Billboard AR N°74 Septiembre 2019

LANA DEL REY JORGE BLANCO CALIGARIS RESIDENTE SARA HEBE TAINY

HORACIO LAVANDERA ZONA GANJAH

ISSN 2344-9276 · Año 7 · Nº 74 Septiembre 2019 Argentina: $250 · Recargo interior: $5

BODAS DE ORO Abbey Road · The Beatles

2

BILLBOARD AR | SEPTIEMBRE, 2019

T

ras lograr su primer ingreso al Billboard Argentina Hot 100 la semana anterior, Nicki Nicole avanza 70 lugares en tan solo una semana y finaliza con la “BZRP Music Session” en el N°3 del chart.

Es el primer Top 10 y la mejor posición alcanzada por la rosarina de 18 años en el listado.

A 14 días de su publicación, la canción superó las 25 millones de reproducciones en YouTube, lo que significa casi dos millones de reproducciones por día. Además, el impulso logrado por la “BZRP Music Session” hizo que el primer single de la cantante “Wapo Traketero” publicado en abril de 2019 ingrese al chart en el puesto N°49. De esta manera, Nicki

Nicole se convierte en la primera artista en tener dos canciones dentro del Top 50 del chart con menos de 20 años, y en la más joven en alcanzar el Top 3.

Por otro lado, “Otro trago” acumula una nueva semana en el N°1 del listado y alcanza las 11 semanas de forma no consecutiva en la cima. Es la canción que más tiempo logró mantenerse en la cima del listado, sin embargo, “Con calma” mantiene el récord de mayor cantidad de semanas de forma consecutiva en el N°1 del Billboard Argentina Hot 100 con un total de 9. La canción de Daddy Yankee todavía se mantiene en el Top 10 del chart y de las 31 semanas dentro del listado lleva 29 entre los primeros diez puestos.

1

1

Otro Trago

3

2

China

73

3

Nicki Nicole: Bzrp Music Sessions, Vol. 13

2

4

Con Altura

Rosalia & J Balvin Feat. El Guincho

4

5

No Me Conoce (Remix)

Jhay Cortez, J Balvin & Bad Bunny

6

6

Con Calma (Remix)

5

7

Soltera

7

8

11 PM

10

9

Señorita

8

10

Calma (Alicia Remix)

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

Sech Ft. Darell

RICH MUSIC LTD

Anuel AA, Daddy Yankee & Karol G Feat. J Balvin & Ozuna REAL HASTA LA MUERTE, LLC.

Nicki Nicole DALE PLAY RECORDS

COLUMBIA RECORDS

UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

Daddy Yankee & Katy Perry Feat. Snow EL CARTEL RECORDS

Lunay STAR ISLAND INC.

Maluma SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Shawn Mendes & Camila Cabello ISLAND RECORDS / UMG RECORDINGS, INC.

Pedro Capo x Alicia Keys x Farruko SONY MUSIC ENTERTAINMENT

B I L L B OA R D.CO M . A R

variación

Artista

Título

Esta semana

Nicki Nicole es la artista más joven en alcanzar el Top 3

Semana pasada

BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS, RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.

GENTILEZA LAURÍA DALEPLAY

Semana del 31 de agosto de 2019

0

1

70

-2

-1

0

-2

-1

1

-2

3

Billboard Argentina Hot 100

21

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

Runaway

Sebastian Yatra, Daddy Yankee, Jonas Brothers

& Natti Natasha

DUKI Goteo

UNIVERSAL MUSIC LATINO; 2019 UMG RECORDINGS, INC.

-3

J Balvin & Bad Bunny

29

Paulo Londra

-2

51

22

La Canción

21

23

Por Eso Vine

HOT SHOT DEBUT

24

Yo X Ti, Tu X Mi

23

25

No Me Acuerdo

27

26

Secreto

34

27

Neo Pistea Feat. Cro, Obie Wanshot Tumbando El Club (Remix) SONY MUSIC ENTERTAINMENT / I NEED SPONSORS

UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

BIG LIGAS / WARNER MUSIC GROUP

Rosalia & Ozuna NEW

COLUMBIA RECORDS / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Thalia & Natti Natasha

-2

Karol G & Anuel Aa

1

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

MIKEILA BORGIA

18

Artista

Título

variación

Esta semana

29

Semana pasada

PRESENTADO POR

7

4

-4

Duki

-12

J Balvin & Bad Bunny

-5

Wisin & Yandel & Romeo Santos

-5

Camilo & Pedro Capó

13

Karol G & Maluma

-5

Billie Eilish

-3

Becky G & Natti Natasha

-3

36

Ed Sheeran Feat. Paulo Londra & Dave Nothing On You AN ASYLUM RECORDS / ATLANTIC RECORDS / WARNER MUSIC GROUP

-17

43

37

La Boca

Mau Y Ricky & Camilo

6

29

38

La Cobra

J. Mena

-9

39

39

Me Vas A Extrañar (En Vivo) Damas Gratis Feat. Viru Kumbieron PELO MUSIC

0

30

40

Te Olvidaré

MYA & Pedro Capó

-10

-2

37

41

Adán Y Eva

Paulo Londra

-4

-1

38

42

Date La Vuelta

7

33

43

Un Año

Paulo Londra

-2

41

44

2 Pa' 2

Bad Bunny

-2

42

45

MIA

WOS

20

46

46

Reggaetón

Artista

Cristina

17

29

Goteo

25

30

Que Pretendes

26

31

Aullando

45

32

Tutu

28

33

Créeme

31

34

Bad Guy

32

35

Sin Pijama

19

Esta semana

28

Semana pasada

Título

24

9

11

22

HOLLYWOOD RECORDS, INC.

11

12

HP

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

20

13

Si Se Da

12

14

Tal Vez

BIG LIGAS / WARNER MUSIC GROUP

13

15

Callaita

RIMAS ENTERTAINMENT LLC.

36

16

Canguro

14

17

Te Robaré

Nicky Jam X Ozuna

-3

48

16

18

Sech, Cuaderno Dalex, Nicky Jam & Justin Quiles Feat.

RICH MUSIC LTD

-2

40

22

19

Jam, Que Mas Pues (Remix) Sech Feat. Maluma, Nicky RICH MUSIC LTD

3

15

20

Pa Mí

Dalex X Rafa Pabón

-5

BILLBOARD AR | SEPTIEMBRE, 2019

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

TINI, Greeicy Maluma

Myke Towers x Farruko

CASABLANCA RECORDS & ONE WORLD MUSIC

WOS

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Lenny Tavarez, Feid & Rafa Pabon

Farruko, Justin Quiles, Lenny Tavárez

RICH MUSIC LTD

47

UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

SSJ RECORDS / DALE PLAY RECORDS

UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

SONY MUSIC ENTERTAINMENT / HAMM

UNIVERSAL MUSIC GROUP

DARKROOM/INTERSCOPE RECORDS

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

DBN

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

BIG LIGAS

Luis Fonsi Feat. Sebastián Yatra & Nicky Jam UNIVERSAL MUSIC GROUP / UMG RECORDINGS, INC.

-4

Sebastián Yatra & Reik

-10

Rombai

-3

Bad Bunny Feat. Drake

-3

J. Balvin

0

47

Turizo & Camilo Desconocidos Mau Y Ricky, Manuel SONY MUSIC ENTERTAINMENT

1

48

Feat. Justin Bieber Despacito (Remix) Luis Fonsi & Daddy Yankee UNIVERSAL MUSIC GROUP

-8

49

Wapo Traketero

50

X (Equis)

UNIVERSAL MUSIC GROUP

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

OVO / RIMAS / WARNER BROS. RECORDS

UNIVERSAL MUSIC GROUP

Nicki Nicole NEW DALE PLAY RECORDS Nicky Jam x J Balvin SONY MUSIC ENTERTAINMENT

-3

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Sebastian Yatra

variación

Ysy A, Cazzu, Khea, Lucho SSJ, Coqeéin Montaña, Marcianos Crew & Duki

B I L L B OA R D.CO M . A R

5

Billboard Argentina Hot 100

6

Esta semana

51

Me Niego

Reik Feat. Ozuna & Wisin

57

52

Imposible

Luis Fonsi & Ozuna

49

53

La Respuesta

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

UNIVERSAL MUSIC GROUP

Becky G & Maluma KEMOSABE RECORDS

5 -4

54

Jam & Farruko Feat. Becky G & Sech Rebota (Remix) Guaynaa,AKNicky ENTERTAINMENT / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

61

55

Dollar

44

56

Amanece

54

57

Cuando Te Bese

58

58

Amigos Con Derechos

52

59

Boy With Luv

60

Mírame

64

61

60

62

Mucha Data

59

63

Cien Años

68

64

Gratis No Te Creas Tan Importante (En Vivo) Damas PELO MUSIC

4

55

65

Sueltate El Pelo

TINI

67

66

Contra La Pared

56

67

Solo Pienso En Ti

66

68

Si Supieras

Wisin & Yandel & Daddy Yankee

62

69

Llegaste Tú

CNCO & Prince Royce

69

70

Taki Taki

75

71

Pitbull X El Chombo X Karol G Feat. Cutty Ranks DameJUSTON Tu Cosita RECORDS / PLAY TWO / ULTRA RECORDS, LLC / B1 RECORDINGS GMBH

77

72

Me Muero De Amor

88

73

Atrevete

63

74

Ocean

65

75

Dura (Remix)

71

76

Aleluya

80

77

El Efecto

79

78

De Cero

78

79

Quien Empezó (Feat. Cazzu)

81

80

Me Voy

KEMOSABE RECORDS

Anuel Aa, Haze 2018 HOUSE OF HAZE | CINQ RECORDINGS

Becky G & Paulo Londra SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Reik & Maluma SONY MUSIC ENTERTAINMENT

BTS Feat. Halsey BIGHIT ENTERTAINMENT

Quien Empezó

-1 6 -12 -3 0 -7

Artista

Esta semana

Título

RE

Semana pasada

Nio Garcia

JMENA

FEAT . CAZ Z U

53

Becky G X Myke Towers

79

-1

Queda En Esta Noche Feat. Ciro Y Los Persas Los Caligaris FYN S.A.

3

88

81

Cúrame

Cazzu

-2

81

82

Happier

83

Mujeres

92

84

Ella Quiere Beber

-10

99

85

ME!

1

77

86

Te Vi

-11

87

87

I Don't Care

-2

74

88

Una Vida Para Recordar

-7

83

89

Bellacoso

-1

76

90

Instinto Natural

4

97

91

Never Really Over

5

92

Leña Para El Carbón Mix

15

93

7 Rings

REPUBLIC RECORDS / UMG RECORDINGS

-11

94

Velitas

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

FLOW LA MOVIE, INC. | DISTRIBUTED BY GLAD EMPIRE, LLC

RIMAS ENTERTAINMENT LLC

Abel Pintos SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Feat. Viru Kumbieron

HOLLYWOOD RECORDS, INC.

Sean Paul X J Balvin UNIVERSAL MUSIC GROUP

Paulo Londra BIG LIGAS / WARNER MUSIC GROUP

UMLE / EL CARTEL RECORDS

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

DJ Snake Feat. Selena Gomez, Ozuna & Cardi B GEFFEN RECORDS

Damas Gratis PELO MUSIC S.A.

Nicky Jam & Sech SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Karol G UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

Daddy Yankee EL CARTEL RECORDS

Reik & Manuel Turizo ESTA COMPILACIÓN / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Rauw Alejandro DUARS ENTERTAINMENT / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

BILLBOARD AR | SEPTIEMBRE, 2019

CNCO SONY MUSIC ENTERTAINMENT

J Mena DBN

Rombai SONY MUSIC ENTERTAINMENT

-4

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

Prince Royce & Manuel Turizo SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Marshmello & Bastille ASTRALWERKS / JOYTIME COLLECTIVE / UMG RECORDINGS, INC.

Mozart La Para Feat. Justin Quiles MOZART LA PARA / ROC NATION

REAL HASTA LA MUERTE

Taylor Swift Feat. Brendon Urie TAYLOR SWIFT

Piso 21 & Micro TDH WARNER MUSIC GROUP

Ed Sheeran & Justin Bieber ASYLUM RECORDS / ATLANTIC RECORDS / WARNER MUSIC GROUP / DEF JAM RECORDINGS / UMG RECORDINGS

Piso 21 WARNER MUSIC GROUP

Residente & Bad Bunny SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Maluma Feat. Sech SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Katy Perry CAPITOL RECORDS

DJ Alex 2018 DJ ALEX

Ariana Grande Darell & Brytiago Lil Nas X Feat. Billy Ray Cyrus

-10

90

95

Old Town Road

-5

76

96

Delincuente

97

Psychedelic Rays

3

Anuel AA & Romeo Santos

SONY MUSIC ENTERTAINMENT / COLUMBIA RECORDS

Farruko, Anuel Aa & Kendo Kaponi SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Maxi Trusso PIRCA RECORDS

Sebastian Yatra, Mau Y Ricky

RE RE 15 0 -2 -12 -2 -1 -54 -14 -9 -3 -7 RE 4 -2 0

1

79

98

Ya No Tiene Novio

-1

95

99

Camila Cabello Mi Persona Favorita Alejandro Sanz &UNIVERSAL MUSIC GROUP

-3

1

91

100

Amantes De Una Noche

Natti Natasha & Bad Bunny

RE

UNIVERSAL MUSIC GROUP

PINA RECORDS / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

-7

BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS, RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.

Semana pasada

50

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

variación

Artista

Título

variación

PRESENTADO POR

B I L L B OA R D.CO M . A R

7

Redes

PRESIDENTE

Jorge R. Arias CEO

Juan Pedro Dondo DIRECTOR

Santiago Torres CONTENIDOS

Santiago Torres Gustavo Serna Jota Ayerza Gabriel Romero Day María Villola COMERCIALIZACIÓN Y MARKETING

comercial@grupoabc1.com 0810 444 ABC1 (2221) Leandro Dahlman Paula Alfaro Luján Acciaresi SUSCRIPCIONES

suscripciones@grupoabc1.com 0810 444 ABC1 (2221) ADMINISTRACIÓN

administracion@grupoabc1.com CONTACTO

info@grupoabc1.com Dardo Rocha 2188 (1640) Martínez, Buenos Aires COLABORADORES DISEÑO

Juan Angel Maldonado TRADUCCIONES

Jorge Luis Fernández FOTOGRAFÍA

Tute Delacroix COLABORAN EN ESTA EDICIÓN

Adrián Mouján, Florencia Mauro, Gabriel Hernando, Juan Manuel Pairone, Sebastián Chávez y Walter Garré DISTRIBUCIÓN

Brihet e Hijos S.A. / Agustín Magaldi 1448 (C1286AFH) 011 4301 3601 (líneas rotativas) DISTRIBUCIÓN EN EL INTERIOR

D.G. P. (Distribuidora General de Publicaciones S.A.) Alvarado 2118 / C.A.B.A. IMPRESIÓN

FP Compañía Impresora. Antonio Beruti 1560, B1604BNP Florida Oeste, Buenos Aires, Tel.: 011- 4760-2300 Billboard Argentina es una licencia de ABC1 Sociedad de Editores Dardo Rocha 2188, Martínez. Tel: 0810 444 ABC1 (2221) info@billboard.com.ar · www.billboard.com.ar

EDITORIAL DIRECTOR Hannah

Karp Cook SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT Silvio Pietroluongo SVP BUSINESS DEVELOPMENT & LICENSING Andrew Min CREATIVE DIRECTOR Alexis

EXECUTIVE DIRECTOR OF CONTENT AND PROGRAMMING FOR LATIN MUSIC AND ENTERTAINMENT Leila

Cobo

Billboard Argentina 2019. Prohibida la reproducción total o parcial de los artículos sin la previa autorización del director. El material periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores. RNPI: 5349798 8

BILLBOARD AR | SEPTIEMBRE, 2019

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9

Contenidos

“Tengo un lado más excéntrico cuando se trata de la musa de la escritura, pero siento mucho que la escritura no es lo mío: yo solo escribo. Cuando la escritura me tiene, estoy en su horario. Pero cuando me deja en paz, solo estoy en Starbucks, hablando mierda todo el día”. (Página 32)

CH A RTS Nicki Nicole es la artista más joven en 3 alcanzar el Nº3 del Billboard Argentina Hot 100 I N T RO Ozuna liderada las nominaciones de los 13 Latin AMA’s 2019 E NT RE V ISTAS Y P E RF I L E S Lizardo Ponce 16 XXL Irione 18 Zona Ganjah 24 Horacio Lavandera 26 Tainy 28 Caligaris 30 Lana Del Rey 32 Nani 46 Axel Muñiz 48 Piso 21 50 Residente 52 Jorge Blanco 54 Gente de Zona 60 Sara Hebe 62 Richard Marx 64 Alex Ubago 66 E S P E CIA L E S Bodas de Oro, Abbey Road - The Beatles 56 E M E RG E N T E S Flayaz, El Chacal y Los Alpes Floreados, 58 Crewrod y Manager Capitalista adidas Originals - OzweegoExperiencia Rock Vanthra j mena Reik

V IVO 68 71 72 73 74

REVIEWS Nico Bereciartua, La Beriso, Hernán 76 Cattáneo, La Joaqui, j mena, XXL Irione, Proyecto Gómez Casa y Taylor Swift E N L A TA PA

CAZZU. Tras el lanzamiento de Error 93 y tres sold out en el Teatro Ópera en tiempo récord, la artista femenina de trap más influyente del país se encamina a la conquista del continente. Una historia marcada por el sacrificio, la resiliencia y el empoderamiento femenino como bandera. (página 38) 10

BILLBOARD AR | SEPTIEMBRE, 2019

F OTO G R A F Í A P O R M E LO D I E M C DA N I E L

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11

12

BILLBOARD AR | SEPTIEMBRE, 2019

EL SUBE Y BAJA

WOS agotó en horas las dos funciones en Groove que dará en octubre para presentar su álbum debut Caravana.

Ozuna, el más nominado de los Latin American Music Awards 2019 telemundo anunció los nominados para los Latin American Music Awards 2019, con Ozuna liderando por segundo año consecutivo con nueve nominaciones.

El artista puertorriqueño es seguido por Bad Bunny y Romeo Santos con ocho nominaciones cada uno; Anuel AA con siete; y Banda MS con cinco. Daddy Yankee, Maluma, Luis Fonsi, Sebastian Yatra, T3R Elemento y Marc Anthony obtuvieron cuatro nominaciones este año.

Los AMA latinos rinden homenaje a los mejores artistas latinos del mercado actual, y los fanáticos votan por los ganadores finales.

F OTO G R A F Í A P O R M I L L E R M O B L E Y

Diez músicos están nominados para Artista del año, incluyendo Ozuna, Bad Bunny, Maluma, Romeo Santos, J Balvin, Banda Sinaloense MS de Sergio Lizárraga, Christian Nodal, Anuel AA, Daddy Yankee y Karol G. X 100PRE de Bad Bunny, Aura de Ozuna, Real hasta la muerte de Anuel AA, VIDA de Luis Fonsi y Africa Speaks de Santana compiten por Álbum del año. Además, seis de los artistas más populares del momento se postulan como nuevos Artistas del año: Sech, Rosalía, Darell, Paulo Londra, Lunay y Jhay Cortez.

Diego Torres y Coti se cruzaron en redes sociales por los derechos de composición del éxito “Color esperanza”. “Yo tengo una cuarta parte, Diego tiene un veinte por ciento y Coti tiene otro pedazo, así está repartido el tema”, aclaró el Cachorro López, el tercer compositor del tema.

Lali anuncia single para octubre, al mismo tiempo que se embarcará en una gira por Israel, España y, por primera vez, los Estados Unidos.

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Industria

Mario Kaminsky

“Trabajé durante 60 años en una industria que adoré” El fundador de Microfón Argentina será galardonado con el Premio del Consejo Directivo durante la próxima celebración de los Latin Grammy, que se llevarán a cabo el 14 de noviembre en el MGM Grand Garden Arena en Las Vegas.

el entretenimiento, la promoción y la preservación de la música han sido centrales en la vida profesional de Mario Kaminsky durante más de 60 años. El ejecutivo argentino que nació en Chile ha participado en todos los aspectos del sector, lo que incluyó la intersección de la música, cine y televisión.

Kaminsky fundó Microfón Argentina, un sello discográfico, en 1959. Fue en la dirección de esta disquera que se hizo evidente su talento como ecléctico creador de estilos, lo que cambió el panorama de la música latina con grabaciones de artistas Atahualpa Yupanqui, los grupos folclóricos Los Chalchaleros y Los Fronterizos, y las idolatradas estrellas de rock Charly García y Luis Alberto Spinetta. “El catálogo de rock nacional que armamos creo lo cimientos del género que luego atravesaría la cultura joven argentina hasta la actualidad. Tuvimos discos como Artaud, que es para muchos periodistas el mejor álbum de rock nacional de la historia”, dice al teléfono Kaminsky. “En ese momento lo llamábamos música alternativa”, remata.

Tras enormes esfuerzos e igual éxito, Microfón y Mario pasaron a ser considerados el des14

BILLBOARD AR | SEPTIEMBRE, 2019

tino y el padre del rock en español. Microfón vendió su catálogo a Sony en 1995, y Kaminsky siguió explorando vías creativas. De 1997 a 2000, fue presidente de la sucursal argentina de Fonovisa Records. También desempeñó un papel prominente en la radio, televisión, publicación musical y producción de cine. ¿Esperabas este reconocimiento?

- Fue totalmente inesperado, y realmente estoy muy emocionado que después de tantos años la Academia de la industria americana me distinga por mi trayectoria. Tengo unos 60 años de mi vida trabajando de una profesión que adoré. Además de la sorpresa del reconocimiento, me enorgullece que haya alguien que todavía se acuerde mí, me honra.

Si tuvieses que enmarcar un recuerdo, ¿cuál sería?

- El año 1977 entero. Vos me preguntarás ‘¿por qué?’. Fue una década prodigiosa, nunca hubo tantos fenómenos cantando en Español alrededor del mundo, de México, España y toda América Latina. Fue un año único para Microfón,

teníamos fábrica propia, estudio propio y una organización de ventas maravillosa, al punto tal que una cadena de casas de música muy grande que había en esos años (Centro Cultural del Disco) nos entregó una distinción por la cual de los 264 días del año, fuimos Nº1 en ventas. ¿Por qué decidís venderle el catálogo a Sony?

- Básicamente un poco por cansancio, y segundo, en esos años, ya teníamos el sube y baja de la realidad argentina. Durante años, teníamos que estar pendientes de cómo funcionaría el país... que milico vendría, quién iba a ser su Ministro de Hacienda. Ese era un trabajo que, por momentos, te hacía olvidar de la esencia del negocio, que simplemente es reconocer una melodía maravillosa con una letra idónea y que todo eso sea cantado por un cantor que emocione a la gente. ¿Qué significan para vos los premios?

- Es un reconocimiento al trabajo, a el haber estado en el maravilloso mundo del disco, no tengo más palabras que de agradecimiento y como decía el viejo Vargas, un viejo cantor de boleros, “muy agradecido, muy agradecido, muy agradecido”.

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Voces

Lizardo Ponce

“Más que enfrentar a los medios, hay que unirlos” El comunicador que conduce ‘MTV Fans en Vivo’ junto a Manu a Viale, programa que combina el formato digital y con el televisivo, cuestiona la pelea entre medios y empieza a ejercer el rol de productor.

lizardo ponce es periodista y locutor, pero a la hora de definirse, abre el juego para un abanico de posibilidades, todas muy parejas entre sí. “Me resulta raro cuando una persona se autoproclama ‘influencer’. Yo me defino como periodista que utiliza las redes. Quizás trabaje como influencer pero porque las marcas te definen así. Lo que destaco de las redes sociales es la generación de contenido de calidad. Esa es la diferencia con la farándula. Me gusta más la definición de ‘generador de contenido’ y no ‘influencer’, porque no tiene que ver con tener miles de seguidores o la cuenta verificada. Cuando uno maneja sus redes sociales y su propio medio, garpa mucho la espontaneidad y el día a día. Creo que te conecta con los demás. Yo soy un pibe que me tiro en la cama, hago un vivo y charlo con la gente par a par y pasan cosas muy locas. Está buenísimo”, dice Lizardo.

Sus primeros pasos en el mundo de la comunicación comenzaron en la radio. Tenía varios programas en su Córdoba natal. Después surgió la oportunidad de hacer televisión; atrás quedó la radio. “Me encantaría volver porque me encanta la radio. Siento que en algún momento voy a volver a hacer y por mucho tiempo”, dice. Ahora conduce “MTV Fans en Vivo” junto a Manu Viale y es el nexo entre la televisión y las plataformas digitales ya que el programa se transmite, no solo mediante la tradicional pantalla de MTV sino que también a través de la app MTV Play y la de FWTV. Algunos dicen que a la radio le queda poco tiempo de vida. ¿Qué opinás de este tipo de predicciones?

-Hubo miedo cuando nació la televisión porque decían que la radio iba a desaparecer. Sin embargo, hasta el día de hoy seguimos escuchando radio, más allá de un montón de otras formas de comunicar. Me parece que hay gente para todo; que le gusta escuchar radio en el auto, y cada uno encuentra su momento, entonces no creo que se agoten los recursos. A mí me piden que abra un canal de YouTube y que haga podcasts, pero para mí está bueno enfocarse y hacer una cosa bien.

16

BILLBOARD AR | SEPTIEMBRE, 2019

MTV Fans fue uno de los programas pioneros en detectar las plataformas digitales y en hacer los ciclos a través de internet. “Lo que pasa con ‘Fans’ es que la gente va armando el programa y sigue el rumbo del mismo. Era raro pensar que la gente iba a sentarse con la computadora a verlo, teniendo la televisión, pero apostaron a los fans y es un público hermoso que acompaña. MTV le dio el lugar a mucha gente que está surgiendo artísticamente en el país. Lo que me parece bien también es que no se quedaron cómodos en la plataforma digital sino que también valoraron la pantalla de MTV porque la tele está buenísima y la gente la sigue viendo. Hay que unir, más que enfrentar a los medios”, sostiene Lizardo. ¿Cuál fue el hit periodístico en tu carrera?

-Me pasó algo muy loco hace dos años, que me descolocó y ahí empecé a caer en lo que pasa en las redes. Yo estaba acostado, haciendo un vivo en mi casa en Córdoba y entró Justin Bieber. Cuando veo que me habla, me quedé blo-

queado. No pude hacer nada. En ese momento, cuando recién habían salido los vivos, estaban los ‘vivos destacados’ a nivel global, donde aparecían cinco o seis transmisiones populares que se estaban haciendo en el momento. Lo más loco es que las fans de Justin de Argentina empezaron a entrar cuando él ya se había ido y ellas después me mostraron que Justin había entrado a otros vivos y había comentado lo mismo que me había puesto a mí. Hasta me habló en español.

Además de periodista, comunicador, modelo, locutor e influencer de varias marcas, que lo eligen como representante de las mismas, Lizardo Ponce también juega un rol esencial en el papel de la producción. Él se encarga de elegir y de contactar a los invitados del programa. “Me dan mucho ese espacio y toman mis consejos. Soy de ponerme la camiseta del lugar en el que estoy y siempre estoy para lo que sea. Tuve propuestas para meterme en el lado comercial de una marca, pero no es el momento. Ahora mismo estoy en donde siempre quise estar”.

F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

B I L L B OA R D.CO M . A R

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XXL Irione

“Humildad es volver al ghetto” Tras editar el álbum La historia, el rapero de la vieja escuela disfruta de la salud del género urbano a nivel local y valoriza lo logrado por las nuevas generaciones: “Estos chicos suben al escenario y el más avalado se queda de corista del nuevo.”

P O R J O TA AY E R Z A

a los pocos días de estrenar su nuevo álbum La historia, XXL Irione pasó por los Podcast de Billboard para hablar sobre el efervescente momento que vive la escena urbana argentina. A 21 años de su debut en Cemento en el año ‘98, el primer rapero nacional en recibir un botón de plata de YouTube hace un revisionismo histórico del mundo urbano local. “El hip hop era una subcultura muy escondida en los pasillos de la Bond Street o en los viejos galpones de Rosario. Era todo muy underground y precario. Hoy en día es otra la escena”, comenta.

De las viejas jams en Cemento con nombres como Super A o Bola 8, pasando por el debut de bandas como Tiro de Gracia o la irrupción de Illya Kuryaki en los noventas, hasta “Loca” de Duki y Khea; Irione solo espera una cosa, 50 años de dominio urbano a nivel nacional. “Si te ponés a pensar, desde ‘La balsa’ con Tanguito en el bar La Perla hasta la explosión del trap con ‘Loca’, pasaron justo 50 años”, explica.

“Quizá se vengan 50 años del género urbano.

Yo estoy muy feliz porque a partir de este efecto de algunos artistas nos llega a todos, a los que estábamos antes y a los que surgieron a partir de este boom”, continúa.

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BILLBOARD AR | SEPTIEMBRE, 2019

¿Cómo fueron esos primeros momentos de tocar puertas antes que explote la escena?

- Yo de 2014 a 2016 fui el artista nacional de rap/hip hop que más reproducciones tuvo. El primer botón de plata que le dieron a un rapero acá fue a mí. No me llamaban para hacer una entrevista. Hoy mi realidad es totalmente distinta. Esto explota cuando choca con la escena freestyle, que era paralela. Todo cambia cuando Duki se da cuenta que hay que grabar canciones. Te lo digo como un historiador del hip hop argentino, la escena cambia cuando Duki lanza “No vendo trap”. Yo había sacado un videoclip unos días antes de que el lo lanze, había logrado un millón en dos semanas. Cuando él suelta ese tema, pase al segundo lugar en tendencias y él logró el millón en un solo día. Yo iba paralelo a la escena del freestyle, entonces cuando sucedió eso dije ‘Se está abriendo el juego’. ¿Con el trap se vencieron muchos purísmos del hip hop?

- Hoy se abrió la cancha, se vencieron un montón de purismos. Hoy un rapero se pinta las uñas, hace 10 o 15 años era algo impensado.

Yo me llegaba a pintar las uñas y me cagaban a trompadas. Yo nunca tuve problema con esas

cosas, siempre me gustó ir por el lado más progresista. Mismo tengo muchas canciones apoyando causas de avance nobles. Lo veo como un avance, una evolución.

Siempre se está esperando el aval en el hip hop, es algo que hace a la escena.

- Que los que están más arriba ayuden a los que están más abajo es clave. El reggaetón es pionero en eso. Humildad es regresar al ghetto.

Duki es un artista que lo hace mucho, es muy generoso, lo digo como ser humano y artista.

Lo que vino a enseñar la nueva generación es el compartir. Estos chicos suben al escenario y el más avalado se queda de corista del nuevo. ¿Y cómo ves que reaccionó la industria?

- A los multinacionales también les sorprendió toda esta movida. Ellos estaban firmando nuestro disco y nosotros ya estábamos sacando dos discos más. No entendían el hecho que el rap no se ata a los tiempos de la industria.

Yo me tomo una cerveza, me quemó uno y me grabé tres temas. Eso es parte del género, toda la vida fue así. Se grabaron muchos discos en una noche. La última palabra la tiene la gente y si a ellos les gusta no vamos a discutir más.

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Mariah

Lo nuevo es su sencillo “Perreito”

Además, recientemente se unió como portavoz de la campaña de Bulova ‘Tune of Time’, un proyecto musical lanzado por la marca de relojes, para celebrar la industria musical y a los artistas emergentes más prometedores.

También participó haciendo un cameo en el video musical de Luigi 21 Plus y J Balvin “Siempre para, nunca inpapi”. Otras colaboraciones incluyen “Costear (remix)” junto a Jhay Cortez, Myke Towers, Casper Mágico y Nengo Flow.

GENTILEZA UNIVERSAL

Recientemente, Billboard US la nombró como una de las 5 artistas latinas a tener en tu radar.

la artista nacida en miami, mariah, quien rápidamente ha escalado posiciones en el género urbano, lanza un candente nuevo sencillo titulado “Perreito”. El video tuvo una premiere en exclusiva por Vibe y Billboard US, que recientemente nombró a la puertorriqueña/cubana como una de las “5 artistas latinas a tener en tu radar” y “Artista latina a seguir en el 2019”.

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L A N Z A M I E N T O S

la artista del sello atlantic melanie martínez anuncia el lanzamiento de su esperado nuevo álbum y el largometraje que lo acompaña.

K-12 marca el esperado regreso de Martínez después de su álbum debut de 2015, Cry Baby, que recibiera la certificación de Platino.

Producido por Michael Keenan con la excepción de una canción producida por Kinetics & One Love (que ya habían colaborado en singles como “Dollhouse” y “Carousel”), el álbum es la banda de sonido que acompaña a una encantadora película musical escrita, dirigida y protagonizada por Martínez.

Filmada durante el otoño en Budapest, Hungría, el largometraje K-12 muestra a Martínez protagonizando a Cry Baby, una joven fuerte y sensible que es enviada a una perturbadora residencia estudiantil escondida detrás de una grandiosa fachada.

“Mi corazón está increíblemente rebosante”, dice Martínez. “Poder mostrar el trabajo realizado durante los últimos años y tener la oportunidad de crear una película con absoluto control sobre cada aspecto del proyecto es una bendición y me siento muy agradecida”.

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Charli XCX tiene nuevo material la cantante anuncia la salida de su nuevo álbum Charli el 13 de septiembre y su gira internacional ‘Charli LIVE’. Para celebrar la noticia, la vanguardista de la música popular estrena el video de su tema “Blame It On Your Love” feat. Lizzo.

Dirigido por Bradley & Pablo y filmado en Nueva York, el video de “Blame It On Your Love” feat. Lizzo acepta la imperfección y lo etéreo y hace un innegable tributo al amor sin limitaciones. El video muestra imágenes liberadoras que complementan los hooks progresivos y la voz perturbadora que caracterizan la canción.

Las colaboraciones son el centro del álbum: una verdadera muestra del género pop. Charli une distintos géneros musicales extraídos del vasto espectro del pop. Las colaboraciones incluyen a Lizzo, Christine & The Queens, Haim, Troye Sivan, Brooke Candy, CupcakKe, Big Freedia, Sky Ferreira, Clairo y Yaeji. Además, Charli formó equipo con la maquilladora Ines Alpha para diseñar las gráficas con el objetivo de desmantelar los ideales clásicos de belleza, lo que resultó en un sorprendente arte de tapa.

GENTILEZA WARNER

Melanie Martínez publica álbum y película

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Zona Ganjah

Ramificar el reggae Con la publicación de su álbum La búsqueda, Gahona discute sobre las variaciones del reggae y el escenario actual del reggaetón.

POR SANTIAGO TORRES Y MARÍA VILLOLA

disco a disco, zona ganjah fue mostrando su propia evolución. “Es natural que se dé así porque a medida en que voy evolucionando, voy alcanzando mejores logros”, dice José Gahona, líder vocalista de la banda. Esta vez, la agrupación llega con nuevo material discográfico bajo el brazo y con un concepto distinto: se llama La búsqueda y ya no se trata de un proyecto unipersonal, sino de uno colectivo. En esta ocasión, Gahona tomó el rol de productor y reunió a toda la banda en el estudio para dar lugar a un nuevo material, sin perder las raíces.

Su obra no tiene influencias externas de las corrientes musicales actuales, sostiene: “Como compositor, es una expresión artística muy pura que sale como sale. Como productor, intento darle una forma para que llegue a las personas de una manera digerible y fácil de escuchar”.

La búsqueda es un disco que cambió el concepto tuyo tocando todos los instrumentos y grabando todo. Esta vez lo hiciste con banda.

-Creo que eso es lo más notorio a nivel musical y en la producción. En toda la producción del disco quise llegar a un nivel más alto como se caracterizaron todos los discos de Zona Ganjah. Es como un escalón de mejora a nivel técnico y de maduración en cuanto a la composición. Y este disco no fue la excepción porque se mostró un nivel más alto. Ese era el objetivo y se cumplió.

Como representante del género, ¿cómo sentís que está el reggae en general?

-En general, creo que está muy bien. Quizás hay otros lugares en los que está más presente.

En Sudamérica tuvimos un ascenso porque llegaron todas estas bandas representativas y, gracias a ellas, hay una presencia constante. Quizás no sigue esa creciente que hubo hace unos años porque no siguieron llegando bandas, pero lo importante es que las bandas siguen existiendo y eso mantiene vigente al género. A nivel mundial, yo creo que en Europa los exponentes del new roots mantienen al género muy bien posicionado. Así que es interesante seguir proponiendo ramificaciones del reggae, como en el nuevo disco de Zona Ganjah que es como una forma del reggae vintage, un sonido más clásico y hay ramas del reggae más nuevas y modernas. ¿Alguna vez tuviste la curiosidad de investigar el reggaetón?

-Me gusta estudiar la industria y ver lo que la gente escucha, y qué es lo que los artistas tienen para entregar también, porque me es interesante a nivel social. Siempre miro premiaciones cada vez que se congrega una gran cantidad de artistas. Es interesante porque es parte del mundo y de lo que somos. No reniego esa parte para nada, sino que me gusta estudiarla y saber en qué está la sociedad, porque si hay un género que llega a mayor cantidad de gente, es porque socialmente está pasando algo para que la gente reciba ese tipo de música de esa manera. Entonces yo como compositor y productor, me nutro de eso también.

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Horacio Lavandera

“El sonido comunica cosas que las palabras no pueden” El pianista, intérprete y director se presentó en el Teatro Coliseo junto a la Orquesta Clásica Argentina.

POR MARÍA VILLOL A

horacio lavandera es dueño de un talento único. Oriundo de Devoto y con 34 años, viene de una familia de músicos de los cuales supo absorber técnicas musicales, así como también aprendió a liberarse de prejuicios y marcar su propio camino.

en el pensamiento musical. Una persona puede tener ideas musicales, pero el hecho de cómo las va desarrollando a lo largo del tiempo es muy interesante y yo los invito a todos a que puedan tener un espacio en su vida para descubrir este mundo tan fascinante.

¿Cómo ves la música clásica en la actualidad?

-Considero que con todas las nuevas tecnologías se abren nuevos interrogantes de cómo aplicarlas. Y estos interrogantes son muy buenos porque nos hacen plantearnos cuáles son los sentidos. Por un lado, creo que hay muchísima más gente que tiene acceso a escuchar todo tipo de música. En el caso de la música clásica, es cierto que en una primera instancia muchas personas que no la vivieron de pequeños o no la vivieron en un ambiente propicio, puede ser que les cueste un poco y haya cierta distancia en una cuestión de “esto no es para mí” o “esto es un poco distinto a lo que estoy acostumbrado”. Pero es cuestión de insistir un poco, de darle una segunda chance. Se van a encontrar con un mundo fascinante. Los más grandes compositores de la música clásica como Bach, Mozart o Chopin, tienen un nivel de desarrollo y de elaboración de cada idea que es de lo máximo

¿Cuál es hoy tu desafío?

-Creo que hay una responsabilidad en todos los que podemos dedicarnos al arte en general, de tener siempre la meta de explicarlo y de conmover. No es un trabajo normal, es un trabajo de emociones. Alguien que se dedica solo a perfilar el sonido es una persona que quiere comunicar cosas que con las palabras no puede. El reto es constante y hay que plantearse todo tipo de estrategias para llegar a más público y espero atraer no solo a quienes están acostumbrados a escuchar música clásica, sino también a todos aquellos que de alguna manera incursionaron en la música, para que se lleven un regalo. Desde mi lado de artista, voy a dar todo lo que sé.

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¿Qué consejo le darías al Horacio que recién comenzaba?

-Crecí en una familia de músicos, por lo tanto estuve rodeado de muchos preconceptos, así

que uno de los consejos que creo que lo sigo actualmente, es siempre “liberarte”. “Liberarte” de preconceptos y prejuicios. En eso yo creo que la música te enseña, porque se trata de un origen abstracto, donde no hay palabras. Todo lo que te puedas imaginar es posible. Eso significa la música a la que me dedico. ¿Quién es un gran maestro para vos?

-Tuve la fortuna de elegir y conocer gente que me marcó un camino, a la que le iba haciendo muchas preguntas sobre cómo crear determinado efecto o técnica. Actualmente sigo tomando clases de dirección orquestal con Jorge Rotter.

Con él me voy desarrollando, con todos mis interrogantes. Respecto a la composición, conocí en España a Alberto Posadas. En mi formación como pianista, en primer lugar mi tía abuela Marta Freijido, quien había aprendido del gran Vicente Scaramuzza. Luego pasé a estudiar técnica pianística con Antonio De Raco.Todos estos maestros me dieron su visión de la música y luego uno tiene que ir buscando su camino, golpeándose e intentando de nuevo. Lo que tiene que hacer cualquiera a la hora de hacer su propia experiencia y llevar sus emociones, en este caso, con el sonido.

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Tainy

Salir de los controles El productor puertorriqueño destacó la colaboración junto con Bad Bunny y J Balvin en el álbum Oasis, el toque único del productor y la importancia de las premiaciones.

“Fue increíble trabajar con ellos por la unión de dos mundos diferentes”.

POR SANTIAGO TORRES Y MARÍA VILLOLA

¿Cómo haces para diferenciarte en tus producciones?

-La idea es siempre traer cosas nuevas, que al menos a mí me despierte algo nuevo y que me haga sentir diferente. También de los errores surgen cosas nuevas y sigo aprendiendo. El escuchar diferentes tipos de música te influye y te lleva a nuevos proyectos por diferentes caminos. A mí me encanta el género en el que trabajo, pero 28 B I L L B O A R D A R | S E P T I E M B R E , 2 0 1 9

crecí escuchando muchos tipos de música, especialmente el rock y el hip hop, que son influencias. Así que trato de añadirle aunque sea un toquecito de esas cosas que siempre he escuchado y llevar mi expresión más allá.

“I Like It” de Cardi B, Bad Bunny y J Balvin, además de ser un crossover emblemático, fue elegida como la N°1 del año en la encuesta anual de Billboard. ¿Cuánta libertad tiene un productor consagrado a la hora de utilizar fragmentos de canciones clásicas?

-Hay todo un proceso por el que hay que pasar para llegar a obtener los permisos. Hay canciones en las cuales solamente el sample les da la vida. Lo de “I Like It” fue increíble. Para nosotros fue algo súper cool ser parte de ese proceso que llevó a crear el tema.

¿Cómo te llevás con las premiaciones?

-Los Grammys son súper importantes en la música. Para nosotros es un honor increíble estar nominados, independientemente si ganamos o no, tanto para mí como para todos los compositores y artistas. Este año estoy muy feliz porque muchas de mis canciones están siendo nominadas y fueron reconocidas por la gente de la industria. ¿A qué se debe tanta producción musical en Puerto Rico?

-Puerto Rico siempre creció con la música, influenciado por la fiesta y porque es un país muy alegre. Nosotros siempre crecimos con todo eso y se ve y muchos otros países han adoptado esto que hacemos. Así fue como se formó un movimiento gigantesco.

GENTILEZA TAINY

marcos efraín masís más conocido como Tainy, es un productor musical puertorriqueño del género urbano que ha colaborado con Wisin & Yandel, Janet Jackson, Jennifer López, Daddy Yankee, Don Omar y Alejandro Sanz, Shakira, entre otros. Con aproximadamente 15 años de carrera, comenzó a recorrer este trayecto en plena adolescencia y hoy por hoy se erige como un referente de la escena urbana a nivel mundial. Si bien comenzó utilizando el programa FL Studio, software en el que aprendió a crear canciones a la par de una identidad, aún sigue adquiriendo nuevas técnicas y métodos. “Gracias a Dios he seguido creciendo y aprendiendo”, dice.

Antes de producir temas para Bad Bunny y J Balvin, Tainy compartió estudio con artistas de la vieja escuela tales como De La Ghetto, Jowell & Randy y Wisin & Yandel, entre otros. Su primer hit que acaparó la atención e ingresó en el primer puesto del Hot Latin Songs (anteriormente denominada Hot Latin Tracks) fue “Pam Pam”, tema que co-produjo con Wisin & Yandel en el año 2006. Actualmente, su colaboración con Bad Bunny, titulada “Callaita”, marca el debut de Tainy como artista.

Recientemente, el productor ingresó al puesto N°1 en el chart de productores latinos de Billboard gracias a seis temas que se posicionaron en el Hot Latin Songs. Entre sus trabajos, Tainy se lució en Oasis, el álbum en conjunto de Bad Bunny y J Balvin. “Fue increíble poder trabajar con ellos por la unión de dos mundos diferentes, cada uno en su línea. La recepción que tuvo en el mundo fue impresionante”, dijo.

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LA BANDA MÁS FELIZ DEL MUNDO

El grupo cordobés confirma su lugar como heredero natural de referentes como los Auténticos Decadentes o Los Fabulosos Cadillacs. Acaban de editar su décimo álbum, que presentarán en Obras y en un histórico concierto en el Foro Sol, en la Ciudad de México, ante más de 60 mil personas.

P O R J U A N M A N U E L PA I RO N E

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uien crea que los músicos –y especialmente Los Caligaris- “viven de joda” debería intentar sostenerles el ritmo. Bajarse de un avión luego de diez días de gira por España, acomodar las cosas en casa y seguir trabajando -desde videos para redes a ajustes técnicos para el show o pedidos de merchandising- por una banda que no para de crecer.

Hay olor a asado y chicos jugando en el living. De fondo se observa una galería, una mesa y gente alrededor. Parece domingo pero es viernes al mediodía. No es un festejo ni una ocasión especial, sino apenas una situación más de trabajo. Una entrevista convertida en un almuerzo extendido, pero también una puesta a punto de varios detalles que van y vienen.

Acaban de volver y ya están preparando el show más importante en la historia de la banda. Mientras tanto, van a sacar su décimo disco de estudio y van a presentarlo en algunas ciudades de Argentina y Chile. Luego, sí, llegará el Foro Sol, el escenario más imponente de la Ciudad de México y de todo el país.

Los Caligaris volverán a tocar allí (donde también compartieron escenario con Los Auténticos Decadentes y fueron número central del festival Vive Latino) pero esta vez será otra cosa: ellos serán los protagonistas absolutos de la noche. Como Madonna, los Rolling Stones o Depeche Mode, el próximo 9 de noviembre esta docena de cordobeses -más cordobeses que el fernet con coca- llegará a la meca de la música popular en México.

Del otro lado, habrá 65 mil fans esperando para entregarse al festín musical y a la experiencia apta para

toda la familia que ofrece el laborioso combo de ska cuarterrockero.

México El instagram de Raúl Sencillez (Diego Pampiglione, según su DNI), el baterista del grupo, es un archivo de anécdotas y momentos delirantes. Para cada eventual historia tiene listo el teléfono para remitirse a los hechos. Allí se lo puede ver, por ejemplo, con una máscara saliendo a comprar merchandising “trucho” antes de uno de sus últimos shows en la capital mexicana.

No es más que un reflejo del impacto logrado por Los Caligaris a lo largo y ancho de México. Allí, la banda es virtualmente una de las tres más populares del momento luego de 12 años de visitas cada vez más regulares y shows históricos que se empiezan a acumular.

Uno de esos es el DVD El show más feliz del mundo (2018), que puede verse completo desde el canal de YouTube de Pop Art (compañía que trabaja con la banda desde 2015). El concierto se desarrolló el 7 de octubre de 2017, en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México y frente a 20 mil personas.

Allí estaban festejando 20 años como banda y una década de crecimiento sostenido en el país azteca.

“Lo hicimos para mostrar un poco lo que pasaba allá. Nosotros lo contábamos, lo explicábamos, pero no es lo mismo que vivirlo”, confiesa Martín Pampiglione, cantante y guitarrista. “Sabíamos que empezaba a pasar algo grande cuando vimos las banderas y los tatuajes”, agrega. “Letras de canciones, nuestros nombres, nuestras firmas, cosas muy fuertes. Nunca nos imaginamos esto”, acota su hermano baterista, que inmediatamen-

te muestra una foto de una niña nacida el año pasado en el estado mexicano de Coahuila y bautizada como Katya Caligari.

Luego de ese Palacio de los Deportes, en 2018 llegarían cuatro funciones en el mítico Auditorio Nacional ante más de 40 mil personas. El paso siguiente era, tenía que ser, el Foro Sol. Pero antes era necesario plantear un nuevo espectáculo, con acrobacias, escenografía y agregados a la altura de lo que implica presentar un show en el equivalente a una cancha de River.

También era el turno de volver al estudio para grabar el sucesor de Circología (2015), el disco que acompañó el pico artístico y de popularidad de la banda, y que les dio su primer Gardel. Allí están, entre otras, ”Todos locos”, ”Que corran”, ”Aunque no quiero” o ”Vino y soda”, auténticos clásicos que resumen un ADN Caligari sinónimo de celebración pese a todo. Con raíces jamaiquinas, canción popular, rock “alterlatino” o cuarteto (“tenemos uno por disco”, sentencia Pampiglione), pero siempre con el mismo eslogan: fiesta, alegría y cotillón.

Salva De esa auténtica historia de amor entre los cordobeses y el público mexicano –que empieza a replicarse en países como Colombia y España- nace Salva, el décimo álbum del grupo producido por Martín “Moska” Lorenzo (Auténticos Decadentes), o la excusa formal para una nueva gira a gran escala. También, será el material que presentará la banda cuando en octubre toque por primera vez en Obras, el templo rockero de la ciudad de Buenos Aires.

El título del disco hace referencia a la primera persona que los recibió en la que es hoy la plaza más importante de Los Caligaris: un tal Salvador, alguien que sin duda dejó su huella hasta estos días, en los que el éxito es moneda corriente.

En la memoria del grupo, “Salva” es una suerte de padrino, alguien que les abrió las puertas de su casa y los ayudó en un momento de más incertidumbres que certezas, cuando la excursión mexicana representaba una especie de última carta para lograr la sustentabilidad buscada desde los inicios de la banda en 1997.

“Este disco tiene mucho que ver con eso. México fue una de nuestras últimas fichas apostando por el sueño de vivir de la música”, con-

fiesa Raúl Sencillez. “Si bien acá en Argentina teníamos un desarrollo, creo que nuestra historia se enriqueció a partir de la trayectoria en el exterior. En el 2007 ya teníamos 10 años de andar tocando por distintos lugares”, recuerda.

Desde esa primera gira todo empezó a crecer. Los seguidores, las historias locas, los cartelitos de “agotado”, las relaciones con otro universo artístico y comercial. “Ir a México nos generó muchísimas alegrías, pero también nos dio la posibilidad de aprender muchas cosas, de relacionarnos con otros artistas, de conocer otro mercado, de tocar en festivales muy importantes”, explica Raúl.

“Voy a volver”, el segundo track de Salva, confirma esa apertura a nuevos horizontes. Quien se suma no es otra que Ximena Sariñana, una referente del pop de autor mexicano. La cantante oriunda de Guadalajara aporta un color absolutamente distintivo en una canción que parece resumir el “ida y vuelta” permanente en el que se ha convertido la relación Caligaris-México.

El otro gran invitado es Andrés Ciro Martínez. El excantante de Los Piojos, hoy al frente de Ciro y Los Persas, se suma con naturalidad en “Queda en esta noche”, primer corte del flamante álbum. La canción, que promete alta rotación en radios rockeras, es la confirmación de que Los Caligaris lo han logrado. Tras 22 años de trayectoria incansable, el grupo se acomoda entre los grandes nombres de la música nacional sin la necesidad de flashes ni reconocimientos.

Los 11 tracks restantes de Salva profundizan ese sonido que mezcla pulso latino, raíces de pasodoble y tarantela y espíritu ska.

El amor y el humor siguen siendo los grandes temas principales que Los Caligaris eligen para sus canciones. A través de ellas logran tocar fibras íntimas y luego de una decena de discos pareciera que tienen la fórmula para conquistar el gusto popular. A esta altura, no les queda otra que seguir agigantando su leyenda.

“Es probar y pegarle al arco. Alguna va a entrar. Hay que golpear puertas y si te las cierran hay que ir para otro lado. Probar, errar y acertar. Así ha sido nuestra carrera”, resume Pampiglione, exponiendo una lógica de trabajo que el grupo lleva implantada como un chip.

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LANA DEL REY “NUNCA TOMÉ UN ATAJO”

Con su nuevo álbum, Norman Fucking Rockwell, la cantante hace su música más aventurera y sincera hasta la fecha.

POR MEAGHAN GARVEY // FOTOGRAFIADA POR MELODIE MCDANIEL

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ENGO QUE SUBIR LA COLINA DETRÁS

del Chateau Marmont para llegar a la oficina donde conoceré a Lana Del Rey: el hotel es el nexo de glamour y fatalidad de Hollywood, el guardián de 90 años de secretos de celebridades desde Bette Davis hasta Britney Spears.

Aparece en las imágenes caseras del sencillo “Video Games” de Del Rey y en las letras de canciones como “Off to the Races”. Ella vivió aquí mientras escribía su EP Paradise en 2012. Sharon Tate y Roman Polanski también vivieron aquí, en la habitación 54 antes de mudarse a Cielo Drive donde -exactamente hace 50 años, a partir de la medianoche de esta noche- llegó la familia Manson.

Pero este tipo de conexiones son el estándar en el multiuniverso de Lana Del Rey, donde los guiños a Bob Dylan, F. Scott Fitzgerald, Elton John y Henry Miller pueden coexistir en un solo coro y no sentirse exagerados. (No, en serio: escuchen su dueto de 2017 con Sean Ono Lennon, “Tomorrow Never Came”). Y si la Lana de hace cinco años irradiaba una energía significativa de Sharon Tate alrededor del Valle de las Muñecas, la cantante y compositora de 34 años tiene más de un verano de amor pasado ahora. Las canciones que ha visto de su quinto álbum, el exquisitamente titulado Norman Fucking Rockwell, son mucho más Newport Folk Festival que femme fatale: serpenteantes sesiones de psych-rock jam y baladas resbaladizas de piano que gritan Sylvia Plath. El hilo narrativo a lo largo de todo esto puede llevar a los oyentes por un sinfín de referencias, pero puedes resumirlo así: la música que hace Lana Del Rey solo podría ser hecha por Lana Del Rey. Eso significa canciones como “Venice Bitch” de casi 10 minutos de duración, la melodía más psicodélica en su catálogo, o la canción principal, una balada rica en gemas de una frase como: “Tu poesía es mala y culpas a las noticias”. Las canciones que representan la mejor escritura en su carrera tienen casi cero posibilidades de reproducirse 34 B I L L B O A R D A R | S E P T I E M B R E , 2 0 1 9

en la radio. Norman Fucking Rockwell, publicado el 30 de agosto, es un “récord de estado de ánimo”, como lo describe Del Rey, mientras se encuentra descalza en un sofá de terciopelo en la nueva oficina de su compañía de gestión, un gran espacio en Hollywood Hills con placas de platino que nadie ha llegado a colgar todavía.

No hay grandes éxitos, solo canciones que puedes tocar durante los paseos por la playa y largos recorridos en auto. Esto no es exactamente una sorpresa: el único éxito de Del Rey entre los 10 primeros en el Billboard Hot 100 fue un remix de Cedric Gervais de su canción “Summertime Sadness”. Pero en la era del streaming, cuando el éxito a menudo significa obtener sencillos fácilmente digeribles en las listas de reproducción correctas, hacer un álbum destinado a revolcarse durante 70 minutos no solo es inspirado, es desafiante.

Sin embargo, es un enfoque que ha funcionado para Del Rey: sus canciones, incluso las largas y extrañas, acumulan fácilmente decenas de millones de reproducciones, y en general han acumulado 3.900 millones de reproducciones en los Estados Unidos, según Nielsen Music. Colectivamente, su catálogo de álbumes ha vendido 3.2 millones de copias en los Estados Unidos, y todos sus álbumes de estudio de grandes sellos han

debutado en el Billboard 200 en el Nº1 o Nº2. El primero de ellos, Born to Die (2012), es uno de los tres únicos títulos de una mujer que pasó más de 300 semanas en el Billboard 200. (Los otros dos: Adele’s 21 y Carole King’s Tapestry).

Born to Die también ha pasado 142 semanas en la lista de álbumes de vinilo de Billboard: más que Purple Rain de Prince, igual que Thriller de Michael Jackson y justo detrás de Rumours de Fleetwood Mac. Es una indicación de que, por amplia que sea su base de admiradores, también es profunda, con una proporción de devotos incondicionales y casuales que incluso las estrellas

con éxitos de radio ineludibles podrían envidiar.

La fuerte estética de Del Rey y su singular sonido vintage, que se alejó de sus influencias iniciales de pop y hip-hop, ha mantenido interesados a sus jóvenes fanáticos y les ha permitido crecer con ella.

“Cuando firmamos [un artista], no es necesariamente lo que todos escuchaban, pero son los que tenían una visión real”, dice el presidente y director ejecutivo de Interscope, John Janick. “Lana está en la zona cero de eso. Ha habido muchas otras personas que se han inspirado en Lana. Es enorme, ha vendido millones de álbumes, pero siempre

“TENGO UN LADO MÁS EXCÉNTRICO CUANDO SE TRATA DE LA MUSA DE LA ESCRITURA, PERO SIENTO MUCHO QUE LA ESCRITURA NO ES LO MÍO: YO SOLO ESCRIBO. CUANDO LA ESCRITURA ME TIENE, ESTOY EN SU HORARIO. PERO CUANDO ME DEJA EN PAZ, SOLO ESTOY EN STARBUCKS, HABLANDO MIERDA TODO EL DÍA”.

ha estado en sus términos”.

Este ha sido el trato de Del Rey desde el principio. “Algunas personas realmente están tratando de entrar en el espíritu de la época, y ese no es mi modo, nunca me importó”, dice Del Rey, acunando un café con las yemas de los dedos pintadas de azul cielo. “El camino de mi pequeño corazón tiene un camino tan distinto”. “Creo que estoy siguiendo a esta musa, y ella quiere estar en el bosque.”

Los instintos de Del Rey son lo que llevó a Interscope a firmar un contrato internacional de empresa conjunta con el sello británico Polydor en 2011 y lo que obligó a

sus gerentes Ed Millett y Ben Mawson a crear su compañía, TaP Music, con Del Rey como su primer cliente en 2009. “Fue en ese momento de máxima piratería cuando nadie en el negocio de la música ganaba dinero, por lo que las discográficas simplemente no corrían riesgos”, recuerda Millett. “Pasamos una de sus canciones en una reunión de A&R, y decían, ‘¿Sabes lo que se está vendiendo en este momento? Kesha’. Pero tuvimos suerte con Lana porque ella sabía exactamente quién era. Nuestro trabajo consistía en asegurarnos de que todos entendieran eso”.

Esa batalla por la comprensión ha seguido a Del Rey durante gran parte de su carrera. “La gente simplemente no podía creer que pudiera ser tan impactante. Todavía creo que hay un tinte de misoginia detrás de todo eso”, dice Millett, refiriéndose a los interminables debates sobre la autonomía creativa de Del Rey. “Se dio cuenta muy rápidamente, que al estar en el centro de esa tormenta, no iba a ganar”.

Así que profundizó en su propio mundo extraño, y en algún lugar entre su tercer y cuarto disco, con el jazz embrujado de Honeymoon de 2015 y la gente de la nueva era de Lust for Life de 2017, parecía que la gente finalmente lo entendía. O, al menos, la gente que estaba destinada a conseguirlo lo consiguió.

Después de todo, Del Rey nunca tuvo la intención de hacer música popular, incluso ahora que encabeza los festivales. Simplemente sucedió de esa manera: una poeta disfrazada de estrella del pop.

En muchos sentidos, Norman

Fucking Rockwell se siente como un cumplimiento del trabajo preliminar que ha pasado casi una década tendiendo: ahora es libre de ser Lana, sin hacer preguntas. “La gente quiere aceptar su falta de fórmula”, dice Millett. “Y ahora puede hacer lo que quiera porque la gente lo ha aceptado; bueno, ella es brillante”. Aunque ha vendido estadios en el pasado, la etapa norteamericana de su próxima gira de otoño la tiene tocando en anfiteatros y lugares al aire libre que se sienten especialmente adecuados para el estilo de su música. Y si sus canciones se sienten más ligeras, es por que Del Rey también lo hace.

“Quiero decir, nunca he tomado un atajo, y creo que eso no se detendrá ahora”, dice, con los pies sobre la mesa de café. “Realmente no me ha servido de nada seguir todos mis instintos. Es el camino más largo y arduo. Pero te lleva al punto en el que, cuando todos se copian unos a otros, piensas: ‘Me conozco lo suficientemente bien como para no querer ir a ese delirio sin diferencias’”.

En persona, el ambiente de Del Rey no es el de una heroína negra o un trovador popular, sino una amiga de la universidad que ahora vive en los suburbios. Sus pantalones cortos de jean, su camiseta blanca y su cárdigan gris podrían haber sido fácilmente arrebatados de un maniquí a los American Eagle Outfitters más cercanos. Un par de veces en nuestra conversación, ella deja escapar un “Gee whiz!” (un especie de “Oh Dios mío!”). Entre los anuncios de la gira y las sesiones de campaña de Gucci, su Instagram

consiste principalmente en poesía de captura de pantalla y fotos de brunch de Pascua con sus amigas.

Para la compositora popular más distintiva de la última década, ella parece desalmadamente básica. “¡Oh! Soy yo! En realidad solo soy eso”, coincide Del Rey, con los ojos brillantes. “Tengo un lado más excéntrico cuando se trata de la musa de la escritura, pero siento mucho que la escritura no es lo mío: yo solo escribo. Cuando la escritura me tiene, estoy en su horario. Pero cuando me deja en paz, solo estoy en Starbucks, hablando mierda todo el día”. A partir de 2011, cuando estalló su sencillo “Videojuegos”, casi sin batería y prácticamente sin gancho, la cantante repentinamente polarizada encontró difícil moverse por el mundo real sin molestarse. Pero algo cambió hace unos años; ella no está segura si se relajó o si todos los demás lo hicieron. En cualquier caso, ella es la más feliz entre la gente, ya sea que se quede en las cafeterías de Silverlake o se sumerja en Newport a patinar. “Tengo la oreja en el suelo”, dice con un guiño conspirador. “En realidad, ese es mi objetivo principal”.

De alguna manera, esto solo hace que Del Rey sea más extraña y genial: la suma sacerdotisa del pop triste que ahora sonríe en las portadas de los álbumes y publica historias de Instagram que te invitan a ver el evento de acondicionamiento físico de su amiga en Hermosa Beach. Se podía sentir el cambio en Lust for Life, donde alistó a todos, desde A$AP Rocky hasta Stevie Nicks, y cambió la interioridad de sus primeras canciones por himnos sobre los derechos de las mujeres y el estado del mundo.

Incluso parecía que quería jugar al pop un poco, hasta trabajó con el superproductor Max Martin en la canción principal. Incluso citó a los grupos de chicas de los 60 y elevó al gigante del R&B The Weeknd como el Beach Boy perdido de hace mucho tiempo.

Entre los que ingresaron al redil creativo de Del Rey en Norman Fucking Rockwell se encuentra Jack Antonoff, el cuatro veces ganador del premio Grammy que se ha convertido en colaborador de los grandes éxitos del synth-pop para personajes como Lorde y Taylor Swift. Llamar al productor más deB I L L B OA R D.CO M . A R

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mandado de Big Pop no parece un movimiento muy Lana Del Rey, y ella lo sabe.

“No estaba de humor para escribir”, admite. “Él quería que lo conociera en algún restaurante al azar, y yo estaba como,‘Ya trabajaste con todos los demás; no sé dónde hay espacio para mí’”. Pero cuando Antonoff tocó sus 10 minutos de riffs extraños y atmosféricos, Del Rey pudo imaginar inmediatamente su nuevo álbum: “Un disco folklórico con un pequeño toque de surf ”. Al final, Antonoff terminó co-produciendo casi todo el proyecto, junto al antiguo colaborador Rick Nowels y la propia Del Rey. La mayoría de Norman Fucking Rockwell sigue caprichos similares, o, como dice Del Rey, “Tiempo divino”. Aunque artistas como Billie Eilish y Ariana Grande han llevado la creación de la música pop a un lugar más informal e impulsivo, Eilish la grabó álbum debut con su hermano productor Finneas O’Connell en su habitación de la infancia, mientras que Grande escribió la mayor parte de Thank U, Next en una semana. El enfoque de Del Rey parece aún más informal.

“Ella no sigue ningún tipo de plan más allá de lo que siente que es correcto, y funciona todo el tiempo”, dice Millett.

Eso incluye el cover del sórdido éxito de 1996 de Sublime “Doin ‘Time” -canción esencial la de la discografía de la banda de ska de Long Beach, California- grabado por puro fandom, pero de alguna manera un complemento perfecto para el álbum. “Estuvimos involucrados en la producción ejecutiva del documental de Sublime [reciente] porque su catálogo es a través de Interscope, y Lana estaba hablando de cuán fan era”, dice Janick. Como

sucedió, su primer productor fue David Kahne, quien había trabajado con Sublime en los años 90.

“Así que ella terminó haciendo ese cover, que resultó increíble.”

El título del álbum fue algo que se le ocurrió cuando armonizó al azar el nombre del ilustrador estadounidense mientras grababa “Venice Bitch”, aunque reconoce que ella y Rockwell -un idealista cuyas descripciones acogedoras de Boy Scouts y pavos de Acción de Gracias adornaban las portadas de las revistas durante la mitad del siglo XX-, ambos han explorado grandes preguntas sobre el sueño americano en su trabajo. Y luego está la obra de arte que ha estado usando para los singles del disco: fotos de iPhone extrañamente casuales que se sienten un poco descartadas porque, bueno, lo son.

“Cada vez que mis gerentes me escriben, ‘¿arte de tapa?’ Les digo: ‘¡Estoy como, enviar!’”, se ríe, haciendo la pantomima de sacarse una selfie. “Y simplemente me envían el emoji del dedo medio”.

La semana de nuestra entrevista, solo unos días después de que ocurrieran dos tiroteos masivos consecutivos en El Paso, Texas y Dayton, Ohio, Del Rey grabó una canción llamada “Looking for America”. No había planeado escribirla, pero los tiroteos la afectaron en un “nivel celular”, como lo expresó en una historia de Instagram, que también incluyó un claro descargo de responsabilidad: “Ahora sé que no soy un político y no estoy tratando de disculparme por tener una opinión”. Sobre la guitarra acústica de Antonoff, canta suavemente: “Todavía estoy buscando mi propia versión de América / Una sin armas, donde la bandera puede volar libremente”.

“INCLUSO LA PORTADA DE NORMAN FUCKING ROCKWELL, DICE DEL REY, FUE DISEÑADA PARA CULTIVAR UN SENTIDO DE COMUNIDAD. POR PRIMERA VEZ EN SU DISCOGRAFÍA, NO SE LA REPRESENTA SOLA”.

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La silenciosa canción de protesta es un movimiento que apenas puedes imaginar que ella haya hecho hace cinco años. No fue hasta Lust for Life, reconoce, que se sintió lo suficientemente valiente como para tener una opinión política abierta. “Es un mundo bastante crítico, donde la gente dice: ‘¡Sigue cantando!’ “, dice ella. “No se lo dicen a todos, pero lo escuché mucho”.

Con esa sensación de permiso ha llegado una especie de paz y una aceptación que evadió a Del Rey en sus primeros años de carrera; ella nunca ha consentido a sus críticos, pero es bueno ser entendido. “A veces, frente a las mujeres, había tantas críticas. Si no eras solo una fórmula que se metabolizaba fácilmente y se podía descifrar: eras una persona loca”. Se maravilla, al notar un cambio en la percepción de las estrellas pop femeninas que sucedió recientemente (uno catalizado en gran parte por su propio arco de carrera). Recientemente grabó una canción para la banda sonora del próximo reestreno de Los Angeles de Charly con Grande y Miley Cyrus, estrellas que también han enfrentado críticas por las formas en que no se ajustan a las expectativas de las mujeres en el centro de atención.

Sus canciones más nuevas son algunas de sus más personales, particularmente el álbum más cercano, “la esperanza es algo peligroso para una mujer como yo, pero la tengo” (un título que solo Del Rey podría lograr). También se mueve ansiosamente en los márgenes del movimiento #MeToo, aunque nunca a grandes rasgos. “Estaba marcada por las referencias de vivir en Hollywood y ver tantas cosas que no me parecían correctas, cosas de las que nunca pensé que tendría permiso para hablar, porque todos lo sabían y nadie dijo nada”. “La cultura sólo cambió en los últimos dos años en cuanto a si la gente te creería. ¡Y llevo 15 años en este negocio!”.

“Así que me estaba escribiendo una canción”, exhala profundamente, hundiéndose en el sofá. “La esperanza es algo realmente peligroso para una mujer como yo, porque sé mucho”. Del Rey hace una pausa.

“Pero la tengo”.

Del Rey ha estado pensando mucho en la esperanza y la fe últimamente. Ella ha ido a la iglesia todos los miércoles y domingos con un

grupo de amigas. A ella le gusta la idea de una red de personas con las que puedas hablar sobre querer algo más grande, solo otra extensión de su afición por reflexionar sobre los misterios del universo.

(Oportunamente, estudió metafísica y filosofía en la Universidad de Fordham en Nueva York).

“Realmente creo que lo que más ha transformado mi vida es saber la magia del concepto de que dos cabezas es mejor que una”, dice.

Eso también se ha infiltrado en su música. Del Rey dice que no se había dado cuenta hasta hace poco de cuán aislado había sido su proceso creativo durante tanto tiempo. En estos días, las sesiones de estudio se sienten más como acogedoras sesiones improvisadas, según Laura Sisk, la ingeniera ganadora del Grammy que trabajó estrechamente en el disco con Del Rey y Antonoff. “Algo que me encanta de Norman es la cantidad de energía de la sala que podemos grabar”, dice Sisk. “A menudo no usamos una cabina vocal, por lo que estamos sentados juntos en una habitación grabando, generalmente justo después de que se escribió la canción y la sensación sigue siendo intensa en la habitación”.

Incluso la portada de Norman Fucking Rockwell, dice Del Rey, fue diseñada para cultivar un sentido de comunidad. Por primera vez en su discografía, no se la representa sola. Está en un bote en el mar, con un brazo envuelto alrededor del actor Duke Nicholson (un amigo de la familia y nieto de Jack), y el otro estirando la mano para llevar al espectador a bordo. Mientras explica la idea, Del Rey analiza su considerable lista de citas mentales y ofrece esta de Humphrey Bogart a través de Ernest Hemingway: “El mar es el último lugar libre en la tierra”.

Un lugar, en otras palabras, donde finalmente puedes ser tú mismo.

Del Rey dice que las portadas de sus álbumes tienden a ser profecías autocumplidas: cualquier energía que ella ponga en ellas tiende a dar forma al próximo capítulo de su vida. Está ansiosa por ver cómo se manifiesta este, con los brazos abiertos y el sentido de la aventura encendido. “Vamos a algún lado”, dice con una sonrisa misteriosa. “No sé a dónde vamos.

Pero donde sea que esté, mis pies estarán en el suelo”.

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cazzu La jefa que quiere ser leyenda

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Tras el lanzamiento de Error 93 y tres sold out en el Teatro Ópera en tiempo récord, la artista de trap más influyente del país se encamina a la conquista del continente. Una historia marcada por el sacrificio, la resiliencia y el empoderamiento femenino como bandera.

Por Walter Garré Fotografiada por Facundo Ballve

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parte de ser mi propia jefa es saber que te tenés que cuidar”.

La resiliencia es la capacidad que tienen algunos individuos de sobreponerse a momentos críticos y adaptarse; se caracterizan y diferencian de los demás por su postura ante la superación de una adversidad con el fin de pensar en un mejor futuro. Esta capacidad es uno de los pilares que Julieta Cazzuchelli capitaliza para explotar su arte.

ingresar en el mundo de julieta Cazzuchelli es como abrir uno de esos libros de elige tu propia aventura: a lo largo de su crecimiento hubo multiplicidad de caminos, bifurcaciones y sorpresas. La jujeña es la excepción a todas las reglas del trap: su origen no data de las plazas, ni es el producto manufacturado de un productor inteligente; tampoco es un fenómeno de YouTube o de las redes.

Perteneciente a una movida cuyo género es denominado “urbano”, Julieta tampoco viene de una urbe.

Cazzu es nada más y nada menos que Cazzu, porque su historia es única y no se parece a ninguna en el círculo del trap.

Nacida en la localidad de Fraile Pintado (partido de Ledesma en Jujuy) allí vivió sus primeros 18 años, una edad en la que hoy tempranamente pequeños traperos se suben a los escenarios y cantan ante miles de personas. Lejos de ser una desventaja, la educación de sus padres (sobre todo su madre) forjó los sólidos cimientos que hoy le permiten ser una artista que tiene muy claro lo que quiere sin marearse. “Es complicado explicarles a los chicos en la vorágine del hype que hay que calmarse.

Con 16, 17 años, tenés toda la vida para hacer un montón de cosas.

Te vas a prender fuego ahora, y mañana no vas a tener nada más para hacer”. Así nos habla de las exigencias a las que son sometidos algunos de sus compañeros y amigos de la industria. “No hago más de tres shows por noche, no quiero morirme en una ruta. ¡Quiero estar viva! Quiero estar bien, piola, levantarme e ir al estudio. ¿Quedarme sin voz por hacer cuatro bailes? No. Yo no quiero la guita. Yo la guita la necesito, no la quiero, y eso es bien diferente. Y para seguir haciendo plata, tengo que seguir viva y cuidar mi voz. Y 40 B I L L B O A R D A R | S E P T I E M B R E , 2 0 1 9

El origen del error Nacida en 1993, llegó a la música de la mano de su padre, un guitarrista aficionado del folclore responsable de encender la llama en las hermanas Julieta y Florencia (hoy DJ en Tucumán y dueña de una voz prodigiosa). Lejos de ser un lecho de rosas, el camino recorrido tuvo momentos agridulces en diferentes géneros: intentos fallidos en el mundo de la cumbia, el rock, el nü metal y el reggae formaron parte de los proyectos a los que se subió en su adolescencia, hasta llegar a su pasión, el reggaetón.

“Hoy es un buen momento de la música porque estamos todos bastante desprejuiciados con respecto a los géneros. La construcción de mi personalidad tiene que ver con todo lo que tuve que vivir lejos de mi casa, de los golpes que viví, y es importante amigarse con los géneros que representan algo para vos.

Yo tengo la conciencia de que puedo hacer muchos otros géneros”.

Una de las cantantes que inspiró el trabajo en Error 93 fue el disco Badlans de Halsey. Este dato puede ser sorpresivo para cualquier distraído, sin embargo quien conoce a Cazzu sabe que es una todo terreno. “Si vos escuchas Badlans de Halsey y Error vas a encontrar un montón de puntos en común” En la casa de Cazzu (un templo cute lleno de osos de colores, muñecos y diseños artísticos de autoría propia) se respira música: la entrevista se transforma en charla informal sobre la actualidad de la música, el furor por el country en EE.UU. y el récord del Hot 100 con “Old Town Road” de Lil Nas X, una canción de country trap. ¿Pero sabés quién inventó el country trap? Nos desafía Julieta. “Post Malone. Los discos de Post Malone son lo más country trap. La diferencia de lo que pasó con Lil Nas X es que Malone está tildado como un rocker, pero si lo escuchás con atención el empezó a mezclar el country con el trap”.

¿Para los traperos argentinos quién creés es el referente estadounidense, quien los influenció más?

- Hay muchos que respetamos, pero sinceramente creo que Migos es la escuela de los pibes del trap.

También hay mucha euforia con el underground del género, pero los chicos acá crearon un flow propio, que no se parece a nada que hayan hecho los norteamericanos. Ni siquiera se parece a lo que se hizo en Latinoamérica, es bien nuestro.

Por acento nuestro flow está más relacionado con el de Estados Unidos; para nosotros es más sencillo hacer trap hardcore, algo que los latinos centroamericanos no pueden hacer: lo de ellos pasa más por las notas alegres, con cantito, nosotros somos más fríos y oscuros.

El ADN rockero de nuestro país de alguna manera permitió también que para nosotros sea más sencillo hacer ese trap hardcore.

Artista de exportación Otro de los distintivos de Cazzu con respecto a sus compañeros de género es que se convirtió (al nivel de Lali, Tini o Paulo Londra) en una de las artistas más requeridas en el exterior para la realización de colaboraciones. Pero no es ella quien los busca para sumar likes, sino más bien todo lo contrario: son los extranjeros quienes vienen a ella, creando un puente entre la música urbana de nuestro país y el triángulo Puerto Rico/República Dominicana/Medellín. “Hace muy poco me empecé a dar cuenta de lo que para ellos significaba trabajar conmigo, básicamente porque yo soy una persona que va por la vida haciendo; no me paro a pensar tanto, soy más de hacer.

Me da mucha felicidad que la gente me conozca por mi música, o que algo de lo que hago les llamó la atención”. Pero este no es su techo: solamente basta recordar que Cardi B (la artista femenina número 1 del género) subió hace unos meses a sus stories de Instagram un video cantando Cazzu. “Lo que pasó con Toda representó algo muy piola y demasiado orgánico.

En ese momento yo no entendía

el business, no sabía lo que era la RIAA ni lo que era un certificado de platino. Tampoco se conocía mucho a Alex Rose, yo no lo conocía a Rauw, y en Puerto Rico ellos eran la nueva ola, solo que todavía no habían llegado acá”.

A la fecha cuenta con más de 10 colaboraciones con artistas urbanos, incluyendo a Alex Rose, Dalex, Rauw, Rafa Pabön, Sech y Bad Bunny.

Así explica la jujeña los motivos de esa conexión con el mundo: “Una de las razones es, que dentro del grupo de los que estamos en Argentina, yo soy la más reggaetonera de todos. Esa es mi escuela verdadera. Me gusta, me gusta el reggaetón. Esa es mi escuela verdadera. Y si me quiero inspirar, me pongo a escuchar reggaetón. Pero creo que el aspecto más importante de mi relación con el mundo y los artistas de afuera tiene que ver con mi personalidad.

Todo es cuestión de estilo, de personalidad y carácter.

“Loca” es un ejemplo de canción en la que se habla y canta si prejuicios. Se dice, se habla de frente y te deja la sensación de ‘listo ya lo hizo alguien primero, vamos todos’”.

Tenés folclore, cumbia, rock, dubstep, nü metal, pero tu pasión es el reggaetón. ¿Cómo llegaste al género?

- Al principio había un versus entre el reggaetón con el mundo del hip hop; yo me tuve que enojar con el hip hop para poder expresarme en el reggaetón, porque era como si lo traicionaras. Para mi, interiormente, ese versus nunca existió, porque para ser reggaetonero tenías que haber sido antes rapero. Hoy podes empezar tu carrera con el reggaetón, pero en ese momento tenías que haber sido necesariamente rapero antes. ¿Qué pasa cuando el pop utiliza los elementos del urbano? ¿Lo sentís como apropiación cultural?

- No, no me pasa nada, cuando estamos juntos con los del ambiente nos reímos, pero si tenemos que pensar en apropiación

“Para mi es más importante ser una leyenda que ser una superestrella; por eso no me conmueve la plata, a mí no me podes comprar”.

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cultural todos en Argentina somos una mezcla de culturas tremenda.

Yo si mañana me quiero poner a hacer K-pop lo hago sin ningún prejuicio. Es importante para nosotros por el ego musical, marcar la cancha y saber que no estamos en el mismo gang. Pero también pasa al revés, yo fui a los Premios Juventud en Estados Unidos, que son del mundo pop.

El Negocio Cazzu entiende el negocio como pocos, pero no como manufactura, sino como arte. “Yo me abrazo mucho a mi música porque es lo que me da el poder, pero nada salió de otra cabeza que no sea la mía”. El negocio como un arte, y también como un deporte “quien es más ágil y quien es más piola”, nos dice. Bien acompañada por su entorno pero siempre presente, Julieta se sienta en todas las mesas en las que se conversa sobre sus próximas movidas. Frontal, nunca va a salir de una sala con la sensación de haberse quedado con las ganas de decir algo.

O sea que negociás fuerte - Yo hago mis negocios. Elijo cuántos Opera hago, elijo qué canciones quedan, elijo cuánto valor tiene mi merchandising que, además, diseño, dibujo y vendo. Siento que es muy difícil que alguna de mis actividades se haya resuelto sin que yo haya dicho como se tenía que hacer. Diseñé mi show, lo tengo acá en la notebook.

Tres generaciones de mujeres empoderadas Adentrarse en el árbol genealógico de las Cazzuchelli es un viaje apasionante hacia una historia de empoderamiento femenino, muchí-

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Diciembre 1993

Julieta Cazzuchelli nace el 16 de diciembre de 1993 en Ledesma, Jujuy, Argentina.

simo tiempo antes de que el tema estuviera siquiera en la agenda de la sociedad. “Siempre le digo a mi mamá que todo lo que soy es una construcción mejorada de ella”, nos cuenta riendo. Metiéndonos en los tiempos cuando su vida transcurría en la casa de sus padres podemos entender uno de los factores más importantes por los cuales hoy la artista domina la escena: su crianza fue una de las patas fundamentales de su éxito actual. La pasión por la música de su papá, y la personalidad e innovación comercial de su mamá fueron los ingredientes de la fórmula que dio como resultado una artista que combina personalidad, carisma y talento.

Su madre era una comerciante innovadora, creadora de proyectos. Cuando notó que en Fraile Pintado no había pollerías, allí fue a instalar una exitosamente.

Cuando se aburrió (y también le llenaron el pueblo de pollerías)

L Noviembre 2017

Lanza “Loca” junto a Khea y Duki a través de Mueva Records. La canción se convierte en un antes y después para la escena urbana argentina.

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Marzo 2018

comenzó otra vez de cero con un local de cotillón. El renacimiento es algo que estuvo muy presente en la carrera de Cazzu, sobre todo en sus comienzos. “Yo no sé si ella dimensiona lo que eso significó para mí, esa habilidad de llevar delante de cero un proyecto que nace en la cabeza y ponerlo en práctica.

Yo soy todo lo que mi mamá me mostró en su vida”.

Pero su madre no fue solamente una educadora de modelos de negocio. Aún dentro de un pueblo de apenas unos miles de habitantes, siempre preparó a sus dos hijas para el momento en el que deberían dejar el hogar, consciente que vivirían en un mundo en el cual las mujeres estaban en condiciones de desigualdad. “Ustedes se van a ir a estudiar, ninguna de las dos va a vivir acá: tienen que saber y estar preparadas para estar solas”. ¿Qué van a hacer cuando estén solas? La madre de Cazzu había entendido

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Bad Bunny lanza un remix de “Loca”, y se construye el primer puente de la cantante con el resto de Latinoamérica.

la lucha del feminismo muchos años antes del saludable movimiento que está transformando las bases de nuestra sociedad. Recientemente, tuvieron una charla sobre la dura preparación para el mundo real. Julieta emocionada nos relata: “Ella me dijo que sentía que no había estado tan bien siendo tan dura, y yo siento que no podría haber estado mejor, jamás hubiera querido que nos crie de otra manera. Nos convirtió a mí y a mi hermana en lo que somos”.

Pero la mirada femenina viene en el linaje familiar aún desde antes: la abuela, gran matriarca de la familia (que tuvo cinco hijas mujeres) se separó del abuelo de Julieta a los 70 años (50 de casados) luego de una situación de violencia. Una familia de mujeres empoderadas, que lejos del mandato cultural y social de tolerar y bancar la violencia masculina, se plantó frente a la situación y se apoyaron mutuamente.

A Mayo 2018

Es invitada por Bad Bunny a sus shows en el Luna Park, junto a Duki (también invitado) cantan “Loca” por primera vez juntos. Meses después sería invitada por Duki para repetir la secuencia en un nuevo Luna Park sold out.

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Junio 2018

Se suma al remix de “Toda” con Alex Rose, Lyanno, Rauw Alejandro y Lenny Tavárez, y consolida su relación con Puerto Rico.

Más adelante Cardi B publicaría una historia de Instagram cantando la parte de Cazzu.

“Yo hago mis negocios. Elijo cuántos Opera hago, elijo qué canciones quedan, elijo cuánto valor tiene mi merchandising, que además diseño, dibujo y vendo.

Es muy difícil que alguna de mis actividades se haya resuelto sin que yo haya dicho como se tenía que hacer”.

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Marzo 2019

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Se presenta por primera vez en el Lollapalooza Argentina. Además, forma parte de “Tumbando el Club (Remix)” junto a C.R.O, ObieWanshot, Ysy A, Khea, Lucho SSJ, Coqeéin Montana, Marcianos Crew, Duki y Neo Pistea. La canción es considerada el himno del trap argentino, y debutó en el N°3 del Billboard Argentina Hot 100.

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Mayo 2019

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Dalex le pide que se a parte de “Pa mi (remix)” junto a Sech, Lenny Tavarez, Rafa Pabon, Feid y Khea. La canción llega N°2 del Billboard Argentina Hot 100.

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Junio 2019

c Julio 2019

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Agota en tiempo récord las entradas para sus tres shows en el Teatro Ópera.

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Agosto 2019

Presenta de forma sold out en el Teatro Ópera su último álbum Error 93.

Edita su segundo álbum de estudio Error 93.

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“Yo no quiero la guita. Yo la guita la necesito, no la quiero, y eso es bien diferente. Y para seguir haciendo plata, tengo que seguir viva y cuidar mi voz. Y parte de ser mi propia jefa es saber que te tenés que cuidar”.

Es momento de construir El movimiento feminista logró avances importantes en nuestro país, pero parte de Latinoamérica sigue sufriendo la indiferencia ante la violencia de género, y ahí es donde Cazzu se siente fuerte enfrentando al sistema. “En nuestro país nosotras rompimos algo que venía de muchísimo tiempo y era muy importante quebrarlo; ahora es el momento de construir sobre lo que rompimos. Construir algo nuevo, la comunión entre hombres y mujeres, entre humanos; porque nos estamos olvidando que todos somos humanos. Somos personas, nos respetamos porque somos per-

VESTUARIO m.a.g.i.a MAKE UP Paz Sykesmua PEINADO Freestyling trencería VIDEO BACKSTAGE Julieta Méndez

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sonas, porque somos humanos y valemos lo mismo.

Volvamos a la música. Vos no dejas que otros te compongan. ¿Por qué?

- No es por una cuestión de ego.

No es porque crea que yo puedo hacerlo mejor que otro. De hecho no tengo la capacidad de hacer hits.

No me gusta que me compongan porque yo quiero que queden bien claras las cosas que quiero decir.

Por eso dejo que me hagan pistas, pero lo que canto lo escribo yo. En la palabra quiero ser yo. ¿Qué es un hit para vos y qué

significa? ¿Te importan?

- Respeto mucho el hit orgánico. Respeto mucho a “Pa mi” que fue un hit totalmente orgánico, fue como plantar un semilla y creció un árbol. Es una canción que estando sola no hubiera hecho, pero con todo el respeto que le tengo a los pibes la hice. Dalex a mí me encanta, no había hecho nada hasta ese momento, acá no lo conocían. Yo lo venía escuchando y la rompía, hace un muy buen R&B. Cuando me mandó la canción para hacerla con él acepte de una, además estaba Rafa Pabön que me gustaba y Sech.

Respeto mucho esa clase de hits.

Sé que existe el hitmaker, las personas correctas para hacer un hit, existe el compositor, la nota, el flow y lo que decís para hacer un hit. Yo no soy de esas personas.

Por ejemplo creo que “Visto a las 00:00” sería un hit si fuera de otra persona. Pero yo no lo permito, no termino de dejarlo de ser hit.

Si yo a “Visto” le hubiese hecho un video todo saturado y contrastado en un estudio capaz que era un hit. Pero decidí ponerme a correr como loca en un bosque.

Entonces siento que soy yo la que no se permite tener un hit. ¿Por qué? Porque me da miedo que la gente me conozca por cosas que no son 100% yo. ¿Como es tu relación con tu equipo de trabajo?.

-Mis Managers son Fabio Acosta y Leonardo Belizan. Con Fabio generé una relación que también explica mi crecimiento en Latinoamerica y Estados Unidos, él es uno de los nexos. Yo me senté con gente de acá y mi pregunta era ¿qué me estas ofreciendo a mí de valor agrega-

do? ¿Qué me estas ofreciendo que yo rompiéndome el orto no pueda conseguir? ¿Qué me ofrecés que yo no pueda lograr sin tener que pagarte? No me sirve. Dame algo a lo que yo no pueda acceder. Plata no porque yo la puedo generar, es una ofensa para mí hacerme sentar a negociar con vos y me ofrezcas plata. Porque no la necesito.

En el 2018, Billboard organizó una tapa con los artistas trap de Mueva Records, y tanto Cazzu como Ecko prefirieron mantenerse al margen. Con el diario del lunes, fue una jugada de ajedrez de la jujeña, que en su momento pocos comprendieron: “Yo no fui porque no me sentía representada por lo que esa tapa quería decir. Yo no era una creación de Mueva. Yo nunca fui una creación de Mueva. Yo no soy una creación de nadie más que mía. Y tampoco éramos los Backstreets Boys. Eso también era algo de lo que yo me quería apartar, porque todos teníamos objetivos diferentes, no teníamos la misma manera de trabajar, ni teníamos los mismos valores. Yo era un invento mío, y no quería quedar como alguien que me habían descubierto e inventando. Éramos un bloque de personas que teníamos objetivos distintos. Yo fui una amiga, una mamá para todos, era la que tenía más recorrido que todos y era la más grande”.

El apodo de “Jefa” parece quedarle a medida, aunque a ella no le guste catalogarse de nada. “Lo prefiero antes que reina. Cuando me dicen la Jefa no se bien como sentirme, pero cuando me dicen la reina me siento mal. Entonces es suplantar una palabra con otra, porque no me gusta catalogarme”.

A partir de ahora, ¿cómo sigue tu carrera?

- Yo no quiero ser una superestrella. No es que no quiero, no estoy esperando ser una superestrella. No estoy acá con eso en la cabeza. No es mi objetivo específico.

Para mí eso viene por detrás. Yo lo tengo posicionado al revés, puede pasar o no. Yo quiero ser Cazzu, quiero ser una chabona que hace música, no importa si es para 100 o para 5000 personas, una música distinta, original, quiero que cuando veas no encuentres otra parecida, quiero que te sientas orgulloso de que seguís a Cazzu. Para mí es más importante ser una leyenda que ser una superestrella; por eso no me conmueve la plata, a mí no me podes comprar.

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Nani

La ilusión de lo nuevo Nani Bargiano pasó por la casa de Billboard Argentina y habló acerca de su primer EP en camino, artista con la que le gustaría colaborar y también de “Inevitable”, su single más reciente. “parece mentira pero ahora se viene mi EP”, dice Nani Bargiano, la joven artista que comenzó grabando covers en inglés y ahora ya cuenta con repertorio propio. Su estilo se describe como una fusión del pop local e internacional, inspirándose en uno de sus mayores referentes musicales: Ariana Grande. “Es la reina del pop”, dice, y si de colaboraciones soñadas se trata, la elige en primer lugar.

Con EP en camino de la mano de 3 Música, Nani lanzó recientemente el sencillo titulado “Inevitable”, que habla de amores y desamores. Y ante la pregunta de algo inevitable en su día a día, responde que lo primero que hace es maquillarse a la mañana. Todo en su vida se vincula con el arte y la creatividad. Si tuviese que optar por un camino alternativo a la música, “haría algo relacionado con el arte como el diseño, la expresión y la transmisión de un mensaje”.

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F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

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Axel Muñiz

Equilibrar el talento El joven estrenó “Sin ti” junto a Maite Perroni y Juan Magán. Mientras balancea su carrera solistas con su rol protagónico en la serie musical ‘GO! Vive a tu manera’.

P O R J O TA AY E R Z A Y MARÍA VILLOLA

axel muñiz llegó desde méxico a la argentina en el marco de la presentación de su single más reciente y del show de ‘GO! Vive a tu manera’, que tendrá lugar en el mítico Luna Park el 21 de septiembre, luego de agotar trece fechas en el Teatro Ópera.

Recientemente, Muñiz estrenó el single titulado “Sin ti”, junto a la cantante mexicana Maite Perroni y Juan Magán. “Para mí es un honor que ellos estén conmigo en este tema porque es una canción que compuse hace ya unos años y recién ahora sale”, cuenta el joven artista.

El video que acompaña este sencillo fue filmado en un set paradisíaco ubicado en la Riviera Maya. “Ahí tuve la oportunidad de conocer a Juan Magán. Y el hecho de que estén ambos en esta canción es algo muy importante para mi carrera y le ha gustado tanto al público de Maite como al de Juan Magán”, agrega.

Axel compuso “Sin ti” con la guitarra y describe la canción como un tema pop “pero siempre el estribillo me brincaba a algo más latino y bailable y una vez que llegué al estudio y escuché esta versión renovada del tema, me encantó.

Juan Magán y Maite le dan un gran levantón”. Y si bien no reveló detalles, anticipó que se viene otro sencillo, posiblemente con un dueto y un video oficial. ¿Cómo hacés para organizarte con los compromisos musicales, siendo parte también de la serie “GO! Vive a tu manera”?

-Es un poco complicado llevar la agenda de las dos partes. Por un lado, mi rol de cantante me encanta, y por el otro, la parte actoral me tiene experimentando y aprendiendo. Estoy muy agradecido por la oportunidad que me han dado de estar en “GO!” y me encanta porque es una serie musical, tiene mucho que ver con la música. Acabamos de hacer trece teatros Ópera, que es algo increíble. Estoy muy contento de haber compartido esto con mis compañeros, quienes hoy son mis amigos de Argentina. Sí es un poco complicado ir haciendo ambas cosas pero Warner me apoyó mucho desde el inicio de mi carrera y vamos balanceando las cosas.

¿Cómo ves la música latina hoy en día?

-Recuerdo pensar, hace ya unos años, que si no cantabas en inglés no te iban a escuchar en otros países. Pero hoy en día te das cuenta que artistas que ya tienen una carrera consagrada, tal como Katy Perry, por ejemplo, varios artistas tales como Alicia Keys y Justin Bieber, están cantando en español. Ahí te das cuenta del boom que ha tenido la música latina hoy en día. Así que no se trata de hacer lo mismo que hacen todos, sino tomar el concepto y llevarlo a tu música.

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GENTILEZA MUÑIZ

En una era en la que predominan los singles, Axel sueña en un futuro con lanzar un disco y apuesta a ello. “Hoy en día uno se tiene que adaptar a la música, pero más adelante me gustaría hacer un disco incluyendo baladas, que a mí me gustan muchísimo y canciones con ritmos latinos, para bailar”, sostiene.

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Piso 21

La banda colombiana presentó un nuevo integrante (Lorduy), editó recientemente el single “Mami” junto a Black Eyed Peas, y lanzó “Pa’ olvidarme de ella” junto a Christian Nodal.

POR FLORENCIA MAURO

sin lugar a dudas, piso 21 sigue siendo una de las agrupaciones más exitosas del género urbano, tal como lo reflejan los grandes logros obtenidos en este último tiempo con “Te vi” junto a Micro TDH y la gira ‘Adrenalina World Tour’.

Otra novedad es que hace poco tiempo sumaron un nuevo integrante, Lorduy, cuya presentación se hizo formal con el sencillo “Una vida para recordar”, un dueto con el reconocido rapero puertorriqueño Myke Towers. ¿Cómo fue tu incorporación al grupo?

- Lorduy: Cuando llegue a “Piso 21”, fue llegar, literalmente, a una familia. Llevo unos siete meses en el grupo, donde la gente me ha recibido muy bien, las fans me dan regalos como 50 B I L L B O A R D A R | S E P T I E M B R E , 2 0 1 9

si llevara mucho tiempo con ellos y las giras han sido un éxito. Vine a aportar mi granito de arena, el “flow” cómo llamamos nosotros. Además, cuando estamos grabando y creando, hay una química musical increíble. ¿Qué nos pueden contar de “Mami”, su single junto a Black Eyed Peas?

- Lorduy: Veníamos hablando con Will.i.am y su equipo y luego viajamos a Los Ángeles a grabarla. En un día la hicimos y grabamos el video, que es “retrofuturista”. La verdad estamos muy conformes y contentos, ya que además se sumó Black Eyed Peas entero.

Después de 12 años de carrera, ¿cuál es la

Si hoy tuvieran que llenar los “Vagones vacíos”, ¿con qué los llenarían?

- Profe: Los llenaríamos con más sueños. En 2007, cuando creamos esa canción, los llenamos con muchos sueños que ya hemos cumplido. Y cada vez que eso pasa, seguimos desocupando vagones y añadiendo otros, que llevan el deseo de hacer música mucho más grande a nivel mundial, llegar a artistas como Bruno Mars, Ed Sheeran o Justin Bieber, por ejemplo, y además nos gustaría hacer giras mucho más amplias, llegando a lugares como Asia. ¿Qué pueden decir del público argentino?

- Dim: Siempre nos trata muy bien y siempre que venimos nos sentimos en casa.

GENTILEZA PISO 21

Todo sigue en familia

mirada que tienen sobre Piso 21?

- Pablo: Pues es una mirada bien bonita.

Donde nos hemos ganado las cosas paso a paso, una carrera en la que nos ha costado llegar a donde estamos. Lo que siempre hacemos es mirar hacia el frente. Es muy bonito mirar hacia atrás y reconocer todo lo que fue pasando, para reflexionar, para agradecer y para decir “éste es el sueño, que se vengan cosas más grandes, pero lo estamos viviendo y estamos haciendo con nuestra vida lo que queríamos”.

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RESIDENTE “UNA COSA ES EL MARKETING Y OTRA LA OBSCENIDAD” Tras encabezar junto a Ricky Martin, Bad Bunny, Nicky Jam y otros artistas una multitudinaria marcha popular en Puerto Rico, que culminó con la renuncia del gobernador de la isla a partir de la filtración de un chat privado discriminatorio, el ex Calle 13 visitó la Argentina para promocionar “Bellacoso”, su nuevo tema, dar algunas señales del álbum que se viene y dejar su opinión sobre el estado actual de la industria musical.

POR SANTIAGO TORRES Y GABRIEL HERNANDO

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on días de intensa y febril actividad para rené pérez joglar, más conocido como Residente. Su visita a la Argentina llega después de aparecer en las portadas de los principales diarios, portales de Internet y canales de noticias del mundo encabezando una histórica marcha de protesta en Puerto Rico junto a Ricky Martin, Bad Bunny y Nicky Jam, entre otros, que generó la renuncia de Ricardo Rosselló, ex gobernador de la isla envuelto en un escándalo por la filtración de un chat privado en el que descalificó a mujeres, integrantes de la comunidad LGBT, miembros de la oposición y personas con discapacidad. El ex Calle 13 estuvo fugazmente Buenos Aires no sólo para promocionar “Bellacoso”, su flamante tema en colaboración con Bad Bunny, sino para dar su visión sobre la actualidad del panorama musical, además de algunas pistas en torno a su próximo álbum como solista que, se espera, verá la luz hacia fines de este año.

En plena etapa de desarrollo, Residente define a su inminente trabajo discográfico como una obra “conceptual, accesible y distinta”, donde habla de todo lo que tiene en su cabeza. Y en base a esa idea, le contó a Billboard AR que empezó a estudiar el cerebro de los seres humanos y de los animales y a experimentar con ondas cerebrales y música.

“En el álbum anterior el concepto fue trabajar con mi ADN, viajando alrededor del mundo por los países que tengo en mi sangre.

Acá, literalmente, estoy usando el cerebro como una herramienta de composición, como un instrumento musical. Estoy trabajando con gente pero a la vez con gusanos y moscas. Pero el proyecto no se va a quedar ahí, voy a seguir investigando sobre todo tipo de ondas, ya sea cerebrales y electromagnéticas”, detalla René.

En “Bellacoso”, tu nuevo tema, trabajaste con hormigas. ¿Qué encontraste de similar entre ellas y el ser humano?

- Tenemos muchas cosas en común. Nosotros construimos una realidad en la que vivimos y en base a eso se da lo que creemos y esa es la inteligencia. Estuve traba-

jando también con gusanos, que tienen trescientos cuatro neuronas, y lo que ellos hacen con ellas es increíble. Eso puede llevar a pensar que ellos son más inteligentes que nosotros, que sólo usamos el tres por ciento de nuestro cerebro.

Ahí es donde digo que la inteligencia es relativa. De todos modos, el proyecto no trata sobre la inteligencia sino que, a pesar de que todos somos distintos, podemos conectar a nivel cerebral. Es decir, tu puedes tener tus ideales, puedes pertenecer a un partido político y yo a otro pero siempre vamos a estar conectados cerebralmente. Esa es una parte del concepto del disco, la otra es buscar una manera creativa de hacer música, que sea divertida.

Porque si el proceso no es divertido yo me quito (se ríe). ¿Cómo te llevás con esto de hacer canciones rápidas, tan en boga hoy en día, considerando que vos te tomás tu tiempo para componer y definir un concepto para tus discos?

- Una cosa es hacer canciones rápidas para vender, que salgan al mercado y hacer algunos números. Y otra muy distinta es el free style, que tiene mis respetos y se relaciona más con ser creativo

y veloz a la hora de responderle a otro MC. Pero cuando la idea es componer canciones rápidas como si fuera una fábrica de hacer chorizos, como dicen ustedes en Argentina, y con el solo objetivo de alcanzar algunos números y ganar más seguidores o viewers, ahí la cosa es más complicada. De todos modos, creo que la gente se está dando cuenta que no es creíble que en sólo una semana un video puede tener millones de visitas. Una cosa es el marketing, que está muy bien, y otra es la obscenidad. El arte es mucho más importante que la cantidad de seguidores que un artista pueda tener. Tenemos que terminar con la automatización y esa cosa de los algoritmos que te dicen lo que tienes que escuchar. De esa manera, las nuevas generaciones se están perdiendo de lo que pasaba en la música hace diez, quince o veinte años atrás. ¿Hay escapatoria ante esa realidad? ¿Sos optimista al respecto?

- Sí que la hay. Tienes que jugarla, entrar y salir. Lo que ocurre es que, en mi caso, yo entro al juego y salgo, y cuando salgo aparecen los que no entienden mi plan y empiezan a decirme que me vendí y

ese tipo de cosas. Yo no me vendo, sólo trato de adaptarme a las reglas del juego y usar sus herramientas porque sino te quedas apartado en un esquina y fuera de todo. Soy consciente de ello, de cómo y cuándo utilizarlas para lograr lo mejor y llegar más lejos con mi mensaje. ¿Cuánta responsabilidad le atribuís a “Bellacoso” a la luz de lo que ocurrió en Puerto Rico con la renuncia del gobernador Ricardo Rosselló?

- Más que “Bellacoso” yo pienso que la que refleja mejor toda la situación es “Afilando los cuchillos”.

Esta canción la hicimos con mi hermana y Bad Bunny muy rápido, en un día, pero demuestra la molestia que había con todo lo que estaba pasando en mi país y que sirve también como una motivación para otros jóvenes en otros países. ¿A qué atribuís que la música latina se haya convertido en un fenómeno global logrando algunas colaboraciones impensadas hasta hace poco tiempo atrás?

- Yo creo que la tecnología tiene mucho que ver. Los que empezaron abriendo puertas fueron Ricky Martin, luego Shakira y desde lo urbano Daddy Yankee e incluso nosotros con Calle 13. Al principio, la música urbana era poco escuchada pero cuando empezamos a mezclarnos con el rock en festivales como el Vive Latino, por ejemplo, ahí la cosa fue cambiando. Esa fue una batalla ganada y una vez que la puerta se abrió entraron todos los que están ahora. Yo no les quito mérito a los artistas nuevos pero este fenómeno lo atribuyo a que hubo una historia, con muchos artistas que la pelearon durante años y son los que, precisamente, no figuran en los algoritmos.

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JORGE BLANCO REGRESAR A CASA

El mexicano desembarcó en Argentina luego de tres años y compartió un desayuno con sus fans en Billboard AR. En su visita, pasó un momento único con los presentes y habló sobre su vuelta al país, el cariño de los argentinos y sus próximos shows.

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F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

a través de las bubbles de coca-cola for Me, algunos afortunados fans pudieron canjear un desayuno con Jorge Blanco en la casa de Billboard AR, para compartir un momento íntimo entre los ganadores y el cantante solista, quien respondió a inquietudes y contó acerca de su presente musical. Si bien estuvo de visita el año pasado, hace ya un tiempo que el artista anhelaba desembarcar en el país para retribuirle todo lo que aprendió y el amor que recibió cuando protagonizaba la serie Violetta, entre 2012 y 2015.

Después de tres años, Jorge Blanco volvió al país con el anuncio del show en La Trastienda el 24 de octubre, en el marco del ‘Conmigo Tour 2019’. “Estoy muy emocionado de volver a un país en el que crecí y en el que aprendí tanto en mi carrera, pues fue un gran paso. Me hacía falta volver a devolverle ese amor y cariño a los argentinos”, dijo Blanco, quien interpretó al personaje de León en Violetta, la exitosa tira juvenil de Disney.

Además de presentarse en La Trastienda, estará a cargo de la apertura del show de TINI tanto en Argentina como en Uruguay, artista con la que compartió set en Violetta.

“Es muy lindo ver como cada uno de la serie fue creciendo. Me llena de orgullo porque es como ver a tus hermanitos”, comenta Jorge acerca de sus compañeros de serie. Cuando recibió la propuesta de abrir los shows de Tini Stoessel, aceptó inmediatamente y no descarta hacer una colaboración con su compañera.

Si bien comenzó cantando en inglés, luego se volcó al español, pero su último tema, “Vamos”, fusiona ambos idiomas. “Fluyó solito. Me gustó mucho porque me daba a esa vibra como de verano. Viene bien para este fin de año, para los que ya están cansándose de ese frío”, dijo Jorge acerca de su single más reciente. El video fue grabado en La Riviera Maya, y en él aparece Jorge con una mujer a la que conquista en las paradisíacas playas mexicanas.

Jorge Blanco llegó con ganas de ver a sus fans ya que lleva tiempo sin verlos. “Me perdí un poco en estos años, así que tengo ganas de volver acá”, dice, haciendo alusión a todo el trabajo artístico que hizo previo a su regreso a la Argentina.

Si bien en este momento la música es su prioridad (lleva cuatro años repartiendo su tiempo entre México y Los Ángeles), tiene ganas de incursionar en el cine, por lo que está probándose en audiciones. Igualmente, la música es su prioridad ahora. Acaba de lanzar el single “Me voy contigo”, luego de haber lanzado este año el EP Conmigo y el sencillo “Vamos”.

Jorge está comprometido con Stephie Caire, actriz, cantante y bailarina mexicana.

“Ahora con la música tengo más decisión propia porque es mi proyecto y yo soy la cabeza del mismo, entonces puedo ir manejando mis tiempos y ella está comenzando a independizarse así que nos vamos acompañando mutuamente”, dijo acerca de su relación.

El 24 de octubre Jorge Blanco se presenta en La Trastienda, a las 21 horas.

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Abbey Road · The Beatles

Al reencuentro de su sencillez P O R S E B A S T I Á N C H ÁV E Z

P

rimero, los datos románticos: Abbey Road es el último disco que grabaron los Beatles. El último tema se llama “The End” (“El fin”) y la última frase de ese último tema dice “Y en el final, el amor que recibes es igual al amor que construyes”.

Ahora, los datos realistas: Abbey Road no es el último disco que publicaron los Beatles (ese fue Let It Be, editado en 1970). Y Abbey Road termina, en realidad, con un track oculto titulado “Her Majesty”.

La frase final allí es mucho menos trascendente: “Algún día la voy a hacer mía”.

Haya sido, o no, pensado como el último acto de la banda más importante de la historia del rock y uno de los grandes acontecimientos culturales del siglo XX, Abbey Road, del que este mes se cumplen 50 años de su salida, se sostiene como una obra de arte al margen del lugar y la función que ocupe en la discografía de los Beatles. El mito alrededor de la grabación, la portada icónica, los rumores de una relación desgastada... todo forma parte de una imaginaria que se sostiene gracias a su hormigón fundamental: el poder de las canciones. Antes que nada y después de todo, allí se encuentra el espesor de los cuatro de Liverpool. Nadie nunca dominó con tanta maestría el arte de combinar melodía, ritmo y armonía y disponerlos en el envase más simple y antiguo: estrofa-puente-estribillo. Con 10 años y 10 discos de experiencia, ellos eran, tal vez demasiado, conscientes de tal logro.

Para 1969, los Beatles eran más grandes que Jesús y también más grandes que ellos mismos. En apenas una década, habían hecho del rock un movimiento contracultural de escala mundial, “inventado” la adolescencia, llevado sus discos a niveles de experimentación impensados en la música popular, moldeado sus personalidades como referentes de una generación y una larga lista de logros que nunca son exagerados. Todo eso, sobre el peso de sus hombros y sus egos, fue parte de un combo que provocó rispideces que terminaron por dañar seriamente el engranaje interno. Tanto fue así que, antes de la grabación, John Lennon ya había anunciado a sus compañeros que se iba del grupo.

Con ese estado de situación, Paul McCartney y George Martin diseñaron un plan de trabajo para recuperar la chispa del cuarteto: volver a las bases y grabar un disco como en los viejos tiempos.

Cuatro músicos y un productor dentro de un estudio con las canciones como norte. “Volvimos a tocar como músicos de nuevo”, le dijo George Harrison a Thomas MacFarlane para su libro The Beatles’ Abbey Road Medley Extended Forms in Popular Music. Lejos de las sobre grabaciones y la búsqueda de vanguardia en la que se habían abanderado desde Revolver, los Beatles fueron al reencuentro con su propia sencillez. Una suerte de palo y a la bolsa sin necesidad de renegar de su pasado inmediato.

No había intenciones de reaccionar contra su evolución sino más bien de volver a sentir cómo eran las co-

sas ahora que todos (excepto Paul, técnicamente) peinaban barbas.

Ya desde el bajo proto-funk de McCartney en el comienzo de “Come Together”, el track inicial, los Beatles dejan en claro que habría cierta crudeza-de-bandade-rock como búsqueda sonora. Incluso en el tema siguiente (“Something”, la balada salida de la pluma de Harrison), todo se mantiene dentro de esos parámetros. Si ambos temas, lanzados como lados B y A, respectivamente, del mismo single, funcionan como estados de ánimo extremos, el grupo mostraba ahí mismo que podía hacerse cargo de todo y a pesar de todo.

“Maxwell’s Silver Hammer” y “Oh, Darling!”, ambas de McCartney, provocó algunas (más) tensiones.

La primera, sobre todo, por sonar, en palabras de John y Ringo, como “música para abuelas”; la segunda, de calidad mucho menos reprochable, es un doo-wop en pulso de blues que Lennon luego entendería como más apropiada para su estilo de voz que del propio Paul. Para el cierre del lado A, “Octopus’s Garden”, de Ringo, y “I Want You (She’s So Heavy”, de John para Yoko, el grupo vuelve a probar su versatilidad: un tema bien calmo primero y una guitarra que prefigura el rock progresivo después.

El lado B sería más a pedir de Paul. “Here Comes The Sun” (el tema más escuchado de los Beatles en Spotify es cortesía de Harrison) y “Because” se imponen como los temas memorables de esa mitad, pero enseguida le sigue el famoso “Medley” que McCartney compuso como una suite de ocho minican-

ciones. Incluso bajo el pacto de no agresión, la lucha de poderes existía y ese round fue para el bajista. “The End” funciona entonces como final del “Medley”, final del disco y final del grupo. O casi. Porque, como ya se mencionó antes, “Her Majesty” aparece en forma de último aliento.

Después de ahí, el futuro incierto. Como en la portada: las cuatro individualidades caminando hacia adelante, pero no juntos. Al llegar del otro lado de la calle, cada uno podría tomar una dirección distinta y ante la certeza de una reunión futura improbable.

Abbey Road es el resultado de una tregua. Todas las partes involucradas sabían que la relación había terminado, pero así y todo acordaron un último encuentro. No para dejar rencores de lado sino para pausar el tiempo y las hostilidades, aunque sea para ser felices por un rato y que el futuro se encargue de plantar los problemas a resolver. La felicidad dura un instante, las canciones de los Beatles para siempre.

Entregarse al 100% en ese capítulo final y “acabar juntos” como podría traducirse en clave soft-porn ese primer tema del disco. Durante 47 minutos, John & Paul & George & Ringo construyen amor (desde donde ya no había) para recibir una cantidad igual (o mucho mayor).

Así lo cantan en “The End”, aunque después hayan venido un track oculto y un disco post-separación.

Dos posdatas no tan necesarias, pero entendibles: cualquier despedida es poca, y el adiós puede alargarse cuando te llamas The Beatles y sucede que sos la banda de rock más grande la historia.

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Manager Capitalista

Crewrod

Pico, pala, grandes melodías y prejuicios a un costado. De eso se nutren los sanjuaninos para dar forma al disco que los apuntala como un polo creativo en la región de cuyo.

Un quinteto refinado y bestial de influencias negras y progresivas. Una cantante todo terreno que hace propio el lenguaje del hip hop. Un combo musical de combustión espontánea. Con ustedes: Crewrod.

La de Manager Capitalista es una estela de crecimiento típica en la escena federal del nuevo rock y pop argentino. Una banda que con el correr de los discos y las grabaciones empieza a encontrar un sello cada vez más marcado, una firma con peso propio que se impone incluso sobre el rejunte de referencias de turno. Infinito punto rojo es su tercer trabajo (luego de un EP homónimo en 2014 y un álbum debut en 2016, Menos es más) y es, también, el primero que se siente como algo íntimamente ligado al pulso interno de la banda, a su lenguaje y a sus propios códigos como grupo humano. No es casual que al pensar en nombres clave de la escena cuyana, los sanjuaninos sean una de las opciones más obvias.

Mi Amigo Invencible, Las Ligas Menores, Él Mató a un Policía Motorizado. Las influencias de la primera hora persisten a lo largo y a lo ancho de los nueve tracks del flamante disco. No obstante, acompañando esa ética y estética ligada al rock alternativo y las guitarras espaciales, Infinito punto rojo muestra el crecimiento del caudal creativo del grupo. “Nada que hacer” y “Un desastre”, segundo y tercer track respectivamente, podrían ser la continuidad lógica de la escena platense de los primeros 2000. Sin embargo, el hastío, el aburrimiento y la contemplación encuentran nuevos detalles en sintetizadores, programaciones y decisiones artísticas varias. Ambas canciones tienen espíritu y sentimiento indie, pero eso no impide que busquen más allá del lugar común de la guitarra de herencia punk.

“Pausa”, “Río” o “Ingrid” profundizan aún más esa sensación. Aunque hay varias escenas que podrían ser sacadas de un baúl de clásicos recientes, el cruce entre vocación pop y cosmovisión rockera sintetiza una época con peso propio en la escena emergente nacional. “Soy un astronauta en el espacio, todo a mi alrededor se mueve despacio”, desliza Juan Pablo Moya en “Micropunto”, quizás el momento más álgido del disco. “Klapaucius” y “TB” retoman el efecto sedante e introspectivo del comienzo, algo que podría linkearlos con Perras On The Beach pero también con el canadiense Homeshake o los chilenos de Planeta No. En esa indefinición permanente entre querer bailar, hacer-pogo-y-cantar-a-los-gritos o contemplar una ventana “mirando la gente pasar”, la música de Manager Capitalista emerge como un compuesto de sensibilidades afines. Lejos de cualquier “grieta” estilística, los sanjuaninos condensan su amor por los climas y los estribillos más allá de cualquier diferencia analítica. Y lo mejor es que lo hacen con el que, sin dudas -y solo por ahora-, es su disco definitivo. ¿Qué es Manager Capitalista? Infinito punto rojo lo responde en forma de canciones.

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Es 9 de diciembre de 2018. La ciudad de Buenos Aires está paralizada por el silencio expectante. En Madrid, River y Boca juegan la final de la Copa Libertadores. En el Centro Cultural Konex, la última edición del festival Buena Vibra de 2018 (previa a su salto de escala del último febrero, en el Malvinas Argentinas) se acomoda a las condiciones del clima. Lo que iba a realizarse al aire libre tiene que trasladarse dentro, a un escenario improvisado. Allí se presenta, para romper el hielo, Crewrod.

Hace meses que no ensayan ni tocan, acaban de reencontrarse, pero no se nota en absoluto. Al frente de todos, la presencia de Lucía Rodríguez, también vocalista y eventual guitarrista de la versión en vivo de Louta.

Detrás, un cuarteto de instrumentistas -baterista, bajista, guitarrista y tecladista- que podría derretir cualquier jam improvisada.

Nueve meses después, Crewrod editó “La Fuerza”, su primer simple luego del debut de la banda en formato discográfico: el EP Combustión espontánea. Frente a aquellas primeras cinco canciones, este nuevo track se advierte más sólido y contundente de entrada. Como si hubiera salido a la calle con el pecho inflado. Y no es cuestión de sonido ni de personalidad (el groove funkie, el hip hop y el soul en clave rioplatense son un sello de este rejunte de virtuosos), sino de maduración. Es difícil ponerlo en palabras y argumentarlo lógicamente, pero la sensación que deja este track híbrido -con dos secciones claramente diferenciadas- es que la Crewrod que grabó hace dos años no es la misma que su versión 2019.

El toque y la interpretación de cada una de las partes involucradas son proporcionalmente más certeros; la energía que engloba a ejecutantes y música impacta con otra solvencia.

Algo de eso puede verse en dos canciones estrenadas anteriormente en una producción audiovisual (Acantilados Live Sessions) disponible en su canal de YouTube. “Golden Dreams” y “Fom” son, también, la confirmación de una suerte de DNI artístico que enarbola Crewrod. Es el conjunto y su diálogo permanente lo que define al proyecto y por ende sus conciertos son tanto o más importantes que sus grabaciones. Es ahí donde la música muestra su necesaria identidad colectiva. La escena es clara: son cinco artistas al servicio de algo que los excede y, a su vez, los motiva a ser mejores. Parece el argumento de una película con aspiraciones de Oscar, pero es la forma más simple de describir a Crewrod. Para sacarse cualquier duda, la mejor respuesta es ver a esa maquinaria aceitada funcionando en vivo y en directo.

GENTILEZAS

Emergentes

Por Juan Manuel Pairone

Flayaz La cordobesa encuentra su propia identidad en un EP que transmite vanguardia y riesgo. Pop contemporáneo con tonada local y proyección global.

Un proyecto en permanente búsqueda que funciona como un catálogo de alter-egos para el compositor Nicolás Szwarc.

Compulsivo, prolífico y febril como pocos, presenta un cuarto disco con sello colectivo.

“No te fíes en lo que dice la gente, no les conviene que vos seas diferente”, canta Nicolás Szwarc en “Diferente”, uno de los proto-hits que se destacan naturalmente en Oda al mantra, cuarto disco de El Chacal & Los Alpes Floreados y segundo en menos de un año. Esa simpleza y esa contundencia a la hora de esbozar grandes frases canónicas es parte indivisible de la música de este trovador contemporáneo. Es, también, uno de los rasgos distintivos en ese universo multicolor y autorreferencial que forman las composiciones del antes cantante de The Pelos y Falopa.

“El amor por el arte mata, y yo estoy muerto de amor”, decía el propio Chacal en “Sensibilidad”, el último track de El elogio de la sombra, su anterior trabajo. Esa máxima podría ser la columna vertebral de un concepto que se percibe tan elástico como desprejuiciado. De hecho, la continuidad entre la obra de Szwarc y Oda al mantra está dada por aquello que proyecta su creador antes que por una senda artística determinada. Así, este último disco es lo más parecido a una nueva piel. Con algo de Charly García, Juanse o Andrés Calamaro, pero también con aroma a Connan Mockasin. Apenas una de las tantas manifestaciones de un personaje (el Chacal) que es capaz de eclipsar a la persona (Szwarc) que escribe esas mismas canciones.

Efectivamente, la conjunción de tracks como “La gilada” (con su cadencia soul y su versión libre de la fusión entre rap y r&b, pero también con un final cargado de psicodelia); la expansiva “Veo el mar”; o la excéntrica “Nao me querem” -casi un link a las versiones en portugués presentes en “Latinoamericana”, de Alex Anwandter-, dan cuenta de una potencia expresiva en permanente transformación. “Chamanismo”, el tema que abre el viaje propuesto en Oda al mantra, sirve también como involuntario núcleo conceptual. Las presencias de Jazmín Esquivel, Brian Taylor o Guille Salort, entre otros varios invitados, confirman esa especie de imán permanente que destilan las composiciones de Szwarc. ¿Acaso hay algo más parecido a un hechizo que una canción con impronta universal?

GENTILEZAS

En apenas un cuarto de hora, las sensaciones que se viven en la intensidad de los cinco tracks del primer EP de Flayaz son incontables.

Un minuto y cuarenta y seis segundos dura el primer espasmo musical, “19119”, en apariencia una introducción formal para “Ahí”, pero también mucho más. Desde el primer instante, la voz protagonista reclama una atención que alimentará más y más con cada inflexión interpretativa.

“Yo agarré tu mano y la metí en mi corazón”, anuncia, mientras su cantar crece en sentimiento y rugosidad. Basta esa pequeña porción de información sonora para atestiguar el nacimiento de un personaje tan fuerte como la energía que transmite el sonido. Antes que un EP que presenta formalmente un proyecto, el debut solista de Yaz Álvarez propone un experimento narrativo de pop urbano.

“Losotro es los otros, que somos nosotros”, plantea la cordobesa, jugando con el lenguaje y la historia propia. “Es un disco que habla sobre mí pero yo espero que cuando lo escuches te veas reflejado”, acota la cantante. Ella es, desde hace tiempo, una de las voces más reconocidas de la escena emergente mediterránea. Primero como corista de Willy Crook, luego como parte del trío The Reverend Sons Of -aportando voces y programaciones- y también al frente de Fitzbiyatau, Alvarez desandó en profundidad el terreno de la música negra en su versión más pura, apelando a hacer suyas las tradiciones del soul, el funk y el gospel. Esa fue la base para empezar experimentar con loops y efectos varios y no volver a mirar atrás.

En esa misma línea, su primer EP funciona como un quiebre definitivo. Desde lo idiomático (luego de años de cantar en inglés, Álvarez abraza el cordobés) pero sobre todo desde lo estético. Junto a Bernardo Ferrón (de Telescopios, productor cabeza del sello Las Playas), Flayaz se desarrolla como entidad con nombre propio. “La Álvarez”, “Rafael” y “Es el viento” potencian todavía más las sensaciones iniciales. La música sucede como si fuera un organismo vivo; la idea detrás del ritmo se vuelve cada vez más compleja y también menos restrictiva. Todo parece posible en esta película musical que podría ser un cómic futurista. Es apenas una primera grabación de cinco tracks pero se siente como una puerta abierta a vaya saber qué nuevos universos.

El Chacal & Los Alpes Floreados

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Gente de Zona

alexander y randy trabajaron, con la exigencia que los caracteriza, en los 16 temas que componen su cuarto álbum, Otra cosa, del cual ya se desprenden los singles “El mentiroso” junto a Silvestre Dangond, “Te duele” y “Si no vuelves”. Además, cuenta con artistas invitados como Franco de Vita, Zion & Lennox y Gusttavo Lima, entre otros.

Gente de zona siempre sigue siendo fiel a su estilo, y llevan consigo el sello de Cuba, su país natal, a todos los escenarios en los que se presentan. ¿Son conscientes de que las canciones de sus discos son alegres aunque cuenten historias tristes?

- Randy: La alegría está en nosotros, es el ADN de Gente de Zona, y por eso le ponemos ritmo a ese tipo de canciones.

- Alexander: Ahora mismo estamos contentos. ¿Cómo fue darle vida a Otra cosa y como trabajaron con los duetos?

- A: Estuvimos casi un año y medio preparando este disco, queríamos que sea un poco más abarcador. Tenemos una línea y una manera de hacer música que respetamos y tenemos una alegría que difundimos.

También tuvimos la oportunidad de tener muchos compositores en este disco y de tener duetos con muchos artistas que nunca pensamos que quisieran colaborar con nosotros y que nos dijeron que sí, como Gusttavo Lima, Franco De Vita, Mau y Ricky.

Es un disco bailable, bien diferente a lo que estábamos haciendo en la industria. Precisamente por eso lo llamamos “Otra cosa”.

Fabricar alegría El dúo cubano, ganadores del Latin Grammy, se encuentran mostrando al mundo “Otra cosa”, su nuevo trabajo discográfico. Canciones que levantan el ánimo como ellos solos saben hacerlo.

POR FLORENCIA MAURO

Ustedes nunca abandonan sus raíces, llevan a Cuba a todos lados. ¿Notan que siempre homenajean el lugar en donde nacieron?

- R: Creo que la identidad nuestra viene de toda la influencia de Cuba, creo que es lo que hace la diferencia de Gente de Zona, eso es lo importante y de lo cual uno no se debe desprender nunca.

El foco de su canciones está puesto en el disfrute de la gente, ¿lo ven así?

- R: Sí, creo que cuando nosotros hacemos las canciones, las hacemos para disfrutar y que el público también las disfrute. Creo que todos los artistas queremos hacer canciones así. Si la canción es buena, te dará los frutos, darle prioridad a la canción es lo principal. ¿Cómo se proyectan en el tiempo?

- R: Un poquito más viejos y, más allá de eso, trabajando. Creo que no se puede parar de trabajar, de seguir haciendo canciones. La vida de la música es difícil porque las canciones son las que tienen que hablar. Uno nunca sabe, por ejemplo, que la canción que te gusta a tí, a lo mejor, no es la que funciona.

Pero nos vemos bien, creo que si seguimos trabajando y seguimos siendo constantes, nos va a ir bien.

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Sara Hebe

“En este disco me di la libertad de escribir sin juzgarme” La rapera oriunda de Trelew se presenta el 14 de septiembre por primera vez en el Estadio Atenas de La Plata, con un espectáculo único con puesta visual en el que presentará su álbum más reciente, así como también repasará los discos anteriores.

POR MARÍA VILLOLA

luego de lanzar su disco más reciente, Politicalpari, Sara Hebe se aventuró por Europa, donde brindó aproximadamente 40 shows entre España, Suiza, Suecia, Francia, Italia, Alemania y Portugal. “Fue una gira súper agotadora, de mucho trabajo sin parar y de viajar todo el día. Es como el tercer año que venimos haciendo esta gira monstruosa y esta vez lo sentí bastante en el cuerpo”, dice.

Aún así, el 14 de septiembre asumirá un desafío completamente nuevo: será su debut en el Estadio Atenas de La Plata, que por primera vez será anfitrión de una agrupación liderada por una mujer fuera del círculo rockero que acostumbra a recibir.

“En este disco me di la libertad de escribir sin juzgarme e intento hacer eso cada vez que escribo. Es un desafío pensar un poco más antes de escribir, o escribir algo que realmente me guste y no estar pensando tanto para afuera. Simplemente escribo acerca de lo que me conmueve y en este disco escribí algunas cosas que tenían más que ver conmigo y no tanto con cosas que no me pasan a mí o que pasan en la sociedad.

Recibí un par de críticas como: ‘Sara, mirá todo lo que está pasando y vos diciendo esto’, pero esto también está pasando. Yo quiero trabajar, tener plata, comprarme alguna cosita que me guste. Para mí es muy importante y fui aprendiendo con el tiempo a no juzgarme a mí al escribir y darme la libertad de escribir mis propios textos y de hacer poesía”, reflexiona Sara.

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¿En qué se diferencia Politicalpari de los demás álbumes?

-Creo que tiene los mismos condimentos de los discos anteriores: hay cumbia, dancehall, reggaetón. Hay un solo tema que es más rockero, que es “Ignatia”. Se diferencia en que, si bien tiene muchos instrumentales de Ramiro Jota, el productor general del disco, en este hay más bases de otros productores. Los discos anteriores tienen mayormente instrumentales de Ramiro.

En un nivel musical, este lo veo más bailable, más moderno, electrónico y no tan oscuro. Creo que Colectivo vacío es un disco bastante pesimista, más punky y rockero. Este es un poco más fácil de escuchar, más ameno. Es como si mi energía hubiese bajado, pero no mal, sino que estoy un poco más tranquila. ¿A qué le adjudicás el cambio de ritmos en este nuevo álbum?

-Yo soy admiradora de la escena local del momento. Me encantan las producciones que están saliendo de todos los jóvenes. Hay cada vez más producciones. Creo que la banda sonora de este momento es el trap y por supuesto que a mí me influye, cómo influyó todo lo que he escuchado cuando empecé, cuando era piba. Las cosas que escucho ahora también me inspiran y admiro todo lo nuevo que sale. Pero trato de seguir mi ritmo y mi estilo. Jamás voy a poder imitar ni pretendo hacerlo, pero claro que me influye. ¿Sentís que todavía hay obstáculos para las mujeres en la industria?

-Siento que surgió un montón de gente nueva que está produciendo y que el entorno no puede dejar de oír. Creo que por eso también ahora sale una ley de cupos femeninos en los festivales.

No es porque se le haya ocurrido a la Legislatura o a los festivales; es porque ya no pueden desoír este reclamo. Somos un montón haciendo cosas y también hay muchas mujeres trabajando en todos los ámbitos. Es una realidad que ya no pueden desestimar. También creo que nosotras estamos entendiendo esto desde lo micro, en nuestro ambiente. Yo, por ejemplo, ahora tengo una bajista de 17 años que toca desde pibita y es una genia, y me ceba tener más pibas en la banda y seguir sumando mujeres a mi equipo.

Es importante que esté la ley como también es indispensable una ley de cupo laboral trans, pero el trabajo lo tenemos que hacer también nosotros, es decir, con acción directa. Hay que incluir a nuestros equipos de trabajo a más mujeres trans, chicos trans y mujeres, porque cada vez somos más.

F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

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Richard Marx

Canciones eternas El músico con más de 30 millones de álbumes vendidos y catorce Nº1 en los charts de Billboard regresará a la Argentina después de 30 años para presentarse en el Teatro Ópera.

P O R S A N T I A G O T O R R E S Y J O TA AY E R Z A

Pasaron 30 años de tu última visita al país, ¿qué es lo que más cambió en la industria de la música en todo este tiempo?

- Tantas cosas, me gustaría decir todo. Pero hay algo que no cambió, mi deseo de escribir más canciones. No perdí ese sentido de preguntarme las cosas. Es difícil de explicar para cualquiera que no escriba canciones, especialmente 64 B I L L B O A R D A R | S E P T I E M B R E , 2 0 1 9

para alguien como yo, que escribe canciones y luego las produce en el estudio. Hay algo en la experiencia de tener una idea en mi cabeza y después trasladarla en algo que el resto pueda entender, que es maravilloso. Es lo que nosotros hacemos, lo sé, pero el hecho que todo arranque como una pequeña idea en mi cabeza es una locura. Eso no cambió. Todavía me siento muy agradecido de poder seguir haciendo canciones, la gente quiere seguir escuchándome. Pero sí, el negocio de la música es irreconocible si lo comparamos con hace 30 años. ¿Qué se siente llegar tantas veces al Nº1 del Hot 100? ¿Comprendés que no son muchos los artistas que lo logran ni siquiera una vez?

-Sí, lo sé. Es una gran pregunta, y lo mejor manera de responderte es diciendote que para la época que logré varios Nº1 estaba pensando más en la siguiente canción que en festejar el logro.

Me acuerdo que mi esposa, que en ese momento era mi novia, mientras un álbum mío estaba en el Nº1 en 1999, me dijo ‘¿Qué hiciste para celebrar?’. Y me di cuenta que nada, que solo estaba trabajando en mi gira y el siguiente paso de mi carrera. Ella me dijo que fue una mala elección, y desde ese día me di cuenta que hay que celebrar la rareza de llegar al Nº1. Tuve 14 canciones en el

Nº1 de diferentes charts, y hace poco busqué las fechas de cuando cada canción alcanzó esa posición, y hoy en día celebró cada uno de esos días, con alguna buena cena o momento. Los celebró ahora porque no lo hice en su momento.

Hoy en día se hace música en tablets y hasta celulares. Vos sos un compositor de la vieja escuela, ¿qué pensas sobre el hecho que los chicos puedan hacer música sin la necesidad de tocar instrumentos?

- No lo veo como algo bueno o malo. Es un signo de los tiempos. Hay un gran valor en saber tocar un instrumento, yo no soy un gran guitarrista o pianista pero me encanta tocarlos, soy un fanático. Puedo tocar una canción de The Eagles en cualquier reunión, y eso es hermoso.

Eso es también lo que me llevó a ser un compositor, el saber tocar instrumentos. Yo no necesito una computadora o un secuenciador para lograr algo. La tecnología es muy buena pero no la sustituyas por un instrumento. Hace las dos cosas. Este nuevo álbum que voy a sacar tiene canciones que fueron creadas como son hoy en día. Todo fue más fácil, no tuve que llamar a mis músicos para enseñarles la canción y grabarla.

Hoy en una hora, con un buen productor, tienes la canción que suena en tu cabeza.

GENTILEZA PRENSA MARX

a tres décadas de su última visita al país, el cantautor estadounidense Richard Marx regresa al país. “No puedo esperar para estar ahí, tengo muchas ganas. La última vez que me presenté allí fue hace 30 años, me acuerdo que el primer show en Buenos Aires y todavía lo recuerdo muy vivamente. Fue como una gran fiesta familiar, quiero que vuelva a suceder de nuevo”, cuenta al teléfono el único artista masculino en la historia en lograr que sus primeros siete singles hayan alcanzado el Top 5 del Billboard Hot 100.

Con más de 30 millones de discos vendidos, presentará un show titulado ‘A Full Night Of Hits. The Concert’, donde hará un recorrido por todos sus grandes éxitos. La cita será el domingo 29 de septiembre a las 21 horas en el Teatro Ópera. Días más tarde ofrecerá un concierto el 2 de octubre en el Centro de Convenciones del City Center de la ciudad de Rosario.

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Alex Ubago

“Me siento en mi mejor momento” El español que viene de editar su nuevo single “Maldito miedo”, con el que se acerca a los sonidos urbanos, y adelanta lo que será su nueva producción discográfica.

POR FLORENCIA MAURO

Este single presenta cambios desde lo musical, ¿cómo trabajaste en esta búsqueda?

- Sí, efectivamente hay un cambio perseguido y tuvimos un buen resultado en este nuevo single “Maldito miedo” y las canciones que van a venir después, porque ya tengo lo que será el nuevo disco bastante perfilado. Iremos soltando singles durante los próximos meses y estas nuevas canciones, que son parte de una búsqueda de renovar mi sonido, de actualizarme y adaptarme a estos nuevos tiempos y tendencias, sin perder mi esencia ni traicionar mi manera de hacer 66 B I L L B O A R D A R | S E P T I E M B R E , 2 0 1 9

música, de escribir y de contar historias. Me ha llevado un tiempo encontrar este lugar en donde me sintiera cómodo.

Sin dudas existe, para vos, como cantautor, un denominador común en el amor que es el “miedo” y no podemos negar que claramente pasas de estar “Sin miedo a nada” a tener ese “Maldito miedo”, ¿son válidos ambos extremos para vos?

- El miedo es un sentimiento básico en el ser humano. Hace poco miraba una película animada llamada “Intensa-Mente” que representaba claramente los sentimientos básicos del ser humano; alegría, tristeza, furia y miedo; pero desde luego que el miedo es algo que está presente en todos los aspectos de la vida. Cuando yo escribí “Sin miedo a nada” era muy jovencito y no tenía temor a casi nada y ese sentimiento vuelve a aparecer cuando uno es más grande, sobre todo en el amor y está atado a ese sentir. Creo que es algo natural y que solo que hay que aprender a gestionarlo. La letra de este último single habla, justamente, de superar, de atreverse, de intentarlo y de ser valiente.

Si bien Soge Culebra y vos hablan español, tienen acentos totalmente diferentes a la hora de cantar. ¿Te costó adaptarte a esta diferencia en cuanto a la sonoridad desde la dicción?

- La verdad es que me adapte bien porque lo venimos trabajando hace tiempo y esta canción nació por la intención de hacer algo con Soge. Él es un artista muy joven y tiene un estilo muy diferente al mío, y a mí me conquistó el “reto” de hacer una colaboración con él. Y como buscábamos renovar un poco mi sonido y él le da ese toque “urbano”, pues no fue difícil adaptarse.

Ya estas con tus 18 años de carrera bajo los hombros y eso te da cierta posición, ¿cómo estás plantado vos en tu historia con la música?

- Para empezar me siento muy afortunado por poder seguir haciendo música y que la gente me siga después de 18 años de carrera con algunos discos que fueron exitosos y otros no tanto.

Siempre he pensado que esto es una especie de maratón y estoy más ilusionado que nunca y disfrutando de cada canción que hago y de cada concierto, de poder llevar mi música a varios países. Y siento que todos estos años me han dado mucho aprendizaje, y eso hace que me esté más seguro a la hora de escribir una canción, de tener más claro lo que funciona y lo que no. Me siento más en forma que nunca como compositor. Y arriba de un escenario también, al enfrentarme incluso a los medios para dar una entrevista como estos días. Me siento en mi mejor momento en todos los sentidos.

GENTILEZA PRENSA UBAGO

el cantautor español llega con un nuevo lanzamiento llamado “Maldito miedo” que cuenta con la colaboración del joven artista nacido en Murcia, Soge Culebra. El sencillo fue compuesto por Alex y si bien conserva el estilo que todos conocemos del artista, en esta oportunidad suma un sonido renovado y actual. El video fue grabado en Madrid y dirigido por Mario Ruiz.

Lleno de experiencias que fue coleccionando tras 18 años de carrera, cuyo inicio fue en 2001 con la canción “Sin miedo a nada” del disco ¿Qué pides tú?, Alex Ubago se anima a dar un paso más con un single que tiene una fórmula diferente tras incorporar lo urbano por primera vez. Además, se encuentra trabajando en lo que será su nuevo álbum de estudio, que será lanzado próximamente.

El futuro está en proceso de creación

adidas Originals presenta nuevos modelos de Ozweego, las zapatillas con inspiración en la década del 90 La nueva silueta se inspira en los años 90 para renovarse y conservar la personalidad de las zapatillas originales.

junto a dos representantes de la nueva ola de música argentina, Ángela Torres y Seven Kayne, adidas Originals mira al pasado para una nueva creación y encarar el futuro. La marca de las tres tiras presenta los nuevos modelos de Ozweego, la zapatilla inspirada en la década del 90’, donde incluyen la exclusiva tecnología de amortiguación adiPRENE. Las nuevas Ozweego representan una reinvención radical del antiguo modelo de Adidas y es una novedosa solución para el estilo de vida de la futura generación.

Las Ozweego de adidas Originals están inspiradas en las Ozweego 3, unas zapatillas de running de 1998, y nacen a partir de una búsqueda constante del futuro en la estética del calzado representando el espíritu de una nueva generación de creadores. Al re imaginar y examinar el pasado de la

marca para crear los íconos del mañana, la silueta celebra lo último en la línea del diseño vanguardista de adidas Originals.

Los nuevos modelos adoptan un enfoque de diseño futurista con un distintivo panel de ojales y un tubo de soporte translúcido. Entre las características principales se incluyen: un sistema de amarre de cordones; un exterior en TPU, gamuza y malla; amortiguación adiPRENE en el antepié y el talón; y una suela de caucho.

Las OZWEEGO incorporan la distintiva tecnología adiPRENE y transforman el ADN de adidas Originals para los creadores de hoy. Durante la década del 90, adiPRENE se llevaba como una insignia de honor y un símbolo de innovación tecnológica. Hoy, adiPRENE reinventa ese rendimiento del pasado para crear la máxima comodidad del presente.

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adidas Originals

Seven Kayne y Ca7riel & Paco Amoroso cantaron en el lanzamiento de las OZWEEGO El 31 de agosto el Club Cultural Matienzo se convirtió en la Ozweego Hauz, un evento con recitales en vivo, talleres y activaciones alrededor de las nuevas zapatillas.

inspirarse en el pasado para crear el futuro.

Una máxima que aplicaron diferentes artistas a lo largo de la humanidad para innovar en el presente. Desde Kanye West con Yeezus a la diseñadora Daniëlle Cathari con su cuarta colección de adidas Originals, todos utilizaron esta máxima.

Consigna que se mantuvo viva el 31 de agosto cuando el Club Cultural Matienzo se convirtió en la Ozweego Hauz, la casa en la que adidas Originals presentó el nuevo modelo de la marca. Con un diseño inspirado en los años 90, las Ozweego representan la histórica innovación de la marca, donde se rescata lo mejor del pasado para crear el futuro en el presente. El festival de lanzamiento se convirtió en un faro para las nuevas tendencias y los creativos contemporáneos, en áreas de diseño y música.

En los diferentes espacios del venue se montaron experiencias y shows de artistas que representan a la nueva escena musical. Entre los más de mil asistentes se encontraron artistas de toda índole como la actriz Violeta Urtizberea junto a su novio el músico Juan Ingaramo, la actriz Candela Vetrano y Andrés Gil, la modelo Mery del Cerro, el actor Esteban Lamothe y la cantante Ángela Torres, entre otros.

Seven Kayne fue uno de los platos fuertes de la noche, gracias a su despliegue de trap de vanguardia. Sobre la liviandad de sus Ozweego y con todo el estilo urbano que brinda adidas Originals, el cantante que nació del freestyle presentó algunos de sus singles más exitosos como “Tres rosas”, “No quiero más” y “Buenos Aires”.

Por el escenario también pasaron artistas como Nat Kat, Piscis Machine, Telzen, Inda Jani y Mora G. Pero tras la presentación de Seven, el show más esperado fue el de los chicos raros del trap Ca7riel & Paco Amoroso, que convocó a un 68 B I L L B O A R D A R | S E P T I E M B R E , 2 0 1 9

gran número de personas. Tras agotar tres shows en Niceto Club a finales de agosto, el dúo se mostró muy holgado sobre el escenario, en parte por el suceso de sus canciones y, otro poco, por el estilo que llevaban con sus prendas adidas.

Además de los shows, hubo todo tipo de activaciones en la Ozweego Hauz; habitaciones con diseño en las que la protagonista era la nueva silueta de adidas Originals, donde la gente aprovechó para sacarse fotos y postearlas. Un candy bar, rodeado de los modelos en tonos flúo, clásicos de los noventa. Un espacio para jugar con diferentes texturas y sus sensaciones. Por si faltará más, hubo una pantalla gigante que fabricaba filtros, creados por Tokyyto, para tomar imágenes en vivo.

La propuesta contó un espacio para tutoriales y workshops. Allí, se podía diseñar unas Ozweego usando todo tipo de materiales, disponibles para los participantes. El trabajo más original, y en línea con la nueva propuesta estética del modelo, se ganaba un par de zapatillas. También estuvo India Buselli, la influencer creadora de “Y vos tipo”, brindando un tutorial sobre herramientas de comunicación en tiempos de redes sociales.

El diseño del nuevo modelo está inspirado en la adidas Ozweego 3, las zapatillas de running que se lanzaron en 1998. La versión actual cuenta con toda la tecnología de la actualidad para crear comodidad, un elemento clave de la moda de los 90, y una característica muy valorada siempre. Tiene un diseño futurista, con un distintivo panel de ojales y un tubo de soporte traslúcido, un sistema de amarre de cordones, materiales resistentes, con un exterior en TPU, gamuza y malla y suela de caucho. Las zapatillas cuentan con la exclusiva tecnología de amortiguación adiPRENE en el antepié y el talón.

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Vivo

EXPERI ENCIA ROCK Punta Carrasco 18 y 24 de agosto

El poder del ensayo estelares, massacre, pier, animal, coral y diego frenkel, los tipitos, Attaque 77 y Shoot the Radio pasaron por el ciclo rockero y dejaron su marca personal.

Así, el domingo 18 y sábado 24 de agosto, el rock se trasladó a Punta Carrasco con un festival que reunió a grandes bandas del rock nacional con un museo de rock, exposiciones, clínicas musicales y stands.

Los presentes disfrutaron de un formato de show a modo de sala de ensayo, con la presencia de Estelares, Massacre, Pier, Animal, Coral y Diego Frenkel, Los Tipitos, Attaque 77 y Shoot the Radio.

Billboard Argentina dijo presente y estuvo desde el comienzo cubriendo el evento a través de la radio oficial, mediante la transmisión de podcasts del género y entrevistas con los artistas que pasaron por Experiencia Rock y dejaron su impronta.

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Vivo VA N T H R A Niceto Club 23 de agosto

Volver a casa

GENTILEZA

el viernes 23 de agosto, vanthra se presentó por segunda vez en el año en Niceto Club. Su nuevo repertorio incluye reversiones de clásicos como “Ella vendrá”, de Don Cornelio y la Zona, y “Más y más”, de Draco Rosa. No faltaron canciones nuevas como “Canción sola”, El desierto de dios” y “Voz del mar”.

La noche también contó con diferentes invitados. Subieron al escenario músicos como Lisandro Aristimuño, Marcelo Pelleriti, Barbarita Palacio, Javier Casalla (violinista de Bajofondo), tres integrantes de La Bomba de Tiempo y Matías Lourenco entre otros.

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Vivo J MENA Niceto Club 22 de agosto

JUSTINA BULLBARELLA

La Cobra se cobra un sold out j mena dio comienzo a #lacobraTour con su primer show en el Teatro Vorterix totalmente sold out. A semanas de editar su nuevo álbum de estudio, la cantante se presentó en el recinto de Colegiales con un show que la posiciona como una de las nuevas referentes pop de la escena latina.

Con cambios de ropa, bailarinas, coreografías y banda completa en vivo, j mena desplegó un show impactante tanto a nivel sonoro como visual. Además, contó con la participación de la jefa del trap argentino Cazzu para hacer juntas “Se acabó”, featuring de su nuevo álbum La cobra.

Próximamente estará estrenando nuevos videoclips y tiene por delante una gira que pasará por Rosario, Córdoba, Montevideo, La Plata, Santa Fe, Chile, Misiones, Mar del Plata y dos shows en Teatro Ópera, el 12 y 13 de diciembre, ya agotados.

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Vivo RE I K Luna Park 31 de agosto

reik se encuentra festejando sus 15 años de trayectoria, y la noche del sábado 31 de agosto fue una verdadera celebración para el grupo mexicano. Con un estadio Luna Park colmado, el trío demostró por qué siguen siendo uno de los mayores referentes del pop latino. “¡Siempre es bueno regresar a casa! Gracias Argentina por tanto amor durante todos estos años que hemos crecido juntos. Los amamos”, con estas palabras, Reik agradeció a través de las redes sociales al espectacular público argentino luego de su show.

La noche comenzó con “Qué vida la mía”, y continuó con temas como “Me duele amarte”, “Ráptame” o “Creo en tí”. Sobre el cierre llegaron algunos de sus singles más actuales como “Un año”, “Aleluya”, “Amigos con derecho” y “Me niego”.

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GENTILEZA REIK

Hits de ayer y hoy

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Reviews EN PROCESO 76

Polimá WestCoast y Young Cister, el dúo de trap más propular de Chile trabaja en su primer álbum en conjunto. Esperan que las 13 canciones -repartidas entre 7 productores diferentes- vean la luz antes de fin de año. Trabajaron con productores como 0-600, OroDembow, Oniria, Yesan, Marvin Cruz y Ronny J. BILLBOARD AR | SEPTIEMBRE, 2019

LA BERISO

LA JOAQUI

De giras y madrugadas

Harakiri

este nuevo trabajo de la banda de la zona sur de Buenos Aires arranca con la rutera “Hastío” con el video bien a lo “Thelma y Louise” protagonizado por Liz Solari, con persecución policial, mientras Rolo enumera el costo que hay que pagar en las largas giras y en romances que crecen al costado de la ruta. “Malherido” sigue la línea rutera, con mucha fuerza, con un video cubierto por imágenes de una recorrida por el puente Zarate Brazo largo y las rutas uruguayas, mientras Sartorio gusta de sentirse un sobreviviente y recuerdalos comienzos de su vida rockera, mientras lo acompañan arreglos de bronces. “Bandido” es una canción medio tempo rockera bien a lo Calamaro, donde la banda muestra su madurez.

Esa línea cancionera se mantiene en “Miro hacia atrás” donde el grupo toma el camino que dejaron Los Rodríguez con buenos resultados. “Incendiémonos” es una balada donde destacan el piano del Conde y las acústicas y la voz en tono de lamento de Sartorio con buenos coros femeninos, hasta que la banda la envuelve en electricidad y así gana en emotividad, la canción seguramente será un himno en las citas de los del sur.

“Revolución” arranca con coros gospel y una acústica y la batería de Javier Pandolfi adopta el beat de una marcha y en la canción Rolo se pone en la piel de un chico que debe trabajar a pesar de su corta edad y le pide a un cliente cheto e irrespetuoso que lo respete. “Coraje” e “Inmortal” son rocanroles de pura cepa berisera. La banda contesta a algunos de los cuestionamientos de manera muy sutil en “Insolente”, un rock & roll con un ritmo mexicano, con un destacado trabajo instrumental. La balada con un buen apoyo del saxo es el vehículo elegido por Sartorio para reflejar su visión de la realidad que castiga a políticos, jueces, abogados, economistas, policías amantes del gatillo fácil, violadores y rescata a su pareja como refugio en la crisis. La Beriso rescata y pondera la cultura y la solidaridad barrial en la zona sur del GBA en “Nací en un barrio”, otra canción que seguramente será himno en sus conciertos. El disco cierra con la melancólica balada “Vulnerable”.

joaquina lerena, una de las primeras figuras femeninas fuertes del trap, regresa a la música con este mixtape en el que mezcla todos sus gustos e influencias. La compinche de andanzas de Cazzu arranca el trabajo con “Veneno”, un trap lento romántico, donde la MC se descarga sobre los que se meten en su relación, con un tono de voz muy juguetón y sensual. El beboteo sigue en “Por y para” pero la base es más hip hopera, más rápida y marcada; y la marplatense que vivió varios años en Costa Rica, se dedica a prometerle el cielo y miles de placeres a su chico. En esta canción La Joaqui deja en claro porque ganó varias batallas de freestyle, demuestra ser dueña de un buen flow, y de una rima veloz y certera.

“Nadie” tiene un arranque bien tecno hasta que todo gira al trap, mientras La Joaqui se queja de un abandono y de un desengaño, con un tono muy sensual, algo aniñado. Pero la provocación y el empoderamiento es parte de la lírica, porque la Joaqui es de tomar armas y proclama que “esa boca es mía, y “yo no te se amar pero te doy sexo que es espectacular”. En “Caramelo”, la Joaqui se mete en un R&B pop y ritmos folclóricos latinos, la protagonista de la serie “El Marginal 2” prepara una banda con bronces, guitarra, bajo y batería.

“Cuantas veces” tienen un arranque con guitarra y es una balada a mitad de camino entre el hip hop y el trap, mientras se queja de “haber competido” por un hombre. “Hiciste de mi ruina, una auténtica obra de arte. Si después de tantas muerte me volví tan fuerte, después de vos soy inmortal”, agregó en una declaración de principios. La Joaqui es una chica dulce pero dura del GBA, no se anda con chiquitas. Esta es una canción que anticipa que en las próximas semanas la Joaqui prepara nuevas canciones algunas de ellas cerca de la cumbia romántica y el hip hop o el reggaeton romantic style con muy buenos arreglos. “Dicen por ahí” tiene guitarras de cumbia romántica, el groove de una R&B, pero la Joaqui le pone un beboteo sexy y provocativo, en un tema bien cachonda. En una melodía que la acerca las canciones por fuera del trap que han realizado la brasileña Anitta, Natti Natasha y

Karol G. “Rocho”, uno de los primeros singles, también arranca con guitarras para una canción más R&B en la que La Joaqui le exige a su amante dinero para que le compre el mundo, una casa grande, pero también quiere comerle la boca. El disco cierra con “Mi amor” donde canta con el trapero argentino Fily Wey que tiene una apertura bien tecno, mientras la Joaqui te cuenta una historia de desamor y ruptura bien moderna, bien de barrio y humana, por su parte Fili Wey le contesta explicándole el motivo de la ruptura.

TAYLOR SWIFT Lover

la cantante nacida en pensilvania publicó su séptimo álbum en el que convocó a productores como Jack Antonoff, Louis Bell, Frank Dukes y Joel Little, que tienen la particularidad de haber trabajado con Lorde, St Vincent y Camila Cabello, entre otras mujeres que han dominado los charts. El disco arranca con “I Forgot That You Existed” un suave R&B lista para las playlist del streaming. En “Cruel summer” Swift se mantiene más cerca de un R&B soulero donde puede sacar a relucir su falsete, mientras St Vincent apoya con teclados. Por su parte, “Lover” es una balada pseudo rockera que trae recuerdos del pop-country con el que la cantante triunfó en sus inicios. Pero el pop mixturado con la música negra regresa en “The Man”, mientras que en “The Archer”, Swift trae una balada cubierta de colchones de teclados.

En algunas canciones del disco, Swift prefirió hablar de temas muy personales como en “London Boy” donde cuenta la historia con su nuevo novio. En “Soon You’ll Get Better” donde la acompañan las Dixie Chicks, habla del cáncer que sufre su madre.

Y se hace la ácida al describir la hipocresía del sueño americano en “Miss Americana & the Heartbreak Prince”.

Luego de haber recibido críticas por sus posiciones conservadores, Taylor toma posición junto al movimiento LGBT en “You Need to Calm Down”.

Luego destacan las canciones con featurings como la juguetona “Me!” junto a Brendon Urie, cantante de Panic! at the Disco, track que alcanzó el Nº2 del Billboard HOT 100.

POR ADRIÁN MOUJÁN

Mientras tanto Taylor anunció que para el 2020 estará ocupada regrabando sus primeros cinco discos, como consecuencia de considerar un “enemigo” al empresario estadounidense Scooter Braun, representante de Justin Bieber y Ariana Grande, que acaba de comprar el sello Big Machine que publicó los primeros trabajos de la blonda.

mentos para ser un hit. En “Malaria”, Irione critica el cinismo y el egoísmo en formato rapero, mostrando una rima rápida y una lengua afilada. En “Sola”, Irione linkea nuevamente con el rock argentino, con “Homero” de Viejas Locas, para contar la monótona vida de la clase obrera, en clave de hip hop G funk. “No es trap ni rap” es un decálogo sobre la movida, muy bien trabajado desde lo instrumental, que Irione aprovecha “batazos” a diestra y siniestra.

XXL IRIONE La historia

el rapero de wilde se lanza con un disco en el que muestra toda su versatilidad para ir del hip hop, al rap, pasando por el trap. Juan Manuel Fernández Maciuk, conocido como Irione, le pone mucha sustancia a su música y de ser un conocedor de la escena urbana aprovecha para dictar algunas máximas como lo hace en “Hacela bien”. Irione trae la crudeza de la zona sur del Conurbano.

“Ansiolítico” retrata la adicción de los argentinos al Clonazepam, a raíz de las sucesivas crisis económicas que atraviesa el país. Pero además se despacha con dureza contra aquellos músicos que hacen del reviente una apología y que curten una misoginia y un machismo que le hacen mucho daño a la movida. “Sola y en paz” arranca con un piano y es un homenaje a “Déjenla sola en paz” escrita por Ricky Espinoza, del grupo punk de Flema, habitante de Avellaneda y Dock Sud. La base instrumental es de música negra, del G funk bien angelino. El hip hop de la mejor escuela aparece en “In the room” donde participa Vekox y es pura provocación.

“Ciego” es un trap ebrio, que cuenta las vivencias de una juventud sin futuro en el GBA. “Alcohol” sigue esa línea pero esta vez es por desamor que el protagonista se dedica al vino.

“Empresario” viene cubierto de ropajes del hip hop y habla de los productores de la escena que se sienten empresarios. Mientras que “Forever 22” es puro G Funk con una letra bien cruda, donde Irione repasa su experiencia en la escena. “El rap salvo mi vida y también me dio comida”, grita Irione en “El Barba”, una canción de la old school rapera, cargada de dramatismo. J Mastermix participa en “Ella”, un hip hop con ciertos tramos de trap con los condi-

PROYECTO GOMEZ CASA Luz

nuevo trabajo de uno de los proyectos más interesantes de la escena independiente argentina, que toma la electrónica y lo tamiza con otros estilos. Luz comienza con un fuerte beat de batería electrónica y un groove de bajo distorsionado que son el cuerpo de la canción “Mental” donde participa Lula Bertoldi, de Eruca Sativa, para una melodía energética y agitadora.

El segundo featuring cuenta con la participación de Sof Tot, del grupo Fémina, y del DJ Javier Zucker para una canción bien pop, movediza, bailable, con una letra que va tirando conceptos que dejan pensando. El restante featuring es “Hay que dormir solo lo necesario” con Catriel que tiene un principio a dos voces, con una base que recuerda a una baguala y en la que ambos vocalistas van tirando posturas y definiciones en una melodía que va tomando cosas del hip hop. En “Amanecer”, la banda integrada por Rodrigo Gómez, Pablo Bursztyn y Matías Mielniczuk arma una estructura más electrónica, que cubren a las voces y sus inflexiones. Luego la canción vira a un funky con un groove muy deforme. “Experimento para ver las miradas” con la voz de HTML es más lenta, es casi un lamento en voz baja, rodeada de ruiditos que toma mayor velocidad con el protagonismo de la voz femenina. “Evolución” tiene una gran carga de ansiedad, es pura deformidad, al punto tal que está cantada en spanglish.

“Abandono” también tiene estrofas cantadas en inglés y en español, con la voz desnuda por sobre la telaraña que tejen las máquinas y los sintes.

En “Deep Primavera”, los músicos ponen a la voz al frente en situación emotiva y épica, con el entramado tecnológico sonando bien bajo, apenas vestido, hasta que la batería toma el camino del electro-pop de los 80, de los primeros años de Depeche Mode o Human League. O de los proyectos de Vince Clark, luego de irse de Depeche y antes de Erasure.

HERNÁN CATTÁNEO Sunsetstrip

el más prestigioso exponente argentino de la música electrónica lanzo 33 canciones tratadas de diferentes maneras y separadas por los títulos Mixed Versiones y Unmixed Versión. Cattaneo se inspiró en sus shows en festivales como Burning Man y Tomorrowland, así como también en su show para más 10 mil personas en el Campo Argentino de Polo para su realización. También trabajó con otros artistas como el músico terapeuta australiano Dar Pan para la atmosférica “Blessing”, y aprovechó para presentar trabajos en conjunto con sus amigos de Soundexile y con el argentino Marc.

Otros argentinos que colaboraron en el disco son Mariano Mellino, Interaxxis, Kevin Di Serna, Juan Hansen, Antrim, Mike Griego, Ezequiel Arias y el duo EANP, sumado a nombres establecidos como Davi, Navar, Nick Varon y su socio Graziano Raffa. En estos dos compilados aparecen dos participaciones vocales: la de Anita Alvarez de Toledo en “White Rabbit” y la de Paula Oss en “Headspace”.

J MENA La cobra

nuevo trabajo de la actriz y cantante que compila sus últimos singles, muy exitosos como “La Cobra” (ex Nº3 del Billboard Argentina HOT 100) que cruza al reggaetón con la cumbia y que reunió más de 40 millones de views en Youtube.

“ADN” es un reggaetón bien caribeño con ciertos arabescos en el que la cantante argentina despliega su sensualidad. La jefa del trap Cazzu,

participó en “Quien empezó”, donde en formato trap, ambas se burlan de un hombre y se cobran revancha de un infiel en un track que se perfila a convertirse en hit. En “Dos corazones” Barón se pone a bebotear en clave trap de manera sensual con una muy buena producción en el segmento instrumental. Y se mofa de que “su culo brilla en Instagram”.

Para la cumbia “Gato”, Barón llamó a los Ráfaga y juntos diseñaron una pegadiza melodía donde la también actriz se toma en sorna los comentarios sobre su vida privada. “Castigo” es una balada pop de desamor, en la que j mena se juega con una pronunciación trapera. La línea de pop urbana se mantiene en “Se acabó”, mientras “Traicionera” es una salsa electrónica, con participación de bronces en la que Barón se juega invitando al baile.

NICO BERECIARTUA Volviendo

el notable guitarrista argentino que integra Magpie Salute, el grupo liderado por Rich Robinson uno de los fundadores de los Black Crowes, regresó a la Argentina y grabó un disco donde muestra sus raíces de blues, folk y country con algunos toques del folclore argentino.

La primera canción del trabajo es “18 Hammers”, y arranca con coros espirituales de campesinos afroamericanos cultivando algodón y luego se le suma un riff de guitarra y el resto de la banda en un blues campesino en inglés muy bien logrado. En “Qué quieren de mi”, Bereciartúa atraviesa momentos de country donde cuenta historias como un juglar de pura cepa. También hay lugar para canciones como “Yendo a casa”, una balada donde se destaca todo el trabajo de la banda. La línea natural y agreste sigue en “No quiero”, donde todo es acústico y huele a madera, y Bereciartua canta con ductilidad. El álbum contiene instrumentales como “Juanita” que mezcla el folclore argentino con la música ciudadana de los 80, “El Cardal” que recuerda a los climas que lograban los Black Crowes en sus canciones; “Fabylon” que es un country más moderno, con buenos momentos. Mientras que “Intensos” es un blues campesino con interesantes arreglos de la guitarra y los teclados.

B I L L B OA R D.CO M . A R

77

Gracias x venir 1

78

BILLBOARD AR | SEPTIEMBRE, 2019

F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

2

3 4

6

5

7

9

10

8

11

1 Polima Westcoast y Young Cister El dúo más importante de trap chileno se presentará en Niceto Club el 21 de septiembre, en el marco del ciclo 21G. 2 Rauw Alejandro El puertorriqueño visitó la Argentina para sumarse a los shows sold outs de Cazzu en el Teatro Ópera.

3 Dalex Representante de la New Wave de música urbana latina, estuvo en la casa de Billboard AR para hablar de su gran presente musical.

4 Agus Casanova El cantante uruguayo se encuentra presentando su nuevo sencillo “Tiri tiri”.

5 Nina Vais La violinista argentina adelantó a Billboard AR que pronto lanzará un nuevo EP donde fusionará ritmos del trap y el pop.

6 Mike SouthSide El rapero pasó por los Podcast de trap de Billboard AR para hablar sobre el nacimiento de la escena que hoy domina el streaming.

7 Diel Paris Firmado recientemente por Universal, el artista multifacético se encuentra presentando su single “No le digas a nadie” 8 Charles Ans El mexicano estuvo por primera vez en Argentina para promocionar su último track “Verano del 2006”.

9 Florian “Llorón” es el tercer y último single del cantante, ex miembro de Callate Mark.

10 PEMA El artista de 16 años visitó Billboard AR y dejó una versión acústica de su canción “6 AM”.

11 El Club Del Rifle El grupo grabó en Billboard AR una versión acústica del sencillo “Gi-Joe”.

B I L L B OA R D.CO M . A R

79

80 B I L L B O A R D A R | S E P T I E M B R E , 2 0 1 9

2

Senorita Shawn Mendes & Camila Cabello

2

8

1

3

Old Town Road

Lil Nas X Feat. Billy Ray Cyrus

1

24

4

4

4

Truth Hurts

Lizzo

4

15

5

5

5

Talk

Khalid

3

27

6

6

6

No Guidance

Chris Brown Feat. Drake

6

10

7

7

7

I Don’t Care

Ed Sheeran & Justin Bieber

2

14

10

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8

Lil Tecca

8

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8

9

9

Goodbyes

Post Malone Feat. Young Thug

3

6

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10

If I Can’t Have You

Shawn Mendes

2

15

Esta semana

20

Semana pasada

1

2

2

1

3

3

1

Título CERTIFICACIÓN

Artista

PRODUCTOR (COMPOSITOR)

#1

1 SEM

SG

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

Bad Guy

Ran$om

COLUMBIA

REPUBLIC

BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS, RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.

“Sorry” de Justin Bieber y “The Way You Move” de OutKast featuring Sleepy Brown, que llegaron a permanecer por ocho semanas en el N°2 en los años 2017, 2016 y 2004, respectivamente.

Nacida el 18 de diciembre en 2001, Eilish es la primera artista nacida después de los 2000 en llegar a la cima del Hot 100. Además, es la artista más joven desde Lorde en liderar la lista, cuando la cantante llegó al N°1 con 16 en 2013 con el single “Royals”. —GARY TRUST

Semanas en chart

B

illie eilish logró su primer N°1 en el Billboard Hot 100 con su sencillo “Bad Guy” y destronó a “Old Town Road”, la canción de Lil Nas que alcanzó las 19 semanas en el primer puesto del listado y marcó un nuevo récord.

“Bad Guy” llegó al primer lugar luego de nueve semanas en el segundo puesto del chart, de esta manera superó las marcas de alcanzaron “Starboy” de The Weeknd,

Billie Eilish

Dos semanas atrás

Billie Eilish consigue su primer N°1 con “Bad Guy”

Mejor ranking

RMV/SHUTTERSTOCK

PRESENTADO POR

Billboard Hot 100

Con el lanzamiento del video oficial el 13 de agosto, “Baby” de Lil Baby & DaBaby creció un 27% en sus reproducciones de streaming en los Estados Unidos.

Esta semana

Semanas en chart

34

L I L BA BY & DA BA BY

Semana pasada

Dos semanas atrás

BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS, RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.

¿Qué hizo que la canción sea el corte

El álbum es uno de tus lanzamientos country más tradicionales, ¿por qué?

Eso es lo que soy como artista. Hubo momentos en Kinda Don’t Care de 2016 que fueron progresivos, y fue comercialmente exitoso, pero lo que más disfruto haciendo es el country tradicional. Lo logramos, y estoy orgulloso. —TYLOR WEATHERBY

Mejor ranking

¿Qué te inspiró a dedicarle la canción a los familiares de las víctimas de los disparos?

Las personas que sirven a nuestras comunidades deben ser respetadas por los sacrificios que hacen todos los días. [Después de] que sacamos la canción, hicimos un espectáculo benéfico para las familias de las víctimas de disparos de Parkland [Florida] [en febrero]. Si la canción ayuda a alguien a reconstruir su vida después de perder a un ser querido, de eso se trata.

adecuado para el álbum?

Tuve que convencer a mi sello [Big Machine] para que siguiera con esta canción.

Querían lanzar “Why We Drink”. Habíamos hecho una canción uptempo, ear-candy para nuestro primer sencillo en el último álbum, y quería profundizar en este proyecto. Sabía que esta canción tenía la oportunidad de impactar a la gente.

7

31

21

15

11

21

1

45

Post Malone

2

34

Young Thug, J. Cole & Travis Scott

12

12

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1

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2

52

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7

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4

17

20

16

8

Sam Smith

29

4

Morgan Wallen

17

24

39

Cash Shit Megan Thee Stallion Feat. DaBaby

39

8

39

40

Shotta Flow

NLE Choppa

36

17

Rearview Town

Jason Aldean

40

12

10

35

34

10

43

4

8

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8

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11

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2

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23

26

Wow. ¡

28

27

27

The London

26

28

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30

29

25

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30

43

33

31

37

32

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38

35

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45

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24

29

35

31

31

36

40

37

37

How Do You Sleep?

35

36

38

Whiskey Glasses

42

41

PRODUCTOR (COMPOSITOR)

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

Hey Look Ma, I Made It

Panic! At The Disco

Dancing With A Stranger

Sam Smith & Normani CAPITOL

Beer Never Broke My Heart Luke Combs COLUMBIA NASHVILLE

Pop Out

Polo G Feat. Lil Tjay

COLUMBIA

Without Me

Halsey CAPITOL

REPUBLIC

Speechless

Dan + Shay

7 Rings

Ariana Grande REPUBLIC

Happier

Marshmello & Bastille

All To Myself

Dan + Shay

Knockin’ Boots

Luke Bryan CAPITOL NASHVILLE

My Type

Saweetie

Baby

Lil Baby & DaBaby

God’s Country

Blake Shelton

Panini

Lil Nas X COLUMBIA

CAPITOL

BIG LOUD

Semanas en chart

El cantante de 35 años, nativo de Arkansas, logró si entrada N°11 en el Hot 100.

18

Artista

Esta semana

JUSTIN MOORE The Ones

16

Título CERTIFICACIÓN

Semana pasada

Dos semanas atrás

52

36

11

1

46

40

41

1

24

33

34

42

7

9

34

44

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14

14

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44

1

43

45

42

45

7

20

55

62

46

DG One Thing Right

14

10

60

52

47

Trampoline

SHAED

Taylor Swift

2

9

48

47

48

Going Bad

Meek Mill Feat. Drake

AG Boyfriend Ariana Grande & Social House

8

2

-

67

49

19

7

29

38

50

Título CERTIFICACIÓN

Artista

PRODUCTOR (COMPOSITOR)

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

Hot Girl Summer Megan Thee Stallion, Nicki Minaj & Ty Dolla $ign

HOT SHOT DEBUT

11

9

12

12

13

13

13

18

17

14

11

14

15

14

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16

15

16

17

16

18

18

You Need To Calm Down

-

8

19

23

22

20

Sucker

Jonas Brothers REPUBLIC

Money In The Grave

Drake Feat. Rick Ross REPUBLIC

Someone You Loved

Lewis Capaldi Post Malone & Swae Lee REPUBLIC

Suge

DaBaby

JETSONMADE,POOH BEATZ

The Git Up

Blanco Brown

REPUBLIC

REPUBLIC

Beautiful People

Ed Sheeran Feat. Khalid

Mejor ranking

MOORE: CODY VILLALOBOS. STALLION: SARA JAYE WEISS/SHUTTERSTOCK. PERRY: RMV/ ZUMA PRESS. JUNE: KRISTIN BARLOWE. BABY: PRINCE WILLIAMS/WIREIMAGE.

PRESENTADO POR

Sweet But Psycho

NO LOVE

Ava Max ATLANTIC

Otro Trago

Sech, Darell, Nicky Jam, Ozuna & Anuel AA RICH

China Anuel AA, Daddy Yankee, Karol G, Ozuna & J Balvin LA MUERTE

Better

Khalid Marshmello & Kane Brown

Queen Of Mean WALT DISNEY

Never Really Over

Katy Perry CAPITOL

B I L L B OA R D.CO M . A R

81

Billboard Hot 100

Semanas en chart

39

19

Justin Moore

46

9

Jonas Brothers

53

9

Bad Bunny & Tainy

52

10

Chris Young

54

11

48

12

49

15

57

26

39

3

56

11

16

11

Chris Lane

62

6

-

99

82

Taylor Swift Feat. Brendon Urie

2

17

-

81

83

Trippie Redd Feat. Lil Baby & Lil Duke

64

1

49

50

51

51

46

52

The Ones That Didn’t Make It Back Home

70

63

53

Only Human

52

53

54

Callaita

62

54

55

Raised On Country

57

55

56

54

51

57

63

57

58

39

73

59

65

56

60

66

64

61

Press

73

69

62

I Don’t Know About You

61

66

63

ME!

64

Mac 10 Time

NEW

REPUBLIC

RIMAS

Easier Go Loko

YG, Tyga & Jon Z

Talk You Out Of It

Florida Georgia Line BMLG

Gold Roses Call You Mine

Rick Ross Feat. Drake The Chainsmokers & Bebe Rexha COLUMBIA

Cardi B

TENTHOUSAND PROJECTS

NF

65

71

70

66

82

72

67

81

76

68

56

59

69

76

71

70

80

78

71

75

75

72

74

74

73

59

65

74

Some Of It

-

94

75

Love You Too Late

68

77

76

Earfquake

77

89

98

78

93

89

79

-

90

80

Soltera

BIG LOUD

REPUBLIC

79

86

RCA NASHVILLE

5 Seconds Of Summer

67

98

VALORY

Hate Me

Ballin’

2

On Chill

86

1

87

1

54

19

Ambjaay

82

2

84

83

88

43

13

-

82

89

Uno

68

7

90

Buy My Own Drinks

Runaway June

90

1

71

6

91

Love Ain’t

Eli Young Band

50

18

70

9

NEW

92

F.N

Lil Tjay

92

1

73

4

NEW

93

Baby Sitter

93

1

Eric Church

43

12

28

16

Cole Swindell

75

2

22

8

13

13

86

3

87

10

75

11

65

5

64

3

EMI NASHVILLE

WARNER MUSIC

Tyler, The Creator COLUMBIA

Kenny Chesney

Blueface & Rich The Kid Mustard Feat. Roddy Ricch INTERSCOPE

82 B I L L B O A R D A R | S E P T I E M B R E , 2 0 1 9

85

WALT DISNEY

5

Ellie Goulding & Juice WRLD

We Were

85

What Happens In A Small Town Brantley Gilbert + Lindsay Ell

Night Falls D. Cameron, S. Carson, B. Stewart, C. Boyce, T. Doherty, C. A. McClain & D. Playfair

68

Ali Gatie

M.L.CROOK,SCUM BEATS

1

Khalid

87

INTERSCOPE

Daddy

84

84

Right Back

NEW

Jhay Cortez, J Balvin & Bad Bunny

Tip Of My Tongue

3

Matt Stell

3

Y2K & bbno$

It’s You

81

Prayed For You

CAPITOL

67

DJ Khaled Feat. SZA

No Me Conoce

2

Katy Perry

86

CAPITOL NASHVILLE

Lalala

82

Small Talk

NEW

Carrie Underwood

Just Us

1

Artista

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

14

CAPITOL NASHVILLE

D.GARCIA,C.UNDERWOOD

81

81

Título CERTIFICACIÓN

PRODUCTOR (COMPOSITOR)

66

Dierks Bentley

Southbound

NEW

Hot Girl Summer

4

STAR ISLAND

R.COPPERMAN,J.R.STEWART

NEW

M E G A N T H E E S TA L L I O N ,

65

Lunay, Daddy Yankee & Bad Bunny

Living

11

La supercolaboración alcanzó las 25.4 millones de reproducciones de streaming y más 24 mil descargas en ventas según Nielsen Music. Además, el track picó al puesto N°3 del Digital Song Sales y al N°6 del Streaming Songs. Megan Thee Stallion logró su mejor posición en el Hot 100 con “Hot Girl Summer”. Por su parte, Ty Dolla $ign logra su tercera mejor entrada y Nicki Minaj hace su aparición N°104 en el listado, extendiendo su récord de artista mujer con mayor cantidad de ingresos en la historia del chart. —G.T

Semanas en chart

Feat. Cardi B

Mejor ranking

Clout

Esta semana

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

Semana pasada

Artista

PRODUCTOR (COMPOSITOR)

Dos semanas atrás

Título CERTIFICACIÓN

Keith Urban

-

97

NEW 91

87

94 72

96

95 96

77

5

90

92

97

78

3

83

91

98

79

4

80

2

99 64

84

100

VALORY

Wale Feat. Jeremih

Snake Skin

Trippie Redd

HAMMAD BEATS,M.CRABTREE

24/7

TENTHOUSAND

Meek Mill Feat. Ella Mai ATLANTIC

COLUMBIA

VALORY

COLUMBIA

DaBaby

Sanguine Paradise Rodeo

WHEELHOUSE

Lil Uzi Vert Lil Nas X & Cardi B COLUMBIA

What If I Never Get Over You Lady Antebellum BMLG

Tap La La Land Que Pretendes Single Again

NAV Feat. Meek Mill Bryce Vine Feat. YG J Balvin & Bad Bunny Big Sean

81

K AT Y P E R R Y

El ingreso “Small Talk” marca la quinta entrada de Perry en el Hot 100 en lo que va del 2019, se encuentra a una canción de empatar su marca de seis canciones logradas en 2014.

90

R U N AWAY JUNE Buy My

El trío hace su debut absoluto en el listado.

BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS, RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.

Mejor ranking

Esta semana

Semana pasada

Dos semanas atrás

PRESENTADO POR

84 B I L L B O A R D A R | S E P T I E M B R E , 2 0 1 9