Notes for String Teachers - French Language Version by Benedetti Foundation

Benedetti Sessions

EXCLUSIVE

La Benedetti Foundation propose des expériences musicales uniques aux jeunes et à leurs professeurs, au travers d’événements musicaux collectifs qui stimulent la pratique de la musique à tous les niveaux. La Fondation est un organisme de bienfaisance agréé, financé exclusivement par les dons généreux de donateurs privés, de trusts et de fondations et par du mécénat d’entreprise. Si vous souhaitez faire un don pour soutenir notre travail, visitez la page www.benedettifoundation.org/support ou contactez-nous à l’adresse info@benedettifoundation.org Merci pour votre soutien La Fondation Benedetti est une société écossaise limitée par garantie avec statut d’organisme de bienfaisance. Numéro d’entreprise : 636675. Numéro d’enregistrement en tant qu’organisme de bienfaisance : SC0049688.

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TABLE DES MATIÈRES ILLUSTRATED BY MARK BEECH 04 LE MESSAGE DE NICKY 23 ROUTINE DE TRAVAIL QUOTIDIENNE 06 UNE LETTRE D'ELIN MANAHAN THOMAS

TRANSLATED BY DOMINIQUE WOLTÈCHE WITH SPECIAL THANKS TO MATHIEU RECKINGER , LORCAN FAHY AND EDWIGE GIRARDIN ALL PHOTOS CREDIT TO ARTIST

WYNTON MARSALIS 14-16

17 GAMMES 41 ÉCHAUFFEMENTS

47 COMMENT TENIR L'ARCHET 48 COMMENT TENIR L’ARCHET – VIOLONCELLES ET CONTREBASSES

26 VIBRATO 21 CHEFS D’ORCHESTRE PÉDAGOGUES 20 DÉVELOPPEZ VOTRE SON 32 PAYSAGES SONORES

29 MA MAIN GAUCHE PAR NICOLA BENEDETTI 31 UN MOT DE PATRICK KING

SHEKU KANNEH-MASON

32 LES SESSIONS BENEDETTI À LA MAISON

43 RETOUR AUX FONDAMENTAUX

BENEDETTI FOUNDATION 2020

Ce livret a été réalisé avec amour par deux incroyables jeunes femmes - Laura Gardiner et Hannah King – et moi-même, et grâce à la générosité et à l'aide d'innombrables amis et collègues.

PHOTO: ANDY GOTTS

Il est destiné aux moments où nous nous questionnons sur les raisons de notre travail, de nos efforts et de nos sacrifices quotidiens. J'enseigne tout le temps mais je n'ai jamais été seule responsable du développement instrumental et musical d'un jeune. La responsabilité de professeur est énorme et précieuse, et votre travail d‘enseignant doit être nourri, valorisé, renforcé et soutenu. Vous avez entre les mains la possibilité de libérer un potentiel inexploité et l'imagination, de faire don d'une voix à quelqu'un de timide, de donner confiance à quelqu'un qui doute de lui-même, d’inviter un enfant à choisir l'action plutôt que l'apathie, la persévérance plutôt que l'abandon, à se dire "je peux" plutôt que "je ne veux pas essayer". Trop peu d’importance est accordée à l’éducation dans ce pays, et dans ce contexte, l’enseignement de la musique est particulièrement négligé, mais en unissant nos forces, en créant de la solidarité, en insufflant inlassablement de l’énergie dans notre mission et nos objectifs, nous pouvons inverser cette tendance et ouvrir de nouvelles voies. Je crois que chacun a quelque chose d’unique à partager, un élan collectif est engendré lorsque nous créons un environnement permettant aux autres de se renforcer et de s’élever grâce au processus d’apprentissage. Il n'y a pas une bonne façon d'enseigner la musique, les ressources de l’enseignement sont aussi variées et complexes que l'histoire humaine. J'espère que nous avons pu vous communiquer notre ouverture et largeur d’esprit au cours de ce week-end et que cette brochure en fera tout autant.

Nicky x

AUCUN DE NOUS PEUT EXISTER SANS MAÎTRE, ILLUSTRE OU NON. CE SONT LES PROFESSEURS QUI MODÈLENT ET ÉLÈVENT LES ENFANTS DANS LEUR PASSION POUR LA MUSIQUE POUR QU’ILS PUISSENT ENSUITE S’EXPRIMER LIBREMENT. CE FUT UNE GRANDE CHANCE POUR MOI D’AVOIR PU CÔTOYER DES PROFESSEURS EXCEPTIONNELS TOUT AU LONG DE MA VIE ET DE MA CARRIÈRE.

PHOTO: OLIVER HELBIG

UNE LETTRE

D’ELIN MANAHAN THOMAS À vous, jeunes musiciens, d’où que vous soyez, VOUS ÊTES DES SUPER HEROS ! Si si, vous

ravitailler. Non, vous n’avez besoin que de

êtes des super héros. Et savez-vous quel est

vous-même, vous pouvez reproduire cette

votre pouvoir ? Vous pouvez arrêter le temps.

magie quand bon vous semble, et chaque

Savez-vous comment ? Et quand vous l’avez

fois sera différente de la précédente.

fait pour la dernière fois ? Laissez-moi vous

Vous êtes comme des conteurs avec un

répondre : vous arrêtez le temps quand vous

livre d’histoires sans fin. Rappelez-vous

faites de la musique.

que votre histoire est unique et que même si vous apprenez une pièce qui a été

C’est comme de la magie. Toutes ces heures

jouée cent, mille fois avant vous, quand

d’étude,

VOUS la jouez, elle vous appartient. Donnez

consacrées

travail

technique,

ces

passages

épineux,

des

minutes ces

à votre public votre version, racontez

leçons saturées de gammes, de dynamiques, de

votre

répétitions – tout ce temps converge vers un

monde que vous avez créé, préparé,

moment très spécial : celui où vous allez jouer

travaillé

votre pièce. Que se passe-t-il alors, à ce

partager. Il n’y a pas de « fausse »

moment précis ? Le silence s’installe dans la

histoire, ayez donc confiance dans ce que

pièce, vous êtes maîtres de l’attention de

vous dites et captivez votre public avec

public. Votre instrument colore l’atmosphère

votre version.

histoire, et

que

invitez-nous vous

êtes

dans prêts

une à

de l’endroit où vous êtes, votre son évoque des images et des souvenirs pour chaque auditeur,

Utilisez votre pouvoir avec précaution :

votre musique diffuse des émotions que votre

vous pouvez faire pleurer, sourire, peut-

public n’attendait même pas. Et tout cela, le

être même rire, et certainement combler

silence, l’attention, les couleurs, les émotions,

vos auditeurs. C’est ça qui est magique, et

c’est vous qui en êtes la source– vous et votre

cette magie est en vous.

musique. Vous êtes des super héros de la musique. Encore mieux que ça : il n’y a pas de kryptonite pour vous arrêter, et vous n’avez même pas besoin d’énergie solaire pour vous

x Elin 6

Royal Philharmonic Society Speech Extract NICOLA BENEDETTI

Notre perception du monde et de la place que nous y occupons s'élargit de manière exponentielle. Cette jungle qu’est le XXIe siècle est difficile à comprendre dans sa complexité et sa richesse; la Terre est saturée d’êtres humains et d'information. Pensons à la multitude de ce qui existe, des découvertes scientifiques et médicales, à la publication de livres, au foisonnement d’œuvres d'art, aux 500 enregistrements du concerto pour violoncelle d'Elgar - la documentation démesurée de nos passés collectifs, et le flux continu d'inventions… Tout cela donne le vertige. Nous possédons tant de choses, de toute forme, taille, couleur et apparence imaginable, et pour tous les usages possibles. Et beaucoup de ces choses sont volontairement conçues pour ne pas durer. Lorsque vous mettez votre téléphone portable à jour, vous contribuez en fait à raccourcir sa durée de vie… Les fabricants l'ont même admis. Mais qu'en est-il d'une chose qui dure, et qui est destinée à durer ? Saisissons-nous toute l’importance ou la valeur d'une chose intemporelle ? « Où est la sagesse que nous avons perdue dans la connaissance, où est la connaissance que nous avons perdue dans l'information ? » écrivait T.S. Eliot en 1934. S'il a ressenti cela à l'époque, je me demande ce qu'il dirait de nous aujourd'hui. Je crois que les gens souhaitent toujours éprouver des sensations et des émotions. Ils veulent mieux communiquer avec leurs proches, et sentir qu’ils ne sont pas seuls au monde. Même si de plus en plus de jeunes semblent se contenter de l'univers de leur portable - certains adultes aussi - je rencontre néanmoins plus de personnes encore qui s’engagent pour une communauté, et se donnent corps et âme pour que puissent se créer des expériences collectives enrichissantes. Oui, cela représente un effort, mais cet effort est le sacrifice qui scelle des liens pérennes et permet d’accéder à une expérience

Photograph: Jeff Holmes/REX/Shutterstock

Je ne déplore pas le présent et ne soupire pas après le passé. Les connaissances, les informations et les ressources accumulées dont nous disposons aujourd'hui nous offrent un potentiel immense pour fixer les orientations que nous souhaitons prendre. Je crois que nous avons plus que jamais la possibilité de choisir de nous réapproprier tous les domaines les plus riches de notre passé et de développer une relation plus étroite avec l'intelligence profonde de notre intuition. La musique classique occupe une place très intéressante dans cette évolution de l'humanité ; elle offre un vaste et beau dialogue entre l'instinct et l'intelligence. La musique vient de si loin qu'elle peut énoncer des vérités anciennes dans notre langue d’aujourd’hui. Comme vivre un chagrin d'amour, faire confiance - des choses qui ne seront pas mieux traduites par une équation, une formule ou des données. Elle peut raconter des faits de notre humanité qui peuvent sembler imprécis, avec toute la justesse de la sincérité. Il s’agit bien sûr de sagesse ancienne, 7 mais ce qui est ancien n’en est pas forcément

Enseigner et partager la musique est important parce que, tout simplement, la musique est importante. Bien avant qu'elle ne soit notée, avant qu'elle ne soit codifiée et affinée, avant qu'elle ne soit étudiée et qu'on ne lui donne des noms, elle était un don des profondeurs de l'âme d'une personne à une autre, l’instantané d’une émotion passagère, la dévotion d'une vie consacrée à un dieu, ou simplement une expression improvisée et un moyen de communication. La musique est l'art de l’invisible et de l’impalpable, des sentiments et des pensées, du don de soi, de l’exposition de sa vulnérabilité, de l’ouverture. La musique s'adresse à nous, communique et, tels des passeurs, les musiciens transmettent des choses imperceptibles à ceux qui la reçoivent. Elle a le pouvoir de nous captiver, de nous faire ressentir beaucoup de choses complexes simultanément. Elle peut nous transporter et nous accompagner dans nos sentiments de peine et de souffrance. Faire de la musique peut être décrit comme quelque chose qui soigne, qui revitalise, mais aussi qui épuise et nous consume tout entier. Des millions de personnes se rassemblent à travers l'acte fondamental d'écouter, et des milliers et des milliers de personnes créent de la communication en donnant vie à une mélodie, au rythme et à l'harmonie dans le jeu musical et au service d'une expression collective. Qu'en est-il de l’enseignement? Qu'est-ce qui vous vient à l'esprit lorsque vous pensez à l'enseignement–l’instruction, l'apprentissage, la transmission, le partage de l'information ? Mon partenaire de duo Alexei Grynyuk a étudié à Kiev avec un professeur strict incarnant l'autorité suprême - ses préceptes représentaient la seule marche à suivre légitime. Il est ensuite venu étudier à la Royal Academy of Music et a été stupéfait de découvrir que le dialogue dans la relation de l’élève au professeur était possible, et qu’il avait le droit de donner des réponses personnelles aux questions. Regarder Alexei enseigner maintenant, c’est découvrir un professeur qui invite à s’interroger. Il ne veut pas imposer d’idée à un élève, sinon de penser par soi-même.

Pour Socrate, le rôle d'un enseignant s'apparentait à celui d'une sage-femme, ce qui signifie que vous avez quelque chose en vous qui ne demande qu'à voir le jour. Le philosophe français Emmanuel Levinas a dit que « l'enseignement est la présence de l'infini qui brise le cercle fermé de la totalité ». En d'autres termes, par l'éducation, nous tentons d'ouvrir des fenêtres sur des mondes insoupçonnés. Interagir avec « l’autre », et finalement accepter l’altérité, ce qui est radicalement différent de vous. L'éducation nous prépare-t-elle à devenir des unités de production, essentiellement utilitaires, pour faire de nous de la main d'œuvre? Ou bien l'éducation est-elle simplement, comme nous le vivons souvent aujourd’hui, un processus d'instruction systématique ? L'idée du poète Matthew Arnold était qu’il faut transmettre le meilleur de ce qui a été pensé et écrit dans notre culture. Musique et enseignement vont difficilement de pair. La musique est peu quantifiable et difficile à définir, elle dépend de la créativité et de la personnalité, de la liberté et de l'expression, ainsi que du chaos, du désordre de la vie. L'enseignement, quant à lui, est la plupart du temps considéré comme plus structuré, contrôlé et systématique. On entend souvent dire que l'éducation musicale enseigne l'empathie, la coordination, la concentration, la coopération, comment écouter tout en racontant quelque chose, comment s'exprimer de manière plus assurée, comment être déterminé tout en restant flexible, comment communiquer et établir des relations. On dit aussi qu'elle améliore la confiance et la satisfaction personnelle, qu'elle contribue à améliorer les résultats scolaires et à remonter le moral, que notre bien-être physique et spirituel en est affecté positivement, qu’elle alimente notre sentiment de réussite et de responsabilité à l'égard du monde, qu'elle met à l'épreuve notre introspection en exposant notre vulnérabilité lorsque nous offrons ce que nous avons de plus personnel à des inconnus. 8

On dit qu’elle favorise la créativité - créativité dans la résolution des problèmes, de nos pensées, dans la façon d’embellir une journée, de décloisonner nos esprits et nos cœurs, de toucher notre capacité à faire confiance et à rester persévérants et positifs, même lorsque les choses ne vont pas comme nous le voulons, et même lorsque rien ne va comme nous le voulons. Nous savons que la pratique de la musique nous inculque très tôt un certain professionnalisme, par exemple lorsque nous nous efforçons de jouer le mieux possible un morceau difficile pour nos amis et nos professeurs, ou lorsque nous aménageons la salle de concert, ou encore quand nous avons le souci de ne faire durer le concert de Noël que deux heures au lieu de quatre! Apprendre à jouer d’un instrument, c’est apprendre à travailler. Et ce travail peut nous inculquer de la discipline, de la persévérance et une patience peu communes. Nous savons combien prendre soin de notre instrument nous responsabilise. Travailler la technique et la précision, jouer juste, au bon moment, en rythme, prêter attention aux accents, aux points et aux crescendos, et au son que l‘on produit, tout en essayant d'exprimer quelque chose collectivement, tout cela nous apprend précisément à maintenir en équilibre des

La musique enseigne la notion de sens La musique enflamme l'imagination des jeunes esprits. En certaines occasions, j'ai appris davantage sur les morceaux que je joue grâce à des critiques d'enfants de quatre ans qu'en étudiant pendant des années avec de savants professeurs. Le pouvoir de la musique découle de sa pratique sociale, de l'art de la création et de l'interaction. Elle est conversation. La musique nous enseigne nos liens avec les pensées, les sentiments et les voix de ceux qui viennent d'autres pays et d'autres époques. Elle nous place dans l'esprit et l'espace de ceux qui semblent vivre des vies très éloignées des nôtres. Elle nous permet de nous dépouiller de tout ce qui nous sépare et nous pousse à voir et à sentir ce qui nous unit. En fin de compte, notre plus grand défi sur cette planète est de comprendre, d'éprouver de l'empathie et de nous élever les uns les autres dans la poursuite de notre humanité commune. Il n'y a pas de plus grand défi ni de plus grande récompense. Nicola Benedetti Le 5 novembre 2019 9

“NOUS AVONS EN TANT QU’ENSEIGNANTS LA CHANCE EXTRAORDINAIRE ET LA PRODIGIEUSE OPPORTUNITÉ D’ENTRER EN CONTACT AVEC L’ESPRIT BRILLANT D’UNE NOUVELLE GÉNÉRATION. LE MONDE A BESOIN D’ENSEIGNANTS QUI PRÉSENTENT LA MUSIQUE AUX ENFANTS DE SORTE QU’ILS S’APPROPRIENT LES CHANSONS, LES DANSES OU TOUTE MUSIQUE SIMPLE DU QUOTIDIEN.” MICHAEL TILSON THOMAS PHOTO: STREIBER

LE YOGA COMME MEDECINE

ELENA URIOSTE, VIOLONISTE, PROFESSEUR DE YOGA, COFONDATRICE D’INTERMISSION

En seconde année d’étude au Curtis Institute, mon bras droit a commencé à s’engourdir régulièrement du coude à la pointe des doigts provoquant une impression d’alourdissement des membres, comme quand ils sont sur le point de s’endormir. Ce n’était pas comme une botte d’aiguilles tout le temps, mais plutôt la sensation désagréable qu’il n’y avait pas d’afflux sanguin suffisant pour conserver cette part de moi-même vivante et vibrante. J’étais surmenée, en manque de sommeil, je carburais aux donuts, Red Bull et autres cochonneries du genre…. L’engourdissement était exacerbé par la position assise, je devais être régulièrement excusée des répétitions d’orchestre, suscitant la colère et les gros yeux de Rick Zuch. Mes professeurs et mes condisciples étaient tout aussi déconcertés que moi quant aux remèdes et à la cause de ces souffrances. Au mieux on me conseillait d’aller trouver un “médecin spécialiste de la main” local, qui, la plupart du temps soignait les musiciens au scalpel. Finalement un ami m’a conseillé d’aller voir un rolfer, spécialiste qui pratique un type de manipulation physique appelée intégration structurelle. Je n’avais aucune idée en quoi cela consistait, et j’avoue aujourd’hui être toujours assez dubitative sur la méthode, mais à l’époque une seule chose me préoccupait: recouvrer la fonctionnalité mon bras droit, celui de l’archet.

Le rolfing a démontré une certaine efficacité, non sans m’avoir fait dépenser une fortune pour une dizaine de séances, qui, pour la plupart n’avaient que peu, voire rien à voir avec mon problème. L’engourdissement a fini par disparaître dans les grandes lignes, peut-être grâce au contact des mains ou par autosuggestion, mais dans les mois suivants, si des signaux de récidive se manifestaient, j’étais affolée. Je n’avais aucune idée de la signification de cet engourdissement et ne pouvais y remédier.

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Cela fait maintenant près de 9 ans que je pratique le yoga, sans avoir connu de blessure depuis lors. Cependant je ne vois pas le yoga comme une panacée et moins encore comme un culte. L’âme du meilleur yoga est une science, science non invasive, fondamentale comme “ les os du pied sont connectés à ceux de la jambe”! Je ne suis pas spécialiste d’anatomie, mais j’ai pris conscience de mon corps, je suis accordée à ce qu’il me dit, j’ai une compréhension saine des mouvements que peuvent faire les articulations, les muscles et les ligaments. Je peux corriger mes mouvements et prévenir les problèmes si je ressens une gêne, je sais quand faire une pause si je me sens raide ou fatiguée d’avoir joué, je sais qu’il est permis d’admettre qu’on peut être en souffrance et de le dire, même si cela ne fait pas plaisir à certains. Les musiciens ne sont pas meilleurs, plus courageux ou plus méritants s’ils jouent malgré la douleur. Et alors, cet engourdissement? Un nerf compressé à droite à la base de mon cou, dont la cause, absurde, provient probablement d’une mauvaise position en dormant, ou d’une position assise tordue pendant un voyage en avion, aggravée par d’innombrables heures de travail violonistique sans contre-mouvement intelligent. Il y a deux ans j’ai pu éviter et aussitôt identifier un début de douleur semblable grâce à ma connaissance et à ma confiance en une pratique de yoga lente en pleine conscience. J’ai passé une heure ou deux à faire des étirements et des séquences qui ont dégagé mon cou, mes clavicules, l’avant de la poitrine, le haut du dos. L’engourdissement a disparu avant la répétition du soir. Loin de moi l’idée de m’encenser moi-même ou de pontifier- je n’ai pas toujours été un brezel humain (!) capable de se tenir sur la tête, aimant le quartz rose et obsédée par la méditation. Il y a bien longtemps, je souffrais presque tout le temps...c’est une pratique remarquable, c’est une médecine. Oui, le yoga est pour tous, prévenons et combattons les blessures ensemble! 11

UJOURS AU TOP ASTUCES POUR ÊTRE TO

ETRE UN ATHLÈTE MUSICIEN PAR SARAH UPJOHN, PHYSIOTHÉRAPEUTE

Échauffements avant de jouer Pratiquez quelques exercices d’échauffement pour augmenter le flux sanguin dans vos muscles. C’est ce qui leur apportera de l’oxygène Hydratez-vous – buvez beaucoup d’eau Soyez en forme physique – cela diminue le risque de blessures

Pendant le jeu Soyez attentifs Êtes-vous assis confortablement ? Sont-ce bien les ischions (os pointus en bas du bassin) qui supportent le poids de votre corps? Vos pieds sont-ils bien posés à plat sur le sol ? Revenez à la position neutre dès que possible Débarrassez-vous régulièrement des tensions accumulées – au niveau des épaules, des avantbras, des mains, de la mâchoire

Après avoir joué Faites des étirements – quittez la position de jeu Tirez parti au mieux de vos temps de pause – faites une promenade, prenez l’air, balancez les bras Rappelez-vous que les muscles ont besoin de temps de récupération pour se renforcer Rappelez-vous de ne pas ignorer les douleurs, cherchez de l’aide si elles proviennent de la pratique instrumentale La prévention est possible dans le cas de blessures dues à la pratique instrumentale 12

Bien-être physique

ANDREW PATTERSON, OSTÉOPATHE

De nombreuses années de recherche ont conduit à l’évidence que la pratique d’un instrument de musique peut conduire à l’inconfort, engendrer des douleurs, voire des blessures. La bonne nouvelle est que cellesci peuvent être prévenues en grande partie si nous stimulons l’usage de bonnes habitudes physiques dès le plus jeune âge, ce qui évitera bien des postures et mouvements conduisant à des blessures. Cette approche permettra en outre de développer la qualité du son. La posture en jeu (d’instrument) est aussi importante que la technique et l’habileté. Pour bien jouer, il faut des fondations, donc un corps qui nous supporte tout en étant détendu et capable de se mouvoir de façon dynamique. Une bonne assise commence par placer les pieds à plat et tenir les épaules bien amples. Le bassin doit être neutre, comme un bol plein d’eau, qui ne doit déborder ni par le haut, ni s’égoutter à l’avant ou à l’arrière. En position assise, le poids doit être partagé également sur les ischions. Le buste doit être droit et relâché, ni affalé, ni trop redressé, ni cambré. L’avant du buste et le dos doivent avoir la même longueur, essayez d’allonger quelque peu le cou, d’avoir les épaules relâchées et ouvertes. S’échauffer pour commencer est efficace, le but étant de stimuler la circulation du sang pour réchauffer les muscles. Quelques mouvements de base mettant les articulations en mouvement suffisent, focalisez-vous sur le haut du dos, les épaules, les avant-bras et les doigts.

Les étirements préalables ne sont d’aucune utilité, les muscles ne peuvent être échauffés par des étirements. C’est après avoir joué qu’il faudrait faire des étirements et des mouvements qui font se détendre les muscles posturaux et ceux utilisés lors du jeu. De nouveau, concentrez-vous sur le haut du dos, les épaules et les avant-bras. Ceci pour prévenir le report des tensions accumulées au lendemain. Commencer le travail par des coups d’archet lents et longs, des gammes bien contrôlées sera bien plus efficace que de se lancer dans des exercices de doigts rapides ou directement dans votre répertoire. Dans l’apprentissage, nous pouvons faire appel à une spécificité de la physiologie du cerveau selon laquelle les schémas des nouveaux mouvements sont traités après que nous avons arrêté de les travailler. Lorsque nous revenons à ces mouvements, souvent le schéma est fixé et nous pouvons réaliser ces gestes dans notre jeu. L’apprentissage s’effectue dans les intervalles, ce qui est d’une grande aide lorsque le répertoire devient plus difficile et peut réduire considérablement la pression de l’entraînement. Il n’est pas inutile de rappeler que le corps est soumis à d’autres postures qui ne sont pas sans danger: porter des instruments, forcer les muscles du cou à regarder nos téléphones...elles aggravent les tensions accumulées lors de la pratique instrumentale. 13

UN MESSAGE DE

Wynton Marsalis Pour la plupart d’entre nous, la musique a toujours occupé, d’une manière ou d’une autre, une partie importante de nos vies. Chaque jour ou presque, les souvenirs des directeurs et professeurs nous reviennent en mémoire. À la simple mention d’un nom, on ressentira à nouveau toute l’intensité de notre première expérience musicale, ou l’on se rappellera son propre cheminement, des débuts timides jusqu’à la passion enthousiaste que l’on éprouve en tant que membre d’un orchestre, porteur éclairé des valeurs musicales avec lesquelles nous avons grandi, jadis. Musique… Ce simple mot évoque en nous de multiples impressions… Spiritualité, raffinement, solennité, audace et fête. Sensualité, crissements, claquements et craquements, sonates légères et symphonies majestueuses, tout cela réuni dans un mélange relevé par cet ingrédient spécial : la soul. C’est ça le blues…

TROMPETTISTE, COMPOSITEUR, PROFESSEUR ET DIRECTEUR ARTISTIQUE (SECTION JAZZ) AU LINCOLN CENTRE

La musique, c’est le prêche du pasteur et les bruits plaintifs nocturnes, c’est le jingle – médiocre – d’une pub à la télé, le thème d’un jeu vidéo, la musique d’un groupe ethnique, le labeur des esclaves du Sud gravé en chansons. C’est la voix qui s’élève pour la prière du matin alors que la ville entière s’arrête, c’est l’hymne qui fédère toute une nation. Dans la musique, on trouve l’histoire et la mémoire d’un peuple, rappelées à la vie à chaque représentation, le lien qui unit les générations, ce sentiment d’appartenance et, en fin de compte, l’expression de l’amour. En une seule note, la musique peut démêler des émotions, éveiller des pensées, remonter le moral et ouvrir les yeux de l’esprit. Conscience devenue réalité physique car passée par le fil du rasoir de la performance, astreinte à l’authenticité sous la pression du temps, la musique est toujours ”maintenant”. Et la maîtrise du présent est une affaire sérieuse.

La musique est partout, du mouvement des cieux au chant des criquets, dans le son du carillon, de la sonnerie du portable, c’est le clapotement de l’eau et le hurlement à la pleine lune, les chuchotements des jeunes amoureux, le fracas d’une dispute de couple, le sanglot solitaire du cœur brisé…

"Musique… Ce simple mot évoque en nous de multiples impressions… Spiritualité, raffinement, solennité, audace et fête." 14

Malgré une rétribution dérisoire, le chef de band est, au niveau local, le gardien d’un héritage musical personnel et collectif. Un enseignant d’un genre spécial, façonné par un engagement de toute une vie face aux vérités profondes et immédiates de la musique. Une personnalité amenée à conduire les élèves à une meilleure connaissance de soi et des autres, à les accompagner et à les seconder dans leur relation à l’art lui-même. L’un des exploits les plus remarquables de la culture occidentale est de parvenir à réunir des instruments similaires, groupés dans des familles mélangées, avec toutes les joies et tourments qui en découlent, au sein d’une famille de familles, un band, un orchestre, une fanfare, un combo de jazz… Un orchestre, c’est un ensemble complexe de relations, au sein desquelles les droits et responsabilités de chacun évoluent en permanence. Et, au centre, la relation entre le chef d’orchestre et l’étudiant peut devenir aussi simple ou complexe que la relation entre les cuivres et les bois, entre les trompettes et les farouches trombones, ou entre les percussionnistes et le reste de l’orchestre. Finalement, c’est avant toute chose le rôle du chef d’orchestre d’amener chacun à accomplir ce qui est la raison d’être de la musique : être ensemble et rester ensemble. Le chef d’orchestre coordonne et le temps harmonise… Des problèmes lors d’une prestation ? Réglez-les sans attendre, car jouer est LA fin en soi. Le caractère fugace et immédiat d’une prestation rend la volonté d’exigence d’autant plus essentielle. Un orchestre tire son inspiration de la qualité de la musique et est exalté par la passion du chef d’orchestre. Tout le travail de mise en place mérite une musique qui a de la substance et qui est bien écrite ainsi que des intentions pures qui VALENT tous ces efforts. Cette valeur ne peut être calculée en dollars, en centimes ou en nombre de téléchargements, elle ne peut être ni troquée ni échangée. La musique tire sa valeur de ce qui a été mis en elle dès le départ: l’âme d’un humain, de la spiritualité, des heures de travail, une romance ardente, de l’humour, un

amour perdu, la brillance de l’orchestration, une forme profondément enracinée, des siècles de tradition, un génie novateur...C’est beaucoup plus que les simples notes. C’est un flux continu, qui trouve sa source aux mystères de la création du compositeur, qui se poursuit par la musique jouée par le chef et son orchestre pour, en fin de compte, être reçue par le public. Après un concert, on éprouve souvent un sentiment d’enthousiasme et d’exaltation. Pourtant, presque tout ce qui fait la réussite d’un concert se passe en dehors de la scène. Bien audelà de l’aspect logistique, et au-delà des connaissances indispensables en harmonie, en rythme et en mélodie, les chefs d’orchestre sont appelés à être des rêveurs, des bâtisseurs et à animer la communauté. Dans notre pays, l’omniprésente et chronique ignorance, l’apathie, pour ne pas parler d’hostilité pure et simple envers l’art dans l’enseignement général nécessitent une plus grande implication en amont et loin des projecteurs. Qu’on le veuille ou non, éclairer, divertir et inspirer nos concitoyens est notre mission pour le futur. Mais tout cela se passe à un niveau très personnel. Votre histoire devient celle de votre orchestre, et à mesure qu’elle est racontée et embellie, elle devient bientôt l’histoire de votre communauté et, enfin, notre récit commun. Si vous le pouvez, songez à un professeur que vous avez aimé mais qui n’est plus de ce monde. En cet instant, nous pouvons nous souvenir avec une émotion soudaine, de tout ce qu’il nous a légué pour faire de nous un meilleur musicien, un meilleur étudiant, une meilleure personne. Le simple souvenir de sa voix évoquera les nombreux conseils et les idées uniques qu’il vous a transmis pour aborder une pièce difficile. Repensez à vos expériences d’orchestre à l’université. Jamais, au grand jamais, vous n’oublierez le chef d’orchestre. Le plus terne des étudiants s’en souvient. A présent, ce chef d’orchestre, c’est VOUS, qui êtes devenu un guide immuable dans le paysage et la vie de VOS étudiants. 15

Quelles sont nos responsabilités en tant que chef, vis-à-vis de nos étudiants, des êtres chers qui sacrifient tellement pour nos ensembles? Nous leur devons D'APPORTER DES CONTENUS SUBSTANTIELS, DE RECHERCHER TOUJOURS LA QUALITÉ ET DE FAIRE PREUVE D’UNE SOIF INEXTINGUIBLE DE PROGRÈS. La dernière chose que nous voulons, lorsque nous nous pencherons, plus tard, sur notre carrière d’enseignant, serait de nous dire : « c’était pénible ! Beaucoup de mauvaise musique, beaucoup de mauvais moments. Je n’ai plus de contact avec aucun des enfants à qui j’ai donné cours. Bon débarras ! ». Au contraire, il est important de garder d'anciens étudiants dans notre entourage. Leur engagement musical à la maison et dans leurs propres cercles sera le témoignage de l’efficacité de notre enseignement.

PHOTO: FRANK STEWART

LES ÉTUDIANTS ET LES GAMMES

Il est important de travailler et de développer l’étude des gammes avec les jeunes musiciens afin de leur fournir des bases techniques saines. Développer de bonnes habitudes et un esprit positif envers l’étude des gammes dès le plus jeune âge rendra un service inestimable aux jeunes élèves. Voici quelques conseils pour les étudiants. Fixez-vous toujours des objectifs et tâchez de vous y tenir Respirez Écoutez pour bien partager votre archet Suivez le son du début à la fin – veillez à toujours maintenir la beauté du son Travaillez d’abord sans vibrato, cela vous permettra d’être à l’écoute de la pureté du son, de l’intonation qui doit être claire et nette, des changements d’archets qui doivent être lisses et mœlleux, sans accrocs lors de la connexion « tiré – poussé » Écoutez afin que les changements de position (démanchés) et les changements de corde soient fluides Vérifiez l’intonation en utilisant le repère des cordes à vide et prenez conscience de la sensation de « résonnance » lorsque l’intonation est vraiment parfaite Prévoyez d’inclure toujours des arpèges et des doublescordes dans votre session. Leur valeur est inestimable pour le développement du « cadre » de la main gauche et la connaissance de la « géographie » de l’instrument Évitez que les doigts de votre main gauche se mettent à danser (dans tous les sens) – gardez-les souples et prêts à l’attaque Prévoyez chaque jour du temps pour développer différents coups d’archet et pensez à utiliser un métronome 17

CONSEILS POUR L’ÉTUDE DES GAMMES Par Andrea Gajic, professeur de violon au Royal Conservatoire of Scotland

Voici quelques rappels importants pour l’enseignement des gammes: prenez le temps de comprendre de quelle manière votre élève apprend identifiez points forts et points forts et faibles soyez flexible, ouvert et créatif élaborez une routine facilitant l’approfondissement de domaines à améliorer soyez régulier et prenez le temps d’écouter les exercices et les gammes, idéalement à chaque leçon encouragez régulièrement l’élève à développer son potentiel évitez de dire et/ou de donner trop de matière trop tôt, vous avez le temps (en particulier avec les jeunes instrumentistes) restez patient et consciencieux, visez toujours le long terme

OUVRAGES RECOMMANDÉS POUR LES GAMMES ET LES EXERCICES (VIOLON) Barbara Barber: Scales for Young Violinists (Alfred Music) Barbara Barber: Scales for Advanced Violinists (Alfred Music) A.Grigorian: Scales and Arpeggios for violin (Muzyka) Carl Flesch: Scale System by Carl Flesch (Carl Fischer Music) Ivan Galamian and Frederick Neumann: Contemporary Violin Technique Part 1 and 2 (Galaxy Music Corporation) Elisabeth Gilels: Daily Exercises for the Violinist (Sikorski Musikverlag) Carl Flesch: Urstudien (Carl Fischer Music) The Dounis Collection: Eleven books of studies for the violin (Carl Fischer) Schradieck: School of Violin (Schirmer Library) Ševčík: Changes of Position and Preparatory Scale Studies Op.8 (Bosworth) Ševčík: Preparatory Exercises in Double Stopping Op.9 (Bosworth) Ševčík: 40 Variations Op.3 (Bosworth) Ivan Galamian: Principles of Violin Playing and Teaching Paul Rolland: The Teaching of Action in String Playing (Alfred Publishing) 18 Simon Fischer: Basics

QUE FAISONS-NOUS EN RÉALITÉ LORSQUE NOUS DÉVELOPPONS NOS COMPÉTENCES DE MUSICIEN, ET LORSQUE NOUS JOUONS ENSEMBLE? KATHRYN JOURDAN ALTISTE, PROFESSEUR ET CHERCHEUSE

On considère souvent la musique comme un langage universel, mais il existe une telle variété de pratiques musicales, et, dans le monde, tant de cultures musicales nettement contrastées, que ce soit du point de vue de la sonorité ou de la fonction, que l’on peut se demander si toutes les façons de faire de la musique ont un dénominateur commun. Comment comprenons-nous l’importance du développement technique et tout l’effort consenti pour apprendre à jouer d’un instrument ? Et par ailleurs pourquoi y accordons-nous de l’intérêt? Dans le cadre de mes recherches sur la façon dont les élèves vivent l’enseignement musical, la philosophie d’Emmanuel Levinas m'est apparue comme une évidence. Il considérait que notre responsabilité vis-à-vis de « l’autre » passait avant toute volonté de comprendre le monde, l’autre étant envisagé comme la personne que nous rencontrons de près ou de loin -

qui peut être pour nous musiciens la personne qui partage notre pupitre, nos auditeurs, ou peutêtre même ceux dont nous apprenons la musique alors qu’ils sont à des milliers de kilomètres. C’est une forme d’ouverture absolue, par laquelle nous sommes éthiquement conduits vers l’autre, à mesure que nous nous transformons (remodelons) au gré de sa rencontre. Si nous considérons le langage - comment nous nous parlons - à son niveau le plus profond avant même de tenter de communiquer quelque chose, nous cherchons à « créer un univers commun » avec les autres. De même, lorsque nous faisons de la musique ensemble, nous « nous remettons en question » pour envisager l’autre - l’individu ou la collectivité. Il s’agit bien d’un acte éthique : jouer avec d’autres signifie sortir de soi-même et prendre un risque en vue d’établir une relation avec quelqu’un. Dans notre tradition musicale occidentale, appelée souvent musique classique, nous avons le privilège, en tant qu’interprètes, de transporter les autres plus profondément dans ce que Levinas appelle « l’infini » de la musique que nous jouons (lorsque nous sommes dans l’action), par opposition à la « totalité », représentée par des fragments de connaissance facilement acquis mais offrant peu d’issues et de perspectives, ou par ce qui reste limité au domaine de la pensée. Levinas décrit l’enseignement comme « la présence de l’infini brisant le cercle fermé de la totalité ». En tant qu’enseignants, nous avons le pouvoir d’ouvrir nos élèves à des univers insoupçonnés. En tant que professeurs, nous avons accédé à l’infini de la musique et de la pratique de la musique avant nos étudiants; nous les invitons à nous y rencontrer. Nous évoluons ensemble à travers cet infini, partageant des connaissances côte à côte au gré de notre progression. Et au fur et à mesure de notre développement technique et musical, nous nous donnons les moyens d’emmener les autres avec nous dans une rencontre plus profonde de la musique et de l’autre. 19

DÉVELOPPEZ VOTRE SON Accorder de l’importance au son est capital, n'évitez pas le sujet! Comme le son est l'élément le plus personnel du jeu, je recommande vivement de prendre le temps de le développer au jour le jour. Chacun a un son unique, je vous encourage chacun à vous interroger à ce propos: “quel son voudrais-je pour moi-même?” Rappelez-vous, votre son vous appartient pour toujours. Face à des étudiants, encouragez-les à s’accepter, à accepter leur son et, à partir de là, travaillez avec eux pour l’étoffer et l’approfondir. Dans le processus de développement de votre son, tenez compte de : La position de votre main sur l’archet La place de contact (position de l’archet entre le chevalet et la touche) L’angle de l’archet La vitesse de l’archet – vite, lent, contrôlé Poids du bras transmis par l’archet – plongeant dans la corde pour un son généreux ou survolant la corde pour un son aérien Le son est plus qu’une donnée physique, votre force réside dans votre capacité d’écoute et vos intentions Vos oreilles sont de puissants instruments – elles vous guideront Faites des expériences avec votre son : Expérimentez les contraires: trop peu ou trop de poids sur votre archet pour plonger dans la corde Ressentez les vibrations de votre instrument et soyez réellement à l’écoute lorsque vous expérimentez Entraînez-vous à trouver les extrêmes sur votre instrument, ensuite le juste milieu Le « juste milieu » est le son qui a le plus de résonance, qui est à la fois beau et confortable, le « chez-soi » du son en quelque sorte Connaître les extrêmes est indispensable pour trouver le juste milieu, et obtenir le son qui a la plus belle projection Votre son doit être unique mais durable (pour ne pas vous fatiguer !) 20

Chefs d’orchestre pédagogues Par Alex Laing

Montrer et partager votre propre plaisir et faire confiance sont la clé de la réussite lorsque vous êtes amenés à diriger un groupe d’étudiants. Il est important que vous vous rappeliez à tout instant que vous ne devez pas chercher à ressembler à un chef d’orchestre professionnel. D’ailleurs ceux-ci sont généralement plutôt maladroits dès lors qu’ils travaillent avec des enfants; ils développent leurs propres styles, si variés soient-ils, qui à leur tour sont interprétés par des musiciens adultes et professionnels. RAPPEL il faut aux enfants une direction simple, claire et fiable il n’est pas nécessaire de compter (donner une pulsation) avant de démarrer les départs doivent se faire de manière disciplinée, cela vaut la peine la baguette levée signifie que vous êtes prêt et qu’ils doivent l’être aussi ressentez la pulsation intérieure, ensuite donnez la levée COMMENT TENIR LA BAGUETTE C’est pratiquement comme la tenue de l’archet, la baguette est juste ramenée plus au creux de la main :

LORSQUE VOUS BATTEZ LA MESURE, PENSEZ : Rebond – comme jouer pizzicato Ping-pong – battez sur 6, 9,3 et 12 heures 21

UN MESSAGE DE

Sheku KannehMason

VIOLONCELLE

De nombreuses personnes ont regardé ma prestation lors de la finale du concours BBC Young Musician of the Year en 2016. J’y jouais le Concerto pour violoncelle n°1 de Chostakovitch, mais ce que beaucoup n'ont pas vu et n'auraient même pas imaginé, c’est combien la préparation et le soutien de mon merveilleux professeur de l'époque, Ben Davies m’y ont aidé. J’avais 10 ans lorsque j'ai commencé à suivre des cours tous les samedis avec Ben à la Primary Royal Academy of Music. Il a été mon professeur jusqu'à mes 18 ans, lorsque j’ai terminé mon cursus à la Royal Academy Junior Department. Ces années comptent parmi les plus extraordinaires de ma vie, j’y ai beaucoup appris sur le violoncelle et la musique, et j'y ai découvert le musicien que je voulais être. Ben m'a aidé à évoluer du jeune garçon enthousiaste pour le violoncelle au musicien que je suis aujourd'hui (et qui aime toujours le violoncelle). Les idées intarissables que Ben avait sur les morceaux que je jouais étaient l'une des choses qui m'ont le plus inspiré durant les leçons. Il m'a permis d'approfondir ma connaissance de la musique ; et il était clair que sa réflexion se poursuivait tout au long de la semaine, en dehors des cours, et qu’il continuait ses recherches sur mes pièces, et c’est ce qui rendait son enseignement si précieux.

Bien qu’il ne soit plus mon professeur aujourd’hui, quand il vient écouter un de mes concerts, il a toujours à son carnet et son stylo avec lui pour me transmettre ses impressions après le concert. À mes yeux, cela n’a pas de prix. Et le plus important pour moi, c’est la confiance envers lui qui s’est bâtie au fil des ans. Aujourd’hui, je le vois autant comme ami que comme un professeur. Je me souviens que durant les semaines qui ont précédé mes prestations lors du concours de la BBC, jusque dans les derniers instants avant de monter sur scène, Ben était là à me proposer des idées avec enthousiasme et me mettre au défi. Il m'a encouragé à toujours chercher dans mon jeu, ce dont je lui suis très reconnaissant. Cela m'a permis d'être créatif et de réfléchir à ce que je veux dire plutôt que de me soucier de ce qui pourrait mal tourner sur scène ! Quelle chance d’avoir eu un pareil professeur durant toutes ces années !

ROUTINE DE TRAVAIL QUOTIDIENNE La respiration est l’une des composantes importantes de la nature humaine que nous avons la capacité d’entraîner. J’aurais aimé qu’on m’apprenne à y faire attention lorsque j’étais plus jeune. Prenez simplement le temps d’inspirer RESPIRATION et d’expirer profondément. Lors de l’inspiration, sentez votre estomac et vos poumons se dilater et, lors de l’expiration, ressentez tout le poids de votre corps, sa connexion à la terre. « Plongez » dans le sol, ou dans la chaise si vous jouez assis.

UN ESPRIT CALME ET CONCENTRÉ

SON

Juste avant de consacrer toute votre attention à produire un son, restez immobile et silencieux pendant un instant, votre instrument en mains. Pensez à ce que vous allez faire, en étant à la fois calme et concentré. Essayez d’aborder le temps d’étude avec le plus de sérieux et de positivité possibles, et sans que l’exercice soit source de stress. La musique n’existe pas sans son et le temps que vous consacrerez à sa recherche ne sera jamais perdu. Passez un bon moment dans votre pratique quotidienne à vous focaliser sur ce SEUL aspect. Des cordes à vide, de simples mélodies feront l’affaire. Ressentez la vibration du son, rendez-le plus limpide, plus beau, plus personnel, sincère et confortable.

6Ceci est la suite naturelle du travail de la respiration. POIDS

Ressentez le poids de vos bras et de votre corps tout entier. Plantez vos pieds profondément dans le sol et balancez votre corps de haut en bas. Sentez le poids de vos bras inertes à chaque expiration.

CONFIANCE

Consacrez un moment à penser à vous faire confiance à vous-mêmes– vous et vos mains êtes capables de réaliser ce que vous voulez. Evitez d’aborder le travail avec anxiété : « je n’y arrive pas » ou « je ne veux pas ». Octroyez-vous la possibilité de vous tromper et de tenter des choses. N'attendez surtout pas de vous d’être infaillibles! 23

INTONATION (JUSTESSE) / ECOUTE

OÙ EST VOTRE CŒUR

RÉPERTOIRE

SÉPAREZ & SIMPLIFIEZ

RESTEZ CALMES

Pour jouer juste, il faut faire preuve d’une écoute extrêmement attentive. Un des meilleurs conseils que j’ai reçus a été de me concentrer sur l’intonation la plus parfaite possible d’UN OU DEUX sons, en prêtant attention aux qualités de résonnance et de brillance qui en résultent. Une fois ces sensations apprivoisées, vous n’allez plus pouvoir vous en passer et vous voudrez que tout ce que jouez sonne de la même manière. Essayez surtout de prendre conscience de l’intonation, au moins une fois par jour. Lorsque vous étudiez, il est indispensable de vous demander, à un moment ou à un autre, comment vous percevez la musique que vous jouez : son origine, ce qu’elle essaie de transmettre, ce qu’elle vous inspire comme sentiment et comment vous voudriez que vos auditeurs la reçoivent

Quelle que soit l’ampleur du répertoire à travailler, le mieux est de planifier au préalable votre temps d’étude pour ne pas laisser échapper des passages importants. Essayez d’évaluer la longueur des pièces à travailler et de vous assurer d’en arriver jusqu’au bout. Si ce n’est pas possible, veillez au moins à travailler les passages qui vous semblent les plus périlleux Séparez les rythmes et les notes, la main gauche et la main droite, la production du son et l’intonation. Un exemple : travailler l’intonation beaucoup plus doucement est très utile. Les cordes à vide, en vous ôtant les distractions de la main gauche, vous viendront une fois de plus bien en aide pour le travail du son Vous pouvez être certain d’une chose: la répétition quotidienne des exercices portera ses fruits. Inutile donc de stresser et de s’inquiéter des résultats. Et même si vous avez du mal, le stress ne vous aidera jamais à vous attaquer à quelque chose de difficile.

CHANGER DE POSITION (DÉMANCHER)! 1.

Vous trouverez ci-dessous quelques principes utiles pour l’enseignement des changements de position : Changer de position est avant tout une question de préparation L’essentiel est de s’entraîner à se déplacer dans un mouvement lent, souple et léger - Changement de position avec le même doigt - Changement de position et changement de corde - Changement de position avec sauts d’octave Lors d’un changement de position avec une substitution ou avec le même doigt, travaillez toujours lentement et à bon escient. Utilisez chaque fibre de votre être pour ressentir physiquement ce qui se passe d’une position à l’autre (toujours lentement pour la précision) – c’est ainsi que votre corps apprendra la sensation propre à chaque déplacement. Chaque exercice bien mené améliorera votre précision. Prenez le temps qu’il faut pour changer de position– souvent, vous avez plus de temps que vous pensez À moins de vouloir un changement de position portamento, il vous faudra penser à alléger votre main gauche – soyez toujours conscients de la pression exercée par vos doigts, gardez-les mobiles et bondissants Planifiez votre trajectoire pour trouver la nouvelle note. Déterminez si vous voulez un changement de position soigné ou une glissade vers la nouvelle note, et si vous voulez que celui-ci se passe sur l’archet de la note de départ ou de celle d’arrivée. Chantez la note dans votre tête avant de changer de position Entraînez encore et encore les changements de position périlleux pour vous sentir en confiance Plus de conseils pour les basses : Pensez à votre coude et détendez vos doigts Essayez de ne pas serrer le manche, sinon votre changement de position ne fonctionnera pas Violoncelles – lorsque vous changez de position vers une note en position du pouce ou encore plus haut, le coude doit anticiper vers sa nouvelle hauteur et être prêt pour la nouvelle position Contrebasses – Ne montez pas en position du 4e au 4e doigt ni ne descendez du 1er au 1er doigt – dans les 2 cas votre main va s’effondrer

VIBRATO Le sujet préféré de tous...le vibrato. De toute évidence, il existe une infinité de manières de l’enseigner ; vous trouverez ci-dessous une sélection des meilleurs procédés parmi ceux qui m’ont été enseignés et une compilation de moyens proposés par les professeurs de notre équipe. Nicky x

1 Votre expression provident principalement de votre son et de votre main droite. Ne vous

focalisez pas sur la nécessité d’avoir un vibrato absolument irréprochable. En plus, ce n’est pas en ayant des attentes trop élevées et en vous mettant la pression que vous aborderez sereinement des savoir-faire complexes

nous le conseille Jenny Lewisohn, notre super prof d’alto, essayez donc la méthode 2 Comme du scarabée inerte. Commencez sans votre instrument – retour à la position du scarabée inerte- utilisez les deux mains si vous voulez et déplacez-les très souplement d’avant en arrière (un peu comme lorsqu’il fait très chaud et que vous voulez vous faire un peu d’air, mais gardez les mains totalement détendues, sans quoi l’exercice n’aura pas d’utilité !)

3 Appliquez ce mouvement lâche sur votre instrument (sans l’archet), de haut en bas du

manche. Montez dans les positions super hautes aussi ! Ne soyez pas trop timide ou prudent, personne ne vous entend

4 Violonistes et altistes, exercez le vibrato en 3e position. Si vous ne jouez pas encore en 3e 5 6 7 8 9

position, la seule chose importante est d’étreindre (avec votre main) l’instrument là où le manche se joint au corps du violon. C’est là que se trouve votre zone de sécurité et de confort Vous devriez toujours sentir que votre main est relâchée et détendue quand vous faites ces exercices, ce qui inclut aussi toutes les articulations de vos doigts. Si vous êtes super rigides, tout sera beaucoup plus compliqué

Commencez par tenter de produire un mouvement de rotation très large et lent. Assurezvous que chaque muscle de votre main et de votre bras est vraiment relâché Après un moment, diminuez l’ampleur du geste, mais ne vous précipitez pas et ne prenez pas l’archet trop tôt. À ce stade, seule la sensation compte, peu importe votre son ! Le vibrato devrait être utilisé pour animer, colorer votre son et non l’inverse. Essayez qu’il ne soit pas un élément perturbateur, qu’il ne détruise pas la forme, la ligne, la qualité du son Il n’existe pas une seule forme de vibrato, il devrait être nuancé selon les pièces, les ambiances, les styles, les volumes. Entre susurrer un mot doux à l’oreille de quelqu’un ou hurler de colère, la différence n’est-elle pas énorme ? Nous voulons exprimer toute la palette des expressions humaines. Et cela ne sera pas possible si vous êtes trop crispé. Soyez patients! Progresser n’est pas un long fleuve tranquille, il est fait de hauts et de bas. Alors, profitez de chaque instant et ne vous inquiétez pas trop si vous trébuchez en cours de route. Deux conseils en plus pour les contrebasses : Visez un mouvement de rotation lent et relaxé sur le doigt qui doit vibrer et le pouce – sur de longues notes 26 Essayez de commencer avec le 2e doigt (le plus facile), suivi du 1er et enfin du 4e

Sassy

Cours instrumentaux selon Kodály

Teen Magazine

Par Jo Bradley

Le principe de base de la méthode Kodály est d'enseigner une seule compétence à la fois, généralement à partir d'un morceau de musique ou d'une chanson connus, et de travailler ensuite sur la conscientisation de cette aptitude. Nous allons, dans cette optique, examiner comment cette méthode peut contribuer à améliorer la lecture à vue sur la base d’un cours hebdomadaire. Introduction à la notation rythmique superposée, comme toujours, au-dessus d’une pulsation constante

Cette idée n'est pas nouvelle et ne se limite certainement pas à l'enseignement de Kodály. Ce genre de système est utilisé depuis des centaines d'années dans la musique indienne (où il est appelé Bol), au Japon (où il est appelé kuchishoga) et dans la musique africaine. Le système hongrois a été conçu à partir des travaux du musicien et professeur français Emile-Joseph Chevé (1804-1864). Les syllabes rythmiques sont un outil pédagogique efficace car elles représentent un son réel; grâce au langage, le professeur peut isoler l'étude du rythme et celle de la hauteur. Cependant, les professeurs de musique rejettent parfois les syllabes rythmiques en croyant à tort qu'elles imposent un nom différent ou "enfantin" au lieu des véritables noms théoriques. Cette idée est fausse. Les syllabes rythmiques ne sont pas vraiment des noms, mais des expressions de durée. Elles sont parlées/chantées et non écrites comme des mots. Leur forme écrite est la notation musicale elle-même. L'utilisation de syllabes rythmiques ne dispense pas les étudiants d'apprendre des noms théoriques. Il faut encourager les étudiants plus âgés et ceux qui ont l'expérience des syllabes à apprendre à la fois les noms théoriques et les noms rythmiques, car les deux conventions de nommage fonctionnent dans des domaines différents. Les noms théoriques aident à identifier, classer et discuter du rythme. Cependant, être capable de nommer ou d'identifier quelque chose n'est pas pareil que de l'intérioriser en tant que son. Les noms théoriques n'aident pas les étudiants à comprendre comment sonnent les rythmes.

Sassy

Teen Magazine

Par exemple: la blanche devient ta-a La blanche pointée devient ta-a-a La noire pointée devient ta-(t)e Si vous voulez vous initier à cette méthode, faites comme les enfants, commencez par les apprendre une par une. Recourir à des percussions corporelles est utile car le mouvement aide à occuper l'espace-temps. Ta-a taper les genoux et glisser Ta taper les genoux Te-te taper deux fois dans les mains Ti-ka-ti-ka frapper 4 fois sur les paumes Vous pouvez ensuite combiner les éléments ci-dessus et les développer en : Séries de mesures à 4 temps Appel / Réponse

Avoir des fiches est très utile; vous pouvez les acheter ou les créer personnellement. Plastifiez-les pour pouvoir écrire dessus et les essuyer ensuite Permettre aux enfants de les créer (improviser), en respectant une longueur de phrase musicale donnée, contribue à consolider leur apprentissage Cela ne prend que quelques minutes par leçon, soit avec leurs pièces ou leurs études Vous pouvez également essayer de dire le rythme sur une pulsation La lecture à vue devient plus facile lorsque l'élève se sent plus sûr de lui avec le rythme. En regardant uniquement le rythme, les syllabesparlées leur donnent les lignes et la sensation de la mélodie, ce qui signifie que l'approche de n'importe quel morceau en lecture à vue peut se faire avec plus de confiance et de facilité. Que pouvons-nous faire d'autre ? Ajoutez des dynamiques à vos jeux hebdomadaires Mimez des coups d’archets, des articulations Comme dans tous les domaines, selon les pays, quelques variations de noms sont possibles dans la nomenclature. Mais le caractère universel de celle-ci vous assurera dans tous les cas de former des musiciens rompus au rythme pour l’avenir. Pour plus d’informations : British KodályAcademy - http://kodaly.org.uk 28

PETR LIMONOV

PIANISTE ET CHEF D’ORCHESTRE De nombreux articles, livres, blogs et vidéos abordent la question: comment apprendre à jouer d’un instrument de la manière la plus efficace? On trouvera en revanche moins de documentation traitant cette la question de savoir comment apprendre à quelqu’un d’autre à jouer d’un instrument. Et à la question « Pour quelle raison enseigner à quelqu’un à jouer d’un instrument », on trouvera encore moins de réponses… La vie moderne dans notre monde « développé » pose un nombre phénoménal de défis à relever au professeur de musique. On a souvent la sensation que notre société, qui accorde tant de valeur au statut social, à l’argent, au glamour et au plaisir immédiat, ne prend l’enseignement de la musique au sérieux que si cela lui convient. La position de la musique semble fragile. On trouvera toutes sortes de raisons facilement « mesurables » pour justifier à un parent d’apprendre à un enfant à entrer dans le monde de la musique de Beethoven: l’obtention de meilleurs résultats aux examens, des chances accrues d’entrer à l’université, de meilleures compétences sociales, des capacités de concentration augmentées, de l’autodiscipline et de la résilience. Même si cela est certainement vrai, les qualités uniques et fondamentales au cœur même de la tradition musicale sont

souvent négligées. A savoir notre capacité d’approcher le processus d’apprentissage de la manière la plus directe possible, c-à-d par l’interaction de personne à personne, avec ce que cela suppose de subtilité et d’immédiateté dans la relation non verbale. Dans le cadre spécifique de l’enseignement musical, les élèves ne sont pas invités à ingurgiter simplement des matières à mémoriser.Bien au contraire, la musique nous apprend comment s'approprier une discipline artistique, qui ne peut être réduite à des mots, des formules ou des algorithmes sans perdre son infinie complexité. C’est très naturellement en grande partie par l’imitation que l’on apprend à jouer d’un instrument. Ce que nous apprennent les enfants qui excellent à la pratique d’un instrument, c’est qu’ils sont guidés par l’intuition, la créativité et l’absence de peur. Absence de peur dans le sens qu’ils ne craignent pas l’inconnu, ont une foi inébranlable dans la force de leur instinct, de leur intuition. 29

Dans le même ordre d’idées, la musique ne nous enseigne pas seulement comment apprendre, elle nous apprend à enseigner, et nous montre combien apprendre et enseigner sont les deux faces d’une même pièce. Contrairement à la compilation théorique à absorber pour l’examen du permis de conduire, qui pourrait être considérée comme le triomphe ultime de la mémorisation impersonnelle, enseigner la musique s’inscrit dans une continuité : on finit par transmettre naturellement ce que l’on a soi-même trouvé pendant toutes ces années où l’on a cherché à s’améliorer. C’est un pas que l’on franchit spontanément, et idéalement, sans effort, après avoir passé autant de temps à découvrir ses propres capacités, à avoir été confronté à ses propres limites et avoir élaboré un langage musical personnel et subtil. L’enseignement offre au musicien une chance unique de confronter le résultat de la combinaison de sa vision intérieure et de son expérience avec l’enthousiasme et la personnalité des élèves.

Alors, pourquoi tant de professeurs doutent-ils secrètement de leur mission ? Je ne pense pas qu'ils soient à blâmer de ne pas se sentir à l’aise dans le panorama du marché moderne et des médias sociaux. L'accès à l’information est soudainement devenu si facile que beaucoup ont aujourd’hui l'illusion que maîtriser une matière le sera tout autant. Obsédée par l'idée de « vendre » des solistes, des chanteurs et des chefs d'orchestre à succès, l'industrie musicale ignore que son existence même dépend des relations entre les générations. Transmettre la musique est au cœur de l'existence humaine depuis des milliers d'années, et cela fait de l'enseignement de la musique l'une des missions essentielles du monde moderne. Sans enseignants, nous ne cesserons pas d’être capables de construire des ponts et de lancer des satellites, mais nous perdrons peu à peu le lien avec ce que nous sommes : des êtres humains, capables de communiquer l'intangible et de comprendre l'ineffable. Le sens immédiat de la beauté, que la grande musique nous inculque, est ce qui nous donne à tous une chance de survivre aux immenses défis mondiaux auxquels nos enfants pourraient être confrontés dans un avenir très proche. La musique nous permet d'être fidèles à ce que nous sommes, et j'espère vraiment que nous profiterons de cette occasion pour rester intuitifs, créatifs et confiants.

"la musique ne nous enseigne pas seulement comment apprendre, elle nous apprend à enseigner"

Qu’est-ce que le trac ? Par Rachel Cooper Le trac dépend de vulnérabilités biologiques et/ou psychologiques ainsi que d’expériences perçues négativement. Il produit des symptômes somatiques, cognitifs et comportementaux et peut survenir dans différents contextes. Il peut se manifester de manière polarisée (état d’anxiété) ou en combinaison avec d'autres troubles (traits de caractère) anxieux (phobie sociale / trouble d'anxiété sociale). Il semble se produire indépendamment des années de formation, de la pratique et du niveau musical, et il peut ou non nuire à la qualité de l'exécution musicale. (Kenny 2011)

Quelques idées pratiques pour vous et vos élèves : Pleine conscience Thérapie cognitivo-comportementale (TCC) Renforcez votre estime de soi et celle de vos élèves Recherchez l'excellence et NON la perfection Habituez-vous à des situations incommodes Recherchez activement des opportunités de jouer (sans pression) Jouez devant des amis Quelques jours avant le concert: que faites-vous ? Qu’allez-vous manger/ boire? Donnez la priorité au sommeil et réduisez vos engagements

PAYSAGES SONORES PAR LUCY DREVER Cette documentation est conçue pour être à la portée de toute leçon, qu’elle dure 5 ou 30 minutes - quelques pistes pour se lancer dans la composition créative! CRÉER DES PAYSAGES SONORES AVEC DE JEUNES ÉTUDIANTS

Un paysage sonore est une composition sonore servant à dépeindre un sujet, une histoire ou un thème. C’est une manière d’inviter les enfants / les groupes à envisager la pratique de leur instrument selon un angle différent, à s’ouvrir à de nouvelles techniques!

N’importe quel sujet peut servir de source d’inspiration. Demandez à vos élèves quelles matières ils sont en train d’étudier, ou profitez simplement du hasard des suggestions. Collectez vos sons, demandez à vos élèves d’explorer leurs instruments - quels sons évoquant une tempête peuvent-ils trouver? Cela peut être… Des gouttes de pluie - des doigts qui tapotent l’instrument Du vent- souffler dans la caisse de résonance Une grosse pluie - jouer lourdement et en dehors des zones habituellement utilisées avec l’archet Vous pouvez aussi entendre: l’orage l’obscurité 2. Choisissez trois ou quatre sons, par exemple les gouttes de pluie, le vent et l’orage et entraînez-les. Si vous êtes avec beaucoup d’enfants, répartissez-les en groupes et attribuez un son à chaque groupe. Écoutez le son de chacun d’eux et décidez ensemble d’un ordre. Quel groupe devrait commencer? Votre pièce pourrait ressembler à ceci: Gouttes de pluie -

vent

orage -

gouttes de pluie - vent 32

3. Donnez une structure à votre paysage sonore, décidez d’un ordre définitif (des sons peuvent être joués plusieurs fois, ou simultanément!), et pourquoi ne pas compléter par des dynamiques?

4. Une fois que vous avez travaillé votre paysage sonore et que vous avez sélectionné vos sons, voici encore d’autres pistes: Changez l’ordre Encouragez un enfant à prendre la direction des opérations- c’est excellent pour le développement de la confiance et pour l’apprentissage du leadership. C’est aussi un moyen accessible pour les enfants qui ont des difficultés à s’exprimer verbalement! Inventez votre propre gestuelle: quel signe de la main signifiera qu’il faut commencer, s’arrêter, continuer, augmenter l’intensité, etc. ? Si vous êtes seul avec un élève, laissez-le vous diriger! Ajoutez une pulsation Planifiez deux sons différents par groupe et trouvez un moment dans le paysage sonore où tous passent d’un son à l’autre - le second son pourrait-il correspondre à une hauteur de note? 5. Et pour aller plus loin encore, vous pourriez tenter d’écrire votre paysage sonore...à quoi cela ressemblera-t-il? RÉALISEZ UNE PARTITION GRAPHIQUE

Une partition graphique est un moyen très accessible d’écrire de la musique. La création d’une partition graphique permet d’explorer la relation entre les sons, le dessin et la lecture tout en composant de la musique sans même que vous vous en rendiez compte!

Pour les besoins de ce plan, j’ai utilisé les sons du paysage sonore de la tempête. Gouttes de pluie

vent

orage 33

Matériel Vous pouvez prédécouper des formes qui représentent des gouttes de pluie, le vent et l’orage. Si vous travaillez avec un grand groupe, je vous suggère de les découper à l’avance, à moins que vous puissiez compter sur des petites mains qui vous aideront en temps utile à découper ce qui vous est proposé par les enfants!

Réaliser une partition 1. Récapitulez votre paysage sonore, quel est l’ordre? Gouttes de pluie - vent - orage - gouttes de pluie - vent 2. Définissez un symbole pour chaque son...il peut être abstrait ou littéral, comme vous préférez! par exemple une goutte de pluie peut être représentée comme une goutte (de pluie), ou plein de lignes droites Le vent, par un nuage. L’orage, par un éclair 3. Prenez une grande feuille de papier et disposez les symboles dans l’ordre que vous avez défini pour votre paysage sonore Son: gouttes de pluie Dessin: gouttes de pluie

vent nuage

orage éclair

gouttes de pluie gouttes de pluie

vent nuage

4. Avec votre élève / groupe, lisez votre partition graphique...de gauche à droite, ou de droite à gauche - comme bon vous semble! 5. Demandez à un enfant de réorganiser les symboles sur la feuille de papier...est-ce que le groupe est capable d’interpréter cette nouvelle pièce? Aucune règle de lecture ne régit une partition graphique - les symboles peuvent tout aussi bien être placés en cercle, les éléments placés en haut de la feuille peuvent représenter les sons forts et ceux du bas les sons faibles...inventez vos propres règles!

UN MESSAGE DE RICHARD MORRISION Critique musical en chef, The Times Quel que soit le secteur musical dans lequel vous exercez votre activité, la probabilité de se sentir isolé, délaissé et déprécié, voire même parfois d’être persécuté ou licencié est bien une réalité. Et le système, selon son fonctionnement - ou ses dysfonctionnements ne nous invite que trop peu à nous soutenir les uns les autres comme nous le devrions. Les musiciens travaillant en free-lance sont sans cesse soumis à la concurrence dans leur recherche de travail, chacun lutte pour les mêmes subventions limitées, et bien sûr aussi pour trouver du public. Le secteur de l’éducation musicale souffre lui aussi de tensions entre philosophies et projets rivaux. Fait remarquable et appréciable, la Benedetti Foundation offre au monde musical la possibilité de se regrouper, de coopérer et d’améliorer les choses collectivement. Pensons à ce qui nous unit: la passion de toute une vie pour la plus grande des formes artistiques ; notre désir ardent de la communiquer ; notre sens de la responsabilité quant à la transmission de nos compétences et des connaissances acquises au fil du temps, tout en évitant l’étouffement des impulsions créatrices de chaque nouvelle génération. Tout cela est tellement plus pertinent que les querelles intestines qui nous divisent. Les meilleurs professeurs comprennent qu’une fois déclenché l’enthousiasme des jeunes pour l’expression musicale, les musiciens en herbe vont souvent les

émerveiller avec de nouvelles trouvailles et manières de s’exprimer. Alors que j’étais jeune journaliste, trois heures après la naissance de mon fils aîné, j’interviewais Mstislav Rostropovitch pour la première fois. Je me suis excusé pour mon allure échevelée, lui expliquant que je sortais d’une nuit blanche à la maternité. Comme un ours, Slava me saisit dans une énorme étreinte, m’embrassa sur les deux joues et me dit: “maintenant ton fils violoncelliste sera!” Vingt ans plus tard, lorsque je le retrouvai, je lui rappelai sa prophétie. “Alors…?”, demanda-t-il, curieux. “Je suis désolé...mon fils joue de la guitare basse dans un groupe punk-rock”, lui dis-je. Il y eut un petit moment de pause, puis Slava me dit dans un grand éclat de rire “Mais il est dans la musique, n’est-ce pas? Et en clé de fa! Eh bien j’avais donc raison”. Vous ne pouvez jamais savoir quelles graines vous semez lorsque vous initiez des enfants à la musique, mais une chose est sûre, si vous n’ouvrez pas la fenêtre du paysage auditif dans sa merveilleuse diversité, ils ne pourront jamais entreprendre leur propre voyage.

Notes de Truda White, fondatrice de Music in Secondary Schools Trust MiSST travaille avec 15 écoles secondaires au Royaume-Uni. L'organisation aide les écoles secondaires qui ont un nombre d'étudiants défavorisés et en difficulté en fournissant non seulement un financement pour l’achat d'instruments de musique, mais également un soutien sous la forme de cours réguliers, d'opportunités de jouer et d'un programme d'excellence sans égal au Royaume-Uni. MiSST a été fondée en 2013 après plusieurs années de développement à Highbury Grove School. Après des débuts peu favorables, la méthodologie, qui est devenue le programme Andrew Lloyd Webber, a joué un rôle clé dans la transformation des résultats à l'école. MiSST offre maintenant des opportunités à plus de 3700 étudiants et améliore les résultats éducatifs et sociaux grâce à la fourniture d'instruments de musique et des cours donnés par des professionnels.

Un rapport de Jenny Smith, Head Teacher of Frederick Bremer School, Walthamstow

En considérant les 5 premières années du programme MiSST à l'école Frederick Bremer, je peux affirmer de tout cœur que son impact a été un vecteur de transformation profonde. L'école est méconnaissable si on la compare à ce qu’elle était en 2014, et le MiSST a joué un rôle important dans ce changement culturel. Alors que nous entrons en 2019-2020, nous connaissons les meilleurs résultats que l'école ait jamais obtenus et je suis ravie qu'un nombre important de nos anciens élèves du MiSST poursuivent leurs études musicales. Un nombre significatif de talents musicaux éclosent à l'école. La musique est florissante et contagieuse. Nous avons atteint nos objectifs de faire en sorte que la musique soit véritablement au cœur de l'école, et non un ajout. Il est évident pour toutes les parties prenantes qu'un programme de musique rigoureux et stimulant peut réellement faire la différence pour nos jeunes, et leur révéler des capacités insoupçonnées. Sans cette opportunité, la majorité de nos élèves n'auraient jamais pris un violon ou une flûte en main et n'auraient jamais eu l’opportunité d’une éducation musicale. Nous sommes plus que ravis de ce qui a été réalisé jusqu'ici et nous réjouissons pour la suite, alors que nous passons au niveau suivant de notre 36 développement.

Par l’enseignant d’un jeune musicien MiSST, Dominik, suivant son expérience au Music Residential at Radley College «Je suis le professeur principal de Dominik et je ne peux pas énumérer le nombre de fois où Dominik a laissé son violon dans notre classe ou l’a perdu à l’école. Vendredi cependant, Dominik a été l'un des premiers à arriver à répétition des élèves de7e année. Il s'est assis au premier rang et quand je suis passé devant lui, il jouait le morceau de Mozart qu'il avait appris par cœur. La confiance qui se dégageait de lui quand il jouait était impressionnante. Vendredi après-midi, pendant la journée sportive, Dominik s’est assis dans la zone des spectateurs, a sorti son violon et a commencé à jouer de la musique avec trois de ses amis. Un étudiant est passé devant Dominik et s'est exclamé “oh mon Dieu, comme tu es bon. Est-ce que tu vas au conservatoire?!» Dominik a été bouleversé et a simplement répondu qu’il revenait tout juste du Radley College ». Dominik, qui a eu une enfance difficile, a la chance d'avoir le soutien du MiSST, je suis convaincu que de nombreux enfants bénéficieront de cette initiative ”.

L’histoire de Deronne Deronne commence à jouer de la flûte à 12 ans alors qu’il est élève à la Highbury Grove School. En même temps il prend aussi des leçons de violoncelle, mais il sent que sa passion pour la musique s’exprime mieux à la flûte. Voici son histoire: 2007 Entre à Highbury Grove School et commence le violoncelle 2009 Décide de passer à la flûte 2010 Joue dans le National Orchestras for All 2012 Termine ABRSM Grade 8 Flute avec distinction 2014 Est accepté comme membre du National Youth Orchestra of Great Britain 2016 Commence des études supérieures au Royal College of Music 2020 Termine son parcours d’études au RCM

Retour aux bases Pourquoi est-ce si important?

Le temps passant, il m'apparaît de plus en plus combien sont importantes les étapes élémentaires dans l’apprentissage d’un instrument, je considère que cela a été pour moi un grand privilège d’avoir pu bénéficier d’un enseignement dispensé avec patience, cohérence et intelligence. Autant au Royaume Uni qu’à l’étranger, je constate que la plupart des obstacles que rencontrent les enfants et les adolescents dans l’étude d’un instrument à cordes renvoient généralement à des lacunes remontant à l’acquisition des rudiments. Je pense que tout est relié - si l’on ressent de l’inconfort, si on est raide ou bloqué, limité, en souffrance, tendu ou crispé, rendre la richesse de la palette d’expressions et d’émotions qui anime la musique classique instrumentale et orchestrale devient pour ainsi dire impossible.

Philosophies et méthodes Il existe bien sûr un grand nombre de méthodes et de pédagogies excellentes et renommées partout dans le monde. Certaines se concentrent sur des instruments spécifiques, d’autres se penchent sur l’enseignement du langage musical selon une vision plus holistique Kodaly - “se base sur l’enseignement, l’apprentissage et la compréhension de la musique à travers l’expérience du chant, de l’accès direct au monde de la musique sans les problèmes techniques liés à la pratique instrumentale”. http://kodaly.org.uk Orff - “enseignement basé sur la relation essentielle entre musique, danse et parole. Le rythme et l’improvisation sont des éléments fondamentaux de cette approche, qui part du point de vue que nous sommes tous intrinsèquement naturellement musicaux”. http://www.orff.org.uk/ Rolland - Pédagogie de groupe développée par le très réputé professeur Paul Rolland. Les fondements du jeu des instruments à corde pour l’enseignement en groupe et individuel durant les premières années d’apprentissage. Les livres sont disponibles aux éditions Boosey & Hawkes Suzuki - “Ayant observé avec quelle facilité les jeunes enfants apprennent leur langue maternelle, ayant ensuite analysé et adapté les préceptes du développement du langage pour en faire un système d’éducation musicale, Suzuki a développé une méthode qui, à raison, fut désignée comme l’approche “selon la langue maternelle”. La force de la méthode Suzuki réside dans le répertoire et le système, qui sont organisés de main de maître, outre le fait que les jeunes élèves jouent tout de suite accompagnés et dans un grand groupe. http://www.britishsuzuki.org.uk/ Galamian– Système de gammes sur le principe d’accélération La technique Galamian synthétise ce qu’il y a de mieux dans les écoles russe et française https://archive.org/details/Principles_Of_Violin_Playing_And_Teaching_ Les meilleurs professeurs que j’ai rencontrés sont intensément curieux et particulièrement ouverts d’esprit. Leur inspiration leur vient des plus grands musiciens et leur enseignement est construit autour des idées qui leur semblent les plus vraies, c’est ainsi qu’ils obtiennent des 38 résultats impressionnants avec leurs étudiants.

Violons - altos

Caractéristiques physiques individuelles À quoi ressemble VOTRE corps et comment fonctionne-t-il au mieux ? Nous avons tous une constitution différente. L'enseignement qui a eu le plus d'impact sur ma technique a également été le plus basique, le plus simple et flexible, celui qui a le mieux tenu compte de mon physique particulier. plus vos mains et vos bras sont souples et sensibles, plus ils sont susceptibles, lentement mais sûrement, de trouver leur propre façon de manipuler l'instrument cette question peut et doit être abordée souvent et de manière continue

Liberté et confiance Comment pouvons-nous apprendre à ne pas être tendus, raides et crispés ? Comment peut-on enseigner cela avec régularité sans tomber dans l’ennui, ou dans une vision exclusivement technique décourageante pour les étudiants ? L'un des exemples les plus réussis que j'ai vus est celui de Sistema Scotland, car la plupart des concepts techniques et physiques délicats sont enseignés par le biais d’expériences musicales. Comme beaucoup d'autres excellentes approches pour les jeunes musiciens, ils envisagent le travail technique ou de la posture comme n’étant jamais séparé de la musique, qui doit rester la préoccupation première.

Violons - Altos

Préparation- Position du corps

Il est important de revenir aux bases du bien-être physique et de commencer par bien positionner le corps avant de prendre l'instrument Fluidité des genoux - essayez de ne pas bloquer vos genoux en avant ou en arrière, restez libre / souple Entraînez-vous à déplacer votre poids d'avant en arrière, à vous balancer et à vérifier que vos épaules, vos hanches et vos pieds sont reliés et alignés les uns par rapport aux autres Les épaules - soulevez-les en hauteur, puis abaissez-les pour qu'elles se sentent centrées et lourdes. Les bras - le “air playing” (jouer dans l’air) est une excellente idée. Faites balancer vos bras d'avant en arrière, puis mettez-vous en position de jeu. Faites ensuite rebondir les bras de haut en bas et essayez de sentir le poids naturel des deux bras Exploitez le poids naturel de vos doigts et de vos bras Placez-vous contre un mur ou le côté d'une porte. Sentez comment votre dos entre en contact avec le mur et est soutenu par celui-ci Demandez à un ami de jouer à un jeu avec vous: laissez-lui vous tenir le bras - c'est très bien quand les élèves font cela entre eux. Tenez leur bras en l'air et lâchez-le. Leur bras doit tomber s'il est complètement détendu et sans tension (ce qui n'arrive pas à la plupart des gens !) Passez beaucoup de temps à sentir le poids de vos bras sans l'instrument, sentez comme ils sont libres La violoniste Rachel Podger décrit magnifiquement la sensation de peindre avec la main droite : YouTube: “Masterclass with Rachel Podger for Young Musicians”

ÉCHAUFFEMENTS

XTRA E S L I E S N O NOS C

L’échauffement est très important. Jouer de son instrument peut être un exercice périlleux, qui vous conduit à faire toutes sortes de mouvements pas tout à fait naturels. En tant que musiciens, nous devons prendre soin de nos corps ! ÉCHAUFFEMENTS POUR LES JEUNES MUSICIENS (mais les plus grands peuvent aussi en prendre de la graine !). Ces quelques exercices nous ont été aimablement transmis par nos amis de Sistema Scotland. Plus d’infos sur Sistema Scotland sur : www.makeabignoise.org.uk Agitation des doigts Rotation des poignets Élévation des coudes (ensuite chute) Haussement des épaules Tremblement des épaules Secousse du corps (bondissement) Cou noble (altier) Tête de cheval Balancement du tronc Hanches hulahoop Remuer les orteils Talons hauts (puis retour en arrière et en place pour jouer) YouTube: ‘With Nicky’ link: Back to Basics (Warm Ups) LINK : https://www.youtube.com/watch?v=nM6pbrgjy2c

ÉCHAUFFEMENTS

TRA X E S L I E S N NOS CO

POUR LES MUSICIENS UN PEU MOINS JEUNES Ces échauffements nous ont été aimablement transmis par Elena Urisoste, violoniste concertiste et co-fondatrice d’Intermission, un programme combinant musique, mouvement et pleine conscience. Plus d’infos sur Elena et Intermission sur Instagram @intermissionsessions ou via l’application gratuite Intermission dans l’App story (app gratuite). Commencez la journée en faisant des rotations avec vos poings légèrement fermés, dans une direction puis dans l’autre Secouez vos poignets et agitez les comme pour saluer ou pour dire « viens ici » ou « baisse-toi » Étirez vos avant-bras - allongez un bras devant vous tout en gardant le coude légèrement plié et utilisez l’autre main pour étirer doucement le pouce, puis tous les autres doigts, ensuite toute la main. Il s’agit ici de prendre conscience de la longueur et non de la profondeur, soyez attentifs avec vos étirements Détendez vos articulations en agitant vos doigts De petites chiquenaudes avec vos doigts (petits coups comme pour éclabousser) réchauffent aussi Étendez les bras sur le côté et faites quelques cercles dans l’air Ressentez vos omoplates monter et descendre dans le dos plutôt que de hausser les épaules jusqu’aux oreilles – variez l’amplitude, la vitesse et la direction Imaginez que vous vous faites de petits câlins en tapant sur l’épaule opposée, les coudes gauche et droit alternativement au-dessus et au-dessous Faites des rotations avec vos épaules, vers le haut, le bas, l’arrière, ressentez le trajet de vos omoplates Relâchez votre cou en imaginant que vous laissez tomber doucement chaque oreille sur l’épaule correspondante Vous pouvez visionner tout cela sur YouTube en tapant 'With Nicky': Back to Basics.

Retour aux fondamentaux

Position de l'instrument –Violons, altos

Le choix d’une épaulière et d’une mentonnière a des répercussions importantes sur la posture du violoniste ou de l’altiste. Dans la mesure du possible, présentez à vos élèves plusieurs options. Il n'y a pas de taille unique et il est évident que l'expérimentation est extrêmement importante, mais j'ai également rencontré un nombre incalculable de jeunes musiciens obnubilés par l’équipement de leur instrument. A tel point qu'ils évitent d'aborder le vrai problème, qui est souvent leur propre niveau de tension. J'ai été moi aussi un temps obsédée par les épaulières et les mentonnières, alors qu'en fait, le nœud du problème c’étaient mes mains, mes bras, mes doigts et plus souvent encore, mon état d’esprit.

Épaulières Voici quelques modèles que j’ai essayés dans le passé : Sponge Kun Wolf No shoulder rest Libero Fom Pirastro Stentor Everest AcoustaGrip Wittner

Mentonnières Il existe des mentonnières qui se fixent à gauche et d’autres au milieu, le choix est entièrement personnel. Certains élèves ayant des bras et un cou plus courts tireront des bénéfices d'une mentonnière centrale, d’autres avec un cou long peuvent avoir besoin d'une mentonnière légèrement surélevée. Expérimentez autant que possible afin d'obtenir la meilleure adaptation pour chaque élève. Ajustez et révisez l’équipement au fur et à mesure que l'élève grandit.

Je n'oublierai jamais la lecture d'une histoire d'Hilary Hahn où elle décrit comment elle a bricolé avec son père des adaptations pour ajuster son épaulière et sa mentonnière.J'ai adoré cette anecdote car elle souligne à quel point ces choses sont personnelles, et montre également qu'il n'est pas nécessaire de dépenser de l'argent pour obtenir du confort. 43

Retour aux fondamentaux Les fondamentaux - conseils utiles pour une main gauche souple, naturelle et vigoureuse Amener l'instrument au cou. N'amenez PAS le cou à l'instrument. (ce point s'applique évidemment aux violonistes et altistes!) Sur la touche, tapotez avec les quatre doigts Sentez le poids et le rebondissement des doigts Ne vous préoccupez ni de l'intonation ni de de jouer dans une certaine position La chose la plus importante est d’avoir une main gauche forte, détendue, libre et apte à rebondir Il est important d'utiliser le coude pour passer de la corde la plus haute (coude plutôt dirigé vers votre dos) à la corde la plus basse (coude le plus rentré). Exercez-vous à cette action de balancement. Si vous faites bien ce geste, cela devrait faire un peu de bruit Mais ne serrez pas, rebondissez seulement ! Cela peut être fait dans toutes les positions du violon/alto, montez aussi tout en haut de la touche Apprenez aux enfants à ne pas avoir peur de se déplacer de bas en haut de la touche Glissez de bas en haut sur les quatre cordes sans vous soucier de la position. Absence de crainte et fluidité sont les objectifs principaux Balancez le coude de la corde la plus basse à la plus haute Gagnez en fluidité et en confiance en tenant l'instrument ni trop fermement ni de manière crispée Donner un nom à l'instrument et à l'archet fonctionne bien avec les plus jeunes

COMMENT TENIR VOTRE INSTRUMENT Pour les violoncellistes

NOS

TRA X E S L CONSEI

Essayez de sentir le poids naturel (gravité) de vos mains, et lorsque vous prenez votre instrument et votre archet, faites-le comme vous le sentez le plus naturellement Assurez-vous que votre cou est relâché et que vos épaules ne montent pas

Pour les contrebassistes Vous devez pouvoir jouer debout et assis (en réglant la longueur de la pique) Les longues répétitions sont fatigantes en position debout, pensez à avoir un tabouret réglable Vos yeux doivent être plus ou moins à hauteur de la 1ère position Vous devez pouvoir atteindre l’espace entre le chevalet et la touche sans inconfort La partie entre la touche et le chevalet, là où vous jouez avec votre archet, doit pouvoir être atteinte facilement. Si l’accès y est difficile ou inconfortable vous devrez peut-être ajuster votre tabouret ou la longueur de la pique pour changer l'angle d’inclinaison. Parfois un changement de taille d’instrument s’impose C’est vous qui devez contrôler votre instrument, jamais l’inverse N'oubliez pas que ces éléments nécessitent beaucoup d’ajustements et doivent être expérimentés avec votre professeur Conseils pour jouer assis : Appuyé sur votre tabouret, vous devriez pouvoir avoir les deux pieds au sol, mais vous pouvez lever votre pied gauche si vous vous sentez plus à l'aise ainsi. Certaines personnes utilisent la barre de leur tabouret ou un bloc de yoga en mousse pour reposer leur pied gauche Trouvez un angle d’inclinaison confortable avec votre contrebasse. L’instrument 45 doit s'appuyer/s'incliner un peu sur votre corps, contrairement au violoncelle

Retour aux fondamentaux Le grand professeur Natasha Boyarsky disait toujours, « Ne fais pas mal à ton archet, vas-y avec douceur, ne le serre pas ! »

Tenue de l’archet violons - altos: Commencez par avoir la main complètement relâchée le long de votre corps et observez sa forme naturelle. Amenez la main devant vous et remarquez la courbure naturelle des doigts Essayez d’amener l’archet à la main et non l’inverse Gardez votre main détendue et souple Le pouce et le 2e doigt sont partenaires Le sentiment de liberté des doigts favorise la souplesse du poignet Le pouce est légèrement recourbé au talon Poids de l’archet - c’est pour démontrer celui-ci que nous avons fait les exercices d’essuie-glace “Ouvrir et fermer la porte” - un exercice à faire l’archet posé sur votre épaule : frottez de bas en haut et de haut en bas Grimpez de bas en haut et de haut en bas de votre baguette - cela renforce les doigts Exercices pour le petit doigt - faites des rebondir vos doigts sur la baguette commencez en vous aidant de la main gauche (elle tient l’archet) jusqu’à ce que vous puissiez vous en passer

Tous ces exercices peuvent être visionnés dans 'With Nicky' – Back to Basics (Bow Holds) 46

COMMENT TENIR L'ARCHET ILS EXTRA E S N O C S O N

jamais l’archet – tenez le avec douceur et essayez toujours de 1 N’agrippez détendre votre main vous commencez à serrer votre main comme si votre vie en dépendait, déposez 2 Sil’archet et recommencez. Répétez ce mouvement autant de fois que nécessaire Faites signe de la main (« hello ») ! Nous venons de le faire ensemble, rappelez-

3 vous ! Si vous avez oublié, pas de panique, retrouvez Nicky sur le sujet : 'With Nicky' series https://www.youtube.com/TheNicolaBenedetti

4 Rappel quand vous faites signe de la main : Détendez tout le bras, de l’épaule jusqu’au bout des doigts, commencez avec un grand geste et faites des mouvements de plus en plus petits Si vous ressentez une douleur ou une gêne, ou si cela y RESSEMBLE, c’est parce que C’EST LE CAS ! Stop, relâchez et recommencez Vérifiez si votre posture semble « naturelle », de haut en bas et jusqu’au bout de vos doigts. Tenez l’archet avec la main gauche, n’amenez pas votre main droite vers l’archet, mais laissez-la plutôt tomber sur la baguette votre souplesse et votre force sans votre instrument ; essayez de faire 5 Testez signe de la main avec l’archet (avec prudence, il ne s’agit pas de maltraiter votre archet !) et voyez si vos doigts restent bien ronds et gardent une position naturelle. Si ce n’est pas le cas… hé oui, il faut recommencer. Déposez l’archet, secouez la main, faite signe, faites tomber la main et réessayez Tap, tap, tap – tapotez chaque doigt à son tour sur la baguette pour que vous

6 puissiez sentir où chacun retombe naturellement. Pas facile de donner de petites tapes avec un doigt désespérément inflexible (attention au petit doigt), cela vous aidera à connaître toutes les parties de votre main

le petit doigt ! Est-il raide? Si c’est le cas, essayez de le courber et de le 7 Ah relâcher. Il doit juste être gentiment arrondi, assis sur la pointe, il n’a pas beaucoup d’autre fonction que d’aider à équilibrer l’archet

le pouce ! Comment est-il, lui, droit ou arrondi ? Tendu ou relâché ? Là aussi, 8 Etcherchez toujours la détente, soyez patients. Si vous ne vous agrippez pas à l’archet, votre pouce vous indiquera que faire

poignets - ne les négligez pas. S’ils s’apparentent trop à un cou de cygne, 9 Les oubliez-les. De même s’ils sont complètement écrasés et pliés dans l’autre sens.

Ne vous contentez pas de copier le geste de quelqu’un autre – faites signe, secouez votre main comme pour saluer, et observez ce que la VÔTRE fait naturellement en retombant sur l’archet OU même si vous laissez juste tomber le bras le long de votre corps sans chercher à contrôler quoi que ce soit. C’est dans son mouvement naturel que votre poignet agira au mieux de sa force et de sa flexibilité, ce qui est exactement le but recherché ! 47

COMMENT TENIR L’ARCHET Lower Strings – VIOLONCELLES ET CONTREBASSES XTRA ILS E E S N O C S O N

Conseils pour les violoncellistes

Conseils pour les contrebassistes

Commencez en reposant votre main sur

Il y a deux sortes d’archet et de manières de

votre genou. Observez comment les doigts

le tenir pour la contrebasse – la française et

s’écartent doucement et se recourbent

l’allemande

naturellement Pour développer la tenue de l’archet à la Ensuite, tenez votre archet au milieu avec la main gauche et placez votre main droite sur votre archet en gardant la même sensation que lorsque votre main était posée sur le genou Assurez-vous que le poids du coude droit se diffuse naturellement à travers tout l’avant-bras et la main. La main gauche

française : Assurez-vous que votre pouce est courbé face aux autres doigts détendus Travaillez avec un miroir pour que votre archet soit toujours bien parallèle au chevalet et observez comment votre poignet/bras/épaule doivent se placer pour mener cela à bien Soyez relax, ne serrez pas votre archet

doit fournir un effort pour supporter le poids naturel de la main/du bras

Pour développer la position de l’archet à l’allemande : L’archet allemand a une plus grande hausse, ce qui signifie qu’il est tenu par en-dessous Il y a plusieurs types de tenues d’archet à l’allemande Ayez toujours votre poignet détendu et flexible, vos doigts arrondis Le petit doigt est en-dessous et soutient l’archet avec le pouce, qui lui se trouve au-dessus de la baguette 48

Tenue de l’archet - avec l’instrument Commencez toujours avec des cordes à vide Développez le concept “tirer” et “pousser” la corde. Tirer lors du mouvement ascendant, pousser dans la descente. Impliquez votre corps autant que nécessaire pour favoriser la production du son Faites de longs archets, laissez vos doigts se courber ou s’allonger suivant le mouvement - écoutez toujours la qualité du son! Libérez vos mouvement, vos gestes ne doivent pas être trop prudents (j’ai rencontré un certain nombre de professeurs en désaccord avec cette idée parce qu’ils veulent contrôler la trajectoire de l’archet, parallèle au chevalet, mais selon moi, si le bras est détendu au dessus de l’archet, si l’archet a une bonne assise sur la cordes, ET si tous les angles sont bien pris en compte, cela ne devrait pas poser de problèm

Main gauche Voici quelques exercices utiles pour développer le potentiel de votre main gauche Étirez lespace entre vos doigts tout en jouant quel que soit la position de votre main sur la touche Lorsqu’un doigt descend sur la corde, le suivant rebondit vers le haut, de façon à avoir suffisamment de hauteur pour « atterrir »de tout son poids sur la corde à son tour Tous les doigts doivent rester détendus si vous voulez apprendre à jouer vite Avoir des doigts actifs mais néanmoins totalement détendus est difficile à obtenir, mais inestimable une fois que vous y arrivez Une fois de plus, pour les violonistes et altistes, l’étude n°2 de Kreutzer est recommandée pour le développement de la main gauche On n’insistera jamais assez, lorsqu’un étudiant commence à explorer des techniques plus avancées, sur l’importance de répéter, de retravailler, de reprendre l’enseignement des notions de base, sans lesquelles tous les développements ultérieurs sont bien plus fastidieux

Bow Strokes Coups d’archet Martelé - ouvrir / fermer / ouvrir / fermer. Restez dans la moitié supérieure de l’archet Détaché - peut être travaillé dans n’importe quelle partie de l’archet. Concentrez-vous sur la détente de la main droite, sur l’archet parallèle au chevalet et un excellent contact avec la corde Spiccato - caresser la corde Ricochet - rebondir sur la corde Collé – Contrôlez le mouvement de vos doigts sur la baguette, ensuite “touchez et quittez” Tous ces conseils devraient vous AIDER à détendre la main et non à la contraindre. Il y a bien sûr une infinité d’autres techniques d’archet qui s’appuient sur celles-ci. La séquence sur le ricochet de Roger Raphael est excellente pour toutes ces raisons (grêle, pluie, neige, neige fondue…). C’est amusant de constater que Joachim utilisait les mêmes expressions au 19e siècle, allant du coup d’archet très libre (négligé), ralenti au talon pour obtenir un changement de sens soyeux et lisse

Les changements de sens d’archet - un fléau pour tous les instrumentistes à cordes frottées? Beaucoup de méthodes pour changer de sens d’archet m’ont été enseignées - voici ma liste personnelle des moyens que je trouve les plus utiles: Changer de sens au milieu de l’archet en évitant la pression engendrée par le poids du talon ainsi que la fragile instabilité de la pointe Revenir à la technique du collé afin d’engager tous les doigts dans le processus, mais sans tension Travailler sans se mettre de pression de temps, c.-à-d. EXTRÊMEMENT lentement! À faire sur des cordes à vide Ensuite faire l’inverse - travailler avec une contrainte métronomique Travailler avec une main droite très rapide, agile, libre, sans précaution tout en mobilisant et en utilisant la panoplie complète de mouvements partant de l’épaule, jusqu’aux doigts en passant par le coude et le poignet Toujours être attentif aux angles dépendant de la position de l’instrument La main et le bras font un mouvement circulaire au moment du changement de sens au talon Petit conseil supplémentaire pour les contrebassistes – si le changement de sens se fait en douceur, la vis ou la pointe de l’archet tracent un mouvement en forme de 8

LES SESSIONS BENEDETTI À LA MAISON

Nous espérons que vous avez passé un bon moment ce weekend, que l’expérience vous a permis de vous rapprocher de la musique et d’être en accord avec vous-mêmes. Nous espérons que vous allez poursuivre l’activité de votre côté, aussi avonsnous regroupé quelques conseils pour vous aider à travailler à la maison !

Je suis certaine que vous n’êtes pas seuls dans votre école, votre ville, votre village, votre quartier ou votre rue à jouer d’un instrument, n’est-ce pas ? Essayez de trouver d’autres musiciens et fixez-vous des objectifs communs. Les petits, par exemple, chacun de vous pourrait apprendre une petite mélodie romantique pour le 14 février, la Saint Valentin. Ou alors, vous essayerez d’apprendre une nouvelle gamme ou de développer votre son d’ici au mois de mars ! Rassemblez-vous, ne travaillez pas seul dans votre coin ! Nous vous conseillons vraiment de vous organiser pour vous réunir et jouer ensemble. Travailler tout seul avec pour unique perspective vos examens, c’est tout sauf amusant. Ce n’est pas ça, jouer de la musique ! Trouvez autant d’amis que possible et arrangez-vous pour jouer aussi les uns pour les autres. Il y a plein d’endroits pour cela : Un salon Une classe Un centre communautaire Une école Une église D’autres endroits ? Il y a un tas de possibilités pour cela, du moment que vous vous coordonnez avec les autres et que vous ne dérangez personne ! 51

Quelques conseils pour rendre ces rencontres plus amusantes A) Personne ne doit tirer la couverture à lui, chacun doit avoir sa chance de jouer B) Appréciez les talents des autres et ne soyez pas jaloux si quelqu’un fait certaines choses mieux que vous. C’est la vie, nous avons TOUS des points forts et des points faibles. Plus vite vous l’accepterez, mieux vous vous en porterez. On peut tirer de la satisfaction à apprécier le talent de quelqu’un d’autre et, de même, je peux vous garantir que vous aussi savez faire des choses que d’autres ne sont pas capables de faire. C’est une des choses qui font que la vie est si riche en couleurs, formidable et imprévisible C) Soyez préparés. Jouer en groupe n’est jamais amusant lorsque l’on n’est pas préparé. Il ne faudra pas travailler une fois par semaine, mais chaque jour D) Soyez bienveillants les uns envers les autres, positifs et consacrez votre énergie à l’organisation et à la répétition E) N’attendez pas que quelqu’un d’autre fasse tout le travail. Les choses ne se réalisent que parce que NOUS FAISONS EN SORTE QU’ELLES ARRIVENT. Donc, s’il faut préparer des pupitres, des chaises, coller ou imprimer des partitions, faites-le. Soyez serviables, actifs et participez F) N’ayez pas peur de demander quelques services : si vous connaissez quelqu’un qui connait un pianiste, demandez-lui s’il pourrait accompagner tout le monde, sait-on jamais ! Un orchestre à cordes n’a pas toujours besoin d’un chef d’orchestre ! Le rythme, la mélodie, l’harmonie et la basse sont les prérequis de tout groupe. À partir de là, si les musiciens connaissent leurs voix, vous pouvez vous en sortir sans chef d’orchestre. N’ayez pas peur d’essayer, mais une fois de plus, le plaisir que vous en tirerez dépendra de la préparation de chacun Rappelez-vous toutes nos valeurs fondamentales. Les bases sont indispensables et conditionnent tout ce que nous essayons de faire. Maintenant que vous êtes revenus à la maison, ne les oubliez pas, car elles sont très importantes. Mais, peut-être plus important encore, pensez par vous-mêmes. Essayez de ne pas être passifs mais proactifs, en fonction de vos priorités et de vos valeurs. Lancez-vous dans le répertoire que vous aimez, et aussi dans un répertoire qui vous aidera à vous dépasser ! Travaillez selon des objectifs précis, exigez progressivement plus de vous-même

Je suis impatiente de vous entendre, de voir ce que vous créez et de quoi vous êtes capables !

Nicky x

« La musique peut exprimer l’ineffable et communiquer l’impénétrable » - Leonard Bernstein « La musique exprime ce qui ne peut être dit et sur quoi il est impossible de rester silencieux » - Victor Hugo « La musique n’est pas dans les notes mais dans le silence entre elles » - Wolfgang Amadeus Mozart « Si je n’étais pas physicien, je serais probablement musicien. Je pense souvent en musique. Je vis mes rêveries en musique. Je vois ma vie sous des formes musicales… » - Albert Einstein (saviez-vous qu’Einstein jouait du violon ?) « La musique suffit pour une existence mais une existence ne suffit pas à la musique » - Sergei Rachmaninov « Jouer sans passion est inexcusable » - Ludwig van Beethoven « Le futur appartient à une jeunesse éduquée à l’imagination créative » - Barack Obama « Si tout était parfait, il n’y aurait pas de nécessité d’apprendre ni de grandir » - Beyoncé