin des minimalistischen Postmodern Dance in Amerika, Lucinda Childs, mit der Voguing Queen Lasseindra Ninja aus Frankreich, der visionären portugiesischen Künstlerin Tânia Carvalho und der irischen Choreografin Oona Doherty? Ein Auftragswerk des Théâtre de la Ville und des Théâtre du Chatelet in Paris für das Ballet national de Marseille unter der Leitung des Kollektivs (LA)HORDE. Die vier Choreografinnen sind Autorinnen eines gemeinsamen Abends voller Überraschungen, an dem sich die Stimmung von einem Stück zum nächsten radikal ändert. Lucinda Childs bringt zwölf Jahre nach dessen Entstehung ihr Stück Tempo Vicino wieder auf die Bühne, ein ausladendes, rhythmisches Meisterwerk. Oona Doherty, die dieses Jahr in Venedig ausgezeichnet wurde, schrieb für die Kompanie ihr Stück Lazarus um.

Lasseindra Ninja, die zum ersten Mal für ein

CAT. A

Commissionato da | im Auftrag von Théâtre de la Ville-Paris & Théâtre du Châtelet Produzione | Produktion Ballet national de Marseille – (LA)HORDE Coproduzione | Koproduktion Théâtre de la Ville-Paris, Théâtre du Châtelet

Con il sostegno di | mit Unterstützung von AMBASSADE DE FRANCE EN ITALIE 26

Tempo vicino Coreografia, costumi | Choreografie, Kostüme Lucinda Childs Musica | Musik John Adams Son of Chamber Symphony Ricreazione delle luci | Licht Rekreation Eric Wurtz

Mood Coreografia | Choreografie Lasseindra Ninja Musica | Musik Boddhi Satva (main mix) Maboko Na Ndouzou, Djeff Afozilla (main mix) So blessed, Vjuan Allure Untitled, Heavy K Gunsong, Janet Jackson Throb mixed One Of Four Periods In Time (Ellipsis) by Gabber Eleganza Disegno Costumi | Kostümdesign Coreografia, costumi | Choreografie, Erard Nellapin, Mugler by Casey Kostüme Tânia Carvalho CadWallader Musica | Musik Vasco Mendonça Luci | Licht Eric Wurtz interpretato da | interpretiert von Drumming GP: Miquel Bernat, Pedro Oliveira, João Cunha, Rui Rodriguez Luci | Licht Eric Wurtz

Lazarus Coreografia, costumi | Choreografie, Kostüme Oona Doherty Assistenza coroegrafica | Choreografieassistenz Sandrine Lescourant - Mufasa External view Gabrielle Veyssière Musica | Musik Miserere Mei, Deus, di | von Gregorio Allegri mixed by Oona Doherty Luci | Licht Lisa Mary Barry in collaborazione con | in Zusammenarbeit mit Eric Wurtz

The CCN Ballet national de Marseille - direzione | Leitung (LA)HORDE viene sostenuto da | wird unterstützt von DRAC Paca, ministère de la Culture, Ville de Marseille and Fondation BNP-Paribas Lazarus, © Didier Philispart

22.07.

BALLET NATIONAL DE MARSEILLE – (LA)HORDE

Childs Carvalho Lasseindra Doherty

firma un pezzo da clubbing in tute lurex e intriganti mise rosa shocking; la poliedrica Tânia Carvalho un brano pittorico e misterioso.

Plasticità, espressionismo, teatro fisico, postmodern dance, ballroom si incontrano in questa serata che promette di spazzare via ogni preconcetto sulla danza.

„klassisches“ Tanzensemble choreografiert, präsentiert eine Clubbing-Nummer in knallrosa Lurex-Outfits, während die Allroundkünstlerin Tânia Carvalho eine malerische, mystische Arbeit mitbringt. Plastizität, Expressionismus, Bewegungstheater, Postmodern Dance und Standardtanz überschneiden sich an diesem Abend, der schon jetzt verspricht, alle Konventionen zu sprengen.

Mood, © Théo Giacometti

(LA)HORDE è un collettivo artistico fondato nel 2013 da Marine Brutti, Jonathan Debrouwer e Arthur Harel con l’dea di interrogarsi sui codici dell’arte contemporanea e della performing art tenendo sempre salda la visione sul corpo in movimento.

Conosciuto per le riflessioni sulla danza postinternet, (LA)HORDE continua a presentarsi come collettivo fuori dagli schemi di progetto in progetto.

Dal 2019 guida il Ballet national de Marseille-CCN.

28

(LA)HORDE ist ein 2013 von Marine Brutti, Jonathan Debrouwer und Arthur Harel gegründetes Künstlerkollektiv, das sich zum Ziel gesetzt hat, die Gesetze der zeitgenössischen Kunst und Performance in Frage zu stellen, doch gleichzeitig den Körper in Bewegung weiterhin in den Mittelpunkt zu stellen. Bekannt geworden sind (LA)HORDE mit ihren Reflexionen über den Tanz im Post-Internet-Zeitalter und verstehen sich auch weiterhin als Kollektiv, das in keine Schublade passt. 2019 übernahm das Kollektiv die Leitung des Ballet national de Marseille-CCN.

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© Lucie Jansch

Lucinda Childs

Latrice di una poetica basata sulla decostruzione del vocabolario classico, sulla ripetizione minimalista delle frasi coreografate e l’uso dello spazio scenico per attraversamenti ripetuti dai primi anni Settanta, Childs firma il suo primo successo nel 1979, Dance, a cui segue Available Light (1983) su un set design dell’archistar Frank Gehry. Per il Ballet de l’Opéra de Paris ha creato Premier Orage (1984), per il Ballet de Lyon Perfect Stranger (1990) e per il Ballet national de Marseille Tempo Vicino (2009). Ha ricevuto il Leone d’Oro alla Carriera alla Biennale di Venezia nel 2017.

Lucinda Childs läutete Anfang der 1970er eine neue Poetik im Tanz ein, indem sie das klassische Vokabular auseinandernahm und durch die Wiederholung minimalistischer Choreografiephrasen ersetzte, für die sie den gesamten Bühnenraum beanspruchte.

Ihren ersten Erfolg feierte sie 1979 mit Dance, danach folgte Available Light (1983), für das der Stararchitekt Frank Gehry den Bühnenaufbau lieferte.

Für die Opéra de Paris schuf sie Premier Orage (1984), für das Ballet de Lyon Perfect Stranger (1990) sowie schließlich Tempo Vicino (2009) für das Ballet national de Marseille.

2017 erhielt die den Goldenen Löwen der Biennale von Venedig für ihr Lebenswerk.

Coreografa e musicista, danzatrice e pittrice portoghese. Le sue creazioni si avventurano in luoghi ombrosi, sospese tra espressionismo e citazioni cinematografiche. La sua arte è una cosmogonia misteriosa dove la cura linguistica e semantica è totale. Da più di vent’anni Tânia Carvalho ha forgiato il proprio percorso in modo riflessivo, ogni volta adottando un approccio più multidisciplinare. Di alcuni suoi titoli, Come Se Pudesse Ficar Ali Para Sempre (2005) e Síncopa (2013), è autrice anche delle musiche.

Die Portugiesin Tânia Carvalho ist Choreografin, Musikerin, Tänzerin und Malerin. Ihre Kreationen wagen sich an düstere Orte, irgendwo zwischen Expressionismus und cineastischen Zitaten. Ihre Kunst ist ein mysteriöser Kosmos, in dem Sprache und Semantik alles bestimmen.

Seit mehr als 20 Jahren entwickelt Tânia Carvalho ihren multidisziplinären Weg konsequent weiter. Zu einigen ihrer Stücke, etwa Come Se Pudesse Ficar Ali Para Sempre (2005) oder Síncopa (2013), hat sie selbst die Musik komponiert.

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© Rui Palma

Tânia Carvalho

© Maria Falconer

Oona Doherty

Studia alla London Contemporary Dance School, all’Università di Ulster e al LABAN Center di Londra.

Ha collaborato in qualità di performer e creatrice dal 2010 con compagnie europee. Ha ottenuto diversi riconoscimenti e premi per i lavori Hope Hunt, The Ascension into Lazarus e Hard to be Soft – A Belfast Prayer. Molto ispirata dal cinema, nei suoi lavori di teatro fisico spesso travalica il confine tra pubblico e performer e mostra uno sguardo spietato sulla società.

Die Irin studierte an der London Contemporary Dance School, an der Universität von Ulster und am LABAN Center in London. Als Tänzerin und Ideengeberin wirkte sie ab 2010 bei verschiedenen internationalen Kompanien mit. Sie wurde für Hope Hunt, The Ascension into Lazarus und Hard to be Soft – A Belfast Prayer mit mehreren Preisen ausgezeichnet.

Eine ihrer Hauptinspirationen ist das Kino. In ihren Theaterproduktionen lässt sie die Grenzen zwischen Publikum und Performance oft verschwimmen und zeigt schonungslos die Abgründe der Gesellschaft.

Figura iconica della comunità voguing francese, fondatrice della “House of Ninja”. Queer dancer professionista di origini guianesi, ha iniziato il voguing all’età di 20 anni reclutata in uno dei più famosi collettivi di New York, l’House. Agli inizi degli anni 2000 ha importato a Parigi il voguing, uno stile di danza urbana inventato dalla comunità transgender nera a New York negli anni Ottanta in contrapposizione ai concorsi di bellezza dedicati ai canoni della femminilità bianca. L’idea del voguing è riprodurre danzando le pose canoniche delle modelle sulle copertine delle riviste femminili.

Lasseindra Ninja ist eine Ikone der französischen Voguing-Gemeinde und Gründerin des „House of Ninja“. Die queer Tänzerin mit guyanischen Wurzeln wandte sich mit 20 Jahren dem Voguing zu, als sie von „House“, einem der renommiertesten Kollektive New Yorks, engagiert wurde. Anfang der 2000er importierte sie das Voguing, einen urbanen Tanzstil, der von der Transgender-POC-Gemeinde New Yorks in den 1980er-Jahren als Gegenstück zum weißen, weiblichen Schönheitsideal der Beauty Contests kreiert wurde, nach Frankreich. Voguing entstand aus der Idee, die klassischen Posen der Models auf den Titelseiten der Modezeitschriften durch Tanz nachzustellen.

Lasseindra Ninja 31

23.07.

JACOB GÓMEZ Meohadim

■ P R IMA ASSOLU TA | URAUFFÜHRUNG

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23.07. ore 21 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Studio | Stadttheater Bozen, Studio

Coreografia | Choreografie Jacob Gómez Ruiz Musica | Musik Sergio Gassmann Scenografia | Bühne Sergi Cerdán Interpretazione | Darsteller*innen Blanca Tolsá, Helena Hernáez, Julia Sanz, Lara Misó, Naya Manzón Coproduzione | Koproduktion Tanz Bozen – Bolzano Danza Progetto selezionato nell’ambito di | Projekt im Rahmen von Premio Prospettiva Danza Teatro 2021

ra le promesse della nuova scena spagnola, Jacob Gómez è stato segnalato in diversi concorsi coreografici. Nel 2019 a Barcellona con il primo studio di breve durata di Meohadim ha ottenuto il premio del pubblico al Concorso dell’Institut del Teatre catalano; a Padova la giuria del Premio Prospettiva Danza ha segnalato il suo talento. Ora, per Bolzano Danza, Meohadim prenderà forma ‘a serata’: un lavoro nato dall’esigenza del coreografo di raccontare la propria esperienza con le sue cinque sorelle. Un racconto che muove dalla biografia per esplorare come pur nella stessa condizione sociale ed educativa possano derivare modi diversi di intendere la vita.

Una distanza e una peculiarità che Gómez ritrae in questo pezzo dove danza, movimento, canto e recitazione si incontrano sostenuti dalla musica originale di Sergio Gassmann. Cinque donne che trasmettono al pubblico le loro esperienze. Occhi che parlano, che spiegano, che osservano.

ca. 55 min

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CAT. A

eben seinen Erfolgen als Tänzer auf den Bühnen Spaniens fiel Jacob Gómez mit seinen Arbeiten auch bei Choreografie-Wettbewerben auf. 2019 gewann er in Barcelona mit einer kurzen Studie zu Meohadim den Publikumspreis des katalanischen Institut del Teatre, und auch beim Premio Prospettiva Danza in Padua erkannte die Jury sein Talent. Tanz Bozen 2021 präsentiert nun die abendfüllende Version des Stücks als Welturaufführung. Mit dieser Arbeit möchte der Choreograf von seiner Erfahrung mit fünf Schwestern erzählen. Das teils autobiografische Stück befasst sich mit der Frage, wie in einem identischen gesellschaftlichen und erzieherischen Umfeld völlig unterschiedliche Sichtweisen auf das Leben entstehen können. Mit Tanz, Bewegung, Gesang und Sprache bildet Gómez dieses Phänomen zur Originalkomposition von Sergio Gassmann ab. Die fünf Frauen lassen das Publikum an ihren Erfahrungen teilhaben, mit Blicken, die sprechen, erklären und beobachten.

JACOB GÓMEZ RUIZ Nato a Valencia nel 1991 ha iniziato gli studi di danza al Conservatorio della sua città e poi si è diplomato all’Institut del Teatre de Barcelona nel 2013. Dopo una scholarship a Chicago presso la compagnia Luna Negra Dance Theater diretta da Gustavo Ramirez, ha danzato al Theater Pforzheim diretto da Gwido Markowitz

© Anna Fabrega

ed è stato Solista al Theater Bielefeld sotto la direzione di Simone Sandroni. Lì crea i suoi primi due lavori per non professionisti. Nel 2018 si trasferisce in Israele per lavorare con la Kibbutz Contemporary Dance Company. Meohadim sigla l’esordio autoriale con la sua compagnia.

Jacob Gómez wurde 1991 in Valencia geboren.

Seine Tanzausbildung begann er am Konservatorium seiner Heimatstadt, 2013 schloss er das Studium in zeitgenössischem Tanz am Institut del Teatre de Barcelona ab.

Nach einem Stipendium am Luna Negra Dance Theater in Chicago unter Gustavo Ramirez tanzte er am Theater

Pforzheim unter Guido Markowitz und war Solist am Theater Bielefeld unter der Leitung von Simone Sandroni. Dort schrieb er seine ersten Choreografien für Laientänzer. 2018 zog er nach Israel, um für die Kibbutz Contemporary Dance Company zu arbeiten. Meohadim ist die erste Arbeit für das neue Ensemble.

Foto © Ismael Lorenzo

19-31/07 www.tanzbozen.it www.bolzanodanza.it info +39.047.313800

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24.07.

DanceWorks L

e due anime di Bolzano Danza – quella performativa e quella formativa – si incontrano tradizionalmente nella serata DanceWorks dove gli esiti spettacolari di due corsi vengono ospitati al Teatro Comunale. Due docenti scelti e i loro allievi portano a compimento il lavoro creativo di una settimana di workshop. Quest’anno in scena andranno il corso di danza classica Pointe & Variations della canadese Audrey van Herck su musiche live di Sandro Cuccuini e il corso Modern Traditions di Alex Frei su musiche eseguite dal vivo da François Ceccaldi.

D

ie beiden Säulen des Festivals – der Performance- und der Kursteil – treffen traditionell bei den abendlichen DanceWorks aufeinander. Kursteilnehmer und Kursteilnehmerinnen präsentieren auf der Bühne des Studiotheaters unter Anleitung zweier Choreografen – jedes Jahr unterschiedlicher Stilrichtungen – die Ergebnisse des Tanztrainings.

In diesem Jahr bringt die Kanadierin Audrey van Herck gemeinsam mit den Teilnehmerinnen und dem Pianisten Sandro Cuccuini eine BallettChoreografie auf die Bühne. Alex Frei zeigt mir seinen Tänzerinnen ein von Modern Traditions inspiriertes Stück – begleitet vom Musiker François Ceccaldi.

© Südtiroler Kulturinstitut

24.07. ore 20 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Studio | Stadttheater Bozen, Studio LIVE

ca. 50 min

Coreografie | Choreografien Alex Frei, Audrey van Herck Pianista | Pianist Sandro Cuccuini Percussionista | Perkussionist François Ceccaldi Una produzione di | eine Produktion des Südtiroler Kulturinstitut

CAT. B (escl. ABO)

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24.07.

ALESSANDRO SCIARRONI FOLK-S_Will you still love me tomorrow?

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F

24.07. ore 21 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Sala Grande | Stadttheater Bozen, Großer Saal

Coreografia | Choreografie Alessandro Sciarroni Interpretazione | Darsteller*innen Pablo Esbert Lilenfeld, Matteo Ramponi, Francesca Foscarini, Leon Maric, Marco D’Agostin, Elena Giannotti Suono | Sound Pablo Esbert Lilienfeld Lighting design Rocco Giansante produzione MARCHE TEATRO – Progetto Archeo.S – System of Archeological Sites of the Adriatic Seas

avoro profondamente legato al territorio sudtirolese in quanto nato dallo studio di un ballo tradizionale, lo Schuhplattler, FOLK-S_ Will you still love me tomorrow? è stato creato da Sciarroni nove anni fa. Da allora ha girato il mondo riscuotendo unanimi consensi. Presentato in versione performance site specific a Museion nell’ambito di Bolzano Danza 2017, viene proposto ora nella Sala Grande del Teatro Comunale. Sei interpreti danzeranno lo Schuhplatter fino a quando saranno in grado di ripeterne le sequenze con assoluta precisione e fino a che la resistenza fisica lo consentirà. Le danze iniziano già mentre gli spettatori prendono posto in sala: sei interpreti in cerchio saltellano a indicare che la trasmissione è iniziata. Uno di loro prenderà il microfono per avvisare che “questa danza esisterà finché rimarrà un solo spettatore in platea o un solo danzatore sul palco”. Chi vincerà la prova di resistenza?

Quale danzatore e/o quale spettatore lascerà per ultimo il teatro?

last wo/man standing

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CAT. A

OLK-S_Will you still love me tomorrow? ist fest verwurzelt mit der Südtiroler Tradition: Das Stück, das vor fast einem Jahrzehnt entstand, ist gewissermaßen eine Studie über den Schuhplattler. Mit anhaltendem Erfolg tourt es seit Jahren durch die ganze Welt.

Bei Tanz Bozen war es bereits 2017 im Rahmen eines Site-Specific im Bozner Museion zu sehen.

Für die diesjährige Festivalausgabe übersiedelt das Stück auf die große Bühne des Stadttheaters.

Sechs Interpreten tanzen den Schuhplattler, bis sie die Bewegungssequenzen bis ins kleinste Detail perfektioniert haben oder die Erschöpfung sie zum Aufgeben zwingt. Die Vorstellung beginnt bereits, während das Publikum noch im Saal Platz nimmt. Die Interpreten tanzen in einer Kreisformation, dann nimmt einer das Mikrofon zur Hand und erklärt: „Dieser Tanz geht so lange weiter, bis nur noch ein einziger Zuschauer im Publikum sitzt oder ein Tänzer auf der Bühne verbleibt.“ Wer gewinnt diese Ausdauerübung?

Wer bleibt am Ende im Theater übrig?

In collaborazione con | in Zusammenarbeit mit corpoceleste_C.C.00# E con | und mit Inteatro, Amat-Civitanova Danza per “Civitanova Casa della Danza”, Centrale Fies, ChoreoRoam Europa, Centro per la Scena Contemporanea, Comune di Bassano del Grappa, The Place – London, Dansateliers – Rotterdam, Dance Week Festival – Zagreb, Certamen Coreográfico de Madrid

ALESSANDRO SCIARRONI Alessandro Sciarroni artista italiano attivo nell’ambito delle performing arts, con una formazione nel campo delle arti visive e di ricerca teatrale, crea lavori concettuali di matrice duchampiana, ovvero di riproposizione di pratiche esistenti fino al limite della resistenza fisica. Il circo, lo sport, alcune tecniche singolari della danza come girare intorno

al proprio diventano ‚oggetto’ dei suoi lavori alla ricerca di ossessioni, paure e fragilità dell’atto performativo e di una relazione empatica tra interpreti e spettatori.

Nel 2019 riceve il Leone d’Oro alla Biennale Danza di Venezia.

Alessandro Sciarroni ist ein italienischer Künstler, der sich neben Performing Arts auch mit bildender Kunst und Theaterwissenschaft auseinandersetzt. Seine Arbeiten stützen sich auf die Konzeptkunst im Geiste Duchamps, die Wiederaufnahme bestehender Praktiken bis zur völligen Erschöpfung. Zirkus, Sport oder einzelne Techniken aus dem

Tanz, wie das Kreisen um die eigene Achse, werden zum Zentrum seiner Arbeiten, um in der Performance Spuren von Besessenheit, Angst und Zerbrechlichkeit aufzudecken und eine von Mitgefühl geprägte Verbindung zwischen Tänzern und Publikum herzustellen. 2019 wurde Sciarroni auf der Biennale von Venedig mit dem Goldenen Löwen ausgezeichnet. © Andrea Macchia

26.07.

LALI AYGUADÉ COMPANY Hidden

■ P R IMA I TALI ANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG

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26.07. ore 21 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Studio | Stadttheater Bozen, Studio

Direzione | Direktion Lali Ayguadé Coreografia | Choreografie Lali Ayguadé e gli interpreti | und die Darsteller*innen Interpretazione | Darsteller*innen Anna Calsina, Diego Sinniger, Akira Yoshida, Lesard Tranis, Pietro Steiner Musica originale | Originalmusik Fanny Thollot

ali Ayguadé, coreografa catalana in ascesa, chiude la trilogia sul tema dell’identità di cui Bolzano Danza ha ospitato e coprodotto tutte le tappe con Hidden, lavoro realizzato per la sua compagnia, fondata a Barcellona nel 2013.

Dopo il quartetto Kokoro presentato al Festival 2016 e iU an Mi sulle risposte umane agli eventi tragici nel 2018 con Hidden Ayguadé prova a sondare l’inconscio. Lo scopo è capire come il presente sia influenzato dal passato e al tempo stesso come riesca a distorcelo nei ricordi. Sul palcoscenico sei interpreti tra cui una cantante dalla voce profonda per seguire le memorie di un uomo, ritornato nella casa della sua infanzia allo scopo di scoprire il suo passato, per evocarlo, rispolverarlo.

“La vita ci spinge senza sosta in un cammino che lascia scie e ricordi, ma questi ricordi - racconta Ayguadé - si accumulano nelle pieghe del cervello e rimangono lì, nascosti come sotto un telo semitrasparente”. Ritornare sui propri passi per far luce sul passato, per sbarazzarsene oppure accoglierlo con i suoi fantasmi e tesori e ciò che Ayguadé prova a dispiegare in Hidden attraverso un teatrodanza incisivo, incalzante, potente. Solo così, sembrerebbe dirci, possiamo vivere pienamente il presente, consapevoli di noi stessi nel profondo.

50 min

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CAT. A

ali Ayguadé, eine Galionsfigur der katalanischen Tanzszene, präsentiert den letzten Teil ihrer Trilogie über die Identität des Menschen.

Tanz Bozen begleitete die Choreografin von Etappe zu Etappe und koproduzierte alle drei Werke.

Ihr jüngstes Stück Hidden (Verborgen) entstand für ihre 2013 in Barcelona gegründete Kompanie.

Nach dem Quartett Kokoro, das 2016 in Bozen gezeigt wurde, und iU an Mi, das als Antwort auf tragische Ereignisse entstand, erzählt Ayguadé nun vom Unterbewusstsein und davon, wie die Vergangenheit unsere Gegenwart prägt und diese unsere Erinnerungen verzerrt.

Sechs Künstlerinnen und Künstler, darunter eine katalanische Sängerin mit sonorer Stimme, folgen dem Fluss der Erinnerung eines Mannes. „Das Leben treibt uns pausenlos auf seinem Weg voran, hinterlässt Spuren und Erinnerungen“, erklärt Lali Ayguadé. „Die Erinnerungen sammeln sich in den Windungen unseres Gehirns und verweilen dort, im Verborgenen, wie der Staub, der sich zwischen Möbeln festsetzt.“ Wir müssen uns mit unserer Vergangenheit auseinanderzusetzen, um mit ihr abzuschließen oder sie mit ihren Geistern und Schätzen in Ehren halten zu können, das möchte Ayguadé uns mit ihrem kraftvollen, einprägsamen Tanztheater vermitteln. Denn nur so können wir die Gegenwart auskosten, wissend, wer wir tief im Inneren sind.

Scenografia | Bühne Sergi Cerdán Coproduzione | Koproduktion Temporada Alta 2020, Teatre Nacional de Catalunya, Bolzano Danza | Tanz Bozen, Dansa Quinzena Metropolitana Produzione e agenzia | Produktion und Agentur Big Story Productions

“ La vida no se detiene y nos

empuja sin tregua, a lo largo de su camino deja un rastro de recuerdos. Y estos recuerdos se apilan entre los pliegues del cerebro, como lo hace el polvo debajo de los muebles. ” Lali Ayguadé

© Mari Varò

27.07.

SILVIA GRIBAUDI Graces

G

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27.07. ore 21 Uhr Parco delle Semirurali, Bolzano | Semiruralipark, Bozen

Coreografia | Choreografie Silvia Gribaudi Interpretazione | Darsteller*innen Andrea Rampazzo, Matteo Marchesi, Siro Guglielmi, Silvia Gribaudi

races ha portato in giro per l’Europa Silvia Gribaudi e i suoi tre compagni di avventura (e palcoscenico) Siro Guglielmi, Matteo Marchesi e Andrea Rampazzo. Sin dal debutto avvenuto nel 2019, il lavoro ha conquistato le platee e la critica.

Come ricorda il titolo, la fonte di ispirazione sono le Tre Grazie di Antonio Canova, simbolo di classicità e bellezza, qui declinate volutamente al maschile e nell’oggi. Nella classicità la bellezza era armonia delle forme, ma nella quotidianità, si domanda Gribaudi, dove si trova questa armonia?

Lo spettacolo è un gioco di smantellamento dei canoni estetici e coreutici attraverso una drammaturgia serrata, il piglio ironico caratteristico dell’autrice e sfoggio di bella danza. L’energia degli interpreti arriva al pubblico con potere liberatorio, quasi salvifico. Impossibile non rimanere coinvolti.

Spettacolo insignito del Premio Danza&Danza “miglior produzione italiana 2019” che si impone ed espone nuove bellezze.

races hat Silvia Gribaudi und ihre drei Abenteuer- und Bühnengefährten Siro Guglielmi, Matteo Marchesi und Andrea Rampazzo bereits durch ganz Europa geführt. Seit dem Debüt im Jahr 2019 begeisterte das Werk Publikum und Kritiker gleichermaßen. Wie der Titel erahnen lässt, ist das Stück an Antonio Canovas Die drei Grazien angelehnt, eine Skulptur die sinnbildlich für Klassizismus und Schönheit steht. Gribaudi stülpt diese Werte bewusst unserer Gegenwart und der Männlichkeit über. In der Klassik bedeutete Schönheit Harmonie der Form, aber wo, so fragt sich Gribaudi, ist diese Harmonie im Alltag zu finden? Ihre Performance ist eine spielerische Demontage von ästhetischen und choreografischen Kanons mittels straffer Dramaturgie, der charakteristisch ironischen Haltung der Choreografin sowie einer Darstellung des schönen Tanzes. Die Energie der Darsteller erreicht das Publikum mit befreiender, fast erlösender Kraft.

Es ist unmöglich, sich davon loszureißen. Das Stück wurde als „beste italienische Produktion 2019“ mit dem Premio Danza&Danza ausgezeichnet.

In collaborazione con | In Zusammenarbeit mit

ca. 45 min gratuito previa prenotazione kostenlos mit vorheriger Reservierung 40

“ Silvia è la profetessa italiana

del corpo libero. Non quello della ginnastica, che è molto legato anzi, alla forza e alla muscolatura.

Ma il corpo davvero libero, quello che si è affrancato dagli obblighi e dai doveri a cui le culture lo costringono.

Per indagare come l’idea del Bello, oltre che culturalmente relativa, sia un principio vitale e salubre. ” Roberto Canziani, QuanteScene! Cose di Teatro

© Giovanni Chiarot

28.07.

LA COMPAGNIE DE SOI / MICOMPAÑIA / ORCHESTRA HAYDN ORCHESTER Requiem (Sià Karà) ■ P R IMA ASSOLU TA | URAUFFÜHRUNG

P

roduzione originariamente pensata per Bolzano Danza 2020 in occasione dei festeggiamenti dei sessant’anni dell’Orchestra Haydn, il cui esordio nel lontano 1960 era stato proprio con la messa da requiem mozartiana, Requiem (Sià Karà), bloccato dalla pandemia, sale finalmente sul palcoscenico e fa il suo debutto assoluto quest’anno. Partitura originale affidata ‘all’artista associato’ della Haydn Matteo Franceschini (Leone d’Argento alla Biennale Musica 2019) per l’Orchestra diretta da Jean Deroyer e live electronics; coreografia originale del francotunisino Radhouane El Meddeb interpretata dalla cubana MiCompañia a cui si aggiungono amatori del territorio.

28.07. ore 21 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Sala Grande Stadttheater Bozen, Großer Saal LIVE

ca. 60 min CAT. A

Concetto | Konzept Radhouane El Meddeb, Matteo Franceschini Coreografia | Choreografie Radhouane El Meddeb Musica | Musik Matteo Franceschini Commissione musicale | Musikalischer Auftrag Fondazione Haydn Stiftung Direzione musicale | Musikalische Leitung Jean Deroyer Con | mit Orchester Haydn Orchester

M

it der Auftragsarbeit Requiem (Sià Karà) für Tanz Bozen 2020 wollte man im vergangenen Sommer das 60-Jahr-Jubiläum des Haydn Orchesters, das 1960 mit Mozarts Requiem debütierte, feiern. Corona hat diese Pläne bekanntlich durchkreuzt und so kommt das Werk in diesem Jahr zur Uraufführung. Die Komposition für Orchester unter der Leitung von Jean Deroyer und Live Electronics stammt aus der Feder des „Associated Artist“ der Stiftung Haydn Matteo Franceschini (Preisträger des Silbernen Löwen der Musikbiennale 2019), die Choreografie für das kubanische Tanzensemble MiCompañia und 30 Tanzbegeisterte aus der Region kreierte der tunesisch-französische Choreograf Radhouane El Meddeb.

Lighting design Eric Wurtz Costumi | Kostüme Dador Havanna, Agnès B. Con la collaborazione dei danzatori di MiCompañia | in Zusammenarbeit mit den Tänzer*innen von MiCompañia (Dir. Susana Pour Anadon): Diana Columbié Gamez, Lisset Galego Castañeda, Gabriela Herrera Mendez, Erismel Mejias García, Rubinel Ortiz Mayedo, Niosbel Osmar González Rubio, Susana Pous Anadon

Live electronics Tovel (aka Matteo Franceschini) Coproduzione | Koproduktion Bolzano Danza – Tanz Bozen Con il contributo di | mit Unterstützung von SIAE – Classici di oggi 2018/19

Con il sostegno di | mit Unterstützung von AMBASSADE DE FRANCE EN ITALIE

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D E D I CATO A T U T T E L E VI T TI ME DEL C OVI D E ALLE LO RO FAMIGL IE

GEWIDMET DEN OPFERN VON COVID-19 UND IHREN FAMILIEN © Gabriel Guerra Bianchini

MiCOMPAÑIA La danzatrice spagnola Susana Pous Anadon giunge sull’isola caraibica nel 1999 per danzare con DanzAbierta, compagnia di danza contemporanea cubana, fondata nel 1988, della quale diviene coreografa principale nel 2008 e poi direttrice artistica. Nel 2018 DanzAbierta cambia nome in MiCompañia: attualmente conta nove brillanti danzatori.

MiCOMPAÑIA Die spanische Tänzerin Susana Pous Anadon zog 1999 in die Karibik und wurde Mitglied der 1988 gegründeten Kompanie DanzAbierta. 2008 avancierte sie zur Chefchoreografin von DanzAbierta, danach führte sie das Ensemble als künstlerische Leiterin an. 2018 wurde aus DanzAbierta die Kompanie MiCompañia. Heute zählt das Ensemble neun hochkarätige Tänzer und Tänzerinnen.

> ON TOUR 21.11.2021 - Grand Opéra d’Avignon, con | mit Les Hivernales CDCN d’Avignon 12.2021 - Gran Teatro Alicia Alonso, La Havana

28.07.

LA COMPAGNIE DE SOI/MICOMPAÑIA/ORCHESTRA HAYDN

Requiem (Sià Karà)

© Gabriel Guerra Bianchini

Dedicato dagli autori a tutte le vittime del Covid e alle loro famiglie, questo nuovo Requiem vuole lanciare un messaggio positivo, a partire da quel Sià Karà del titolo tratto da un’espressione cubana (sià karà, tira pa’lante, ovvero “smetti di piangere e cerca delle soluzioni”) che il coreografo ha sentito spesso per le strade de L’Avana. Affascinato dall’isola caraibica e dall’incontro con la compagnia locale guidata da Susan Pous Anadon, El Medded ha creato il suo Requiem lì, ispirato dai riti e dalle cerimonie dell’isola ma anche dallo spirito di lotta e di celebrazione della vita dei suoi abitanti. Echi e riferimenti armonici mozartiani fuoriescono dalla composizione strumentale di Franceschini, in linea con il coreografo nel non voler interpretare l’opera come puro inno funebre, sebbene il suo Requiem, nato in questo difficile periodo, porti inevitabilmente con sé la testimonianza del dolore che tutti abbiamo vissuto e in particolare chi ha perso qualcuno di caro. Attirato dall’eternità e dalla capacità di aprire una finestra di riflessione profonda sulla vita del componimento mozartiano, Franceschini sollecita qui la memoria di chi ascolta attraverso il dialogo tra gli strumenti dell’orchestra e il live electronics da lui stesso gestito sulla scena.

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Die Autoren widmen Requiem allen CovidOpfern und deren Familien und möchten damit zugleich eine positive Botschaft aussenden.

Siá cará, (tira pa’lante), zu Deutsch „hör auf zu weinen, finde lieber eine Lösung“ ist ein Ausruf, den der Choreograf El Meddeb häufig auf den Straßen von Havanna in Kuba hörte. Begeistert von der Karibikinsel und der lokalen Tanztruppe unter der Leitung Susan Pous Anadon hat El Meddeb sich dazu entschieden, die Choreografie für Requiem vor Ort und unter dem Einfluss von Riten und Zauberei sowie dem kämpferischen Geist, der die Kubaner auszeichnet, zu entwickeln.

In Franceschinis Musik sind immer wieder Anspielungen an Mozarts Werk zu finden.

Wie El Meddeb will auch Franceschini das Requiem nicht als reine Totenmesse verstanden haben, wenngleich es – entstanden in einer schwierigen Zeit – unweigerlich einen kollektiven Schmerz in sich trägt.

Fasziniert von der Zeitlosigkeit und der Möglichkeit, einen Raum für ein Nachdenken über das Leben und die Musik zu schaffen, fordert Franceschini das Publikum mit den harmonischen Bezügen zu Mozart in einer Art Gedächtnisspiel heraus.

Radhouane El Meddeb, © Olivier Roller Matteo Franceschini, © Carlo Baroni

“Il nostro Requiem è una riflessione

istantanea sulla vita e sulla morte, un fotogramma collettivo, un flashmob che si materializza magicamente in un luogo pubblico. Cittadini, una moltitudine di individui, anonimi, persone di ogni provenienza si incontrano e condividono le loro preoccupazioni, gioie, dolori, paure, speranze. È un pensiero sull’essenza dell’umanità. Un eterno rito collettivo, ciò che è irreversibile, immortale, un bisogno di sospensione, di pausa, ma anche leggerezza, libertà, un momento dove poter superare le nostre paure e lasciarci ispirare dalla gioia della vita, anche per poco tempo, che ci aiuta a capire il mondo dei vivi.”

Radhouane El Meddeb & Matteo Franceschini

„ Unser Requiem ist ein unmittelbares

Nachdenken über Leben und Tod, ein kollektives Fotogramm, ein Flashmob, der an einem öffentlichen Ort auf magische Weise konkret wird. Bürger und Bürgerinnen, Individuen, Unbekannte, Menschen aus verschiedensten Bereichen kommen zusammen um ihre Sorgen, Freuden, Ängste und Hoffnungen zu teilen. Es ist ein Nachdenken über die Essenz der Menschheit. Ein ewiges unumkehrbares, unsterbliches kollektives Ritual; ein Wunsch nach Aufschub, Innehalten, aber auch nach Leichtigkeit und Freiheit; ein Augenblick, in dem wir unsere Ängste überwinden und uns, wenn auch nur für kurze Zeit, von Lebensfreude inspirieren lassen können und das uns hilft, die Welt der Lebenden zu verstehen.”

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Riflettere sulla vita con le tradizioni cubane Mit kubanischen Traditionen über das Leben philosophieren Intervista | Interview Radhouane El Meddeb

Regista prima che coreografo, il tunisino Radhouane El Meddeb ha conquistato un posto di rilievo nel panorama della danza europea Famoso per i suoi singolari assoli, è inoltre autore di lavori collettivi come il celebre Au temps où les Arabes dansaient (2014), Nous serons tous des étrangers (2015), il trio AMOUR-S, lorsque l’amour vous fait signe, suivez-le (2019) e per aver creato, nel gennaio 2019, per il Ballet de l’Opéra National du Rhin, un remake del Lago dei cigni. A Bolzano Danza nel 2017 aveva presentato l’intenso assolo À mon père, une dernière danse et un premier baiser creato in stretta relazione con il ceramista tunisino Malek Gnaoui; ora si attende la creazione commissionata da Bolzano Danza realizzata in tandem con il compositore Matteo Franceschini, Requiem (Sià Karà), dedicata dagli autori alle vittime del Covid.

Radhouane, una produzione globale Requiem (Sià Karà): è stato difficile realizzarla in questo momento storico?

Il periodo è complicato e ci è voluto molto lavoro per arrivare a delle soluzioni senza snaturare il progetto originario. Credo d’altro canto che ci siamo riusciti.

Il soggetto poi è più che mai in risonanza con il momento che stiamo vivendo.

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Ci spiega come è nata la relazione con la cubana MiCompañia di Susana Pous?

Nel 2016 durante un soggiorno a L’Avana nell’ambito di una masterclass con l’Institut Français ho incontrato Noël Bonilla Chongo, addetto del Ministero della Cultura cubana ed ex danzatore, e la Compagnie DanzAbierta. Nel 2017 sono stato nuovamente invitato a presentare il mio assolo Sous leurs pieds le paradis (creato nel 2012) al Centro Culturale Bertolt Brecht de L’Avana e a condurre una nuova masterclass con la Compagnia Danza Contemporanea. Due soggiorni che mi hanno permesso di incontrare numerosi artisti e di farmi un’idea del paesaggio coreografico cubano. Il rapporto poi è continuato a distanza insieme al desiderio condiviso di una creazione con i danzatori di MiCompañia (nuovo nome di DanzAbierta). Il tutto si è concretizzato a Parigi quando Susana Pous e Noël Bonilla sono venuti al Théâtre de Chaillot, nel marzo 2019, a vedere il mio Lac de Cygnes.

L’isola caraibica come ha influenzato la creazione?

Ho scoperto il calore del suo popolo… Cuba è affascinante, fuori dal tempo e dal mondo.

La rivoluzione, un sogno che ha cambiato tutto, ha dato la speranza di una società migliore con le sue eccellenze e la sua cultura.

© Olivier Roller

Un ideale superato dalle sue stesse contraddizioni e dalla modernità. Requiem (Siá Kará) arriva in un momento in cui ci si interroga sulla scrittura coreografica e drammaturgica a Cuba. I danzatori che ho incontrato rifiutano di credere che un linguaggio contemporaneo possa nascere dal loro bagaglio afro-cubano, così forte nelle sue forme e nei movimenti: danze praticate per la ritualità e i culti, danze di celebrazione della vita, dell’amore, della sensualità; ma anche danze legate alla stregoneria e alla magia, al mistero.

Lei e Matteo Franceschini affermate che questo vostro lavoro è una finestra di riflessione profonda sulla vita.

Ci spiega meglio?

Tutte le volte che ho incontrato Matteo, mi ha raccontato la sua voglia di lavorare a un progetto di riscrittura di un’opera monumentale. Il Requiem di Mozart lo è, si impone, per potenza, per ciò che dice sull’umanità, per ciò che evoca del passaggio dalla vita alla morte, dell’immortalità, di ciò che resta, di ciò che siamo collettivamente.

Ho subito compreso fosse necessario lavorare con i danzatori cubani, per rievocare i riti e osservare i corpi in trasformazione perché solo così si forgiano nuovi pensieri.

Attraverso le rinascite…

Der Tunesier Radhouane El Meddeb eroberte sich als Choreograf und Tänzer eine prominente Position in der europäischen Tanzszene.

Er ist nicht nur für seine einzigartigen Soli bekannt, sondern auch als Autor von Werken wie Au temps où les Arabes dansaient (2014), Nous serons tous des étrangers (2015), dem Trio AMOUR-S, lorsque l’amour vous fait signe, suivez-le. 2019 schuf er für das Ballet de l’Opéra National du Rhin eine Neuauflage des Schwanensees. Auch für Tanz Bozen ist er kein Unbekannter mehr: 2017 zeigte er das bemerkenswerte Solo À mon père, une dernière danse et un premier baiser, das in enger Zusammenarbeit mit dem tunesischen Keramiker Malek Gnaoui entstand. 2021 ist präsentiert er in einer Uraufführung Requiem (Sià Karà), eine Auftragsarbeit der Stiftung Haydn für Tanz Bozen und das Haydn Orchester, entstanden aus der Zusammenarbeit mit dem Komponisten Matteo Franceschini. Die beiden Autoren widmen ihr Werk den Opfern des Coronavirus’.

Requiem (Sià Karà) ist eine globale Produktion. War es schwierig, sie in diesem Ausnahmezustand umzusetzen?

Die Zeiten sind kompliziert und es hat viel Arbeit gekostet, Lösungen zu finden, ohne das ursprüngliche Projekt zu verfälschen. Dennoch denke ich, dass wir es hinbekommen

haben. Das Thema ist also mehr denn je in Resonanz mit unseren derzeitigen Lebenswelten.

Wie kam die Zusammenarbeit mit dem kubanischen Ensemble MiCompañia von Susana Pous zustande?

Während eines Aufenthaltes in Havanna 2016 im Rahmen einer Masterclass mit dem Institut Français traf ich Noël Bonilla Chongo, Attaché des kubanischen Kulturministeriums und ehemaliger Tänzer, sowie die Kompagnie DanzAbierta.

2017 wurde ich erneut eingeladen, mein Solo Sous leurs pieds le paradis (2012) im Bertolt Brecht Cultural Center in Havanna zu präsentieren und eine neue Masterclass mit der Contemporary Dance Company zu leiten. Das waren zwei Aufenthalte, die es mir ermöglichten, zahlreiche Künstler zu treffen und einen Eindruck von der choreografischen Landschaft in Kuba zu bekommen. Trotz der Distanz blieben wir in Kontakt und es entstand der gemeinsame Wunsch, ein Stück mit den Tänzern und Tänzerinnen von MiCompañia (dem neuen Namen von DanzAbierta) zu inszenieren.

Konkret wurde das Ganze in Paris, als Susana Pous und Noël Bonilla im März 2019 ins Théâtre de Chaillot kamen, um meinen Lac de Cygnes zu sehen.

Wie hat die karibische Insel ihre Kreation beeinflusst?

Ich habe die Herzlichkeit ihrer Bewohner entdeckt… Kuba ist faszinierend, fernab von Zeit und Welt. Der alles verändernde Traum der Revolution machte Hoffnung auf eine bessere Gesellschaft mit all ihren

Schätzen und ihrer Kultur.

Ein Ideal, das jedoch von seinen eigenen Widersprüchen und der Modernität überholt wurde.

Requiem (Sià Karà) setzt in einer Zeit an, in der es viele offene Fragen zu choreografischen und dramaturgischen Standpunkten in Kuba gibt. Viele Tänzer, die ich traf, weigern sich zu glauben, dass aus ihrem afrokubanischen Hintergrund, der in seinen Formen und Bewegungen sehr charakteristisch ist, eine zeitgenössische Sprache entstehen kann: Tänze, die für rituelle und kulturelle Zwecke praktiziert werden, Tänze, die das Leben, die Liebe, die Sinnlichkeit feiern; aber auch Tänze, die mit Hexerei und Magie zusammenhängen.

Matteo Franceschini und Sie sagen, dass seine musikalische Komposition ein Fenster zur Reflexion über das Leben ist.

Was halten Sie davon?

Jedes Mal, wenn ich Matteo traf, erzählte er mir, dass er an einem Projekt arbeiten wolle, bei dem es darum gehe, ein monumentales Werk neu zu schreiben. Wie Mozarts Requiem: es besticht durch seine Kraft, dadurch, was es über die Menschheit aussagt, dadurch, was es über den Übergang vom Leben zum Tod, über die Unsterblichkeit, über das, was bleibt, über das, was wir zusammen sind, aussagt. Ich habe sofort die Notwendigkeit gesehen, mit kubanischen Tänzern zu arbeiten, Rituale heraufzubeschwören und Körper in ihrer Verwandlung zu beobachten, denn nur so lassen sich neue Gedanken formen.

Durch eine Wiedergeburt...

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29.07.

30.07.

MARIA HASSABI Untitled (2021)

■ P R IMA I TALI ANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG

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T

29.07 + 30.07. ore 18 Uhr Museion, Bolzano | Bozen

Coreografia, performance | Choreografie, Performance Maria Hassabi Sound design Stavros Gasparatos Project Manager Eva Theofanidou Con il supporto di | mit Unterstützung von Onassi Stegi Athen Commissionato in parte da | teilweise in Auftrag gegeben von VIA Art Fund (Boston – USA) Coproduzione | Koproduktion Museion, Bolzano Danza - Tanz Bozen

er la rinnovata collaborazione tra Bolzano Danza e Museion, nell’ambito della prima personale in Italia dell’artista Jimmy Robert, la performer di origini cipriote attiva a New York Maria Hassabi - nel cassetto un Bessie Award nel 2016 e un Performa Malcolm McLaren Award nel 2019 - presenta Untitled (2021), un lavoro sulla trasformazione, tra fisicità scultorea e dilatazione temporale. Con il suo stile caratteristico di quiete e decelerazione del movimento, Hassabi attraversa posture quotidiane passando delicatamente da una all’altra, trasformando il suo corpo a velocità impercettibili mentre lo sforzo di mantenersi in una posizione verticale diventa visibile e quasi tangibile.

I lavori di Maria Hassabi sono stati presentati MoMA New York, Walker Art Centre Minneapolis, The Kitchen New York, kunstenfestivaldesarts Bruxelles, ImPulsTanz Vienna, FIAC Parigi, Stedelijk Museum Amsterdam, Playground festival Bruxelles, Documenta Kassel. Nel 2013 Hassabi ha rappresentato la Repubblica di Cipro al PadiglioneCipro/Lituania della 55esima Biennale di Venezia.

45 min gratuito previa prenotazione kostenlos mit vorheriger Reservierung

anz Bozen und Museion setzen auch für diese Ausgabe ihre Zusammenarbeit fort und zeigen im Rahmen der Einzelausstellung des Künstlers Jimmy Robert, Maria Hassabis Performance Untitled (2021). Die Performerin mit zypriotischen Wurzeln arbeitet in New York und wurde 2016 mit dem Bessie Award sowie 2019 mit dem Malcolm McLaren-Award des New Yorker Performa Festivals ausgezeichnet. Ihr jüngstes Werk handelt von der Transformation, zwischen fein gemeißelter Körperlichkeit und der Dehnung der Zeit. In ihrem unverkennbar ruhigen und entschleunigenden Stil zeigt Hassabi alltägliche Bewegungen. Zart geht sie dabei von einer in die nächste über und verändert ihre Körperhaltung mit einer kaum wahrnehmbaren Langsamkeit, wodurch die Anstrengung, etwa eine vertikale Position zu halten, sichtbar, ja nahezu greifbar wird.

Hassabis Arbeiten wurden bereits im New Yorker MoMA gezeigt, im Walker Art Centre Minneapolis, in The Kitchen New York, beim kunstenfestivaldesarts Bruxelles, ImpulsTanz Wien, FIAC Paris, Stedelijk Museum Amsterdam, Playground Festival Brüssel und bei der Documenta in Kassel. Im Jahr 2013 vertrat sie ihr Land im Pavillon von Zypern/Litauen bei der 55.

Biennale von Venedig.

In collaborazione con | in Zusammenarbeit mit 48

29.07.

MARCO D’AGOSTIN BEST REGARDS

U

E

29.07. ore 21 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Studio | Stadttheater Bozen, Studio

Coreografia, interpretazione | Choreografie, Interpretation Marco D’Agostin Testi | Texte Chiara Bersani, Marco D’Agostin, Azzurra D’Agostino, Wendy Houston Sound LSKA Luci | Licht Giulia Pastore Costruzione scene | Bau des Bühnenbildes Andrea Sanson Consulenza scientifica | wissenschaftliche Beratung The Nigel Charnock Archive, Roberto Casarotto Consulenza drammaturgica | dramaturgische Beratung Chiara Bersani, Claudio Cirri, Wendy Houstoun, Alessandro Sciarroni Movement coach Marta Ciappina

n assolo che è un messaggio danzato d’addio e di riconoscenza di Marco D’Agostin per Nigel Charnock, istrione della scena, fondatore degli storici DV8 negli anni Ottanta poi one-manshow scomparso prematuramente nell’agosto del 2012. Lo spunto? Una lettera mai recapitata che la danzatrice e coreografa Wendy Houstoun scrisse al suo amico e collega Charnock pochi giorni dopo che lui morisse e l’incontro di Marco D’Agostin con il grande performer inglese nel 2010, incontro che, racconta l’autore “ha segnato in modo netto il mio modo di pensare la danza. Nigel rappresentava ai miei occhi la possibilità che in scena tutto potesse accadere ed esplodere”. Gli spettacoli di Nigel Charnock erano esplosioni ipercinetiche in cui canto, danza, grido, improvvisazione si mescolavano; la finzione e la realtà palpabile della performance restavano sospesi su un vuoto abissale. Con lui le maglie del genere “danza contemporanea” si sono allargate incarnando alla perfezione quella possibilità dell’arte che David Foster Wallace avrebbe chiamato “failed entertainement” (intrattenimento fallito). Come Nigel, in questo assolo D’Agostin prova a diventare “too much” (“troppo”), strabordante ed esagerato.

60 min

50

CAT. A

in Solo wie ein getanzter Abschiedsbrief, eine Hommage von Marco D’Agostin an Nigel Charnock, den charismatischen Bühnenkünstler, der in den 1980er-Jahren Mitbegründer des legendären DV8 war und später viele einzigartige Soloarbeiten schuf. Im August 2012 verstarb er viel zu früh. Tatsächlich entspringt BEST REGARDS (Herzliche Grüße) einem nie abgeschickten Brief der Tänzerin und Choreografin Wendy Houstoun, den sie nur wenige Tage nach Charnocks Tod an ihn schrieb, sowie Marco D’Agostins persönlicher Begegnung mit dem großen britischen Performer im Jahr 2010. „Charnock hat meine Einstellung zum Tanz für immer verändert“, erinnert sich der Choreograf des Stücks. „Nigel hat mir vor Augen geführt, dass auf der Bühne alles passieren kann.“ Nigel Charnocks Aufführungen waren tatsächlich pulsierende Explosionen, in denen sich Tanz, Gesang, Geschrei und Improvisation vermengten.

Charnock ist es gelungen, den Genrebegriff „zeitgenössischer Tanz“ zu erweitern, indem er die Möglichkeiten der Kunst, die David Foster Wallace „failed entertainement“ (gescheiterte Unterhaltung) genannt hätte, perfektionierte.

Mit seinem Solo schickt D’Agostin Nigel eine Botschaft, in der er versucht, selbst „too much“ zu sein, überbordend und extravagant.

© Roberta Segata courtesy Centrale Fies

30.07.

CLUB GUY & RONI TETRIS Mon Amour

■ P R IMA I TALI ANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG

C

C

30.07. ore 21 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Sala Grande | Stadttheater Bozen, Großer Saal

Coreografia | Choreografie Roni Haver Co-direzione | Kodirektion Guy Weizman Interpretazione | Darsteller*innen Camilo Chapela, Angela Herenda, Tatiana Matveeva, Sofiko Nachkebiya, Adam Peterson, Igor Podsiadly, Harold Luya Live music Jonathon Bonny, Pepe Garcìa, Niels Meliefste Set Ascon de Nijs Costumi | Kostüme Evgeniia Shalimova Luci | Licht Maarten van Rossem Sound Peter Swart Costumi | Kostüme Evgeniia Shalimova Drammaturgia | Dramaturgie Robbert van Heuven Music Director Feudor Teunisse

lub Guy & Roni sono molto di più di una compagnia di danza conosciuta a livello internazionale. Il loro stare sulla scena è al tempo stesso danza, concerto ad alti decibel, recitazione, multimedia. Una fisicità libera e violenta fornisce un vocabolario distintivo al loro Club. Al festival, in prima nazionale, presentano TETRIS Mon Amour spettacolo realizzato in collaborazione con Thijs De Vlieger dei NOISIA, uno dei gruppi di musica elettronica più apprezzati al mondo. De Vlieger è qui autore solista della composizione eseguita live dal gruppo Slagwerk Den Haag. Lo spunto del lavoro il celeberrimo videogioco Tetris, inventato nel 1984 dal programmatore russo Aleksej Leondovič Pažitnov, incentrato sulla logica e il ragionamento, diventato un successo planetario.

Moltissimi gli appassionati tra cui la coreografa Roni Haver che in questo spettacolo dichiara tutto il suo amore per il videogioco e il modo in cui esso provoca ordine e autocontrollo. Proprio come i blocchi di Tetris trovano continuamente la propria strada nel gioco, così i corpi dei danzatori, come orologi, determinano sempre nuove regole per catturare lo spettatore. Un concerto danzato ad alta pressione dove ogni minimo gesto è coreografato, a dimostrazione che dentro uno schema rigido c’è sempre margine per la creatività.

LIVE

60 min

52

CAT. A

lub Guy & Roni sind weit mehr als eine berühmte, internationale Tanzkompanie.

Sie bringen zugleich Tanz, lautstarke Konzerte, Sprachperformance und Multimedia auf die Bühne.

Eine freie, aggressive Körperlichkeit verleiht dem Club seine Einzigartigkeit.

Für TETRIS Mon Amour – bei Tanz Bozen erstmals in Italien gezeigt – arbeiten Guy Weizman und Roni Haver musikalisch mit Thijs De Vlieger von NOISIA zusammen, in der elektronischen Musik weltweit ein Begriff. De Vlieger zeichnet für die Komposition verantwortlich, die vom Slagwerk Den Haag live gespielt wird. Das Stück ist an das beliebte Videospiel Tetris angelehnt, das 1984 von dem russischen Programmierer Aleksej Leondovič Pažitnov als Logik- und Denkspiel erfunden und bald auf der ganzen Welt Kult wurde.

Es hatte zahllose Anhänger, darunter auch die Choreografin Roni Haver, die in diesem Stück ihre Liebe für das Videospiel erklärt „Bei Tetris geht es darum, herabfallende Bausteine zu lenken“, erklärt Roni, „genau wie im Leben auch: Wir müssen lernen, mit dem, was uns geschieht, umzugehen, bevor es ‚Game over‘ heißt.“ So entstand das spannungsgeladene Tanz-Konzert TETRIS Mon Amour, das bis in die kleinste Bewegung durchchoreografiert ist.

Doch selbst in einem so strengen Regelwerk bleibt noch Raum für Kreativität.

“ Patterns are being

performed with breathtaking synchronicity driven by the music which literally is one long energyloaded dance track. ” Theaterkrant

30.07.

TOVEL (AKA MATTEO FRANCESCHINI) The Circle

“T

he Circle è una performance elettronica che lavora su micro-frammenti tratti da alcuni dei più celebri balletti classici. Partendo da antiche (e quasi introvabili) registrazioni su vinile, la composizione riporta alla luce microscopiche sequenze grazie al “crate digging”, la pratica di scavare letteralmente tra pile di vinili per trovare il sample perfetto da campionare, tecnica che rivoluzionò lo stile hip hop e la cultura musicale negli anni ’90. Il live set si presenta come un “quaderno d’appunti” e raccoglie all’interno di un’unica arcata narrativa diverse immagini musicali, gesti sonori e figure espressive. Esse appaiono come una successione organizzata di eventi in una sorta di coreografia invisibile, un pas de deux tra passato e presente, tra scrittura orchestrale ed elettronica. Il materiale di partenza è costantemente trasformato (attraverso l’applicazione di diversi trattamenti informatici) al fine di decostruirlo e per riportare ogni singolo frammento evocato al loro status di scintilla creativa. È proprio a questa ‘luce’, che alimenta costantemente il lavoro di ogni compositore, che ho voluto dare voce.”

„T

he Circle ist eine elektronische Performance, die mit Mikrofragmenten aus einigen der berühmtesten klassischen Ballette arbeitet. Ausgehend von uralten (inzwischen fast unauffindbaren) Vinyl-Aufnahmen bringt die Komposition neue Musiksequenzen ans Tageslicht. Dies tut sie mittels „Crate Digging“, einer Praxis, in der man sich buchstäblich durch Stapel von Vinyl wühlt, um das perfekte Sample zu finden – eine Technik, die den Hip-Hop und die Musikkultur in den 90er Jahren revolutionierte.

Das Live-Set gleicht einem „Notizbuch“ und versammelt innerhalb eines einzigen Erzählbogens verschiedene musikalische Bilder, Klänge und Ausdrucksfiguren. Sie erscheinen als eine durchdachte Abfolge von Ereignissen, wie eine unsichtbare Choreografie, einem Pas de deux zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen orchestraler und elektronischer Musik.

Das Ausgangsmaterial wird kontinuierlich am Computer verändert und dekonstruiert, um jedem einzelnen Fragment einen Funken Kreativität zu verleihen. Genau diesem ‘Funken’, der die Arbeit eines jeden Komponisten nährt, wollte ich Ausdruck verleihen.“

Matteo Franceschini

30.07. ore 22.30 Uhr Parco dei Cappuccini, Bolzano | Kapuzinergarten, Bozen 30 min

54

gratuito previa prenotazione kostenlos mit vorheriger Reservierung

© Jacopo Salvi

SWANS NEVER DIE E

ra il 1905 quando Anna Pavlova, ballerina del Teatro Mariinskij di San Pietroburgo, domandò al coreografo Mikhail Fokin un assolo per un Gala privato. Fokin scelse il brano n.13 del Carnevale degli animali di Camille Saint-Saëns e Il cigno (così inizialmente si intitolava) debuttò al Mariinsky il 22 dicembre del 1907. L’assolo fu interpretato da Pavlova per 26 anni fino al termine dei suoi giorni e nel 1913 prese il nome di La morte del cigno. Quattro minuti intensissimi, di consapevole agonia sulla commovente melodia che ‘dice’ della morte di un uccello solitario dal volto femminile.

Ambìto brano da gala, La morte del cigno è stato traghettato intatto nel XXI secolo, sebbene non siano mancate negli anni riletture parodistiche Ballets Trockadero de Montecarlo, ad esempio – o versioni con movenze jookin come quella di Lil Buck. Il progetto di Emanuele Masi per il Festival 2021 muove dall’idea di rimetterne in azione l’essenza dell’iconico assolo attraverso

le estetiche di oggi e la danza contemporanea, lasciando agli autori libertà nella durata e nella scelta musicale. Radhouane El Meddeb, Olivier Dubois, Club Guy & Roni, Silvia Gribaudi, Kor’sia, Chiara Bersani, Camilla Monga, oltre ai sedici coreografi messi in campo dalla Gauthier Dance per il ciclo live e video The Dying Swan Project (Mauro Bigonzetti, Bridget Breiner, Virginie Brunelle, Kinsun Chan, Edward Clug, Dominique Dumais, Andonis Foniadakis, Itzik Galili, Eric Gauthier, Smadar Goshen, Anita Hanke, Guillaume Hulot, Nicki Liszta, Kevin O’Day, Elisabeth Schilling) hanno ripensato il brano.

> IL FESTIVAL BOLZANO DANZA È PARTNER DELLA RETE “SWANS NEVER DIE”

VOLTA ALLA CREAZIONE DI CONTENUTI CULTURALI ORIGINALI ATTORNO AL CELEBRE ASSOLO. | DAS FESTIVAL TANZ BOZEN IST PARTNER DES NATIONALEN NETZWERKES „SWANS NEVER DIE“ | DAS SICH ZUM ZIEL GESETZT HAT, ORIGINELLE KULTURELLE INHALTE RUND UM DAS BERÜHMTE SOLO DER STERBENDE SCHWAN ZU FÖRDERN.

56

E

s war im Jahr 1905, als Anna Pawlowa, Ballerina am Mariinskij-Theater von St. Petersburg, den Choreografen Michel Fokine um ein Solo für eine private Wohltätigkeitsgala bat. Fokine wählte dafür den 13. Satz aus Camille Saint-Saëns‘ Karneval der Tiere. Am 22. Dezember 1907 hatte Der Schwan – so lautete der ursprüngliche Titel des Stücks – am Mariinskij-Theater Premiere.

Pavlova tanzte das Solo, das 1913 in Der sterbende Schwan umbenannt wurde, 26 Jahre lang, bis zu ihrem Lebensende. In nur vier atemberaubenden Minuten erzählt diese bewegende Melodie vom Todeskampf eines einsamen Vogels mit weiblichem Antlitz. Unbeschadet überdauerte das beliebte Salonstück die Zeit bis ins 21. Jahrhundert, es entstanden auch einige Parodien, etwa von den Ballets Trockadero de Montecarlo oder durch den afroamerikanischen Tänzer Lil Buck, der es zur Street-Dance-Version mit Jooking-Moves umgestaltete. Das von Emanuele Masi für Tanz

Bozen 2021 kreierte Projekt wurde aus der Idee geboren, die Essenz des legendären Originals in einer modernen Ästhetik zu zeigen und in zeitgenössischen Tanz zu übersetzen.

Dabei ließ er den ausgewählten Autoren bei der Länge und der Wahl der Musikbegleitung freie Hand. Radhouane El Meddeb, Olivier Dubois, Club Guy & Roni, Silvia Gribaudi, Kor’sia, Chiara Bersani, Camilla Monga, sowie sechzehn Choreografen, die von Gauthier Dance für den Zyklus The Dying Swan Project rekrutiert wurden und das Stück live und per Video neu erten: Mauro Bigonzetti, Bridget Breiner, Virginie Brunelle, Kinsun Chan, Edward Clug, Dominique Dumais, Andonis Foniadakis, Itzik Galili, Eric Gauthier, Smadar Goshen, Anita Hanke, Guillaume Hulot, Nicki Liszta, Kevin O’Day, Elisabeth Schilling.

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16.07.

KOR’SIA Swan

■ P R IM A ASSOLU TA | URAUFFÜHRUNG

S

wan è un brano che fa luce sulla ricerca che coniuga l’arte coreografica con le scienze naturali e sociali interrogandosi sui modi di abitare e percepire l’ambiente. Un’installazione site specific per Bolzano Danza 2021 che vuole demonizzare il comportamento umano nell’era dell’Antropocene. L’uomo, artefice dello sfruttamento delle risorse dell’ecosistema, che porta all’estinzione di animali, piante e al progressivo riscaldamento globale, è chiamato a rispondere delle proprie azioni. L’obiettivo è generare una riflessione attraverso un gesto, condiviso dall’intera comunità, carico di empatia, sensibilità e attenzione, come simbolo di una nuova rinascita.

16.07. ore 23 Uhr Parco dei Cappuccini, Bolzano | Kapuzinergarten, Bozen 15 min gratuito previa prenotazione kostenlos mit vorheriger Reservierung 58

S

wan ist ein Stück, das unsere Aufmerksamkeit auf die Schnittstelle von Choreografie, Naturwissenschaften und Sozialwissenschaften lenken möchte und dazu anregt, über unsere Lebensweise und unsere Umwelt nachzudenken. Die ortsgebundene Installation im Auftrag von Tanz Bozen verurteilt das Verhalten des Menschen. Der Mensch als Ausbeuter der Ressourcen seines Ökosystems, als Verantwortlicher für das Aussterben von Tieren und Pflanzen sowie die fortschreitende Erderwärmung, wird aufgefordert, für sein Handeln geradezustehen. Mattia Russo und Antonio De Rosa schlagen vor, dies anhand einer gemeinsamen Geste zu tun, die Empathie, Feingefühl und Achtsamkeit vermittelt und zum Symbol eines Neuanfangs wird.

Coreografia | Choreografie Mattia Russo, Antonio de Rosa Drammaturgia | Dramaturgie Giuseppe Dagostino Interpretazione | Darsteller*innen Angela Dematté, Giuseppe Dagostino Costumi | Kostüme Kor’sia Musica | Musik Camille Saint-Saëns Commissionato da Bolzano Danza nell’ambito della rete | eine Auftragsarbeit von Tanz Bozen im Rahmen des Netzwerks

17.07.

GAUTHIER DANCE// DANCE COMPANY THEATERHAUS STUTTGART

The Dying Swans Live Experience T

he Dying Swans Live Experience è uno spettacolo teatrale ispirato al progetto digitale e live sulla Morte del cigno pensato da Eric Gauthier durante la pandemia per i suoi sedici danzatori. Un omaggio al leggendario assolo di Mikhail Fokin per Pavlova da guardarsi in chiave contemporanea con autori di punta di oggi. Nella serata verranno presentati alcuni assoli creati per The Dying Swans Project (scelti tra i 16 creati per ciascun danzatore della Gauthier Dance) ma ci sarà anche la versione originale interpretata in punta e dichiarazioni video di famose étoiles come Polina Semionova e Diana Vishneva.

Maestro di cerimonia della serata Eric Gauthier.

T

he Dying Swans Live Experience ist eine Bühnenshow, die aus dem digital umgesetzten The Dying Swans Project hervorging, konzipiert von Eric Gauthier für seine sechzehn Ensemblemitglieder als Antwort auf eine Tourneeabsage während der Corona-Pandemie. Für die Hommage an Michel Fokines legendäres Solo für Anna Pawlowa haben 16 führende Choreografen und Choreografinnen Den sterbenden Schwan neu interpretiert. Zu sehen sind an diesem Abend neben einer Auswahl aus den 16 Neufassungen (live oder auf Leinwand) auch eine Adaption der historischen Choreografie von Eric Gauthier, getanzt in Spitzenschuhen von einer Tänzerin der Kompanie, sowie mehrere Videobotschaften berühmter Ballettstars wie Polina Semionova oder Diana Vishneva. Durch den Abend führt Eric Gauthier als Zeremonienmeister.

© Jeanette Bak

17.07. ore 21 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Studio | Stadttheater Bozen, Studio max 80 min CAT. A

Produzione | Produktion Gauthier Dance// Dance Company Theaterhaus Stuttgart In cooperation with Ludwigsburger Schlossfestspiele Set in motion by „be a mover“, Daimler AG Idea, concetto | Idee, Konzept Eric Gauthier Graphic & motion design Studio Bewegtbildgrafik Music & sound Victoria Hillestad // [sic]-studios Coproduzione | Koproduktion Les Théâtres de la Ville de Luxembourg (L), Festival Bolzano Danza | Tanz Bozen, Holland Dance Festival, Bürgerzentrum Waiblingen, ZDF/3sat Presentato da Bolzano Danza nell’ambito della rete | präsentiert von Tanz Bozen im Rahmen des Netzwerks

59

20.07.

OLIVIER DUBOIS Swan Blast

■ P R IM A ASSOLU TA | URAUFFÜHRUNG

A

rtista dirompente, presenza carismatica sulla scena, Olivier Dubois è famoso anche per i suoi assoli. Il pubblico di Bolzano Danza lo ricorda senz’altro in My body of coming forth by day, visto nell’edizione 2019. Ora, su commissione del Festival, ripensa la fokiniana Morte del cigno e la interpreta.

Nessun dettaglio della creazione, ma un titolo, Swan Blast (Esplosione del cigno), che di per sé è un programma. Le sorprese non mancheranno in perfetto stile Dubois.

D

er charismatische Bühnenkünstler Olivier Dubois ist u. a. für seine Soli bekannt.

Der ein oder andere Zuschauer mag sich an die Ausgabe 2019 erinnern und den unvergesslichen Abend mit My body of coming forth by day im Bozner Merkantilgebäude. Inspiriert von Fokines Originalstück interpretiert Dubois den sterbenden Schwan im Auftrag unseres Festivals neu.

Viel will der Choreograf über diese Uraufführung nicht preisgeben. Nur so viel: der Titel ist Programm Swan Blast (Schwanenexplosion).

Und ganz im Stil des französischen Ikonoklasten wird es an Überraschungen nicht fehlen.

© François Stemmer

20.07. ore 20 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Studio | Stadttheater Bozen, Studio max 15 min CAT. B

60

Coreografia, interpretazione Choreografie, Interpretation Olivier Dubois

Commissionato da Bolzano Danza nell’ambito della rete | eine Auftragsarbeit von Tanz Bozen im Rahmen des Netzwerks

Con il supporto di | mit Unterstützung von AMBASSADE DE FRANCE EN ITALIE

22.07.

RADHOUANE EL MEDDEB

Les cygnes sont morts!

■ P R I M A ASSOLU TA | URAUFFÜHRUNG

“A

migliaia annegano, uomini, donne, bambini.

A migliaia trovano la morte in questo mar Mediterraneo che sembra tanto accogliente. Donne, bambini, ragazzi alla ricerca di un lavoro, di un rifugio, scappando dalla guerra, dalle violenze, dalla repressione e dalla dittatura, una terra divenuta impossibile da lavorare, una terra inghiottita dalle acque, debiti che gravano sulle loro famiglie. Si imbarcano, attraversano il deserto, le città per arenarsi sulle rive del Mediterraneo. La loro unica speranza è questo specchio d’acqua. Io li vedo come dei cigni, degli uccelli bianchi che si distaccano dagli abissi e lottano per tenere alta la testa. Affrontano una morte indegna, spaventosa, crudele, una morte ingiusta che li colpisce di corsa quando si sono lasciati tutto alle spalle. I miei cigni, quelli che voglio danzare, lottano per mantenere la testa fuori dall’acqua, combattono a loro modo per la libertà e la dignità, lontani dagli slogan e dalle battaglie di strada sono impegnati in una guerra all’ultimo sangue. Danzo per loro, sento l’urgenza di render loro omaggio e celebrarli, coloro che sono stati inghiottiti dal mio Mediterraneo.

I cigni, sono morti”.

„S

ie ertrinken zu Tausenden, Männer, Frauen, Kinder. Zu Tausenden finden sie den Tod im Mittelmeer, das doch eigentlich so harmlos erscheint.

Frauen, Kinder, junge Männer auf der Suche nach Arbeit, nach einem Zufluchtsort. Sie flüchten vor Krieg, Gewalt, Unterdrückung und Diktatur, aus Ländern, in denen es keine Arbeit gibt, wo das Wasser die Erde verschlingt oder wo Schulden die Familien erdrücken. Sie machen sich auf den Weg, durchqueren Wüsten und Städte, bis sie die Küsten des Mittelmeeres erreichen. Ihre einzige Hoffnung ist diese spiegelnde Wasserfläche. Für mich sind diese Menschen wie Schwäne, weiße Vögel, die die Ruinen ihres Lebens hinter sich lassen und nur noch dafür kämpfen, den Kopf hochzuhalten. Vor ihnen liegt ein schrecklicher, grausamer Tod ohne Würde, ein ungerechter Tod, der sie aus dem Hinterhalt überfällt, nachdem sie alles zurücklassen mussten. Die Schwäne, die ich tanze, versuchen mit aller Kraft, den Kopf über Wasser zu halten, kämpfen auf ihre Art für Freiheit und Würde. Weit weg von Propaganda und Straßenschlachten sind sie in ihren eigenen Kampf um Leben und Tod verwickelt. Ich tanze für sie, weil ich finde, dass es höchste Zeit ist, ihnen ein Denkmal zu setzen und all die Menschen zu ehren, die mein Mittelmeer verschluckt hat. Die Schwäne sind tot.“ Radhouane El Meddeb

© Radhouane El Meddeb

22.07. ore 19.30 + 20.15 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Foyer | Stadttheater Bozen, Foyer

max 15 min CAT. B

Coreografia | Choreografie Radhouane El Meddeb Sound design Jonathan Reig Musica | Musik Camille Saint-Saëns Costumi | Kostüme EKJO Produzione | Produktion La Compagnie de SOI

Commissionato da Bolzano Danza nell’ambito della rete | eine Auftragsarbeit von Tanz Bozen im Rahmen des Netzwerks

Con il supporto di | mit Unterstützung von AMBASSADE DE FRANCE EN ITALIE 61

23.07.

24.07.

SILVIA GRIBAUDI & MARGHERITA LANDI Swan - VR moving bodies

C

ome possiamo vivere ai nostri giorni l’atto rivoluzionario compiuto da Mikhail Fokin e Anna Pavlova agli albori del Novecento con La morte del cigno? A questa domanda le coreografe Silvia Gribaudi e Margherita Landi provano a rispondere con SWAN – VR moving bodies, un viaggio esperienziale alla scoperta di uno spazio virtuale, tra ironia, fragilità e grazia. Un atto poetico di trasformazione dissacrante e liberatorio riservato a cinque spettatori alla volta, accompagnati a vivere un’azione intima e immersiva con visori VR.

W

ie können wir heute den revolutionären Aspekt, der im historischen Stück Der sterbende Schwan steckt, wiederaufleben lassen?

Diese Frage stellten sich die beiden Choreografinnen Silvia Gribaudi und Margherita Landi. Ihre Antwort darauf ist der Erlebnisparcours SWAN – VR moving bodies. Die Künstlerinnen laden das Publikum auf eine Entdeckungsreise des virtuellen Raumes ein.

Ein poetischer Akt entmythisierender, befreiender Verwandlung, der jeweils fünf Zuschauern für eine halbe Stunde vorbehalten ist, die sich mithilfe von Virtual Reality-Brillen auf eine intime und immersive Reise begeben dürfen.

Orari | Uhrzeiten

© Nuri Rashid

23. + 24.07. ore 15-20 Uhr NOI Techpark DIGITAL

15.00-15.30 16.30-17.00 18.30-19.00 15.30-16.00 17.30-18.00 19.00-19.30 16.00-16.30 18.00-18.30 19.30-20.00

gratuito previa prenotazione kostenlos mit vorheriger Reservierung

Video VR Margherita Landi Performer Silvia Gribaudi Commissionato da Bolzano Danza nell’ambito della rete | eine Auftragsarbeit von Tanz Bozen im Rahmen des Netzwerks

In collaborazione con | in Zusammenarbeit mit

62

24.07.

25.07.

SILVIA GRIBAUDI & MARGHERITA LANDI Inner Swan - Workshop

I

nner Swan è un progetto realizzato da Bolzano Danza in collaborazione con La Strada-Der Weg, onlus bolzanina impegnata su più fronti del sociale.

Si tratta di un laboratorio intergenerazionale condotto da Silvia Gribaudi e Margherita Landi.

A coppie o in gruppo, con l’ausilio delle tecnologie VR, i partecipanti esploreranno il movimento e creeranno una danza immersi nelle immagini proposte dai loro visori.

I

n Zusammenarbeit mit der gemeinnützigen Organisation La Strada-Der Weg initiierte Tanz Bozen unter der Leitung von Silvia Gribaudi und Margherita Landi den Workshop Inner Swan für einer Gruppe von Menschen unterschiedlichen Alters. Zu zweit oder in Gruppen erforschen die Teilnehmer und Teilnehmerinnen die Welt der Bewegungen und erarbeiten mit Hilfe von Virtual Reality-Brillen ihre eigene Choreografie.

© Nuri Rashid

24. + 25.07. ore 10 -12 Uhr Parco delle Semirurali, Bolzano | Semiruralipark, Bozen DIGITAL

120 min

gratuito previa prenotazione kostenlos mit vorheriger Reservierung Prenotazione via email | Vormerkung via E-Mail cooltour@lastrada-derweg.org

Commissionato da Bolzano Danza nell’ambito della rete | eine Auftragsarbeit von Tanz Bozen im Rahmen des Netzwerks

In collaborazione con | in Zusammenarbeit mit

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26.07.

SILVIA GRIBAUDI Peso Piuma

“I

n 15 minuti, insieme al pubblico, ripeto la ricerca dell’intimità del corpo, l’abbandono ad esso. Un ricostruire nuovi movimenti, con fatica e felicità, a partire dalle immagini delle iconiche braccia e del collo spezzato di Anna Pavlova. Cerco di partire dal mio corpo con quei passi che danno slancio dentro alla caduta. È un cadere per rialzarsi”

„I

n 15 Minuten mache ich mich gemeinsam mit dem Publikum auf die Suche nach dem Innersten des Körpers, nach dem Vertrauen in den Körper. Es ist eine Rekonstruktion von neuen Bewegungen, Anstrengung und Glücksgefühlen zugleich. Ausgangspunkt sind für mich die unvergesslichen Bilder von diesen Armen und dem gebrochenen Hals des Sterbenden Schwans, Bilder, die Anna Pawlowa zur Legende machten. Ich versuche, meinen eigenen Körper hinter mir zu lassen, im Fallen, mit immer schneller werdenden Schritten. Es ist ein Fallen, um dann wieder aufzustehen“ Silvia Gribaudi

© Alice Pozzoli

26.07. ore 19.30 + 20.15 Uhr Parco dei Cappuccini, Bolzano | Kapuzinergarten, Bozen

15 min

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CAT. B

Coreografia, interpretazione | Choreografie, Interpretation Silvia Gribaudi Commissionato nell’ambito della rete | eine Auftragsarbeit im Rahmen des Netzwerks

28.07.

CLUB GUY & RONI The Dying Swan

U

n assolo esistente nel repertorio di Club Guy & Roni intorno a un cigno morente, non necessariamente di colore bianco. Si ispira al finale di Swan Lake the Game - dove Čajkovskij e SaintSaëns si incontrano e si mischiano con disinvoltura - questa lontana citazione dell’assolo della Pavlova, un’operazione inconsueta e curiosa.

28.07. ore 20 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Studio | Stadttheater Bozen, Studio LIVE

10 min

CAT. B

C

lub Guy & Roni schuf ein Solo für Tanz Bozen, das sich zwar auch um einen sterbenden, wenn auch nicht unbedingt um einen weißen Schwan dreht. Das Stück lehnt sich an das Finale von Swan Lake The Game an, wo Tschaikowsky und Saint-Saëns aufeinandertreffen und sich ganz ungezwungen miteinander vermengen.

Diese entfernte Anlehnung an das PawlowaSolo verspricht einen spannenden Abend.

Coroegrafia | Choreografie Roni Haver, Guy Weizman Testo | Text Rik van den Bos Set design Ascon de Nijs Costume design MAISON the FAUX Lighting design Maarten van Rossem Danzatrice | Tänzerin Sofiko Nachkebiya Pianoforte | Pianist Jochem Braat Presentato da Bolzano Danza nell’ambito della rete | präsentiert von Tanz Bozen im Rahmen des Netzwerks

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29.07.

CHIARA BERSANI L’Animale

L’

animale è fermo.

L’animale è una casa.

L’animale è un monumento ai caduti.

L’animale è caduto?

No. L’animale era sotto al tavolo quando tutto cadeva.

L’animale viaggia?

No. Ci sono troppi detriti. Potrebbe ferirsi.

Più di così?

Più di così si muore.

L’animale sente i fantasmi.

L’animale ha scelto loro.

Se lo vuoi incontrare, l’animale, devi chiedere permesso.

D

as Tier bewegt sich nicht.

Das Tier ist ein Haus.

Das Tier ist ein Gefallenendenkmal.

Ist das Tier gefallen?

Nein. Das Tier war unter dem Tisch, als alles fiel.

Zieht das Tier weiter?

Nein. Zu viele Trümmer. Es könnte sich verletzen.

Noch mehr?

Noch mehr und es stirbt.

Das Tier sieht Geister.

Das Tier hat sie selbst ausgewählt.

Wer es treffen will, das Tier, muss um Erlaubnis fragen.

Chiara Bersani

© G. Agostino

29.07. ore 19.30 + 20.15 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Foyer | Stadttheater Bozen, Foyer max 15 min

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CAT. B

Coreografia | Choreografie Chiara Bersani Commissionato nell’ambito della rete | eine Auftragsarbeit im Rahmen des Netzwerkes

30.07.

CAMILLA MONGA Swaën

L

A

28.07. ore 20 Uhr Teatro Comunale di Bolzano, Studio | Stadttheater Bozen, Studio

Coreografia, interpretazione | Choreografie, Interpretation Camilla Monga Musica live Filippo Vignato, Emanuele Maniscalco Commissionato nell’ambito della rete | eine Auftragsarbeit im Rahmen des Netzwerks

a creazione di Camilla Monga parte da una sinestesia artistica, quella tra danza e musica, che diventa crasi nel titolo scelto: Swaën, unione del sostantivo Swan (cigno in inglese) e parte del cognome dell’autore delle musiche utilizzate per la composizione originale del balletto: Saint-Saëns. Ecco allora Swaën, versione trio jazz tra improvvisazione e struttura condotto dalla danzatrice in dialogo con il trombonista Filippo Vignato e il polistrumentista Emanuele Maniscalco, autori di una riscrittura del celeberrimo brano n.13 del Carnivale degli Animali su cui si innesta l’abilità improvvisativa.

LIVE

max 15 min

usgangspunkt von Camilla Mongas Beitrag ist eine Wortschöpfung, in der sich auch die künstlerische Synthese zwischen Tanz und Musik widerspiegelt: Der Titel Swaën setzt sich aus dem Nomen Swan und einem Teil des Familiennamens des Komponisten der Originalmusik des Balletts vom Sterbenden Schwan zusammen, Camille Saint-Saëns. Die Jazz-Trio-Version von Swaën ist ein Dialog der Interpretin Camilla Monga mit dem Jazz-Posaunisten Filippo Vignato und dem Multiinstrumentalisten Emanuele Maniscalco, deren neu arrangierte Partitur das Original durchscheinen lässt und gleichzeitig Raum für Improvisation lässt.

CAT. B 67

U-Game The Dying Swans Project U

-Game è un’esperienza di gioco interattivo che vede come scenario il quartiere Don Bosco di Bolzano. Un trekking urbano nel corso del quale i partecipanti incapperanno in contenuti culturali e innovativi attraverso QR code.

Dal 1° al 31 luglio, Bolzano Danza diventa protagonista di U-Game con il progetto Dying Swans e la messa in visione del pubblico di 10 diverse versioni, dalle ambientazioni più disparate, de La Morte del cigno pensate per la Gauthier Dance di Stoccarda da coreografi di fama internazionale. Come si gioca a U-Game?

Nel quartiere Don Bosco sono stati posizionati dei pannelli con un codice QR:con il cellulare si procede alla scansione del codice che reindirizzerà l’utente alla visione dei contenuti multimediali.

Semplicissimo! Non resta che andare a cercare i pannelli e guardare gli assoli.

1-31.07.

Quartiere Don Bosco, Bolzano | Don Bosco-Viertel, Bozen

gratuito | kostenlos

68

Produzione | Produktion Gauthier Dance// Dance Company Theaterhaus Stuttgart Set in motion by „be a mover“, Daimler AG Idea, concetto | Idee, Konzept Eric Gauthier Graphic & motion design Studio Bewegtbildgrafik Music & sound Victoria Hillestad // [sic]-studios

U

-Game ist ein interaktives Urban Trekking, das zum Erkunden des Don-Bosco-Viertels einlädt.

Die Teilnehmer und Teilnehmerinnen stoßen dabei immer wieder auf QR-Codes, darunter verbergen sich Videoinhalte, die mittels App abgerufen werden. Tanz Bozen stellt im Zeitraum vom 1. bis 31. Juli unter dem Motto The Dying Swans zehn Tanzvideos für diesen digitalen Parcours zur Verfügung, die auf dem eigenen Smarthphone abgerufen werden können. Die Choreografien sind zeitgenössische Interpretationen des sterbenden Schwans, die von internationalen ChoreografieGrößen für die Kompanie Gauthier Dance // Dance Company Theaterhaus Stuttgart im Rahmen der Initiative The Dying Swans Project kreiert wurden.

Wie funktioniert U-Game?

Im Don Bosco-Viertel werden Schilder angebracht, unter denen sich ein QR-Code verbirgt. Scannt man diesen mit dem Handy ein, wird man zu den Videos weitergeleitet. Also machen Sie sich auf die Suche nach den 10 Schwänen!

Coproduzione | Koproduktion Les Théâtres de la Ville de Luxembourg (L), Ludwigsburger Schlossfestspiele, Festival Bolzano Danza | Tanz Bozen, Holland Dance Festival, Bürgerzentrum Waiblingen, ZDF/3sat

Presentato da Bolzano Danza nell’ambito della rete | präsentiert von Tanz Bozen im Rahmen des Netzwerks

In collaborazione con | in Zusammenarbeit mit

I VIDEO DA SCOPRIRE | FOLGENDE VIDEOS GILT ES ZU ENTDECKEN 1. SMADAR GOSHEN Kamme - COOLtour 2. VIRGINIE BRUNELLE Off white Piazza - Don Bosco | Don Bosco-Platz

3. EDWARD CLUG Drops - Cubo Garutti 4. NICKI LISZTA Oblong Blur - Pista Zero

5. KINSUN CHAN Silent Swan Piazzetta Anne Frank | Anne Frank-Platz

6. GUILLAUME HULOT Swanny side of life Condominio Green, Casanova | Kaiserau

7. DOMINIQUE DUMAIS Fallen Wings Passaggio della Memoria | Passage der Erinnerung

8. ERIC GAUTHIER Covid Cage Collina dei Saggi Hügel der Weisen

9. KEVIN O’DAY We were many Piazza Montessori | Montessori-Platz

10. ANITA HANKE Taleb Theory Parco delle Semirurali | Semiruralipark

69

Ven | Fr

16.07.

Teatro Comunale | Stadttheater / ore 21 Uhr

GAUTHIER DANCE // DANCE COMPANY THEATERHAUS STUTTGART / Swan Lakes Cor. | Chor. Marie Chouinard, Marco Goecke, Hofesh Shechter, Cayetano Soto

CAT. A

■ PRIMA ITALIANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG

Parco dei Cappuccini | Kapuzinergarten / ore 23 Uhr

KOR ’SI A / Swan Cor. | Chor. Mattia Russo, Antonio de Rosa

FREE

■ PRI MA ASSOLUTA | URAUFFÜHRUN G

Sab | Sa

17.07.

Cantina Kettmeir, Caldaro | Kellerei Kettmeir, Kaltern / ore 18 + 20 Uhr

COLLETTIVO CINETICO / DIALOGO TERZO: IN A LANDSCAPE Cor. | Chor. Alessandro Sciarroni

CAT. B

■ M U SI CA DAL V IVO | L IV EMUSIK

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 21 Uhr

GAUTHIER DANCE // DANCE COMPANY THEATERHAUS STUTTGART The Dying Swans Live Experience

CAT. A

■ PRIMA ITALIANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG

Dom | So

18.07.

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 20 Uhr

MM CONTEMPORARY DANCE COMPANY / Duo d’Eden Cor. | Chor. Maguy Marin Teatro Comunale | Stadttheater / ore 21 Uhr

KOR’SIA / Giselle Cor. | Chor. Mattia Russo, Antonio de Rosa

CAT. B

FREE

CAT. A

■ PRIMA ITALIANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG

Lun | Mo

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 21 Uhr

Mar | Di

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 20 Uhr

19.07.

20.07.

SHAHAR BINYAMINI / Evolve Cor. | Chor. Shahar Binyamini OLIVIER DUBOIS / Swan Blast Cor. | Chor. Olivier Dubois

CAT. A

CAT. B

■ PRI MA ASSOLUTA | URAUFFÜHRUN G

Teatro Comunale | Stadttheater / ore 21 Uhr

CCN - BALLET DE LORRAINE / Come out Cor. | Chor. Olivier Dubois

CAT. A

■ PRI MA ITAL IANA | ITAL IENISCHE ERSTAUFF ÜH RUN G

Parco Cappuccini | Kapuzinergarten / ore 22.30 Uhr

CLUB GUY & RONI / Swan Lake the Game Cor. | Chor. Roni Haver, Guy Weizman

DIGITALL

CAT. B

■ PRI MA ITAL IANA | ITAL IENISCHE ERSTAUFF ÜH RUN G

Mer | Mi

Fondazione Antonio Dalle Nogare, Bolzano | Stiftung Antonio Dalle Nogare, Bozen / ore 21 Uhr

Gio | Do

Teatro Comunale, Foyer | Stadttheater, Foyer / ore 19.30 + 20.15 Uhr

21.07.

22.07.

COD / COMPAGNIE OLIVIER DUBOIS / Prêt à baiser Cor. | Chor. Olivier Dubois RADHOUANE EL MEDDEB / Les cygnes sont morts!

Cor. | Chor. Radhouane El Meddeb

FREE

CAT. B

■ PRI MA ASSOLUTA | URAUFFÜHRUN G

Teatro Comunale | Stadttheater / ore 21 Uhr

BALLET NATIONAL DE MARSEILLE - (LA)HORDE Childs Carvalho Lasseindra Doherty Cor. | Chor. Lucinda Childs, Tânia Carvalho, Lasseindra Ninja, Oona Doherty

CAT. A

■ PRIMA ITALIANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG

Ven | Fr

23.07.

NOI Techpark / ore 15-20 Uhr

DIGITALL

SILVIA GRIBAUDI & MARGHERITA LANDI / Swan – VR moving bodies

FREE

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 21 Uhr

CAT. A

JACOB GÓMEZ / Meohadim Cor. | Chor. Jacob Gómez ■ PRI MA ASSOLUTA | URAUFFÜH RUNG

Sab | Sa

24.07.

Parco delle Semirurali | Semiruralipark / ore 10-12 Uhr

DIGITALL

SILVIA GRIBAUDI & MARGHERITA LANDI / Inner Swan – Workshop

FREE

NOI Techpark / ore 15-20 Uhr

DIGITALL

SILVIA GRIBAUDI & MARGHERITA LANDI / Swan – VR moving bodies

FREE

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 20 Uhr

CAT. B (escl. ABO)

DanceWorks Cor. | Chor. Alex Frei, Audrey van Herck ■ M U SICA DAL V IVO | L IV EMUSIK

Teatro Comunale | Stadttheater / ore 21 Uhr

CAT. A

ALESSANDRO SCIARRONI / FOLK-S_Will you still love me tomorrow?

Cor. | Chor. Alessandro Sciarroni Dom | So

DIGITALL

25.07.

Parco delle Semirurali | Semiruralipark / ore 10-12 Uhr

SILVIA GRIBAUDI & MARGHERITA LANDI / Inner Swan – Workshop

FREE

Lun | Mo

Parco Cappuccini | Kapuzinergarten / ore 19.30 + 20.15 Uhr

CAT. B

26.07.

SILVIA GRIBAUDI / Peso Piuma Cor. | Chor. Silvia Gribaudi Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 21 Uhr

CAT. A

LALI AYGUADÉ COMPANY / Hidden Cor. | Chor. Lali Ayguadé e gli interpreti / und die Darsteller*innen ■ PRIMA ITALIANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG

Mar | Di

Parco delle Semirurali | Semiruralipark / ore 21 Uhr

Mer | Mi

Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 20 Uhr

27.07.

28.07.

FREE

SILVIA GRIBAUDI / Graces Cor. | Chor. Silvia Gribaudi CAT. B

CLUB GUY & RONI / The Dying Swan Cor. | Chor. Roni Haver, Guy Weizman ■ PRIMA ITALIANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG ■ M USICA DA L VIVO | LIVE M USIK

Teatro Comunale | Stadttheater / ore 21 Uhr

CAT. A

LA COMPAGNIE DE SOI / MICOMPAÑIA / ORCHESTRA HAYDN ORCHESTER Requiem (Sià Karà) Cor. | Chor. Radhouane El Meddeb ■ PRI MA ASSOLUTA | URAUFFÜHRUN G ■ M USICA DA L VIVO | LIVE M USIK

Gio | Do

29.07.

Museion / ore 18.00 Uhr

FREE

MARIA HASSABI / Untitled (2021) Teatro Comunale, Foyer | Stadttheater, Foyer / ore 19.30 + 20.15 Uhr

CAT. B

CHIARA BERSANI / L’Animale Cor. | Chor. Chiara Bersani Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 21 Uhr

CAT. A

MARCO D’AGOSTIN / BEST REGARDS Cor. | Chor. Marco D’Agostin Ven | Fr

30.07.

Museion / ore 18 Uhr

FREE

MARIA HASSABI / Untitled (2021) Teatro Comunale, Studio | Stadttheater, Studio / ore 20 Uhr

CAT. B

CAMILLA MONGA / Swaën Cor. | Chor. Camilla Monga ■ M U SICA DAL V IVO | L IV EMUSIK

Teatro Comunale | Stadttheater / ore 21 Uhr

CAT. A

Club Guy & Roni / TETRIS Mon amour Cor. | Chor. Roni Haver ■ PRIMA ITALIANA | ITALIENISCHE ERSTAUFFÜHRUNG ■ M USICA DA L VIVO | LIVE M USIK

Parco dei Cappuccini | Kapuzinergarten / ore 22.30 Uhr

LIVE SETL

TOVEL (AKA MATTEO FRENCESCHINI) / Live Set: The Circle

FREE

■ M U SICA DAL V IVO | L IV EMUSIK

Abbonamenti | Abonnements

Biglietti singoli | Einzeltickets

ABOCARD 120 € (under 35: 95 €) 12 spettacoli di cat A. + 8 di cat. B (escl. DanceWorks) 12 Aufführungen Cat. A + 8 Cat. B (ausgen. DanceWorks)

Spettacoli | Aufführungen CAT. A

ABO6 80 € (under 35: 60 €) 6 spettacoli a scelta di cat A. + 2 di a scelta cat. B (escl. DanceWorks) 6 Aufführungen der Cat. A nach Wahl + 2 Cat. B nach Wahl (escl. DanceWorks)

Spettacoli | Aufführungen CAT. B

ABO3 50 € (under 35: 40 €) 3 spettacoli a scelta di cat A. + 1 di cat. B a scelta (escl.

DanceWorks) 3 Aufführungen der Cat. A nach Wahl + 1 Cat. B nach Wahl (escl. DanceWorks) ABOCLASS 30 € Pass corsisti: 7 spettacoli in Sala Grande Pass Kursteilnehmer*innen: 7 Aufführungen im Großen Saal

22 €

Riduzioni per | Ermäßigungen für under 12 (3 €), corsisti | Kursteilnehmer*innen (8 €), under 35 (16 €), over 65 (20€)

5€

Riduzioni per | Ermäßigungen für under 12 (3 €)

Eventi gratuiti | Kostenlose Veranstaltungen Per partecipare agli spettacoli gratuiti è necessario prenotare via mail o telefonicamente al Teatro Comunale di Bolzano. | Der Besuch von kostenlosen Veranstaltungen muss im Stadttheater Bozen via E-Mail oder telefonisch vorgemerkt werden.

Biglietteria | Theaterkasse Teatro Comunale Piazza Verdi 40, Bolzano Stadttheater Verdiplatz 40, Bozen Mar | Di – Ven | Fr

Sab | Sa Dom | So – Lun | Mo Lun | Mo 19.07. & 26.07.

ore 11–14 Uhr ore 17–19 Uhr ore 11–14 Uhr chiuso | geschlossen aperto | geöffnet

Tel. +39 0471 053800 | info@ticket.bz.it | www.tanzbozen.it

ONLINE

Vendita online / Onlinetickets www.ticket.bz.it

Nei giorni di spettacolo la biglietteria è aperta un’ora prima dell’inizio dell’evento.

Zusätzlich ist die Theaterkasse jeweils eine Stunde vor Vorstellungsbeginn geöffnet.

Si avvisano gli spettatori che nel rispetto delle norme anti Covid la capienza delle sale di spettacolo è ridotta del 50% Consigliamo di prenotare con anticipo i biglietti.

Wir weisen daraufhin, dass aufgrund der Präventionsmaßnahmen die Zuschauerkapazitäten unserer Veranstaltungsstätten um 50% reduziert wurden.

Wir empfehlen daher, Karten rechtzeitig zu reservieren.

Mecenati Art Bonus | Art Bonus-Mäzenen

STIFTUNG SÜDTIROLER SPARKASSE FONDAZIONE CASSA DI RISPARMIO DI BOLZANO

Sostenitori | Förderer

Partner AMBASSADE DE FRANCE EN ITALIE

Il Festival Bolzano Danza è partner della rete “Swans never die” | Das Festival Tanz Bozen ist Partner des nationalen Netzwerkes „Swans vever die“

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