Biancoscuro Art Magazine #36

biancoscuro r i v i s tA d ’ A r t e Numero 36 - ottobre/novembre 2019 - Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione

In questo numero

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ISSN 2385-1708

Natalia Goncharova e le avanguardie La tradizione incontra l’innovazione Art Verona compie 15 anni A Veronafiere dall’11 al 13 ottobre BIANCOSCURO Art Contest Tutti i vincitori dell’edizione 2019 Gli occhi di Eve Arnold Semplicemente donne Cina: la piramide di Qin Shi Huang e l’esercito di Terracotta

Nanda Vigo

Intervista alla “pioniera” che racconta la luce

Photograph taken at Pérez Art Museum Miami (PAMM)

Participating Galleries Galleries # 303 Gallery 47 Canal A A Gentil Carioca Miguel Abreu Acquavella Altman Siegel Applicat-Prazan Alfonso Artiaco B Guido W. Baudach elba benítez Ruth Benzacar Bergamin & Gomide Berggruen Fondation Beyeler Blum & Poe Peter Blum Boers-Li Marianne Boesky Tanya Bonakdar Bortolami Luciana Brito Gavin Brown Buchholz C Canada Cardi Casa Triângulo David Castillo Ceysson & Bénétière Cheim & Read Clearing James Cohan Sadie Coles HQ Continua Paula Cooper Corbett vs. Dempsey Pilar Corrias Chantal Crousel D DAN DC Moore Massimo De Carlo Di Donna E Andrew Edlin frank elbaz Essex Street

F Konrad Fischer Foksal Fortes D‘Aloia & Gabriel Peter Freeman Stephen Friedman G Gaga Gagosian Galerie 1900-2000 Gladstone Gmurzynska Elvira González Goodman Gallery Marian Goodman Bärbel Grässlin Richard Gray Garth Greenan Greene Naftali Karsten Greve Cristina Guerra Kavi Gupta H Hammer Hanart TZ Hauser & Wirth Max Hetzler High Art Hirschl & Adler Rhona Hoffman Edwynn Houk Xavier Hufkens hunt kastner I Ingleby Taka Ishii J Alison Jacques rodolphe janssen Catriona Jeffries Annely Juda K Kalfayan Casey Kaplan Karma Kasmin kaufmann repetto Kayne Griffin Corcoran

Sean Kelly Kerlin Anton Kern Kewenig Peter Kilchmann Tina Kim Kohn David Kordansky Andrew Kreps Krinzinger Kukje kurimanzutto L Labor Landau Simon Lee Lehmann Maupin Tanya Leighton Lelong Leme Lévy Gorvy Lisson Luhring Augustine M Magazzino Mai 36 Maisterravalbuena Jorge Mara - La Ruche Matthew Marks Marlborough Mary-Anne Martin Philip Martin Jaqueline Martins Barbara Mathes Mazzoleni Miles McEnery Greta Meert Anthony Meier Menconi + Schoelkopf Mendes Wood DM kamel mennour Metro Pictures Meyer Riegger Victoria Miro Mitchell-Innes & Nash Mnuchin Modern Art The Modern Institute mor charpentier N nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder Nagel Draxler Edward Tyler Nahem

Helly Nahmad Francis M. Naumann Leandro Navarro neugerriemschneider Franco Noero David Nolan Nordenhake O Nathalie Obadia OMR P P.P.O.W Pace Pace/MacGill Parra & Romero Franklin Parrasch Peres Projects Perrotin Petzel Plan B Gregor Podnar Eva Presenhuber Proyectos Monclova R Ratio 3 Almine Rech Regen Projects Revolver Roberts Projects Nara Roesler Tyler Rollins Thaddaeus Ropac Michael Rosenfeld Lia Rumma S Salon 94 SCAI The Bathhouse Esther Schipper Thomas Schulte Marc Selwyn Jack Shainman Sicardi Ayers Bacino Sies + Höke Sikkema Jenkins Jessica Silverman Simões de Assis Skarstedt

Fredric Snitzer Société Sperone Westwater Sprüth Magers Nils Stærk Christian Stein Stevenson Luisa Strina T Templon Thomas Tilton Tornabuoni Travesía Cuatro V Van de Weghe Van Doren Waxter Vedovi Vermelho Vielmetter W Waddington Custot Nicolai Wallner Wentrup Michael Werner White Cube Z Zeno X David Zwirner Nova Antenna Space Barro blank Carlos/Ishikawa Central Fine Chapter NY Company Anat Ebgi Thomas Erben James Fuentes Ghebaly Mariane Ibrahim Isla Flotante JTT David Lewis Josh Lilley Linn Lühn Edouard Malingue moniquemeloche Morán Morán Nanzuka

Jérôme Poggi ROH Projects Anita Schwartz Tiwani Contemporary Positions Sabrina Amrani Christian Andersen Bendana-Pinel Maria Bernheim Callicoon Commonwealth and Council Cooper Cole Document Agustina Ferreyra M+B Madragoa Magician Space Project Native Informant Marilia Razuk Edition Cristea Roberts Crown Point Gemini G.E.L. Carolina Nitsch Pace Prints Paragon Polígrafa Susan Sheehan STPI Two Palms ULAE Survey 10 Chancery Lane acb Almeida Nicelle Beauchene Tibor de Nagy espaivisor Eric Firestone Hackett Mill Hales Pippy Houldsworth Instituto de visión Mitterrand Parker Louis Stern Venus Over Manhattan waldengallery

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Autumn in New York, 2018, 50x50cm.

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GERMANO CILENTO

Ciao Germano!

Vincenzo e Daniela, tutta la redazione di BIANCOSCURO

biancoscuro r i v i s tA d ’ A r t e Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione

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L’Editoriale di Vincenzo Chetta

BIANCOSCURO Art Contest. Tutti i vincitori

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Natalia e le avanguardie La tradizione incontra l’innovazione

Berlin Art Week Berlino polo artistico internazionale

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Arte Padova La 30ª edizione dal 15 novembre

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Art Verona compie 15 anni A Veronafiere dall’11 al 13 ottobre

Nel segno del XX secolo La Collezione di Alberto Della Ragione

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In copertina: (on the cover)

Art Nouveau a Torino La Reggia di Venaria ospita lo stile “moderno e urbano”

Nanda Vigo Intervista alla “pioniera” che racconta la luce

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Artissima 2019 Raffaello. Urbino ne celebra La ventiseiesima edizione il cinquecentenario dalla morte

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Il viaggio sperimentale di Emilio Isgrò. Alla Fondazione Cini

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Ferdinando Scianna Alla Casa dei Tre Oci

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Dietro le quinte La collezione Thannhauser Cosa si cela nei depositi museali?

L’avanguardia europea in mostra a Milano Gli occhi di Eve Arnold Semplicemente donne Gely Korzhev. L’arte radicale di un cuore ribelle Cina: la piramide di Qin Shi Huang e l’esercito di Terracotta Street Art. KOBRA celebra Introduzione ai Percorsi del mito Ayrton Senna al MAICC [13ª puntata]

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Over the Cover: Fu Wenjun Il vincitore del BIANCOSCURO Art Contest nella sezione “Graphic Art”

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biancoscuro r i v i s tA d ’ A r t e

36 ISSUE October/November 2019

Bimestrale di Arte, Cultura e Informazione

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Art Fair. Fiere ed esposizioni internazionali

Art Salzburg Contemporary. Dalla Bauhaus alla Street-Art

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Art Parma Fair - Autunno ‘19. I vincitori del BAC’19 insieme agli artisti BIANCOSCURO

Montreux Art Gallery. Nuovo appuntamento con l’Arte in Svizzera per BIANCOSCURO

Chester Art Fair. La fiera per artisti indipendenti leader nel Regno Unito

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Mattia Consonni. Nuovo progetto per il creatore di Musica per gli Occhi Annette Tan. Magiche ed emozionanti atmosfere Alessandro Danzini. La bellezza dei suoi luoghi La Toscana di Bernardo Bellotto. Quando realtà e ingegno si fondono

La donna protagonista. L’universo femminile in mostra a Viareggio

I Signorini e la loro Firenze. Celebrati nei Saloni storici del Piano Nobile di Palazzo Antinori

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Guy Harloff. Pittore e alchimista E dopo Carosello, tutti in mostra!

L’evoluzione della grafica pubblicitaria

In the middle of and... From the Alps. Merano Arte ospita la rassegna di oltre 100 pezzi di design

Ravenna capitale del mosaico. Al via la VI edizione della Biennale di Mosaico Contemporaneo

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Chuck Close. Dal selfie al mosaico Riccardo Zangelmi. Forever Young Vittorio Valente alla Showcases Gallery In esposizione Cellule e nuove forme Ha Chong-Hyun. La ridefinizione del linguaggio della pittura

Dove siamo, adesso? Vittorio Guida indaga il mondo contemporaneo

Sandra Vásquez de la Horra Nuova esposizione al Room

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SOLO: Luisa. Menazzi Moretti al MATA Tommaso Mori. Antiche tecniche per nuovi racconti 110

EDITORSHIP & GRAPHIC Liberementi viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.liberementi.it

CONTRIBUTORS Giuseppe Carnevale, Franco Crugnola, Vincenzo Chetta, Rebecca Delmenico, Flavio Ennante, Mario Gambatesa, Lucia Garnero, Daniela Malabaila, Rebecca Maniti, R.Molino, Ettore Tiretto.

PHOTOGRAPHERS Adele Arati, Luigi Caracappa, Vincenzo Chetta, Liberementi, Enrico Mangano, Isabella Rigamonti, Ruve Afanador, Bottallo, Mirko Colombo, Erich Dapunt, Anna Maconi, Ugo Mulas, Nini, Linda Nylind, Perottino, Piva, Marco Beck Peccoz, Marco Poma, Victoria Tomaschko, Emilio Tremolada, Andrea Valentini, Mathias Völzke, Matthieu Verdeil, Lothar Wolleh.

PUBLISHER Biancoscuro viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.biancoscuro.it

Printed on certified paper FSC® C147178 (www.fsc.org) SOCIAL NETWORK Facebook.com/BiancoscuroArtMagazine Instagram.com/BiancoscuroMag Twitter.com/BiancoscuroMag

Gino Severini a Firenze. Paesaggi e saltimbanchi

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EDITOR IN CHIEF Vincenzo Chetta

PRINTING Pixartprinting SpA Via 1° Maggio, 8 30020 Quarto d’Altino (VE)

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BI-MONTHLY OF ARTS, CULTURE AND INFORMATION

MANAGING EDITOR Daniela Malabaila

GrandArt 2019. Al “The Mall” Milano

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BIANCOSCURO Art Magazine

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The publisher is available for persons entitled for any iconographic sources. Manuscripts, photos or other materials even if unpublished are not given back. In addition to the signed articles, texts published on Biancoscuro Art Magazine are taken from the mentioned sources or text available l under the creative commons license. s Reg. Trib. Pavia n.4 of 21/1/2014.

ISSN 2385-1708 © BIANCOSCURO 2019. Reserved artistic and literary copyright. Reproduction in whole or parts is forbidden save with the written permission of the publisher.

BIANCOSCURO Rivista d’Arte NUMERO 36 ottobre/novembre 2019 BIMESTRALE DI ARTE, CULTURA E INFORMAZIONE DIRETTORE RESPONSABILE Vincenzo Chetta REDAZIONE & GRAFICA Liberementi viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.liberementi.it CAPOREDATTORE Daniela Malabaila COLLABORATORI Giuseppe Carnevale, Vincenzo Chetta, Franco Crugnola, Rebecca Delmenico, Flavio Ennante, Mario Gambatesa, Lucia Garnero, Rebecca Maniti, R.Molino, Ettore Tiretto.

FOTOGRAFI Adele Arati, Luigi Caracappa, Vincenzo Chetta, Liberementi, Enrico Mangano, Isabella Rigamonti, Ruve Afanador, Bottallo, Mirko Colombo, Erich Dapunt, Anna Maconi, Ugo Mulas, Nini, Linda Nylind, Perottino, Piva, Marco Beck Peccoz, Marco Poma, Victoria Tomaschko, Emilio Tremolada, Andrea Valentini, Mathias Völzke, Matthieu Verdeil, Lothar Wolleh.

EDITORE Biancoscuro viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.biancoscuro.it STAMPA Pixartprinting SpA Via 1° Maggio, 8 30020 Quarto d’Altino (VE) Stampato su carta certificata FSC® C147178 (www.fsc.org) SOCIAL NETWORK Facebook.com/BiancoscuroArtMagazine Instagram.com/BiancoscuroMag Twitter.com/BiancoscuroMag L’Editore è a disposizione degli aventi diritto per eventuali fonti iconografiche non individuate. Manoscritti, foto o altri materiali inviati alla redazione anche se non utilizzati non verranno restituiti. Oltre agli articoli firmati, i testi pubblicati su Biancoscuro Rivista d’Arte sono tratti dalle fonti citate oppure da testi disponibili l secondo le licenze creative commons. s Registrazione al Tribunale di Pavia n.4 del 21/1/2014.

ISSN 2385-1708 © BIANCOSCURO 2019. Tutti i diritti di produzione in qualsiasi forma, compresa la messa in rete, che non siano espressamente per fini personali o di studio sono riservati.

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l’Editoriale di Vincenzo Chetta

M

onte-Carlo, domenica 22 settembre. Si è appena conclusa la Cerimonia di Premiazione del BIANCOSCURO Art Contest 2019, tutta la rivista è pronta, mancano solo il mio editoriale e qualche immagine dell’evento per poter dare l’ok alla stampa. La Cerimonia è un impegno davvero importante, ma la sala piena ed i numerosi spettatori online durante la diretta su Facebook ci danno la giusta motivazione: il vostro seguito, per noi di BIANCOSCURO, è una grande soddisfazione, davvero!

Il consenso degli artisti e del pubblico ci fa capire in quale direzione andare. La strada dell’arte è difficile, impegnativa e comporta molti sacrifici: ci vuole molta costanza, solo così tutti gli sforzi saranno ricompensati. Dovremmo fare nostro questo atteggiamento umile, nella vita di tutti i giorni, ad ogni livello. I più grandi Artisti che ho avuto l’onore di conoscere, al sentirsi salutare “Buongiorno Maestro”, hanno sempre risposto di non essere ancora all’altezza

di tale titolo, eppure ne avevano tutte le carte. Su questo numero la copertina è dedicata a Nanda Vigo, fulgido esempio di semplicità, che nonostante il pesante curriculum e l’attiva presenza in musei, gallerie e collezioni private, ci ha accolto nel suo studio, nel suo mondo.

Una donna tenace, che ha dovuto scontrarsi con l’essere femmina in un mondo spesso troppo maschilista, che ha avuto l’intelligenza e la capacità di scegliere un Maestro, imparare dai suoi gesti ed ascoltare i suoi consigli. Lei stessa ci ha lasciato un consiglio per tutti gli artisti (in ogni caso basilare per tutte le professioni), per scoprirlo leggete l’intervista a pagina 34.

Con la Berlin Art Week, Art Salzburg e Art Zurich è ufficialmente iniziata la nuova stagione per le rassegne del settore; nei prossimi mesi BIANCOSCURO sarà presente anche a: GrandArt Milano, Art Parma, Art Verona, Arte Padova, Montreux Art Gallery e la magica Art BASEL MIAMI. Un autunno impegnativo, ma sicuramente ricco di soddisfazioni!

Buona lettura

Vincenzo Chetta

BIANCOSCURO Art Contest 21 settembre 2019 Cerimonia di premiazione a Monte-Carlo (Monaco) Ph. Enrico Mangano

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Natalia e le avanguardie La tradizione incontra l’innovazione di

Mario Gambatesa

“N

atalia Goncharova. Una donna e le avanguardie tra Gauguin, Matisse e Picasso”: è questo il titolo della mostra inaugurata lo scorso settembre 2019 a Palazzo Strozzi di Firenze e che sarà aperta al pubblico fino al 12 gennaio 2020.

La retrospettiva ripercorre la vita controcorrente della pittrice russa e la sua produzione artistica a confronto con capolavori di celebri artisti che sono stati per lei punti di riferimento. In una sor-

ta di viaggio tra Parigi e Mosca, le due città simbolo dell’artista, la mostra cercherà di sottolineare l’attitudine anticonformista di una donna che ha saputo vivere per l’arte creando un’originale fusione di tradizione e innovazione, Oriente e Occidente, rendendo la propria opera un esempio unico di sperimentazione tra stili e generi artistici. La mostra è curata da Ludovica Sebregondi, Matthew Gale e Natalia Sidlina ed è promossa e organizzata da Fondazione Palazzo Strozzi e Tate Modern di Londra, con la collaborazione dell’Ateneum Art

Museum di Helsinki. Il percorso ospita 130 opere, in prestito da importanti collezioni e istituti internazionali: da musei russi quali la Galleria Tretyakov e il Museo Statale Russo di San Pietroburgo, e dalle collezioni della Tate, della National Gallery, della Estorick Collection e del Victoria and Albert Museum di Londra.

Natalia è stata una delle principali artiste dell’avanguardia russa, attiva come pittrice, costumista, illustratrice, grafica, scenografa, decoratrice, stilista, ma anche come attrice cinematografica e ballerina e performing Natalia Goncharova nella casa parigina di rue Jacques Callot 16, 1918- 1919 circa Mosca, Galleria Statale Tretyakov

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Umberto Boccioni - Studio per Dinamismo di un ciclista 1913, inchiostro nero a penna, su carta, 150x243 mm. Milano, Civico Gabinetto dei Disegni del Castello Sforzesco, inv. 824 B 308

Natalia Goncharova Modella (su sfondo blu), 1909-1910, olio su tela, 111x87 cm. Mosca, Galleria Statale Tretyakov, ZH-1633. Lascito di A.K. Larionova Tomilina, Parigi 1989 © Natalia Goncharova, by SIAE 2019

artist ante litteram. Inoltre è stata la prima figura femminile a essersi imposta nel panorama internazionale, chiamata a partecipare alle principali mostre dell’avanguardia europea, tra l’altro al Blaue Reiter a Monaco, a cui viene invitata da Kandinsky, all’Erste Deutsche Herbstsalon presso la Galerie Der Sturm di Berlino e alla mostra dei post-impressionisti a Londra. Natalia ha unito in maniera fortemente personale elementi iconici della tradizione popolare e religiosa russa alle istanze dell’arte moderna occidentale, passando attraverso il periodo eroico del primo Novecento, quello della Grande Guerra e della Parigi degli anni Venti. Natalia

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NATALIA GONCHAROVA A Woman of the Avant-garde with Gauguin, Matisse and Picasso

Palazzo Strozzi, Firenze September 28, 2019 - January 12, 2020

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Henri Matisse (Le Cateau-Cambrésis 1869-Nizza 1954) Nudo in piedi 1907, olio su tela, 92,1x64,8 cm. Londra, Tate, T00368 © Tate, London 2019 © Succession H. Matisse, by SIAE 2019 Natalia Goncharova Aeroplano su treno, 1913, olio su tela, 55,9x84,8 cm. Repubblica dello Tartastan, Museo statale di Belle Arti della Repubblica dello Tartastan, ZH-1243 © Natalia Goncharova, by SIAE 2019

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he challenge facing the Fondazione from the outset has been to bring international quality exhibition and cultural events to Florence and Tuscany. On the palazzo’s Piano Nobile and in the Strozzina area the Fondazione organises art exhibitions ranging from the art of the ancient world via the Renaissance to the modern and contemporary era.

Palazzo Strozzi celebrates Natalia Goncharova, a leading female artist of the 20th century, in a major retrospective.

The exhibition will explore her unconventional life and career, presenting her rich and multifaceted artistic output with masterpieces from major international collections by celebrated artists including Gauguin, Matisse, Picasso, Balla and Boccioni.

Taking visitors on a journey from the

Russian countryside to Moscow and Paris, two of the most important cities to Natalia, the exhibition features 130 artworks and gives an account of the unorthodox life of a woman who lived for her art and successfully forged her own unique fusion of tradition and innovation, of East and West, making her own work a unique example of experimentation with artistic genres and styles ranging from New-Primitivism to Rayonisme, painting and graphic art to her work for the theatre. The exhibition is promoted and organised by Fondazione Palazzo Strozzi and Tate Modern, London, in collaboration with Ateneum Art Museum, Helsinki. With the support of Comune di Firenze, Regione Toscana, Camera di Commercio di Firenze. With the contribution by Fondazione Cassa di Risparmio di Firenze. s l

A destra: Paul Gauguin (Paris 1848-Hiva Oa 1903) Ciotola di frutta e boccale davanti a una finestra 1890 circa, olio su tela, 50,8x61,6 cm.

Londra, National Gallery, NG6609.

Lascito di Simon Sainsbury, 2006. © The National Gallery, London

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biancoscuro [1]

NATALIA GONCHAROVA

Goncharova nasce nel 1881 nella Russia centrale, trasferitasi a Mosca con la famiglia, si forma alla scuola di pittura, scultura e architettura ponendosi in dialogo con quanto sta avvenendo a Parigi, allora capitale mondiale dell’arte, dove espone già nel 1906.

Diventa figura centrale dell’avanguardia ed è presente a tutte le mostre dei movimenti artistici più innovativi in Russia, a Monaco di Baviera, Londra e Berlino.

Dal 1913 si dedica alla scenografia e alla realizzazione di costumi teatrali per i Ballets Russes di Serge Diaghilev, trasferendosi definitivamente a Parigi.

La mostra permette di raccontare la straordinaria vivacità di un’artista originale e innovativa dallo spirito anticonformista, così tenace da essere stata, in Russia, la prima donna a dipingere nudi, a essere colpita dalla censura per opere a tema religioso, a esibirsi nei cabaret, a mostrarsi nei luoghi più eleganti di Mosca con il volto decorato: una vera e l propria eroina del suo tempo! s

Una donna e le avanguardie, tra Gauguin, Matisse e Picasso 28 settembre 2019 - 12 gennaio 2020 Palazzo Strozzi, Firenze INFO T. +39 055 2645155 info@palazzostrozzi.org Tutti i giorni 10.00 - 20.00 Giovedì 10.00 - 23.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.palazzostrozzi.org

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[1] Paul Cézanne (Aix-en-Provence 1839-1906) Il giardiniere Vallier 1906 circa, olio su tela, 65,4x54,9 cm. Londra, Tate, N04724 © Tate, London 2019 [2] Mikhail Larionov (Tiraspol 1881-Fontenayaux-Roses 1964) Ritratto di Natalia Goncharova 1907, olio su tela, 60x50 cm.

Collezione V. Tsarenkov © Mikhail Larionov, by SIAE 2019 [3] Pablo Picasso (Malaga 1881-Mougins 1973) Busto di donna 1909, olio su tela, 72,7x60 cm.

Londra, Tate, N05915 © Tate, London 2019 © Succession Picasso, by SIAE 2019

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[4] Mikhail Larionov Ritratto di Natalia Goncharova, 1915, tecnica mista su tela, 99x85 cm. Mosca, Galleria Statale Tretyakov, GR-2451.

Dono di V. Moritz, 1961, Mosca © Mikhail Larionov, by SIAE 2019

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Art Nouveau a Torino La Reggia di Venaria ospita lo stile “moderno e urbano” di

Lucia Garnero

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Georges de Feure - Affiche pour la 5e exposition du Salon des Cent 1894, litografia a colori, 65x42,7 cm. Gretha Arwas Collection, Londra (UK), © Arwas Archives

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naugurata il 17 aprile, sarà aperta al pubblico fino al 26 gennaio 2020, la mostra che narra la straordinaria fioritura artistica e culturale destinata a travolgere il gusto, tanto negli ambiti artistici, quanto nella nascente arte decorativa moderna, tra la fine dell’Ottocento e i primi anni del Novecento.

Con il patrocinio della Città di Torino, questo evento, ospitato nelle Sale dei Paggi della Reggia di Venaria, è prodotto e organizzato dal Consorzio delle Residenze Reali Sabaude con Arthemisia. L’Art Nouveau, quale si viene a delineare come corrente internazionale, con l’obiettivo di scacciare le regole accademiche, si fonda sulla rottura con l’eclettismo e lo storicismo ottocenteschi e rappresenta la risposta moderna a una società in fortissimo mutamento, in cui le dinamiche della produzione e della fruizione, tanto dei beni di consumo, quanto delle manifestazioni artistiche, è destinata a mutare per sempre.

Il Modern Style, emerso in Belgio ed Inghilterra, diventa Tiffany negli Stati Uniti, Jugendstil in Germania, Sezession in Austria, Nieuwe Kunst nei Paesi Bassi, Liberty in Italia, Modernismo in Spagna e passa sotto il nome di Art Nouveau in Francia. Viene presentata per la prima volta in Italia nel 1902, proprio a Torino, all’epoca in forte espansione, con l’Esposizione internazionale di Arte Decorativa Moderna, dando così

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il via al Liberty nel nostro paese.

Si caratterizza, in ambito internazionale, quale arte della libertà che si affranca dalle convenzioni: le forme dell’accademismo si infrangono davanti a uno stile trasgressivo che fa dell’erotismo, del naturalismo, dell’esotismo e, in taluni casi, del simbolismo, i propri punti cardinali. Gli artisti francesi, quali Emile Gallé, Daum Frères, Alphonse Mucha, Louis Majorelle, René Lalique, Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec, Eugène Gaillard ne sono gli esponenti più rappresentativi.

Oggetto di esposizione un corpus di 200 opere provenienti dagli Arwas Archives, dalla Fondazione Arte Nova, dalla Collezione Rodolfo Caglia e da altri prestiti

di privati, a raccontare uno stile nuovo e decisamente moderno, dalle visionarie creazioni e dall’uso intensivo della linea curva. L’allestimento, reso possibile da alcune innovative soluzioni formali, con la riproduzione degli ambienti

A destra: Muller Frères - Lampe aux coquelicots 1900 ca., vetro, 67x29,5 (diametro) cm.

Gretha Arwas Collection, Londra (UK) © Arwas Archives A sinistra: Eugène Grasset, Extravangance 1897, litografia a colori, 134x47,5 cm.

Gretha Arwas Collection, Londra (UK) © Arwas Archives Sotto: Alfredo Muller, Les Paons 1903, litografia a colori, 68,5x158 cm.

Private collection, London

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campo di tutte le arti figurative tra la fine dell’Ottocento e gli inizi del Novecento. Come affermato da Katy Spurrell, curatrice della mostra: “Scopo dell’esposizione è restituire l’idea di un’epoca ricca e sfaccettata, mostrando le invenzioni degli artisti designer per gli ambienti e le decorazioni contemporanee, seguendo un percorso suddiviso per temi iconografici che possano illustrare le molteplici anime di un fenomeno complesso come quello di Art Nouveau anche in rapporto al Liberty italiano”. La prima sezione “Più Natura, più artificio” illustra il cambio di prospettiva dell’artista: nel dinamismo della vita moderna, il tessuto urbano stimola “l’interpretazione della natura che diventa il modello di

creazione per costruzioni e oggetti”; analogamente, le recenti scoperte scientifiche alimentano la rinnovata percezione di fusione tra umano e naturale, in forma di “vere e proprie metamorfosi dalla natura all’uomo e viceversa”.

La seconda sezione “La donna moderna” esplora l’approccio dell’artista Art Nouveau alla sfera sensuale, in cui compare, a protagonista indiscussa, la donna, la femme damnée. In tale contesto, all’insegna dell’emancipazione, si delinea una femminilità al di fuori dei canoni: immagini dalla carica erotica vengono proiettate su rappresentazioni idealizzate di cantanti o stelle del teatro come Sarah Bernhardt.

La terza sezione “Il Simbolismo”, evidenzia quanto l’arte e la letteThéophile Alexandre Steinlen - Le Chat noir 1898, litografia a colori, 93,2x64,4 cm. Private collection, London

abitativi della Parigi di inizio Novecento, illustra la vita quotidiana contemporanea e ricrea le atmosfere e il gusto dell’epoca. Proprio in tale ricostruzione storica, si colloca il racconto sulla riflessione intorno alle arti decorative di una ristretta élite di architetti, artisti e intellettuali che avviano la stagione del Liberty in Italia, a Torino in particolare, come linguaggio ornamentale, che si ispira alla natura e alla contemporaneità. L’esposizione è organizzata in 5 sezioni in cui “Art Nouveau. Il trionfo della bellezza” racconta gli sconvolgimenti nel

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BIANCOSCURO Alcune immagini del percorso espositivo

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ART NOUVEAU

Il trionfo della bellezza

17 aprile 2019 - 26 gennaio 2020 Reggia di Venaria, Venaria Reale INFO T. +39 011 4992333 prenotazioni@lavenariareale.it

dal 25 agosto al 13 ottobre 2019 Da martedì a venerdì 10.00 - 18.00 Sabato, domenica e festivi 10.00 - 19.30 dal 14 ottobre 2019 Da martedì a venerdì 9.00 - 17.00 Sabato, domenica e festivi 9.00 - 19.30 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.lavenaria.it

Alphonse Mucha - Job 1896, litografia a colori e doratura, 59x44,5 cm Gretha Arwas Collection, Londra (UK) © Arwas Archives

ratura simbolista penetrino nella sensibilità Art Nouveau: le neonate religioni alternative che si riflettono in immagini dagli aspetti mistici e, contemporaneamente, la diffusione delle teorie sull’inconscio si riversano in quanto formulato dagli artisti Art Nouveau.

La quarta sezione “Uno stile per tutti” ribadisce quanto, con l’Art Nouveau, nasca la figura dell’artista designer di arti decorative, capace di sfruttare tutti i nuovi mezzi che la tecnologia mette a disposizione, per affrancare l’oggetto sul mercato dall’essere prodotto d’uso di fattura artigianale e accedere alla produzione seriale, quale portatore di contenuti e si-

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gnificati artistici e formali. Nella quinta sezione “Dall’Art Nouveau al Liberty italiano” emerge la differenza tra l’Art Nouveau francese e il Liberty italiano: con l’esposizione del 1902 a Torino, si inaugura la crescita del movimento in ambito italiano, che prosegue fino alla prima guerra mondiale. Il tema della natura in Italia si salda, in tale ambito, con la lunga tradizione del tema floreale coltivata dagli ebanisti-intagliatori e dai ceramisti.

All’appuntamento del 1902 sono infatti presenti gli arredi di Basile, Bugatti, Quarti, Zen e le ceramiche di Chini. Una mostra da non perdere, per un tuffo nel delil cato mondo dell’Art Nouveau. s

Daum Frères - Vase camée 1900 ca., vetro con montatura d’argento 22,5x12 (diametro) cm.

Private collection, London

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biancoscuro

Nel segno del XX secolo La Collezione di Alberto Della Ragione di Ettore Tiretto

Sotto: Egon Schiele - Ragazza in piedi con vestito verde e fiocco rosso a910 Roma, Galleria Nazionale d’arte moderna e contemporanea

U

ltime settimane per ammirare la mostra “Nel Novecento. Da Modigliani a Schiele da De Chirico a Licini”, al Museo Novecento di Firenze, aperta al pubblico fino al 17 ottobre, è stata resa possibile grazie

a Leo France.

L’esposizione è curata da Saretto Cincinelli e Stefano Marson e vede protagonisti i disegni di artisti italiani e stranieri del XX secolo di proprietà della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma. L’intera collezione è composta da trecimila fogli: la selezione ammirabile in mostra (42 disegni) vuole mettere in dialogo i due musei, partendo dalla presenza nel Museo Novecento di Firenze della Collezione di Alberto Della Ragione.

Nelle raccolte grafiche della Galleria Nazionale sono stati rintracciati proprio i disegni degli stessi artisti collezionati dall’ingegnere, come Giorgio de Chirico, Filippo De Pisis, Renato Guttuso, Osvaldo Licini, Mario Mafai, Giorgio Morandi, Enrico Prampolini e Mario Sironi. Lungo il percorso espositivo conosciamo la Collezione e la sua composizione, le acquisizioni e le cessioni, seguendo il destino di opere come la celebre

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NEL NOVECENTO

da Modigliani a Schiele, da De Chirico a Licini 12 luglio - 17 ottobre 2019

Museo Novecento, Firenze INFO T. +39 055 286132 info@muse.comune.fi.it Da lunedì a domenica 11.00 - 19.00 Giovedì 11.00 - 14.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.museonovecento.it

“Crocifissione” di Guttuso: acquistata da Alberto Della Ragione, poi restituita all’artista ed in seguito da questi donata alla Galleria Nazionale di Roma.

Telemaco Signorini è scelto per ricordare l’iniziale passione dell’ingegnere per i pittori macchiaioli, con l’acquisto di opere dello stesso Signorini, di Fattori e Silvestro Lega, poi rivendute. Tre preziosi disegni di Amedeo Modigliani rievocano il celebre autoritratto del 1919 “Oggi a San Paolo in Brasile” posseduto dal collezionista per molti anni e poi anche questo ceduto, mentre Oscar Kocoschka ricorda come Della Ragione fosse interessato anche all’Espressionismo tedesco, facendo includere opere di Egon Schiele, Otto

Dix, George Grosz e Ludwig Kirchner.

Di questi ultimi due artisti sono presenti alcuni disegni che, assieme a quello di Kocoschka, furono requisiti dai nazisti a importanti musei tedeschi per essere esposti alla celebre “Mostra dell’arte degenerata” di Monaco di Baviera del 1937, quindi riacquistati e salvati dal pittore Emanuel Fohn e infine donati dalla moglie nel 1967 alla Galleria Nazionale, su richiesta di Palma Bucarelli allora direttrice del Museo.

Presente in esposizione anche un disegno di Gustav Klimt che si ricollega alla conoscenza delle opere dell’artista viennese fatta da Arturo Martini e Felice Casorati, due tra gli artisti più amati da Alberto Della Ragione, che ebbero modo di trarre ispirazione dal lavoro del maestro in occasione della Biennale di Venezia del 1910.

L’intero percorso è ricco di collegamenti, sia all’interno della mostra sia fra le tre collezioni, interessante visione in dil segno del gusto e del valore dell’Arte. s

In alto: panoramica di una sala della mostra al Museo Novecento di Firenze [1] A sinistra: Amedeo Modigliani Il gendarme 1913-1915, Roma, Galleria Nazionale d’arte moderna e contemporanea [2] Grosz George - Scena di strada 1921, Roma, Galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea

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[3] Ludwig Hernest Kirchner_sterne (Stella della strada) 1912, Roma, Galleria Nazionale d’arte moderna e contemporanea

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Raffaello

Urbino ne celebra il cinquecentenario dalla morte di Rebecca Maniti

In alto a destra: Girolamo Genga Madonna col Bambino e i Santi Giovannino e Antonio da Padova Siena, Pinacoteca Nazionale In basso: Raffaello - Ritratto di Gentildonna detta La Muta tavola, 64x48 cm.

Urbino, Galleria Nazionale delle Marche

R

affaello nacque nel 1483 a Urbino, città con una politica culturale molto viva, accogliente verso gli artisti ed i letterati. Il suo genio tura e cultura che gli consentì di diventatrovò ad Urbino quell’ambiente di col- re quello che poi è stato, respirando arte fin da subito nella attivissima bottega del padre Giovanni Santi.

La città marchigiana, intimamente legata alla figura del Sanzio, ne celebra il cinquecentenario della morte con una serie di manifestazioni che vedono il loro fulcro nelle attività messe in atto dalla Galleria Nazionale delle Marche presso il Palazzo Ducale di Urbino.

“Raffaello e gli amici di Urbino” è promossa ed organizzata dal Polo Museale delle Marche, diretto da Peter Aufreiter, con la collaborazione del Comune di Urbino e della Regione Marche, ed è curata da Barbara Agosti e Silvia Ginzburg.

La mostra vuole raccontare il legame tra Raffaello e la sua città di origine, un legame duraturo che si prolungò ben oltre la presenza di Raffaello in città. Spiega il RAFFAELLO E GLI AMICI DI URBINO

03 ottobre 2019 - 19 gennaio 2020 Galleria Nazionale delle Marche - Palazzo Ducale, Urbino INFO T. +39 0722 322625 Lunedì 08.30 - 14.00 Da martedì a domenica 8.30 - 19.15 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.gallerianazionalemarche.it

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Direttore Aufreiter: “Indaga e racconta, per la prima volta in modo così compiuto, il mondo delle relazioni di Raffaello con un gruppo di artisti operosi a Urbino che accompagnarono (in dialogo, ma da posizioni e con stature diverse) la sua transizione verso la maniera moderna e i suoi sviluppi stilistici, durante la memorabile stagione romana”.

La rassegna espositiva è anche occasione di misurare la grande trasformazione che coinvolse tutta la cultura figurativa italiana nel passaggio tra il Quattro ed il Cinquecento. Le iniziative poste in atto nella ricorrenza dell’anno di Raffaello lasceranno un segno duraturo nell’assetto della Galleria Nazionale delle Marche, con nuovi allestimenti di alcuni spazi della stessa e l’esposizione delle nuove acquisizioni.“Raffaello e gli amici di Urbino”, aperta al pubblico sino al 19 gennaio del prossimo anno, sarà occasione anche per scoprire i nuovi percorsi della Gall leria Nazionale delle Marche. s

Perugino - Ritratto del monaco Baldassarre tavola, 26x27 cm. Firenze, Galleria dell’Accademia Inv. 1890 N. 8376

Fiorella Manzini fiorellamanzini@libero.it - www.fiorellamanzini.it

Ventata di primavera - 2017 - 70x90 cm.

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“... Le sue opere, libere e sintetiche perché fatte di gesto e colore, rimandano a visioni reali e concrete, a spazi cosmici inondati di luce.”

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Il viaggio sperimentale di Emilio Isgrò Il padre di tutte le cancellature alla Fondazione Cini di

Daniela Malabaila

S

i è aperta, il 14 settembre scorso, la nuova stagione autunnale alla Fondazione Giorgio Cini che, per l’occasione, presenta una ricca antologica dedicata ad un grande artista italiano: Emilio Isgrò, pittore e poeta, ma anche romanziere,

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drammaturgo e regista. Iniziatore delle “cancellature” di testi applicate su enciclopedie, manoscritti, libri, mappe e anche su pellicole cinematografiche, Isgrò ha fatto di questa pratica il perno di tutta la sua ricerca.

La mostra, a cura di Germano Celant, è organizzata con Archi-

vio Emilio Isgrò; copre tutti i periodi creativi dell’artista proponendo opere dagli anni Sessanta ad oggi e sarà disponibile al pubblico solo fino al 24 novembre prossimo. L’esposizione è una delle più complete, si parte infatti dalle prime cancellature del 1964, e si continua con le poesie visuali su tele emulsionate e le Storie rosse, fino ad arrivare ai testi cancellati nei volumi storici de L’Enciclopedia Treccani (1970) e a quelli etnici dei Codici ottomani del 2010. Lungo il percorso espositivo possiamo ammirare opere come “Il Cristo cancellatore” (installazione composta di 38 volumi proveniente dal Centre Pompidou di Parigi) e la monumentale carta geografica cancellata “Weltanschauung” (lunga 9 metri, prestito del Centro d’Arte Contemporanea Luigi Pecci di Prato), oltre a quattro preziose opere dalla Collezione Gallerie d’Italia, “Poesia Volkswagen” del 1964 dal Centro Studi e Archivio della Comunicazione di Parma, la Storia rossa “La corsa di Alma” del 1969, dal Museo Civico Giovanni Fattori di Livorno ed il “Corpus Iustinianeum” cancellato in sei volumi, del 2018.

In questo allestimento fa sicura[1] Emilio Isgrò - Codice ottomano delle tempeste, 2010, acrilico su libro in box di legno e plexiglass, 57,5x82,5x13 cm.

[2] Emilio Isgrò - Codice ottomano della solitudine, 2010, acrilico su libro in box di legno e plexiglass, 57,5x82,5x13 cm.

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“

Ci vuole una crescita generale e l’arte può rappresentare la punta di diamante, può aiutare a risvegliare energie sopite: se abbiamo una cattiva politica sopravviviamo, se abbiamo una cattiva arte siamo destinati a sparire.

”

Emilio Isgrò

In alto: Emilio Isgrò - Nebbie planetarie 2016, acrilico su mappamondo, 62x44x44 cm.

A destra: Emilio Isgrò - Giacomo Puccini 2014, acrilico su tela, 260x160 cm.

mente la differenza la location; le sale dell’Ala Napoleonica della Fondazione sono state modificate con l’aggiunta di pareti trasversali e diagonali a spezzare e modificare lo spazio: l’effetto ricreato ci fa entrare in un grande libro, supporto per le opere di cancellatura di Emilio Isgrò sul testo Moby Dick di Herman Melville.

Lui stesso spiega questa scelta: “Il tema che affronto per questa mostra alla Fondazione Cini di Venezia, città dove nel 1964 nacquero le prime cancellature, non può che essere quello del linguaggio. Per questo mi è parso necessario ricorrere alla tradizione biblica filtrata dal Moby Dick, il meraviglioso romanzo di Melville.

Sarà l’opera cancellata di Melville a contenere quindi tutte le altre e chi entra alla mostra si lascerà accompagnare nel ventre della balena, ovvero il ventre del linguaggio mediatico che copre con il rumore il proprio reale e disperante silenzio”. L’antologica

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è accompagnata da un volume edito da Treccani, che include, oltre a pagine cancellate dal Moby Dick e ad un’intervista tra l’artista e il curatore, un’ampia cronologia illustrata che approfondisce e documenta il percorso personale e l professionale di Isgrò. s A destra: Emilio Isgrò Dichiaro di non essere San Giorgio 2012, acrilico su tela, 79x56 cm.

Sotto: Emilio Isgrò Il Cristo cancellatore 1968, china su libro tipografico in box di legno e plexiglass. Installazione per 38 elementi, 34x50 cad. Collezione Centre George Pompidou

EMILIO ISGRÒ

14 settembre - 24 novembre 2019 Fondazione Giorgio Cini, Venezia INFO T. +39 041 2710229 Da giovedì a martedì 11.00 - 19.00 Chiuso il mercoledì Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.cini.it

Sotto: Ritratto di Emilio Isgrò marzo 2019 Ph. Andrea Valentini

Antonio

ARTE taziarte@gmail.com 28

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la versione o PDFtela su https://artshop.biancoscuro.it A.Arte - La collanaOrdina - 1987 - cartacea olio su - 50x70 cm.

Guido

Mannini M e t a m o r p h o s i s

SGUARDO - olio su tela, 70x70 cm.

CAROVANA DEL SALE - olio su tela, 200x50 cm.

www.manniniguido.com mannini.guido@gmail.com Guido Mannini guido_mannini

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La collezione Thannhauser L’avanguardia europea in mostra a Milano di Mario

Gambatesa

Pablo Picasso - Aragosta e gatto (Le homard et le chat) Mougins, 11 gennaio 1965, olio e smalto (est.) su tela, 73x92,1 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York Thannhauser Collection, Lascito Hilde Thannhauser 91.3916 © Succession Picasso, by SIAE 2019

L

a mostra “Guggenheim. La collezione Thannhauser, da Van Gogh a Picasso” in programma a Palazzo Reale a Milano, dal 17 ottobre 2019 al 9 febbraio 2020, presenterà circa cinquanta capolavori dei grandi maestri dell’arte impressionista, post-impressionista e delle avanguardie dei

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primi del Novecento. Nel 1963 il mercante d’arte tedesco Justin K. Thannhauser, dopo aver contribuito allo sviluppo e alla diffusione dell’arte moderna in Europa e negli Stati Uniti, annuncia il lascito della sua collezione privata al Guggenheim di New York. Questi cento anni di storia dell’arte verranno incrementati successivamente da Hilde Than-

nhauser, la vedova di Justin, con ulteriori donazioni al Museo nel 1984 e nel 1991.

L’esposizione promossa dal Comune di Milano Cultura, Palazzo Reale, è prodotta da MondoMostre Skira, organizzata in collaborazione con The Solomon R. Guggenheim Foundation di New York.

Tra le opere presentate a Milano troviamo due dipinti di Pier-

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re-Auguste Renoir: “Donna con pappagallino” e “Natura morta: fiori”; quattro dipinti di Georges Braque, tra cui “Paesaggio vicino ad Anversa”, “Chitarra, bicchiere e piatto di frutta su un buffet”, “Teiera su fondo giallo” (appartenuti a Thannhauser) a confronto con “Natura morta” (di proprietà del Guggenheim).

Di Paul Cézanne sono esposte sei opere, i due paesaggi “Dintorni del Jas de Bouffan” e il magnifico “Bibémus”, luoghi nei dintorni della Montagna Sainte-Victoire (dove l’artista aveva affittato un capanno per dipingere in solitudine usando i colori della Provenza) e le due nature morte, “Fiasco,

bicchiere e vasellame” e “Piatto di pesche” messi a confronto con un altro paesaggio e al celebre “Uomo con le braccia incrociate” (quest’ultima fu la prima opera di Cézanne acquisita dal Guggenheim nel 1954, che fece all’epoca molto scalpore per il prezzo pagato: ben 97.000 dollari).

Di Edgar Degas troviamo tre sculture in bronzo, di Paul Gau-

Édouard Manet Davanti allo specchio (Devant la glace) 1876 , olio su tela, 92,1x71,4 cm.

Solomon R. Guggenheim Museum, New York Thannhauser Collection, Gift, Justin K. Thannhauser 78.2514.27 © Solomon R. Guggenheim Foundation New York (SRGF)

Vincent van Gogh - Montagne a Saint-Rémy (Montagnes à Saint-Rémy) Saint-Rémy-de-Provence, luglio 1889, olio su tela, 72,8×92 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York Thannhauser Collection, Gift, Justin K. Thannhauser 78.2514.24 © Solomon R. Guggenheim Foundation, New York (SRGF)

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Henri Rousseau I giocatori di football (Les joueurs de football) 1908, olio su tela, 100,3x80,3 cm.

Solomon R. Guggenheim Museum, New York 60.1583 © Solomon R. Guggenheim Foundation, New York (SRGF)

guin invece si può ammirare il paesaggio “Haere Mai” del 1891, dipinto a Tahiti. Edouard Manet: “Davanti allo specchio” è uno dei dipinti più importanti della collezione, al suo fianco troviamo “Donna col vestito a righe”.

Di Claude Monet è esposto il bellissimo paesaggio italiano, “Il Palazzo Ducale a Venezia visto da San Giorgio Maggiore”, donato al Guggenheim da Hilde Thannhauser. Di Vincent Van Gogh troviamo “Le viaduc”, “Paesaggio innevato” e “Montagne a SaintRémy”. Di Pablo Picasso tro-

viamo in mostra tredici opere, si va dal 1900 al 1965, tra le quali “L’aragosta e il gatto” del 1965 (curiosità: essendo il regalo di nozze riporta una dedica dell’artista al suo amico Thannhauser).

Oltre a dipinti, sculture e opere su carta, la mostra comprende materiale d’archivio che va dai cataloghi alle fotografie storiche, documentando ulteriormente l’impegno della famiglia Thannhauser nei confronti di alcuni degli artisti, collezionisti e mercanti d’arte della sua epoca, ancora in fase pionieristica. La mostra è l’occasione unica per ammirare qui in Italia un susseguirsi di opere che hanno fatto la storia e di comprendere a pieno il ruolo dei Thannhauser nella difesa e promozione degli artisti di avanguardia europei durante l oltre mezzo secolo. s Pierre-Auguste Renoir Donna con pappagallino (La femme à la perruche) 1871, olio su tela, 92,6x65,4 cm.

Solomon R. Guggenheim Museum, New York Thannhauser Collection, Gift, Justin K. Thannhauser 78.2514.68 © Solomon R. Guggenheim Foundation New York (SRGF)

GUGGENHEIM

La collezione Thannhauser.

Da Van Gogh a Picasso 17 ottobre 2019 - 01 marzo 2020 Palazzo Reale, Milano INFO T. +39 02 92897755 Lunedì 14.30 - 19.30 Martedì, mercoledì, venerdì e domenica 9.30 - 19.30 Giovedì e sabato 9.30 - 22.30 Venerdì 1 novembre 9.30 – 19.30 Sabato 7 dicembre 9.30 – 22.30 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.mostraguggenheimmilano.it

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Tina Lupo

“Fata Rex” - 2013 - tela, 75x102 cm.

tinaluposcultore@libero.it

www.kultrunmuseum.it

Daniela FABBRI

BLACK HOLE - acrilico su tela - 2018 - 80x80 cm.

danielafabbri.62@outlook.it Daniela Fabbri

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Nanda Vigo Intervista alla “pioniera”che racconta la luce di Vincenzo Chetta

“

Io preferisco viaggiare sull’astronave Enterprise e svolgere il mio lavoro di archeologia spaziale

F

igura leggendaria dell'arte e del design d'avanguardia, Nanda Vigo si racconta ai lettori di BIANCOSCURO, spiegando come nasce e cosa racconta “Light Project”, la sua ultima retrospettiva a Palazzo Reale.

Ispirata dalla forza dei simboli geometrici e dalle infinite potenzialità della luce, ha lavorato tutta la vita sul rapporto tra luce, spazio e forme. Fondamentale anche il suo contributo all’attività del Gruppo Zero di cui curò, nel 1965, la mostra “ZERO avantgarde” presso lo studio di Fontana.

Siamo andati a trovarla nel suo studio a Milano, qui a seguire le sue parole ed i suoi fantastici aneddoti.

”

Nanda Vigo

Vincenzo Chetta: Buongiorno Nanda, la ringrazio per avermi accolto qui nel suo studio. Tutto il suo lavoro ha riguardato, e riguarda ancora, i conflitti e le armonie tra la luce e lo spazio: da dove arriva questa intuizione?

Nanda Vigo: Buongiorno Vincenzo, ecco, da bambina, passeggiando con i miei genitori a Como, siamo arrivati davanti alla Casa del Fascio di Giuseppe Terragni: in quel momento sono stata colpita dalla bellezza. In particolare, guardavo la luce che filtrava dal vetrocemento, un materiale molto innovativo per l’epoca.

Sono rimasta proprio abbagliata!

Quell’immagine della bellezza l’ho inserita nel mio subconscio e poi,

quando ho iniziato gli studi artistici, piano piano è maturata: quella luce è diventata importantissima per tutto il mio lavoro e per la mia ricerca.

V.C.: Le sue opere riprendono i segni elementari dell’alfabeto cosmogonico, come mai?

N.V.: È l’alfabeto più antico dei popoli della Terra. Hanno scoperto qualcosa al riguardo in Asia centrale, è il primissimo esempio di scrittura. Sono elementi semplicissimi, ad esempio il quadrato rappresenta la terra e il triangolo il cielo: questa geometria è proprio alla base generale di tutto, sono le stesse forme che si trovano, ad esempio, nella Piramide di Cheope.

V.C.: È stato difficile per lei, in Sullo sfondo: (on background:)

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“Lights Forever”, Deep Space BIANCOSCURO 2013, installation view, Galleria Allegra Ravizza,

RIVISTA d’ARTE

Lugano. © Ph.Emilio Tremolada Ordina210x103,5x33,5 la versione cartacea o PDFcm. su https://artshop.biancoscuro.it

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quanto donna, mettersi in viaggio sulla strada dell’arte?

N.V.: Prima di tutto devo ammettere che io lavoravo tranquillamente senza mai essermi resa conto che ci dovesse essere una differenza tra uomo e donna nel campo professionale. Mi sono scontrata con questa realtà quando mi innamorai di Piero Manzoni: un disastro per me dato che non accettava che io lavorassi. Ai tempi ero appena tornata da uno stage a San Francisco, neo laureata, avevo una gran voglia di far vedere cosa avevo imparato e volevo mettermi in gioco, logicamente scontrarmi con lui ha reso tutto molto difficile. Eravamo talmente testardi e fermi sulle nostre rispettive posizioni, da mandare a monte il matrimonio pur di non cedere, o per lo meno, pur di far anche solo credere all’altro l’accettazione di un compromesso. In quel frangente la posta in gioco era il mio studio, avrei dovuto chiuderlo per essere sua moglie: non ho accettato.

V.C.: Lei è stata amica e collaboratrice di celebri artisti del Novecento. Può parlarcene?

N.V.: Nella scuola degli anni ‘60 non veniva insegnato quello che avremmo voluto conoscere, il programma non arrivava neanche a Sironi, tanto per prendere un punto di riferimento.

Ciascuno di noi doveva avere la volontà di cercare e studiare autonomamente. Io avevo già letto il Manifesto Blanco e ne ero rimasta molto impressionata; dando un occhio in giro sono arrivata a bussare alla porta di Lucio Fontana. Lui con i giovani era sempre gentilissimo e molto disponibile, e mi accolse subito. Chiacchierando però non mi lasciò stare lì con le mani in mano, e in poco tempo diventai come il “ragazzino di bottega” di Fontana. Per me è stata la più grande apertura che potessi avere, perché mi sono resa conto che, indi-

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pendentemente dal fatto che fossi donna, la mia direzione di lavoro non era per niente sbagliata. Sai, quando vedi che nessuno la pensa come te, nessuno viene nella tua direzione, inizi a pensare di non essere nel giusto, ma accanto a Fontana a capito che stavo percorrendo la strada corretta.

Per la stessa ragione sono diventata amica di Gio Ponti, perché era l’unico personaggio vivente impegnato a lavorare su tutti i fronti: dal design all’architettura all’arte. Con lui ho avuto

anche la possibilità di comprendere il discorso in toto, di come arte, architettura e design, fossero tutt’uno in stretto collegamento, a ulteriore conferma della mia ricerca. Nel frattempo tutti i miei coetanei mi prendevano in giro per queste collaborazioni, ricordo ancora alcuni commenti: “Ma cosa fai con quelle persone...”, “Ponti è soltanto un eclettico!”, mai affermazione fu più sbagliata, infatti dico sempre che Ponti era un architetto a 390 gradi, perché era come avesse già visto tutto lo sviluppo che poteva avvenire e poteva dunque andare anche oltre. Tutti loro sono stati importanti per me e per l’evoluzione del mio lavoro.

V.C.: Lei ha fatto parte del “Gruppo Zero”: in che cosa consisteva, secondo lei, la vera novità di quel movimento?

N.V.: Innanzitutto la rottura totale

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col passato. “Ripartiamo da zero”, tant’è vero che il simbolo era un razzo spaziale, con tanto di countdown: 3, 2, 1 … 0! Il discorso era talmente aperto all’inizio, nel 1959, c’erano tantissime correnti che partecipavano alle mostre, anche in contrasto con le nostre ricerche. Ma la cosa bellissima era che questo fenomeno si sviluppò contemporaneamente in tutta Europa. Tutti contemporaneamente hanno espresso l’esigenza di questa ricerca, poi sfociata nel Movimento Zero. Durante la famosa mostra a Zagabria nel 1961, dove c’erano praticamente tutti, c’è stata

la grande rottura dei gruppi e il Movimento Zero si è mantenuto sulla ricerca fondamentale di Otto Piene.

V.C.: Crede sia possibile oggi parlare di avanguardie?

N.V.: No. Non è possibile oggi parlare di avanguardie, perché non esistono, non ve n’è accenno alcuno.

V.C.: Quali opere le piacciono di più, e a quali si sente invece maggiormente legata?

N.V.: Mi piace molto il lavoro di Jan Fabre, di cui sono anche amica... Purtroppo non c’è molto altro nella scena attuale. Naturalmente la mia affezione va alle opere di Lucio Fontana, tutte.

V.C.: Qual è invece il progetto architettonico che le è rimasto nel cuore?

N.V.: Il lavoro che ho fatto con Gio Ponti che si intitola “Lo scarabeo sotto la foglia”: una casa che lui aveva progettato e che la rivista “Domus” aveva offerto a chi la volesse costruire.

Un imprenditore vicentino che conoscevo si era proposto come committente, ma la divisione degli spazi interni non era funzionale per lui e la sua famiglia, in quanto pensata

come una casa vacanze in cui stare solamente nei momenti di riposo, e non come abitazione quotidiana per due adulti e due bambini. Sapeva che io ero amica di Gio Ponti, e mi chiese di domandargli se potevo occuparmi io della ri-progettazione interna. Lui ne fu felicissimo, ma rimaneva il fatto che io ero molto giovane e portavo verso il Gio un profondo rispetto, nonostante l’amicizia che ci legava. La situazione era molto difficile, non sapevo se fosse meglio rimanere sul suo stile o se decidere di testa mia, così gli portai a vedere una pila di bozze di progetti per fargli scegliere quello da proporre. Non li guardò neanche, mi disse di mostrargli il lavoro solo quando fosse stato realizzato: un bel rischio! Per fortuna poi gli piacque moltissimo. É stato davvero bello il rapporto che ho avuto con lui, è uno dei momenti della mia vita al quale sono più affezionata.

V.C.: É davvero bello avere dei ricordi così piacevoli, e aver lavorato con persone così aperte e stimolanti. Parliamo ora della mostra in corso a Palazzo Reale, come nasce e cosa racconta “Li-

Sopra: (Above:) “Global Chronotopic Experience”, 2017, Spazio San Celso, Milano. Ph.Marco Poma

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A sinistra: (On the left) Ambiente Cronotopico, Eurodomus, Torino, 1968. Ph. Ugo Mulas

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ght Project”?

N.V.: Questa mostra l’ho reclamata a gran voce, non mi sorprende: è da sempre che devo fare più fatica degli altri. Dietro il percorso di questa mostra c’è la mia storia personale, “Light Project” è la cronologia di tutto il mio lavoro sulla luce, partendo dalle prime ricerche fino agli ultimi lavori. Sia negli interni delle abitazioni che nelle opere, ho sempre voluto risolvere tutto con materiali riflettenti (vetro, specchio, alluminio, acciaio) per creare delle false prospettive che potessero indurre lo spettatore ad entrare dentro e sentirsi lui stesso parte dell’opera. Il progetto della “Sala degli Specchi” nasce dalla volontà di un cliente al quale sarebbe piaciuto avere un mio lavoro tutto attorno a lui: ed ecco la “Global Chronotopic Experience”.

L’ambiente cronotopico racchiude i discorsi sullo spazio e sul tempo che ho voluto portare avanti. Con l’aggiunta delle luci, naturali o artificiali, ho sempre cercato la riflessione, dando l’idea di uno spazio che non finisce nella cornice di un quadro, ma continua all’infinito, anche dentro noi stessi. Ho sempre

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sviluppato la mia ricerca in questa direzione per far si che l’osservatore fosse lui stesso parte integrante del lavoro.

V.C.: Un consiglio che darebbe ai giovani che desiderano intraprendere la carriera di artisti?

N.V.: Me lo chiedono sempre…

I giovani escono da questi istituti (ormai crescono come i funghi) e non studiano nulla, non vogliono neanche vedere cosa è successo nel passato. Se uno non ha le basi, se non conosce l’andamento e il comportamento dei linguaggi e tutti quegli elementi che compongono l’evoluzione dell’arte, non può assolutamente capire dove si va, che direzione prendere per fare vera arte. Ogni tanto viene “lanciato” un giovane artista, subito tanto clamore e dopo un paio d’anni sparisce nel nulla... E quindi non succede nulla, rimane tutto fermo, non si va da nessuna parte senza lo studio. La cosa più tragica è che tanti ormai non sanno neanche da chi stanno copiando, sono convinti di essere arrivati per primi a quella soluzione; quello che si produce oggi è assurdo, comunque non è arte, ma

solo artigianato. Pensiamo che arrivano al terzo anno di Architettura senza neanche aver preso in mano una matita, le pare possibile? Se non imparano a tenere in mano lo strumento fondamentale per creare, cosa potrà mai venire fuori? Devono studiare, studiare, STUDIARE!!!

V.C.: Non posso che essere d’accordo con lei, lo studio è fondamentale. Nanda, è stato per me un grandissimo piacere conoscerla, parlare con lei, vedere il suo studio, la ringrazio davvero tanto per averci concesso il suo l tempo! s

Sopra: (Above:) “Neverended light” e “Galactica sky”, 2019, Palazzo Reale, Milano. Ph. Marco Poma A destra: (On the right) “Cronotopi”, Magazzini Fly, Milano. 1966

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Nanda Vigo Interview to the“pioneer” who tells the light

by Vincenzo Chetta

“

I’d rather travel on the Enterprise and work on my job of space archeologist

A

legendary figure of art and avant-garde design, Nanda Vigo tells to BIANCOSCURO readers how “Light Project”, its last retrospective at Palazzo Reale of Milan, was born and what it tells.

Inspired by the strength of geometric symbols and the infinite potential of light, she has always worked on the relationship between light, space and forms. His contribution to the activiSopra: (Above:) “Trilogia, Light progressions”, omaggio a G. Ponti L. Fontana P. Manzoni. Palazzo Reale, Milano.

Ph.Marco Poma

ties of the Zero Group was also fundamental, for which he curated, in 1965, the “ZERO avantgarde” exhibition at Fontana’s studio.

Vincenzo Chetta: Good morning Nanda, thank you for having welcomed me here in your studio. All your work has involved, and still concerns, conflicts and harmonies between light and space: where does this intuition come from?

Nanda Vigo: Hello Vincenzo, here, as a child, walking with my parents in Como, we arrived in front of the Casa del Fascio di Giuseppe Terragni: at that precise moment I was struck by beauty. In particular, I looked at the light that filtered through the glass block, a very innovative material for the time. I was really dazzled! That image of beauty I put in my subconscious and then, when I started my artistic studies, it gradually matured: that light became very important for all my work and for my research.

V.C.: Your works take up the elementary signs of the cosmogonic alphabet, why?

N.V.: It is the oldest alphabet of the peoples of the Earth. They discovered something about it in Central Asia, it is

the very first example of writing. They are very simple elements, for example the square represents the earth and the triangle the sky: this geometry is right at the general basis of everything, they are the same shapes that are found, for example, in the Pyramid of Cheops.

V.C.: Was it difficult for you, as a woman, to work in the art world??

N.V.: First of all I must admit that I worked quietly without ever realizing that there should be a difference between a man and a woman in the professional field. I encountered this reality when I fell in love with Piero Manzoni: a disaster for me, because he does not accept that I work. At the time I had just returned from an internship in San Francisco, a new graduate, I had a great desire to show what I had learned and I wanted to get involved, logically clashing with him made everything very difficult. We were so stubborn and steadfast on our respective positions, that we sent down the marriage in order not to give in, or at least, in order to make the other accept the acceptance of a compromise. At that juncture the stakes were my study, I should have closed it to be his wife: I didn’t accept.

A sinistra: (On the left) Diaframma”, tubolare Ponteur con vetri stampati e neon, 1968, 100x100x20 cm. Ph. Emilio Tremolada

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”

Nanda Vigo

biancoscuro V.C.: You have been a friend and collaborator of famous twentieth-century artists. Can you tell us about it?

N.V.: In the 1960s school was not taught what we wanted to know, the program didn’t even reach Sironi, just to take a reference point. Each of us had to be willing to search and study independently. I had already read the Blanco Manifesto and was very impressed; taking a look around I came to knock on Lucio Fontana’s door. He was always very kind and very helpful with young people, and he immediately welcomed me. Speaking, however, he didn’t let me sit there idle, and in a short time I became like Fontana’s “apprentice”. For me it was the biggest opening I could have, because I realized that, regardless of whether I was a woman, my work direction were not wrong at all. You know, when you see that nobody thinks like you, nobody comes in your direction, you start to think you are not right, but next to Fontana you understand that I was walking the right path.

For the same reason I became friends with Gio Ponti, because he was the only living person committed to working on all fronts: from design to architecture to art. With him I also had the opportunity to completely understand the discourse, of how art, architecture and design were all in close contact, further confirming my research. Meanwhile all my peers made fun of me for these collaborations, I still remember some comments: “But what do you do with those people...”, “Ponti is just an eclectic!”, never statement was more wrong, in fact I always say that Ponti was a architect at 390 degrees, because it was like he had already seen all the development that could take place and could therefore go even further.

All of them were important to me and to the evolution of my work.

V.C.: You were part of the “Zero Group”: what did you think was the real novelty of that movement?

N.V.: First of all the total break with the past. “Start from scratch”, so much so that the symbol was a space rocket, with lots of countdowns: 3, 2, 1 ... 0! The speech was so open at the beginning, in 1959, there were so many currents participating in the exhibitions, also contrary to our research. But the great thing was

that this phenomenon developed simultaneously throughout Europe. All at the same time expressed the need for this research, then flowed into the Zero Movement. During the famous exhibition in Zagreb in 1961, where there were practically everyone, there was the great breakup of the groups and the Zero Movement remained on the fundamental research of Otto Piene.

V.C.: He believes it is possible today to speak of avant-garde?

N.V.: No. Today it is not possible today to speak of avant-gardes, because they do not exist, there is no mention of them.

V.C.: Which works do you like best, and which ones do you feel more connected to?

N.V.: I really like the work of Jan Fabre, of which I am also a friend... Unfortunately there is not much else in the current scene. Naturally my affection goes to the works of Lucio Fontana, all of them.

V.C.: What is instead the architectural project that has remained in your heart?

N.V.: The work I did with Gio Ponti which is called “Lo scarabeo sotto la foglia”: a house he had designed and that the “Domus” magazine had offered to those who wanted to build it.

A Vicenza entrepreneur whom I knew had proposed himself as a client, but the division of interior spaces was not functional for him and his family, as it was conceived as a holiday home in which to stay only in moments of rest, and not as a daily home for two adults and two children. He knew that I was a friend of Gio Ponti, and he asked me to ask him if I could take care of internal re-planning.

He was very happy, but the fact remained that I was very young and I brought profound respect towards Gio, despite the friendship that bound us. The situation was very difficult, I didn’t know if it was better to stay on his style or to decide for myself, so I took him to see a stack of project drafts to let him choose the one to propose. He didn’t even look at them, he told me to show him the job only when it was done: a big risk! Fortunately, he liked it very much. It was really nice the relationship I had with him, it’s one of the moments in my life that I’m most fond of.

Nanda Vigo in collaborazione con Gio Ponti, Casa “Lo Scarabeo sotto la foglia” Malo (VI), 1965-1968 Nanda Vigo in collaboration with Gio Ponti, House “Lo Scarabeo sotto la foglia” Malo (VI), 1965-1968

Sopra e sotto: Nanda Vigo in collaborazione con Gio Ponti, Interni della casa “Lo Scarabeo sotto la foglia” Malo (VI), 1965-1968 Above and below: Nanda Vigo in collaboration with Gio Ponti, interior of the house “Lo Scarabeo sotto la foglia” Malo (VI), 1965-1968

“Cronotopia”, 1964. Ph.Nini e Ugo Mulas

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V.C.: It’s really nice to have such pleasant memories, and to have worked with such open and inspiring people.

Now let’s talk about the current exhibition at Palazzo Reale, how did “Light Project” start and what does it tell?

N.V.: I claimed this show loudly, it does not surprise me: it has always been that I have to work harder than others. Behind this exhibition is my personal story, “Light Project” is the chronology of all my work on light, starting from the first research to the last works. Both in the interiors of homes and works, I always wanted to solve everything with reflective materials (glass, mirror, aluminum, steel) to create false perspectives that could induce the spectator to enter inside and feel himself part of the work. The “Sala degli Specchi” project was born from the will of a client who would have liked to have my work all around him: and here is the “Global Chronotopic Experience”.

The chronotopic environment contains the discourses on space and time that I wanted to pursue. With the addition of lights, natural or artificial, I have always sought reflection, giving the idea of a space that does not end in the frame of a picture, but continues to infinity, even within ourselves. I have always developed my research in this direction to make the observer himself an integral part of the work.

V.C.: What advice would you give to Sopra: (Above) “Arch/arcology” Palazzo Reale, Milano, 2019. Ph. Marco Poma

Nanda Vigo (Milano 1936), nasce a Milano nel 1936 e si laurea a Losanna. Prende parte al Gruppo Zero e collabora con Gio Ponti e Lucio Fontana.

Nel 1965 cura la leggendaria mostra ZERO avantgarde nello studio di Lucio Fontana a Milano.

Nella sua attività, Vigo opera con un rapporto interdisciplinare tra arte, design, architettura, ambiente, è impegnata in molteplici progetti sia nella sua veste di architetto che di designer che di artista. Quello che contraddistingue la sua vivace carriera è la particolare attenzione e la costante ricerca di nuovi linguaggi, che la spingono ad aprire collaborazioni con i personaggi più significativi del nostro tempo ed a intraprendere numerosi progetti volti alla valorizzazione dell’Arte come la mostra ITALIAN ZERO & avantgarde 60’s al MAMM Museum di Mosca nel 2011. Nel 2014/2015 espone al Guggenheim di New York, al MartinGropius-Bau di Berlino e allo Stedelijk Museum di Amsterdam nelle retrospettive dedicate a ZERO. Tra il 2013 e l’inizio del 2016 realizza diverse personali: Nanda Vigo Lights Forever, Galleria Allegra Ravizza, Lugano, Affinità elette al Centro

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Nanda Vigo e Lucio Fontana, 1961 Galleria dell’Ariete. Ph. Lothar Wolleh

San Fedele di Milano, Zero in the mirror alla Galleria Volker Diehl di Berlino, Chronotopics alla Mayor Gallery di Londra, oltre a quella più recente Nanda Vigo alla galleria Sperone Westwater di New York. Ha partecipato alla XXI Triennale e nel 2016 ha presentato la sua prima opera monumentale, Exoteric Gate, nel cortile Ca’ Granda dell’Università degli Studi di Milano. Nel 2017 partecipa alla mostra Fantasy access code a Palazzo Reale di Milano e al K11 Museum di Shanghai in collaborazione con Alcantara e alla mostra Lucio Fontana. Ambienti/ Environment a Pirelli Hangar Bicocca, Milano. Nel 2018 realizza per il MAXXI di Roma in collaborazione con Alcantara la mostra Arch/arcology e inaugura la mostra personale presso la Galleria San Fedele di Milano dal titolo Sky Tracks e Global Chronotopic Experience. Nel 2019 gli ambienti realizzati da Nanda Vigo e Lucio Fontana sono inclusi nella mostra Lucio Fontana. On the Threshold al The Met Breuer e The Met Fifth Avenue, New York, e sue opere sono presenti nella mostra What was I?, presso Prada Rong Zhai a Shanghai.

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young people who wish to pursue a career as an artist today?

N.V.: They always ask me… Young people leave these institutes (now they grow like mushrooms) and do not study anything, they don’t even want to see what happened in the past. If one does not have the basics, if he does not know the progress and behavior of languages and all those elements that make up the evolution of art, he cannot possibly understand where one is going, what direction to take to make true art. Every now and then a young artist is “launched”, immediately so much fuss and after a couple of years disappears into thin air... And therefore nothing happens, everything remains still, you go nowhere without study. The most tragic thing is that many now do not even know who they are copying from, they are convinced that they arrived first at that solution, what is produced today is absurd, however it is not art, but only craftsmanship. We think they come to the third year of Architecture without even having picked up a pencil, do you think it’s possible? If they do not learn to hold the fundamental tool to create, what will ever come out? They must study, study, STUDY!!!

V.C.: I can only agree with you, the study is fundamental. Nanda, it was a great pleasure for me to meet you, talk to you, see your studio, thank you so l much for giving us your time! s Sopra: (Above) “Genesis, 2” Palazzo Reale, Milano, 2019. Ph. Marco Poma

Nanda Vigo (Milan 1936), Nanda Vigo was born in Milan in 1936 and graduated in Lausanne.

She became an enthusiastic partner of Gruppo Zero and collaborated with Gio Ponti and Lucio Fontana. In 1965 she curated the legendary show ZERO avantgarde in Lucio Fontana’s Milan studio.

In her activity Vigo works in an interdisciplinary relationship between art, design, architecture, and the environment; she is involved with many projects as architect, designer, and artist. What has distinguished her lively career is her particular attention to, and her constant search for new languages; this has impelled her to collaborate with the most significant figures of our times and to undertake numerous projects aimed at favouring art, as in the show ITALIAN ZERO & avantgarde 60’s at the MAMM museum in Moscow, 2011. In 2014/2015 she exhibited at the Guggenheim, New York, the Martin-Gropius-Bau, Berlin, and the Stedelijk Museum, Amsterdam, in retrospectives devoted to ZERO. From 2013 to the beginning of 2016 she held various solo shows: Nanda Vigo LightsForever, Galleria Allegra Ravizza, Lugano; Affinità elette at the

Centro San Fedele, Milan; Zero in the mirror at the Galleria Volker Diehldi, Berlin; and Chronotopics at the Mayor Gallery, London, besides the more recent show Nanda Vigo at the Sperone Westwater gallery in New York. She has taken part in the XXI Triennale and, in 2016, she presented her first monumental work, Exoteric Gate, in the Ca’ Granda courtyard of Milan University. In 2017 she took part in the show Fantasy access code at Palazzo Reale, Milan, and in the K11 Museum of Shanghai in collaboration with Alcantara, and in the show Lucio Fontana. Ambienti/ Environment at the Pirelli Hangar Bicocca, Milan. In 2018, for MAXXI, Rome, and again in collaboration with Alcantara, she organised the show Arch/ arcologye; she opened her solo show at the Galleria San Fedele, Milan, titled Sky Tracks, and at the Spazio San Celso, Milan, Global Chronotopic Experience. In 2019 the environments made by Nanda Vigo and Lucio Fontana were included in the show Lucio Fontana. On the Threshold at The Met Breuer and The Met Fifth Avenue, New York, and her works were present in the show What was I? at the Prada Rong Zhai, Shanghai.

Nanda Vigo, 2006. Ph. Ruve Afanador

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Fu Wenjun Il vincitore del Premio BIANCOSCURO nella sezione “Graphic Art” di Daniela

Malabaila

S

pesso ho raccontato le sue opere, dalle più tradizionali alle più sperimentali, e devo ammettere che il suo recente successo al BIANCOSCURO Art Contest 2019 mi ha reso molto orgogliosa.

Fu Wenjun è il vincitore del BIANCOSCURO Art Contest nella sezione dedicata alla Graphic Art, grazie all’opera “1980’s No.2”, risultato di precise tecniche, alla quale è dedicata la copertina Over the Cover di questo numero. Continua così la sua ascesa verso la consacrazione nel panorama mondiale dell’Arte che conta, imperterrito svela, giorno dopo giorno, nuovi traguardi della sua personale ricerca stilistica e concettuale.

Fu Wenjun si è ormai affermato nel mondo per le sue particolari opere, immagini multiple e moltiplicate dalle prospettive multidimensionali e cromie esaltate. Ho raccontato molte volte della tecnica da lui creata ed utilizzata per rendere uniche le sue opere, la Digital PictorialPhotography, mezzo col quale riesce a unire passato e presente, tradizione ed innovazione, arricchendo quella che potrebbe essere “solo” una tecnica, di profondi significati. Non è solo una que-

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I

have often told his works, from the most traditional to the most experimental, and I must admit that his recent success at the BIANCOSCURO Art Contest 2019 made me very proud.

Fu Wenjun is the winner of the BIANCOSCURO Art Contest in the section dedicated to Graphic Art, with the artwork “1980’s No.2”, result of precise techniques, to which the cover is dedicated Over the Cover of this number.

Thus continues his ascent towards consecration in the world panorama of Art that counts, undaunted reveals, day by day, new goals of his personal stylistic and conceptual research.

Fu Wenjun has now established itself in the world for his particular works, multiple images and multiplied by multidimensional perspectives and exalted colors. I have told many times of the technique he created and used to make his works unique, the Digital PictorialPhotography, means with which it manages to unite past and present, tradition and innovation, enriching what could be “only” a technique, of profound meanings. It is not just a question of artistic research, Fu Wenjun had a strong influence from the tradition of his culture, despite his propensity to “rebellion” he cannot get away from his underwear. And this is how he directed his research towards the goal of a peaceful union between the ancient Chinese artistic culture and the new technologies at the service of art.

In addition to success at BIANCOSCURO Art Contest 2019, this year the Chinese artist has received several important consents at the “The Photography Show” in New York and at the “Palm Beach Modern + Contemporary”. Last year he successfully participated in “Art Miami”, at the “Fine Art Asia” in Hong Kong and at the “Photofairs” in Shanghai, without forgetting the precious presence at the “World Art Dubai”.

1980's No.3, Fu Wenjun, Digital Pictorial Photgraphy+photography mixed media, 50x50cm, 2019 1980's No.4, Fu Wenjun, Digital Pictorial Photgraphy+photography mixed media, 50x50cm, 2019

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stione di ricerca artistica, Fu Wenjun ha avuto una forte influenza dalla tradizione della sua cultura, nonostante la sua propensione alla “ribellione” non può allontanarsi dal suo intimo.

Ed è così che ha indirizzato la sua ricerca verso l’obiettivo di un’unione pacifica tra la millenaria cultura artistica cinese e le nuove tecnologie al servizio dell’arte.

Oltre al successo al BIANCOSCURO Art Contest 2019, quest’anno l’artista cinese ha ricevuto diversi importanti consensi al “The Photography Show” a New York e al “Palm Beach Modern +

“

Wenjun’s works respond to those who wonder if there is still an artistic value in photography, now trivially usable by anyone. He expresses his opinion and his thoughts through his works: strong colors and misleading perspectives manage to convey the anxiety of our time.

Using languages of different times, combining them in absolutely personal and recognizable techniques, Fu Wenjun offers a serious and reasoned approach: art as a means to define the society of the moment, art to remember the sol ciety of the past. s

Fu Wenjun abbraccia una gamma di forme d’arte, combinandole in opere uniche e monumentali che vanno oltre il semplice atto di registrare un’immagine fotografica.

Fu Wenjun embraces a range of forms of art, combining them in unique and monumental artworks that go beyond the simple act of recording a photographic image.

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” A Wind from Yesterday No.2 conceptual photography 71x122cm 51x97cm 2016

Tutte le opere qui sopra: Fu Wenjun - Passage of Time 2019, Digital Pictorial Photgraphy, photography mixed media, 50x50 cm.

Contemporary”. Lo scorso anno ha partecipato con successo ad “Art Miami”, al “Fine Art Asia” di Hong Kong ed al “Photofairs” di Shanghai, senza dimenticare la preziosa presenza al “World Art Dubai”.

Le opere di Wenjun rispondono anche a chi si chiede se esista ancora un valore artistico nella fotografia, ormai banalmente fruibile da chiunque. Lui esprime il suo parere ed i suoi pensieri attraverso le sue opere: cromie forti e prospettive fuorvianti riescono a trasmettere l’inquietudine del nostro tempo.

Utilizzando linguaggi di tempi differenti, unendoli in tecniche assolutamente personali e riconoscibili, Fu Wenjun offre un approccio serio e ragionato: l’arte come mezzo per definire la società del momento, l’arte per ricordare l la società del passato. s

biancoscuro Qui a sinistra: l’artista Fu Wenjun, vincitore nella “sezione Grafic Art” al BIANCOSCURO Art Contest ‘19, durante la ricezione del Premio a Monte-Carlo, con il Direttore Vincenzo Chetta Ph. Enrico Mangano The artist Fu Wenjun winner in the “Graphic Art section” at the BIANCOSCURO Art Contest ‘19 during the award ceremony in Monte-Carlo, with the Director Vincenzo Chetta

Fu Wenjun (China 1955). Chinese contemporary artist, was graduated from Sichuan Fine Arts Institute.

He creates principally through the art media of photography, installation, sculpture and oil painting, and has put forward the concept and practice of “Digital Pictorial Photography”. With his Digital Pictorial Photography, Fu Wenjun intends to turns away from the recording function of photography acknowledged by the public, and aims at exploring to place photography art in dialogue with other art media, like Chinese painting, oil painting, sculpture etc, as a result to extend the boundary of photography art in the current digital age. His works embody his thinking and reflection on many issues related to the Eastern and Western history, culture and humanity, including the relationship between different cultures in the age of globalization, the heritage of traditional Chinese culture in a rapidly changing society, industrialization and urbanization in Chinese cities. His solo exhibitions were presented at National Art Museum of China, Museu Europeu de Arte Moderno, Guangdong Museum of Art, Old Summer Palace Museum (Beijing), Today Art Museum (Beijing), United Nations Headquarters (New York), Guangdong Museum of Art (Guangzhou) and at other international art organizations. His artworks are collected by Museu Europeu de Art Moderno, National Art Museum of China, Today Art Museum, the Old Summer Palace Museum, Tokyo Metropolitan Art Museum, Kennedy Family, World Council of Peoples for the United Nations, Dazu Grotto Museum, Chongqing Art Museum, Guangdong Museum of Art, Société Nationale des Beaux Arts of France, Egypt Ahmed Shawki Museum and other significant organization and collectors.

Fu Wenjun (China 1955). Chinese contemporary artist, was graduated from Sichuan Fine Arts Institute.

He creates principally through the art media of photography, installation, sculpture and oil painting, and has put forward the concept and practice of “Digital Pictorial Photography”. With his Digital Pictorial Photography, Fu Wenjun intends to turns away from the recording function of photography acknowledged by the public, and aims at exploring to place photography art in dialogue with other art media, like Chinese painting, oil painting, sculpture etc, as a result to extend the boundary of photography art in the current digital age. His works embody his thinking and reflection on many issues related to the Eastern and Western history, culture and humanity, including the relationship between different cultures in the age of globalization, the heritage of traditional Chinese culture in a rapidly changing society, industrialization and urbanization in Chinese cities. His solo exhibitions were presented at National Art Museum of China, Museu Europeu de Arte Moderno, Guangdong Museum of Art, Old Summer Palace Museum (Beijing), Today Art Museum (Beijing), United Nations Headquarters (New York), Guangdong Museum of Art (Guangzhou) and at other international art organizations. His artworks are collected by Museu Europeu de Art Moderno, National Art Museum of China, Today Art Museum, the Old Summer Palace Museum, Tokyo Metropolitan Art Museum, Kennedy Family, World Council of Peoples for the United Nations, Dazu Grotto Museum, Chongqing Art Museum, Guangdong Museum of Art, Société Nationale des Beaux Arts of France, Egypt Ahmed Shawki Museum and other significant organization and collectors.

INFO www.fuwenjun.com fu1955@qq.com - fustudio@qq.com

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Tutte le opere qui sopra: Fu Wenjun - Passage of Time 2019, Digital Pictorial Photgraphy, photography mixed media, 50x50 cm.

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Mattia Consonni Nuovo progetto per il creatore di Musica per gli Occhi di Vincenzo Chetta

N Alcune immagini di Melody durante la sua ultimazione con Mattia Consonni, e l’opera installata al Caffè Milano di Meda. Ph.Mirko Colombo

on è passato molto tempo dall’ultima trovata creativa di Mattia Consonni - alias Musica per gli Occhi, eppure eccolo con un nuovissimo progetto che unisce come sempre arte visiva e musica, con il ricorrente sottofondo sociale che da sempre contraddistingue il fare arte di Consonni.

Stiamo parlando di un nuovo progetto interattivo, dedicato esclusivamente alle installazioni “animalesche”. “La prima arrivata è Melody, una mucca pop, affamata di dischi in vinile che, nella mia percezione immaginaria, pascola in prati colmi di LP, 45 e 78 giri usurati e non più udibili.”, così ci racconta Mattia, che prosegue: “Chiunque voglia saziare Melody può farlo e consegnando i dischi di cui dispone, sarà ricompensato con un’opera

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d’arte della serie Listening”.

Melody è attualmente nel giardino del Caffè Milano in via Valtellina a Meda, su di essa possiamo contare sette dischi a simboleggiare le 7 note.

Questa è solo la prima opera di una prossima lunga serie di installazioni dalla forma animale, tutte avranno in comune la fame di vinili e tutte doneranno un’opera, sempre firmata da Mattia Consonni - Musica per gli Occhi, a chi porterà loro i vecchi dischi ormai logori.

Mentre il progetto “animalesco” prende sempre più piede e miete consensi anche fra il popolo social, Consonni ha avuto anche l’onore di essere scelto per la realizzazione quadro del Palio 2019 di Meda, e per l’occasione ha creato un’opera ispirata dal brano di De Andrè, “Il sogno di Maria”.

A novembre sarà poi possibile ammirare le sue opere al MAG di Montreux, che si terrà al 2M2C (in cui si tiene anche il Montreux Jazz Festival), in uno spazio l completamente dedicato alla sua arte. s INFO

MATTIA CONSONNI Musica per gli Occhi

mattiaconsonni Musica per gli occhi

A sinistra alcuni esempi delle opere dalla serie “Listening“ che verranno donate a chi porta vinili a Melody.

Sotto Mattia Consonni con l’opera ultimata. Ph. Mirko Colombo

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GIULIANA MADDALENA FUSARI

“Quadro con cerniera/Picture with zip “ - 2019, acrilici su tela con tela a vista e cerniera, 50x40 cm.

Giornata del Contemporaneo 2019 - sabato 12 ottobre - www.amaci.org

fusari.gmm@gmail.com

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La Toscana di Bernardo Bellotto Quando realtà e ingegno si fondono di

Mario Gambatesa

L

a mostra, che si inaugurerà il 12 ottobre presso la Fondazione Centro Studi sull’Arte Licia e Carlo Ludovico Ragghianti a Lucca, è dedicata a Bernardo Bellotto, pittore ed incisore italiano nato a Venezia nel 1722. Fin da giovanissimo dimostrò un talento precoce nella pittura vedutista, nel 1738 si iscrisse alla corporazione dei pittori veneziani. Successivamente si recò a Roma, andando prima a Firenze, poi Lucca e infine a Livorno. Lavorò in Lombardia al

servizio dei Conti Simonetta e a Torino, dove realizzò due vedute per la corte sabauda. Il suo stile si basa su una resa dell’architettura più alta, un trattamento più dinamico del cielo e dell’acqua con un effetto chiaroscurale più drammatico, oltretutto la sua tecnica ebbe l’influenza dei grandi paesaggisti olandesi del seicento in cui si accentua il rigore prospettico ed il realismo rappresentativo. Il clima neoclassicista che si stava pian piano diffondendo, porterà Bellotto a trasferirsi a Varsavia dove morirà nel 1780.

Successivamente le sue vedute della capitale della Polonia saranno prese come modello per la ricostruzione della città dopo i bombardamenti della Seconda Guerra Mondiale. L’esposizione illustrerà il viaggio di Bellotto in Toscana, certamente uno dei temi più affascinanti del vedutismo settecentesco.

Il punto principale di questa mostra, curata da Bożena Anna Kowalczyk (tra i maggiori studiosi di Bellotto) e sostenuta da Banco BPM, è il nucleo di vedute di Lucca, con il dipinto che raffigu-

Bernardo Bellotto - Piazza della Signoria - Firenze, olio su tela, 61x90 cm. Budapest, Szépmúvészeti Múzeum

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ra piazza San Martino proveniente dalla più affascinanti momenti della pittura York City Art Gallery (un’opera unica europea in cui la bellezza, l’arte e la tecl nel suo genere) e i cinque disegni di di- nologia camminavano di pari passo. s versi luoghi intorno alla cattedrale e alla chiesa di Santa Maria Forisportam concessi dalla British Library.

L’esposizione, visitabile fino al 6 gennaio prossimo, vedrà la presenza di alcune delle vedute di Firenze realizzate da Bellotto durante e a seguito della sua visita in Toscana, come “Piazza della Signoria, Firenze” e “L’Arno dal Ponte Vecchio fino a Santa Trinità e alla Carraia”, entrambe del 1740, prove- Bernardo Bellotto San Martino con la cattedrale nienti dal Szépmúvészeti Múzeum di Bu- Piazza Lucca, 1740, penna e inchiostro bruno, 25,3x36,8 cm. dapest; “L’Arno verso il Ponte Vecchio, Londra, British Library Firenze” e “L’Arno verso il ponte alla Carraia, Firenze”, ambedue del 1743BERNARDO BELLOTTO 1740. Viaggio in Toscana 1744, provenienti dal Fitzwilliam Mu12 ottobre 2019 - 06 gennaio 2020 seum di Cambridge; e il disegno a penna Complesso monumentale di San Micheletto, Lucca e inchiostro “Capriccio architettoniINFO co con un monumento equestre” del T. +39 0583 467205 1764, dal Victoria & Albert Museum di info@fondazioneragghianti.it Londra, che documenta la visita di Bellotto a Livorno. Altro manufatto di ecceInquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito zionale valore e interesse per i visitatori è www.fondazioneragghianti.it la camera ottica in legno, vetro e specchio usata da Canaletto e concessa in prestito dal Museo Correr di Venezia.

Certo si può dire che si tratta di uno dei

NICOLETTA FA G G I O N

“Riflessioni Chiare” 2019 tecnica mista su tela 40x50 cm.

“Blue jeans” 2019 tecnica mista su tela 40x50 cm.

www.nicolettafaggion.wordpress.com Bernardo Bellotto - Piazza San Martino con la cattedrale - Lucca, 1740, olio su tela, 50, 8x72 cm. York, City Art Gallery

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faggion.nicoletta@gmail.com

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La donna protagonista

L’universo femminile in mostra a Viareggio di Daniela

Malabaila

L

a Fondazione Matteucci per l’Arte Moderna è la sede, solo fino al 3 novembre prossimo, di una mostra che celebra la femminilità e il saperla cogliere di prestigiosi autori dal primo Ottocento al Novecento, con affondi intenzionali e suggestivi nei due dopoguerra e nei mutamenti successivi: “L’eterna musa. L’universo femminile tra ‘800 e ‘900”.

Una selezione indovinata quella del curatore Giuliano Matterucci, che conta quaranta ritratti di donne che possiamo tranquillamente definire “normali”, Sopra: Giuseppe De Nittis - In vedetta 1880-1882, olio su tela, 90x60 cm.

A sinistra: Michele Tedesco - Lettura in terrazza 1875 ca., olio su tela, 62x48 cm.

con le loro diverse personalità e atteggiamenti: non sono dive, se non forse fra le mura di casa.

In esposizione anche opere mai esposte prima, di autori come Fattori, Lega, Induno, Favretto, Casorati e Sironi, tra gli altri.

Abbiamo così la possibilità, non solo di ammirare delle opere meravigliose, ma anche di poter ragionare sulle mille sfaccettature dell’essere donna, a quel tempo ma in ogni tempo, in quanto rappresentazioni di emozioni umane. Il curatore ci anticipa:“Una galleria d’istantanee tratte da un ideale album di famiglia che è andato formandosi nelle stagioni più diverse della vita. Figure che offrono della donna il volto più autentico, sofisticato e attraente. Immagini che, seppur condivise, si direbbero segretamente carpite, per la facilità con cui l’artista ha conferito al modello una personale dignità, facendone emergere il celato fascino”.

Troveremo infatti, lungo il percorso espositivo, diversi “modelli” di donna come musa ispiratrice dell’immaginario culturale dell’Occidente. Ecco

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l’eterna Eva che si presenta in condizioni mutevoli, angelo del focolare o sirena ammaliatrice, lavoratrice o padrona di casa della buona società, serena, malinconica o riflessiva. E poi la contrapposizione tra la Maria Vergine e la peccatrice Maddalena, o ancora tra la carnale Venere e la materna Giunone, e tra Salomè la seduttrice e Circe la maga.

Non si tratta di donne di contorno neanche quando il loro retaggio o la società le potrebbero considerare tali, perché sono tutte consapevoli ed orgogliose del loro essere, qualunque esso sia. Anche quando l’artista coglie un momento di tristezza, sappiamo immediatamente, ammirandone il ritratto, che da quel momento di sconforto la protagonista si rialzerà più forte di prima. Sono donne che oggi si potrebbero definire come “realizzate”, nonostante non siano dive, forse proprio a causa del loro non volersi porre al centro della scena.

Matteucci fa una giusta osservazione, affermando che donne come Marie Curie o Coco Chanel si sentirebbero molto a disagio in questa selezione di donne che non nascondono di sentirsi fiere del loro quotidiano:“Anche due artisti come Hayez e Boldini, che sul modello della Venere senza veli, carnale e sensuale, hanno costruito gran parte della loro fortuna, figurano qui con opere che non lasciano spazio all’immaginazione. Lo stesso dicasi dei nudi di D’Ancona e Casorati, tanto casti che più non si può”.

Una mostra molto attuale, che rispecchia trasversalmente il nostro tempo, quello in cui le donne devono ancora faticare per mostrarsi così come sono: “Spetta a noi farle rivivere, nella loro trattenuta e schietta espressività, come protagoniste di storie ed esperienze cogliendo nella semplice naturalezza del carattere, degli umori, delle passioni, dei sentimenti l quanto d’insondabile è in ogni donna”. s A sinistra: Renato Natali - Donna con pappagalli 1920 ca., olio su tavola, 50x70,5 cm.

Sotto: Federico Zandomeneghi - La guardiana dei tacchini 1890-1895, olio su tela, 55x46 cm.

L’ETERNA MUSA

L’universo femminile tra ‘800 e ‘900 02 giugno - 03 novembre 2019

Centro Matteucci per l’Arte Moderna, Viareggio INFO T. +39 0584 430614 info@cemamo.it Da martedì a venerdì 15.30 - 19.30 Sabato e domenica 10.00 - 13.00/ 15.30 - 19.30 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.cemamo.it

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I Signorini e la loro Firenze

Celebrati nei Saloni storici del Piano Nobile di Palazzo Antinori di Flavio

Ennante

Telemaco Signorini - Villa Toscana - 1872-1874, olio su tela, 61x116 cm.

L’

Istituto Matteucci di Firenze ha realizzato, insieme alla famiglia Antinori, una raffinata esposizione intitolata ““La Firenze di Giovanni e Telemaco Signorini”, ideata da Elisabetta Matteucci e Silvio Balloni dopo la scoperta del carteggio inedito tra Telemaco Signorini, il padre Giovanni (vedutista prediletto di Leopoldo II di Lorena e detto per questo“il Canaletto fiorentino”) e il fratello minore Paolo.

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La mostra non poteva trovare sede più appropriata di Palazzo Antinori, edificio storico nel cuore di Firenze, casa di una Famiglia che ha contribuito a fare la Storia della città oltre che della viticoltura di massimo pregio.

Per la prima volta (e probabilmente anche unica, dato che non pare che questa sia un avvio di un ciclo espositivo), in occasione della mostra, il pubblico potrà ammirare i Saloni storici del Piano Nobile di Palazzo Antinori, che accolgono i capo-

lavori della selezione provenienti dalla Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti e da collezioni private.

Il percorso espositivo è diviso in otto sezioni che, attraverso una mirata selezione di oltre sessanta dipinti tra i più celebri dei due Signorini, affiancati da attentissimi confronti (con opere firmate da Giovan Pietro Vieusseux, Pietro Giordani e Niccolò Tommaseo, Diego Martelli e Carlo Lorenzini), faranno rivivere una delle stagioni più fer-

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LA FIRENZE DI GIOVANNI E TELEMACO SIGNORINI 19 settembre - 10 novembre 2019 Palazzo Antinori, Firenze INFO T. +39 055 29375 Da martedì a domenica 10.00 - 18.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.antinori.it

Telemaco Signorini - Mercato vecchio 1882-1883, olio su tela, 39x65,5 cm.

Telemaco Signorini Un mattino di primavera. Il muro bianco 1866 ca., olio su tela, 27x66 cm.

A destra: Telemaco Signorini Una mattinata sull’Arno (Renaioli sull’Arno) 1868, olio su tela, 40x60 cm.

tili della cultura toscana, che tanto ha contribuito a conferire a Firenze quell’immagine di città ideale.

Ammirando saloni e opere, ci troviamo catapultati nella rappresentazione viva di una città dimenticata, faremo parte anche noi di un “microcosmo” pulsante di vita, monumentale certo, ma al tempo stesso raccolto nella calda dimensione domestica.

Oltre a fare rivivere quell’affascinante tempo, la mostra vuole fare emergere le ascendenze di Giovanni su Telemaco, oltre che mostrare l’evoluzione della pittura di paesaggio in Toscana: si passa infatti dalla raffigurazione tardo romantica alla moderna estetica figurativa del-

la macchia, di cui Telemaco è stato tra gli sperimentatori più audaci, anticipatore della cultura figurativa del XIX secolo.

La pittura di Giovanni e Telemaco Signorini si fa interprete di quei cambiamenti, veicolando, in un’epoca come la nostra segnata da profonde tensioni e incertezze, un messaggio di grande ottimismo e speranza, perfettamente condiviso dalla famiglia Antinori che ha affidato all’arte il compito di tramandare e raccontare la propria storia.

Una mostra ancora una volta dai risvolti attuali, proprio a dimostrare quanto l’Arte, quella vera, sia immortale e senza tempo, pronta a mostrare il passato per vivere meglio il presente l e creare un futuro migliore.s

Maria

Cavaggioni maria.cavaggioni@gmail.com Maria Cavaggioni

Maria Cavaggioni

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Perdersi nella musica - 2019 - olio su tela - 70x100 cm.

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Gely Korzhev. Back to Venice L’arte radicale di un cuore ribelle di Mario

Gambatesa

“ D al 10 maggio scorso, presso Ca’ Foscari a Venezia, è stata inaugurata la mostra “Gely Korzhev. Back to Venice”.

Korzhev è una delle figure più eminenti del panorama pittorico, prima sovietico e poi russo, della seconda metà del Novecento. Nato a Mosca nel 1925, dimostra sin da giovanissimo le sue doti artistiche. Nel 1944 entra all’Istituto d’arte di Mosca al reparto di pittura, dove tra i suoi insegnanti conosce Gerasimov. Nel 1951 lavora al pannello decorativo di Pavel Sokolov-Skalia per la mostra di tutte le Unioni dell’Agricoltura. Nello stesso anno, Gerasimov gli offre una cattedra alla Scuola d’arte industriale di Mosca; entra poi nell’Unione degli artisti dell’URSS e grazie al suo talento diviene in poco tempo uno dei maggiori artisti del regime. Nel 1961 vince la medaglia d’oro dall’Accademia delle Arti dell’URSS per il trittico “Co-

Il nemico del “realismo sociale” è il “naturalismo” con la sua credibilità.

A volte è difficile per lo spettatore riconoscere le differenze l’uno dall’altro, una copia del ritratto del bulldog crea un secondo bulldog, ma non c’è arte.

”

Gelij Michajlovič Koržev munisti”, successivamente partecipa alla prima mostra fuori dal blocco del Patto di Varsavia esponendo alla 31ª Biennale di Venezia. Per la storia recente, nel 2003 riceve il Premio Sholokhov per il suo “significativo contributo alla cultura e al mondo russo” e nel 2007 il Museo di Arte Russa di Minneapolis presenta una sua personale: “Sollevando la bandiera. L’arte di Gely Korzhev”.

Scomparirà a Mosca qualche anno dopo, il 27 agosto 2012.

L’esposizione, aperta al pubblico fino al prossimo 3 novembre 2019 è a cura di Faina Balachovskaja, Giuseppe Barbieri, Silvia

Burini e Nadezhda Stepanova ed è stata realizzata grazie a un’azione congiunta tra Galleria Tret’jakov, The Institute of Russian Realist Art e il Centro Studi sulle Arti della Russia (CSAR) di Ca’ Foscari, con il sostegno di IntesaSanpaolo.

La rassegna di Ca’ Foscari si divide in nuclei tematici definiti criticamente rilevanti nell’intero nucleo pittorico dell’artista.

Sono presenti le nature morte, molti nudi e soprattutto degli esempi di originale declinazione della pittura realistica sovietica.

Il fulcro principale del percorso espositivo si centra sulla memoria degli anni della Seconda Guerra Mondiale, al tempo stesso queste opere sono il riconoscimento più grande che Korzhev abbia mai avuto in tutta la sua vita, in particolar modo con la serie “Tracce di guerra” (19631964). Korzhev è riconosciuto dagli storici dell’arte come uno Koržev Gelij Michailovič - Marusja 1983-89, olio su tela, 96x224 cm.

Museum of Russian Art, USA, Minneapolis

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dei pittori più influenti della seconda metà del XX secolo. Il suo lavoro spazia dallo stile sovie-

tico tradizionale agli studi di impressionismo. Nell’ultima parte della sua vita, la sua arte ha preso la direzione di un surrealismo vicino all’approccio tipico di Bosch, con varie serie di lavori allegorici. Questo nuovo sbocco gli ha permesso di attaccare la corruzione politica della nuova Russia diventando così un artista irremovibile e radicale dal cuore l decisamente ribelle. s

GELY KORZHEV Back to Venice

10 maggio - 03 novembre 2019 Ca’ Foscari Esposizioni, Venezia Da martedì a domenica 10.00 - 18.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.unive.it

A sinistra, dall’alto verso il basso: Koržev Gelij Michailovič - La madre 1964-67, olio su tela Koržev Gelij Michailovič - Natura morta con oggetti rossi - 2007, olio su tela Koržev Gelij Michailovič - Il nuovo slogan 1998, olio su tela, 200x150 cm.

Institute of Russian Realistic Art (IRRI)

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Sotto: Koržev Gelij Michailovič Adamo Andreevič e Eva Petrovna 1998, olio su tela, 200x120 cm.

Collezione privata

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Guy Harloff Pittore e alchimista di Rebecca Maniti

A

lla figura tormentata di Guy Herloff è dedicata la prossima mostra presentata al Centro Culturale di Milano dal 7 novembre, aperta al pubblico sino al 5 dicembre. “GUY HARLOFF (19331991). Alchimie e sinestesie” parla dell’universo di questo artista precocemente scomparso, composto da simbolismo, filosofia ed esoterismo, ma anche arte, musica e cinematografia.

Un’infanzia vissuta tra viaggi e hotel, un’adolescenza difficile e ribelle, i continui spostamenti senza una dimora fissa (se non per un paio d’anni di seguito) tra Parigi, New York, Milano, il Marocco e l’Iran, gli incontri con personaggi come Peggy Guggenheim, Philip Martin, Alberto Giacometti, Francis Bacon, le esperienze di una vita vissuta alla giornata sicuramente segnanti, lo hanno portato a scoprire nell’arte visiva la sua vera passione.

La rassegna, curata da Serena Redaelli, è organizzata dallo Studio d’arte Nicoletta Colombo, sede dell’Archivio Guy Harloff, e si avvale dei prestigiosi patro-

Guy Harloff - One… The Heart 1988, collage e inchiostri su carta, 50x38 cm. Collezione privata Sotto a sinistra: Guy Harloff - Je voudrais voir mon coeur… (i disegni dopo l’infarto), 1975, collage e inchiostri su carta, 21x22 cm.

Collezione privata Sotto: Guy Harloff - Heart and Star 1961, inchiostri su carta, 50,5x48 cm. Collezione privata

BIANCOSCURO 62

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Antonella Pecoraro Ninni cini di Commissione Europea, Regione Lombardia, Comune di Milano. Il percorso espositivo punta a far riscoprire questo artista molto famoso negli anni settanta, offrendo al pubblico oltre quaranta opere su carta realizzate dalla metà degli anni Cinquanta fino a tutti gli anni Ottanta, in dialogo con i più cari temi culturali e artistici coltivati da Guy Harloff, a testimonianza dell’evoluzione della sua complessa quanto inconfondibile poetica. Possiamo trovare così i suoi oggetti prediletti: i mandala, le lettere dell’alfabeto, i vascelli del Grande Viaggio, i libri della conoscenza, gli ampi tappeti persiani, il cuore, l’Albero della Vita, l’alchemica Voie Royale.

Per una più completa comprensione del “pianeta” Harloff, la mostra propone inoltre fotografie di Roberto Masotti, cover di dischi jazz da lui disegnate, un prezioso esemplare di tappeto orientale ed una serie di riletture pittoriche dell’opera di Guy Harloff realizzate dalla giovane artista Linda Orbac. L’esposizione prevede, infine, la proiezione di cortometraggi l inediti realizzati dallo stesso Harloff. s GUY HARLOFF (1933-1991) Alchimie e sinestesie

a n t o n e l l a @ a r t e c u l t u r a . n e t

IL SOLE NASCOSTO - 2014 - t.m. e smalto su tela - 50x70 cm.

“Un vortice di colori che dall’Informale cerca di mostrare un momento di vita vissuta, un attimo visivo. La pittura di Ninni parte dal colore per suggestionare lo spettatore, comunicargli un modo di vedere la realtà e la vita, coinvolgerlo suggerendogli un soggetto che non compare, che va cercato nelle forme libere o, se invisibile, semplicemente immaginato.” Iacaruso Domenico

Pecoraro Antonella

07 novembre – 05 dicembre 2019 Centro Culturale di Milano, Milano INFO T. +39 02 86455162 Da lunedì a venerdì 10.00 - 13.00 / 14.00 - 18.30 Sabato 15.30 - 19.00

Antonietta Orsi Pittrice Pavese

Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

PAVIA MAGICA - 2019 - olio su tela - 25x35 cm.

Guy Harloff - La grande pyramide 1963, collage e inchiostri su carta, 48,3x63 cm.

Collezione privata

www.centroculturaledimilano.it

“Il dipinto ci introduce in una Pavia magica con luci tenue, atmosfere sospese, riflessi e giochi d’acqua. Pesci rossi ci accompagnano come figure intruse verso l’esterno del quadro in un viaggio lontano.”

3a Mostra d’arte contemporanea Pavia Art Talent Pavia, 23/24-11-2019 - stand 17 Corsi di pittura e atelier in Pavia

orsi.antonietta@libero.it - www.orsiantonietta.it 63

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E dopo Carosello, tutti in mostra!

L’evoluzione della grafica pubblicitaria di Vincenzo Chetta

L’

autunno al Museo Alla Fondazione Magnani-Rocca, si è aperto con un nuovo capitolo nell’indagine della storia della Pubblicità in Italia.

La mostra “Carosello. Pubblicità e Televisione 1957-1977”, in scena fino all’8 dicembre, è a cura di Dario Cimorelli (cultore di storia della pubblicità )e Stefano Roffi (direttore scientifico della Fondazione), e permette sia di conoscere l’evoluzione della storia della grafica pubblicitaria e del manifesto con grandi designer come Armando Testa, Erberto Carboni, Raymond Savignac, Giancarlo Iliprandi, Pino Tovaglia, sia di scoprire come si sono confrontati con il nuovo media che nasceva in quegli anni: la televisione, e con lei l’indimenticabile Carosello.

In mostra dunque sia i celebri manifesti cartacei di quel periodo, affiancati ai bozzetti e agli schizzi (prestiti del CSAC dell’Università di Parma, del Museo nazionale Collezione Salce di Treviso e della Collezione Alessandro Bellenda – Galleria L’IMAGE, e della Fondazione Luigi Micheletti di Brescia), sia le comunicazioni pubblicitarie vere e proprie, in visione su schermi distribuiti nelle sale espositive, grazie al contributo dell’Archivio Generale Audiovisivo della Pubblicità Italiana e del suo Fondatore e

Autore anonimo - Zoppas Il fuoriserie 1965, offset, foto, 140x100 cm. Collezione Galleria L’IMAGE, Alassio (SV)

Gonfiabile Pippo Ippopotamo Ph. Marco Beck Peccoz

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Gonfiabile di Mucca Carolina Ph. Marco Beck Peccoz

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“

Direttore, lo storico della pubblicità Emmanuel Grossi. Enche l’Archivio Storico Barilla ha messo a disposizione alcuni spettacolari caroselli con Mina (1967) con gli abiti disegnati da Piero Gherardi, costumista di Fellini, rari “rodovetri” utilizzati per le animazioni dei caroselli con Re Artù e i cavalieri della tavola rotonda, per il Gran Pavesi disegnati da Marco Biassoni e alcune storie di Topo Gigio, testimonial per i Pavesini fra il 1963 e il 1975.

Si riscoprirà così l’universo dei personaggi animati che sono nati con la televisione, come La Linea di Osvaldo Cavandoli, Re Artù di Marco Biassoni, Calimero di Pagot o Angelino di Paul Campani, fino alla moltitudine di personaggi nati dalla matita di Gino Gavioli. Negli inserti pubblicitari sono protagonisti anche personaggi in carne e ossa: i più importanti cantanti dell’epoca da Mina (per Barilla) a Frank Sinatra, da Patty Pravo a Ornella Vanoni e Gianni Morandi, e grandi attori (ad esempio Totò, Alberto Sordi, Virna Lisi e addirittura Vittorio Gassman) diretti da Emmer, Bolognini, Ettore Scola o i fratelli Taviani.

Una selezione dei più importanti oggetti promozionali dell’epoca (l’ippopotamo Pippo, Camillo il Coccodrillo, la Mucca Carolina, Susanna tutta Panna) completano il percorso espositivo così

Ehi! Ehi! Ciao… Mi vedi?

Senti… Ti piaccio disegnata così? Oh, scusa, non mi sono presentata: sono Susanna…

Susanna Tuttapanna! Qui alla Rai Tv mi chiamano tutti così perché vado matta per il formaggino Milione alla panna, il fior fiore dei formaggini!

Pitupitum – pa!

”

Gonfiabile di Susanna tutta Panna Ph. Marco Beck Peccoz

Gonfiabile Coccodrillo Camillo Ph. Marco Beck Peccoz

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nostalgico ed al tempo stesso illuminante, assolutamente da conoscere ed indagare per arrivare ai giorni nostri e riuscire a creare qualcosa di nuovo nella grafica pubblicitaria. Carosello, infatti, ebbe successo anche perché creò (e impose) i suoi caratteristici personaggi.

La pubblicità tra il 1957 e il 1977 introdusse una vera e propria rivoluzione nel patrimonio culturale e visivo di tutti. Carosello era trasmesso in bianco e nero, ma per gli italiani era ricco di colori, quelli di un nuovo mondo di beni luccicanti che si presentavano per la prima volta sulla scena sociale:

lavatrici, frigoriferi, automobili, alimenti in scatola.

Carosello non era semplicemente pubblicità, ma un paesaggio fiabesco dove regnavano la felicità e il benessere, un paesaggio estremamente affascinante per una popolazione come quella italiana che proveniva da un lungo periodo di disagi e povertà. Carosello, seppure vincolato dalle rigide norme imposte dalla Rai dell’epoca, ha comunque potuto mostrare le gratificazioni e le diverse fonti di piacere che erano contenute nei nuovi beni di consumo. La mostra è accompagnata da un catalogo edito da Silvana Editoriale, dove, oltre ai saggi dei curatori A sinistra: Armando Testa - Cafè Paulista non c’è bocca che resista (1960-65), collage e tempera su cartone.

CSAC fondo Testa Università di Parma Sotto: Produzione Pagot - Calimero pubblicità per Ava Mira Lanza 1965 vetrofania. Collezione Galleria L’IMAGE Alassio (SV) A sinistra: Autore anonimo - Succhi di frutta Yoga circa 1958, offset, 137x97 cm. Collezione Galleria L’IMAGE, Alassio (SV)

Gonfiabile Caballero e Carmencita Ph. Marco Beck Peccoz

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e alla riproduzione di tutte le opere esposte, vengono ripubblicati testi fondamentali di Omar Calabrese su Carosello e su Armando Testa, a cui vengono affiancati nuovi testi di Emmanuel Grossi, Roberto Lacarbonara e Stefano Bulgarelli. Una mostra immersiva, che ci catapulta in quel periodo di l assoluta fascinazione della buona pubblicità. s CAROSELLO

Pubblicità e Televisione 1957 – 1977 07 settembre - 08 dicembre 2019

Fondazione Magnani-Rocca, Mamiano di Traversetolo - Parma INFO T. +39 0521 848327 info@magnanirocca.it Da martedì a venerdì 10.00 - 18.00 Sabato, domenica e festivi 10.00 - 19.00 1 novembre e 8 dicembre aperto Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.magnanirocca.it

E lv i r a S a l o n i a

Conversazione - 2019, acriico su tela, 100x80 cm.

www.elvirasalonia.it

info@elvirasalonia.it

saloniaelvira

Elvira Salonia

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In the middle of and... From the Alps Merano Arte ospita la rassegna di oltre 100 pezzi di design di

Lucia Garnero

N Sci White Star, Blu Star, Black Star, Kneissl, anni ‘60 - Ph. Anna Maconi

ell’Edificio Cassa di Risparmio, dall’11 ottobre al 12 gennaio prossimo, Merano Arte ospita il primo evento espositivo sistematico dedicato all’evoluzione del progetto moderno nell’area trentino-tirolese.

L’area geografica protagonista è collocata al centro di quel formidabile incrocio di percorsi di ideazione e produzione che uniscono Monaco a Venezia, Vienna a Milano; si tratta, nello specifico, delle traiettorie estetiche e culturali che hanno connotato e contraddistinto il profilo stesso del design dal XX secolo ad oggi.

Caproni, moto Capriolo75, 1955 Proprietá privata - Ph. Anna Maconi

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Autocaravan Laverda, Serie Blu, Studio Nizzoli Sistemi, 1974 Foto storica

Augusta costruzioni radio elettriche, mod 727, 1956-57 - Ph. Anna Maconi

Non per nulla, infatti, questa regione transfrontaliera si è contraddistinta per una spiccata originalità creativa e per una forte propensione alla ricerca tecnico-formale.

La mostra “Design from the Alps”, promossa e organizzata da Merano Arte in collaborazione con NABA - Nuova Accademia di Belle Arti di Milano - e la Libera Università di Bolzano, con Barth partner di progetto, è curata da Claudio Larcher, Massimo Martignoni e Ursula Schnitzer.

La minuziosa indagine sul campo, condotta dal team di specialisti impegnati nell’ideazione del racconto espositivo e del suo allestimento, ha permesso di definire un articolato catalogo di oggetti e prodotti che si estende dai componenti d’arredo al packaging alimentare e ai giocattoli, dagli esperimenti nel campo aeronautico e auto-motociclistico fino all’attrezzatura per le attività praticabili in alta montagna (attrezzatura sportiva, trasporto fu-

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DESIGN FROM THE ALPS Südtirol/Alto Adige Tirol Trentino 1919-2019

Kunst Meran Merano Arte, Merano October 11, 2019 - January 12, 2020

D Mascherina frontale Abarth, Carlo Abarth, ca. 1965 Collezione privata - Ph. Anna Maconi

Elefantino bevitore, Fortunato Depero, 1922-23 Collezione Josef Kreuzer/Ripartizione musei, Provincia autonoma di Bolzano - Ph. Erich Dapunt

niviario, impiantistica per la neve e alpinismo). L’esposizione inizia con il periodo compreso tra il 1919 e il 1945 quando, all’affievolirsi degli ultimi echi secessionisti, si sovrappone presto una nuova e sperimentale attitudine alla ricerca, stimolata dalla cornice programmatica del secondo Futurismo.

Si sviluppa, in questo arco di tempo, una generazione di grandi architetti, quali Luciano Baldessari, Adalberto Libera, Gino Pollini, a cui si affiancano i due Ettore Sottsass, senior e junior.

Dopo la seconda guerra mondiale, si delineano modi diversi di stare al passo con il progresso tecnologico corrente; spiccano i nomi di Carlo Abarth, inventore meccanico e di Gianni Caproni,

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ingegnere aeronautico, pioniere dell’aviazione, impegnato anche nella produzione di moto e di motobici.

Dagli anni sessanta e settanta in avanti, infine, è l’idea dello scambio e del confronto ad ampio raggio a porsi quale prospettiva privilegiata; numerosi sono gli autori sintonizzati sulle novità e gli stimoli provenienti dai maggiori centri europei. Sono presenti in questa terza sezione della mostra: Dario Montagni, Othmar Barth, Gianni Pettena, Matteo Thun, Marco Zanini, Benno Simma, Baldessari e Baldessari, Kuno Prey, Dante Donegani e Harry Thaler.

Accompagna la mostra un ampio catalogo trilingue edito da Scheidegger & Spiess (Zurigo), con progetto grafico di Antonino Be-

esign from the Alps is the first comprehensive review of the production and culture of modern design in a dynamic cross-border European region; it is the story of the fascinating adventure of design in this Alpine area, a natural bridge that connects northern and southern Europe and therefore possesses a surprising ability to absorb the most advanced instances of modern design. The project is the result of an interdisciplinary collaboration between NABA (Nuova Accademia di Belle Arte, Milan) and the Free University of Bolzano, Faculty of Design and Art. Scientific support is provided by Professors Claudio Larcher, Massimo Martignoni and Antonino Benincasa.

The exhibition presents over 100 pieces of design that cover a wide range of creativity, from furnishing components to cameras, from packaging and food products to experiments in the aeronautical and automotive fields motorcycles, toys, sports equipment.

Kunst Meran Merano Arte is co-orl dinating and guiding the project. s

nincasa, con la collaborazione di Claudia Gelati e Malthe Wöhler e fotografie di Anna Maconi (Lil bera Università di Bolzano). s DESIGN FROM THE ALPS

Südtirol/Alto Adige Tirol Trentino 1919-2019 11 ottobre 2019 - 12 gennaio 2020

Merano Arte - Edificio Cassa di Risparmio, Merano INFO T. +39 0473 212643 info@kunstmeranoarte.org Da martedì a sabato 10.00 - 18.30 Domenica e festivi 11.00 - 18.30 24 e 31 dicembre 10.00 - 14.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.kunstmeranoarte.org

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Ravenna capitale del mosaico Al via la VI edizione della Biennale di Mosaico Contemporaneo di

Rebecca Maniti

P

arte il 6 ottobre la VI edizione della Biennale di Mosaico Contemporaneo a Ravenna, con opere e artisti di tutto il mondo che si incontrano nella città capitale del mosaico. La rassegna RavennaMosaico è promossa e organizzata dal Comune di Ravenna e con il coordinamento del MAR – Museo d’Arte della città di Ravenna grazie al prezioso contributo della Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna, di Edison e di Marcegaglia.

Accolta in monumenti, musei, chiostri e spazi simbolo della città che diventano gallerie d’eccezione in cui arte antica e arte contemporanea sono in costante dialogo, tutto è volto alla celebrazione dell’antica tecnica. Al MAR hanno luogo due grandi mostre: “Chuck Close. Mosaics”, curata da Daniele Torcellini, e “Riccardo Zangelmi. Forever young” curata da Davide Caroli. Oltre a questi eventi, sono previsti numerosissimi altri appuntamenti, in un percorso di confronto e collaborazione che coinvolge diversi soggetti e alcune nuove realtà. Palazzo Rasponi dalle Teste ospita “Opere dal Mondo” (la tradizionale mostra-concorso a cura di AIMC con una selezione di lavori di artisti internazio-

CaCO3, Cattedrale n54, 2017 Site Specic: Palazzo Rasponi dalle Teste

nali) e la quinta edizione del premio “GAeM Giovani Artisti e Mosaico”.

La storica Biblioteca Classense apre tutti i suoi spazi alla Biennale: dalle

Accademia di Belle Arti di Ravenna Incursioni: Mosaici Ruvidi Mostra: Biblioteca Classense

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sale espositive a quelle di lettura, dai chiostri agli ambienti più rappresentativi. L’Accademia di Belle Arti di Ravenna, presenta “Incursioni”, un

Felice Nittolo - La luce si fa forma Site Specific: Battistero Neoniano Museo Arcivescovile e Cappella S. Andrea

A sinistra: Artefix Mosaico.

Dall’antico al Contemporaneo. 1959-2019 Opere in mosaico della scuola di Ravenna Mostra: Liceo Artistico Nervi-Severini Galleria Permanente Antonio Rocchi

Stefano Mazzotti - Crisalide, 2019 Site Specic: Cripta Rasponi

affascinante intreccio di storie in cui seguire i fili delle nuove esperienze creative dei più giovani artisti del mosaico. E ancora, la mostra “Tessere di mare” al Classis - Museo della Città e del Territorio: dal mosaico antico alla copia moderna, un’esposizione di mosaici pavimentali romani che sottolineano il rapporto della città con il mare. Il Museo Nazionale di Ravenna presenta “Intersezioni”, opere di Sara Vasini e Luca Freschi, due giovani artisti dai linguaggi e dagli esiti artistici molto diversi fra loro. Alla Basilica di Sant’Apollinare in Classe “Eldorato”, il progetto dell’artista Giovanni de Gara che racconta l’illusione di una terra dell’oro attraverso installazioni site-specific che utilizzano le coperte isotermiche.

Il dialogo costante tra antico e contemporaneo si respira anche negli altri monumenti Unesco: presso il Battistero Neoniano, il Museo Arcivescovile e la Cappella S. Andrea sono esposte le istallazioni musive site-specific di Felice Nittolo a cura di Linda Kniffitz.

RavennaMosaico 2019 è anche ricerca, tutela e conservazione: il Comune di Ravenna, le Fondazioni Flaminia e RavennAntica, l’Università di Bologna, l’Accademia di Belle Arti di Ravenna, il Liceo Artistico Nervi-Severini e in collaborazione con l’AIMC, danno vita a un grande progetto di restauro e riqualificazione del Parco della Pace, un vero e proprio museo all’aria aperta inaugurato nel 1988 con mosaici, fra i tanti, di Mimmo Paladino e Bruno Saetti.

Grande fermento dunque per la Biennale di Mosaico Contemporaneo, con tante iniziative, mostre, convegni, incontri e attività didattiche che coinvolgono tutta la città nei l suoi luoghi più suggestivi. s

M a rc o Ferrari

Motor House

by Marco Ferrari di Padova

Luigi Tazzari, reportage fotografico Palazzo Rasponi dalle Teste

INFO www.marcoferrariartist.com

biancoscuro

Chuck Close Dal selfie fotografico a quello tradotto in mosaico di

Ettore Tiretto

I

l MAR - Museo d’Arte della Città di Ravenna, nell’ambito della VI edizione di RavennaMosaico 2019, Biennale di Mosaico Contemporaneo, presenta la mostra dell’artista statunitense Chuck Close, “Mosaics”. Affetto da prosopagnosia (un disturbo che non permette di riconoscere le persone per mezzo dei soli caratteri fisionomici), Close ha saputo trasformare un problema in arte: partendo dalla bidimensionalità della fotografia, ha sviluppato una pratica artistica con cui indagare gli infiniti modi di rappresentare lo stesso soggetto, dal realismo fotografico ai limiti dell’astrazione, in una società abituata alla comunicazione dei volti per mezzo dei selfie e al loro rico-

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noscimento automatico grazie alle più recenti tecnologie sviluppate con intelligenza artificiale.

In una continua esplorazione di tecniche e di media, Chuck Close giunge al mosaico a seguito del coinvolgimento nel progetto artistico per la Metropolitana di New York.

La mostra al MAR è dedicata all’ultima serie di opere a mosaico (smalti, vetri e ceramiche colorate) e ne presenta sette di grandi dimensioni.

La prima parte della mostra espone una selezione di opere che rappresentano l’interesse dell’artista verso altre tecniche extra-pittoriche (fotografie polaroid, arazzi, una stampa pochoir, ed altro), mentre la seconda sezione documenta il la-

In alto: Chuck Close - Self-Portrait (Jade Glasses) 2016, Jacquard tapestry, 94x75 in.

Magnolia Editions Sotto: Chuck Close - Self-Portrait (Jade Glasses)/Mosaic, detail, 2019 Hyper-realistic, stained glass, 78x65”.

Fabricated by Mosaika Art & Design

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biancoscuro

voro svolto dai laboratori Mosaika Art and Design e Magnolia Editions per la realizzazione dei mosaici, cercando con l’artista soluzioni inedite dal punto di visto tecnico e dei materiali e nella messa a punto delle tipologie di mosaico più adatte a tradurre le estetiche delle l opere di Chuck Close. s

A destra: Chuck Close - Emma Subway Portraits, detail, 2017 Hand-glazed ceramic mosaic Fabricated by Mosaika Art & Design NYCT Second Avenue–86th Street Station Commissioned by Metropolitan Transportation

Sotto: Chuck Close - Emma Subway Portraits, 2017 Hand-glazed ceramic mosaic Fabricated by Mosaika Art & Design NYCT Second Avenue–86th Street Station Commissioned by Metropolitan Transportation

CHUCK CLOSE Mosaics

05 ottobre 2019 – 12 gennaio 2020 MAR - Museo d’Arte della città di Ravenna, Ravenna INFO T. +39 0544 482477 Da martedì a sabato 9.00 - 18.00 Domenica e festivi 11.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

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EMOTIKON16, 2017, giclée fine art print – limited to 20 editions worldwide. 60x40 cm.

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Riccardo Zangelmi Forever Young di

Daniela Malabaila

Riccardo Zangelmi Acqua e sapone, 2018

P

rimo ed unico LEGO® Certified Professional italiano, uno delle 16 persone nel mondo ad avere questa certificazione: Riccardo Zangelmi espone le sue ope-

re (create con in mattoncini di plastica più famosi del mondo) negli spazi della Loggetta Lombardesca, con la mostra intitolata “Riccardo Zangelmi. Forever young”.

L’occasione è quella della rasse-

Riccardo Zangelmi Grida la creatività, 2018

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gna RavennaMosaico, biennale di Mosaico Contemporaneo, presentata dal MAR - Museo d’Arte della Città di Ravenna.

L’artista ha voluto celebrare la città che ospita la sua prima importante mostra museale e ha appositamente realizzato un’opera raffigurante Dante Alighieri che entrerà a far parte delle collezioni permanenti del MAR, un traguardo importantissimo.

In esposizione 20 opere realizzate con quasi 800mila mattoncini colorati; la mostra rappresenta un vero e proprio progetto creativo costituito da oggetti, ricordi e fantasie legati al mondo dell’infanzia, con l’obiettivo di “far riemergere il fanciullino che si nasconde ancora in ognuno di noi”.

Lungo il percorso veniamo accolti da opere bidimensionali, sculture e oggetti di design che ci trascinano in un mondo, ed

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biancoscuro

in un tempo, in cui anche noi avevamo la libertà di creare e di dare forma alla nostra immaginazione, proprio come sta facendo Zalgelmi, più in grande.

Nonostante la giocosità della proposta, le opere di Zangelmi nascono da un rigoroso studio e da una puntuale progettazione scientifica: un nuovo modo di pensare al mosaico, lo si potrebbe definire “Mosaico Pop” per l’uso di un materiale come il mattoncino più famoso del mondo: un azzardo forse, ma di assoluto successo.

Dalle parole dello stesso artista percepiamo la poesia con la quale vuole condurci in questo viaggio a ritroso, per ritrovare oggi i bambini che eravamo ieri: “In questa mostra troviamo “Hope”, la speranza, la più preziosa tra le aspirazioni, innata in ogni bambino e “Chiedilo alle stelle” che raffigura un universo di sogni nel

quale immergersi e cercare quello più importante, e che racconta la mia storia di fanciullo perso fra i Lego, con la voglia di trovare una strada”.

Un’esposizione dove l’arte e la tecnologia della materia, incontrano l’emozione nostalgica e l sognante dell’essere umano. s

Riccardo Zangelmi - Goat different, 2018

Riccardo Zangelmi - Take Love

RICCARDO ZANGELMI Forever young

05 ottobre 2019 – 12 gennaio 2020 MAR - Museo d’Arte della città di Ravenna, Ravenna INFO T. +39 0544 482477

Riccardo Zangelmi - Fly, 2017

Da martedì a sabato 9.00 - 18.00 Domenica e festivi 11.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.mar.ra.it

Riccardo Zangelmi, Chiedilo alle stelle, 2018

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M A U R O PA VA N

“Opera 19/1” 2019, acrilico su tela, 120x100 cm.

“Lirismo agostano” 2019, acrilico su tela, 150x100 cm.

www.pavanart.com

visualartist58@gmail.com

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Vittorio Valente alla Showcases Gallery

In esposizione Cellule e nuove forme di

Flavio Ennante

D

mente personale operando sempre all’interno del confine di indagine del rapporto tra arte e scienza.

Le sue “punte molli” presenti in diverse opere, ci riportano di fatto in una dimensione organica originale e le sue “griglie”, che si ispirano alle catene del DNA, colorate, riflettenti, morbide, delineano la logica di un’idea di progettazione artistica unitaria.

Importanti artisticamente e come riflessione di pensiero, sono i suoi “guerrieri silenziosi” e la serie di opere denominate “virus installati”, in cui l’artista riveste oggetti di uso quotidiano con un “dermascheletro”, che di fatto li lascia intravvedere allo spettatore, ma allo stesso tempo li sottrae al suo utilizzo e alla dimensione del reale.

Vittorio Valente che è uno degli artisti firmatari e fondatori del movimento Cracking Art, partendo da una rappresentazione nelle sue opere della vita organica, è riuscito nel suo percorso artistico a giungere a una riflessione sintetica sul deterioramento culturale e sociale, sulla potenzialità della trasformazione come elemento induttivo di sviluppo e sull’equilibrio di elementi/strutture pol tenzialmente instabili. s

al 28 settembre in mostra alla Showcases Gallery una selezione di opere dell’artista genovese (di origini astigiane) che ha iniziato la sua carriera artistica negli anni ‘80, vantando ora numerose apparizioni in gallerie e musei. Valente ha sviluppato nel corso degli anni un percorso artistico e creativo estrema-

MONDO INVISIBILE

Mostra personale di Vittorio Valente 28 settembre - 25 ottobre 2019

Via San Martino della Battaglia, 11 Varese INFO T. +39 0332 237529 showcases.gallery@gmail.com Dal lunedì al venerdì 9.00 - 12.30 / 15.00 - 18.00 Sabato e Domenica su appuntamento Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

http://showcasesgallery.blogspot.com

“Cellule”, 2017, silicone colorato, 60x60 cm.

“Cellule” 2019, silicone colorato, 30x30 cm.

Loredana B o l d i n i w w w . l o r e d a n a b o l d i n i . i t

loredana@loredanaboldini.it l_bold28graphic l_bold28

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LA VITA DIETRO LO SCHERMO con fondo a stucco, 70x80 cm.

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WIDMER TASSINARI

“La luna amoreggia con la stella” - 2011, tecnica mista, 100x150 cm.

www.widmertassinariopere.altervista.org widmer.tassinari@gmail.com Widmer Tassinari

Ha Chong-Hyun La ridefinizione del linguaggio della pittura

RITA ASTOLFI

di Vincenzo Chetta

H

a Chong-Hyun, uno degli artisti più apprezzati della Corea del Sud, è in mostra presso la Cardi Gallery di Milano fino al 20 dicembre. Il coreano è una delle personalità più importanti della storia dell’arte del dopoguerra, figura di spicco del movimento artistico coreano Dansaekhwa (letteralmente “pittura monocromatica”, sia nei colori che nelle tecniche utilizzate).

Tra le privazioni materiali estreme e il sistema politico autoritario che hanno caratterizzato la Corea degli anni ’60 e ’70, l’artista ha esplorato il potenziale espressivo di materiali non convenzionali come carta da giornale, rottami di legno e filo spinato applicati sulla tela. Lavorando con le tonalità tenui della terra su superfici di tela e canapa, combinando tradizioni pittoriche orientali e occidentali e sfidando la delimitazione rigorosa tra scultura, pittura e performance, Ha Chong-Hyun ha contribuito a ridefinire il linguaggio della pittura.

Questa mostra offre l’opportunità di approfondire il lavoro che ha sfidato la definizione tradizionale di pittura e ha contribuito ad aprire un nuovo e vitale capitolo dell’arte visiva coreana. La galleria presenta una selezione di opere della serie “Conjunction”, sia storiche che più recenti, fino a un nucleo realizzato appositamente per l’occasione.

Nei lavori esposti, la classica palette di colori neutri e blu profondi utilizzata da Ha Chong-Hyun si arricchisce di altre intense tonalità di blu, rosso e nero, il cui uso de-

Energia cosmica 2015 acrilico e resina 100x70 cm.

Ha Chong-Hyun - Conjunction 18-12 2018, oil on hemp cloth, 227x182 cm.

Courtesy of Cardi Gallery - Copyright The Artist

riva dall’impegno dell’artista nell’esplorazione dei colori caratteristici degli interni coreani. Il rosso vermiglio, in particolare, rappresenta un elemento di novità, essendo entrato a far parte della pratica di Ha Chong-Hyun solo dal l 2018. s

Ha Chong-Hyun - Conjunction 83-08 (A+B) 1983, oil on hemp cloth, 220x220 cm.

Courtesy of Cardi Gallery - Copyright The Artist

Flussi di energie sottili HA CHONG-HYUN Conjunction

2015 acrilico e resina 100x70 cm.

18 settembre - 20 dicembre 2019 Cardy Gallery, Milano INFO T. +39 02 45478189 Da lunedì a venerdì 10.00 - 19.00 Sabato su appuntamento Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.cardigallery.com

rita.astolfi@gmail.com Rita Astolfi Artista

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Gianluca Giuseppe

SEREGNI

SIMPHONIK WORLD - mixed media on synth glass, 50x50 cm.

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Dove siamo, adesso?

Vittorio Guida indaga il mondo contemporaneo di

Rebecca Maniti

N

ella Palazzina dei Giardini di Modena è in scena la personale di Vittorio Guida, “Where are we now? Volumi I e II”, nella quale l’artista napoletano racconta attraverso una serie di opere il mondo contemporaneo. Il risultato è il ritratto di una società che sta perdendo il senso della comunità, dominata dalla paura, dal rancore e dall’ostilità.

L’artista ha lavorato in diversi ambiti e realizzato immagini in numerose parti del mondo (suoi molti reportage in Burundi, Burkina Faso, Togo, Benin, Kenya, Qatar e Islanda, e nel 2009 si è trasferito a Pechino), con particolare attenzione nei confronti di due aree considerate centrali per il futuro sviluppo del pianeta: la Cina e l’Africa. Il percorso espositivo si apre con l’installazione scultorea che presenta un esercito di statuine di Mao Zedong rappresentato come “gatto della fortuna”.

Seguono due serie fotografiche con protagonisti un robot di ultima generazione, capace di movimenti autonomi grazie a una rete neuronale artificiale, e un grillo “metallizzato”, insetto tenuto in cattività in Cina come animale da compagnia o da combattimento.

Numerosi dunque i temi toccati, dallo sviluppo della personalità alla libertà individuale. Segue la visione dei due video “Where are we now? Volume 1 e Volume 2” (il secondo è inedito e prodotto appositamente per questa mostra): un insieme di immagini che non obbediscono a regole di unità stilistica, ma fanno coesistere temi e generi, colore e bianco e nero, fotografia diretta e montaggi digitali, Vittorio Guida - Londra, 2017 © Vittorio Guida

Alby Milano IL 50º ANNIVERSARIO DELLO SBARCO SULLA LUNA

rispecchiando la liquidità del mondo contemporaneo. Resta un enorme e disordinato l archivio del nostro tempo. s

Vittorio Guida - The economic miracle, 2010 © Vittorio Guida

VITTORIO GUIDA

Where are we now? Volumi I e II

“The man on the Moon” 2019 tecnica mista con olio e inserti in stoffa, legno e gesso 47x61 cm.

13 settembre - 17 novembre 2019 Palazzina dei Giardini, Modena INFO T. +39 059 2033166

Mercoledì, giovedì, venerdì 11.00/13.00 - 16.00/19.00 Sabato, domenica e festivi 11.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.fmav.org

“Questa è la storia di uno di noi, diceva Celentano… E questa è la mia storia: amo camminare, ma le passioni importanti sono la musica e l’arte. Ultimamente mi dedico a dipingere con colori ad olio su tela. Le mie ispirazioni partono da sole. Come un autore di poesia sceglie la parola giusta da inserire nel testo, io nella pittura uso il pennello come uno strumento musicale e inserisco le mie melodie e gli accordi per sfumare e dare luce ai miei dipinti.”

Alby Milano

albydance

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Alby Alberto Milano albydance@hotmail.com

Fernando Montagner Nuova esposizione per Room COMPLEMENTI D’ARREDO D’AUTORE BIANCO/NERO

Le opere di Sandra Vásquez de la Horra al Museo Novecento di Firenze

I

l Museo Novecento ospita la prima mostra personale in un museo italiano dell’artista cilena Sandra Vásquez de la Horra, a cura di Rubina Romanelli. L’esposizione allestita all’interno dello spazio Room, prosegue il ciclo di mostre di artiste donne, un’occasione unica per osservare un corpus di lavori appartenenti alla produzione degli ultimi anni di Sandra, oltre ad alcune opere realizzate appositamente per l’occasione, dopo che l’artista si è lasciata ispirare dalle opere di Mario Sironi presenti nella collezione permanente. Sandra Vásquez de la Horra lavora col medium del disegno che immerge poi nella cera e da questa è per sempre “sigillato”.

Le immagini che abitano i suoi lavori provengono dall’inconscio, dalla memoria, da una ricerca trasversale interculturale; i suoi disegni hanno spesso come protagoniste persone di sesso femminile in un ambiente vuoto, senza sfondo, in posizioni strane, situazioni surreali o di rischio. L’ampio vocabolario simbolico da cui attinge evoca anche la complessa storia latinoamericana, fatta spesso di scontri brutali e sottomissioni che drammaticamente l perseverano tutt’oggi. s

ROOM. SANDRA VASQUEZ DE LA HORRA Aguas profundas

12 luglio – 17 ottobre 2019 Museo Novecento, Firenze INFO T. +39 055 286132 info@muse.comune.fi.it Da lunedì a domenica 11.00 - 19.00 Giovedì 11.00 - 14.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.museonovecento.it

Sotto: due viste del percorso espositivo

GOCCIA DI FUOCO 2019, tecnica mista su legno e plexiglass, 30x115 cm.

YouTube: Fernando Montagner Prato IT monferdi49@gmail.com Fernando Montagner Fernando Montagner 84

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Pupi Perati www.pupiperati.it

P. Perati - IL MARE IN UNA GOCCIA - 2019, tecnica mista in vetrofusione su tavola dipinta con tempere acriliche, 42x36x3 cm.

pupi.perati@libero.it

Pupi Perati

Pupi Perati

Antonella Laganà

A.Laganà - ADDIS ABEBA 2 - 2019, tecnica mista, 70x50 cm.

INFO lagana2.al@gmail.com www.laganaantonella.it laganaanto

Gino Severini a Firenze Paesaggi e saltimbanchi in mostra

G

ino Severini è il protagonista del quinto appuntamento di “Solo” sui grandi maestri del Novecento. La mostra è curata da Lino Mannocci e Sergio Risaliti e si concentra sulla produzione risalente agli anni Venti e Trenta dell’artista toscano, proponendo una selezione di opere in cui l’iconografia dei soggetti è legata alla Commedia dell’arte, al teatro e alla musica. L’esposizione riporta per la prima volta in Italia una selezione di gouaches relative alla Sala delle Maschere di Montegufoni, dove Severini recupera la tradizione dell’affresco.

La mostra presenta inoltre quattro dei sei pannelli che decoravano la dimora Rosenberg, in cui paesaggi classici sono animati dalle maschere. In mostra anche alcuni disegni preparatori e diversi documenti che attestano le ricerche attorno a questi soggetti e allo studio della geometria e delle leggi della proporzione. La ricerca di purezza stilistica incontra le vicende umane e sociali rappresentate dalle maschere, restituendo un mondo gioioso, ma malinconico. Queste opere, successive alla stagione delle avanguardie, si inseriscono nella tendenza di un nuovo classicismo, tipica del clima artistico e culturale tra le due guerre, che trova in l Severini un attento anticipatore. s

Laura Fasano

SOLO

Gino Severini

12luglio – 10 ottobre 2019 Museo Novecento, Firenze INFO T. +39 055 286132 info@muse.comune.fi.it Da lunedì a domenica 11.00 - 19.00 Giovedì 11.00 - 14.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.museonovecento.it

Sotto: Gino Severini - Serenata gouache Collezione privata

Sotto a sinistra: Gino Severini - Le demon du jeu, olio su tela. Pinacoteca di Brera Sotto a destra: Gino Severini - Le coup de froudre, olio su tela, Pinacoteca di Brera

“Per sempre” 2019 tecnica mista con acrilico, olio, cold wax e hot wax 47x61 cm.

“Dotata di un linguaggio artistico originale, si esprime attraverso immagini dal forte richiamo evocativo. Sono raffigurazioni che rimandano ad un mondo antico, denso di connotazioni classiche che diventano icone per una rilettura, in chiave contemporanea, che ha ancora molto da dirci. Si realizza un viaggio iconico verso una ricerca di bellezza ed equilibrio, in un mondo atemporale, reso in una dialettica allusiva verso la natura e l’ambiente.”

V. Cracas

laurafasano@libero.it www.laurafasano.artistaonline.com

Laura Fasano Pittrice

biancoscuro

BIaNCOSCURO ART CONTEST

Tutti i vincitori del BIANCOSCURO Art Contest 2019 21 settembre 2019 - Cerimonia di premiazione a Monte-Carlo, Principato di Monaco presso l’esclusivo Monte-Carlo Bay. Presenti gli artisti per ritirare la certificazione. Al seguito della videoproiezione delle opere in gara, sono stati conferiti i premi “Copertina”, “Mostra Personale”, “ArtManagement” ed i premi “Mostra Collettiva”. di Flavio Ennante

A

anche quest’anno le votazioni delle opere in concorso al BIANCOSCURO Art Contest sono state impegnative. Talento e buona tecnica, spesso a far passare le ultime selezioni, per solo qualche punto, sono state le singole votazioni su creatività, tecnica ed esecuzione. Anche nel 2019 abbiamo scelto di visionare le opere dal vivo, sicuramente un grande impegno di tempo e spazio, ma ripagato dalla gioia nel vedere concretamente le opere, e non solo attraverso lo schermo di un computer. Stretto riserbo sui risultati fino all’ultimo, i vincitori sono stati annunciati solo nella serata della cerimonia di premiazione, il 21 settembre a Monte-Carlo, presso le sale del prestigioso Monte-Carlo Bay. A veder riconosciuto il loro impegno in questa splendida cornice, tutti gli artisti iscritti, i quali hanno potuto ritirare

l’attestato di partecipazione e stringere la mano alla giuria. Doverosi i complimenti a tutto lo staff che lavora dietro le quinte per far sì che l’organizzazione di tutto il concorso sia perfetta. Confermato anche nel 2019 il Party Vip con dinner cocktail, accompagnato da pregiati vini francesi. Una festa nella festa che ha sollevato anche chi non aveva vinto uno dei premi in palio, creando un momento di vera condivisione fra tutti i partecipanti.

Il Direttore Vincenzo Chetta ha voluto aggiungere:“Vogliamo ringraziare anche chi, non venendo selezionato nella prima fase del concorso, o non vincendo uno dei premi in palio, si è comunque complimentato con la Giuria, per l’attento lavoro svolto. Questo ci rende molto orgogliosi”.

Un concorso con basi solide, ormai punto cardinale nella società artistica, trampolino e conferma della buol na arte contemporanea. s

Sopra nella foto (da sinistra): Daniela Malabaila, Vincenzo Chetta, Franco Crugnola, Isabella Rigamonti e Lucia Garnero. Ph. Enrico Mangano Nelle foto a destra i partecipanti alla cerimonia e alcuni momenti del Party Vip. Ph. Enrico Mangano

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biancoscuro

BIaNCOSCURO ART CONTEST PITTURA

GABRIELE MARCHESI “Sguardo sognatore”

SCULTURA GRAFICA I 4 vincitori del PREMIO COPERTINA

MARCELLO SILVESTRE “Le città invisibili (Dorotea, Zenobia, Irene)”

FU WENJUN “1980’s No.2”

FOTOGRAFIA

SIMONETTA ROSSETTI “Ibrido”

I 4 vincitori del PREMIO MOSTRA PERSONALE

DAVIDE FERRO “Grotta blu”

BERNHARD WITSCH “Dragon (Saphira)”

ROBERTO BOCCHINI “Nascosti agli sguardi”

MASSIMO PELAGAGGE “Il Portale”

I 4 vincitori del PREMIO ART MANAGEMENT

PAOLO CUTRANO “Unicorno templare”

QAZIM ARIFI “Ritratto di Arturo Schwarz”

MONOMAX “More than a...”

FIORENZO SERNACCHIOLI “Arte non Scolpita 001”

I vincitori del PREMIO MOSTRA COLLETTIVA Alessandro Masera, Aldo Basili, Gianluca Calicchio, Francesca Loconsole, Federica Marin, Vincent Messelier, Luigi Minguzzi, Umberto Salmeri, Mario Voria, Mariella Muller, Simona Veronica Verzichelli, Rosa Maria Falciola, Concetta De Pasquale, Gianni Lorenzo Depaoli, Matteo Fieno, Luca Lova, Francesca Pavesi, Pupi Perati, Giuseppe Portella, Ennio Zangheri.

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R O B E R TA

R.Gelsomino - Pesci rossi orientali - 2017 - tecnica con acquarello - 21x29,7 cm.

robertagelsomino34@gmail.com

GELSOMINO

R.Gelsomino - Ragazze 1 - 2017 - tecnica mista con pennarelli acrilici - 21x29,7 cm.

www.robertagelsomino.com

biancoscuro

Berlin Art Week

La settimana in cui Berlino diventa polo artistico internazionale

From “Walking Through Walls “ Jose Dávila, Untitled (Allure), 2014. Marble plate, ratchet straps, eye bolts. 177,7x301,1x550 cm.

Ph. Enrique Macías Martínez. Courtesy the artist & König Galerie

di Vincenzo Chetta

A

[1]

[2]

[3]

[4]

nche per quest’anno durante la Berlin Art Week i musei di Berlino, locali espositivi, fiere d’arte, collezioni private e spazi di progetto hanno unito le forze presentando un programma congiunto.

Una settimana dove la città si apre agli art-lovers di tutto il mondo, giorni in cui i visitatori vivono Berlino come un luogo d’arte contemporanea, dove vivono e lavorano artisti (tedeschi e internazionali), dove l’arte viene creata e dove vengono discussi gli argomenti d’attualità del mondo dell’arte.

Tra gli eventi proposti dai partner troviamo in primo piano le due fiere cardine: ArtBerlin e Positions Berlin Art Fair entrambe in posizione strategica, al Flughafen Tempelhof ex aereoporto commerciale ora location ideale per fiere, eventi e circuiti cittadini; Akademie der Künste in Pariser Platz (Porta di Brandeburgo, luogo simbolo di Berlino); Hamburger Bahnhof con in mostra opere della Nationalgalerie; Il KW Institute for Contemporary Art anche nel 2019 ha affrontato questioni centrali dei nostri tempi con una selezione di opere di Christina Ramberg; STATISTA negli vasti spazi vuoti della Haus der Statistik (Alexanderplatz), ha testato se la collaborazione sociale è un’opzione valida nel contesto odierno per lo sviluppo dei principi collettivi; Gropius Bau una delle sedi espositive più importanti d’Europa ha presentato Walking Through Walls, a memoria del trentesimo anniversario della caduta del muro e Garden of Earthly Delights, dove 20 artisti internazionali hanno utilizzano il “giardino” come metafora dello del mondo.

La Berlin Art Week è supportata dal Dipartimento del Senato per la Cultura e dal Dipartimento del Senato per l’economia ed è realizzata con il l sostegno di GASAG. s

A

lso this year during the Berlin Art Week the Berlin museums, exhibition spaces, art fairs, private collections and project spaces have joined forces by presenting a joint program.

A week where the city opens up to art-lovers from all over the world, days in which visitors experience Berlin as a place of contemporary art, where artists (German and international) live and work, where art is created and where the current affairs of the art world are discussed.

Among the events proposed by the partners we find in the foreground the two key fairs: ArtBerlin and Positions Berlin Art Fair both in a strategic position, at the Flughafen Tempelhof, a former commercial airport, now an ideal location for fairs, events and city circuits; Akademie der Künste in Pariser Platz (Brandenburg Gate, symbol of Berlin); Hamburger Bahnhof showing works by the Nationalgalerie; The KW Institute for Contemporary Art also in 2019 addressed central issues of our times with a selection of works by Christina Ramberg; STATIST in the vast empty spaces of the Haus der Statistik (Alexanderplatz), tested whether social collaboration is a viable option in today’s context for the development of collective principles; Gropius Bau, one of Europe’s most important exhibition venues, presented Walking Through Walls, in memory of the thirtieth anniversary of the fall of the wall and Garden of Earthly Delights, where 20 international artists have used the “garden” as a metaphor for the world.

The Berlin Art Week is supported by the Department of the Senate for Culture and the Department of the Senate for the economy and is carried l out with the support of GASAG. s

[1] Haus der Statistik, Berlin, Ph. Victoria Tomaschko. [2] From “Garden of Earthly Delights” Yayoi Kusama, “With All My Love for the Tulips, I Pray Forever”, 2013. Ph.Mathias Völzke. Courtesy Ota Fine Arts. [3] From “Garden of Earthly Delights” Korakrit Arunanondchai, “2002–2555” (Detail) Ph. Mathias Völzke. Courtesy the artist, Whitney Museum, New York & CLEARING. [4] From “Garden of Earthly Delights”. Rashid Johnson, “Antoine’s Organ” (Detail), 2016. Ph. Mathias Völzke. Courtesy the artist and Hauser & Wirth.

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biancoscuro

Arte Padova

La 30ª edizione dal 15 novembre 2019 The 30th edition, from 15 november 2019 di Vincenzo Chetta

S

ettembre del 1990, più precisamente dal 27 al 30: questa è la data della prima edizione della Fiera d’Arte Moderna e Contemporanea a cui parteciparono 47 espositori nei padiglioni 14 e 15 della Fiera di Padova.

Nata sotto la direzione artistica di Nicola Rossi, ancora oggi alla sua guida nell’anniversario della 30ª edizione Trent’anni dedicati al mondo dell’arte, seguendo attentamente i suoi cambiamenti e le sue evoluzioni.

Nel 2011 Rossi attua una rivoluzione nel mondo delle fiere d’arte inaugurando la sezione Contemporary Art Talent Show, sezione dedicata ad artisti emergenti, creando un contesto nazionale di rilievo, un format che ha dato una scossa al settore aprendo all’artista indipendente la strada del commercio nel campo dell’arte.

Consolidandosi di anno in anno è di recente sigla la partnership con BANCA Mediolanum, da sempre sensibile all’arte e agli artisti emergenti del panorama contemporaneo. La quale mette a disposizione un premio in denaro riservato agli artisti emergenti.

Dal 1990 ad oggi sono cambiate tante cose: i padiglioni non sono più 2 (il 14 e 15) ma sono aumentati ed ora sono 3, il padiglione 7 e 8 dedicati al moderno ed al contemporaneo con il padiglione 1 dedicato agli artisti emergenti; gli espositori, passati a circa 300 e le opere, oltre 15.000 in 28.000 m2 di superficie.

Insomma per citare le parole del patron Nicola Rossi “Durante questa fiera la città di Padova ha a disposizione il più grande museo temporaneo, di arte moderna e conl temporanea d’Italia.” s INFO Arte Padova dal 15 al 18 novembre 2019 Via Niccolò Tommaseo, 59, Padova

S

eptember 1990, more precisely from 27 to 30, this is the date of the first edition of the Modern and Contemporary Art Fair in which 47 exhibitors took part in pavilions 14 and 15 of the Fiera di Padova.

Born under the artistic direction of Nicola Rossi, still today at his helm in the anniversary of the 30th edition.

Thirty years dedicated to the world of art, carefully following its changes and evolutions.

In 2011 Rossi implemented a revolution in the world of art fairs by inaugurating the Contemporary Art Talent Show section, a section dedicated to emerging artists, creating a significant national context, a format that gave a shock to the sector by opening the street to the independent artist of commerce in the field of art.

Consolidating itself from year to year, it has recently signed the partnership with BANCA Mediolanum, which has always been sensitive to art and to emerging artists on the contemporary scene. Which provides a cash prize reserved for emerging artists.

Since 1990 many things have changed: the pavilions are no longer 2 (14 and 15) but have increased and now they are 3, pavilion 7 and 8 dedicated to modern and contemporary with pavilion 1 dedicated to emerging artists; the exhibitors, with approximately 300 and the works, over 15,000 in 28,000 m2 of surface.

In short, to quote the words of the patron Nicola Rossi “During this fair the city of Padua has the largest temporary museum of modern and contemporary art l in Italy.” s Orari dalle 10.00 alle 20.00 Vernissage 14 novembre dalle ore 18.00 www.artepadova.com

Il catalogo della prima edizione di Arte Padova

Arte Padova 1991

Arte Padova 1993

Arte Padova 2004

Arte Padova 2007

Arte Padova 2014

Arte Padova 2018

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R oberta R agazzi

R.Ragazzi - IL GAZOMETRO E LA BALLERINA - 2016, fotografia ed elaborazione digitale, 90x67 cm.

R.Ragazzi - VI GUARDO E PENSO - 2016/2017, fotografia ed elaborazione digitale, 150x56,25 cm.

www.pareidoliart.it

rrpareidoliart@gmail.com

biancoscuro

Art Verona compie 15 anni

A Veronafiere dall’11 al 13 ottobre The 30th edition will be held from 15 to 18 november 2019 di Flavio Ennante

S

aranno 150, le gallerie presenti alla 15ª edizione di ArtVerona, suddivise in due macro aree: Main Section, che ospita gli artisti storicizzati del moderno e gli artisti del contemporaneo; Area Ricerca e Sperimentazione, che ospita in diverse sezioni gli artisti delle ultime generazioni.

Per festeggiare il suo quindicesimo anniversario ArtVerona amplia l’esperienza della fiera aprendo eccezionalmente al pubblico le attigue Gallerie Mercatali. I 6.400 mq di questo affascinante edificio di archeologia industriale, in corso di restauro da parte di Veronafiere, si trasformano per tre giorni in Loony Park, una grande installazione ambientale dell’artista Norma Jeane, realizzata da Contemporary Locus e a cura di Paola Tognon. Non solo una festa, ma un’esperienza artistica che evolve dal giorno alla notte, per entrare nei meccanismi dell’intrattenimento.

Un’opera interattiva che abbraccia arti visive e performance e si intreccia col suono grazie agli ospiti internazionali invitati da Path Festival, protagonisti del grande party di apertura di venerdì 11 ottobre e delle incursioni sonore che animeranno l’installazione nella serata di sabato 12 ottobre.

ArtVerona annuncia le giurie di una piattaforma sempre più articolata di premi e riconoscimenti, con due novità: il Premio MZ Costruzioni, nato su iniziativa di due imprenditori e collezionisti campani, e il Premio Casarini ideato dal Gruppo DueTorriHotels e rivolto alla pittura under 35. Confermati tutti gli altri riconoscimenti: Level 0, Premio Icona, Premio WiDiCollect in collaborazione con Banca Widiba, Display, Sustainable Art Prize, A Disposizione (fondo di Veronafiere)e il riconoscimento per i10 Spazi Indipendenti, nel decennale l del progetto, sostenuto da AMIA. s

T

here will be 150 galleries present at the 15th edition of Art Verona, divided into two macro areas: Main Section, which hosts the historicized artists of the modern and contemporary artists; Research and Experimentation Area, which houses the artists of recent generations in different sections.

In order to celebrate its 15th anniversary, ArtVerona is expanding the Fair experience by opening to the public the nearby Gallerie Mercatali. The 6,400 m2 of this fascinating industrial archeology building, currently being restored by Veronafiere, will be transformed for three days into Loony Park, a large environmental installation by the artist Norma Jeane, set up by Contemporary Locus and curated by Paola Tognon. Not just a party but an artistic experience that evolves as days turn into night, entering into the mechanisms of entertainment. An interactive work that encompasses visual arts and performance and intertwines with sound thanks to the international guests invited by Path Festival, the stars of the great opening party to be held on 11th October, and to the sound incursions that will animate the installation on the night between 11th and 12th October.

ArtVerona announces the juries of an increasingly complex platform of prizes and awards, with two new events: the Premio MZ Costruzioni, an initiative conceived by two Campanian collectors and entrepreneurs, and the Premio Casarini an idea of the DueTorriHotels dedicated to painting under 35.

All of the other prize have been confirmed: Level 0, Premio Icona, Premio WiDiCollect in collaboration with Banca Widiba, Display, Sustainable Art Prize, A Disposizione (Veronafiere fund)and the award for the i10 Spazi Indipendenti, on the 10th l anniversary of the project sustained by AMIA. s

Flip Project - Bianca Baldi Classic Scent,2018,Silver Gelatin Print mounted on Alu-dibond. 120x100 cm.

Io l’opera e tu, Gianni Pettena. Ph.Ennevi

Sopra (Above) Loony Park, installazione ambientale dell’artista Norma Jeane “The Straight Story cabine individuali per fumatori. Ph. Linda Nylind A sinistra (on the left) Loony Park, installazione ambientale dell’artista Norma Jeane “Potlatch 4.2/Sleeping Beauties Will Never Wake Up”. Ph. Matthieu Verdeil

INFO ArtVerona vernissage 11 ottobre 2019 11-13 ottobre 2019 Veronafiere, Padiglioni 11 e 12, Ingresso Re Teodorico, Viale dell’Industria www.artverona.it staff@artverona.it

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biancoscuro

Artissima 2019

La ventiseiesima edizione di Flavio Ennante

Sotto foto dell’edizione Artissima 2018 Below photo of the Artissima 2018 edition Ph. Perottino – Piva – Bottallo

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“I

l desiderio nasce dal rapporto tra il corpo e la società, tra la realtà vissuta e la realtà immaginata e ambita. [...] Il limite tra contenuti permessi e contenuti proibiti è al centro di un dibattito quanto mai attuale, che vede l’arte stessa oggetto di censura. Nel mondo digitale e sui principali social network il controllo preventivo, spesso algoritmico, rende di fatto sempre più difficile la diffusione e promozione del nostro patrimonio artistico-culturale.[...] E l’arte contemporanea rimane uno spazio di incontro vero e fisico tra la persona e le sue aspirazioni”.

Queste le parole di Ilaria Bonacossa per presentare la 26ª edizione di Artissima, che inaugurerà giovedì 31 ottobre rimanendo aperta e sino a domenica 3 novembre negli ampi spazi dell’Oval di Torino.

L’unica fiera italiana dedicata esclusivamente al contemporaneo si prepara ad accogliere i suoi 55.000 visitatori con un palinsesto che, mantenendone intatta l’identità di ricerca e d’avanguardia, proporrà idee e proposte inedite per rispondere agli stimoli delle istanze più interessanti del nostro tempo.

Le novità dell’edizione 2019 sono: “Hub Middle East, un nuovo progetto in collaborazione con Fondazione Torino Musei che intende offrire una ricognizione sull’arte in un’area geografica centrale; “Abstract Sex: We don’t have any clothes, only equipment” è un innovativo progetto espositivo di Artissima, incentrato sul tema del desiderio, in linea con il fil rouge di questa edizione; Artissima Telephone, un progetto espositivo pensato con e per gli spazi delle OGR; Back to the Future, una sezione all’avanguardia della fiera, dedicata alla riscoperta dei pionieri della contemporaneità.

Artissima nel 2019 propone la dialettica desiderio/censura come tema trasversale attorno al quale far convergere l’attenzione. L’obiettivo è stimolare una riflessione aggiornata ed eterogenea sulle ambizioni e sulle utopie contemporanee, sugli impulsi che plasmano i tempi e sulle prospettive e le narrazioni che li attraversano, sul complesso rapporto che esiste nella società contemporanea tra le immagini e il loro controllo. La fiera riafferma così la propria forza dinamica contribuendo alla crescita del mercato italiano, stimolando e sostenendo il collezionismo attento alla ricerca e una visione critica e curatoriale in continua evoluzione. La fiera è gestita da Artissima srl, società l che afferisce alla Fondazione Torino Musei. s INFO artissima vernissage 31 ottobre 2019 ore 17.30 Apertura al pubblico 1-2-3 novembre 2019

“D

esire springs from the relationship between the body and society, between experienced reality and an imagined, coveted existence. [...] The borderline between permitted and prohibited content is at the centre of a very timely debate in which art itself is the object of censorship.

In the digital world and the main social networks preventive, often algorithmic control increasingly hampers the spread and promotion of our artistic-cultural heritage.[...] And contemporary art is still a space of true, physical encounter between people and their aspirations”.

These are the words of Ilaria Bonacossa to present the 26th edition of Artissima, which will open Thursday, October 31st, remaining open and until Sunday 3rd November in the vast spaces of the Turin Oval. The only Italian fair dedicated exclusively to the contemporary is preparing to welcome its 55,000 visitors with a schedule that, keeping intact its research and avant-garde identity, will propose new ideas and proposals to respond to the stimuli of the most interesting instances of our time.

The new features of 2019 edition are: “Hub Middle East, a new project in collaboration with the Turin Museums Foundation which intends to offer an overview of art in a central geographical area; “Abstract Sex: We don’t have any clothes, only equipment” is an innovative exhibition project by Artissima, focused on the theme of desire, in line with the common thread of this edition; Artissima Telephone, an exhibition project designed with and for the OGR spaces; Back to the Future, an avant-garde section of the fair, dedicated to the rediscovery of contemporary pioneers.

Artissima in 2019 proposes the dialectic desire / censorship as a transversal theme around which to focus attention. The objective is to stimulate an up-to-date and heterogeneous reflection on contemporary ambitions and utopias, on the impulses that shape the times and on the perspectives and narratives that go through them, on the complex relationship that exists in contemporary society between images and their control. The fair thus reaffirms its dynamic strength, contributing to the growth of the Italian market, stimulating and supporting research-based collecting and a constantly evolving critical and curatorial vision.

The fair is managed by Artissima srl, a company l that belongs to the Torino Musei Foundation. s

OVAL Lingotto Fiere via Giacomo Mattè Trucco, 70 – Torino www.artissima.it info@artissima.it

Guglielmo Meltzeid

G. Meltzeid - WHY NOT? - 2019, acrilico su tela, 80x80 cm.

Studio e Gal l er i a a Pi an e zza (Tor i n o) e S a n t a Ma rg e r i t a L i g u re (G e n ova )

g m e l t z e i d @ g m a i l . c o m

-

m e l t z e i d . c o m

ROSA MARIA PROTOPAPA

Art Salzburg Contemporary Dalla Bauhaus alla Street-Art From Bauhaus to Street-Art

C Verso Sud 2019 olio su legno 50x42 cm.

protopapa.weebly.com protoroma@gmail.com protopaparte

Protopaparte

Il treno degli innocenti 2019 dittico in acrilico su tela 20x60 cm. / cad

ontemporaneo, Pop art e moderno: questi sono stati i temi principali ad ART Salzburg Contemporary dal 27 al 29 settembre nel centro espositivo di Salisburgo. La “diversità” è stata il tema centrale di questa fiera, che è stata orientata sin dall’inizio a livello internazionale. Per la direttrice Johanna Penz è importante “mostrare ai visitatori opere interessanti e mostre collaterali mai viste prima a Salisburgo. Quindi non più gli stessi, ma consapevolmente nuovi e diversi”.

Oltre al classico programma la fiera ha messo in scena 3 eventi collaterali. “Questi sono i nostri punti salienti e vogliamo anche dare impulsi in termini di contenuto”, ha spiegato la direttrice Penz.

La Galerie Dikmayer di Berlin-Mitte, ha sviluppato, in collaborazione con il Museo Henry van de Velde, un evento speciale per celebrare il 100° anniversario della Scuola Bauhaus. A Pablo Picasso, è stato invece dedicata la seconda collaterale. I galleristi Daniel Wahrenberger, Claudius Ochsner e Thomas Schafflützel, hanno esposto disegni originali, prove d’artista, stampe uniche e ceramiche del grande artista.

Lo street artist Kiddy Citny, reduce dal restauro di alcuni graffiti del Muro di Berlino, ha portato a Salisburgo una vivace live painting di tre giorni dal titolo l “Nel futuro”. s

C

ontemporary, Pop art and modern: these were the main themes at ART Salzburg Contemporary from September 27th to 29th in the Salzburg exhibition center. “Diversity” was the central theme of this fair, which was oriented from the outset at the international level. For director Johanna Penz it is important “mostrare ai visitatori opere interessanti e mostre collaterali mai viste prima a Salisburgo.

Quindi non più gli stessi, ma consapevolmente nuovi e diversi”.

In addition to the classic program, the fair staged 3 side events. “These are our highlights and we also want to give impulses in terms of content”, explained director Penz.

The Galerie Dikmayer of Berlin-Mitte, has developed, in collaboration with the Museum Henry van de Velde, a special event to celebrate the 100th anniversary of the Bauhaus School. The second collateral was dedicated to Pablo Picasso.

The gallerist Daniel Wahrenberger, Claudius Ochsner and Thomas Schafflützel, they exhibited original drawings, artist proofs, unique prints and ceramics by the great artist.

The street artist Kiddy Citny, fresh from the restoration of some graffiti of the Berlin Wall, he brought to Salzburg a lively three-day live painting entitled l “In the future”. s

BIANCOSCURO RIVISTA d’ARTE Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it

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Chester Art Fair

La fiera per artisti indipendenti leader nel Regno Unito The UK’s Leading Artist Arts Fair

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hester Arts Fair, importante evento artistico inglese, si svolgerà dal 15 al 17 novembre in una delle località più iconiche della città, l’ippodromo di Chester, nel centro della città. Da quando la fiera d’arte è stata aperta per la prima volta nel 2012, è cresciuta notevolmente. Ora attira oltre 100 artisti britannici e internazionali. La fiera accoglie migliaia di visitatori durante il fine settimana con la passione per l’arte, dai collezionisti seri a quelli che investono nella loro prima opera d’arte originale.

Chester Arts Fair ha una base di collezionisti consolidata ed è diventata un evento culturale chiave nel Nord Ovest del Regno Unito.

La fiera si sviluppa su tre piani dove i visitatori troveranno artisti, seminari, conferenze e attività per bambini. Inoltre, ci sono diverse mostre tra cui la mostra Art in Education e la mostra l Visual Art Open. s

C

hester Arts Fair, a leading annual art event taking place from 15-17 November in one of the cities most iconic locations, Chester Racecourse. Located within the centre of the city. Since the art fair first opened in 2012, it has grown considerably. It now attracts over 100 UK & international artists. The Arts Fair welcomes thousands of visitors throughout the weekend with a passion for art, from serious collectors to those investing in their first piece of original art.

Chester Arts Fair has a well-established collector base and has become a key cultural event within the North West of UK. The Arts Fair is spread over three floors where visitors will find artists, workshops, talks and children’s activities. Additionally, there are several exhibitions including the Art in Education exhibition and the Visual Art Open exhil bition. s

ALESSANDRO BORGHI

Fuoco sacro - 2018, acrilico, cemento e garza su tela, 50x60 cm.

www.aleborghi.it

borghialex@alice.it

aleborghi22.ab

biancoscuro

GrandArt 2019 Al “The Mall” Milano di Rebecca Maniti

R

Qui sopra alcune foto dell’edizione 2018

itorna per il terzo anno, forte dell’entusiasmo suscitato nel pubblico, nell’innovativo spazio espositivo di The Mall, (quartiere Porta Nuova - Milano), la più giovane fiera dell’arte moderna e contemporanea milanese: GRANDART, dove saranno presenti oltre 50 gallerie italiane ed internazionali con opere di pittura, scultura e arti applicate moderne e contemporanee presentate da prestigiosi artisti.

Confermato il format che si contraddistingue per l’apertura verso gallerie e artisti che operano nell’area della pittura, della scultura e delle arti applicate che mantengono uno stretto legame con tecnica, poetica e grande storia dell’arte italiana.

Il direttore artistico ha creato un fil rouge tra le varie esposizioni, con l’obiettivo di far emergere la qualità e i tradizionali valori della pittura delle opere di primo mercato. A confermare questo intento, il premio The Bank Contemporary Art destinato al miglior artista rappresentante della tradizione pittorica italiana, interpretata in chiave contemporanea.

GRANDART comprenderà anche la rinnovata

sezione dedicata all’editoria e uno spazio interamente pensato per accogliere il ricco programma culturale, che proporrà incontri con alcuni dei nomi più conosciuti del panorama artistico contemporaneo, presentazioni di libri, dibattiti e molto altro ancora. Una serie di eventi collaterali faranno da cornice alla fiera rendendo omaggio a grandi artisti, tra cui l’italiano Domenico Gnoli, tra le massime espressioni della pittura italiana nel Dopoguerra. Non mancano approfondimenti inediti come il workshop Picasso: Guernica.

Più che una fiera GRANDART può essere definita come un incastro creativo dell’arte, dove il visitatore viene catturato da capolavori che suscitano sentimento e nostalgie, con il richiamo di quella forza artistica che si presenta ed emerge con prepotenza come un elemento raro del passato.

L’inaugurazione di GrandArt 2019 è in programma il 3 ottobre alle ore 18.00. La fiera è poi aperta da venerdì 4 a domenica 6 ottobre dalle 11.00 alle 20.00.

Una fiera giovane, ma in forte crescita, che conl viene tenere d’occhio. s

G i a n n i S ta n g h e r l i n

FORME LIBERE NELLO SPAZIO 2019, acrilico su cartone, 80x64 cm.

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stangherlin38@yahoo.it

biancoscuro

Montreux Art Gallery 2019

Nuovo appuntamento con l’Arte in Svizzera per BIANCOSCURO Art Exhibition

È

fissata per mercoledì 6 novembre alle ore 17,30 l’apertura al pubblico del MAG, (Montreux Art Gallery) evento che in 5 giorni d’arte, accoglie al 2m2C, sulle rive del Lago di Ginevra, ospita gallerie internazionali e artisti indipendenti, più un’esposizione tematica ed un’area completamente dedicata alla street art con jam, contest e dimostrazioni per i bambini delle scuole elementari.

Il MAG giunto quest’anno alla 15 edizione deve il successo all’impegno costante di Gailloud Jean-François e Marie Hélène Heusghem, BIANCOSCURO conferma anche per quest’anno il sodalizio partecipando per la sesta edizione l consecutiva. s

MAG 2019 - Stand Personale di Mattia Consonni, in esposizione 11 opere del progetto MUSICA PER GLI OCCHI MAG 2019 - gli artisti presenti nello stand BIANCOSCURO: Aldo Basili, Massimiliano Bellinzoni, Gianluca Calicchio, Flora Castaldi, Alessandro Cinardo, Paolo Cutrano, Rosa Maria Falciola, Davide Ferro, Francesca Loconsole, Tina Lupo, Giovanni Mangiacapra, Federica Marin, Giorgio Melis, Vincent Messelier, Alby Milano, Luigi Minguzzi, Mariella Muller, Umberto Pettene, Bianca Prettau, Consolata Radicati di Primeglio, Umberto Salmeri, Hanna Scheriau, Gianluca Giuseppe Seregni, Fiorenzo Sernacchioli, Massimo Soldi, Simona Veronica Verzichelli, Mario Voria, Bernhard Witsch.

Flora

Scheriau

Consonni

Radicati

Milano

Pettene

Lupo

Seregni

Cinardo

Witsch

Calicchio

Melis

Sernacchioli

Cutrano

Mangiacapra

Prettau

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Eugenio Cerrato cerratoeugenio@alice.it -

Cerrato Eugenio

cerrato.eugenio

E. Cerrato - Dark Sator - Il portale della Quarta Dimensione - 2019, 25x25x25 cm. Ph. Tommy Ducale

biancoscuro

Art Parma Fair - Edizione autunno ‘19 I vincitori del premio BAC’19 insieme agli artisti selezionati BIANCOSCURO

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Parma Fiere, nei giorni 5-6 e 11-12-13 ottobre 2019 BIANCOSCURO avrà il piacere di esibire la sua selezione di artisti contemporanei italiani insieme ai premiati al BIANCOSCURO Art Contest 2019.

Importante e da tenere a mente che, nel 2020, Parma sarà Capitale Italiana della Cultura. Questo a dimostrazione e ricompensa degli sforzi fatti l dall’amministrazione comunale negli ultimi anni. s Gli artisti presenti nello stand BIANCOSCURO: Gianni Cella, Concetta De Pasquale, Gianni Depaoli, Rosa Maria Falciola, Davide Ferro, Matteo Fieno, Federico Gessi, Giorgio Gost, Peter Hide 311065, Mark Kostabi, Luca Lova, Alessandro Masera, Federico Odello, Francesca Pavesi, Pupi Perati, Giuseppe Portella, Isabella Rigamonti, Massimo Soldi, Yulianus Yaps, Ennio Zangheri.

A destra “Nel blu” tecnica mista su vetro del 2019 di Rosa Maria Falciola, 37x36,5 cm.

RUGGERO ROTONDI

R.Rotondi - Natura morta - 2019, olio su masonite, 80x70 cm.

BIANCOSCURO

RIVISTA d’ARTE ruggerugo@gmail.com Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it

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Art Fair

biancoscuro

Fiere, manifestazioni ed esposizioni internazionali International fairs, exhibitions and exhibitions

Italia

BARI ArteBari maggio 2020 www.artebari.com BERGAMO Bergamo Arte Fiera 18-20 gennaio 2020 www.bergamoartefiera.it BOLOGNA Arte Fiera 24-26 gennaio 2020 www.artefiera.it

MILANO MiArt 17-19 aprile 2020 www.miart.it

Mia Photo Fair 19-22 marzo 2020 www.miafair.it Affordable Art Fair 7-9 febbraio 2020 www.affordableartfair.com Grand Art 4-6 ottobre 2019 www.grandart.it

FORLI’-CESENA Vernice ArtFair 13-15 marzo 2020 www.verniceartfair.it

MONTICHIARI (BS) Expo Arte 9-11 maggio 2020 www.expoartemontichiari.it

Arte Forlì Contemporanea 1-4 novembre 2019 www.fieracontemporanea.it

PADOVA Arte Padova 15-17 novembre 2019 www.artepadova.com

GENOVA Arte Genova 14-17 febbraio 2020 www.artegenova.com

Pavia Art Talent 23-24 novembre 2019 www.patpavia.it TORINO Artissima 1-3 novembre 2019 www.artissima.art

Europe

AMSTERDAM (NL) Affordable Art Fair oct. 31-nov. 3, 2019 www.affordableartfair.com BARCELONA (E) Loop Fair 19-21 november, 2019 www.loop-barcelona.com BASEL (CH) Art Basel june 18-21, 2020 www.artbasel.com

Paratissima 1-3 novembre 2019 www.paratissima.it VENEZIA La Biennale di Venezia 11 mag.-24 nov. 2019 www.labiennale.org

Liste Basel june 18-21, 2020 www.liste.ch BERLIN (D) Berlin Art Week september, 2020 www.berlinartweek.de Art Berlin september, 2020 www.artberlinfair.com

VERONA ArtVerona 11-13 ottobre 2019 www.artverona.it PARMA ArtParma 5-6 e 11-13 ottobre 2019 www.artparmafair.it PER INFORMAZIONI: SEGRETERIA ORGANIZZATIVA: +39 049 8800305

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PAVIA PaviArt 4-5 aprile 2020 www.paviart.it

Positions Berlin september, 2020 www.positions.de

biancoscuro

BRUXELLES (B) Art Brussels april 23-26, 2020 www.artbrussels.com

MADRID (E) Art Madrid feb. 27-mar. 3, 2020 www.art-madrid.com

Brafa jan. 25-feb. 2, 2020 www.brafa.be

MARBELLA (E) Art Marbella august, 2020 www.marbellafair.com

CHESTER (ENG) Chester Arts Fair november 15-17, 2019 www.chesterartsfair.co.uk COLOGNE (D) Art Cologne april 23-26, 2020 www.artcologne.com

MONTE-CARLO (MC) Art Monte-Carlo may 1-3, 2020 www.artmontecarlo.ch MONTREUX (CH) Montreux Art Gallery november 6-10, 2019 www.mag-swiss.com

GENEVE (CH) Art Genève jan. 30-feb. 2, 2020 www.artgeneve.ch KARLSRUHE (D) Art Karlsruhe february 13-16, 2020 www.art-karlsruhe.de INNSBRUCK (A) Art Innsbruck january 16-19, 2020 www.art-innsbruck.at

PARIS (F) Fiac october 17-20, 2019 www.fiac.com Art Paris april 2-5, 2020 www.artparis.com

VIENNA (A) LONDON (ENG) Vienna Contemporary Frieze London september, 2020 october 2-6, 2019 www.viennacontemporary.at www.frieze.com ART SALZBURG CONTEMPORARY & ANTIQUES INTERNATIONAL ZURICH (CH) London Art19 Fair– 21 OTTOBRE Art International 2018 Zurich CENTRO FIERA DI SALISBURGO january 22-26, 2020 october 1-4, 2020 www.londonartfair.co.uk www.art-zurich.com Bild: Roman Träxler

11.00 – 1900 – 1700

DUBAI (UAE) Art Dubai march 25-28, 2020 www.artdubai.ae HONG KONG (CN) Art Basel Hong Kong march 19-21, 2020 www.artbasel.com

Affordable Art Fair may 17-19, 2020 www.affordableartfair.com MEXICO CITY (MEX) Zona MACO february 5-9, 2020 www.zonamaco.com

fiera internazionale d’arte contemporanea, classico moderno & antiquariato | 19° – 21° secolo

NEW DELHI (IND) India Art Fair jan. 30 - feb. 2, 2020 www.indiaartfair.in NEW YORK (USA) Art NewYork may 7-10, 2020 www.artnyfair.com ArtExpo NewYork april 23-26, 2020 www.artexponewyork.com

Affordable Art Fair september, 2020 www.affordableartfair.com SHANGHAI (CN) Shanghai Art Fair november 7-10, 2019 www.sartfair.com SINGAPORE (SGP) Affordable Art Fair november 22-24, 2019 www.affordableartfair.com TOKYO (J) Art Fair Tokyo march, 2020 www.artfairtokyo.com

MIAMI BEACH (USA) Art Basel Miami Beach december 5-8, 2019 www.artbasel.com

ISTANBUL (TR) CI contemporary istanbul – 20 GENNAIO 2019 september, 2020 O FIERA INNSBRUCK contemporaryistanbul.com

nsbruck.com

CHICAGO (USA) Expo Chicago september, 2020 www.expochicago.com

SALZBURG (A) Art Salzburg Contemporary september, 2020 art-salzburg-contemporary.com

A INTERNAZIONALE CONTEMPORANEA | 19°– 21° SECOLO

rincipale A

World

MOSCOW (RUS) Cosmoscow september, 2020 www.cosmoscow.com

TORONTO (CDN) Art Toronto october 25-17, 2019 www.arttoronto.ca VANCOUVER (CDN) Art! Vancouver april 16-19, 2020 www.artvancouver.net Per visualizzare l’elenco completo aggiornato inquadra con il tuo smartphone il codice QR e collegati al nostro sito ufficiale: w w w.b ian c o s c u ro.it /ar t -fai r s

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l una notte, con un unico volo da Gran Canaria, mi ritrovai catapultata in Cina, a Xi’an, una delle più importanti città nella storia cinese che sapevo essere stata la capitale di ben 13 dinastie, oltre che la fine più orientale della Via della Seta. Durante il viaggio iniziai a documentarmi sulla piramide che laggiù mi stava aspettando e sul suo artefice: la piramide di Qin Shi Huang, conoscitore del potere delle piramidi che fece costruire per se questo gigantesco mausoleo. Attualmente è alta 75 metri, ma all’epoca della sua costruzione si pensa raggiungesse i 200 metri. L’imperatore ci mise tutto il suo impegno a rendere il mausoleo impenetrabile ricoprendolo di vegetazione e bloccando con cura tutte le entrate. Ad oggi resta inaccessibile, invisibile e inviolato, resta però per sempre visibile la sua Grande Muraglia.

Il vasto territorio di Shaanxi è costellato da piramidi di diverse dimensioni, si dice ve ne siano centinaia e spesso vengono confuse con delle colline naturali, perciò anche la maggior parte di esse è ancora inesplorata.

Piramidi ovunque nel mondo (tutto è collegato): l’archeologo e navigatore norvegese T. Heyerdahl aveva dunque ragione.

Rimaneva un mistero: una conchiglia come sa riprodurre fedelmente il suono dell’acqua pur senza esserne a contatto?

La Cina è una delle più antiche civiltà, che affonda le sue radici nel gruppo progenitore proto-sino-tibetano. La cultura cinese è essenza di una saggezza collettiva proveniente da

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Cina © Photo by Adele Arati

[13ª puntata]

Le Terre di Mezzo: i percorsi del mito, il cammino piramidale dell’essere

Cina: la piramide di Qin Shi Huang e l’esercito di Terracotta

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antichi testi babilonesi, indiani ed egiziani, e le sue piramidi lo testimoniano. Ma nel 213 a.C., Qin Shi Huang, per paura che la stessa tradizione dei territori raggruppati arrivasse a minacciare il suo potere, fece bruciare tutta l’esistente letteratura scritta e seppellì vivi gli intellettuali.

Inoltre, a guardia del suo tumulo e per accompagnarlo nell’aldilà fece costruire un’immensa distesa di guerrieri, carri e cavalli. Oggi considerato uno dei più importanti siti archeologici al mondo e una delle scoperte del XX secolo.

Intanto la curiosità era aumentata e non mi restava che arrivare a esplorare quella terra e i suoi segreti, in mano tenevo i libri di Emiri e uno di quelli aveva una copertina ottagonale.

Mi trovai nella zona nord-occidentale della Cina a circa 30 km da Xi’an, difronte all’Esercito di Terracotta di Qin. Fu rinvenuto durante lo scavo di un pozzo nel marzo del 1974, da un contadino di nome Yang Zhifa (il fortuito ritrovamento diede il via agli scavi, che permisero di intercettare la tomba del Primo Imperatore della Cina, Qin Shi Huang, sino ad allora ritenuta scomparsa). L’esercito di Terracotta è un insieme di statue con un’insolita raffigurazione realistica a grandezza naturale, rappresetazione molto più comune nell’area Mediterranea. Per questi e altri motivi, dal 1987 è stato inserito nell’elenco dei Patrimoni dell’umanità dell’UNESCO. Si narra dell’ossessione nei confronti dell’immortalità di Qin Shi Huang, emule del Leggendario eroe Gilgamesh della città sumerica di Uruk. Per questo motivo si recò in visita per tre volte nella neolitica isola di Zhifu, alla ricerca della mitologica montagna dell’immortalità di Penglai, ma non trovandola fece costruire la sua piramide. Anche per i Guanci il Teide era l’ubicazione dell’aldilà.

Durante gli ultimi anni della sua vita, si appassionò ardentemente alle teorie alchemiche sul cinabro, ovvero il solfuro di mercurio, di origine magmatica teletermale. Per i cinesi era la materia prima della pietra filosofale per l’elaborazione dell’oro e dell’elisir dell’ immortalità. Oggi è nota la sua alta tossicità, ma allora ciò non era conosciuto, per questo l’imperatore morì nel 210 a.C. per avvelenamento da ingestione di Mercurio: voleva conquistarsi l’eternità e vi riuscì.

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Si immagina che la sua tomba si trovi in una sala a notevole profondità, al di sotto di ben tre falde acquifere, rivestita da pareti di bronzo e fiumi di cinabro, ossia di argento vivo, come viene chiamato il Mercurio liquido.

Mentre in zona cercavo informazioni sulle ipotesi dell’aspetto del tumulo, un archeologo locale mi raccontò che a Teotihuacan sotto il Tempio del Serpente Piumato, recentemente erano state scoperte, due camere ipogee che ospitavano mercurio liquido, centinaia di sfere misteriose e una scatola contenente conchiglie incise.

Ormai più confusa che mai, tra grattacieli tecnologici, giardini ottagonali e palazzi antichi, cominciai ad elaborare ipotesi: Le stelle, l’acqua, la linfa, il sangue: sono fluidi vitali con un loro moto biologico spiraliforme, è forse questo che li accomuna? ConcettualMente tale movimento è ciò che unisce anche la forma a spirale del cuore e delle conchiglie, ed esso è determinato da un unico gene: il Nodal.

Se disattiviamo le molecole che lo codificano (chiamate Fzd7a e Vangl2), non riescono più a trarre le informAZioni per avvicinarsi e di conseguenza la sua forma non si sviluppa correttamente. Pertanto il ripiegamento scorretto, nel tessuto cardiacon si ripercuote prevalentemente sul tratto destinato al suo deflusso sanguigno con le relative conseguenze.

Geni che codificano il comportamento delle molecole, per arrivare alle forme in natura, dalle conchiglie al cuore e al movimento delle galassie. Mi rimaneva ancora una domanda: cosa codifica i geni?

Nel Libro dei Morti Egizio si legge: “Io vivo dopo morto, proprio come Ra”. Ra è il dio che governa il moto del Sole e del centro galattico, quindi il ciclo della vita in cui non vi è spazio per la fine. La verità delle origini era quindi collegata al culto del Sole, rientriamo quindi nel cuore del Mito e alla nascita del Simbolismo, Paul Gauguin lo aveva riscoperto, riportando a galla ciò che era stato sepolto delle nostre radici preistoriche (per questo i suoi diari furono distrutti, ma uno era sopravvissuto, insieme ad altri libri). Ma qual’era la Verità Reale dell’Origine del Mito e dei suoi segreti?

Cercai una conchiglia in quel luogo e la trovai, magicamente Cina © Photo by Adele Arati

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[...] continua sul prossimo numero di BIANCOSCURO

mi collegai a quella lasciata a Rapa Iti, ero sicura di riuscirci, la fisica quantistica lo insegna: ascoltai il suono matematico dell’acqua.

Nell’antico libro cinese Ottagonale (proveniente dall’India), che Emiri conserva gelosamente si recita: “Centrale nella trasformazione è Xin, il cuore, perché al suo interno un’altro cuore è presente. Esso è codice numerico che da vita alle parole, da cui ha origine l’energia vitale. Il Qi, il soffio vitale che tutto permea e che dirige le destinazioni. Essenza primordiale serpentiforme da cui ha avuto origine l’esistenza, non più infinita, ma divenuta finita in complessi processi di differenziazione infiniti. Da questo vento è nato il Mito e il volo di una nuova esistenza.”

In quel momento pensai al Soffio del Vento solare e ai prossimi punti da mettere in questa nostra Linea aKa di saggezza, qui però aggiungeremo il Sedicesimo creando nuovi nodi: SEDICESIMO: Quando le tradizioni dei popoli antichi saranno riportate alla memoria dell’attuale società, diventerà difficile o impossibile non riconoscerne le motivazioni e il significato dei loro aspetti culturali. Dunque il mito svolge per i popoli una funzione importante, ossia definisce la storia di cui siamo orfani. Per questo dobbiamo scavare per trovare ciò che ne rimane, e solo l’art’é essendo libera può riuscirvi.

Ormai siamo entrati nel cuore del mito e del suo percorso piramidale, dobbiamo indagarlo e confutarlo attraverso la scienza dell’art’è, per ritrovare la verità della realtà perduta e delle nostre radici.

Un’altra curiosità mi poneva domande: perché spesso nella Storia si era scelto di evitare le terre di mezzo e si era preferito raggirarle navigando?

Adele Arati

Testi LiberaMente tratti dai miei Futuri Romanzi Fanta ma Scientifici e dalle mie Opere; il racconto è inventato, il mito è quello ascoltato dai locali e i riferimenti scientifici sono reali.

Sopra, Adele Arati in Cina

Cina © Photo by Adele Arati

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Annette Tan Magiche ed emozionanti atmosfere

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uoghi caratterizzati da atmosfere affascinanti, ci troviamo ad osservare un dipinto di Annette Tan e ne veniamo ammaliati.

Osservando “Misty river” siamo improvvisamente sulla riva di un fiume all’imbrunire (potremmo essere ovunque nel mondo): arriva la sensazione di inquietudine che il leggero vento, che soffia fra

A

nnetteTan born in China, living in California, without any previous training, Annette began taking interest in painting as a hobby in the mid 1990's. Her inspiration comes from the works of old masters and the beautiful nature around her.

Annette took watercolor lessons and attended acrylic workshops with well know artist Jerry Yarnell. In recent years Annette has been invited to many group shows throughout the Country and abroad and her work has been in many Art Publications and magazines. Her upcoming exhibition will be in the International Art Fair in the Louvre in Paris. She is a member of the National League of American Pen women.

gli alberi che contornano la riva, non fa che aumentare. La luce è sapientemente calibrata, la leggera increspatura dell’acqua fa percepire il leggero movimento.

L’immagine d’insieme è carica di mistero, i dettagli sono accuratamente celati per rendere ancora più chiara la tensione che prova chi si trova lì, sulle sponde del fiume immerso nella nebbia.

La carriera pluritrentennale costellata di successi di Annette Tan è presto comprensibile ammirando le sue opere. Anche in “Desert sunrise” riesce a far entrare nel dipinto lo spettatore, che sente addirittura il verso degli uccelli che volano sullo sfondo e l’odore del deserto, immerso in quella luce rarefatta tipica dell’alba.

Sopra (above): Annette Tan - Misty river 2014, acrilico,14”x11” Sotto (below): Annette Tan - Desert sunrise 2013, acrilico,24”x18”

Il suo tratto riconoscibile e leggero porta verso di noi le atmosfere dei luoghi dipinti e ci trasporta nelle sue emozioni.

Daniela Malabaila

Gallery and Website Representation: NewYorkArt.com LagunaArt.com Southwest Art magazine 2018 and 2019 Contemporaryartstation.com Barcelona PAKS Gallery Austria

INFO

www.annettetan.com

annettesart2007@yahoo.com

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Ornella De Rosa (in arte DRO)

E IL PENSIERO MI È LIEVE - acrilico su tela, 80x100 cm. DRO 2019

page: DRO ARTE -

profile: Ornella De Rosa

www.ornelladerosa.it - ornella627@gmail.com

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Alessandro Danzini La bellezza dei suoi luoghi

A

direttamente all’interno del panorama.

Le sue opere celebrano e monumentificano la bellezza di quei luoghi, rendendola immortale ma sottolineando la sua fragilità. L’altra faccia del suo lavoro è infatti apertamente critica verso l’invasività degli interventi umani, che rischiano di alterare quel delicato equilibrio che crea quel patrimonio umano chiamato bellezza.

Silvia Rossi

L’altra creazione 2019, acrilico e olio su tela, 60x30 cm.

lessandro Danzini vive ai margini della scogliera labronica, nella costa toscana. La sua arte negli anni si è permeata della storia culturale e della geografia dei suoi luoghi. La tradizione macchiaiola, e i colori e le forme tipiche di quel lembo di terra, si uniscono e insieme si evolvono in una caratterizzazione di tecnica e composizione. Le inquadrature non sono mai scontate e sono studiate per proiettare l’osservatore

Solo noi due 2017, olio su tela, 50x70 cm.

INFO www.alessandrodanzini.it info@alessandrodanzini.it Alessandro Danzini alessandrodanzini_artist

Stefania Dal Molin

Stefania Dal Molin - SACRA FAMIGLIA - 2018, terracotta patinata, h 24 cm.

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Stefania Dal Molin

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Flora Castaldi

RECIF 3 - acrilico su tela, 100x100 cm.

OPERA ESPOSTA NELLO SPAZIO BIANCOSCURO ART EXHIBITION AL MONTREUX ART GALLERY 2019

FLORA est une Artiste Peintre Française. Née en Italie, vit et travaille en régionToulousaine - Haute-Garonne (France). Le parcours artistique de Flora débute en 1981 et se poursuit depuis présente sur le marché de l’Art International depuis 1983.

Flora expose en Europe, Suisse, Monaco, Japon, Emirats Arabe Unis, Canada, Russie, Etats Unis d’Amérique.

Maître Franco -Italien de l’Art Contemporain, créatrice du “LangageStyl Cosmogéologique”© 1993, l’art de Flora est reconnu et fait l’objet de multiples expositions Internationales: Castello Estense, Ferrara; Espace Pierre Cardin, Paris; Musée Ferrari, Maranello; Auditorium Rainier III, Monaco; Palazzo Pretorio, Gubbio; Milano Art Gallery, Milan; Galleria Farini, Bologna; Agora Gallery, New York.

Novatrices, les créations de Flora prennent pour ancrage des réflexions sur le monde, ses origines, son evolution et ont pour raison. Un autre langage de la peinture.

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Il testimone invisibile della vicenda umana Ferdinando Scianna alla Casa dei Tre Oci di

Lucia Garnero

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a Casa dei Tre Oci di Venezia ospita, fino al 2 febbraio 2020, la straordinaria antologica di Ferdinando Scianna (Bagheria, 1943), una delle figure di riferimento della fotografia contemporanea internazionale.

Emanuela Bassetti, presidente di Civita Tre Venezie, afferma, per descrivere l’evento: “L’iniziativa è la nuova tappa di un progetto nato dalla collaborazione tra Civita Tre Venezie e Civita Mostre e Musei,

frutto di un pensiero condiviso che ha come obiettivo l’analisi dei linguaggi artistici della contemporaneità, in particolare quello della fotografia e dei suoi più importanti esponenti”.

Come testimonianza del forte legame con la città lagunare, è esposta, per l’occasione, anche una serie d’immagini di moda che Scianna ha realizzato a Venezia.

La mostra, curata da Denis Curti, Paola Bergna e Alberto Bianda, organizzata da Civita Mostre e Musei e Civita Tre Venezie e pro-

mossa da Fondazione di Venezia, ripercorre oltre 50 anni di carriera del fotografo siciliano, attraverso 180 opere in bianco e nero, divise in tre grandi temi: Viaggio, Racconto, Memoria.

Ferdinando Scianna si appassiona alla fotografia negli anni sessanta, raccontando per immagini la cultura e le tradizioni della sua regione d’origine, la Sicilia; il percorso artistico che lo vede protagonista si snoda, col tempo, attraverso temi legati tra loro da un filo conduttore dominante:

Ferdinando Scianna - Marpessa. Caltagirone, 1987 © Ferdinando Scianna

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Ferdinando Scianna - Leonardo Sciascia. Racalmuto, 1964 © Ferdinando Scianna

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FERDINANDO SCIANNA. Journey Story Memory Tre Oci, Venice August 31, 2019 - February 02, 2020

rom 31 August 2019 to 2 February 2020, the Casa dei Tre Oci in Venice will be hosting an anthological show by Ferdinando Scianna (Bagheria, Sicily, 1943), one of the reference figures of contemporary international photography.

The show, curated by Denis Curti, Paola Bergna, and Alberto Bianda, art director, organised by Civita Mostre e Musei and Civita Tre Venezie, and promoted by Fondazione di Venezia, covers more than fifty years of this Sicilian photographer’s career, through 180 works in black and white, divided into three wide-ranging themes: Journey, Story, Memory.

On this occasion there will be exhibited a series of fashion photos that Scianna made in Venice, a testimony to his strong link to the city. In more than fifty years of narration there has not been, of course, any lack of propo-

sitions: from Bagheria to the Bolivian Andes and to religious festivals, at the beginning, to his experiences of the fashion world, begun with Dolce & Gabbana and Marpessa. Then there was reportage (from 1982 the first Italian to be part of the Magnum agency), landscape, and such thematic obsessions as mirrors, animals, things and, finally, portraits of his friends, such masters as Leonardo Sciascia, Henri Cartier-Bresson, and Jorge Louis Borges.

In order to deepen the experience of the content of the show, the Casa dei Tre Oci has excogitated a fully developed teaching project aimed both at schools and at groups of families and adults, with visits-explorations and workshops that can be booked, a series of meetings in the show, and a series of guided tours with the curators. The show will be supplied with a catalogue published

by Marsilio Editori.

la ricerca di una forma nel caos della vita.

In tale contesto, numerosi sono gli scenari ritratti e suggestive le tematiche affrontate: da Bagheria alle Ande boliviane, dalle feste religiose, esordio della sua carriera, all’esperienza nel mondo della moda con Dolce & Gabbana e la modella icona Marpessa. A seguire, da annoverare i celebri reportage; è importante sottolineare, a questo proposito, il ruolo svolto nell’ambito del panorama internazionale: Ferdinando Scianna è il primo italiano a far parte, dal 1982, dell’agenzia fotogiornalistica Magnum.

Altrettanto noti i suoi paesaggi, le sue ossessioni tematiche come gli specchi, gli animali, le cose e, infine, i ritratti dei suoi amici, maestri del mondo dell’arte e della cultura come Leonardo Sciascia, Henri Cartier-Bresson e Jorge Louis Borges. Emblematico quanto Scianna afferma, nel descrivere il suo lavoro: “Il fotografo deve ambire ad essere un testimone invisibile[…].Ho sempre fatto una distinzione netta tra le immagini trovate e quelle costruite. Ho sempre considerato di appartenere al versante dei fotografi che le immagini le trovano, quelle che raccontano e ti raccontal no, come in uno specchio.” s FERDINANDO SCIANNA

Viaggio Racconto Memoria 31 agosto 2019 - 02 febbraio 2020 Casa dei Tre Oci, Venezia INFO T. +39 041 2412332 Da mercoledì a lunedì 10.00 - 19.00 Chiuso il martedì Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.treoci.org

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Dietro le quinte Cosa si cela nei depositi museali? di Mario

Gambatesa

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chi non piacerebbe esplorare il “sommerso” di un museo? Mauro Fiorese lo ha fatto per noi, documentando gli archivi di alcuni musei italiani. “Si tratta di luoghi di conoscenza assolutamente vitali per un museo

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e di servizi essenziali per lo sviluppo della ricerca scientifica e della sperimentazione tecnologica alla base di ogni iniziativa di valorizzazione delle collezioni”, spiega Francesca Rossi, Direttore dei Musei Civici di Verona”. Fiorese vanta premi ed esposizioni importanti negli Stati Uniti, in Giappone, Canada, ed Europa, in gallerie private, istituzioni pubbliche, festival e rassegne internazionali, inclusa la 54esima Biennale di Venezia. Le sue opere fanno parte di collezioni private e pubbliche internazionali in luoghi come il Museum of Fine Arts di Houston del Texas, Bibliothèque nationale de France di Parigi e il Museo di Fotografia Contemporanea di Milano. Il progetto in mostra a Verona è un successo: nel 2015 la Fondazione Domus ne acquisisce uno scatto e si aggiudica il primo premio di Codice Mia, mentre l’anno successivo la Galleria d’Arte Moderna Achille Forti acquisisce un suo lavoro dal titolo “Treasure Rooms degli Scavi di Pompei – Napoli 2015”.

La mostra “Mauro Fiorese. Treasure Rooms (2014-2016)”, è organizzata presso il Palazzo della Ragione, negli spazi della GAM Achille Forti, a Verona, accessibile fino al prossimo 26 gennaio 2020. L’esposizione è curata da Beatrice Benedetti, Direttore Artistico della Galleria Boxart e da Patrizia Nuzzo, Curatore Responsabile delle Collezioni d’Arte Moderna e Contemporanea della GAM, ed è promossa dai Civici Musei del Comune di Verona in collaborazione con la Galleria scaligera Boxart. Possiamo ammirare ventisei [1] Mauro Fiorese - Treasure Rooms degli Scavi di Pompei Napoli, 2015, stampa ai pigmenti su carta cotone, Galleria d’Arte Moderna A. Forti, Premio OTTELLA for Gam, 2016

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[2] Mauro Fiorese - Treasure Rooms di Ca’ Pesaro Venezia, 2015, stampa ai pigmenti su carta cotone, Courtesy Boxart, Verona

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scatti, messi a disposizione dalla Galleria Boxart, che ritraggono i depositi dei maggiori musei italiani, in tutto tredici, tra i quali: il Museo di Castelvecchio a Verona, la Galleria degli Uffizi, la Galleria Borghese, il Museo Archeologico Nazionale di Napoli, Capodimonte, Museo Correr e il MART di Rovereto.

L’introduzione al percorso espositivo accompagna lo spettatore dietro le quinte del progetto, attraverso immagini e proiezioni video inedite, all’interno dei Sancta Santorum della Grande Bellezza italiana. Immagini di grande fascino che raccontano l’enorme parte invisibile dei più importanti Musei. Luoghi sommersi e nascosti che confermano la ricchezza dei patrimoni museali. La mostra omaggia la straordinaria storia dell’arte italiana, svelando il grande lavoro svolto dietro le quinte dei musei d’eccellenza che ad oggi, sono l scrigni invisibili di storia e cultura. s

Fernando Montagner COMPLEMENTI D’ARREDO D’AUTORE BIANCO/NERO

[3] Mauro Fiorese - Treasure Rooms del Museo Nazionale di Capodimonte - Napoli, 2015, stampa ai pigmenti su carta cotone, Courtesy Boxart, Verona [4] Mauro Fiorese - Treasure Rooms della Galleria Borghese - Roma, 2014, stampa ai pigmenti su carta cotone Courtesy Boxart, Verona [5] Mauro Fiorese - Treasure Rooms della Galleria d’Arte Moderna - Torino, 2014, stampa ai pigmenti su carta cotone, Courtesy Boxart, Verona [6] Mauro Fiorese - Treasure Rooms della Galleria degli Uffizi - Firenze, 2014, stampa ai pigmenti su carta cotone, Courtesy Boxart, Verona [5]

MAURO FIORESE

Treasure rooms (2014-2016) 05 Aprile 2019 - 26 Gennaio 2020

Palazzo della Ragione, GAM Achille Forti, Verona INFO T. +39 045 8001903 gam.comune.verona.it Da martedì a venerdì 10.00 - 18.00 Sabato e domenica 11.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

SOLCO DI GOCCIA 2019, tecnica mista su legno e plexiglass, 30x115 cm.

www.gam.comune.verona.it YouTube: Fernando Montagner Prato IT [6]

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monferdi49@gmail.com Fernando Montagner Fernando Montagner

P atrizia B alzamo www.patriziabalzamo.it

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Patriza Balzamo

Gli amanti - 2017\2019, olio su tela, 70x50 cm.

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Patriza Balzamo

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SOLO: Luisa

La personale della Menazzi Moretti al MATA, sospesi in una dimensione atemporale di

Rebecca Maniti

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ell’ambito del festivalfilosofia, il 13 settembre si è inaugurata la mostra personale di Luisa Menazzi Moretti, negli spazi del MATA – Ex Manifattura Tabacchi di Modena.

L’esposizione propone 28 fotografie del ciclo “Solo” (premiato con tre menzioni d’onore dall’International Photography Awards di New York), in cui l’artista ritrae volti di uomini, donne e bambini sospesi in una dimensione atemporale e poetica: un viaggio verso l’altrove, l’ignoto, l’ineffabile. Persone di cui nulla conosciamo, diverse tra loro, accomunati dalla proiezione della fotografa sui loro destini, su quel momento misterioso sul confine tra la vita e la morte. Come afferma la stessa Luisa Menazzi Moretti:“Mi piace pensare che la vita non sia solo questa ma che continui altrove. In questa serie di fotografie provo a immaginare l’arrivo in una possibile nuova dimensione, vedendolo attraverso il filtro dell’immaginazione. Volti e persone un po’ sole e smarrite, ignare sul da farsi, in quell’ altrove che forse non sanno ancol ra di aver raggiunto”. s Luisa Menazzi Moretti - Solo #1, 2013, stampa Giclée, carta cotone, 57x57cm. © Luisa Menazzi Moretti

LUISA MENAZZI MORETTI Solo

13 settembre - 17 novembre 2019 MATA – Ex Manifattura Tabacchi, Modena INFO T. +39 059.4270657 Mercoledì, giovedì, venerdì 11.00/13.00 - 16.00/19.00 Sabato, domenica e festivi 11.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.fmav.org

Luisa Menazzi Moretti - Solo #9, 2013, stampa Giclée, carta cotone, 57x57cm. © Luisa Menazzi Moretti

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Tommaso Mori

Antiche tecniche per nuovi racconti di

Ettore Tiretto

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ondazione Modena Arti Visive propone, nello spazio rinnovato della Chiesa di San Nicolò ad AGO Modena Fabbriche Culturali, la mostra “R-Nord”, del fotografo Tommaso Mori (uno dei vincitori della Call for Projects ABITARE, committenza pubblica rivolta a fotografi under 35). L’esposizione è realizzata dal Museo di Fotografia Contemporanea e dalla Triennale di Milano, con il sostegno della Direzione Generale Arte e Architettura contemporanee e Periferie urbane del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del

Turismo, con la cura di Matteo Balduzzi in collaborazione con il Museo di Fotografia Contemporanea di Milano - Cinisello Balsamo.

Le immagini sono gli esiti dell’indagine che Tommaso Mori ha realizzato sul complesso residenziale R-Nord di Modena. Sono stati fotografati oltre 200 abitanti del quartiere; i loro ritratti, sovrapposti a immagini e ad articoli di archivio, sono stati dunque stampati in due serie di stampe in copia unica, esposti nel quartiere e poi alla Triennale di Milano (la serie è poi confluita nel-

le collezioni del Museo di Fotografia Contemporanea). La tecnica utilizzata per stampare i ritratti rappresenta un anello di congiunzione tra un antico processo fotografico (cianotipia) e un metodo di stampa di disegni architettonici (blueprint). L’intera installazione, composta da 209 immagini cianotipiche e accompagnata da un video che testimonia lo svolgimento dell’evento, fa parte della rassegna festivalfilosofia e sarà visitabile sino al 17 novembre, un’occasione unica per ammirare il progetto di l Tommaso Mori. s [1] e [2] Tommaso Mori Senza titolo, 2018 Dalla serie “R-Nord” Cianotipia su carta, 20x20 cm.

Tommaso Mori © Museo di Fotografia Contemporanea, Milano-Cinisello Balsamo Fondo Abitare

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[3] Tommaso Mori R-Nord, 2018 Veduta dell’installazione presso La Triennale di Milano Tommaso Mori © Museo di Fotografia Contemporanea, Milano-Cinisello Balsamo Fondo Abitare

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TOMMASO MORI R-Nord

13 settembre - 17 novembre 2019 AGO – Modena Fabbriche Culturali Chiesa di San Nicolò, Modena INFO T. +39 059 6138098 Mercoledì, giovedì, venerdì 11.00/13.00 - 16.00/19.00 Sabato, domenica e festivi 11.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.fmav.org

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Gli occhi di Eve Arnold Semplicemente donne di

Rebecca Maniti

“

Paradossalmente penso che il fotografo debba essere un dilettante nel cuore, qualcuno che ama il mestiere.

Deve avere una costituzione sana, uno stomaco forte, una volontà distinta, riflessi pronti e un senso di avventura.

Ed essere pronto a correre dei rischi.

”

Eve Arnold

É

Villa Bassi, ad Abano Terme, a ospitare la prima retrospettiva italiana dedicata alla grande fotografa statunitense Eve Arnold: “Tutto sulle donne / All about women”. La cura di questa mostra, incentrata sui ri-

tratti femminili, è di Marco Minuz, che ha scelto l’esposizione dei tanti “volti” delle donne, dalle icone come Marilyn e Marlene alle afroamericane del ghetto di Harlem: l’intensità e la potenza espressiva degli scatti di Eve Arnold rendono perfettamente le emozioni delle persone ritratte. A quei tempi il mestiere di fotografo era esclusiva maschile, ma Eve ha saputo lottare e farsi valere, mettendo tutto il suo sensibile talento al servizio della macchina fotografica, al punto di essere ammessa (insieme a Inge Morath) alla Magnum, agenzia riservati ai soli grandi fotografi uomini, fin ad allora.

Dal reportage del 1952 “A baby’s first five minutes” (che racconta i primi cinque minuti di vita dei piccoli nati al Mother Hospital di Port Jefferson) ai segreti delle pratiche Voodoo, dal servizio su Marlene Dietrich alla profonda amicizia con Marilyn Monroe, fino al progetto “Dietro al velo”, realizzato in Medio Oriente: il mondo femminile in tutte le sue sfumature. Benché il suo lavoro sia testimonianza di una lotta per uscire dalla definizione limitante di “fotografa donna”, la sua fortuna fu proprio quella capacità di farsi interprete della femmil nilità, come “donna fra le donne”. s

Marlene Dietrich at Columbia records studios, New York, USA, 1952 © Eve Arnold / Magnum Photos

EVE ARNOLD

Tutto sulle donne – All about women 17 maggio - 08 dicembre 2019

Casa Museo Villa Bassi Rathgeb, Abano Terme INFO T. +39 041 8627167 villabassi@coopculture.it Giovedì, venerdì e sabato 16.00 - 19.00 Domenica 10.00 - 12.30 / 16.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.museovillabassiabano.it

Marilyn Monroe, Hollywood, USA, 1960 © Eve Arnold / Magnum Photos

RITA VITALONI ANCHE NOI SIAMO ESSERI UMANI espressione del progetto IL Colore degli Sfrattati di Rita Vitaloni

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KOBRA celebra Ayrton Senna al MAICC Lo street artist brasiliano al lavoro sulla facciata del museo multimediale dell’autodromo di Imola. di Flavio Ennante

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duardo Kobra, lo street artist internazionale nato e cresciuto in Brasile, famoso per i murales coloratissimi che animano i paesaggi urbani di tutto il mondo, oltre che per il suo attivismo su temi come la guerra ed il cambiamento climatico, ha iniziato ieri, insieme ai suoi assistenti Agnaldo Brito e Marcos Rafael, a dipingere la facciata del MAICC, Museo Multimediale Autodromo di Imola Checco Costa, sulla quale sta realizzando un’opera dedicata ad Ayrton Senna.

Dopo i capolavori di San Paolo e

Rio De Janeiro, Kobra realizza la sua terza opera nel mondo che celebra il pilota brasiliano, suo connazionale. Al termine dei lavori, il murales rimarrà per sempre sulla facciata del Museo Multimediale che, fino al 30 novembre, ospita la mostra “Ayrton Magico, l’anima oltre i limiti”.

L’occasione che ha portato Kobra a scegliere Imola è stata il RestArt Urban Festival, festival di rigenerazione urbana dedicato alla street art e alla urban culture, organizzato dall’Associazione Culturale NOIGIOVANI, in programma proprio

all’Autodromo di Imola a inizio settembre. L’edizione 2019 della rassegna si è conclusa con l’avvio dei lavori dell’artista brasiliano che, insieme ai suoi collaboratori e accompagnati dal curatore di Ayrton Magico, Matteo Brusa, ha colto l’occasione per visitare la mostra dedicata a Senna. s l

Kobra all’opera sulla facciata

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biancoscuro Kobra osserva da lontano il proprio lavoro

INFO AYRTON MAGICO, L’ANIMA OLTRE I LIMITI 10 aprile - 30 novembre 2019 www.ayrtonmagico.it MUSEO MULTIMEDIALE AUTODROMO DI IMOLA CHECCO COSTA Piazza Ayrton Senna da Silva, 3 40026 Imola (BO) www.maicc.it

Kobra durante la visita alla mostra “Ayrton Magico, l’anima oltre i limiti”

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