Todo cuanto sueño o pierdo. Maestros del vintage (1903 - 1991)

TODO CUANTO SUEÑO O PIERDO MAESTROS DEL VINTAGE (1903 - 1991)

09.01.2020 – 29.02.2020

La galería Blanca Berlín inicia el nuevo año con una exposición integrada por más de cincuenta copias vintage y de época de diez reconocidos fotógrafos españoles: “Todo cuanto sueño o pierdo. Maestros del vintage (1903 – 1991)”.

Autores: Ortiz Echagüe, Bartolomé Ros, Nicolás Muller, Gabriel Cualladó, Eugeni Forcano, Oriol Maspons, Ricard Terré, Perez Siquier, Ramón Masats, Toni Catany Todo cuanto sueño o pierdo, Que pronto cae o muere en mí, Es como una terraza que mira Hacia otra cosa más allá.

(Fernando Pessoa) Todo cuanto sueño o pierdo es una exposición colectiva que reúne a una decena de los fotógrafos históricos españoles más relevantes del siglo XX: Ortiz Echagüe (1886-1980), Bartolomé Ros (1906-1974), Nicolás Muller (1913-2000), Gabriel Cualladó (1925-2003), Eugeni Forcano (1926-2018), Oriol Maspons (1928-2013), Ricard Terré (1928-2009), Carlos Pérez Siquier (1930), Ramón Masats (1931) y Toni Catany (1942-2013).

Reunir a tan notable grupo de fotógrafos resulta una tarea compleja al alcance de escasas galerías del ámbito privado, pero no es menos excepcional conseguir copias vintage o de época de cada uno de ellos. En algunos casos se trata de simples impresiones de trabajo cuya finalidad inicial no fue la de ser expuestas, pero que ahora se han convertido en objetos de deseo para los coleccionistas de fotografía de todo el planeta. La fotografía vintage se cotiza en el mundo del arte.

Para el que no esté familiarizado con el significado del término, vintage es aquella copia realizada o aprobada por el propio fotógrafo pocos años después de la realización del negativo. Algunos expertos fijan este período en cinco años, otros lo amplían hasta los ocho años. Sin embargo, cuando se trata de copias muy antiguas cuya fecha de impresión quedó indeterminada tras el fallecimiento de su autor, en ocasiones, también se les puede aplicar el término vintage .

Los procesos fotográficos empleados en las instantáneas expuestas son diversos: impresión al carbón directo (Fresson), gelatina de plata, cibachrome, falso calotipo, virados….Cada uno de estas copias vintage es una pequeña rareza, en ocasiones enriquecida por la firma del autor, las anotaciones y sellos en el reverso, las dedicatorias, el montaje original….Pudiera parecer que el deterioro físico desvaloriza la copia, pero si a esas malas condiciones se le suman factores como la unicidad, la escasez o la rúbrica, su valor aumenta drásticamente a ojos del coleccionista experto.

La temática es diversa, aunque el conjunto de las cincuenta fotografías expuestas nos sitúa ante la dimensión histórica y cotidiana de nuestro país en el siglo XX, ante el “instante capturado” por un linaje de fotógrafos innovadores a quienes la galería Blanca Berlín ha reunido por su capacidad de reflexión visual, su talento fotográfico, y su sugestiva manera de mostrar ante el mundo una época ya extinguida, grabada para siempre en la memoria colectiva por el poder evocador de la imagen.

Blanca Berlín Gallery starts the new year with an exhibition of more than fifty vintage and photographies printed in the period by ten of the most renowned Spanish photographers: “Todo cuanto sueño o pierdo. Maestros del vintage (1903 – 1991)”.

Todo cuanto sueño o pierdo. Maestros del vintage (1903 – 1991) Photographers: Ortiz Echagüe, Bartolomé Ros, Nicolás Muller, Gabriel Cualladó, Eugeni Forcano, Oriol Maspons, Ricard Terré, Perez Siquier, Ramón Masats, Toni Catany Todo cuanto sueño o pierdo, Que pronto cae o muere en mí, Es como una terraza que mira Hacia otra cosa más allá.

(Fernando Pessoa)

Todo cuanto sueño o pierdo is a group show that brings together ten of the 20th century most recognized Spanish historical photographers: Ortiz Echagüe (1886-1980), Bartolomé Ros (1906-1974), Nicolás Muller (1913-2000), Gabriel Cualladó (1925-2003), Eugeni Forcano (1926-2018), Oriol Maspons (1928-2013), Ricard Terré (1928-2009), Carlos Pérez Siquier (1930), Ramón Masats (1931) and Toni Catany (1942-2013 ).

Gathering such a remarkable group of photographers is a complex task within the reach of only a few private galleries, but it is no less exceptional to find vintage or antique copies of each of them. In some cases, they are unpretentious prints whose initial purpose was not that of being exhibited, but which have now become objects of desire for photo collectors across the globe. Vintage photography is very appreciated in the art world.

For those who are not familiar with the meaning of the term, “vintage” is a copy printed (or whose print has been approved by the photographer himself) only a few years after the shooting of the negative. Some experts set this period at five years, while others extend it to eight. However, when it comes to old copies whose printing date was undetermined, sometimes, the term vintage can also be applied.

The photographic processes used in the exhibited images are diverse: direct carbon printing (Fresson), silver gelatin, cibachrome print, false calotype... Each of these vintage copies is a sort of a jewel, sometimes enriched by the author's signature, annotations and stamps on the back, dedications, original mounting ... It may seem that the physical deterioration would devalue the copy, but if a print presents conditions such as scarcity or rubric, its value increases drastically in the eyes of the connoisseur collector.

There is a diverse set of themes, although the selection of the fifty exhibited photographs shows the historical and daily dimension of a country, Spain, in the twentieth century. Blanca Berlín Gallery has gathered a lineage of innovative photographers with a great capacity for visual reflection, photographic talent, and a suggestive way of showing to the world an era already extinct, kept forever in the collective memory by the evocative power of the image.

ORTIZ ECHAGÜE (Guadalajara 1886 - Madrid 1980) Fue considerado en 1935 como uno de los tres mejores fotógrafos del mundo, según la revista American Photography. En palabras del artista y crítico Joan Fontcuberta: “Es imposible categorizar la obra de Ortiz Echague en los parámetros académicos de que disponemos. Como espectadores, es obvio que entabla con nosotros dos diálogos superpuestos. Por un lado, nos propone una lectura estética: gozar directamente de esas imágenes refinadas, admirar la maestría de sus cualidades formales y técnicas, sumergirse en su ficción épica. Por otro lado, una segunda lectura más analítica pero no menos fascinante, nos confronta con cuestiones incómodas sobre nuestra identidad e historias, sobre las políticas de la representación, sobre el dogmatismo autoritario de las vanguardias, o sobre la fragilidad de los discursos culturales, artísticos y científicos dominantes.” (*) Teniendo en cuenta la época histórica de su corpus de trabajo (su profesión era la de ingeniero militar -en el ejercicio de la cual fundó dos importantes empresas españolas CASA y SEAT- su dedicación a la fotografía tuvo un carácter amateur, según él mismo solía puntualizar), es comprensible que se le situara bajo la etiqueta de fotógrafo pictorialista (**), movimiento muy denostado entre los fotógrafos documentalistas y que el propio Ortiz Echagüe rechazaba: “Debo decir que aborrezco toda intervención que tienda a la imitación pictórica”, aunque en su fotografía se puede adivinar la influencia de las pinturas de Zuloaga o Zurbarán.

Con sus imágenes persiguió documentar una realidad costumbrista y cultural cuya desaparición comenzaba a vislumbrarse tras el cambio de siglo, y lo hizo con un virtuosismo formal especialmente remarcable por el sistema empleado en su positivado: el carbón directo o Fresson. Cuando el papel Fresson comenzaba a escasear, Ortiz Echagüe compró la patente y la máquina para fabricarlo. En este proceso, las copias fotográficas se obtienen colocando el papel pigmentado en contacto con un negativo. Al exponerlo a la luz, la gelatina se solidifica en función de la cantidad de luz recibida.

Después, vuelve a ponerse en contacto con otro papel impregnado en gelatina insoluble y ambos se sumergen en agua; como consecuencia la gelatina permite la transferencia de la imagen a la otra hoja en forma de relieve. Al utilizarse pigmentos en lugar de colorantes se consigue una impresión mucho más estable y permanente que cualquier otro método de positivado. Su vida útil es tan larga que el límite se sitúa en la vida útil del soporte utilizado.

NOTA IMPORTANTE: En esta exposición, todas las fotografías de Ortiz Echagüe son copias de autor y de época muy difíciles de encontrar en el mercado del arte, ya que su archivo se encuentra casi íntegramente depositado en el Museo Universidad de Navarra, a excepción de contadas impresiones como las que se muestran en esta ocasión. Todas las obras van acompañadas del Certificado de Autenticidad firmado por el Legado del artista. Para ver otras obras, consultar a la galería. https://www.blancaberlingaleria.com/portfolios/ortiz-echague/ (*) Del libro “Ortiz Echagüe”. Tf. Editores – La Fábrica, 1998 (**) El pictorialismo es un movimiento fotográfico de pretensiones artísticas que se desarrolla a nivel mundial entre finales de los años 1880 y 1920.

ORTIZ ECHAGÜE (Guadalajara 1886 - Madrid 1980) In 1935 he was considered one of the three best photographers in the world, according to the American Photography magazine. In the words of the artist and art critic Joan Fontcuberta: “It is impossible to categorize Ortiz Echague's work in the academic parameters we have. As spectators, it is obvious that he has two overlapping dialogues with us. On one hand, he proposes an aesthetic reading: enjoy these refined images directly, admire the mastery of their formal and technical qualities, immerse themselves in their epic fiction. But on the other hand, a second more analytical but no less fascinating reading confronts us with uncomfortable questions about our identity and stories, about the politics of representation, about the authoritarian dogmatism of the avant-garde, or about the fragility of cultural, artistic discourses and dominant scientists. ”(*) Taking into account his historical era it is understandable that he was placed under the label of a pictorialist photographer (**), a movement that was very dense among documentary photographers and that Ortiz Echagüe himself rejected: “I must say that I hate any intervention that leads to pictorial imitation”, although in his photography you can guess the influence of the paintings of Zuloaga or Zurbarán.

With his images he sought to document a traditional and cultural reality whose disappearance began to be seen after the turn of the century, and he did so with a formal virtuosity especially remarkable for the way he used to print: direct charcoal or Fresson technique. When Fresson paper began to run out, Ortiz Echagüe bought the patent and the machine in order to keep making it. In this process, photographic prints are obtained by placing the pigmented paper in contact with a negative. When exposed to light, the gelatin solidifies based on the amount of light received. Then, it comes back into contact with another paper impregnated in insoluble jelly and both are immersed in water; As a consequence, the jelly allows the transfer of the image to the other sheet in relief. When pigments are used instead of dyes, a much more stable and permanent impression is achieved than any other method of positivity. Its useful life is so long that the limit is placed in the useful life of the used support.

IMPORTANT NOTE: In this exhibition, all Ortiz Echagüe's photographs are author made vintage prints, very difficult to find in the art market since their archive is almost entirely deposited in the University of Navarra Museum, with the exception of counted prints like the ones shown on this occasion. To see other works, please contact the gallery.

(*) From the book "Ortiz Echagüe". Tf. Editors - La Fábrica, 1998 (**) Pictorialism is a photographic movement of artistic pretensions that develops worldwide between the late 1880s and 1920s. The name of the movement derives from the English term picture (image, picture, painting, photography) and not paint (painting), which is why it is wrong to talk about pictorial or pictorial photography, terms that would come to refer to academic photography, a current that is very related to painting.

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Moro al viento (JOE00012) 1909 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson)l printed by artist. Signed on verso.

56 x 40 cm.

Ed.: Vintage

Nota: Ésta es una de las imágenes más famosas de Ortiz Echagüe. Fue tomada nada más llegar a Marruecos donde estuvo destinado entre 1909 y 1916; allí realizó una colección de fotografías que sería el embrión de toda su obra posterior.

Lagartera (JOE00020) 1903 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson)l printed by artist. Signed on verso.

27 x 37 cm Ed.: Vintage

Monjes Cartujos (JOE00024) 1945 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson)l printed by artist. Signed on verso.

30 x 44,5 cm Ed.: Vintage

Viejo chistulari (JOE00025) 1935 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson)l printed by artist. Signed on verso.

58 x 42 cm Ed.: Vintage

Lino de duelo en Orio (JOE00026) ca.1925 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson)l printed by artist. Signed on verso.

57,5 x 44,5 cm Ed.: Vintage

El idolillo (JOE00027) 1925 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson)l printed by artist. Signed on verso.

55,5 x 41 cm Ed.: Vintage

Viejo rabenero (JOE00029) ca. 1925 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson)l printed by artist. Signed on verso.

53 x 39 cm Ed.: Vintage

Aguadores de Mequiner (JOE00030) ca. 1909 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson)l printed by artist. Signed on verso.

43 x 54 cm Ed.: Vintage

Regreso a Ávila (JOE00031) 1916 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson) printed by artist. Signed on verso.

Ed.: Vintage

Velez Polanco (JOE00036) ca. 1940 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson) printed by artist. Signed on verso.

37 x 58 cm Ed.: Vintage

En Guisando (JOE00038) ca. 1904 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson) printed by artist. Signed on verso.

35 x 45 cm Ed.: Vintage

Lavatorio cartujo (JOE00039) ca. 1945 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson) printed by artist. Signed on verso.

31 x 45 cm Ed.: Vintage

Remero vasco (JOE00041) 1931 Carbón directo (Proceso Fresson) positivado por el artista. Firmado en el reverso. / Direct charcoal (Fresson) printed by artist. Signed on verso.

50 x 40 cm Ed.: Vintage

BARTOLOMÉ ROS (Cartagena 1906 – Madrid 1974) El legado fotográfico de Bartolomé Ros recorre un período histórico que comienza en las postrimerías de la guerra de Marruecos y el inicio de la dictadura de Primo de Rivera y finaliza en la época previa al golpe militar contra la II República en Marruecos. Su cámara recogió las visitas al protectorado español de personajes ilustres, los encuentros entre Franco y Millán Astray y otros momentos que documentan la historia española de aquella época.

Ros hizo fotografías para poder vivir. Según Alejandro Castellote, “su etapa como fotógrafo no responde a un apremio vocacional; son trabajos realizados con el prurito de los trabajadores que respetan su oficio” En esos primeros años que van de 1918 a 1929, desarrolla su actividad como fotógrafo y documenta la sociedad civil y militar de Ceuta y de la Zona del Protectorado español en Marruecos.

En 1929 funda Casa Ros en Ceuta, dedicada a la importación y venta de aparatos fotográficos y fonográficos y que supone el punto de partida de su singladura empresarial, que lleva a su máximo desarrollo abriendo en Madrid en 1963, con la ayuda de su hijo Alberto, un laboratorio fotográfico que dio servicio a profesionales y aficionados de toda España.

Tras su fallecimiento en 1974, su hija Rosa Ros emprende la difícil tarea de búsqueda, catalogación y digitalización del archivo de su padre, algo que solo podía emprender alguien que fuera capaz de comprender y compartir su filosofía de vida y su amor por la fotografía. En 1999, Rosa creó y dotó el Premio Bartolomé Ros, que se otorga anualmente, en memoria del fotógrafo y en el marco de PHotoEspaña, a personalidades españolas en reconocimiento a sus aportaciones al desarrollo de la fotografía.

NOTA IMPORTANTE: Las obras expuestas son copias vintage y de época. Existen también copias posteriores realizadas bajo la supervisión de Rosa Ros y firmadas por ella en representación de su Legado. Todas las fotografías de este autor, tanto las que están expuestas actualmente como las que aparecen en sus diversos libros, así como una selección mayor de vintages, están disponibles para su venta. Todas las obras van acompañadas del Certificado de Autenticidad firmado por el Legado del artista.

Consultar a la galería.

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BARTOLOMÉ ROS (Cartagena 1906 – Madrid 1974) The photographic legacy of Bartolomé Ros goes through an historical period that begins in the aftermath of the war in Morocco and the beginning of the dictatorship of Primo de Rivera in Spain; and it ends in the time before the military coup against the Second Republic in Morocco. His camera collected visits to the Spanish protectorate of illustrious characters, meetings between Franco and Millán Astray and other moments that document the Spanish history of that time.

Ros took pictures in order to survive. According to Alejandro Castellote, “his stage as a photographer does not respond to a vocational constraint; they are works carried out with the pruritus of workers who respected their trade ”In those first years that go from 1918 to 1929, he develops his activity as a photographer and documents the civil and military society of Ceuta and the Spanish Protectorate Zone in Morocco”.

In 1929 he founded Casa Ros in Ceuta, dedicated to import and sell phonographic devices and which is the starting point of his business venture, which leads to its maximum development opening in Madrid in 1963, with the help of his son Alberto, a photographic laboratory that served professionals and amateur photographers from all over Spain.

After her death in 1974, her daughter Rosa Ros undertook the difficult task of searching, cataloging and digitizing all her father's file, something that could only be undertaken by someone who was able to understand and share her philosophy of life and her love for photography. In 1999, Rosa created and endowed the Bartolomé Ros Prize, which is awarded annually, in memory of the photographer and within the framework of PHotoEspaña, to Spanish personalities in recognition of their contributions to the development of photography.

IMPORTANT NOTE: The exhibited prints are all vintages. There are also later prints made in the gallery under the supervision of Rosa Ros and signed by herself on ther behalf of her father’s Legacy. Contact the gallery for more information.

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Campesinos (BAR00034) 1929 Gelatina de plata positivada por el autor / Silver gelatin printed by the author 19 x 25 cm Ed.: Vintage

Córdoba Revista National Geographic (BAR00035) 1929 Gelatina de plata positivada por el autor / Silver gelatin printed by the author 18 x 25 cm Ed.: Vintage

La Reina María de Rumanía (BAR00036) ca. 1926 Gelatina de plata positivada por el autor / Silver gelatin printed by the author 18 x 24 cm Ed.: Vintage

Legionarios. Maniobras, Tetuán (BAR00037) 1927 Gelatina de plata positivada por el autor / Silver gelatin printed by the author 18 x 24 cm Ed.: Vintage

Maniobras. Ceuta (BAR00038) ca. 1926 Gelatina de plata positivada por el autor / Silver gelatin printed by the author 12 x 18 cm Ed.: Vintage

Puerto de Ceuta (BAR00039) ca. 1926 Gelatina de plata positivada por el autor / Silver gelatin printed by the author 17 x 23 cm Ed.: Vintage

Puerto de Ceuta (BAR00040) ca. 1925 - 1930 Gelatina de plata positivada por el autor / Silver gelatin printed by the author 18 x 13 cm Ed.: Vintage

Rosa Amador (BAR00041) ca. 1932 Gelatina de plata positivada por el autor / Silver gelatin printed by the author 22 x 18 cm Ed.: Vintage

Alfonso XIII (BAR00042) 1927 Gelatina de plata positivada por el autor / Silver gelatin printed by the author 18 x 24 cm Ed.: Vintage

NICOLÁS MULLER (Hungría 1931 – Asturias 2000) Nicolás Muller, fotógrafo húngaro de origen judío, recaló en España en 1947, después de haber vivido en Viena y escapado a París tras la ocupación nazi. Su exilio le llevó a Portugal y Marruecos antes de abrir estudio en la madrileña calle Serrano y fijar su residencia en España hasta el momento de su muerte. Su obra contiene una poderosa influencia formal de la fotografía centroeuropea de entreguerras.

El azar no siempre es fortuito, en Muller es una consecuencia del reflejo de la realidad rescatado por su objetivo, un reflejo que capta, a través del robo al tiempo de milésimas de segundo, instantes mágicos en los que el fotógrafo fija su mirada para dar testimonio de la verdad fotográfica que conforma su fundamento expresivo. Compromiso con la actualidad de su tiempo, con sus habitantes y con el paisaje por el que transita el discurrir cotidiano. Una curiosidad infinita, una gran dosis de agudeza visual y mucha osadía guían su cámara en una dirección estética a la cual se ha ceñido con fidelidad notarial.

NOTA IMPORTANTE: En esta exposición se muestra una selección de sus vintages.

Existen también copias posteriores realizadas bajo la supervisión de su hija Ana Muller y firmadas por ella en representación de su Legado. Todas las fotografías de este autor, tanto las que están expuestas actualmente como las que aparecen en sus diversos libros, así como una selección mayor de vintages, están disponibles para su venta. Todas las obras van acompañadas del Certificado de Autenticidad firmado por el Legado del artista. Consultar a la galería.

https://www.blancaberlingaleria.com/portfolios/nicolas-muller/

NICOLÁS MULLER (Hungría 1931 – Asturias 2000) Nicolás Muller (hungarian photographer of Jewish origin) stood out in Spain in 1947, after having lived in Vienna and escaped to Paris after the Nazi occupation. His exile took him to Portugal and Morocco before opening his studio in Madrid and establishing his residence in Spain until his death. His work contains a powerful formal influence of Central European interwar photography.

In Muller’s work we can find his reflections of reality through magical moments in which he fixed his gaze in order to give testimony of the photographic truth that formed his very expressive foundation, as well as an infinite curiosity, a large dose of visual acuity and a lot of boldness, that guided his camera into an aesthetical direction.

IMPORTANT NOTE: This exhibition shows a selection of his vintages. There are also later prints made under the supervision of his daughter Ana Muller and signed by herself on the behalf of her father’s Legacy. Contact the gallery for more information.

https://www.blancaberlingaleria.com/portfolios/nicolas-muller/

Niños hungaros. Hungría (NMU00001.)

1.936 Gelatina de plata sobre cartón brillo positivada por el autor. Sello de tinta del artista en reverso / Gelatin silver printed by the author. Artist ink stamp on verso 9 x 11 cm Ed.: Vintage

Hungría, 1936 (NMU00002.)

1.936 Gelatina de plata sobre cartón brillo positivada por el autor. Sello de tinta del artista en reverso / Gelatin silver printed by the autor. Artist ink stamp on verso 11 x 9 cm Ed.: Vintage

El galgo y la modelo. Tanger (NMU00005.)

1.940 Gelatina de plata sobre cartón brillo positivada por el autor. Sello de tinta del artista en reverso / Gelatin silver printed by the author. Artist ink stamp on verso 24 x 18,5 cm Ed.: Vintage

Calle de Xaven. Marruecos (NMU00010.)

1.943 Gelatina de plata sobre cartón brillo positivada por el autor. Sello de tinta del artista en reverso / Gelatin silver printed by the author. Artist ink stamp on verso 25,5 x 20 cm Ed.: Vintage

Calle de Xaven. Marruecos (NMU00011.)

1943 Gelatina de plata sobre cartón brillo positivada por el autor. Sello de tinta del artista en reverso / Gelatin silver printed by the author. Artist ink stamp on verso 40 x 30 cm Ed.: Vintage

Mujeres sobre muro. Tanger (NMU00013.)

1942 Gelatina de plata sobre cartón brillo positivada por el autor. Sello de tinta del artista en reverso / Gelatin silver printed by the author. Artist ink stamp on verso 25,5 x 20,5 cm Ed.: Vintage

Madre con niños. Marruecos (NMU00015.)

1944 Gelatina de plata sobre cartón brillo positivada por el autor. Sello de tinta del artista en reverso / Gelatin silver printed by the author. Artist ink stamp on verso 20,5 x 25 cm Ed.: Vintage

Bailarina Tajara 2. Marruecos (NMU00022.)

1942 Gelatina de plata sobre cartón brillo positivada por el autor. Sello de tinta del artista en reverso / Gelatin silver printed by the author. Artist ink stamp on verso 30 x 24 cm Ed.: Vintage

GABRIEL CUALLADÓ (Massanassa 1925 – Madrid, 2003) El escritor Antonio Muñoz Molina en su artículo “El arte de la ausencia” se extrañaba de que alguien pudiera ser tan delicado en un país tan duro y tirante como el nuestro en aquella década de los cincuenta.

Gabriel Cualladó fue miembro de AFAL y cofundador del grupo La Palangana, antes de formar parte de la Escuela de Madrid. Fue premiado, entre otros reconocimientos, con el Premio Nacional de Fotografía y con la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su obra está presente en importantes colecciones públicas y privadas, nacionales e internacionales.

Su época de mayor actividad fueron las décadas de los 50 a los 70, aunque su carrera continuó siendo fecunda hasta poco antes de su fallecimiento, como demuestra el proyecto fotográfico Puntos de vista que se exhibió en el Museo Nacional Thyssen – Bornemisza pocos años antes de su muerte. En la actualidad, la muestra itinerante Homenaje a Gabriel Cualladó se expone en el IVAM de Valencia, tras su paso por la sala Canal de Isabel II de Madrid.

NOTA IMPORTANTE: Las obras que se muestran en la exposición son copias vintage realizadas por el autor. Muchas de las fotografías de este autor, tanto las que están expuestas actualmente como las que aparecen en sus diversos libros, así como una selección mayor de vintages, están disponibles para su venta. Todas las obras van acompañadas del Certificado de Autenticidad firmado por el Legado del artista. Para ver otras obras, consultar a la galería.

https://www.blancaberlingaleria.com/portfolios/gabriel-cuallado/

GABRIEL CUALLADÓ ((Massanassa 1925 – Madrid, 2003) In his article "The art of absence" the writer Antonio Muñoz Molina was surprised that someone could be as sensitive in a country as hard and tight as ours in the fifties.

Gabriel Cualladó was a member of the AFAL group and co-founder of the La Palangana before joining the La escuela (fotográfica) de Madrid. He was awarded, among other recognitions, with the National Photography Prize and the Gold Medal of the Circle of Fine Arts in Madrid. His work is present in important public and private, both national and international collections.

His period of greatest activity was the decades from the 50s to the 70s, although his career continued to be fruitful until shortly before his death, as evidenced by the photographic project Points of view that was exhibited at the Thyssen - Bornemisza National Museum a few years before his death. At present, the itinerant exhibition Homage to Gabriel Cualladó is exhibited at the IVAM in Valencia, after passing through the Canal de Isabel II in Madrid.

IMPORTANT NOTE: The works shown in the exhibition are vintage prints made by the author himself. To see other works, please contact the gallery.

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Anciana en la Estación de Atocha, Madrid, 1957 (GCU00006.001 1957 Gelatina de plata adherida a soporte de cartulina de época positivada por el autor en 1957. Sello de tinta del autor en reverso. / Silver gelatin mounted on antique cardboard printed by the author in 1957. Artist ink stamp on verso 60 x 39 cm.

Ed.: Vintage

Feliz año (GCU00009) 1959 Gelatina de plata adherida a soporte de cartulina de época positivada por el autor en 1957. Sello de tinta del autor en reverso. / Silver gelatin mounted on antique cardboard printed by the author in 1957. Artist ink stamp on verso 69 x 53 cm.

Ed.: Vintage

Niña Afal Valencia (GCU00031) 1957 Gelatina de plata adherida a soporte de cartulina de época positivada por el autor en 1957. Sello de tinta del autor en reverso. / Silver gelatin mounted on antique cardboard printed by the author in 1957. Artist ink stamp on verso 42 x 30 cm Ed.: Vintage

Gabriel con potranco Cangas de Onís (GCU00034) 1963 Gelatina de plata positivada por el autor. Sello de tinta del artista en reverso. / Silver gelatin printed by the author. Artist ink stamp on verso 44 x 28 cm Ed.: Vintage

Fifi Asturias (GCU00045) 1960 Gelatina de plata positivada por el autor. Sello de tinta del artista en reverso. / Silver gelatin printed by the author. Artist ink stamp on verso 30 x 24 cm Ed.: Vintage

Camarero (GCU00046) c. 1958 Gelatina de plata positivada por el autor. Sello de tinta del artista en reverso. / Silver gelatin printed by the author. Artist ink stamp on verso 30 x 40 cm Ed.: Vintage

Gitanilla (GCU00020) 1975 Gelatina de plata realizada por el autor en 1978 / Silver gelatin printed by the author in 1978 40 x 50 cm Ed.: Vintage

EUGENI FORCANO (Canet de mar, 1926 – 2018)

Autodidacta, fascinado por el poder de la imagen y la manera de captarla, la fotografía ha significado para Eugeni Forcano, más que una dedicación profesional, una gran pasión y una manera de entender la vida. Siendo muy joven ya realizaba reportajes de la vida local de Canet de Mar, donde montó su primer laboratorio fotográfico. De él dijo Jorge Rueda que, persiguiendo las luces, había conseguido fotografiar los suspiros.

Toda su obra está dotada de una mirada penetrante, sensible, apasionada e irónica.

Sus retratos en blanco y negro de la sociedad barcelonesa de los sesenta y setenta convirtieron a Forcano en uno de los referentes indiscutibles de la fotografía española del siglo XX y le hicieron merecedor de numerosos galardones, entre ellos, el Premio Nacional de Fotografía 2012.

En 2009 hizo donación de 650 positivos al Archivo Fotográfico de Barcelona. En 2011, la Casa Museu Domènech i Montaner, en Canet de Mar, inauguró un espacio permanente dedicado al creador catalán, que donó al centro 140 fotografías.

NOTA IMPORTANTE: En esta exposición se muestra una selección de sus vintages.

Existen también copias posteriores realizadas y firmadas por el artista. Numerosas fotografías de Eugeni Forcano, tanto las que están expuestas actualmente como las que aparecen en sus diversos libros, así como una selección mayor de vintages, están disponibles para su venta. Todas las obras van acompañadas del Certificado de Autenticidad firmado por el Legado del artista. Consultar a la galería.

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EUGENI FORCANO (Canet de mar, 1926 – 2018)

Photography has meant to Eugeni Forcano more than a professional dedication, a great passion and a way of understanding life. Being very young, he was already making reports on the local life of Canet de Mar, where he set up his first photographic laboratory.

His black and white portraits of the Barcelona society of the sixties and seventies made him one of the undisputed references of Spanish photography of the twentieth century and made him deserving of numerous awards, including the 2012 National Photography Prize.

In 2009 he donated 650 positives to the Photographic Archive of Barcelona. In 2011, the Museu Domènech i Montaner House, in Canet de Mar, opened a permanent space dedicated to the Catalan creator, who donated 140 photographs to the center.

IMPORTANT NOTE: This exhibition shows a selection of his vintages. There are also later prints made and signed by the artist. Contact the gallery for more information.

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La mirada insondable (EUF00029) 1963 Gelatina de plata con tratamiento de archivo positivado por el autor. Firmada y datada en el reverso / Silver gelatin with archival treatment printed by the author. Signed and dated on verso 60 x 50 cm Ed.: Vintage

Las dos moradas (EUF00030) 1962 Gelatina de plata con tratamiento de archivo positivado por el autor. Firmada y datada en el reverso / Silver gelatin with archival treatment printed by the author. Signed and dated on verso 60 x 50 cm Ed.: Vintage

Mi paloma de la paz (EUF00031) 1962 Gelatina de plata con tratamiento de archivo positivado por el autor. Firmada y datada en el reverso / Silver gelatin with archival treatment printed by the author. Signed and dated on verso 60 x 50 cm Ed.: Vintage

¿Cómo entender la muerte tan temprano? (EUF00032) 1963 Gelatina de plata con tratamiento de archivo positivado por el autor. Firmada y datada en el reverso / Silver gelatin with archival treatment printed by the author. Signed and dated on verso 60 x 50 cm Ed.: Vintage

ORIOL MASPONS (Barcelona, 1928-2013) En el obituario que Laura Terré, historiadora e investigadora de fotografía, escribió para El País tras la muerte de Oriol Maspons, afirma que “[…] no solo fue un excelente fotógrafo, sino el teórico más relevante, dinamizador y experimentador, que alimentó con sus ideas a toda una generación de fotógrafos: la llamada generación de oro de los años cincuenta y sesenta. […] “La fotografía es solo una: la buena fotografía”, afirmaba, y demostrarlo en aquellos duros tiempos de la dictadura (inexistencia de prensa gráfica, escasez de publicidad, conservadurismo de las editoriales, censura oficial...) fue su objetivo constante. En vez de dramatizar o propagar panfletos, Maspons hizo de su trabajo profesional y de su literatura sobre la fotografía un espacio de ironía, frescura conceptual y vitalidad de estilo, que supo contagiar a sus amigos fotógrafos de entonces. […] Y más allá a profesionales y artistas de todos los ámbitos de aquella gauche divine de los años setenta, una tribu de la que también fue gurú. […] Su currículum es largo, variado e interesante, como corresponde a una persona longeva y ávida de experiencias. Fue pionero en el reconocimiento internacional cuando en 1958 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le adquirió tres fotografías para su fondo permanente, así como el primer español representado en el Photography Annual americano de 1959.

NOTA IMPORTANTE: En esta exposición se muestra una selección de sus vintages.

Existen también copias posteriores realizadas y firmadas por el artista. Numerosas fotografías de Oriol Maspons, tanto las que están expuestas actualmente como las que aparecen en sus diversos libros, así como una selección mayor de vintages, están disponibles para su venta. Todas las obras van acompañadas del Certificado de Autenticidad firmado por el Legado del artista. Consultar a la galería.

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ORIOL MASPONS (Barcelona, 1928-2013) In the obituary that Laura Terré, historian and researcher of photography, wrote for El País after the death of Oriol Maspons, she affirmed that […] he was not just an excellent photographer, but the most relevant theoretician, dynamizer and experimenter, who fed with his ideas to a whole generation of photographers: the so-called gold generation of the fifties and sixties. [...]

“There is only one photography: good photography," he said and demonstrated it in those hard times of the Spanish dictatorship. Instead of dramatizing or propagating pamphlets, Maspons made his professional work and his literature about photography a space of irony, conceptual freshness and vitality of style, which he was able to infect his photographic friends at the time. [...]

His curriculum is long, varied and interesting, as corresponds to a long-lived person full of experiences. He pioneered international recognition in 1958 when the Museum of Modern Art in New York acquired three photographs for his permanent fund, as well as the first Spanish represented in the American Photography Annual of 1959.

IMPORTANT NOTE: The photographs shown are vintage prints made by the author himself. To see other works, please contact the gallery.

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Calle Poeta Cabañas (MAS00001) c. 1950 Gelatina de plata positivada por el autor. Anotaciones y sello de tinta en el reverso. / Silver gelatin printed by the autor. Inscriptions and ink stamp on verso 23,4 x 17 cm Ed.: Vintage

Ciclista (MAS00003) 1963 Gelatina de plata positivada por el autor. Anotaciones y pegatina artista en reverso / Silver gelatin printed by the author. Inscriptions and artist sticker on verso 30 x 23 cm Ed.: Vintage

Gary Cooper en la película Love in the afternoon de Billy Wilder (MAS00004) 1957 Gelatina de plata positivada por el autor. Titulada por el artista en reverso / Silver gelatin printed by the autor. Titled by artist on verso 21 x 29 cm Ed.: Vintage

Dalí, usted es el artista (MAS00005) Gelatina de plata positivada por el autor. Firmada, datada y titulada en reverso/ Silver gelatin printed by the autor. Signed, dated and titled on verso 23,5 x 17,5 cm Ed.: Vintage

Elefante (MAS00006) 1967 Gelatina de plata positivada por el autor. Firmada, datada y titulada en reverso/ Silver gelatin printed by the autor. Signed, dated and titled on verso 21 x 17,5 cm Ed.: Vintage

Hippies en Ibiza (MAS00007) 1978 Gelatina de plata positivada por el autor en 1993. Firmada, titulada, datada y anotaciones por el artista en reverso / Silver gelatin printed by the autor in 1993.

Signed, titled, dated and inscribed by artist on verso 29 x 22 cm Ed.: Copia de época / Print of the period

Jeanette cazadora de abejas (MAS00008) 1967 Gelatina de plata sobre papel RC positivada por el autor. Titulada, firmada y datada en anverso / Silver gelatin on RC paper printed by the author. Titled, signed and dated on verso 30 x 24 cm Ed.: Vintage

La patada (MAS00009) 1967 Gelatina de plata positivada por el autor. Firmada, titulada, datada y anotaciones por el artista en reverso / Silver gelatin printed by the autor. Signed, titled, dated and inscribed by artista on verso 30 x 24 cm Ed.: Vintage

Niño (MAS00010) Gelatina de plata positivada por el autor. Firmada y datada en reverso / Silver gelatin printed by the author. Signed and dated on verso 9 x 12 cm Ed.: Vintage

Nudismo no (MAS00011) 1979 Gelatina de plata positivada por el autor. Firmada, titulada, datada y anotaciones por el artista en reverso / Silver gelatin printed by the autor. Signed, titled, dated and inscribed by artista on verso 16,5 x 23 cm Ed.: Vintage

RICARD TERRÉ (Sant Boi de Llobregat 1928- Vigo 2009) La obra de Ricard Terré es breve pero intensa. Se alarga entre la década de 1950 y los primeros años del nuevo milenio, aunque la coherencia de sus temas y su manera moderna de trasportarlos al blanco y negro no tengan apenas transición. El tiempo y el lugar no le interesan. Se centra en la emoción que transmiten sus imágenes y en la empatía que puedan causar los personajes retratados. Busca las escenas en entornos dramatizados en los que las personas se disfrazan y ritualizan actitudes para poder enfrentarse a preguntas trascendentales. La infancia y la muerte son sus temas. Sus territorios tan distantes en la geografía ibérica como Cataluña, Galicia y Portugal. La plástica de Terré es reconocible y en eso se ha esforzado mediante una selección rigurosa de sus tomas, la composición y los contrastes del blanco y negro, así como una fuerza gráfica cercana al cartelismo.

Para los fotógrafos de la generación de posguerra el material fotográfico era caro y escaso. Solamente hacían copias de aquellas imágenes que eran de su entero gusto.

No desperdiciaban el papel. Para comprender el interés que guardaban sus negativos recién revelados, llevaban a cabo pequeñas copias, a veces poco más grandes que los contactos. Estas copias se guardaban en los cajones como borradores de ideas, antes de decidirse por la realización de una copia en grande para exposición. En el caso de Ricard Terré, fueron muy pocas las ocasiones de mostrar sus fotografías con grandes copias. Pero incluso aquellas que llevó a cabo se han perdido en su práctica totalidad debido a los traslados. Solo nos quedan de aquella época las pequeñas copias de prueba que él mismo realizaba en su laboratorio.

(Laura Terré, 2019)

NOTA IMPORTANTE: Las fotografías que se muestran en esta exposición son rarezas del archivo de Ricard Terré. Copias de primera factura en las que su autor ensayaba encuadres y contrastes, todas de su primer período creativo. Los tirajes son buenos y el estado de conservación el normal para su uso como pruebas de artista. Todas las fotografías de este autor, tanto las que están expuestas actualmente como las que aparecen en sus diversos libros, así como una selección mayor de vintages, están disponibles para su venta. Todas las obras van acompañadas del Certificado de Autenticidad firmado por el Legado del artista. Consultar a la galería.

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RICARD TERRÉ (Sant Boi de Llobregat 1928- Vigo 2009) For photographers of the postwar generation, photographic material was expensive and scarce. They only made copies of those images that they wer too sure about. They could not afford waste paper. To understand the interest of their newly revealed negatives, they made small prints, sometimes little larger than the contacts. These copies were kept in drawers as drafts of ideas, before deciding to make a large print for exhibition.

In the case of Ricard Terré, there were very few chances of showing his photographs with large sizes. But even those carried out have been lost in their entirety due to transfers. We only have from that time the small proof prints that he himself made in his laboratory.

(Laura Terré, 2019)

IMPORTANT NOTE: The photographs shown in this exhibition are oddities of Ricard Terré’s archive. Prints in which the author rehearsed frames and contrasts, all of his first creative period. To see other works, please contact the gallery.

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Semana Santa, Barcelona (RIC00017) 1957 Gelatina de plata sobre cartulina positivada por el autor en 1957. Sello de tinta del artista en reverso / Silver gelatin on cardboard printed by the author in 1957. Artist ink stamp on verso 17 x 12 cm Ed.: Vintage único / Vintage monoprint

Nota: Esta copia fue realizada en 1957 con un cuidado especial, tras el que se percibe la maestría de Terré en el manejo del laboratorio. Como acabado, la adherió a un cartón rígido, lo que denota su importancia, quizá para presentarla en una exposición o para una preselección dentro de la serie. Se trata del retrato de un personaje bien conocido en la iconografía de Ricard Terré, fotografiado una tarde de Jueves Santo en Barcelona, durante la procesión que fue origen de la serie de Semana Santa por la que se conoce a este autor. Esta fotografía es inédita, también única, puesto que su autor no la volvió a positivar ni en esa fecha ni en ocasiones posteriores.

Constituye una rareza y para quien conozca la obra de Terre y el icónico retrato de la misma chica, en aquel caso sonriente, permite una lectura diferente de la escena y la comprensión de su manera de concretar las series.

Ballet, Barcelona (RIC00018) 1956 Gelatina de plata positivada por el autor en 1956. Sello de tinta del autor en reverso/ Silver gelatin printed by the autor in 1956. Artist ink stamp on verso 17,5 x 13 cm Ed.: Vintage

Nota: Se trata de una de las fotografías más conocidas de esta serie presentada por Terré en la Agrupación Fotográfica de Cataluña, dentro de la exposición TMMI. Es una copia realizada con un criterio expositivo.

Flamenco, Retrato de la Chunga (RIC00019) 1956 Gelatina de plata positivada por el autor en 1956. Sello de tinta del autor en reverso/ Silver gelatin printed by the autor in 1956. Artist ink stamp on verso 7,5 x 10 cm Ed.: Vintage

Nota: En 2005, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MNCARS adquirió la totalidad de esta serie en un formato similar.

Flamenco (grupo de guitarras y palmeros acompañando a La Chunga) (RIC00020) 1956 Gelatina de plata positivada por el autor en 1956. Sello de tinta del autor en reverso/ Silver gelatin printed by the autor in 1956. Artist ink stamp on verso 7,5 x 10 cm Ed.: Vintage

Nota: En 2005, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MNCARS adquirió la totalidad de esta serie en un formato similar.

Jazz. Sister Rosetta Tarpe (en concierto en Barcelona) (RIC00021) 1958 Gelatina de plata sobre papel Negtor esmaltado positivada por el autor en 1958. Sello de tinta del autor en reverso / Silver gelatin on Negtor enamelled paper printed by the author in 1958. Artist ink stamp on verso 24 x 18 cm Ed.: Vintage

Fogueteiro en Santa María de Ribarteme (RIC00023) 1960 Gelatina de plata sobre papel Negtor esmaltado positivada por el autor en 1960. Sello de tinta del autor en reverso / Silver gelatin on Negtor enamelled paperprinted by the author in 1960. Artist ink stamp on verso 23 x 9 cm Ed.: Vintage

Semana Santa, Barcelona (RIC00024) 1957 Gelatina de plata positivada por el autor en 1957. Sello de tinta del artista en reverso / Silver gelatin printed by the author in 1957. Artist ink stamp on verso 7,5 x 10 cm Ed.: Vintage único / Vintage monoprint

Nota: Copia de 1956 que fue realizada como prueba, poco más grande que un contacto. El negativo es de tamaño 6x6, pero su autor lo ha reencuadrado según el formato del papel standard. En esta imagen descubre el tema que le interesa en la mujer con una cruz, desenfocada, en la parte izquierda del negativo, y decide recortar su encuadre en las copias sucesivas. Por eso esta es una copia extraña e inédita, única del negativo completo.

CARLOS PÉREZ SIQUIER (Almería 1930) Pionero de la vanguardia fotográfica en España, en 1956 fue uno de los fundadores del grupo fotográfico "Afal" y de su revista (1956 - 1963), que reunió a los fotógrafos más significativos de su época, difundiendo la fotografía española fuera de sus fronteras y mostrando en el país la que se realizaba en el extranjero.

Como obra personal, en los años 50 realizó su primera serie fotográfica en el humilde barrio almeriense de La Chanca, documento humanista que fue referente como signo de signo de su autoridad en la España de la posguerra. A partir de los 60 empezó a experimentar con la fotografía en color, siendo considerado en Europa como un pionero de esta modalidad creativa. Su serie, La Playa, iniciada en los años 70, es el resultado de una mirada crítica y original que conecta con la estética pop. En ella, la ironía, la fragmentación y el erotismo son los protagonistas de un lenguaje muy moderno y personal, por lo que ha llegado a ser conocido en todo el mundo.

De él, excribió Martin Parr en 2013: “En la historia de la fotografía hay algunas imágenes tan radicales que la gente simplemente no sabe dónde situarlas. Las imágenes de playas de Carlos Pérez Siquier resultan ahora tan frescas como el día en que se tomaron, y no hay que olvidar el contexto de la fotografía contemporánea de ese momento, tanto en España como en Europa. Por entonces, a principios de los años setenta, Europa era todavía esclava de la fotografía en blanco y negro: para los profesionales serios, el color era patrimonio del mundo de la publicidad o de las fotografías instantáneas. En Estados Unidos hubo unos primeros intentos de la fotografía en color por hacerse un hueco en los museos, con gente de la categoría de William Eggleston y Stephen Shore, pero no antes de finales de la década.

Recuerdo haberle preguntado a Carlos si conocía obras de otros artistas coloristas o si los había estudiado y su respuesta fue un categórico “no”. Su trabajo no había recibido la influencia de ningún otro profesional. […] Me gustaría poder decir que su obra me influyó, pero lamentablemente yo todavía no había visto estas imágenes cuando empecé a fotografiar playas en color […] Si recuerdo, en cambio, la primera vez que las vi, hará unos quince años, cuando detuve mis pasos para contemplarlas, aunque entonces di por hecho que se trataba de un trabajo reciente. Me sorprendió comprobar que se habían realizado a principios de los setenta.”

En 2003 recibió el Premio Nacional de Fotografía y la Medalla de Oro de Andalucía; en 2005, el galardón Pablo Ruiz Picasso de Artes Plásticas; y en 2013, el Premio Bartolomé Ros de PHotoEspaña. Tiene obra en la colección permanente del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) y numerosas instituciones nacionales e internacionales. En 2017 la Fundación de Arte Ibáñez-Cosentino inauguró el Centro Pérez Siquier en Olula del Río, Almería, dedicado enteramente a su obra.

NOTA IMPORTANTE: Las obras expuestas son todas copias únicas vintage aprobadas y firmadas por el autor. Todas las fotografías de este autor, tanto las que están expuestas actualmente como las que aparecen en sus diversos libros, así como una selección mayor de vintages, están disponibles para su venta. Todas las obras van acompañadas del Certificado de Autenticidad firmado por el artista. Para otras obras, consultar a la galería

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CARLOS PÉREZ SIQUIER (Almería 1930) Pioneer of the photographic avant-garde in Spain, in 1956 he was one of the founders of the photographic group "Afal" and also of its magazine (1956 - 1963), which brought together the most significant photographers of his time, spreading Spanish photography outside its borders and showing in the country what was being done abroad.

As a personal work, in the 50s he made his first photographic series in the humble Almeria neighborhood of La Chanca, a humanist document that was a reference as a sign of his authority in post-war Spain. From the 60s he began to experiment with color photography, being considered in Europe a pioneer of this creative modality. His series La Playa started in the 70s and it is the result of a critical and original look that connects with pop aesthetics. In it, irony, fragmentation and eroticism are the protagonists of a very modern and personal language, so it has become known throughout the world.

About this series Martin Parr wrote in 2013: “In the history of photography there are some images so radical that people simply don't know where to place them. The images of beaches of Carlos Pérez Siquier are now as fresh as the day they were taken, and we must not forget the context of contemporary photography at that time, both in Spain and in Europe. At that time, at the beginning of the years seventy, Europe was still a slave to black and white photography: for serious professionals, color was the heritage of the world of advertising or instant photography. In the United States there were some first attempts at color photography in museums, with people from the category of William Eggleston and Stephen Shore, but not before the end of the decade.

I remember asking Carlos if he knew any works by other colorful artists or if he had studied them. His answer was a categorical "no". His work had not been influenced by any other professional. [...] I wish I could say that his work influenced me, but unfortunately I had not yet seen these images when I started photographing beaches in color, in recent times with the ring flash and macro lens, with which, without me knowing , Siquier's language had some coincidence. If I remember, however, the first time I saw them, about fifteen years ago, when I stopped my steps to contemplate them, although then I assumed that it was a recent job. I was surprised to see that they had been made in the early seventies”.

In 2003 he received the National Photography Prize and the Gold Medal of Andalusia; in 2005, the Pablo Ruiz Picasso Award for Plastic Arts; and in 2013, the Bartolomé Ros Award from PHotoEspaña. He has work in the permanent collection of the Reina Sofía National Art Museum (Madrid) and numerous institutions. In 2017, the Ibáñez-Cosentino Art Foundation opened the Pérez Siquier Center in Olula del Río, Almería.

IMPORTANT NOTE: The exhibited works are all unique vintage prints approved and signed by the author. To see other works, please contact the gallery.

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Gafas Azules. Rota, Cádiz, España La Playa. (PES00006) 1975-1980.

Impresión cibachrome. Copia (75-80). Firmada, datada, titulada e inscripciones en el reverso/ Cibachrome print. Print (75-80). Signed, dated, titled and inscribed on verso 32 x 37 cm Vintage único / Unique vintage

Roquetas de Mar, Almería, La playa (PES00019) 1980 Impresión cibachrome. Copia (75-80). Firmada, datada, titulada e inscripciones en el reverso/ Cibachrome print. Print (75-80). Signed, dated, titled and inscribed on verso 37 x 32 cm Vintage único / Unique vintage

Corazón. Torremolinos, España La Playa (PES00002) 1975-1980 Impresión cibachrome. Copia (75-80). Firmada, datada, titulada e inscripciones en el reverso/ Cibachrome print. Print (75-80). Signed, dated, titled and inscribed on verso 37 x 32 cm Vintage único / Unique vintage

RAMÓN MASATS (Caldas de Montbui, 1931) “En 1957, a sus 26 años, llega Ramón Masats a Madrid para dedicarse profesionalmente a la fotografía. Como su paisano Josep Plá casi medio siglo antes, Masats traía de Barcelona ecos de la vida lugareña y la sabiduría antigua de las gentes sencillas, hechas al hábito del sacrificio y la incertidumbre. Y, al igual que el maestro ampurdanés, llegaba a la capital pertrechado de un infrecuente sentido común, un intuitivo recelo hacia todo tipo de verdad canonizada por la costumbre y una aversión visceral por lo solemne, campanudo o pretendidamente artístico.

Una mirada que no convocaba a la nostalgia, sino al gozo y al deslumbramiento visual.

Indotado para la metafísica, recelaba de la mediocridad de los que entonces pasaban por maestros indiscutidos, aunque tampoco era fácil hallar una doctrina con la que pudiera identificársele, al margen de la que tozudamente iba construyendo para sí mismo con una determinación silenciosa y obstinada, atesorando, además, un sentido más irónico que sarcástico y una profunda socarronería, sobre la que fue construyendo ese carácter suyo, trasgresor e irreverente, que marcaría luego su mejor fotografía. […] Atrincherado en su tozuda obstinación, recibe los reconocimientos -en los últimos años se le van acumulando: Premio Nacional de Fotografía, Premio de las Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid, Premio Bartolomé Ros...- con indulgente complacencia y cierto regocijo socarrón.

Catalán en Madrid y madrileño en Cataluña, este ciudadano del mundo que nunca buscó la fortuna o la celebridad, sólo ambiciona ya, como su admirado Walter Benjamín, la gloria sin la fama, la grandeza sin brillo y la dignidad sin sueldo. Aunque esto nunca se sabe.”

(Publio López Mondéjar, 2007)

NOTA IMPORTANTE: Todas las fotografías de Ramón Masats, tanto las que están expuestas actualmente como las que aparecen en sus diversos libros, así como una selección mayor de vintages, están disponibles para su venta exclusivamente en Blanca Berlín. Tanto las copias actuales como las de época y vintage, están tituladas, datadas y firmadas por el autor, y cuentan con certificado de autenticidad.

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RAMÓN MASATS (Caldas de Montbui, 1931) “In 1957, at 26, Ramón Masats arrived in Madrid to devote himself professionally to photography. Like his countryman Josep Plá almost half a century earlier, Masats brought from Barcelona echoes of local life and the ancient wisdom of simple people.

His look did not summon nostalgia but joy and visual glare. He was suspicious of the mediocrity of those who then passed through undisputed teachers, although it was not easy to find a doctrine with which he could be identified, apart from which he was stubbornly building for himself with a silent and stubborn determination, treasuring , in addition, a more ironic than sarcastic sense and a deep slyness, on which he was building that character of his, transgressive and irreverent, which would later mark his best photograph.

His works has received many recognitions. In recent years he has accumulated: National Photography Prize, Plastic Arts Award of the Community of Madrid, Bartolomé Ros Award ...

(Publio López Mondéjar, 2007)

IMPORTANT NOTE: All the photographs of Ramón Masats, both those that are currently exhibited and those that appear in his various books, as well as a larger selection of vintages, are available for sale exclusively at Blanca Berlin. Both current and vintage prints are titled, dated and signed by the author, and have a certificate of authenticity.

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Guadix (RAM00118.Única) 1959 Gelatina de plata positivada por el autor en 1959.Firmada, titulada y datada en reverso / Silver gelatin printed by the author in 1959. Signed, titled, dated on verso 16 x 24 cm Ed.: Vintage único / Unique vintage

Cáceres (RAM00123.Única) 1965 Gelatina de plata positivada por el autor en 1965.Firmada, titulada y datada en reverso / Silver gelatin printed by the author in 1965. Signed, titled, dated on verso 19 x 29 cm Ed.: Vintage único / Unique vintage

Guinea (RAM00165.)

1965 Gelatina de plata positivada por el autor en 1959.Firmada, titulada y datada en reverso / Silver gelatin printed by the author in 1959. Signed, titled, dated on verso 24 x 18,5 cm.

Ed.: Vintage único / Unique vintage

ST (RAM00473) ca. 1959 - 1965 Gelatina de plata positivada por el autor.Firmada, titulada y datada en reverso / Silver gelatin printed by the author. Signed, titled, dated on verso 19 x 29 cm Ed.: Vintage único / Unique vintage

Costa Brava (RAM00535) 1962 Gelatina de plata positivada por el autor.Firmada, titulada y datada en reverso / Silver gelatin printed by the author. Signed, titled, dated on verso 20 x 29.5 cm Ed.: Vintage único / Unique vintage

Villamartín Toros (RAM00540) ca. 1959-1965 Gelatina de plata positivada por el autor.Firmada, titulada y datada en reverso / Silver gelatin printed by the author. Signed, titled, dated on verso 20 x 29 cm Ed.: Vintage único / Unique vintage

TONI CATANY (Llucmajor,1942 – Barcelona 2013)

Autodidacta. Vivió y trabajó en Barcelona desde 1960. En 1968 publica sus primeros reportajes, acompañando a B. Porcel, sobre Israel y Egipto en la revista Destino y sobre Baleares en La Vanguardia.

A partir de 1979 se da a conocer internacionalmente con un trabajo fotográfico en el que utiliza la antigua técnica del calotipo. En 1987 Lunwerg Editores publica una selección de sus naturalezas muertas en color, ”Natures Mortes”, premiada como el mejor libro fotográfico en la edición de la Primavera Fotográfica de 1988. En los Rencontres Internationales de la Photographie de Arles ganó el premio del Libro con “La meva Mediterrània”, editado por Lunwerg y premiado por la Generalitat de Catalunya como el mejor libro ilustrado del año. En julio de 1991 el ministerio de Cultura de Francia le otorga el título de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres. En 1994 Lunwerg Ed. publica “Somniar deus” y” Obscura memoria”. En 1997 su monografia “Toni Catany .Fotografies” es premiada por los Editores Europeos publicándose simultáneamente en Alemania, Francia, Inglaterra, Italia y España y obtiene asimismo el premio al mejor libro ilustrado del año que otorga la Generalitat de Catalunya. En septiembre de 2000,el Museo Nacional de Arte de Catalunya (MNAC) expone una antología de su obra “Toni Catany. El artista en su paraíso”. En 2001, la Generalitat de Catalunya le concede el Premio Nacional d’Arts Plástiques y el Ministerio de Ed. y Cultura el Premio Nacional de Fotografía . En 2002 publica dos libros, " Dels qui escriuen " con retratos de escritores catalanes y el PhotoBolsillo nº 45 "Toni Catany " editado por La Fabrica. En el 2003 “Record de Llucmajor " , en 2004 “Liebana infinita “ en 2006 tambien con Lunwerg Editores “Venessia” .y en 2007 “ Visions de Tirant lo Blanc”.

Un año después de su fallecimiento, y en cumplimiento de su voluntad, fue inaugurada la Fundació Toni Catany en Llucmajor.

NOTA IMPORTANTE: En esta exposición se muestran dos vintages de la serie “Somniar deus”. Existen también copias posteriores realizadas bajo su supervisión y firmadas por el artista. Todas las obras van acompañadas del Certificado de Autenticidad firmado por el artista. Consultar a la galería.

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TONI CATANY ( Llucmajor,1942 – Barcelona 2013) Self-taught he lived and worked in Barcelona since 1960. In 1968 he published his first reports, accompanying B. Porcel, about Israel and Egypt in the magazine Destino and about Baleares in La Vanguardia.

His work is internationally known in part for using calotype as his main technique. In 1987 Lunwerg Editores publishes a selection of his still lifes in color, "Natures Mortes", awarded as the best photo book in the 1988 Spring Edition In the International Rencontres of the Photographie de Arles, he won the Book prize with “La meva Mediterrània”, edited by Lunwerg and awarded by the Generalitat de Catalunya as the best illustrated book of the year. In July 1991, the French Ministry of Culture granted him the title of Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres. In 1994 Lunwerg Ed. Publishes "Somniar deus" and "Obscura memoria". In 1997 his monograph "Toni Catany.Fotografies" is awarded by the European Publishers publishing simultaneously in Germany, France, England, Italy and Spain and also obtains the prize for the best illustrated book of the year granted by the Generalitat de Catalunya. In September 2000, the National Museum of Art of Catalonia (MNAC) exhibits an anthology of his work “Toni Catany. The artist in his paradise ”. In 2001, the Generalitat de Catalunya granted him the National Prize d’Arts Plastics and the Ministry of Ed and Culture the National Prize for Photography. In 2002 he published two books, "Dels qui write" with portraits of Catalan writers and PhotoBolsillo No. 45 "Toni Catany" edited by La Fabrica. In 2003 "Record of Llucmajor", in 2004 "Liebana infinita" in 2006 also with Lunwerg Editores "Venessia". And in 2007 "Visions of Tirant lo Blanc".

A year after his death, and in compliance with his will, the Toni Catany Foundation was inaugurated in Llucmajor.

IMPORTANT NOTE: This exhibition shows a brief selection of vintages. There are also later prints made under his supervision and signed by the artist himself. Contact the gallery for more information.

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S/T Nº30 Somniar deus (TCA00107.003) 1991 Negativo sobre papel. Positivo baritado virado al selenio obtenido por contacto.

Vintage (marzo 1991). Firmada, datada, titulada e inscripciones en reverso. / Negative on paper. Selenium toned printedbaryta paper by contact. Vintage (March 1991).

Signed, dated, titled and inscribed on verso 30 x 40 cm Ed.: 3 / 15 . Vintage / Vintage

S/T Nº87 Somniar deus (TCA00110.00A) 1988 Falso calotipo sobre papel baritado con virado al selenio. Vintage 1997. Firmada, datada, titulada e inscripciones en reverso. / Selenium toned false calotype on baryta paper. Vintage 1997. Signed, dated, titled and inscribed on verso 40 x 30 cm Ed.: AP Vintage / Vintage

SOBRE GALERÍA BLANCA BERLÍN Especializada en fotografía y artes visuales, la apuesta de Blanca Berlín se centra en las tendencias más innovadoras de la fotografía española e internacional contemporánea, representadas tanto por artistas consagrados como por prometedores talentos.

Ocasionalmente, también acoge otras disciplinas artísticas.

Además del ciclo de exposiciones, la galería, que abrió sus puertas en Madrid en enero de 2007, dedica especial atención a la creación de un escogido fondo a la vista del público, que se puede consultar también en la página web. La galería está presente en las principales ferias internacionales de arte contemporáneo.

ABOUT THE GALLERY Located in the heart of Madrid, Blanca Berlin maintains a generous selection of photographs, promoting and presenting both established and emerging international artists to the art market in Spain and abroad. Additionally, the gallery has a wide selection of images which may be viewed in the many changing exhibitions programmed annually, as well as on the gallery’s website.

The gallery, opened since 2007 and directed by Blanca Berlín, also takes part in main international art fairs.

Galería Blanca Berlín C/ Limón, 28. 28015 Madrid, Spain T./ +34 91 54 29 313 | +34 607 79 40 76 E./ galeria@blancaberlingaleria.com W./ blancaberlingaleria.com Horario / Opening times: Mié. – Vier / Wed. – Fri.: 10.30 – 14.30h | 16,30 - 21h Sáb. / Sat.: 11 - 14.30h | 17 - 20.30h