Billboard AR N°70 Abril 2019

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DY: SERGIO SANTILLÁN

Semana del 7 de abril de 2019

BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS, RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.

Daddy Yankee es el nuevo rey

P

or tercera semana consecutiva, “Con calma” featuring Snow, el último single de Daddy Yankee se mantiene en el puesto Nº1 del Bill­ board Argentina Hot 100. La canción es una reedición de “Informer”, un hit del rapero canadiense (Snow) que fue lanzado en 1992. Antes de llegar a la cima del chart, la canción estuvo por varias semanas en el Nº2 pero finalmente cortó la racha de “Calma (remix)”, actual Nº2.

En definitiva, el top 5 del listado se mantiene exactamente igual que la semana anterior. En el puesto Nº3 se ubica “Secreto” de Anuel AA y Karol G, Paulo Londra sigue en el Nº4 con su ex Nº1 “Adán y Eva”, y “Un año” la balada que unió a Reik con Sebastián Yatra continúa en el Nº5.

Sin embargo, el resto del top 10 sufrió varios cambios con respecto a la semana anterior. DJ Alex escaló

un puesto y terminó en el Nº6 con “Leña para el carbón”. Mientras, “Pa mi” de Dalex feat. Rafa Pabón saltó del Nº17 al Nº7, logrando su mejor marca en el chart hasta el momento. Maluma regresó al top 10 del Billboard Argentina Hot 100 y lo hizo con su último single “HP”, que se ubicó en el Nº8. Y mientras “M.I.A.” de Bad Bunny y Drake retrocede al Nº9, J Balvin reingresa a los primeros diez lugares con “Reggaetón”.

Además, “Cristina”, el último sencillo de Yatra, que cuenta con videoclip co-protagonizado con Tini, alcanzó en su primera semana dentro del chart el puesto Nº23.

Por su parte, WOS logró ingresar “Terraza” - canción que presentó por primera vez en vivo el pasado fin de semana durante su show en el Lollapalooza Argentina- en el puesto Nº59.

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GUIDO ADLER

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Contenidos

B I LLB OARD A RG E N T I N A H OT 1 0 0 Daddy Yankee no es el solo 3 el rey del reggaetón, sino también del Billboard Argentina Hot 100 I N T RO Lollapalooza Argentina tuvo su 13 sexta edición y fue sold out E NT RE V ISTAS Y P E RF I L E S Nanette Lamboy 14 Nicolás Repetto 16 Emilia 24 Mike Bahía 26 Ayax y Prok 28 Rocco Posca 30 Anuel AA y Karol G 32 DJ Alex 34

E S P E CIA L E S Leaving Neverland 48 Bodas de Oro 56 The Isley Brothers - It’s Our Thing E M E RG E N T E S Defensa, Galean, Miranda Johansen 62 y Kris Alaniz 64 Lollapalooza Argentina Paul McCartney Hernán Cattáneo - PWR Festival Rock en Baradero

V IVO 68 70 71 72

REVIEWS Weezer, Lil Pump, Lara Pedrosa, 74 Solange, Maren Morris, Dido, Barilari, Ximena Sariñana y Tom Walker

EN LA TAPA

Pablo Alborán, el español es el artista que más discos vendió en la península Ibérica. En Argentina se presentó sold out en el Hipódromo de Palermo.

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“Muchos artistas de nuestro catálogo llamaron, diciendo, ‘Quiero trabajar con Blackpink’.

Las estaciones radiales demandan nueva música”, dice Jeremy Erlich, vicepresidente de desarrollo comercial de Interscope, quien facilitó las primeras conversaciones entre el sello y YG (él y Joe fueron juntos a la escuela de negocios). “La industria está lista. Cuando salga la música, no creo que vaya a haber mucha gente diciendo, ‘Esto es sólo una moda’”. (Página, 42) F O T O G R A F Í A P O R A L E X A N D R A G AV I L L E T

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Intro EL SUBE Y BAJA

Lali, Anitta, Natti Natasha, Karol G y Becky G forman parte del panel “Mujeres en el liderazgo” de las Billboard Latin Conferences 2019.

Rosalía.

Lollapalooza Argentina 2019: seis y contando

GUIDO ADLER

E

l festival más convocante de la Argentina vendió todos los tickets de su sexta edición un día antes de comenzar. Con Lenny Kravitz, Kendrick Lamar, Arctic Monkeys, Sam Smith, Twenty One Pilots y Post Malone a la cabeza, Lollapalooza Argentina recibió más de 300 mil personas durantes tres días.

Aunque su álbum El Mal Que-

rer ya la había puesto en mira de todos, su presentación en vivo terminó de ubicar a Rosalía como una de las artistas más disruptivas y con mayor proyección de la última década.

Lollapalooza también sirvió como legitimación definitiva para la escena trap argentina. No solo porque Steve Aoki le dio la bendición internacional a Paulo Londra con su

aparición durante el show del cordobés, sino también por la convocatorio de los shows de Khea, Cazzu, Neo Pistea, C.R.O y Lucho SSJ. El tapado del festival fue Duki.

Sin estar anunciado en el line up, el trapero marcó un récord sin precedentes en la historia del Lollapalooza; se presentó los tres días como invitado de diferentes shows.

El rapero Nipsey Hussle fue baleado el 31 de marzo a la salida de su local de ropa en Los Ángeles. Kendrick Lamar le dedicó un minuto de silencio durante su show en Argentina.

Instagram Music llegó al país: la función permite a los usuarios insertar música en las historias de 15 segundos desde una biblioteca común de canciones.

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Industria

Nicolás Repetto

Crear una nueva plaza El director musical de Grupo Nación y Multimedia e impulsor de InOut Music - empresa encargada del negocio de la industria musical dentro del grupo multimedia- habla sobre el crecimiento de Paraguay en el rubro artístico, la consolidación del español como idioma y la importancia de los vínculos.

¿Cómo llegaste a Paraguay?

- Hace aproximadamente seis años que vengo a Asunción especialmente por tres proyectos puntuales: uno es por la producción de shows. El otro motivo refiere a que formamos, con dos socios locales, la primera editorial musical del país, que se llama Asunción Publishing.

Por último, también vine a trabajar como asesor y director musical de un par de canales 14

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de televisión de aire. He conocido a mucha gente de la industria, no solo de la televisión sino de los medios audiovisuales, como G5pro y RPM, que fueron mis co-productores a la hora de realizar conciertos. Así fue como conocí la industria musical, los canales de televisión, las radios, los directivos, los empresarios, los productores de shows, y más.

Gracias a Asunción Publishing, conocí el universo musical y empecé a trabajar con toda esta industria. Al conocer el ambiente, tanto empresarial como artístico, esto desencadenó en mi nuevo trabajo como director musical de Grupo Nación y Multimedia, uno de los multimedios más importantes de todo Paraguay. ¿Cómo es la integración y expansión regional?

- La idea es relacionarnos con multinacionales, discográficas, compañías del publishing, corporaciones y empresas audiovisuales. Esto nos genera un feedback constante para poder apuntalar, afianzar y desarrollar proyectos en Paraguay y también que las empresas nos ayu-

den a posicionar nuestras producciones en el exterior. Paraguay es uno de los países que más ha crecido en la región, de manera firme y constante; no solo en la industria musical sino que en casi todas las industrias durante los últimos 15 años. Es interesante que ahora empecemos a estar en el mercado regional. Creo que al estar muy pegados a la Argentina, la relación con el país nos ayudará a acercarnos y eso va a generar que nos integremos un poco más a la región, para poder desarrollar negocios en común. ¿Por qué creés que creció tanto la música en español?

- Creo que creció por muchos motivos. Tuvo una evolución artística muy interesante. Lo que está pasando con la música urbana tiene que ver un poco con lo que pasa en Estados Unidos con el rap: por primera vez se está tocando en la música urbana. La música en inglés siempre tuvo esa parte más rapeada muy viva y, hoy día, la música en español se volcó para ese lado. Entonces llegó a un lugar de encuentro donde pueden convivir y relacionarse.

GENTILEZA NR

inout music hace alusión a lo que nicolás Repetto quiere expresar: desde adentro hacia afuera, desde afuera hacia adentro. Desde Paraguay, para todo el mundo. InOut Music es la empresa musical dentro del Grupo que nuclea y lleva adelante todo el negocio de la música, en vistas de desarrollar el talento nacional y de generar alianzas estratégicas con el exterior.

“Se trata de crear vínculos con el exterior, con empresas multinacionales para atraerlas hacia el Paraguay y, a través de este vínculo, poder exportar todo el talento que hay acá. Es un ida y vuelta entre marcas y medios, siempre incorporando la música”.

Industria hacer prensa, nosotros entendemos que la carrera de un artista es un proyecto integral. Trabajamos en marketing, en promoción y, por ejemplo, también vamos de la mano con todo lo que está pasando en la radio. En Estados Unidos, las publicistas no solamente hacen prensa, además, consiguen grandes deals de sponsors”, cuenta. ¿Qué es lo que tiene que tener un artista para tener éxito? − Además de contar con buena música y estar todo el tiempo buscando y creando, yo creo que el artista debe ser disciplinado y tener a alguien que crea en él.

A fin de mes se celebra la Latin Music Conference Week, ¿qué pensás de estos encuentros? − Yo creo que las Billboard Conferences forman parte de los grandes encuentros de la música latina. Las conferencias, además de ser una herramienta muy importante para toda la gente que está comenzando en la industria de la música, son el lugar perfecto donde pueden ir y encontrar todo lo que necesitan. Además, para nosotros es un constante aprendizaje, un encuentro entre grandes amigos, y un lugar de networking donde tú ayudas a los otros y otros a ti. Se trata de hacer cosas distintas y de avanzar.

Nanette Lamboy

“Quiero que las mujeres tengan más espacio” La fundadora y presidenta de Artist Solutions comenzó su carrera profesional en la compañía del productor y manager Angelo Medina, en Puerto Rico; hoy desarrolla tácticas de marketing y promoción de artistas como Romeo Santos y Residente. luego de trabajar 14 años primero como recepcionista y luego como asistente del productor y manager puertorriqueño Angelo Medina, Nanette Lamboy comprendió que era hora de emprender “my own journey ”, es de decir, su propio camino. Así nació Artist Solutions, una firma desarrolla estrategias de marketing, promoción y relaciones públicas a medida. Desde sus comienzos hasta hoy, han trabajado con 16

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artistas de la talla de Residente, Romeo Santos, Ricardo Arjona, Pedro Capo, Kany Garcia, Zion y Lennox entre otros.

Con más de 20 años de experiencia en la industria, Lamboy pisa fuerte en un negocio que históricamente estuvo liderado por hombres. “Quiero que las mujeres tengan más espacio”, comenta.

Luego, amplía el trabajo que hacen dentro de Artist Solutions: “No nos enfocamos solamente en

Sos un caso de empoderamiento femenino por el éxito que tuviste con tu proyecto. ¿Tuviste que sortear más inconvenientes que un hombre? − Hoy se se avanzó y rompimos barreras. En mi caso, yo nunca tuve problemas, ni de acoso ni nada. Siempre tuve grandes hombres a mi lado, que me empujaron y me dijeron “tú lo puedes hacer”. Dentro de la oficina de Angelo Medina éramos la mayoría mujeres en la oficina. Y tengo clientes y compañeros varones que ven el trabajo, confían y delegan. A mí nunca me tocó tan de cerca a nivel personal con los clientes, pero afuera siempre nos costó un poco más. Lo que me gustaría es que haya más espacios para las mujeres.

Tanto en las radios como dentro de los estudios para las compositoras, cantantes e intérpretes. ¿Qué le dirías a una mujer que esté empezando en esta industria? − Primero, le diría que nunca abandone sus sueños, y segundo, “keep on! (adelante)”. No importa cuánto tarde, solo continúa hasta que suceda. Y que pondere a sus compañeras. Mientras más unidas estemos las mujeres y más nos respetemos, más oportunidades habrán. Nosotras nos apoyamos mucho. Y si un trabajo no lo puedo hacer yo, recomiendo a alguien más. Hay que apoyarnos y valorarnos a nosotras mismas como compañeras.

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Monsieur Periné

No olvidar el origen La agrupación colombiana acaba de editar “La sombra” -junto a Leonel García- en una gira por Sudamérica, Europa y Estados Unidos. El 18 de mayo se presentarán en el Festival Nuestro, en Tecnópolis, Buenos Aires.

si bien su propuesta musical varía y no se aferra a un género en particular, a Monsieur Periné le seduce la idea de enraizarse en lo orgánico y tradicional: en la madera de sus instrumentos y en lo acústico.

Comenzaron incursionando en covers de canciones latinoamericanas de diversos países que dialogaban entre sí, fusiones que indudablemente influyeron en su carácter musical actual.

Así fue como arribaron a un sonido propio y formaron una identidad. “Cuando empezamos a hacer nuestra propia música, trajimos todas nuestras influencias, que van desde la música clásica hasta la electrónica”, señala Catalina García, frontman de la banda junto al guitarrista Nicolás Junca. Pero el amor por la música de antaño es más fuerte. Lo que prevalece en sus acordes es el bolero, la trova, la balada, la época dorada de la música latinoamericana, en fin. “Tenemos una banda de ocho músicos, nos gusta la energía que trae la interpretación, la creatividad que cada persona le impregna a su instrumento para encontrar un sonido”, agrega.

Su música abarca diferentes universos sonoros, ¿pueden autodefinirse?

- Catalina García: Lo que a nosotros nos se18

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duce de la música acústica o de los instrumentos reales es que la puesta en escena está nutrida exclusivamente por los instrumentos. No solo magia, sino una forma de conectar con la energía de la gente, haciendo música con el público.

No nos gusta que nos encasillen en un género porque no hacemos un género particular. Ahora estamos decididos en hacer música transgénero porque nos gusta replantearnos la identidad, de rendirle homenaje a nuestro origen, reconocerlo. Pero también poder llevarlo más allá y quizás cambiarle el atuendo en cada disco que hacemos porque para eso se hacen discos.

A la hora de componer, asumen riesgos. A través de la exploración, buscan lo “rítmicamente interesante”, ya sea en un riff o en un acorde extraño, conscientes de su época, pero con una marcada atemporalidad. “Creo que para nosotros, el lenguaje más fuerte es el de lo simple: la menor cantidad de elementos posibles, con la mayor magia posible”, dice Nicolás Junca. ¿Se sienten parte de esta época dorada de la música latinoamericana?

- Catalina García: Yo creo que cada generación puede hablar de una época dorada. Antes

de Drake cantando con Bad Bunny estaba Sinatra cantando música brasilera también, entonces no podemos afirmar simplemente a que ahora la música latina tiene tanto poder. Cada época nos ha demostrado que la música latina cala, se mete en el corazón de la gente y seduce con su paisaje, romanticismo y esa energía. Nos parece muy positivo que esto esté sucediendo porque se abren las puertas para la música en español y lo hemos vivido desde que comenzamos nuestro proyecto. Nuestro primer álbum fue editado en Japón y tenemos muchos fans japoneses. También fue editado en Alemania y, quizás, Alemania es el país donde más hemos girado. Está buenísimo que el género urbano se haya metido en las casas y en tantas generaciones; que se conecten con el cuerpo y el movimiento, es algo importante que plantean estos ritmos. Lo que quizás no está tan increíble es que se tienda a estandarizar, a homogeneizar y aplanar nuestras raíces latinas teniendo una riqueza cultural tan impresionante. Quizás es por la forma de cómo se está planteando el consumo de la música y cómo estamos dándole tanta prioridad en los medios a estos géneros. No fomentamos que los jóvenes sigan aprendiendo a tocar instrumentos.

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Billie Eilish

Y llegó el debut

una joven de 17 años inetiquetable tiene rendido al pop mundial. Pero a ella eso no parece pesarle. Tras un disruptivo EP y un par de singles que rápidamente la llevaron a codearse con Rosalía y hasta recibir mensajes de Justin Bieber, Billie Eilish edita su ópera prima. Se trata de When we fall asleep, where do we go?

Compuesto junto a su principal colaborador, productor, multi-instrumentista y hermano mayor Finneas O’Connell, el álbum ya es el grito de toda una generación, su generación: los centennials.

When we all fall asleep, where do we go? Ya está disponible en todas las plataformas alrededor del mundo, en donde también aparecen los hits mundiales “Bury a friend”, “You should see me in a crown”, “When the party’s over” y “Wish you were gay”, además de 10 canciones nuevas incluyendo su último sencillo “Bad guy”, el cual viene con un video dirigido por el ganador de un MTV VMA (“Humble” de Kendrick Lamar) Dave Meyers.

“Nadie sabe qué demonios son los sueños, amigo”, dice Billie. “No podés darme una respuesta suficientemente buena sobre lo que son los sueños. Nadie puede. Sin embargo, los sueños son algo importante en mi vida. Siempre ocuparon mi tiempo. Todo está en la música”.

“Hubo muchas oportunidades y situaciones a las que dije que no”, sonríe. “Tuvimos que hacer este álbum a nuestra manera. Me di cuenta de la suerte que tengo de tener a mi hermano en esto. Si no lo tuviera, tendría que averiguar qué demonios estaría haciendo sin que alguien más estuviera conmigo. Quiero que la gente escuche”, dice. “Quiero que me escuchen, y quiero que la gente se sienta escuchada. Nada en este álbum suena igual, pero todo se suma a un todo. Desde que empecé a hacer música mi vida ha cambiado mucho. Una cosa que no ha cambiado en mi música es que todavía la hago yo”.

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TUTE DELACROIX

Después de un EP que la puso en mira de todos y algunos singles de adelanto, la cantante nacida en 2001 editó su primer trabajo de estudio When we all fall asleep, where do we go?

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Ava Max

Así es ella

con su nuevo single “so am i”, ava max se posiciona como una de las cantantes pop de mayor crecimiento del 2019. El pegadizo single ya está disponible en todas las plataformas digitales y servicios de streaming junto al elocuente video que lo acompaña, que promueve un mensaje de inclusión y aceptación. “’So Am I’ trata sobre el amor a uno mismo, sobre ser diferentes, marginados y no ajustarse al formato en que la sociedad quiere colocarnos, y celebrar simplemente lo que nos hace diferentes”, dijo Ava acerca de su nuevo single.

“Cuando me siento triste, trato de recordar que mis defectos me hacen perfecta porque en realidad lo perfecto no existe.

“So Am I” sucede a su single “Sweet but Psycho”, que fue producido por el productor nominado al Grammy Cirkut (Maroon 5, Miley Cyrus, The Weeknd) y coescrito con Madison Love (Camila Cabello).

“Sweet but Psycho” logró entrar al top 30 del Hot 100. Además, estuvo cuatro semanas consecutivas en la cima de las listas de singles en Reino Unido y fue N° 1 en las listas de 20 países. “Sweet but Psycho” cuenta con un video dirigido por Shomi Patwary (Beyoncé, The Weeknd) que ya tiene más de 178 millones de vistas.

Fue nominada como “Artista en Ascenso” por los Global Awards de Reino Unido, gracias al single “My Way”, al que Billboard US definió como “un debut impresionante”.

“My Way” estableció instantáneamente a Ava Max como una de las cantantes pop más intrigantes y de mayor proyección internacional de los últimos años.

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TUTE DELACROIX LAUREN DUNN

La cantante pop de 25 años ya tiene un sucesor para “Sweet but Psycho”, se trata de su nuevo single y video: “So Am I”.

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Emilia

Prender el fuego Oriunda de Entre Ríos, la ex Rombai acaba de lanzar su primer single y video como solista: “Recalienta”.

Pronto, un segundo sencillo.

tras estrenar su single debut como solista “Recalienta” -que debutó en su primera semana en el Billboard Argentina Hot 100-, Emi Mernes habla sobre su presente musical, de las responsabilidades como artista solista y cómo se mantiene con los pies sobre la tierra.

Si bien recién comienza a pavimentar su camino lejos de Rombai, la banda con la que inició su carrera como artista, Mernes ya es parte de la generación de cantantes que están pisando fuerte en el género urbano que coquetea con el pop. Eso sí, también histeriquea con la cumbia y por qué no, con las baladas románticas, siempre y cuando sus temas expresen lo que ella tiene ganas de decir.

El inicio de su carrera solista trajo un nuevo nivel de exposición, fama y también reconocimiento. Sin embargo, Emi se siente la misma de siempre. Esa chica que comenzó a estudiar literatura en la universidad y la dejó atrás para ir por un sueño más grande. La misma joven que cuando vuelve de un día agotador llama a sus padres para contarles sobre cómo estuvo su día. “Mi cable a tierra es mi casa, mi familia, mis amigos de toda la vida. En mi casa soy la misma Emilia de siempre.

Hago los quehaceres, la ayudo a mi mamá, cocino.

Y trato de que eso pase todos los días” ¿Qué sentís del presente musical? ¿De esta generación de artistas?

Yo creo que ahora en lo que es música urbana se abrieron las puertas para que las mujeres podamos ser parte. Me siento parte de todo esto y me encanta porque antes era tabú que las mujeres habláramos de que disfrutamos de algo. Hasta recibíamos agresiones por el hecho de cantar sobre algo; es más, me pasó con “Recalienta” que me decían que era vulgar y me causa gracia porque quizás un hombre lanza esta canción y no se le dice nada. Pero yo creo que con el tiempo eso va a ir cambiando, estamos en una transición.

Así que sin dudas me siento parte y me encantaría seguir apoyando todo esto.

En cuanto a la exposición en las redes, Emi se muestra auténtica y reconoce a los medios como 24 B I L L B O A R D A R | A B R I L , 2 0 1 9

una gran herramienta que conecta al artista con su público. “Me gusta estar siempre en contacto con los fans y demostrar que estoy cerca de ellos, que soy real y humana”. ¿Sentís algún obstáculo por ser mujer?

Yo creo que gracias a las generaciones anteriores de mujeres, tuve el camino más fácil. Supongo que para las primeras que quisieron dar el paso fue muy difícil, como cuenta Karol G, que pasó por un montón de cosas y está ya hace como ocho años en la industria y recién ahora ha podido triunfar y que la reconozcan como quien es. Eso me da esperanza. Las mujeres que lucharon por llegar son una inspiración para muchas de nosotras.

¿Cuál es la diferencia entre estar acompañada en una banda y ser solista?

Respecto a Rombai, extraño las giras con mis amigos, compartir un mate con ellos porque obviamente los aprecio y los quiero mucho. Estando sola hay muchísimas más responsabilidades pero lo siento como algo más mío, porque antes el líder era Fer. También disfrutaba de esa posición porque lo acompañaba a él. Ahora tengo que dar la cara yo y no tengo otra persona al lado. Tanto en las notas como en un escenario, estoy sola aunque obviamente hay un equipo detrás que me acompaña y me respalda. Lo que siempre digo es que uno va tomando experiencia y Rombai para mí fue como un trampolín donde aprendí mucho.

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Mike Bahía

Fiel a su guitarra El cantante y compositor colombiano habla sobre su recorrido musical a la par de Greeicy Rendón, pareja del músico y artista en ascenso, y del reciente lanzamiento de su trilogía musical.

POR MARÍA VILLOLA Y SANTIAGO TORRES

con una guitarra little martin personalizada, salpicada de relatos y hasta con el dibujo del mar, Mike Bahía sigue volcando en ella sus historias implícitas. Todo lo que vive y recorre lo llevó a descubrir una identidad y a contar historias a través de sus acordes. Y, fiel a su estilo, ha incursionado en distintos géneros con el fin de enriquecerse musicalmente, aunque siempre volviendo a su primer amor: la guitarra.

“Aquí se componen las canciones desnudas y es donde te das cuenta de la esencia de una canción. No es tanto el género en el que la vas a interpretar sino que tenga una esencia contundente y eso lo descubres aquí”, declara respecto a su Little Martin, con la que lleva un pedacito de Caribe a todo el mundo.

En el último tiempo, el artista colombiano ha logrado darle una continuidad a sus tracks, agrupándolos en una trilogía amorosa con final feliz.

“Serenata”, “Canciones con mentiras” y “Esta noche” son los tres temas, el último cuenta con la participación de Greeicy Rendón, artista y pareja del músico, con quien ya había trabajado anteriormente en “Amantes”. ¿Cómo te sentís luego de haber transitado por distintos géneros musicales? − He pasado por muchas cosas y hoy me siento tranquilo porque tengo algunas herramientas que he hallado en el camino y que me permiten encontrar mi identidad. Por eso es que no suelto mi guitarra y sigo adelante con mi historia.

Tenés una historia cercana a la Argentina y a Puerto Rico, como si la cultura latina se hubiera unido finalmente, ¿qué ocurrió con la música en español en los últimos tiempos? − Argentina tiene mucho que ver con lo que fui. He sido muy rockero, funkero, muy de banda. De hecho, vine aquí con una banda y es muy interesante ver cómo lo urbano sigue más una 26 B I L L B O A R D A R | A B R I L , 2 0 1 9

línea de banda porque ya los músicos reggaetoneros tienen su banda completa detrás, no solamente son Djs. Se siente cómo de punta a punta nos hemos ido permeando musicalmente.

Respecto al exitoso momento musical que está viviendo Greeicy, ¿cómo es trabajar con tu pareja? − Es hermoso porque ha sido real, honesta y transparente desde el día cero que nos conocimos. Mi primera canción revela un poco esa historia y se volvió un éxito. Hoy, poder tener historias como “Amantes”, que fue una canción que rompió todos los esquemas y que es muy nuestra, me hace sentir pleno. Ahora replicamos este junte con “Esta noche”, que es con la que cerramos esta trilogía. Pero en rasgos generales es una cosa muy constructiva.

Con la consolidación del género urbano en los últimos años, ¿sentís que hay un movimiento musical más amplio que antes? − Hoy siento que el éxito está detrás de las canciones. Es algo que hemos comprendido los artistas y la gente, y que nos aleja un poco de ese egocentrismo que a veces tenemos. Nos baja un poco a la realidad. Creería que los artistas vivimos por nuestras canciones. Creería que hoy las canciones tienen mucho más valor y somos más conscientes de eso, por eso la canción puede estar a nombre de una persona totalmente nueva y es un recontra boom. O de repente hay featurings de artistas muy duros que se juntaron y no pasó nada. Entonces, ese tipo de cosas hoy en día nos dan algún tipo de tranquilidad, de que estamos todos a una canción de ser el número uno.

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La nueva vieja escuela Tras debutar en Argentina con dos Niceto sold out, los gemelos españoles adelantan que editarán un álbum en conjunto y hablan sobre su relación con el dinero, el freestyle, el boom bap y la necesidad de trascender con su música.

P O R J O TA AY E R Z A

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“somos abanderados del rap. ahora mismo está todo demasiado mezclado pero somos defensores del rap purista. Cuidamos muchos las letras y como se dicen”, aclara enseguida Prok cuando se les pregunta por el trap. Su hermano gemelo Ayax asiente con la cabeza. El dúo visitó por primera vez el país a mediados de marzo para dar dos shows en Niceto Club. “Sabíamos que nos iba a ir bien en Buenos Aires, hace años que nos mandan mensajes. Nos estaban esperando”, dice Ayax.

Desde que Prok lanzó el single “Fresas con nata”, que cuenta con un sample de “No me toquen ese vals”, un tango de Julio Jaramillo, los nacidos en Granada aumentaron sus base de fans argentinos. “Elegí ese pedacito que tiene un tono romántico, casi melancólico, típico de un poeta. No esperaba que pegue tanto pero creó un aura potente”, cuenta Prok.

Aunque figuren como dúo tanto en shows

Acá la escena del rap y trap tuvo mucho impulso gracias al freestyle, ¿cómo se llevan ustedes con las batallas?

Prok: A nosotros nos parece medio infantil la batalla, no nos llena. Yo me tiro hacer eso y a los pocos días lo domino y me aburro. Nosotros grabamos letras muy trabajadas. No me siento lleno con la improvisación de las batallas. Está claro que los tíos tienen ingenio y sabemos valorarlo.

Yo me considero un intelectual, no puedo estar diez años insultándome con gente, yo necesito poder trascender con lo que hago. ¿Consideran que ser gemelos les brinda una ventaja?

Ayax: Somos nuestros mejores críticos. Y sabemos ayudarnos. Esta guay esto de ser gemelos y vivir rapeando.

FERNANDO LEZAUN

Ayax y Prok

como en Spotify o su canal de YouTube, los hermanos tienen álbumes separados. “Aunque nos hacemos los apoyos en vivo, las canciones son individuales. Igualmente queremos editar un álbum en conjunto”, dispara Ayax. “Vamos a tener que ceder para disfrutarlo”, completa Prok.

Integrantes de una familia de clase baja, se pasaron la infancia vagando por las calles al mismo tiempo que sus padres -dos intelectuales- les inculcaron la literatura y el cine. “El que nos conoce sabe que nos suda la polla el dinero.

De pequeño fue así, éramos pobres, y ahora que tengo un poco de dinero sigue siendo igual”, explica Prok y agrega: “De hecho no consigo ahorrar porque lo único que hago es invitar amigos.

A nosotros nos llena poder trascender”. A cada frase que dice uno, el otro puede completarla como si fueran la misma. “El dinero es necesario para cubrir necesidades nada más. Para nosotros que sabemos que es la pobreza, que hemos visto como desahuciaron a nuestro padre, vivir de esto es una bendición, y más todavía cuando nuestra familia trabaja con nosotros”.

En sus shows en Niceto Club estuvieron presentes algunos de los raperos más importantes de la escena urbana argentina, nacidos en el free­style de plazas, como: Duki, Wos, Catriel, Paco Amoroso y Acru. Lo que fue una legitimación al debut del dúo en Buenos Aires.

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Rocco Posca

Un centennial analógico Fervor, su segundo álbum de estudio, se grabó en cinta, se editó en vinilo y lo produjo Gordon Raphael, el hombre detrás de los primeros disco de The Strokes. El 9 de marzo lo presentó en La Tangente.

P O R J O TA AY E R Z A Y SANTIAGO TORRES

toda nueva generación necesita un contrapunto. Algo con lo que lograr el tan deseado equilibrio que desarma la ansiedad. Y en estos tiempos de beats, autotune e inmediatez, el Fervor de Rocco Posca sirve de contrapeso para no caer en la interminable vorágine centennial.

El joven de 19 años editó a finales de 2018 su segundo álbum de estudio y contó con la producción Gordon Raphael, productor de los primeros dos discos de The Strokes. “Ya es como mi tío”, cuenta Rocco con una sonrisa que revela con irreverencia la complicidad que lograron en el estudio a pesar de su diferencia de edad.

En abril, viajará a Madrid y Barcelona para volver a tocar con Raphael.

Guitarras, batería y bajo -grabadas en cintason las armas que desenfunda el artista de rulos calamareños, gafas rojas y zapatos gastados. Pero no es que Posca viva en la melancolía snob del rock de paladar negro. El usa el Delorean a su gusto y piaccere porque a pesar de su amor por los vinilos se reconoce hijo de Internet. “Hoy justo me encontré en YouTube un video de los Arctic Monkeys -una vez que ganaron un pre30 B I L L B O A R D A R | A B R I L , 2 0 1 9

mio- y estaba Alex Turner hablando con ese tono particular diciendo: ‘Ese rock and roll que anda siempre escondiéndose en la dunas, que de tanto en tanto se va, nunca va a morir’. Y es así, son ciclos y el universo es sabio: la marea se retira pero siempre vuelve”. ¿Por qué editaste tus dos álbumes en vinilo?

- El vinilo toma mucho sentido en relación a cómo se graban las canciones. Porque si vos grabás todo digitalmente y después lo pasás a la pasta de vinilo, en el fondo no deja de ser un disco hijo de lo digital. En cambio, si vos lo grabás analógicamente es otro el resultado. Fervor lo grabamos en cinta, es decir, de forma analógica pero después lo tuvimos que pasar a digital por una cuestión de comodidad. Es un disco que para mí suena mejor en vinilo.

Se te ve muy analógico, ¿te tienta el mundo de las máquinas?

- Ahora estoy empezando a incorporar bastante máquina de ritmos pero desde un lugar más

Happy Mondays con una TR808. Estoy armando versiones de mis propias canciones con otros elementos. Yo no reniego de la tecnología, la uso.

Las máquinas de ritmos matan, los sintes nuevos matan. A mi no me gusta cuando todo se pone plástico y deja de tener sentido. En un momento decían se está muriendo el rock porque no hay gente que toque la guitarra. No hay gente que toque la guitarra porque no es fácil. Yo toco la viola desde los seis años y lo hago todos los días de mi vida. Pero es un amor, algo que se cultiva.

Ya van dos álbumes y todavía no te metiste en el mundo featuring...

- No me metí todavía en el mundo featuring porque no quiera sino porque no se dio. Me preguntás con quién haría una colaboración internacional… y, si vamos a volar… Jack White.

Y de acá… no sé si haría un featuring así porque sí, se tendría que dar orgánicamente pero lo que hacen los pibes de Usted Señalemelo me encanta, la están matando. A la gente le gusta venir a Buenos Aires porque hay fervor. Courtney Barnett y Kurt Vile son los Lou Reed modernos.

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Anuel A A y Karol G El amor en tiempos de Instagram En los últimos meses de su condena de dos años y medio por posesión de armas, el artista de trap latino Anuel AA comenzó a seguir a la artista de reggaetón Karol G en Instagram, dejando comentarios como “Bebecita”. A un mes de su liberación, ambos estaban hablando por teléfono.

P O R L E I L A CO B O · F OTO G R A F I A D O S P O R M A RY B E T H KO E T H

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después de entablar relación, colaboraron a distancia en “Culpables”, que cuenta la historia de dos enamorados que se ven con otras personas (Anuel AA y Karol G estaban en relaciones cuando empezaron a hablar). Y fue durante el rodaje del video musical cuando finalmente se conocieron.

“Le dije a mi mánager (Frabian Eli): ‘Ella va a ser mi novia, lo juro’”, dice Anuel AA durante un almuerzo en la churrasquería Novecento, en Miami. Karol G está sentada a su lado. “Eso es lo que pasó”, dice ella, recostando la cabeza en su hombro. Al principio, admiten ambos, ella se hizo la difícil, ignorando los múltiples mensajes diarios de WhatsApp. “Me escribía: ‘¿Cómo estás’, a las seis de la mañana. Después, ‘Espero que estés bien’, a las diez. ‘Te vi en Instagram’, a las cuatro de la tarde. Al final terminaba respondiéndole de noche”.

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Están terriblemente enamorados. “Déjate llevar”, le dice ella a él, animándolo a probar la provoleta que llega a la mesa. Cuando hablan de moda, ella le dice lo mismo. A menudo cada uno termina las frases del otro, Karol G hablando en su dialecto de Medellín y él en su slang portorriqueño. Sus nombres reales –Carolina y Emmanuel- están tatuados en sus manos, y una foto de ambos besándose con la boca está pintada en toda la espalda de Anuel AA. La pintura, de todos modos, palidece en comparación con la masiva esmeralda rodeada de diamantes en el dedo índice de Karol G. (Anuel lleva una cadena de rubíes y diamantes). El anillo deparó especulaciones sobre su compromiso, pero Anuel AA insiste en que es algo simbólico.

Cuando estaba en prisión en Puerto Rico, Anuel AA vio su fama crecer, y consiguió titulares internacionales cuando lanzó su disco debut en su propio sello, Real hasta la muerte, el día de su liberación (GLAD Empire distribuyó el álbum, pero luego Anuel AA firmó un contrato de distribución con The Orchard). Como solista, tiene cuatro hits en el Hot 100, incluyendo

colaboraciones con 6ix9ine y Meek Mill, y recaudó 5,2 millones de sus 13 shows en su primer tour norteamericano el otoño boreal pasado, según Billboard Boxscore.

Karol G firmó con Universal Music Latin Entertainment y tiene tres top 10 hits en Hot Latin Songs. Ganó el Grammy Latino a mejor nuevo artista en 2018 y ha conseguido contratos con Nissan y CÎROC. Ha construido cuidadosamente una imagen elegante, incluso rechazando canciones que consideró demasiado sexuales y objetables por sus letras. Todo eso hizo de su relación con Anuel AA, cuyas letras son a menudo explícitas y machistas, algo sorprendente para muchos.

“Al principio, un periodista me preguntó cómo podía salir con alguien que había estado en prisión y tenía todos esos problemas”, dice.

“Eso es posiblemente lo que me enamora. Siempre fue muy discreta, y de pronto aparece el macho alfa y… es tan sexy. Te hace sentir como que tenés a Superman a tu lado”.

Y Anuel AA parece estar siempre a su lado. La pareja desarrolló una estrategia de posteos en Instagram que obtiene la máxima atención de sus casi 27 millones de seguidores.

La foto más “laikeada”, de la pareja casi desnuda en cama, fechada el 30 de diciembre de 2018, tiene más de 3,5 millones de “likes”. “Somos la pareja poderosa”, dice Karol G sin ironía. “Hacemos todo juntos y nunca nos cansamos del otro, somos súper productivos. Hablamos sobre lo que hacemos, su álbum, mi álbum, la gira”.

La clave para mantener activos el romance y el negocio, dicen, es saber cuándo separarlos. Toman juntos las decisiones creativas, pero, dice Anuel AA, “cuando se trata de negocios lo hablamos con nuestros mánagers. ‘Negocien entre ustedes dos, no nos llamen’”. Aun así, ambos artistas no pueden evitar hacer contribuciones mutuas sobre sus carreras. Karol G alecciona a Anuel AA para ser puntual, para no mover las fechas de lanzamientos de sus singles y para moderar sus disputas en las redes sociales.

“Los últimos cuatro meses no posteé nada en Instagram sin antes mostrárselo a ella”, dice Anuel AA. “Hace siete meses que conozco a Karol y ha hecho por mí más que nadie en mi vida. Aprendió cosas de mí, pero yo aprendí mucho de ella.

Siempre dice que yo soy grande,

pero para mí ella es más”.

Dejando a un lado sus carreras, es en la relación mutua en donde están más focalizados. Anuel AA pasa las fiestas con la familia de Karol G en Colombia –“Él los llama ma y pa”, dice Karol G, quien a su vez habla con el padre de Anuel AA “casi todos los días”. Y mientras reconoce que la relación es reciente, ambos afirman que es real y permanente. “Yo la cuido”, dice Anuel AA. Karol G agrega: “Nos encontramos justo en el momento en que nos estábamos necesitando”.

En noviembre último, Anuel AA y su mánager Frabian Eli contactaron a Artie Pabon, quien trabajó con Anuel AA desde 2018, con una idea: Karol G se sumaría a la próxima gira latinoamericana. En dos meses sortearon todos los detalles, y en enero anunciaron el tour. Pabon, de 46 años, tuvo varias reuniones con los mánagers de ambos para determinar qué miembros del staff compartirían los shows. “Dado que Anuel y Karol cuentan con un largo elenco”, dice, “nos llevó tiempo decidir qué miembros quedarían de lado y cuáles harán el trabajo sin perjudicar sus shows”. El nativo del Bronx cree que sumar a Karol G –“una de las artistas femeninas más calientes del circuito latino”- hará de la gira un evento aún mayor.

Ella “tiene su propia audiencia, que difiere de la de Anuel. Juntos hacen un gran propuesta”.

Pabon, que trabajó con ambos artistas mientras preparaban el tour, dice que su dinámica arriba y abajo del escenario está “llena de amor”.

Cuando están ensayando, son “dos profesionales focalizados en la perfección”. Como cualquier buen promotor, Pabon promete que la gira estará llena de sorpresas, pero una cosa es segura: “Los fans verán a dos superestrellas dando lo mejor”.

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DJ Alex

“Hago canciones para que la gente las sienta” A sus 19 años, con su hit “Leña para el carbón” derribó barreras geográficas, culturales y generacionales, llegando al top 5 del Billboard Argentina Hot 100.

POR MARÍA VILLOLA Y SANTIAGO TORRES

como buen hijo de dj, alex se crió entre compilados y remixes que lo llevaron a interesarse en cómo enlazar ritmos diversos en una sola canción y, por qué no, hacer de los temas olvidados, una excusa de baile.

A los once años, comenzó incursionando en la música gracias al trabajo de su papá. Y, ocho años más tarde, produjo su primer remix en una búsqueda personal de querer transmitirle a los demás lo que a él le había despertado aquella melodía. El tema “Leña para el carbón” ya lleva 11 semanas en el Billboard Argentina Hot 100 y actualmente se ubica en el puesto N°8. Semanas atrás, entró en el top 5 del chart, ubicándose en cuarto lugar (su mejor posición alcanzada).

De Villa Luzuriaga, La Matanza, el joven artista tiene una fórmula del éxito que transmite a modo de consejo: “Tienen que hacer canciones prolijas y buscarle la vuelta. Tienen que hacerla movida para que a la gente le guste.

Los DJs quieren crecer pero no es fácil; tenés que buscar algo que le guste a la gente. Si no les gusta, no es fácil”.

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Respecto a su presente, jamás imaginó la repercusión que tendría su remix. “No lo podía creer. Fue de la nada. Yo estaba tomando mate”.

A pesar de su corta trayectoria, ya tiene muy en claro que es lo que busca transmitir a través de la música: “Hay que tener humildad, de esa forma las canciones y sus letras van a ser sinceras.

Y ahí es cuando logras conectar con la gente.

Tenés que hacer una canción y sentirla”. ¿Cómo sucedió todo esto que estás viviendo? − Todo empezó porque no tenía temas para hacer una canción y empecé a buscar y ví que otro Dj también había hecho un remix, entonces, yo también quise hacer mi versión. Me descargué el acapella que estaba en la descripción de la canción. Empecé a trabajar y ahí salió ese tema. ¿Por qué creés que una canción reversionada tuvo tanto impacto? − Cuando escuchás el tema original, no tiene ese ritmo que a la gente le gusta. Escuchás mi

canción y te dan ganas de bailar, de escucharlo, te motiva. Yo me imagino cuando estoy en el baile y quiero hacer eso. Quiero hacer que la gente lo sienta. ¿Con qué artistas te gustaría colaborar en el futuro? − Bad Bunny me gusta. Tiene letras muy emotivas, realmente sinceras. Lo sentís cuando lo escuchás y eso pega. De la Argentina, me gusta mucho Ecko. Se motiva cuando escribe, se nota que es verdadero. Después está Papichamp que es más cumbia, más reggaetón. Y Paulo Londra, obvio. ¿Qué es lo que se viene ahora después de ese hit? − Ahora estoy un poco frenado porque no estoy teniendo tiempo para buscar temas. Estoy tratando de encontrar alguna canción con la que sienta lo mismo que sentí con “Leña para el carbón”. Lo que me pasó con esa no la sentí con ninguna otra, por ahora.

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Un premio Pulitzer suelto en Buenos Aires Kendrick Lamar llegó a la Argentina para presentarse en el Lollapalooza y, acompañado por Nike Sportswear, recorrió diferentes lugares icónicos de la Ciudad de Buenos Aires. el lollapalooza argentina 2019 fue el marco elegido por Kendrick Lamar para visitar por primera vez al país más austral de América.

El rapero nacido en Compton, Estados Unidos, y ganador de un premio Pulitzer fue uno de los platos fuerte del festival.

Durante su show, Lamar eligió desplegar toda su artillería para su debut en Argentina. Comenzó con “DNA” y centró la mayoría de su repertorio en DAMN. aunque también hubo lugar para canciones de sus otros álbumes. “Quiero ver cuantos verdaderos fanáticos de Kendrick Lamar hay hoy”, dijo antes de dos canciones de Good Kid, M.A.A.D City como “Swimming Pools (Drank)” y “Backseat freestyle”. También aprovechó para hacer un minuto de silencio en honor al recientemente asesinado rapero Nipsey Hussle.

Pero no fue lo único que hizo durante su visita a la Argentina. El rapero de 31 años llevó al Lollapalooza y Buenos Aires a otro nivel. Lució un total look de Nike Sportswear: piezas únicas y customizadas junto con el último lanzamiento de la marca, las Air Max 720, la zapatilla con la cápsula de aire más alta de la marca.

Así, Lamar recorrió lugares culturales e históricos de Buenos Aires como el Teatro Colón, uno de los teatros líricos más importantes del mundo; el mítico barrio porteño de La Boca; el estadio La Bombonera y el centro de arte contemporáneo, Fundación Proa.

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“Consumimos la música que criticamos” El artista español se presentará sold out el 13 de abril el Hipódromo de Palermo en el marco de su “Tour Prometo”. En su regreso a la Argentina cuenta cómo lidia con sus obsesiones, qué opina del reggaetón y cómo es ser un cantautor romántico del siglo XXI. P O R PAT RI CI O F É M I N I S

Pablo Alborán

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llevamos dos años con la gira. Me apetece romper el esquema de lo que la gente prevé: puedo anotarme un a capella, hacer una versión flamenca de un hit o lo que sea. Me encanta improvisar. Transmitir esa diversión es clave para que la gente se sienta libre conmigo”, confía.

Otros placeres cercanos lo motivan. El 3 de marzo debutó en el mítico Royal Albert Hall de Londres y, el 16, en el Bayfront Park Amphitheater de Miami, donde grabó una versión -a piano y voz- de “Rayando el sol”, de Maná, a dúo con Fher. “Se me erizó la piel cuando escuché a Pablo”, confesó la voz de Maná.

Alborán no teme salirse de sus rótulos con sus hits envueltos en

distintas facetas del amor, la pasión y la introspección. “Muchos dirán que soy un cantante romántico, y a otros les gustaré sin que piensen si elijo música romántica, pop, rápida o lenta. Pero hago lo que me nace, y siempre tendré la intención de emocionar. Ojalá que ése sea el encasillamiento: la emoción. El resto me da igual”, proyecta. ¿Cómo marcás la diferencia, cuando hay una tendencia sonora en la industria?

-Cada vez que hablo de ese tema con gente que lleva más años que yo me dice que eso siempre existió. Ahora es con el reggaetón o con el trap, pero en otros años era

con el pop, el funk o lo que fuera.

Siempre hubo un fenómeno, y no se puede luchar contra los fenómenos. Todo depende de lo que te apetezca. La música debe ser libre desde la raíz. Y si te apetece hacer reggaetón, ¿por qué no vas a hacerlo? O hacer una balada, ¿por qué no? Tienes que partir de esa base: que lo hagas porque quieres, no porque te lo imponen. Y que la gente diga lo que le dé la gana. No debes hacer trampas con el público que te sigue desde siempre.

Un ejemplo cercano lo justifica.

“Mira a Rosalía. Ella tiene canciones que no podrías catalogar. Tienen trap, reggaetón, flamenco, de todo.

Digo Rosalía porque hasta ahora es

“ M uc h os d i rá n q ue s oy un ca nta nte romá nt i co, y a ot ros l es g usta ré s i n qu e p i en s e n s i e l i j o m ús i ca ro m á nt i ca, po p, ráp i d a o l e nta . Pe ro h a g o l o q ue m e nace, y s iemp re te n d ré l a i nte n c i ó n d e e m ocio nar.

Ojal á q ue és e s e a e l e n ca s i l l a m i e nto: l a e m o c i ó n . E l resto m e d a i g ual”

APERTURA Y ESTA PÁGINA: PRENSA ALBORÁN.

“es inevitable que la gente te encasille, y más a mí, que he hecho mucha balada. Cuando tú escuchas algo, es inevitable que lo metas en algún lugar de tu cabeza”, razona Pablo Alborán palpitando su regreso a Argentina. A los 29 años, el malagueño goza con los rótulos que lo transformaron en un cantautor romántico de expansión global, que revitalizó el pop español y latino, y lo reafirmó con su cuarto disco Prometo (2017).

Así las cosas, su concierto en el Hipódromo de Palermo en el marco del “Tour Prometo” reunió los hits más nuevos con las canciones que hacen gritar a sus fans de varias generaciones. A un año de haber agotado dos fechas en el Estadio Luna Park, ¿qué avizora Alborán? “Cada vez que venimos a Argentina es una locura. Es una ilusión enorme regresar a vuestro país”.

También promete que los rótulos y definiciones sobre él no mienten.

Es el baladista que vendió más discos en España en la última década, y el que más tickets cortó en 2018.

A su vez, Prometo -había sido el disco más vendido en España en 2017 y 2018- se colocó primero durante ocho semanas (es sexto disco de platino) y fue nominado al Grammy norteamericano 2019 en el rubro “Mejor álbum de pop latino”, que ganó la argentina Claudia Brant con Sincera.

En total, Alborán lleva 17 nominaciones en los Latin Grammy. ¿Cuál es el secreto de este cantor con ecos flamencos en su voz sin fronteras? Supo reinventarse reeditando Prometo con grabaciones acústicas y la de un concierto en Sevilla (más un documental de la gira y videoclips). Y refrendó sus números imbatibles en Buenos Aires. “Ya

MONTSERRAT CASTRO

Alborán, en el mítico Royal Albert Hall de Londres.

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la más incatalogable, es amiga mía y la quiero muchísimo. Ella no pierde la emoción. Rosalía te lleva. Algo te inquieta de ella, y es porque ha hecho lo que le dio la gana”.

Eso mismo busca Alborán al componer. “Intento no perder la necesidad de desahogarme. Componer es una terapia. Busco desconectarme del mundo pero, a la vez, conectarme conmigo mismo.

Escribir es descifrar lo que siento, y el nerviosismo de subirme a un escenario para cantar algo tan íntimo hace que conecte con la gente”. ¿En qué momento te aparece el nerviosismo?

-Más que nerviosismo es un cosquilleo, ya sea en un gran estadio o en un teatro emblemático como el Royal Albert Hall. Yo siempre percibo esas ganas de salir, y hasta intento mirar a los ojos a todos. El nerviosismo me lo genera el respeto a quienes vienen a verme. A lo mejor no me escucharon nunca. A lo mejor vienen obligados u obligadas, y tienes que convencerlos. O a lo mejor te están esperando desde hace meses o años y tampoco les tienes que defraudar. El escenario es sagrado.

El 22 de marzo, el Twitter de Alborán pareció temblar. De gira por México, escribió: “Familia, esta noche no puedo estar con vosotr@s en Toluca. Lamentablemente tengo una faringitis que me impide realizar el concierto. Voy a recuperarme

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Mayo 1989

Nace Pablo Moreno de Alborán Ferrándiz en Málaga, España.

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estos días y nos vemos el 27 de marzo en León. Un abrazo muy fuerte.

Lo siento de corazón”. ¿Qué sintió?

“Nunca en diez años había tenido que cancelar. Es más, alguna vez salí a cantar enfermísimo y nadie se dio cuenta. Para mí, cancelar es fatídico. Por eso tardamos tanto en decidirnos, porque hasta el último momento quería salir. Pero ni las cuerdas vocales ni la garganta me respondían. Es mejor que no me vean mal, porque la gente ha pagado una entrada para verme bien”.

Haber dado ese concierto pudo haber sido fatal. Se cuida mucho: hace deporte, se alimenta sanamente, no fuma ni bebe. “Tampoco es que sea un monje. Pero con la faringitis pensé: ‘¡Dios mío! Me muero si no vuelvo a poder cantar’. De repente lo ves todo negro y no quieres ni tomarte un vaso de agua fría”. ¿Cómo manejás tus niveles de obsesión?

-Yo fui muy obsesivo al inicio de mi carrera. Con 16 ó 17 años, me ponía una bufanda aun en verano.

No tomaba nada frío, ni una copa.

Recuerdo un viaje en familia, con todos en el coche y con un calor impresionante. ¡Y les obligué a quitar el aire acondicionado! Recién cuando me acostumbré a trabajar el instrumento todos los días me di cuenta de que la obsesión no es buena: tienes que acostumbrar a tu cuerpo a vivir la vida normal. Me enfrento día a día a los aires acondicionados en los hoteles y no puedo estar en una jaula de cristal.

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Febrero 2011

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Sale a la venta su primer disco, Pablo Alborán. Se vuelve un éxito inmediato y lidera las listas de ventas durante varias semanas.

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Noviembre 2011

Presenta su famosa balada “Solamente tú” en los Grammy Latino junto a la cantante norteamericana Demi Lovato. Fue calificada como la mejor de toda la ceremonia: Alborán y Lovato atraparon por la conjunción de sus voces, ambas en español.

CO N C I E RTO E N E L H I P Ó D RO M O D E PA L E R M O Una bomba atómica: así se puede definir la puesta actual del show de Pablo Alborán para su “Tour Prometo”. “La idea es que sea una conjunción, de engranaje y de viaje entre lo que se ve y se escucha.

Quiero que la gente pueda meterse aún más en mi mundo”. Siete músicos en escena junto a él, 120 móviles (con motor de velocidad variable), 200 metros de pantallas LED y tarimas diseñadas especialmente. Sus conciertos y desarrollo en Argentina son obra de Federico Lauría.

¿Cómo se logra ser un artista romántico del siglo XXI, cuando muchas letras románticas son consideradas machistas?

-Es curioso. Es una reflexión que debemos hacer, porque muchas de las letras que se critican y que se catalogan como machistas, como las del reggaetón, son al final las más solicitadas. Es la paradoja del mundo en el que vivimos: consumimos la música que criticamos.

digo: “Qué extraño que lo que consumimos sea lo que criticamos”. No es que todo el mundo lo piense. Pero yo hablo de las listas de ventas.

En tanto, Alborán prepara su quinto disco con más desafíos. ¿Llegará este año? “No lo sé. Habrá canciones diferentes y otras que evocarán lo que la gente conoce de mí, pero es un disco que estoy haciendo desde la raíz. Escribo poco a poco, de gira y a la vez en calma, en mi casa. Lo estoy trabajando con varios productores y músicos, algo inédito para mí. Si uno se acostumbra a lo que ya conoce se puede perder de arriesgar. ¡Y yo no me quiero perder nada! Con este quinto disco quiero hacer cosas que me sorprendan. Pero falta mucho. Me gustaría sacar algún anticipo en los próximos meses.”

¿Por qué sucede esto?

-Ojalá lo supiera. Cuidado, no pienso que el reggaetón sea sinónimo de machismo. A eso lo quiero recalcar. Obvio que hay letras de reggaetón machistas y ofensivas. Pero si te pones a ver las listas de las canciones más vendidas, a lo mejor son letras del reggaetón que son denunciadas por machistas. Ahí es cuando

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Diciembre 2011

Gana su primer premio, el 40 Principales, como “Artista Revelación”. Su álbum Pablo Alborán llega al tercer puesto de los más comprados por iTunes Store y, “Solamente tú”, al séptimo lugar de ventas en España. También gana el premio “Disco del año” de TVE.

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Noviembre 2012

Publica su nuevo disco Tanto, que ingresa al número 1 de los más vendidos de España: logró tres Discos de Platino la primera semana. En simultáneo, y por primera vez en la música su país, sus otros dos álbumes le siguen en el podio: En Acústico en el número 2 y Pablo Alborán en el número 3.

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Abril 2013

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El álbum Tanto consigue siete Discos de Platino en España y uno en Portugal, y siguió durante 15 semanas como número uno en ventas.

MONO GÓMEZ

Pablo Alborán presentándose en el estadio Luna Park.

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Diciembre 2013

Febrero 2015

Protagoniza el primer programa musical de Nochebuena de TVE: “Especial Pablo Alborán”. Allí canta sus hits “Te he echado de menos”, “Dónde está el amor”, “Éxtasis” y “Solamente tú”, y comparte la transmisión con Sergio Dalma, Malú, Raphael, Laura Pausini y James Blunt.

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Arranca el “Tour Terral” para presentar su tercer disco de estudio.

En nueve meses dará más de 80 conciertos en veinte países, la mayoría con entradas agotadas.

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Febrero 2016

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Su canción “Palmeras en la nieve”, compuesta junto a Lucas Vidal para la banda sonora de la película del mismo nombre, gana el Premio Goya, de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.

A Noviembre 2017

Se pone a la venta su cuarto disco Prometo.

En la primera semana vende 40 mil copias y es el más vendido en las listas de iTunes España y de Spotify España.

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Abril 2018

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En el marco de su “Tour Prometo 2018”, llena dos Estadio Luna Park, el Quality de Córdoba y el Metropolitano de Rosario.

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Agosto 2018

Regresa al número 1 en ventas de álbumes en España con Prometo, que lleva 38 semanas al tope de las listas y es quíntuple disco de platino. Tres meses después lo relanza en una Edición Deluxe, que incluye grabaciones acústicas, un documental de la gira, videoclips y su concierto en el Estadio de La Cartuja de Sevilla.

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En sentido horario desde la izquierda: RosĂŠ, Jennie, Lisa y Jisoo de Blackpink fotografiadas el 8 de febrero en Smashbox Studios, en Los Angeles.

Cรณmo las reinas del K-Pop cambiaron las reglas de juego. Al igual que BTS en 2018, el cuarteto femenino se prepara para tomar por asalto el mercado de los Estados Unidos.

POR NOLAN FEENEY F O T O G R A F I A D A S P O R A L E X A N D R A G AV I L L E T

en un modesto escenario en el centro de Los Ángeles, las cuatro integrantes del grupo surcoreano Blackpink hacen una formación de diamante y apuntan los dedos como armas contra la audiencia, mientras lanzan a coro el estribillo de su hit single, “Ddu-du Ddu-du”: “¡Espera que te… golpee con el ddu-du ddu-du du!”

Es la tarde previa a los Gra­ mmys en el evento anual que Lucian Grainge, CEO de Universal Music Group, utiliza para presentar a los superestrellas de su compañía frente a un grupo de ejecuti44 B I L L B O A R D A R | A B R I L , 2 0 1 9

vos de la industria (en el pasado, el evento incluyó a intérpretes como Ariana Grande, Halsey y Shawn Mendes). Con su intensa coreografía, duros beat bailables y vestuario digno de Clueless, las cuatro mujeres ofrecen una producción pop vistosa que las hace una anomalía entre las formaciones actuales, donde abundan raperos como 2 Chainz y Lil Baby, pero también en los charts, donde mujeres como Grande sirven su rol de divas con una dosis extra de realidad.

El evento marca la primera actuación de Blackpink en los Estados Unidos, aunque la banda viene haciendo historia hace rato: “Ddu-du Ddu-du” es el single de un grupo femenino coreano que trepó más alto en el Hot 100 (puesto número 55 en junio último) y este abril será el primer grupo femenino coreano que tocará en Coachella,

antes de embarcarse en un tour por Norteamérica. “Ddu-du Ddu-du”, cantada mayormente en coreano, es una jactanciosa advertencia para quienes subestiman a Blackpink, con un gancho (imitación del sonido de las balas) que es también una invitación a los oyentes no coreanos –cualquiera puede cantar las palabras–, la reservada congregación de Universal parece un poco insegura, pero también intrigada: a medida que la cantante Jennie – dulce en persona, pero una fiera arriba del escenario– ataca con su flow en el segundo verso, los miembros de la audiencia sacan sus celulares para registrarlo.

Ya no quedan dudas de que el K-pop es un fenómeno en los Estados Unidos. BTS, la banda de siete jóvenes surcoreanos, ubicó dos álbumes en el número uno del Bill­ board 200 en 2018, y se convirtió

en el primer grupo de K-pop que agotó entradas en un estadio norteamericano, cuando tocó en el Citi Field de Nueva York en octubre.

Pero pese a su visibilidad, el K-pop sigue siendo un fenómeno alejado del mainstream: pese a la presión de los fans en las radios hay pocas canciones en el top 40, los artistas rara vez giran con músicos ajenos al K-pop, y a pesar de la pasión que generan las estrellas del género no atraen la misma atención que un tweet de Ariana Grande.

Blackpink representa la última apuesta coreana para hacer explotar la caja norteamericana del K-pop.

El grupo cree que su personalidad multinacional le da un atractivo global: Jisso, de voz dulce y 24 años, es natica de Corea del Sur; la alegre rapera Lisa, de 21, es de Tailandia; la guitarrista Rosé, de 22, creció en Australia; y Jennie, de 23, nació en

Corea del Sur pero pasó sus años de formación en Nueva Zelanda.

“No necesitás saber coreano para entender la música”, dice Jisoo, mediante un traductor (Rosé y Jennie hablan fluido inglés, Lisa alterna entre inglés y coreano durante la entrevista). “Tenemos mucha cultura coreana pero también mucha cultura occidental”, añade Rosé, con pronunciado acento australiano.

Aunque sus canciones están matizadas con ocasionales palabras en inglés, Jennie afirma que “definitivamente quieren” hacer canciones completas en inglés en el futuro (primero se concentrarán en completar su álbum debut). Su sonido –una omnívora fusión de dance electrónico con beats de hip hop y flashes de house, pop de los ochenta y hasta una armónica folk– parece concebido para llegar a las audiencias más amplias. “Fui inmediatamente arrastrado a su energía poderosa y envolvente”, dice Dua Lipa, que invitó al grupo a grabar en su hit “Kiss and Make Up”, del año pasado. “Ellas no sólo sacan canciones exitosas, están enviando un mensaje que resuena más allá de sus letras”.

En el otoño boreal, Blackpink firmó con el sello Interscope Records, que servirá como socio creativo y comercial de YG Entertainment, hogar del grupo coreano y uno de los tres sellos más importantes de ese país, junto SM Entertainment y JYP Entertainment. Esas compañías funcionan como sello, firma de management y estudio de producción, controlando casi todos los aspectos de las carreras de sus artistas. John Janick, CEO de Interscope, dice que YG –Hyunsuk “YG” Yang, es el fundador, productor y director creativo de Blackpink– “dirige el show”. Sam Riback, director de Interscope, ha hecho múltiples viajes a los cuarteles en Seúl de YG y ha “enviado montones de ideas”, según Janick.

“Nuestra finalidad”, dice, “es amplificar lo que YG hizo a nivel global”.

Si Interscope puede ayudar a convertir a Blackpink en estrellas globales, la sociedad sería un modelo para que otros sellos inviertan en el K-pop e incluso preparen el terreno para futuras sociedades. “Este arreglo puede ser histórico”, dice Joojong “JJ” Joe, de YG, que lidera las operaciones de la compañía en los Estados Unidos desde una pequeña

casa en Los Ángeles. Esto también confirmaría la previsión de Interscope sobre el K-pop. En 2011, el sello fichó al grupo Girls’ Generation durante una de las primeras olas de importación de K-pop, cuando artistas como BoA y Wonder Girls trabajaban para compañías y productores occidentales.

Por entonces, aquellos artistas apenas tuvieron impacto en los charts del mainstream: pese a una gran campaña de promoción, el LP The Boys, de Girls’ Generation, sólo vendió mil copias en los Estados Unidos en su primera sema-

na de lanzamiento, en 2012, según Nielsen Music. Desde entonces, las plataformas de streaming facilitaron la difusión de música coreana, mientras el crecimiento de las redes sociales los animó a forjar alianzas con otros artistas en todo el mundo.

“En esta era, la gente encuentra su música y sus artistas favoritos en internet”, dice Susan Rosenbluth, vicepresidenta de AEG Presents/ Goldenvoice, que ayudó a cerrar fechas del tour norteamericano de Blackpink, y nota que la audiencia estadounidense del K-pop “no sigue un lineamiento étnico”.

Para Janick, el éxito de “Despacito”, el hit latino de Luis Fonsi y Daddy Yankee, ayudado por un remix de Justin Bieber, abrió a las audiencias anglosajonas a escuchar música en otros lenguajes. “Vamos a tener hits desde los más diversos territorios; muchos más y más de los que tuvimos en el pasado”, dice.

Pero la responsabilidad no sólo recae en los oyentes del pop coreano; está en los consejeros de la industria, también. En el evento de Universal, la reacción a Blackpink es entusiasta, pero parece silenciosa en comparación con la ovación B I L L B OA R D.CO M . A R

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que reciben los retro rockeros de Greta Van Fleet, cuyo álbum debut de 2018 fue catalogado por algunos críticos como “derivativo”. La respuesta al contrato de Interscope con Blackpink sugiere, por otra parte, que esa actitud puede cambiar.

“Muchos artistas de nuestro catálogo llamaron, diciendo, ‘Quiero trabajar con esas chicas’. Las estaciones radiales demandan nueva música”, dice Jeremy Erlich, vicepresidente de desarrollo comercial de Interscope, quien facilitó las primeras conversaciones entre el sello y YG (él y Joe fueron juntos a la escuela de negocios). “La industria está lista.

Cuando salga la música, no creo que vaya a haber mucha gente diciendo, ‘Esto es sólo una moda’”. l día anterior a la función de Universal, las chicas de Blackpink fueron alojadas en la suite de un hotel en el centro de Los Ángeles.

Lisa, vestida con un sweater gris y un tapado en damero, espía el letrero de Hollywood por el costado de una 46 B I L L B O A R D A R | A B R I L , 2 0 1 9

ventana, y se acerca a un sillón para tener mejor vista. Sus compañeras, vestidas con cardigans y sweaters coloridos, admiten que no esperaban un febrero en Los Ángeles con tanto frío. En sus momentos libres salen de compras por Santa Mónica.

“Se suponía que íbamos a comprar cosas de moda”, dice Jennie, “pero terminamos agarrando cualquier cosa que fuese abrigada”.

Este es el primer viaje de Blackpink a Los Ángeles, pero su logística demoró casi una década. Las integrantes del grupo llegaron de distintas partes del mundo a Seúl, para empezar en 2010 un riguroso proceso de entrenamiento. La compañía YG y sus competidoras hicieron pruebas dentro y fuera de Corea (Rosé viajó a Sidney desde su hogar en Melbourne) buscando personal típicamente adolescente, étnicamente coreano o fluido en el lenguaje, aunque esas cualidades no eran exclusivas. Lisa, que hizo su audición en su nativa Tailandia, en 2010, no hablaba coreano hasta que empezó a entrenarse en Seúl, en 2011.

Para las cuatro mujeres, unirse a YG significó enrolarse en una especie de academia de estrella pop de tiempo completo, que Jennie llama “más estricta que la escuela” y que Rosé compara a The X Factor pero “con dormitorios”. Durante 12 horas diarias, los siete días de la semana, las futuras integrantes de Blackpink –junto con, Jennie calcula, otras 10 a 20 aspirantes a cantantes que rondaron el proyecto– estudiaron canto, bailaron y rapearon, se involucraron en tests mensuales designados para identificar sus potencialidades. “Alguien llegaba con un trozo de papel, lo pegaba en la pared, y decía quién lo hizo mejor, quién lo hizo peor, quiénes se volvían casa”, recuerda Jennie, quien inicialmente fue asignada para rapear porque habla inglés fluido. “Obtenías un puntaje, A, B, C”, explica Lisa. “Lisa se sacaba A en todo”, añade Jennie riendo.

El proceso fue lento. Antes de que Blackpink debutara en 2016, Jennie pasó seis años entrenándose, Lisa y Jisoo cinco, y Rosé

cuatro. Para las integrantes que habían dejado atrás una vida lejos de Corea del Sur, el entrenamiento sumado al choque cultural fue a veces muy duro. “Llamaba a mis padres llorando”, recuerda Rosé.

“Pero por más duro que era lidiar con eso, me volvía al mismo tiempo más ansiosa. Mi mamá me decía, ‘Si es tan duro para vos, volvé a casa’.

Pero yo le respondía –poniendo una cara arisca que divierte a las demás–, ‘¡No estoy hablando de eso mamá!’”. Lisa acredita a sus futuras compañeras por facilitar la transición. “Jennie me hablaba en inglés y Jisoo me ayudaba con mi coreano”, dice. Rosé fue la última que entró al entrenamiento, pero recuerda que las cuatro se unieron durante una improvisación que duró toda la noche cuando llegó. “Hubo onda inmediata”, dice.

Todavía pasa eso: Rosé a veces pone sus manos sobre las rodillas de Lisa cuando le traduce, y en un momento Jennie y Jisoo se acurrucaron juntas, mientras una le arreglaba el collar a la otra, mostrando

la proximidad de amigas íntimas.

“Nunca tenemos un día libre”, dice Lisa (“Una vez cada dos semanas”, aclara Rosé). Y como sus familias viven muy lejos, a menudo pasan su tiempo libre juntas. “Somos muy pegadas”, dice Rosé riendo.

Mientras las compañías de K-pop tienen la reputación de sacar grupos como chorizos, las integrantes de Blackpink afirman tener mucha libertad creativa, pese a no tener los créditos compositivos de sus canciones. Park les toca lo que anduvo ensayando y “realmente trata de volcar nuestras impresiones en sus canciones”, dice Jennie. “Obtiene su inspiración de nosotras”.

“Es importante que como artistas

puedan ser dueñas de sus canciones”, dice Park. Las chicas hacen sugerencias sobre quién debería cantar qué parte, y si una parte no se ajusta a alguien él hace arreglos.

“No es que él nos da una canción y nos dice, ‘Practiquen’”, cuenta Rosé.

Además, las integrantes de Black­ pink tienen otra salida creativa: en el otoño boreal, YG anunció que todas ellas lanzarían material solista, empezando por Jennie, cuyo single debut, “Solo”, encabezó el chart World Digital Song Sales de Billboard en diciembre. Aunque la música es aún creada y distribuida por YG, la idea de que la longevidad del grupo y el éxito solista no son mutuamente excluyentes es un salto

radical en la historia de los grupos femeninos –uno que, dice Janick, “reforzará a la marca” –.

Estrellas que vienen de compañías como YG son llamados “ídolos” en Corea, e históricamente se espera que mantengan una imagen intachable. Cuando debutó Blackpink, Jennie dice que YG era muy selectivo respecto a las apariencias para las promociones: “Nos entrenaban para que fuéramos un poco más…” “¿Cercanas?”, sugiere Rosé.

“Cercanas” es exactamente lo que las honestas mujeres que lideran los charts, de Grande a Halsey, no son –ellas hacen música cruda y profundamente personal–. Pero mientras Blackpink puede alcanzar

“N O N ECESITÁS SA B ER COREA N O PA R A EN TEN DER L A M Ú SICA”, DICE JISOO

el éxito que otorga un espectáculo pop como el programa Total Request Live –Erlich, de Interscope, llama al grupo “las Spice Girls modernas”–, últimamente la banda está menos preocupada por aparecer perfecta, tanto arriba como abajo del escenario. “Siempre quisimos ser nosotras mismas y un poco más libres”, dice Jennie.

“También hay cosas que pueden salirnos mal. Queremos mostrar nuestra realidad”.

Jennie y Lisa hacen justo eso cuando les pregunto sobre sus expectativas como raperas en los Estados Unidos. Lisa hace un gruñido avergonzado, ocultándose en su suéter. Ella ama al hip hop desde la infancia y está obsesionada con Tyga (“Adoro su estilo”, dice, poniéndose colorada). Pero ella y Jennie parecen conscientes de que un grupo de asiáticas adoptando un estilo dominado por artistas americanos es difícil de vender en los Estados Unidos, con escuchas en sintonía sobre debates de apropiación cultural.

“Lisa y yo no lo hablamos mucho en público, pero sé que tenemos esta gran presión”, dice Jennie, que admite haber estudiado a artistas como Lauryn Hill y TLC cuando empezó a rapear. Mira a Lisa a través de la habitación. Lisa arruga su cara.

Esta clase de vulnerabilidad quizás es lo que vuelve a Blackpink atractivo a las audiencias norteamericanas. “Los artistas más exitosos, en estas situaciones, son los que se muestran auténticos con esta experiencia de crecimiento” en su música, dice Rosenbluth, del Goldenvoice. “Hay un cierto grado de autenticidad en Blackpink que realmente me gusta. Se siente su dedicación”.

De regreso al show, la banda finaliza el set con el casi reggaetón “Forever Young”, con una coreografía intrincada, y revoleo de pelos en los cortes del baile. Mientras el beat llega al clímax, las integrantes se reúnen y adoptan una pose de estatua, con las manos en las cinturas, al tiempo que la música se detiene. Se quedan detenidas por un momento mientras las luces se atenúan; después aflojan sus brazos y se miran, reteniendo la respiración, sonriendo como cuatro chicas jóvenes que no pueden creer que estén aquí.

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Po r E m ily J. L ordi Fo to gr afiados por Flora Hanitijo

Leaving Neverland Deconstruyendo a Michael Jackson Wade Robson y James Safechuck hablan sobre su experiencia junto al rey del pop y la filmaciรณn del documental de Dan Reed.

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las cuatro horas del documental de Reed, Leaving Neverland, que se centran en los testimonios de abuso de Robson y Safechuck perpetrados por Jackson en su niñez, se estrenaron en dos entregas a inicios de marzo por HBO, y consiguieron ocho millones y medio de espectadores en las plataformas de la cadena, al tiempo que fueron vendidas a 130 países. Para algunos espectadores –incluyendo a los herederos de Jackson, que demandaron a HBO por ruptura contractual (en referencia a un acuerdo de no agresión entre Jackson y la cadena de 1992)el foco casi exclusivo en Robson y Safechuck lo convierte en un desbalanceado esfuerzo por maldecir al difunto. Pero para otros, es una dolorosa y convincente exposición sobre el daño emocional perpetrado por el Rey del Pop. Oprah Winfrey, por ejemplo, cree a los acusadores de Jackson. En After Neverland, un especial que HBO emitió inmediatamente después del documental, ella entrevistó a Robson, de 36, y Safechuck, de 41, ante una larga audiencia compuesta mayormente por sobrevivientes de abuso sexual. Winfrey les preguntó a ambos cómo Jackson convenció a ellos (y a sus familias) para invitarlos a dormir en el Neverland Ranch. Robson y Safechuck también describieron la mezcla de vergüenza, culpa, miedo y amor que los llevó a negar el abuso durante años –Robson incluso testificó a favor de Jackson en un juicio por abuso en 2015. Y ellos insistieron en que su objetivo respecto al film fue menos la incriminación de Jackson que la necesidad de contactarse con otros sobrevivientes tras contar su verdad.

Entrevistados unos días antes de la premiere de HBO, Robson, Safechuck y Reed explican que Reed los contactó individualmente –sus ac50 B I L L B O A R D A R | A B R I L , 2 0 1 9

Robson conoció a Jackson a los cinco años, cuando el cantante visitó Brisbane, Australia, su ciudad natal.

ciones legales contra Jackson no estaban conectadas- para un modesto e íntimo proyecto: un documental de 48 minutos esponsoreado por el Canal 4 del Reino Unido. Esto ocurrió antes de que el movimiento #MeToo volviera a las acusaciones por abuso sexual un escándalo internacional, por lo que no sabían si alguien vería o se interesaría por la película. Pero después de filmar la primera ronda de entrevistas, Reed sintió que la historia merecía una plataforma más amplia y llevó una gran cantidad de material a HBO. Desde entonces, el asunto se volvió más grande.

En persona, Robson, un talentoso bailarín y coreógrafo que trabajó con Britney Spears y NSYNC, es una refinada figura pública. Pero

Safechuk, un artista devenido en nerd de informática, es exitoso en su propia área como director de tecnología en una agencia de publicidad interactiva. Ambos son serios y graciosos. Reed, de 54, es seco pero carismático –parece algo protector de los dos muchachos.

Los tres hablan menos de abuso que de su creación: el agotador proceso de la filmación y las decisiones sobre estructura y tono. Ellos también exploran en profundidad uno de los principales aspectos del documental –el rol que jugó Jackson en las vidas de Robson y Safechucky discuten un tema que va más allá de su ámbito: los esfuerzos de ambos por deshacerse del influjo de Jackson. El proceso puede reflejar vivencias de la propia audiencia.

LOS TESTIMONIOS Una vez que Robson, Safechuck y sus abogados accedieron a hacer el film, Reed condujo días de entrevistas donde urgía a sus entrevistados a revivir el momento.

Reed En un momento, conversamos sobre no tratar de “aderezar” la experiencia, sino sólo decirla. No preocuparnos por presentarla en cierto contexto o interpretación. No importaba si pensábamos que sería algo determinado o un trabajo en desarrollo.

Robson Para entonces ya había pasado un montón de tiempo en terapia.

En cierto sentido, en terapia hacés lo opuesto: contextualizás todo.

Tratás de entender el contexto. En-

tonces, adentrándonos en la idea, Dan dice, “Todo eso es increíble, pero dejémoslo a un lado. Quiero que me cuenten la historia momento a momento, como pasó cuando tenían 7, 8, 9, 10, 11”. Me llevó un momento entregarme a eso. Te hace sentir mucho más vulnerable.

Reed Y pienso que una vez que llegás ahí, una vez que empezás a decir tu historia sin el contexto, entonces te volvés más presente. Y a medida que vas por tu experiencia de manera cronológica, tenés este sentido increíble de casi poder revivir todo lo que te pasó. Eso se muestra en cámara de un modo único. Eso es precioso, decir la historia con una voz íntima.

Robson Y eso sucedió. La primera entrevista con Dan duró tres días, ocho horas al día de conversaciones, con la premisa de Dan de quitar todo el comentario, de quedar presente en la historia. Yo quedaba extenuado al final de cada día, porque realmente sentí que estaba reviviendo 30 años de mi vida en esos tres días. Fue increíble.

Safechuck Vos (a Robson) habías dicho que tuviste una especie de experiencia catártica. Para mí fueron más bien… nervios. Como, creo que esos temblores volvían a mí.

Pero incluso así, tenés que dejar que ocurra. No hay que ocultarlo. Pero esos temblores no se sienten buenos. Fue muy doloroso.

árboles, los aviones y un vecino. Lo filmamos en un AirBnB, que elegí porque me gustaba la decoración y porque ellos no estaban cómodos filmando en sus hogares.

Safechuck En ese punto, todavía éramos como, “¡Vayan afuera!”

(Risas).

Reed Es una casa de mediados de siglo en el Valle, y lo que no había advertido era que los dueños estaban viviendo en una casa con piscina. En un momento, aparece el padre y comienza a reparar el cobertizo. Yo dije, “¿Sabe algo?

Estamos haciendo una entrevista”.

Y él responde, “No nos dijo nada”.

Así que tuve que arreglarlo, les di dinero extra. Pero cosas absurdas como esa siguieron ocurriendo. Y después con Wade, mi cámara se rompió, y tuvimos que hacerlo de vuelta. Bueno, no todo. Le pedí en el segundo día que describiera los momentos de abuso sexual.

Robson Y tuve que volver a hacerlo.

Reed Y podés imaginarte cómo me sentía al preguntarle, al decirle, “Hum, hubo un pequeño problema técnico, Wade…” Y él de buena manera lo dijo de vuelta.

LAS MADRES Después de filmar las entrevistas a Robson y Safechuck, Reed advirtió que sus familias eran cruciales y les preguntó si podía entrevistar a las madres. Ambos dudaron, en parte porque anticipaban las críticas que las mujeres recibirían.

Safechuck Tuve la intuición de que la gente iba a tratar de culpar a alguien. (Jackson) no estaba alrededor para que le caiga encima. Así que iba a caerle a ella. Y mi papá había muerto poco antes de la entrevista, por lo que mi mamá esta-

ba sola. No iba a entregarla. Traté de ser lo más neutral. Tipo: “No necesitás hacerlo. No sé qué vas a obtener de esto. Realmente, nada.

Vas a conseguir un montón de odio.

Así que es tu decisión”. Pero tampoco quise que lo hiciera y ponerle un peso encima que en realidad no había. Porque la cámara va a percibirlo. Tenés que estar dispuesta a no agradar ni ser comprendida.

No podés intentar convencerlos.

Entonces, te debés preguntar, ¿está dispuesta a ser vulnerable?

Reed ¿Tiene la fuerza para ser vulnerable?

Safechuck Dan me dijo, “Dejame hablar con ella”. Y hubo una conexión entre ambos. Tipo, “Ok, lo entiendo, me gusta”. Entonces ella se abrió al proyecto.

Robson Me ponía nervioso tener a mi madre involucrada. Por un lado, también presentía que no iba a ser bueno para ella. Y también me

PROBLEMAS DE PRODUCCIÓN Los modestos inicios del film, que Reed describe como “un par de personas tropezando en la oscuridad”, permitieron una gran intimidad –y también causaron ansiedad.

Reed El film se siente íntimo porque fue íntimo. No había la clase de parafernalia que rodea a un montón de films en esta escala. Éramos sólo yo y mi productora asistente Marguerite (Gaudin) cargando valijas…

Robson Trayendo su propio equipaje…

Reed … Y armándolo todo en un esfuerzo de producción cotidiano. En la entrevista con James, particularmente, tuvimos terribles problemas con el ruido: el movimiento de los

Safechuck era un niño actor cuando conoció a Jackson en 1986.

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preocupaba no saber cómo ella lo estaba procesando, entendiendo, sanando. Pensé que iba a ser un poco protectora. Era algo que no podía controlar. Esa es parte de la historia.

Reed: Pasamos un tiempo largo con Joy (la madre de Robson). Lo más importante fue que no debía presionar. Ella podía retraerse y no quería eso. Y yo creo que fue el movimiento #MeToo lo que la convenció para apretar el botón verde.

IMAGEN Y SONIDO Mientras los testimonios son el corazón del film, estos están entrelazados con bellas vistas aéreas de Neverland y Los Ángeles, con una dramática música orquestal.

Reed Las vistas aéreas son importantes porque necesitás respirar. Está este viaje incansable y agotador a las experiencias de estos hombres y sus familias, y tenés que darle a la gente un pequeño recreo. También quise darle la dimensión de un cuento de hadas, el sentido de una historia desplegándose a gran escala, con esta música suntuosa que te lleva al cuento de hadas y de pronto todo se va al carajo. Así que decidimos filmar muchas horas de drone sobre Neverland, lo que fue gracioso porque los herederos de Neverland no lo querían y llamaron al sheriff para bajar al drone.

Safechuck Es interesante porque cuando estás en Neverland esa es la música que se oye por los altoparlantes.

Robson Siempre hay música sonando afuera de Neverland. Es el sonido de la experiencia real.

Safechuck Hay parlantes en todas partes, entre las flores…

Robson Rocas.

Safechuck Rocas que son parlantes.

Adonde vayas, hay música sonando y es esa clase de música. Así que por ahí vos (a Reed) no te diste cuenta, pero así se veía en realidad.

CAMINOS PARALELOS En el film, Robson y Safechuck describen el dolor y los celos que sentían cuando Jackson atendía a 52 B I L L B O A R D A R | A B R I L , 2 0 1 9

Reed.

otros muchachos. Esos sentimientos pudieron resurgir mientras miraban el documental y vieron cuán similares eras sus experiencias con Jackson, pero sintieron en cambio otro rango de emociones.

Robson No recuerdo haber sentido celos por James y su experiencia.

Recuerdo un montón de momentos de shock. O sea, tuve el instinto de que iba a haber un montón de paralelos en nuestras historias.

Safechuck Sí, yo no estaba celoso.

Cuando nos conocimos de chicos a mí me reemplazaron por otro chico, así que mis celos eran con otro. Y para cuando ví la película ya había hecho terapia, por lo que nunca tuve sentimientos competitivos con Wade. El sentimiento fue más del tipo, “no estoy solo”. Creo que no debería sorprenderme de que el material sexual fuera el mismo, pero fue sorprendente. No conocía los detalles así que estaba ansioso por conocer la historia de Wade. Y no los conocí hasta ver la película.

Aun así, fue más como, “Dios, a alguien le pasó lo mismo que a mí”.

Robson Una de las cosas increíbles que descubrí el mes pasado es que la primera vez que nos cruzamos fue en el set de filmación de “Jam” de Michael. Yo estaba bailando y James estaba ahí con Michael, pero

terminamos teniendo una interacción, una agradable y amistosa conexión. Nos dábamos cuenta de que estábamos en la misma situación respecto a Michael: estábamos en el margen de su atención y su amor.

Safechuck Sí, fue como, está ese otro chico ahí. Y Wade fue instantáneamente amoroso conmigo. Lo que sentí fue, “Dios, alguien está siendo amable conmigo”. Necesitaba eso.

Fue un fin de semana terrible. Así que fue un momento de felicidad cuando éramos recién unos niños.

SUEÑOS DE FILMACIÓN Pese al talento que demostraron de chicos en el baile y la actuación, respectivamente (Robson conoció a Jackson a los cinco años, bailando con él en el escenario; Safechuk participó con él en un comercial de Pepsi, a los ocho), ambos dicen que Jackson quería que la filmación fuera el foco de sus sueños y su disciplina.

Safechuck Mientras crecíamos, él nos inoculaba las mismas creencias.

“Preparate, porque en el futuro vos y yo vamos a cambiar el mundo. Sé el mejor, estudiá”. Cada tanto llamaba y preguntaba, “¿Te estás preparando? ¡Tenés que estar listo!”

Robson (Risas) Era algo abstracto.

“Vamos a dominar el mundo, vamos a cambiar la industria del cine”.

El discurso que me daba cuando tenía siete era: “Vas a ser un realizador igual o más grande que (Steven) Spielberg, ese es tu destino”. Que viniera de Michael era como que viniera de los labios de Dios. Esa era la profecía. Y nada importaba hasta que eso pasara. Terminé siendo muy exitoso como bailarín, después coreógrafo y después director de escenario, de muy joven. Pero lo más importante era ser un director más importante que Spielberg.

Safechuck Estaba en una banda cuando tenía 20 años. Y entré ahí porque mi actitud era, “¡Vamos a ser exitosos!” Viste cómo pensás cuando tenés 20 años. “Y después voy a hacer videos musicales, y después voy a ser un realizador”.

Así que no entré a la banda para ser una estrella de rock. Fue más, “La música será mi puente al cine”. Pero después te preguntás: “¿Era este mi sueño?” Porque realmente, yo no creo que él estuviera inculcándole la dirección a cualquiera. Pensaba que era a mí. Después te das cuenta de que no era algo específico para vos y pensás: “Mi Dios, ¿era algo que yo realmente deseaba?”

NUEVOS AMORES Mucho después de sus interacciones con Jackson, la estrella continuó dando forma a las vidas profesionales de Robson y Safechuck.

Robson Seis días después del nacimiento de mi hijo, obtuve el trabajo para dirigir este film. Y, Dios mío, ahí está: ¿La profecía se estaba cumpliendo? Pero la profecía empezó al mismo tiempo que este ser, mi hijo, había llegado a mi existencia, diciendo: “No podés mantener más esta fachada”. Habían pasado dos meses de preproducción y yo me había desmadrado, y tuve que apartarme del film. Y ahí estaba, “Mi vida está acabada”. No pude cumplir la profecía.

Safechuck Sí, ¿y ese era el objetivo de todo, no?

Robson Era todo. Por eso dejé Australia. Por eso mi padre murió –se suicidó. Eso era todo y había falla-

do. ¿Cuál era el punto de seguir?

Todo se cayó. El baile, la música, el cine, todo terminó para mí. “Oh mi Dios, es Michael. Michael es la razón por la que empecé a bailar.

No podré volver a bailar. Si se trata de Michael, es todo abuso”. Nos mudamos a Hawaii, para empezar otra vida, sin saber qué iba a pasar conmigo. El baile seguía golpeando a mi puerta y yo seguía escapando.

Pero entonces, hace justo un año y medio, me desperté una mañana y el baile estaba de nuevo en mi corazón. Y esa curiosidad infantil, antes de que fuera mancillada por Michael y el abuso, era de vuelta mía.

Realmente nunca fue suya, y ahí es donde estaba confundido. Con razón. Pero era mía antes de que él la tomara. ¿Cómo podía recuperarla? Y desde entonces estoy en ese viaje. Viajé alrededor del mundo dando clases. Y la paso mejor. Estoy en medio de una aventura amorosa con la danza que nunca antes tuve.

Y cada vez que bailo ahora expulso una parte de Michael de mi cuerpo.

Safechuck Tuve la suerte de encontrar algo que me apasiona. Soy director de innovación y tecnología en una compañía de publicidad digital. Y estoy enamorado de la programación, de la mezcla de arte y tecnología. Pero lo extraño es que uso la misma dedicación y persistencia que Michael puso en mí ¿Cómo hacés para decir, “Ok, mantendré esto porque es algo bueno”, sin sentir culpa o vergüenza al respecto? Es algo difícil, porque está todo mezclado con el abuso.

Robson Ese ha sido el proceso, sacar lo malo de algo de lo bueno. Es todo desagradable, es todo horrible. Todo fue una mentira. Y mucho de eso lo fue. Pero si podemos tomar nuevas perspectivas de ciertas experiencias, podemos encontrar nuevos modos para usarlas positivamente.

DE LAS CENIZAS Leaving Neverland comienza con Robson describiendo a Jackson como “una de las personas más amables, gentiles y cariñosas que conocí. Me ayudó tremendamente… con mi carrera, con mi creatividad. Y también abusó de mí sexualmente durante

siete años”. Finaliza con Robson quemando los discos de Michael Jackson.

Robson Esas imágenes mías quemando discos son de muy temprano en mi proceso curativo, de mis primeras dos semanas. No digo eso para desacreditarlas, sino que pinta una de diferentes etapas de mi proceso. Creo que esas dos cosas que vos (a Reed) dijiste muestran las complejidades y contrastes del camino de sanación. La quema de discos es lo que necesitaba en ese momento. Y recuerdo que, mientras se quemaban, miré al fuego y empecé a hablarle a Michael. Dije, “Michael, voy a tomar esas desagradables, horribles cosas que me hiciste, voy a tomar tu manipulación y tus mentiras y tu perversión, y las voy a convertir en algo bueno. No tengo idea cómo. Y no tengo idea de qué significa. Pero de algún modo, voy a convertir esto en algo bueno.”

Y después es realmente increíble.

Nunca advertí eso hasta ahora, que esas imágenes están al final del film.

Safechuck Oh, mierda.

Robson Se siente algo bueno.

Safechuck ¿Sabés qué más es raro?

Robson No James. Decime.

Safechuck Él puso este sueño en nosotros, de hacer un film que cambiaría el mundo, ¿no?

Robson Sí. Esta es para vos, Michael.

Safechuck Finalmente hiciste lo que él dijo que harías, después de todo.

Desde la izquierda, en sentido horario: Safechuck (izquierda) con Jackson y Liza Minnelli, en El Fantasma de la Ópera en 1988; Robson (arriba a la derecha) con otros niños, incluido Macaulay Culkin (abajo izquierda) en el set del video “Black or White” en 1991; Robson (con siete años) y su madre Joy (izquierda) jugando con Jackson en Las Vegas, en 1990; Safechuck y Jackson en Los Ángeles a principio de los ’90.

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Actitud Freestyle Una puerta a nuevos talentos El programa que reúne a distintas disciplinas del arte urbano, evoluciona este año y se transforma en una fiesta en vivo de la mano del Alto Avellaneda Shopping.

El 24 de abril se realizará la final que terminará con un show de Lit Killah.

en la tercera edición de la competencia de arte urbano, Actitud Freestyle transforma su modalidad para ser a la vez un show al aire libre. El programa que empezó en MTV y migró posteriormente a Fox Sport 3, redobla su apuesta este año realizando la convocatoria por redes sociales (#actitudfreestyle) y anunciando a los seleccionados en vivo el día del evento. Se dará acceso libre y gratuito a competidores y espectadores para estar presentes en las batallas eliminatorias de las categorías de Rap, Baile y Beatbox.

El show tendrá lugar en el estacionamiento del Alto Avellaneda Shopping, lugar por el cual ya han pasado consagrados artistas, y no necesariamente urbano, como La Beriso o Rombai. La cita, el miércoles 24 de abril desde las 14 hs, comenzará con las batallas eliminatorias de Beatbox, siguiendo con el baile y cerrando con las batallas de freestyle, disciplina que no para de crecer y sumar adeptos de alto nivel en nuestro país.

El show contará con la conducción de Lea Prana y Percha, quién es el host del show que se realiza todos los sábados en el Centro Cultural Recoleta en un espacio dedicado, exclusivamente, al talento urbano.

Como cada año Actitud Freestyle busca dar espacio a nuevos talentos para darse a conocer y a su vez poder brindar un show de calidad para los espectadores. Esta edición se sumaron como jurados artistas del género que también participan en el proceso de selección. El Tata y Sony estarán en la disciplina de Rap, JP Pellegrino y Chummbeat en Beatbox. Zafiro, Ceci Shroeder y Zaira Forte se encargarán de la categoría de baile.

La inscripción para Actitud Freestyle 2019 -comenzó el 20 de marzo y cerró el 10 de abril- cuenta a más de 400 jóvenes de todo el país. De ellos, fueron seleccionados 40 jóvenes, repartidos en: 8 beatboxers, 16 bailarines y 16 raperos. Los participantes batallarán en vivo en el show del 24 de abril y tras la selección de los ganadores y la entrega de premios, el evento cerrará con el citado espectáculo de Lit Killah.

Todo el show se podrá seguir en vivo por las redes sociales de Actitud Freestyle y por la app propia del programa, disponible para iOs y Android, donde se encuentran todas las novedades, eventos, música, concursos y las bases, además de las condiciones de la competencia. Todos los contenidos también son transmitidos a través de las cuentas oficiales de Instagram: @actitudfreestyle_oficial, el canal de YouTube: Actitud Freestyle y el sitio web del programa: www.actitudfreestyle.com.ar Al igual que el año pasado Actitud Freestyle es apoyada por marcas de mucha historia y prestigio en nuestro país como Flecha Turismo estudiantil, Fantoche, Speed Unlimited, Kappa, Panacom y CBSe Guaraná. Estas empresas apuestan al desarrollo del género urbano en la Argentina, el cual reúne a jóvenes de todo el país y genera una nueva cultura en las calles que incluye música, danza, diferentes estilos de artes plásticas, moda y lifestyle.

Actitud Freestyle, al igual que en sus ediciones anteriores, busca dar espacio a un show de alta calidad visual y fuerte difusión para promover el arte joven y sumarse a este movimiento prometedor.

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Emergentes Cada año simplifican el formato, pero no el contenido. Se divierten, se celebran a sí mismos y se desafían a hacer algo netamente pop sin perder personalidad. “Queremos lograr algo accesible pero desde nuestras influencias y propuestas de vanguardia; una identidad nuestra en la que no importa quién se luzca…las canciones siempre están por delante”. Con 21 y 24 años, denotan un espíritu generacional de manija y generosidad.

“Cuando crece uno, crecemos todos”, dicen. Y, aunque no responden a una sola raíz, son la música latina mirando al futuro.

Defensa

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Galean siempre con un pie en lo cósmico, hoy rodrigo lalli (ex aloe y Plexo Rleaxo) apuesta a Galean con El Mago, 9 canciones hechas en casa.

Es su primer trabajo solista desde el EP Primera puerta del alma y el LP Tejiendo la marea, ambos en 2016. Personal, esotérico y viajero traza un mapa que nos pasea del indie al realismo mágico.

Con Aloe osaban tocar temas que no estaban grabados o armar fechas muy separadas entre sí. Tocaron en Lollapalooza, Niceto, el Konex, el Ópera y el Vorterix, pero grabaron un disco y ahí se terminó. Hoy Rodrigo concentra sus energías en Galean (su apellido materno), un proyecto que lo tiene al frente y lo obliga a sentar cabeza en la búsqueda de nuevas y nuevas combinaciones voladoras.

El Mago le hace honor al título con temas impredecibles y notas que quedan resonando en el ambiente. Genera clima. No desiste. Inventa baterías con chapas o golpeando mesas. Usa frascos, agua y roces. Pitchea como Postishead. Samplea sarpado. Usa guitarras híper procesadas, coros, beats downtempo y hasta toques hindúes. Inventa algo donde antes no había nada. Y, de repente, dice Rodrigo, “nace una canción”.

‘Salís de tu casa a buscar la sensación que estaba desde antes, antes de nacer’. Sitúa los miedos, quiere trascender. En sus temas, narra fragmentos del cotidiano y los lleva a un plano más elevado. En “La canción que guía” hay un jarrón que se parte sobre la paciencia y una poesía que crece como hiedra tierna. Es un ser que mira desde afuera. Observa la tierra y quiere encarnar en alguien. Mantra 1: saltar de sueño en sueño. Mantra 2: pasear sin miedo en un mundo sin forma.

Agudo, fragmentado y poético, es imposible no linkearlo con el flaco Spinetta. “Compartimos un imaginario, venimos del mismo planeta o tenemos un alma en común, pero la verdad es que es una influencia inconsciente porque no lo curtí tanto”, dice desde su home studio. Para el arte de tapa se inspiró en el Arcano mayor del Tarot y le agregó toques renacentistas. Mientras sostiene una daga del gauchito gil y enciende una vela, sus objetos más preciados se despliegan sobre una larga mesa: desde una pintoresca calabaza que le regaló un luthier amigo hasta un puñado de tomillo que cosechó su abuela.

Convencido de que la textura de los temas está influenciada por el hip hop y lo fi, el estudiante de astrología toma lo que más le gusta de los sesenta y lo trata de actualizar. La presentación será el Jueves 18 de abril en el Centro Cultural Richards de Palermo y contará con Cruz H de telonero.

D: RODRIGO INSIGNARES; GENTILEZA GALEAN

desde octubre del año pasado, el dúo recorre los principales escenarios de Buenos Aires con VS, su primer LP de siete tracks. Songwriters, productores y DJ´s, Furio y Garoto muestran su enorme potencial en clave de pop experimental y rinden homenaje a la música latina con un reggaetón light, bailable y súper producido.

De chiquitos tocaban covers de Sex Pistols, Nirvana o Viejas Locas y se escapaban del colegio para ir a ver a Pixies y Sonic Youth. En 2012 debutaron con Italpark, donde jugaban con sonidos vintage y cancionero bilingüe. Hoy conservan el espíritu punk del dejarlo todo, pero abandonaron el formato de banda. Furio y Garoto se ocupan de intervenir música electrónica global pero sin fronteras de género ni estilo. Buscan bases, hacen beats, agregan instrumentos, mixean y le van metiendo mano hasta lograr ediciones curadas que tengan un toque personal. Partir de lo ajeno para defender lo propio. Ese es el quid.

El click lo hicieron al escuchar “Pirata 2”, de NAAFI records. Fue una base de Nicki Minaj con un acapella de reggaetón old school encima, lo que les echó luz. Se obsesionaron y buscaron temas que de cero sonaran a remix. Ahí descubrieron que podían pasar de un sonido industrial y agresivo como el de Amnesia Scanner a un tema tranqui de Ariana Grande y estaba todo bien. El resultado de esa búsqueda es VS y tiene de todo: hip hop, dancehall, R&B…un poco de cada. El resultado es una mezcla latino experimental que se para, al igual que Rosalía, Bad Gyal o C. Tangana, en un limbo entre el trap y el reggaetón. ¿El hitazo? “No me digas”, con video dirigido por Paz Elduayen.

Encuentros, desencuentros, relaciones, amistad, la noche porteña, vos, yo, los otros. La boyband tiene la manía de mandarse mensajes en medio de una fiesta y de ahí salen los disparadores para componer. Y así, en pleno verano, coparon un departamento vacío sin Wi-Fi ni aire acondicionado, y empezaron a grabar. Los mismos colchones que hacían de cama, se convertían en cajas para grabar las voces. No están muy seguros de quién escribió qué, porque pingponean hasta darle en el blanco. “Nos esforzamos, la padecemos y no nos bancamos en todas las ideas, pero no nos vemos haciendo esto con nadie más. Somos medio secta”. Cortan y pegan, mueven hasta que encaja.

Las fichas puestas en el dúo son varias (y no menores). Para el disco contaron con la mezcla de Neuen -productores musicales de Duki, Ysy A y otros-. Los temas fueron escritos y producidos por Furio y Garoto, excepto “Rookie” producida por YnyfyntScroll y “Mañana” por Blastah. En “Alibi”, también hubo lugar para la colaboración de la mano de Catnapp, artista argentina radicada en Berlín. Pero, la frutilla del postre, fue la edición y lanzamiento a cargo del aclamado sello mexicano NAAFI, el colectivo que se está llevando puesta la electrónica mexicana.

La clave, dicen, está en confiar en las ideas y en que, en algún momento, las fichas del rompecabezas arman un todo. Luego, le meten control de calidad hasta encontrar la mejor versión de sí mismos. Ilusionados, ya recorrieron unos cuantos escenarios, pero la fecha esperada es el 6 de abril: formarán parte de la Ceremonia GNP 2019 en México, donde compartirán line up con Rosalía, Aphex Twin, Bad Gyal y más.

POR JOHANNA CHIEFO

Promete tocar temas de sus dos EP y adelantar algo de su próximo trabajo.

Bañada en melancolía psicodélica y lírica sensorial, su música exige atención. Rodrigo salmonea contra la corriente. No quiere complacer a nadie pero tampoco quedarse afuera. Con 26 años y los astros a favor, dice que se la juega toda y que está dispuesto a dar batalla desde su individualidad.

“¿Qué género hago?”, le pregunta a Kevin por Whatsapp. “Retro-futurista…Rock de barrio (Norte), Pina Bausch meets Bad Bunny…nada, decí que sos una (des)generada”. Su playlist lo refleja. Aparecen desde Leonard Cohen, Roy Orbison, Ile y St. Vincent hasta Juana Molina. La destacada de su Spotify: la lista “Diosas” (recomendadísima). Algunas de sus referencias son Marisa Monte, Charlotte Gainsbourg, Gorillaz, Damon Albarn y Patti Smith. Para la presentación en vivo de Fata Margana, está trabajando en una puesta de luz para cada tema, porque los considera, a cada uno, un cuento. “Todo es un collage y nada está en un cajón. Quiero llevar ese concepto al show”, adelanta. Y promete vientre, sombras y espontaneidad para el jueves 25 de abril en La Tangente.

MJ: GENTILEZA JOHANSEN; KA: GENTILEZA KRIS ALANIS

Miranda Johansen si googleo su nombre, aparece un featuring en un tema de kevin llamado “Es como el día” de 2016 y unos coros de bebé en “Everything Is (Falling Into Place)” -otro trabajo de Kevin pero de 2004, cuando Miranda solo tenía 7 años-. Aparece eso y –nada menos que- “Fata Margana”, de 2019. Un ejemplar de 7 tracks, con 6 originales recién salidos del horno y un cover delicioso (“Harvest moon” de Neil Young) para cerrar. Hija de tigres, Miranda vive la música como algo natural desde que tiene memoria. Desde jugar con vinilos y cassettes, escuchar a Kevin o ver bailar a Mariana, su mamá, hasta levantarse de resaca un domingo y que haya un disco sonando al palo. A sus 22 años, quiere hacer de ese juego un estilo de vida. Por eso, lanzó una especie de ensayo que, lejos de sonar a debut, eclosiona y conmueve con la contundencia de una grande.

La data salió de un viejo baúl familiar. Ahí, detrás del polvo de los recuerdos, estaba todo lo que su abuela materna había dejado al morir: obras, poemas, cuentos y artículos feministas publicados en revistas de la época. Políglota y profesora de inglés, lengua y filosofía, Marta Gloria Calvet dejó también una herencia ineludible: su libro Fata Margana, que bautiza este disco debut. El nombre refiere a un espejismo provocado por la inversión de la temperatura que crea una ilusión óptica. Fascinada, Miranda se obligó a bucear en la historia familiar para saber cuánto de ficción y cuánto de realidad había alrededor de esa abuela controversial devenida en heroína.

En 2016 abandonó la carrera de cine y se empezó a juntar con amigos para jugar a ser música. Será ese gustito por la rosca audiovisual que la llevó a filmar un video para cada tema del álbum. Hasta hoy, solo se puede ver uno (“El gigante”, realizado junto a Bruno Adamowsky y con la actuación de Federico Fontán). Habrá que dejarse sorprender por los demás videos, porque lo único que adelanta es el concepto: cuerpos en movimiento habitando un espacio.

Se la ve despreocupada y con ganas de charlar. Revuelve el cafecito con esos dedos larguísimos que se entrenaron unos años en piano, con un instrumento que le dejó Liniers. En seguida el reclamo de hija mayor: “¿por qué mis viejos no me mandaron a estudiar más música desde chica?”. Siente que le falta, pero lo hace a su manera. Primero tararea algo en su cabeza, después lo traduce a piano o viola y ahí Laucha, su amigo y productor, la ayuda y lo va traduciendo. Entre ambos meten mano hasta lograr la primera maqueta. Algo de esa intuición y del tono lúdico se siente al escucharla. En cada nota, Miranda está en una. Los temas son suaves, sensibles y eróticos pero con un grado de sutileza y de intimidad inmenso.

Kris Alaniz se autodefine como #femibardo y #claseobrera. ganó visibilidad en la última edición del Cosquín Rock cuando subió como invitada de Eruca Sativa, pero su presencia en la escena data de más atrás. Vagabunda con historia, la MC y beatmaker empezó a cantar a sus dulces 16 aunque a los 11 ya tocaba la viola. Golondrina, nació en Catamarca y vivió en Jujuy, pero se profesionalizó en Córdoba. Allá produjo a algunos raperos, hasta que se animó a grabar Conexión natural (2013), su primer trabajo solista atravesado por algo que podríamos llamar el mambo del monte. Al llegar a Buenos Aires, se dejó quemar por el fuego de la protesta política y grabó Vagabunda Original (2015), donde le canta a su madre biológica, que fue cantante de cabaret y prostituta.

Criada por una madre adoptiva soltera y con 5 hermanas que hacían el asado los domingos, asegura que siempre escribió en clave feminista sin saberlo. Será porque se inspira en vivencias propias que sus letras tienen esa fuerza. Cansada de la invisibilidad de las raperas, en 2016 sacó Malas lenguas: el primer compilado de rap argentino con 16 mujeres como protagonistas. Y así, cada decisión la fue consolidando en esa órbita musical femme power con rimas empoderadas y una lengua sin una mísera pelusa.

Inquieta y convencida, le entra a la lucha por todos lados. Organiza batallas de freestyle feminista con el colectivo Malas Tripas, conduce Derrape en FM octubre y da talleres gratuitos de rap para adolescentes de bajos recursos en Casa Sofía (Palermo) y en Lugano. Pero hay más. Está preparando una nueva apuesta que la tiene desvelada: Magia Negra. Un intento de llevar el hip hop a algo más nacional y autóctono, pero fusionado con ritmos latinos. En criollo: música protesta para bailar y romper todo.

La sicaria será el primer corte difusión y se estrenará el 12 de abril en todas las plataformas digitales. Muestra a una mujer sin miedo que marca el camino del empoderamiento, al calor de la cumbia colombiana y junto con Ivonne Guzmán (ex Bandana, Actitud María Marta y La Delio Valdez). Pero es solo la primera de una extensa lista de colaboraciones que marcan el rumbo buscado y la definen como productora incuestionable: desde la chilena Yhi Capsule (cantante de house, productora y feminista pachamamística-ayahuasquera) hasta Nakury de Costa Rica, Taz Mureb de Brasil, Magia Música de Venezuela y el aclamado Ca7riel.

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The Isley Brothers It’s Our Thing P O R S E B A S T I Á N C H ÁV E Z

Es cosa tuya Sucede que a veces lo esencial es bien visible a los ojos. En 1967, los Isley Brothers editaban Soul On The Rocks, el que sería su último trabajo para Motown, el sello de Detroit que había llevado el método de producción fordista a la creación de hits; una cadena de montaje en la que cada miembro de ella hacía su aporte (letras, música, interpretación) dando como resultado final un producto atractivo para las masas, de efectividad y rentabilidad probadas, y cuyos dividendos iban a parar mucho más a los dueños de la empresa que a los empleados-obreros-músicos.

La portada de aquel disco también respondía a un molde impuesto: los hermanos Ronald, O’Kelly y Rudolph -eran seis en total- aparecían vestidos de traje, corbata y pañuelo a tono, marcando, al igual que el resto de los artistas que formaban parte del catálogo de la compañía, una línea de continuidad visual con el Doo Wop de la década del 50.

Para The Isley Brothers, sin embargo, esos trajes eran más bien chalecos de fuerza. Su sonido de guitarras ásperas y melodías agresivas para la época se alejaba de las armonías prístinas de clasicismo funk que tanto alentaba el sello (chequear The Four Tops, The Temptations y el primer Stevie Wonder), lo que llevó a que su relación con Motown llegara a un punto de no retorno. El título del disco, Soul on the Rocks, proponía un juego de palabras que podía leerse como un grito desesperado puertas adentro. Por un lado, el más naive, era una referencia a la

idea de que la música soul es ideal para escuchar tomando whisky (on the rocks), por el otro, más literal y descarnado, a las restricciones creativas: el alma de los hermanos se encontraba entre rocas. Inmóvil.

La única salida posible, liberarse del sello y sus contratos leoninos, implicaba el desafío de subsistir bajo sus propios medios y que, de no contar con las herramientas de distribución y comunicación necesarias, los nuevos discos del grupo se pierdan en lo profundo de las bateas (años más tarde, los artistas que habían caído en esa desgracia serían catalogados como deep funk). Pero los hermanos no le temían a nada.

Es cosa nuestra Liberados de las amarras de Motown, los Isley Brothers resolvieron por fin volver a editar su música a través de T-Neck Records, el sello que ellos mismos habían fundado en 1964 cuando el grupo contaba en guitarra con un tal Jimi James, más tarde conocido como Jimi Hendrix. 1969, entonces, los tenía a sus anchas, y así se los ve en la portada de It’s Our Thing, el disco que editaron en abril de ese año. Embebidos por la estética hippismo-meets-funk de Sly & The Family Stone, los hermanos Isley aparecen con tapados de pieles, camisas coloridas y colgantes aparatosos, en una postura bien distante de la de Soul On The Rocks.

Acá también el título del disco se vuelve declaración de principios.

El primer corte de difusión, editado en enero de ese mismo año, fue “It’s Your Thing” (algo así como “Es cosa tuya); para el nombre del

álbum, en cambio, suprimiría la Y, una mínima perversión que cambia el significado por completo I’ts Our Thing (Es cosa nuestra). “Lo que hacemos con nuestra música, y nuestra imagen, es cosa nuestra”, parecían decir los Isley Brother “Es cosa tuya / Hacé lo que quieras hacer / Yo no te puedo decir / A quién tenés que quedarte pegado”, el estribillo de “It’s Your Thing” estaba claramente dedicado a Berry Gordy, fundador de Motown, pero la frase podía hacerla propia cualquiera y aplicarla a su propio contexto. Justo lo que toda canción pop necesita para convertirse en éxito. En el disco, los Isley Brothers marcaban la cancha desde el tema apertura con un desborde de producción. “I Know Who You Been Socking It To” tenía un groove caminante, un piano saltarín que recordaba al rock and roll de los 50, vientos que expandía el pre-estribillo y una guitarra quebradiza.

De entrada, le decían a Gordy, y al mundo, cómo se sentía para ellos la independencia. Irónicamente, se habían ido del sello que más sabía de hacer hits (Motown es el sello con más #1 en la historia de los charts de Billboard) para componer su mayor éxito.

Sentadas las bases desde la instrumentación, “Somebody Been Messin’” pone a Ronald a cantar desbocado, bien cerca de James Brown y sus agudos de crooner sobrepasado de libido. “Alguien se estuvo metiendo con mis cosas”, aúlla para dejar en claro que la Cosa (y no la cosa) ya es el concepto clave del disco. Acto seguido, “Save Me” baja los decibeles y se conforma como la clásica balada r&b de sub-

división ternaria. Había que alejarse de Motown, sí, pero no tanto. La balada por excelencia del disco, sin embargo, es “Feel Like The World”.

Mientras la guitarra despliega un arreglo infinito -un ovillo de lana para que jueguen todos los gatos tristes del mundo-, Ronald ahora se vuelve pansexual, su voz ya no es sólo masculina: contiene todos los géneros. En el lado B, la fórmula se repite entre funk a pulso firme (“It’s Your Thing”, “He’s Got Your Love”) y canciones de pura raigambre r&b (“Give the Women What They Want, “Love Is What You Make It”).

1969 será recordado para siempre como la piedra angular del hippismo y la psicodelia, que tuvo en Woodstock su punto de efervescencia icónica y simbólica. Aquel Jimi James ya era un Hendrix incendiario y el rock una (contra)cultura con sus propias bases y fundamentos. En el seno de la música popular afroamericana, en cambio, todo estaba por hacerse. Si el funk naciente estaba dominado por Motown, James Brown y Sly & The Family Stone (faltarían un lustro para la aparición del delirio espacial de Parliament/Funkadelic), los Isley Brothers se situaron en el punto equidistante de esas tres patas.

Buscando su Cosa, los Isley Brothers encontraron cosas de todos.

A 50 años de su lanzamiento, It’s Our Thing, permanece ahí, escondido como una gema de sabiduría y diversión, lista para recordarnos que lo que hagamos con la música, con el arte o con la vida, siempre es cosa nuestra. Y también que es mejor hacerlo bailando.

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Los Tabaleros

Más frescos que nunca El 4 de mayo el sexteto regresará al Teatro Vorterix donde adelantará singles del Lado B de Chuy, su último álbum de estudio. “Será el monstruo siamés más hermoso que pudimos dar a luz”, adelantan.

P O R J O TA AY E R Z A

“proponemos un mundo imaginario donde la felicidad y la vida de mierda es todo una sola cosa”, coincidían Beto Martínez y Félix Mateos en octubre sobre la propuesta de Los Tabaleros. La conversación se dio un mes antes de su primer presentación en el Teatro Vorterix en el mismo día que estrenaron Chuy. “Subimos a tocar nuestras canciones nuevas en un Vorterix lleno y la gente ya las cantaba a los gritos”, cuenta en 2019 60 B I L L B O A R D A R | A B R I L , 2 0 1 9

Martínez. “Fue un espectáculo del poder de la comunicación. Tiene sentido a veces generar expectativa y no entregarse por completo”, señala.

Cuando dice expectativa, el tabalero se refiere a la forma con la que estrenaron -y van a estrenar- su material. Las seis canciones de Chuy que editaron en noviembre corresponden tan solo al Lado A de su nuevo álbum. “Chuy es un vinilo que se está terminando de construir, lo hicimos de esta forma por nuestra manera de entender cómo se consume música hoy en día”, explica y agrega: “Cuando se junten el lado A con el Lado B será el monstruo siamés más hermoso que pudimos dar a luz”.

La unión entre estas dos bestias será de a partes y finalizará cuando el sexteto regrese el 4 de mayo al Teatro Vorterix. Detrás de las barbas, las camisas floreadas, el humor instagramero y los ritmos folclóricos, el grupo diseña la estrategia obligatoria y posterior de “aquel momento de idilio que desembocó en canciones”. La segunda parte de Chuy se adelantará como si fueran seis singles y estará completa antes del show. “Entendemos que si subíamos los 12 temas en el mismo día nos perdíamos de algo. El músico no se puede alejar de tratar de entender cómo es que la gente escucha música hoy en día. Tiene que saber cómo funcionan las diferentes plataformas”.

El primer adelanto del Lado B se llama “Latas vacías” y para Beto se trata de la canción que “quizá más se despegue de la naturaleza de la banda”. Cuenta detalles de un pop brilloso -y hasta electrónico-, y la mano del productor Álvaro Villagra, con quien están trabajando en esta nueva entrega. “”Latas vacías” es un canto de libertad en cuanto a su producción. Nos hace acordar a las publicidades de gaseosas de los años ochenta. Siendo un año tan agobiante para la gente buscamos regalar alegría”. Enseguida editarán “Sirena vampiro”, y dentro de esta nueva media docena de canciones también estará “A las tres”, la única que cantaron al menos una vez en vivo. “Conseguimos que Diego Tuñón de Babasónicos sume la magia de sus dedos a la obra”, adelanta Martínez.

El crecimiento de Los Tabaleros se ve reflejado en reproducciones de streaming pero también en venues, y por eso, un nuevo Teatro Vorterix no sorprende. “Somos una banda que se autopone la vara alta y el Vorterix no es el final de nuestra vida sino el puntapié del año.

Le vamos a meter mucha brillantina pero nos guardamos algunas balas para lo que resta del 2019”. Otra vez, las altas esferas tabaleras se encuentran planeando un nuevo golpe: “Vamos a terminar el 2019 en un venue más grande”.

F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

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LOLLAPALOOZA ARGENTINA TODOS CONECTADOS POR ONIX Por quinto año consecutivo, Chevrolet Argentina fue parte del festival más importante del país que en tres días recibió 300 mil personas.

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U una nueva edición del lollapalooza Argentina pasó por el Hipódromo de San Isidro y, por quinto año consecutivo, Chevrolet Onix fue el auto protagonista. El festival tuvo los shows destacados de Lenny Kravitz, Arctic Monkeys, Twenty-One Pilots, Post Malone y hasta Paulo Londra junto a Steve Aoki.

El stand de Chevrolet fue, una vez más, uno de los lugares destacados del Lolla. La participación del Onix comenzó temprano el viernes de la mano de Santi Maratea. El influencer salió a regalar en su auto las últimas entradas del festival (sold out desde un día antes) a los esperanzados que caminaban fuera del predio. “¿Cuanto te pueden vender una entrada ahora? Te arrancan la cabeza. Es uno de los mejores regalos que puedo hacer”, contó Maratea a Billboard.

El stand desplegó unas gigantes pantallas de LED, exhibió dos modelos de Onix y brindó a los asistentes la posibilidad de participar de diferentes actividades

como el “Onix Body Marbling” y “Onix Gravity Room”. Este último espacio contó con el sábado con la participación Sofi Morandi, quien convocó una gran cantidad de adolescentes a la actividad. “Mi artista nacional preferido del Lolla es Wos”, contó después la actriz y bailarina. Además, aquellas personas que participaron de las activaciones tuvieron acceso a la red wi-fi de Chevrolet y a un espacio para cargar los celulares.

Durante los tres días, Billboard habló con los diferentes influencers, artistas y comediantes que pasaron por el stand. Por ejemplo, Pablo Granados -quien acaba de llegar al millón de seguidores en Instagram- fue el sábado 30 de marzo para ver el show de otro rosarino, Fito Páez . “Todo es alegría acá. Vivimos en un momento donde hay mucha violencia y crisis humanitaria pero en este lugar vemos tanta energía y juventud que te hace pensar que no todo está perdido”, dijo luego sobre el evento en el stand de Onix.

Sin embargo, la banda más reclamada por los influencers que estuvieron junto al Onix fue Arctic Monkeys. Soy Rada, Fede Cyrulnik, Germán Tripel y Eddie Fitte coincidieron en esa elección; aunque el escritor y ex periodista de Canal Trece, también apostó por Kendrick Lamar. “Es el mejor rapero de los últimos 15 años. Va a ser uno de esos shows que vamos a recordar para siempre”, indicó entre los dos Onix de colores bordeaux y blanco que estaban en la planta baja del stand.

Onix conecta orgánicamente con la energía del Lollapalooza ya que su experiencia con la música fluye naturalmente al ser compatible con Android Auto y Apple Carplay. A esto se le suma una alta conectividad que incluye el sistema MyLink (nueva generación), y la tecnología OnStar, exclusiva de Chevrolet, que brinda la conectividad para intervenir, modificar y lograr una mejora día tras día. Además, incluye cámara de visión trasera y sensor de estacionamiento, volante multifunción, computadora de abordo, control de velocidad crucero.

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LOLLAPALOOZA ARGENTINA NIKE LLEVÓ EL FESTIVAL “A OTRO NIVEL” Las Air Max 720 pisaron fuerte en el Hipódromo de San Isidro. En su stand conversamos con Wos, Dakillah, Zoe Gotusso y FLU OS sobre la nueva escena de música argentina.

Zoe Gotusso.

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Wos.

Dakillah.

D

desde la terraza del stand de Nike Sportswear se podía observar de cerca todo lo que ocurría en el Main Stage 2 del festival, por el cual pasaron artistas como Post Malone, Sam Smith y Lenny Kravitz.

En el espacio de Nike Sportswear “A Otro Nivel” también se podía conocer la línea de tiempo de su clásico modelo de zapatillas AIR MAX, que empezó hace 40 años con la innovadora idea de capturar aire en la suela de nuestras zapatillas. Actualmente, la marca acaba de lanzar un nuevo modelo: AIR MAX 720, que llegaron a otro nivel de elaboración y diseño. La estructura del nuevo calzado tiene una composición de más del 75% de materiales de fabricación reciclable. Y así, la unidad Nike AIR MAX 720 es la capsula de aire más alta de la historia.

La inspiración proviene del movimiento orgánico de radiación de

energía en diferentes maravillas naturales y esto se refleja en cada color del Nike AIR MAX 720. Por ejemplo, los flujos de lava, la Aurora Boreal, la Vía Láctea y las puestas de sol y amanecer.

Durante el festival, el stand recibió la visitas de diferentes artistas y músicos, algunos de los cuales formaban parte del line up como Wos, Dakillah y Zoe Gotusso de Salvapantallas. Pero también visitaron el espacio de “A Otro Nivel” Dante Spinetta, el dúo FLU OS (Angelo y Benicio Mutti Spinetta) y Malena Villa.

“Ya en el cuarto tema levanté la cabeza y vi la cantidad gente que había y pensé: ‘se puso picante’”, contó Wos sobre su presentación en el Main Stage 2 del Lollapalooza. El rapero, que nació en las batallas de El Quinto Escalón, aprovechó la ocasión para cantar por primera vez en vivo su último single “Terraza” y adelantar un tema nuevo junto a Acru.

“Quiero ver a Kendrick el domingo”, dijo después.

Dakillah, que se presentó en el

mismo día que Wos pero en el Perry’s Stage, también conversó con Billboard sobre su show. “Fue la primera vez que canté en vivo con banda, fue impresionante. Todo coincidimos que fue el mejor show que dimos hasta ahora”, dijo. Por su parte, Zoe Gotusso que se presentó con Salvapantallas el domingo en el Alternative Stage aprovechó la ocasión para resaltar la presencia de la mujer en la industria en el último tiempo.

“Gracias a una lucha que se viene bancando hace un tiempo, hoy hay lugar para mujeres realmente talentosas.

Aunque todavía falta bastante”.

Por su parte, FLU OS (el dúo de Angelo y Benicio Mutti Spinetta) habló sobre cómo esta nueva generación de artistas argentinos (especialmente de trap) está jugando a otro nivel. “Nos sentimos parte de este movimiento y queremos que crezca”, dispararon. Además, adelantaron que el 19 de abril editaron un nuevo single y video: “Existe”.

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YPF brindó la energía y más El festival, que convocó más de 300 mil personas, utilizó naftas y gasoil YPF en todos sus generadores y vehículos durante sus tres días.

Además, brindó un espacio de relax y sombra dentro del predio para que la gente descanse y recargue sus celulares.

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ypf fue parte del lollapalooza por segundo año consecutivo. De esta manera, durante los tres días que tuvieron los shows de Kendrick Lamar, Lenny Kravitz, Paulo Londra, Arctic Monkeys, Rosalía y Twenty One Pilots, las más de 300 mil personas que pasaron por el Hipódromo de San Isidro encontraron las propuestas que la compañía desarrolló para el festival.

La experiencia Lollapalooza junto a YPF comenzó con los cientos de socios ServiClub que llegaron al festival en los buses exclusivos que salieron desde estaciones de servicio YPF. Durante el trayecto, maquilladores y tatuadores dejaron lookeados y listos a los pasajeros para disfrutar de las más de 100 bandas que participaron.

Además, entre todos los socios que canjearon sus kilómetros ServiClub por crédito cashless para usar en productos durante el fin de semana, hubo 40 ganadores que disfrutaron de los sideshows de esta edición (Greta Van Fleet, Interpol, Years & Years y Troye Sivan).

El premio mayor fue para los socios que ganaronz la participación de un meet & greet con artistas del Lollapalooza. Los ganadores visitaron la “Villa de los artistas”, vieron desde adentro cómo

lo viven las figuras más destacadas del line up y conocieron a sus ídolos.

Para disfrutar al máximo del festival, YPF instaló espacios de relax y sombra dentro del predio. Más de 1800 personas por día pudieron descansar, cargar celulares y seguir el line up en tiempo real a través de una pantalla con información actualizada.

Dentro del predio YPF también colocó un árbol de energía renovable de YPF Luz. A través de los paneles solares instalados en su copa, los espectadores contaron con una fuente de energía renovable para recargar sus celulares. De noche, la energía almacenada iluminaba la estructura y lo convirtió en un punto de atracción dentro del festival. Además, al igual que el año pasado, las torres numeradas de YPF sirvieron como punto de encuentro para los miles de jóvenes que formaron parte de los shows. Y les permitía grabar un video para llevarse de recuerdo del festival.

Por último, por primer año desde su llegada a la Argentina, el Lollapalooza utilizó naftas y gasoil YPF en todos sus generadores y vehículos, fundamentales para el armado y desarmado dentro del predio.

TUTE DELACROIX

Lollapalooza Argentina 2019

Tras Paul McCartney y el Lollapalooza

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SPONSORS DESTACADOS Marzo - Abril - Mayo 2019

Banco Patagonia

La continuidad tras el brillante 1Q de 2019

Paul McCartney - T4f

AN

Un lanzamiento muy original fue el de PopArt del Tras haber tenido 250 shows internacionales en 2018 y Hipódromo de Palermo de Babasónicos el 1 de junio. Esto un brillante primer cuarto de 2019, con grandes festivales tras haber tenido el interesante Wine Rock en Mendoza, que terminaron en la mejor edición del Lollapalooza de extender la serie de Gran Rex de los Decadentes de abril DF Entertainment con sus side shows sold out, y PABL O AL al 14 de junio y seguir con el Messi 10 del Cirque shows masivos de primer nivel en el Campo BO R Du Solei para los próximos años. de Polo a los que se sumó nada menos Además, Fénix Entertainment Group de que Paul McCartney de T4f/Ozono —hará Marcelo Fígoli tuvo a Los Gipsy Kings el 1 de Aurora en el Opera Orbis seguros el 24 abril en el Luna Park, el 11 de abril la música de mayo—, el showbusiness Argentino de Dire Straits Legacy, apunta a Il Divo el encara una etapa con menos anuncios 24 de mayo y reeditarán a Montaner el 21 o mayor cautela, en un panorama econóde junio en el Luna Park. Para junio también mico más complejo e incierto junto con IR O N MA prepara su Cirque Du Soleil Ovo en Tecnópolis con las elecciones. Esto puede sentirse ID E gran temporada. en parte en el consumo de la LAURIA sigue entre los que más producen destacando gente —hasta ahora la música ahora el 13 de abril el Hipódromo Palermo de Pablo siempre salió indemne— o en Alborán y el Luna Park el 18 de mayo a Diego Torres las apuestas de las marcas, con Banco Macro. Además, el primer show donde algunos sponsors lídeC IR Q U E D U SO LE de Anitta el 12 de mayo en el Opera res como los bancos reducen I Orbis Seguros, Vanesa Martin el 12 su inversión de entretenimiento de Junio y Reik el 8 de julio en el o se mantienen con lo que tienen Luna Park con el Banco Comafi enpese a sus probados buenos resultados de tre otros sponsors como Rapipago. sus plataformas. Será una etapa que demandará Para junio Eros Ramazzotti. mayor creatividad de la aceitada maquinaria de las C HA Completando los líderes, Ake promotoras líderes, que a favor tienen el YA NN Music tuvo la gran reunión de Camila E flujo de artistas que vendrá del Rock y Sin Bandera en el Luna Park y sigue con in Rio para el segundo semestre la gira de Slash. y la aparición de nuevas marcas —también bancos, cervezas y petroleras— para los que el gran Más shows momento de la gente con la múAdemás, Alberto Miguel/Arenas —hace a Cristisica demostrado hasta ahora sigue ne D’Clario el 13 de abril en el Luna Park— y con el siendo muy atractivo.

Blueteam anuncian la gira de Serrat-Sabina que tendrá En ese panorama, Move Concerts tiene un único show en Buenos Aires. lo más grande anunciado hasta ahora con Iron Maiden el MTS inauguró su estadio Hípico —está por anunciar 12 de octubre en Vélez y el sold out de Shawn Mendes el naming—para posicionarse entre los venues más imen el Buenos Aires Arena en Atlanta. También tiene a portantes de Capital. Por su parte, 300 vuelve con Ciro al Roberto Carlos en el Gran Rex el 30 de mayo, Darryl Luna Park el 10 de mayo y Pirca hará a NTVG en el Gran Hall y John Oates en el Luna Park el 6 de junio, todos Rex en junio sumando ya 5 fechas. En Obras Gonna Go con el BBVA Francés. La inauguración del BA Arena, será hace a La 25 el 4 de mayo ,Pablo Milanés viene al Coliseo con Chayanne de Seis Pasos a principios de noviembre, y un venue que se relanza es el Auditorio Belgrano con esperando que se solucionen todos los problemas con Generarte; tendrá sucesivamente a Gustavo Santaolalla, los vecinos.

Jairo, el Chaqueño Palavecino y Les Luthiers.

Budweiser

lollapalooza 2019 - DF

YPF

lollapalooza 2019 - DF

Motorola

Lollapalooza 2019 - DF

Banco Santander Río Lollapalooza 2019 - DF

Fernet Branca

Lollapalooza 2019 - DF

N

BBVA Francés

Luis Miguel- PopArt - Lauría Ed Sheeran - Move Concerts

LO

VO

Disco

Luis Miguel- PopArt - Lauría

Claro - Samsung

Lollapalooza - DF Luis Miguel, Carlos Rivera, Pablo Alborán, Diego Torres - Lauría Vanessa Martín - Lauría

Banco Macro

Pablo Alborán, Diego Torres - Lauría

Banco Comafi

Anitta, Vanessa Martín, Reik, Carlos Rivera - Lauría

Rapipago

Luis Miguel, Carlos Rivera, Pablo Alborán, Diego Torres, Vanessa Martín - Lauría

Coca-Cola

Plataforma Coca - Cola For Me Lollapalooza 2019 - DF B I L L B OA R D.CO M . A R

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www.prensariomusica.com

Vivo Lenny Kravitz.

Lollapalooza Argentina 2019

Una voz para cada generación Día 1 “somos todos hermosos. ellos, nosotros. la diversidad es algo para celebrar”, decía Kamasi Washington mientras a las cuatro y media el sol azotaba a sus fans en el Main Stage 1. Su frase puede bien puede servir como testimonio de la esencia del Lollapalooza. La sexta edición argentina se anticipó como una de las más eclécticas hasta ahora, cubriendo espacios etarios y perfiles estilísticos a los que previamente casi ni se había animado, el jazz siendo un primer ejemplo.

Así, con una grilla ecléctica y el esperado debut local de Rosalía, el festival abrió las puertas de su sexta edición. Post Malone, Twenty One Pilots, Interpol, Khea y más también fueron parte del line up.

Washington supo leer a su audiencia, dejando de lado el tradicionalismo para hacer foco en el costado más funk y afro de su repertorio. En el mismo escenario, pero más temprano Escalandrum había calentado los motores jazzeros en un repaso de Studio2 y con un cierre de obligada herencia piazzolística con “Adiós Nonino”.

Rosalía se puso al festival entero en su bolsillo. No llegó a la segunda oración del inicio con “Pienso en tu mirá” cuando los gritos de la gente taparon cualquier otro sonido. La catalana se reía cómoda, pero eso no significa que diera la 68 B I L L B O A R D A R | A B R I L , 2 0 1 9

situación por sentado. Con un pequeño cuerpo de baile, dos dúos de cantaores y El Guincho en samples y programaciones, en una hora logró justificar su meteórico despegue.

Después de que Rosalía introdujera su cuota de trap a la ecuación, el género -que ocupó gran parte de la grilla este año- tuvo en el Main Stage 2 a un Post Malone escénicamente austero pero complaciente con su público. Antes, Khea mezcló humo con visuales espásticas mientras celebraba ante la consumación del poder de convocatoria que creció sin pausa desde 2018. Tanto así que la inesperada presencia de Duki sobre el final de su set (hicieron “She Don’t Give a F.O.”, entre otros), pareció decir tácitamente que lo que importa está acá. Y recién empieza.

Por último, Twenty One Pilots también ascendió al main stage (con un auto prendido fuego entre el cantante Tyler Joseph y la batería de Josh Dun) frente al fandom más tanqueado de la velada.

Día 2 Con el regreso de Arctic Monkeys, los hits de Fito, la corrección británica de Sam Smith, la locura Macklemore y una nueva aparición sorpresa de Duki, la segunda jornada del festival encontró diversidad y propuestas para todos los gustos. El

cierre estuvo en las bandejas de Tiesto.

“No sé ustedes, pero nosotros somos los Arctic Monkeys”, decía Alex Turner en una de sus clásicas impostaciones juguetonas. Es que no hace falta mucho más cuando sos el brillante frontman de una de las últimas bandas más definitivas del rock moderno. Contrario a cualquier tipo de especulación previa a partir del sonido de Tranquility Base Hotel & Casino, Arctic Monkeys ofreció una revisión de alto octanaje rockero donde las canciones de su sexto disco sirvieron como espacios de distensión.

El iniciático “Do I Wanna know” y “Brianstorm” mostró al grupo de Sheffield -con Turner nuevamente en look greaser- haciendo algo de carácter expansivo. Puso a sonar los hits más esenciales de su carrera (“Don’t sit down ‘cause I moved your chair”, “I bet that you look good on the dancefloor”, “Teddy Picker”) y canciones laterales (“Library Pictures”, “Knee Socks” y “Cornerstone”).

Si bien el primer fixture de la sexta edición del Lollapalooza Argentina le habló a un target joven que celebró el advenimiento del trap, el resto de la segunda cita se ofreció con un espíritu diferente, aún en el mismo contexto.

Recién abiertas las puertas, Ca7riel puso a sonar su renovada fusión de trap con guiños de

TUTE DELACROIX

P O R F E D E R I CO M A RT I N E Z P E N N A

Vivo acid jazz y funk, propios de su capacidad multi-instrumentista. Apenas terminado el set, junto con Paco Amoroso invadieron el Alternative Stage que los mendocinos Perras on the Beach ocupaban. Más temprano aún, Duki volvía a sorprender con una nueva aparición fuera de agenda en el set de Coral Casino.

Paulo Londra y Steve Aoki.

Arctic Monkeys.

Rosalía.

Lali.

GUIDO ADLER EXCEPTO ARCTIC MONKEYS (TUTE DELACROIX).

Mona Jiménez.

Día 3 Pasado el mediodía, Lali desplegó toda su artillería para una total efervescencia adolescente. Su presencia sirvió para empujar tácitamente la idea de la necesidad de un cupo femenino, pero también para cimentar el cancionero de Brava, su último disco. “Soy” sonó con una banda a toda máquina y un cuerpo de baile que animó los éxitos “Besarte Mucho” y la reciente colaboración con Thalía “Lindo pero bruto” En su edición 2019 Lollapalooza también volvió a apostar por el efecto oveja negra. Así como hace un año Damas Gratis había despertado cuestionamientos, la aparición de Carlos ‘La Mona’ Jimenez en el Main Stage 1 despejó las dudas y tuvo un resultado impecable. De ambo rojo e incrustaciones de brillantes y adornado por cadenas, pulseras y anillos de oro, fue recibido con ovaciones.

Luego, cuando Paulo Londra llegó al Main Stage 1 del Lollapalooza Argentina, lo hizo corriéndose sus largos mechones rubios de la cara, develando una enorme sonrisa que parece referir a varios pilares: la nutrida presencia del trap en un festival de franquicia internacional, la comunión con un público masivo y, claro, el meteórico éxito que el cordobés viene disfrutando desde 2018.

Al punto tal que Steve Aoki subió al escenario con el cordobés para su remix de “Forever alone”.

En el plano rockero, Greta Van Fleet puso a sonar su rock zeppelinero y Lenny Kravitz apeló a la sensibilidad de un público adulto. Lo había hecho luego de un muy poderoso arranque con los éxitos “Fly Away” y “Dig in”. Pero eso no detuvo la marcha del músico de cincuenta y cuatro años.

Cargó las tintas con una seguidilla de himnos memorables que ofrecen una lectura de su amor por la música de distintas vertientes: el soul (“It ain’t over ‘til it’s over”), el funk (“Always on the run”), la balada romántica (“Can’t get you off my mind”, “Again”) y el rock clásico (“American Woman”).

Kendrick Lamar eligió desplegar toda su artillería para labrar su primera visita porteña. Lo hizo comenzando con “DNA” y particionando su show con viñetas en video donde se lo podía ver como su pseudónimo Kung Fu Kenny. Centrándose en DAMN (sonaron ocho canciones del disco) pero también apelando a todo su catálogo, el pequeño gigante rapero de Compton no defraudó. “Quiero ver cuantos verdaderos fanáticos de Kendrick Lamar hay hoy”, dijo y así puso a sonar canciones de Good Kid, M.A.A.D City como “Swimming Pools (Drank)”, “Backseat freestyle” y “Money Trees”.

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Vivo PAU L M CCA RT N E Y Campo Argentino de Polo 23 de marzo

El amor que da es el que recibe En el porteño Campo Argentino de Polo, la leyenda de 76 años abordó 39 canciones, en más de dos horas y media, y ante 60 mil personas. El repertorio incluyó mayoría de clásicos de The Beatles, otros de Wings, éxitos de su era solista y algunos de su nuevo álbum ‘Egypt Station’.

¿será un sueño que paul mccartney vaya a cantar tres horas en Argentina, otra vez? ¿Qué vibrará en él, cuando alza la guitarra o el bajo sonriendo con británica moderación al elevar sus dos pulgares a las estrellas? Habrá dos horas cuarenta para comprobarlo.

“Mirá las pantallas. Esa euforia generaba la beatlemanía”, le explica un tipo de 40 a su hijo de 10 años, en el césped. Allá lejos, las imágenes en blanco y negro de las pantallas LED muestran a cientos de chicas corriendo a cuatro icónicos pibes con flequillo, en los años sesenta. Y, entonces, uno de ellos, Paul, arranca “All my Loving” con su voz casi adolescente: “Close your eyes and I’ll kiss you. Tomorrow I’ll miss you. Remember I’ll always be true…”.

La beatlemanía se reactivó en apenas un compás. A las 21.10, las fotos de cada uno (con sus distintos peinados) y de Paul de niño devinieron un caleidoscopio digital cuando Paul y su banda liberaron la tensión del primer acorde de “A Hard Day’s Night”. “¡Hola, Argentina! Qué buena onda. Estoy feliz de volver”, dice Paul en su castellano rústico, tras haber hecho “Junior’s Farm”, del álbum Venus 70

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And Mars (1975). “Vamos a hacer viejas canciones. Algunas nuevas, y otras del medio”, sonríe. Si con “All My Loving” generó llantos, regresa a los años de Wings con la electrizante “Letting Go” y el volumen, que no arrancó bien, expone de a poco los matices de su banda: las violas eléctricas de Rusty Anderson y del rubio Brian Ray, el espeso swing del baterista Abe Laboriel Jr., y los teclados infalibles de Wix Wickens.

Los bronces de los Hot City Horns resurgen en el escenario y Paul despliega al piano “Let ‘Em In”, hit de 1976. El que dice: “Alguien está llamando a la puerta. Alguien está tocando el timbre. Hazme un favor, abre la puerta y déjalos entrar”. ¿Qué sentirá Paul al nombrar cantando a “Sister Suzie, brother John, Martin Luther, Phil and Don” y a otras personas que ya no están con él? Otros miles repiten “¡olé, olé, olé!”, Paul los dobla con el piano y, en castellano, dedica “My Valentine”. “A mi hermosa esposa Nancy, que está con nosotros esta noche”. “¿Por qué el sonido no llega bien al fondo del Campo Argentino de Polo?” Es una medida preventiva: el 9 de marzo, el DJ Hernán Cattáneo superó los 95 decibeles permitidos y el predio tuvo una clausura.

Wickens aporta la armónica y Paul administra su capacidad vocal entre “Dance Tonight” (con la mandolina) y “Love Me Do”, para llegar con buen aire al segmento más profundo del concierto. “Esta canción es sobre los derechos civiles”, anuncia en inglés y en castellano, para elevarse con “Blackbird”. Solo con su guitarra y su melodía asciende varios metros en una plataforma. Lo acompañan las luces de los celulares.

“Escribí esta canción para mi hermano John. ¡Arriba John!”, dice sobre “Here Today”, que compuso en 1981, meses después de que asesinaran a Lennon. En media hora también homenajeará a George Harrison con los toques de ukeleke para “Something”.

El Campo Argentino de Polo brillará con la perfecta sincronía del estribillo de “Live And Let Die”, entre fuegos artificiales y las llamaradas.

Queda el mantra del “náaa, nana, na, na, naa, náaa” de “Hey Jude”. Y, segundos después, los bises que seguirán en la galaxia Beatle, la secuencia con que los Fab Four dijeron adiós: “Golden Slumbers”- “Carry That Weight” - “The End”. “Y en el fin, el amor que te llevás es igual al amor que hacés”, canta un Beatle en Buenos Aires.

GUIDO ADLER

P O R PAT R I C I O F É M I N I S

Vivo H E RNÁ N CAT TA N EO Campo Argentino de Polo 9 de marzo

Viaje a la eternidad con entradas totalmente agotadas, el DJ desplegó lo mejor de su música por seis horas en un set llamado “Sunset Trip”.

Organizado por Buena Productora, la apertura estuvo a cargo de Juan Hansen que dio un live show desde las 16hs, para luego dar paso a Cattáneo.

El DJ cerró con “Pulsar” de Cerati, entre el enorme playlist que desplegó en la primera edición de Sunsetstrip Buenos Aires. El predio también contó con distintos puntos de gastronomía gourmet. A su vez, un relax point con área de masajes y artistas que estuvieron recreando el #SunsetLook.

PWR FEST IVA L Luna Park 8 de marzo

Todas para una el 8 de marzo, en el día internacional de la Mujer, que hace honor al empoderamiento femenino; y, a beneficio de LALCEC (Liga Argentina de Lucha contra el Cáncer) tuvo lugar el PWR FESTIVAL al Luna Park.

El evento contó con la conducción de Cande Molfese y Dai Hernández, junto a la participación especial de Mica Suárez. El line up estuvo conformado por Sofía Reyes, Malu Trevejo, Natalia Jimenez , Angela Torres, Agus Padilla, Victoria Bernardi y Silvina Moreno.

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Vivo Adrián Dárgelos.

Rock en Baradero

Bienvenidos a la ceremonia En un momento en que el rock nacional se encuentra interpelado por el crecimiento del trap y los ritmos latinos, del 2 al 4 de marzo Baradero destiló rock & roll de pura cepa.

como todos los años, la ciudad bonaerense recibió al festival con la amabilidad que la caracteriza. La gente en la puerta de sus casas y los comercios rebozaron de hospitalidad. Pese a las altas temperaturas, desde temprano todos fueron acercándose al predio. La cercanía del río Paraná y un oasis de árboles alrededor crearon un microclima agradable para disfrutar de las jornadas de música.

Día 1 Desde el comienzo se vivió una situación de camaradería entre bandas que dejó en claro cuál es el ambiente del festival. Los chicos de La Cumparsita, banda oriunda de La Plata -y una de las más esperadas por aquellos que llegaron temprano-, tuvieron un problema con la camioneta que los trasladaba y no llegaron a tiempo para tocar. Apenas unas horas más tarde, Cruzando el Charco (también platenses) 72

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les compartió el escenario para que los músicos de La Cumparsita se sacaran el gusto amargo y puedan tocar un tema: “Circunvalación”. Con la llegada del atardecer, el predio fue completando su capacidad y junto a Pier llegaron las clásicas banderas que no se irían hasta el final con La 25. Pero el highlight lo protagonizó Toti Iglesias de Jovenes Pordioseros. Luego de salir a escena con la bandera argentina como capa, el cantante se desplazó en medio del show desde el escenario Spotify (donde la banda estaba tocando) al escenario Quilmes en el que se puso a cantar en soledad como si fuera un B-Stage.

Hacia el final, Nonpa le puso una pizca de reggae a la receta de rock & roll que trajeron los shows de Gardelitos y Guasones. El cierre de la primera jornada estuvo a cargo un destacado show de Riff, con homenaje a Pappo incluido. La 25 despidió a Baradero pero solo por unas horas.

Día 2 Usted Señalemelo, Marilina Bertoldi, Bandalos Chinos, Airbag y Louta, entre otros, fueron la cara renovada del festival. Por fuertes tormentas se suspendió el show de Babasónicos, que igualmente se reprogramó para la tercera jornada.

Si la primera fecha de Rock en Baradero significó la presencia de las bandas clásicas del rock nacional, el día dos estuvo protagonizado por la nueva generación -ya no tanto- que hace un rato ocupa su propio lugar en los festivales más importantes del país. En contraposición a las banderas y las remeras negras del sábado, entre los asistentes de esta jornada se destacó el glitter, los outfits coloridos y hasta el vintage.

La fecha también contó con la presencia de bandas que con más años en el camino han sabido mantenerse frescos e innovadores a la hora de cubrir las expectativas de las nuevas generaciones. Airbag brindó un show demoledor con him-

TUTE DELACROIX

P O R WA LT E R G A R R É

Vivo no nacional argentino incluido en las 6 cuerdas de la Les Paul de Patricio Sardelli.

El cierre estaba a cargo de Usted Señalemelo y Babasónicos pero a pocos minutos de haber comenzado el set de los mendocinos se desató una tormenta con fuertes vientos, y atinadamente, la jornada fue suspendida por seguridad y los tickets del día domingo eran válidos para disfrutar de la última jornada. Una movida audaz y acertada, que permitió a quienes sufrieron la tormenta disfrutar de un día extra sin costo alguno.

Todos ganaron.

El show de los liderados por Adrián Dargelos se reprogramó para el tercer y último día de Rock En Baradero.

Louta.

Viticus.

TUTE DELACROIX

Rolo Sartorio.

Día 3 Entonces, debido a la reprogramación de horarios y un pronóstico del clima adverso se reorganizó la agenda de la jornada. Se arrancó más temprano y se acortó algunos sets para que todos puedan ver a su banda preferida. Babasónicos, La Beriso, Eruca Sativa, El Kuelgue, Kapanga, Estelares y Coti, entre otros, se encargaron de cerrar la última jornada del festival.

Literal, Insobrio y Coverheads fueron los encargados de dar la bienvenida a los que llegaron temprano a disfrutar del día completo sin perderse nada. El primer plato fuerte llegó a las 17 horas con la sólida presentación de Eruca Sativa. El power trío conformado por Lula Bertoldi, Brenda Martin y Gabriel Pedernera, al igual que en Cosquín, volvió a invitar mujeres destacadas de la música nacional.

“Esta es una tarde muy especial y la queremos compartir con mujeres que admiramos mucho”, dijo Bertoldi antes de presentar a Gimena Álvarez que se sumó a los teclados.

Al atardecer, Coti brindó un show plagado de hits y gracias a su extenso repertorio Estelares repitió la fórmula. “Coti querido, gracias por dejarnos caliente el escenario”, exclamó Manuel Moretti en el inicio de su show. A las 20 hs. finalmente salió al escenario Babasónicos con “Cretino”, de su último álbum Discutible (del que también tocaron “La pregunta” y “Trans-Algo”).

El Kuelgue tomó la posta, y tal como nos tienen acostumbrados, mezclaron talento y humor para ganarse los aplausos de público.

Kapanga y Los Pericos fueron pura fiesta.

Hits de más de dos décadas para hacer bailar a toda la familia. El cierre de la tercera jornada del Rock en Baradero tuvo por primera vez a La Beriso, el postre más deseado por la mayoría de los asistentes de la fecha. “Quiero contarles que el 14 de junio volvemos al Luna Park, así que nos estamos viendo ahí”, anunció Sartorio. La edición 2019 del Rock en Baradero finalizó con saldo positivo y con cada año se afianza con más fuerza en el calendario nacional de festivales B I L L B OA R D.CO M . A R

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EN PROCESO

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Weezer (Black Album) Atlantic

a lo largo de los años, la gran crítica a Weezer es que sus discos parecen siempre ser una fotocopia más desgastada de la anterior. Finalmente en Black Album se arriesgan a cambiar. Se trata de una obra que podría tranquilamente tratarse de una compilación de lados B de Fall Out Boy. Lo llamativo es que el Black Album ya estaba ideado y compuesto. Pero regresaron a su conocida y efectiva receta y se vieron tentados en hacerla pública en Pacific Daydream de 2017, por lo que este último trabajo de una extraña experimentación, se vio demorado un año y medio. La estrategia del retraso pareció, sin embargo, haber funcionado, ya que el disco salió a poco más de un mes de su Teal Album -un trabajo dedicado a covers, en el que se destacó Africa de Toto, que revivió aquel hit ochentoso como una canción meme. Esto permitió que este nuevo disco surja como toda una novedad. Pese a que la crítica no ha apoyado con entusiasmo a sus álbumes posteriores a Green Album de 2001, Weezer tiene una sorprendente convocatoria que en definitiva es lo que importa.

LIL PUMP Harverd Dropout Warner

lil pump promete ser más que una sola frase (“Esskeetit”, el famoso grito de guerra trappero que acá fue popularizada como “Skere”, es de su creación) y mucho más que un puñado de singles, como parecía haber demostrado en su primer disco de 2017. El trapero saca de la duda en esta segunda placa que el éxito de sus singles - con millones de escuchas que lo llevaron al Bi­

llboard Hot 100- no sea una mera casualidad contextual. La obra presenta algunos singles que han trascendido con fuerza, el primero de una seguidilla de siete hasta el momento fue “Esskeetit”, publicado hace casi un año. Seguido por “Drug Addicts”, y continuado por la colaboración con Kayne West en “I Love It”. Otros featurings del álbum incluyen a Quavo, Lil Uzi Vert, Lil Wayne y YG and 2 Chainz. El lanzamiento de Harverd Dropout tuvo una demora de varios meses debido a diversas razones: desde arrestos a problemas de copyright. En este segundo álbum Lil Pump se termina de despegar del sonido sucio que lo definía en Soundcloud, las temáticas de las letras se mantienen como una constante a la que le es imposible escapar y las canciones en sí parecen envueltas en un tamiz algo sobre producido.

XIMENA SARIÑANA ¿Donde bailarán las niñas?

Warner

el parate discográfico de casi cinco años que ha tenido Ximena Sariñana parece haber sido demasiado extenso. Se trata de otra obra de pop dirigida hacia la canción bailable. Desde el título interactúa con la ya tradición de parodia dentro del rock y pop mexicano, como Molotov hizo en 1997 con ¿Dónde jugarán las niñas? al burlarse de Maná y su ¿Dónde jugarán los niños? de 1992. “¿Qué tiene?”, el primer single de ¿Dónde bailarán las niñas? ya cuenta con más de diecisiete millones de reproducciones en Spotify.

Dos de los puntos más altos son las colaboraciones: “Fácil de amar”, propone un aire de acid funk en colaboración de IZA. Mientras que “No Sé”, junto a Girl Ultra, juega con teclados que remiten a los ochenta, o a su versión actualizada, el vaporwave. “Si tu te vas” es el otro corte de difusión que llegará probablemente a rankear alto en los charts, aunque cargue cierta melosidad.

SOLANGE When I Get Home Columbia

hace rato que solange knowles dejó de ser reconocida solamente por su lazo sanguíneo con Beyoncé para valerse por sí misma. En When I Get Home ratifica lo iniciado en su placa anterior, A Seat at the table, en donde el neo soul y el rythm and blues tomaban una perspectiva novedosa, en esta ocasión incorpora elementos de jazz y rítmicas artificiales arrancadas de drum machines. Solange graficó sus influencias para el álbum en música basada en la repetición, más específicamente en el compositor minimalista Steve Reich, el mentor del afrofuturismo venido de Jupiter Sun Ra, Alice Coltrane y el disco The Secret Life of Plants de Stevie Wonder. El álbum presenta una gran novedad: en Spotify es acompañado de una serie de videos que refuerzan la propuesta de la reiteración, se trata de breves clips que se repiten incesantemente: desde una limusina estacionando a ella vestida de plateado, de pie sobre dos pequeñas columnas grecorromanas. When I Get Home cuenta con la producción de Panda Bear, Pharrell y Tyler, The Creator entre otros nombres, además del de Knowles. En estas dos últimas obras Solange deja con la intriga de cuál será su siguiente paso.

MAREN MORRIS Girl Columbia

el trabajo de maren morris se para en ese extraño cruce entre el pop y la música country, dos mundos que parecen opuestos pero que en Estados Unidos generan un inmenso microclima. Mientras que su disco debut, Hero, de 2016, escaló hasta el puesto número cinco del chart Bi­ llboard 200, Girl se posicionó en el puesto número cuatro. El grueso de Girl se sostiene en una propuesta más

MIKELA BORGIA

Reviews 74

Duki se encuentra en el estudio de grabación de Neuen Arte trabajando en Atmósfera, su álbum debut y del cual solo se conoce un pequeño adelanto: “Vapormax”.

El trabajo no tiene fecha de lanzamiento pero se editará en 2019.

WEEZER

POR ARIEL PUK ACZ

pop, algo distante no sólo de los orígenes más tradicionalistas del country sino de la actualidad del estilo. El nervio de aquel género fundacional de la música estadounidense se siente recién en la tercera canción de la placa, “All my favourite People”, junto a Brothers Osborne, que arremeten con una furiosa guitarra eléctrica con slide. Luego, “Common” (la otra colaboración del disco junto a la cantautora Brani Carlile) responde a la la lógica de la mayoría del disco, canciones pop construidas para triunfar. En los últimos cuatro tracks de Girl es donde Morris se encuentra un poco más a sí misma, al evitar el pop homogéneo y abrazar el country de una manera balanceada, con cuerdas y guitarras acústicas, slides etéreos y piano.

DIDO Still on My Mind

JAMIE NELSON

BMG

tras dos discos que no fueron lo suficientemente exitosos como No Angel, su debut de 1999, y su continuación Life For Rent de 2003, Dido regresa luego de seis años de silencio con Still On My Mind. Es una obra que la vuelve a posicionar como una gran compositora y cantante. El álbum está, en su mayoría, acompañado por una instrumentación mínima compuesta por beats electrónicos e instrumentos acústicos. Deja su voz adelante, con un aura fantasmagórica que se pasea entre el folk, trip hop, dream pop y new age, como una versión apta para todo público de lo más liviano de Cocteau Twins pero también con cierta reminiscencia a Enya y The Cranberries. Como la gran parte de su obra, Still on My Mind fue un trabajo en equipo con su hermano, el productor Rollo Armstrong. “Hurricane” introduce el disco, primero como una canción folk acústica, para luego convertirse en un movido hip hop. “Take You Home” y “Friends” son dos canciones que funcionan fuera de la lógica general del disco, con bases más cercanas al techno, desentonan pero sin ser redundantes.

BARILARI

LARA PEDROSA

TOM WALKER

Infierock

El bosque del recuerdo

What a Time To Be Alive

PopArt

Twitin Records

Relentless

muy atrás quedaron los años en los que Rata Blanca llenaba estadios y era un nombre recurrente en los festivales de rock, cuando lograba que el público general hiciera caso omiso a la etiqueta de power metal y abrazara al grupo como parte del extraño catálogo popular de los noventa.

Su disco anterior, Barilari 4, lo mostraba en una faceta de experimentación con el metal industrial en el que no parecía del todo cómodo, Infierock en cambio lo trae de vuelta a un heavy más clásico. “Infierock” abre como una potente introducción de la obra, continuada por “As de espadas”, donde se da el gusto con el blues rock, mientras que el resto de la placa de despliega por un sonido potente pero controlado, con baladas como “En este mismo lugar” y el sleaze rock de “Caja de Pandora” que lleva a pensar en Motley Crue o Fasster Pussycat. “Enfermedad Terminal” entrega un furioso power metal donde se lo nota en su salsa.

Desde las letras Infierock no es nada amable, se adentra en la podredumbre de la actualidad, sin metáforas, de manera directa y trágica, como ejemplifica en “Dueño de la mentira”. Barilari vuelve a su sonido clásico, que no va a decepcionar a sus fans de ninguna manera.

pese a haber sido apadrinada por Luis Alberto Spinetta, No Lo Soporto no llegó a ser la banda que prometía. Con El bosque del recuerdo Lara Pedrosa, ex bajista del grupo, logra hacerse un nombre propio en una obra de pop que, por momentos, por la propuesta íntima y electrónica, puede llegar a recordar a Adicta. “Quiero poder decir que no”, abre el disco en colaboración de Dante Spinetta en guitarra eléctrica, seguida de “Fuego Blanco”, sin lugar a dudas uno de los momentos más interesantes de las nueve canciones producidas por Tweety González.

“Melodía de extrañar” fue el primer adelanto del álbum, cuenta con la participación de Santiago Motorizado de El mató a un Policía Motorizado y “Qué va a ser de mi” fue el otro single, en colaboración de La Fe­ mme D´Argent, Rochi Igarzabal, Esmeralda Escalante y Candelaria Zamar en voces. Pedrosa creó un cúmulo de canciones que se entrelazan de manera coherente y que proponen en su totalidad un disco de carácter intimista. Descansa en su voz suave y en los pocos elementos instrumentales que decoran cada una de las composiciones, y que permiten la espera entusiasta de un próximo lanzamiento.

los medios británicos han sido injustamente severos con el escocés Tom Walker y su obra, acusándolo de haber hecho un disco que no se aleja de la fórmula y “diseñado algorítmicamente para nuestros tiempos”, como una sombra desproporcionada de Ed Sheeran, pero ¿Por cada Radiohead cuantos bandas han logrado ser inspiradas? ¿Por cada Sex Pistols cuantos centenares de émulos han surgido que terminaron siendo parte del canon vital del punk? Tom Walker merece mínimamente la oportunidad de demostrar lo que hace. Su single “Leave a Light On”, con justas razones, se mantuvo cuarenta y seis semanas en los charts británicos, lo que le hizo ganar el premio a artista revelación 2019 de los Brit Awards.

El estilo de Walker se basa en un interesante juego de guitarra acústica, bases electrónicas y su voz potente recorriendo melodías con una clara capacidad hacia el hit. Si bien el álbum ha salido recientemente, funciona bajo la lógica actual de que parte del repertorio sea la sumatoria de singles lanzados previamente, como “Walk Alone”, originalmente publicado en el álbum de Rudimental, la banda electrónica británica.

Maren Morris.

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F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

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1 DVICIO El quinteto español pasó por nuestra casa para almorzar con fans. Los chicos eligieron en Rappi milanesas, sushi, papas fritas y al horno, entre otros manjares.

2 Hernán y La Champion Liga El cumbiero se encuentra presentando Dónde estás. Además, próximamente editará un álbum en vivo con sus más grandes hits.

3 Chiara Parravicini La cantante acaba de editar Wilder, su álbum debut.

4 Laura Miller En un nuevo regreso a la música, hablamos con la cantante pop sobre su nuevo sencillo “A que”.

5 Bizarrap El productor de 20 años habló sobre el presente del trap argentino y adelantó que grabó una sección de freestyle junto a Ecko.

6 Gativideo Antes del Lollapalooza, el grupo de Boedo estrenó el single “Flota flota”.

7 Nani La rosarina se encuentra presentando su nuevo single y video: “Voy bailando”.

8 DJ Alex El joven de 19 años es una fija dentro del top del Billboard Argentina Hot 100 desde diciembre de 2018 con “Leña para el carbón”.

9 Alan Verdier El trapero urguayo se radicó en Argentina por el fuerte presente de la escena y estrenó el single “Para mi no ma’”.

10 La reina del flow Hablamos con el elenco de la serie sobre su debut en Telemundo y la segunda temporada que está en camino.

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BILLBOARD AR | ABRIL , 2019

KEVIN WINTER/GETTY IMAGES

Halsey.

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Mujeres al poder

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penas transcurrieron tres meses desde que comenzó el 2019 y las artistas femeninas solistas que encabezaron el chart ya empataron el tiempo que lo lideraron durante el 2018.

La canción de Ariana Grande, “7 Rings”, domina el chart por séptima semana consecutiva, tal como sucedió con su primer N°1, “Thank U, Next”, su récord personal. Estos temas son la clave para la supremacía de las mujeres en las listas en el 2019, de la mano de “Without Me” de Halsey y de “Shallow”, el dueto de Lady Gaga y Bradley Cooper.

Las sumas de los éxitos de las mujeres en 2018 y 2019 superan los éxitos del 2017 (8 semanas) aunque las cifras palidecen al compararlas con su punto máximo durante los

últimos diez años: 37 semanas en el N°1 durante el 2011, cuando Lady Gaga, Adele, Katy Perry, Rihanna y Britney Spears fueron sorteándose el lugar en la cumbre. Los cantantes masculinos lideraron solo por dos semanas en el 2019 gracias a la canción “Shallow” y a Post Malone con Swae Lee con “Sunflower”. Esto fue después de registrar 37 semanas en lo más alto en 2018, luego de la explosión del hip hop dominado en su mayoría por hombres, en el 2017. Los promedios anuales respecto a hombres solistas versus mujeres líderes de su rubro en el N°1 en el Hot 100 en la década de 2010 hasta el 2018, se ubican en 24.4 vs.

19.8 semanas. Una ventaja que, si el panorama que mostró el inicio del 2019 se prolonga, podría disiparse hacia el final del año. —GARY TRUST B I L L B OA R D.CO M . A R

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“Here With Me” es el primer featuring oficial de Chvrches. ¿Cómo afectó el hecho de ser el invitado en la estrategia de lanzamiento?

La canción completa un récord de 31 semanas en el Nº1 en la lista de Mainstream Top 40 airplay chart. Blanco gana a su primer Nº1 como artista, y agrega su decimosexto como escritor y productor.

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Había menos prisa de parte nuestra para la promoción. No estábamos a cargo. No es a través de Glassnote, nuestro sello en los Estados Unidos. Esperábamos que un artista como Marshmello tuviera más reglas, pero nadie nos decía que debíamos y qué es lo que no debíamos decir. ¿Cómo logra encajar “Here With me” con el sonido de Chvrches?

Nuestra música es difícil de encasillar y eso es una ventaja. No necesitamos encajar en un modelo. La industria ha cambiado y hay mayor libertad de la que había antes. Es el Lejano Oeste. Podés hacer lo que quieras.

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¿Cómo se vincularon con Marshmello?

Hicimos una versión acústica más áspera de la canción pero no pensábamos que podría ser un tema de Chvrches. Así que se la llevamos a Marshmello porque pensábamos que querría usarla para alguien más, como Selena Gomez. Pero él dijo: “Quiero que ustedes sigan involucrados en esto”. No estaba buscando un artista de primerísimo nivel, él solo estaba emocionado con la canción.

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Luego de convertirse en el tema con el posicionamiento más alto del Hot 100 de Panic! at the Disco, “High Hopes” es actualmente la canción que más lidera el chart del Adult Top 40 airplay en esta década, mientras encabeza la última lista por la quinceava semana. Esto se traduce en un triunfo sobre el empate que venía teniendo con “Girls Like You”, la colaboración de Maroon 5 con Cardi B, que gobernó durante 14 semanas en 2018. El reino de “Hopes” es el más extenso en un chart desde “How to Save a Life”, interpretada por The Fray, que también lideró el chart durante quince semanas entre 2006 y 2007. Sin embargo, el récord general le pertenece a Santana de la mano de Rob Thomas, con “Smooth”: 25 semanas en el puesto N°1 entre 1999 y 2000.

El primer tema de Meek Mill que ingresa en el top 10 vuelve a la cima luego de tres meses.

Actualmente, la canción que se ubicaba dentro del top 20 Radio Songs rebota al top 10 de las Streaming Songs con 25.3 millones de streams.

Gracias a los usuarios de TikTok, que han incorporado la canción al reto viral Microwave Challenge, Joji logró ingresar por primera vez al Billboard Hot 100.

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IKE Y TINA TURNER ENTRARON EN EL TOP 10 La improvisada introducción “agradable y áspera” de “Proud Mary” impulsó el ascenso de la pista al número 4 en el Billboard Hot 100

REBOBINANDO LOS CHARTS

“ya sabe, de vez en cuando pienso que a usted le gustaría escuchar de nosotros algo agradable y ... fácil”, dice Tina Turner en la intro de ella y de su esposo Ike Turner en el cover de Creedence Clearwater Revival “Proud Mary”. “Sólo hay una cosa”, añade, “nunca, nunca hacemos nada agradable y fácil. Siempre lo hacemos bien y con rudeza”.

Casi 50 años después, la canción sigue siendo una de las grabaciones más destacadas de los Turners y, según Tina, esa introducción fue improvisada por completo durante uno de los conciertos del dúo en Oakland, California. Cuando Ike comenzó a tocar el rasgueo, sin adver-

tencia, los acordes de la canción (recordó Tina en sus memorias de 2018, My Love Story) “ni siquiera estaba segura de recordar las palabras, así que empecé a hablar para ganar un poco de tiempo”. Justo como Tina prometió en Oakland y en la grabación, su versión de “Proud Mary” comenzó “fácil”, el conmovedor barítono de Ike contra el sensual contralto de su esposa, y terminó “áspero” con los cuernos y los fuegos artificiales vocales de Tina. “Estaba orgullosa de mí misma”, escribió Tina sobre su improvisación, que ayudó a “Proud Mary” a convertirse en el mayor éxito del dúo en el chart. Alcanzó el número 4 en el Billboard Hot 100 el

Tina e Ike Turner, en camarines antes de un show en Las Vegas, en 1970.

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27 de marzo de 1971 y ganó un premio Grammy. La pista también aceleró la ruptura matrimonial de los Turners, aunque de manera indirecta. Ike construyó su propio estudio de grabación con las ganancias y, según Tina, el ambiente aislado alimentó el uso de drogas y su comportamiento violento hacia ella. La pareja se separó en 1976 y se divorciaron dos años después. Ike luchó por igualar su éxito anterior: continuó grabando antes de morir por una sobredosis de cocaína en 2007. Tina también tropezó al principio de su carrera como solista, pero llegó a lo grande con su LP de 1984, Private Dancer, y su single Hot 100 No. 1, “What’s Love Got To Do With It”.

“Proud Mary” siguió siendo un punto culminante de los shows en vivo de Tina, incluida una presentación de 2008 con Beyoncé en los premios Grammy. Recientemente, la cantante ahora jubilada, de 79 años, supervisó un musical sobre su vida, Tina, que tuvo su estreno en Londres en 2018 y se presentará en Broadway a partir de septiembre. —TREVOR ANDERSON

GUNTHER/MPTV IMAGES

CODA

Hace 48 años

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