Belgian National Orchestra · Season 2022 - 2023 / Sept. 2022 - Jun. 2023

Promised

Antony Hermus, Chief conductor designate

2022 — 2023

Land

SUMMARY

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Our musicians Foreword Concerts Interviews Future Generations Ambassadeurs Team Thank you Cultural partners Colophon

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Concertmeister

Fluit / Flûte

Alexei Moshkov Misako Akama

Baudoin Giaux** Denis-Pierre Gustin* Laurence Dubar* Jérémie Fèvre*

Eerste viool / Premier violon Sophie Causanschi** Isabelle Chardon* Sarah Guiguet* Maria Elena Boila Nicolas de Harven Françoise Gilliquet Philip Handschoewerker Akika Hayakawa Ariane Plumerel Serge Stons Dirk Van De Moortel Yolanda Van Puyenbroeck Tweede viool / Deuxième violon Filip Suys** Jacqueline Preys** Nathalie Lefin* Marie-Danielle Turner* Sophie Demoulin Isabelle Deschamps Hartwich D’Haene Pierre Hanquin Anouk Lapaire Ana Spanu Altviool / Alto Marc Sabbah** Mihoko Kusama* Dmitri Ryabinin* Sophie Destivelle Katelijne Onsia Peter Pieters Marinela Serban Silvia Tentori Montalto Edouard Thise Cello / Violoncelle Olsi Leka** Dmitry Silvian** Maria-Christina Muylle* Lesya Demkovych Philippe Lefin Uros Nastic Harm Van Rheeden Taras Zanchak Contrabas / Contrebasse Robertino Mihai** Svetoslav Dimitriev* Serghei Gorlenko* Ludo Joly* Dan Ishimoto Miguel Meulders Gergana Terziyska

Hobo / Hautbois Dimitri Baeteman** Arnaud Guittet* Bram Nolf* Klarinet / Clarinette Jean-Michel Charlier** Julien Bénéteau** Massimo Ricci* Fagot / Basson Gordon Fantini** Bert Helsen* Filip Neyens* Bob Permentier* Hoorn / Cor Anthony Devriendt** Jan Van Duffel* Katrien Vintioen* Bernard Wasnaire* Trompette / Trompet Leo Wouters** Ward Opsteyn* Davy Taccogna* Trombone Luc De Vleeschhouwer** Philippe Bourin* Bruno De Busschere* Guido Liveyns* Tuba NN Pauken / Timbales Nico Schoeters** Slagwerk / Percussion Katia Godart* Harp / Harpe Annie Lavoisier** ** Aanvoerder (adjunct) 1ste solist / 1ste solist aanvoerder / Chef de pupitre (adjoint) 1er soliste / 1er soliste chef de pupitre * Solist / Soliste

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Belgian National Orchestra © Bart Decobecq

ONZE MUZIKANTEN NOS MUSICIENS OUR MUSICIANS

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Hans Waege © Nafissa Yaoba

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WOORD VOORAF PRÉFACE FOREWORD

Promised Land

NL —› Met het uitbreken van een nieuwe oorlog in Europa kreeg het thema van dit seizoen, ‘The Promised Land’, plots een heel ander gewicht.

Van de ene dag op de andere realiseerden we ons dat een notie als ‘Het beloofde land’ niet zomaar ontstaat, maar dikwijls in uiterste nood wordt geboren. Bij het ter perse gaan van deze brochure trekt een nieuwe exodus, een nieuwe vluchtelingenstroom zich op gang. Heel wat mensen wenden hun schreden naar daar waar het noodgedwongen beter is, weg van oorlog en verderf.

Nu de donkere kanten van de geschiedenis zich herhalen, duizenden jaren civilisatie ten spijt, is het considerabel te onderkennen dat migratieverhalen naast intens lijden ook scheppingskracht en constructieve identiteit met zich meebrengen. Een groot deel van de werken die het Belgian National Orchestra dit seizoen speelt, is het resultaat van een al dan niet gedwongen verhuis, een exodus naar een ‘Promised Land’. Componisten zochten andere oorden op, brachten hun eigen cultuur mee, zogen nieuwe elementen in zich op en waren zo in staat om iets te creëren wat tot op de dag van vandaag blijft nazinderen.

Met kunst werd een nieuwe dimensie aan ‘The Promised Land’ toegevoegd.

PROGRAMMA-HOOGTEPUNTEN

WELKOM AAN ANTONY HERMUS

In dit seizoen exploreren we eerst de Bijbelse wortels van ‘The Promised Land’ aan de hand van een compositie van Ernest Bloch: Schelomo. De klassieker die zich daarna aandient, is Dvořáks Negende symfonie, “From the New World”.

De Verenigde Staten waren lange tijd het beloofde land voor heel wat Europese componisten. Aan Sergei Rachmaninoff, de componist die na de Russische Revolutie zijn geluk in Amerika ging beproeven, wijden we een volledig festival.

Voor het orkest zelf dienen zich dit seizoen enkele grote veranderingen aan. In de eerste plaats verwelkomen we de Nederlandse Antony Hermus als aankomend chef-dirigent. Hij is niet alleen een uitermate getalenteerde muzikale persoonlijkheid, maar ook iemand die zich telkens weer sterk maatschappelijk engageert.

Lang niet alles in Amerika was echter rozengeur en maneschijn: voor de Afro-Amerikaanse gemeenschap waarvan de voorouders gedwongen de Atlantische Oceaan overstaken, heeft de notie van ‘The Promised Land’ een wrange nasmaak. In die context zijn we trots werk te presenteren van onder andere Anthony Davis en George Walker.

Een ander volk dat steeds weer naast het beloofde land grijpt en zichzelf met een eeuwige exodus geconfronteerd ziet, zijn de Roma. Geen muziek beïnvloedde de muziekgeschiedenis echter diepgaander dan die van de zigeuners: dat getuigen onder andere de Hongaarse Dansen van Brahms en de Roemeense Rapsodie van George Enescu.

Islamitisch-Arabische hoogdagen in Al-Andalus brengen we in herinnering met een heus Flamenco-concert.

Ook de Flamenco-cultuur is immers een voorbeeld van hoe een door de tijd vervaagde exodus nog steeds blijft nawerken en nieuwe werken creëert van een ongeziene kracht.

Identiteiten worden verrijkt door uitwisseling, door openheid voor ‘het andere’.

Topwerk is teamwerk. Naast Antony Hermus heeft ons huis ook twee andere uitzonderlijke talenten aan zich weten te binden: de bijzonder ervaren Deense dirigent Michael Schønwandt, de jonge hemelbestormer Roberto GonzálezMonjas als eerste gastdirigent en Hugh Wolff als emeritus dirigent.

Verwacht u daarnaast aan enkele spannende debuten, onder andere van Eva Ollikainen, Karin Hendrickson en Anja Bihlmaier.

TOPSOLISTEN

Ik ben uitermate gelukkig dat we ook dit seizoen opnieuw de grootste solisten voor u hebben kunnen engageren. De aftrap wordt gegeven tijdens het openingsconcert door de Amerikaanse stervioliste Hilary Hahn.

De sopraan Angela Gheorghiu, de bariton Thomas Hampson en de violiste Arabella Steinbacher zijn maar enkele van de namen die in deze brochure opduiken. Met het label ‘Young Golden Star’ duiden we talenten aan die al lang naam gemaakt hebben in het buitenland en die u nu hier in België dringend moet ontdekken, daaronder ook de Belgische celliste Camille Thomas, Alexandre Kantorow en de jonge Zweedse violist Daniel Lozakovich.

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Wat me ook bijzonder verheugd, is dat er dit seizoen, naast de concerten in België, maar liefst 16 buitenlandse concerten staan gepland. Een prestigieuze Groot-Brittanniëtournee met pianist Paul Lewis, een Spanje-tournee waarbij we Madrid en Barcelona aandoen, en optredens op droomlocaties zoals de Parijse Philharmonie en het Großes Festspielhaus te Salzburg tonen waar we als orkest staan. Het doet telkens deugd te constateren dat de kwaliteit die we hier in Brussel brengen, ook op grote internationale podia wordt verwelkomd.

FR —› Avec l’éclatement d’une nouvelle guerre en Europe, le thème The Promised Land de cette saison prend une tout autre dimension. D’un jour à l’autre, nous avons réalisé qu’un concept tel que celui de la « terre promise » ne jaillit pas de nulle part, mais voit souvent le jour dans un contexte d’extrême urgence. Alors que cette brochure part à l’impression, un nouvel exode, une nouvelle vague de réfugiés s’amorcent. Beaucoup se dirigent vers un lieu où la vie sera forcément meilleure, loin de la guerre et des ruines.

VERNIEUWING EN TRADITIE, ONZE IDENTITEIT

Alors que la face sombre de l’histoire se répète, malgré des milliers d’années de civilisation, nous pouvons considérer que les expériences migratoires, outre une souffrance intense, engendrent également une puissance créatrice et une identité constructive. Les œuvres interprétées cette saison par le Belgian National Orchestra sont, pour la plupart, le résultat d’un déménagement contraint ou non, d’un exode vers une terre promise. Les compositeurs partaient à la recherche d’autres horizons et voyageaient, riches de leur culture d’origine, pour s’imprégner de nouveaux éléments afin de créer une œuvre résonnant jusqu’à l’heure actuelle. Avec l’art, c’est une nouvelle dimension qui s’ajoute à la terre promise.

Onze aankomend chef-dirigent start zijn mandaat met een Belgische werk van Wim Henderickx en dirigeert verderop in het seizoen ook de wereldcreatie van de eerste symfonie van Jean-Luc Fafchamps.

Een statement: hedendaags Belgisch werk krijgt tijdens zijn mandaat een ereplaats.

Innovatie vindt u ook in onze producties. Zo is er bijvoorbeeld de nieuwe voorstelling ‘Glass & Stravinsky Firebird’ waarvoor beeldend kunstenaar Eva L’Hoest een videowerk creëert in samenwerking met ons orkest en het NIRAS. Uitgaande van vier twintigsteeeuwse muziekwerken reflecteert zij over het nucleaire tijdperk en onze gigantische energieconsumptie.

We introduceren dit seizoen ook enkele nieuwe concertformaten.

Onder de noemer ‘Film Symphonic’ presenteren we cinemaklassiekers met live muziek. De curatoren van deze reeks zijn niemand minder dan Frank Strobel en Dirk Brossé, beiden experten in het genre. Met de formule ‘Symphonic Hour’ bieden we vanaf nu op vrijdagavond ook enkele kortere concerten aan, zonder pauze.

Ik kijk er naar uit het beloofde land samen met u in de komende maanden te ontdekken!

Hans Waege Intendant

LES POINTS CULMINANTS DU PROGRAMME

Cette saison, nous explorons d’abord les racines bibliques de la terre promise à l’aide d’une composition d’Ernest Bloch : Schelomo. À celle-ci succède un classique, la Neuvième Symphonie de Dvořák, dite « Du Nouveau Monde ». Les États-Unis ont longtemps représenté une terre promise pour de nombreux compositeurs européens. À Serge Rachmaninov, le compositeur qui tenta sa chance en Amérique après la Révolution russe, nous consacrons un festival entier.

Pourtant, tout n’était pas rose de l’autre côté de l’Atlantique : pour

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la communauté afro-américaine dont les ancêtres furent forcés de traverser l’océan, la notion de « terre promise » garde un arrière-goût amer.

Dans ce contexte, nous sommes fiers de présenter des œuvres notamment signées Anthony Davis et George Walker.

Un autre peuple passant toujours à côté de la terre promise et confronté à un exode éternel est celui des Roms. Aucune musique n’a cependant influencé plus profondément l’histoire de la musique que celle des Tziganes, comme en témoignent notamment les Danses hongroises de Brahms et la Rhapsodie roumaine de Georges Enescu.

Un grand concert de flamenco offrira l’occasion de nous remémorer l’apogée arabo-islamique d’AlAndalus. De toute évidence, la culture du flamenco est un exemple de la manière dont un exode effacé par le temps continue d’exercer son influence et de créer de nouvelles œuvres à la puissance inédite. Les identités sont enrichies par les échanges, par l’ouverture à « l’autre ».

BIENVENUE À ANTONY HERMUS

Au niveau de l’orchestre à proprement parler, on peut s’attendre cette saison à quelques grands changements. Tout d’abord, nous accueillons le Néerlandais Antony Hermus au poste de futur directeur musical, dont la personnalité musicale extrêmement talentueuse s’enrichit également d’un grand engagement sociétal.

Faire les choses bien, c’est faire les choses en équipe. Outre Antony Hermus, notre maison s’allie à deux autres talents exceptionnels : le très expérimenté chef danois Michael Schønwandt, le jeune innovateur Roberto González-Monjas au poste de premier chef invité et Hugh Wolff en tant que chef d’orchestre émérite. En outre, nous programmons quelques débuts captivants, parmi lesquels celui d’Eva Ollikainen, de Karin Hendrickson et d’Anja Bihlmaier.

DES SOLISTES DE PREMIER PLAN

Je suis particulièrement heureux d’avoir pu engager pour vous, cette saison encore, les plus grands solistes. Le coup d’envoi sera donné lors du concert d’ouverture par la star américaine du violon Hilary Hahn. La soprano Angela Gheorghiu, le baryton Thomas Hampson et la violoniste Arabella Steinbacher ne sont qu’une poignée de noms parmi ceux qui jalonnent cette brochure. Le label « Young Golden Star » désigne des talents déjà remarqués depuis longtemps à l’étranger que la Belgique se doit de découvrir d’urgence : on y trouve la violoncelliste belge Camille Thomas, Alexandre Kantorow et le jeune violoniste suédois Daniel Lozakovich.

Je me réjouis tout particulièrement d’annoncer pas moins de seize concerts à l’étranger cette saison, en plus des concerts en Belgique.

Une tournée prestigieuse en Grande-Bretagne avec le pianiste Paul Lewis, une autre en Espagne avec escales à Madrid et Barcelone, des concerts dans des lieux de rêve tels que la Philharmonie de Paris et la Großes Festspielhaus à Salzbourg témoignent de notre renommée en tant qu’orchestre. Il est agréable de constater que la qualité que nous produisons ici à Bruxelles est accueillie à bras ouverts par la scène internationale.

INNOVATION ET TRADITION, NOTRE IDENTITÉ

Notre futur directeur musical donne le coup d’envoi de son mandat avec une œuvre belge de Wim Henderickx et dirigera, plus tard dans la saison, la création mondiale de la Première Symphonie de Jean-Luc Fafchamps. Un geste fort : son mandat fera la part belle à des œuvres belges contemporaines.

L’innovation s’infiltrera aussi au niveau de nos productions, avec notamment le nouveau spectacle Glass & Stravinsky Firebird pour lequel l’artiste visuelle Eva L’Hoest a conçu une œuvre vidéo en collaboration avec notre orchestre et l’ONDRAF. À partir de quatre œuvres musicales du vingt-etunième siècle, elle s’intéresse à l’ère nucléaire et à notre consommation énergétique gigantesque.

Nous introduisons cette saison quelques nouveaux formats de concert. Sous l’appellation Film Symphonic, nous présentons des classiques du cinéma avec de la musique live. Les curateurs de cette série ne sont autres que Frank Strobel et Dirk Brossé, deux experts dans ce domaine. Quant à la formule Symphonic Hours, elle consiste en des concerts plus courts sans pause le vendredi soir.

Dans la hâte de découvrir, avec vous, cette fameuse « terre promise » !

Hans Waege intendant

EN —› The outbreak of a new war in Europe suddenly gave the theme of this season, ‘The Promised Land’, a very different weight. From one day to the next, we realized that a notion like ‘the promised land’ does not appear out of nowhere but often grows out of extreme need. As this brochure goes to press, a new exodus is under way, with a new stream of refugees.

Countless people are turning their steps towards places where things are perforce better, far from war and destruction.

As the darker sides of history repeat themselves, despite thousands of years of civilization, it is important to recognize that, besides intense suffering, migration stories also bring with them creative power and constructive identity. Many of the works performed by the Belgian National Orchestra this season are the result of a (forced) move, an exodus to a ‘promised land’.

Composers sought other places, brought their own culture with them, absorbed new elements and were then able to create something that continues to resonate to this day. Art added a new dimension to ‘the promised land’.

PROGRAMME HIGHLIGHTS

In this season, we will first explore the Biblical roots of ‘the promised land’ by means of a composition

by Ernest Bloch, Schelomo. The classic that comes next is Dvořák’s Symphony No. 9, ‘From the New World’. For a long time, the United States was the promised land for a great many European composers.

And an entire festival will be devoted to Sergei Rachmaninoff, the composer who went to try his luck in America after the Russian Revolution.

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However, it was not all roses in America, far from it: for the African American community whose ancestors were forced to cross the Atlantic, any notion of ‘the promised land’ has a bitter aftertaste. In that context, we are proud to present work by Anthony Davis and George Walker, among others.

Another people for whom the promised land continues to prove elusive and who face an eternal exodus are the Roma. And yet no music has influenced music history as much as that of the gypsies: Brahms’s Hungarian Dances and George Enescu’s Romanian Rhapsody are proof of this.

Islamic-Arabic high days in AlAndalus will be remembered with a real Flamenco concert. After all, Flamenco culture is another example of how an exodus made hazy by time continues to have an effect and generates new works of unprecedented power. Identities are enriched by exchange, by openness to ‘the other’.

WELCOME TO ANTONY HERMUS

For the orchestra itself, this season will usher in some major changes.

Firstly, we welcome Antony Hermus as incoming chief conductor.

The Dutch national is not only an extremely talented musical personality but also someone with a strong social commitment.

Top-class work is teamwork.

Besides Antony Hermus, our house has also managed to secure two other exceptional talents: the highly experienced Danish conductor Michael Schønwandt, the young

idealist Roberto González-Monjas as first guest conductor and Hugh Wolff as conductor emeritus. You can also expect some exciting debuts, among others from Eva Ollikainen, Karin Hendrickson and Anja Bihlmaier.

TOP-CLASS SOLOISTS

I am absolutely thrilled that we have once more been able to engage the greatest soloists for you this season.

The kick-off will be given during the opening concert by American star violinist Hilary Hahn. Soprano Angela Gheorghiu, baritone Thomas Hampson and violinist Arabella Steinbacher are just some of the names that surface in this brochure.

The label ‘Young Golden Star’ highlights talents that have already made a name for themselves abroad and that we now urgently need to discover here in Belgium, including Belgian cellist Camille Thomas, French pianist Alexandre Kantorow and the young Swedish violinist Daniel Lozakovich.

Another great source of delight is that this season, besides the concerts in Belgium, we have no fewer than sixteen concerts planned abroad.

A prestigious tour of Britain with pianist Paul Lewis, a Spanish tour that will take in Madrid and Barcelona, and performances at such dream venues as the Philharmonie de Paris and the Großes Festspielhaus in Salzburg show where we stand as an orchestra. It is always gratifying to see that the quality we present here in Brussels is also welcomed on major international stages.

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INNOVATION AND TRADITION, OUR IDENTITY

Our incoming chief conductor will begin his tenure with a Belgian work

by Wim Henderickx and later in the season will also conduct the world creation of the first symphony by Jean-Luc Fafchamps. A statement: contemporary Belgian works will be given a place of honour during his tenure.

Innovation is also to be found in our productions. For example, there is the new show Glass & Stravinsky Firebird, for which visual artist Eva L’Hoest has created a video work in collaboration with our orchestra and engineering consultancy NIRAS/ ONDRAF. Drawing on four twentiethcentury musical works, she reflects on the nuclear age and our gigantic energy consumption.

This season we will also introduce some new concert formats. Under the title ‘Film Symphonic’, we will present film classics with live music.

The curators of this series are none other than Frank Strobel and Dirk Brossé, both experts in the genre.

With the ‘Symphonic Hour’ formula, we will now also offer several shorter concerts on Friday evenings, without an interval.

Over the coming months, I look forward to discovering ‘The Promised Land’ together with you!

Hans Waege Intendant

WOORD VOORAF PRÉFACE FOREWORD

Antony Hermus

Antony Hermus © Nafissa Yaouba

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AANKOMEND CHEF-DIRIGENT ANTONY HERMUS

NL —› Heel af en toe gebeurt het dat je voor een orkest staat en dat alles klopt. Dat het bijzonder fijn is om te werken, dat je je ding doet en dat iedereen hierin mee gaat.

Dat muzikanten veel van je vragen, maar dat je ook veel van hen kan verwachten. Mijn eerste concert met het Belgian National Orchestra in 2019 was zo’n moment. En daarom ben ik bijzonder blij om voor de komende vier seizoenen als chef-dirigent te zijn geëngageerd.

Het komende seizoen is nog een overgangsjaar. Ik ben er wel, maar nog niet vol in ambt. Op het tijdstip dat het chef-dirigentschap werd afgeklopt, was de planning van zowel het orkest als van mezelf voor het komende seizoen immers al vergevorderd. Toch zijn we er in geslaagd om een viertal spannende projecten op touw te zetten. Die projecten zijn een voorsmaakje van wat u vanaf seizoen ’23-’24 van mij kan verwachten.

Het was mijn uitdrukkelijke wens om mijn ambtstijd te beginnen met een werk van een levende, Belgische componist. Dat werd ‘Pulses of the Earth’ van Wim Henderickx. Daarna hoort u twee grote klassiekers: Brahms Vioolconcerto – met topsoliste Hilary Hahn – en Berlioz’ magistrale Symphonie fantastique.

In mijn tweede concert zoek ik wederom aansluiting met het overkoepelende seizoensthema ‘The Promised Land’ met onder andere Dvořáks Negende symfonie en Ernest Blochs Schelomo.

Mijn derde concert, het Ars Musica-concert, presenteert de wereldpremière van Jean-Luc Fafchamps Eerste symfonie. We laten dit werk in dialoog gaan met filmmuziek van onder andere Planets of the Apes (Jerry Goldsmith) en Close Encounters of the Third Kind (John Williams) – Fafchamps heeft zelf immers heel wat filmmuziek geschreven. En eindigen doen me met Strauss’ symfonische gedicht Also sprach Zarathustra, een religieus-wetenschappelijk werk dat perfect past binnen de filosofie van Ars Musica. Tegelijkertijd wil ik hiermee ook mijn liefde voor de

grote Duitse romantische traditie uitdrukken. Strauss, Mahler en Bruckner zijn mijn handelsmerk en in de komende seizoen zullen deze componisten belangrijk worden.

Ook componisten als bijvoorbeeld Zemlinsky moeten dringend herontdekt worden!

Vorig seizoen dirigeerde ik een symfonische compilatie van Wagners Die Meistersinger von Nürnberg.

Deze opera gaat over het zoeken van een evenwicht tussen traditie en vernieuwing. Een perfecte metafoor voor het pad dat ik in Brussel als chef-dirigent wil bewandelen. We leven in de 21ste eeuw en het is onze opgave om, zonder uit het oog te verliezen van waar we precies komen en op de basis van deze belangrijke fundamenten, open te staan voor het nieuwe.

Als aankomend chef-dirigent wil ik mijn gezicht ook heel bewust verbinden aan jeugdprojecten en community-projecten. Een orkest moet met beide voeten in de samenleving staan. Mijn vierde concert is daarom Glass & Stravinsky Firebird, een nieuwe voorstelling in samenwerking met beeldend kunstenaar Eva L’Hoest en het NIRAS. Inhoudelijk gaat het in dit concert over de fundamenten van onze samenleving: onze energieconsumptie en de lasten die we daarmee op de schouders van volgende generaties leggen …

Mijn ambities samengevat in enkele zinnen? Goede muziek maken voor een breed publiek.

Op zo’n manier dat én het publiek én de orkestmuzikanten hiervan maximaal genieten. Het is voor mij zeer belangrijk dat het goed gaat met het orkest, het is een team van waanzinnig goede muzikanten die allen het hart op de juiste plaats dragen. Samen met hen wil ik de kracht van muziek aan onze samenleving laten horen en zo een bijdrage leveren aan de verbinding tussen mensen onderling.

Tot in de concertzaal!

Antony Hermus Benoemd chef dirigent

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ANTONY HERMUS, FUTUR DIRECTEUR MUSICAL

FR —› De temps à autre, on se retrouve face à un orchestre avec lequel tout se passe à merveille. La collaboration est fluide et agréable, on peut faire « son truc » et tout le monde est content, les musiciens sont exigeants, mais généreux en retour. Mon premier concert avec le Belgian National Orchestra, en 2019, a été l’un de ces concerts. Je suis donc incroyablement heureux d’en être le futur directeur musical pour les quatres saisons à venir.

La saison prochaine sera encore une saison de transition. Je serai là, mais pas encore en pleine fonction.

Au moment où la décision de mon mandat a été prise, tant mon calendrier que celui de l’orchestre étaient déjà largement remplis la saison prochaine. Pourtant, nous sommes tout de même parvenus à intégrer quatre projets captivants au programme. Ceux-ci vous donnent un avant-goût de ce que je vous proposerai dès la saison 2023-2024.

Il était très important pour moi d’inaugurer mon mandat avec l’œuvre d’un compositeur vivant belge : Pulses of the Earth de Wim Henderickx. Ensuite, place à deux grands classiques : le Concerto pour violon de Brahms (avec la soliste de premier plan Hilary Hahn) et la magistrale Symphonie fantastique de Berlioz. Mon deuxième concert cherchera encore une fois à établir des liens avec le thème de la saison, The Promised Land, notamment avec la Neuvième Symphonie de Dvořák et Schelomo d’Ernest Bloch.

Mon troisième concert, dans le cadre d’Ars Musica, présente la première mondiale de la Première Symphonie de Jean-Luc Fafchamps.

Nous faisons dialoguer cette œuvre avec de la musique de film tirée notamment de La Planète des singes (Jerry Goldsmith) et Rencontres du Troisième Type (John Williams) ; Fafchamps a d’ailleurs écrit beaucoup de partitions pour le cinéma.

Nous clôturons la soirée avec le poème symphonique Ainsi parlait

Zarathoustra de Strauss, une œuvre scientifico-religieuse qui s’intègre parfaitement à la philosophie d’Ars Musica. Par la même occasion, j’en profite pour exprimer mon amour pour la grande tradition romantique allemande. Strauss, Mahler et Bruckner sont mes marques de fabrique et la saison prochaine, je leur accorderai à ce titre une place de choix. Sans oublier des compositeurs tels que Zemlinsky, qui doivent être redécouvert de toute urgence !

La saison dernière, j’ai dirigé une compilation symphonique de Die Meistersinger von Nürnberg de Wagner. Cet opéra vise à trouver un équilibre entre tradition et innovation. Une métaphore parfaite pour le chemin que je veux prendre en tant que chef d’orchestre à Bruxelles. Nous vivons au XXIe siècle et notre tâche est de nous ouvrir à la nouveauté, sans perdre de vue d’où nous venons et sur la base de ces importants fondements.

En tant que futur directeur musical, je tiens également à m’associer à des projets communautaires ou de jeunesse. Un orchestre doit s’ancrer dans la société. Mon quatrième concert sera donc Glass & Stravinsky Firebird, est un nouveau spectacle en collaboration avec l’artiste visuelle Eva L’Hoest et l’ONDRAF. Ce concert parle des fondements de notre société : notre consommation énergétique et, à travers elle, le poids que nous faisons peser sur les épaules des générations suivantes…

Résumer mes ambitions en quelques lignes ? Faire de la belle musique pour un large public. De telle façon que le public et les musiciens de l’orchestre en profitent un maximum.

Pour moi, il est très important que la collaboration avec l’orchestre soit de la meilleure qualité possible, car il s’agit d’une équipe de musiciens incroyables ayant le cœur à la bonne place. Avec eux, je souhaite faire entendre à notre société la force de la musique et contribuer ainsi au lien qui unit les êtres humains. À bientôt dans la salle de concert !

Antony Hermus Chef d’orchestre principal désigné

INCOMING CHIEF CONDUCTOR ANTONY HERMUS

EN —› Very occasionally it happens that you stand before an orchestra and everything is just right: it feels particularly great to be working, you can do your thing and everyone goes along with you, the musicians demand a lot from you but you can expect a lot from them in return.

My first concert with the Belgian National Orchestra in 2019 was such a moment. Therefore I am particularly happy to have been appointed chief conductor for the next four seasons.

The coming season is still a transition year. I am here, but not yet fully in office. At the time the position of chief conductor was agreed, the schedules of both the orchestra and myself were already far advanced for the coming season. Nevertheless, we have managed to plan four exciting projects. These projects are a foretaste of what you can expect from me as of the 23–24 season.

It was my express wish to begin my tenure with a work by a living Belgian composer. That became Pulses of the Earth by Wim Henderickx.

This will be followed by two great classics: Brahms’s Violin Concerto – with leading soloist Hilary Hahn – and Berlioz’s masterly Symphonie fantastique. In my second concert, I will seek to connect yet again with this season’s overarching theme, ‘The Promised Land’, with among other works Dvořák’s Symphony No. 9 and Ernest Bloch’s Schelomo.

My third concert, the Ars Musica concert, will present the world premiere of Jean-Luc Fafchamps’s Symphony No. 1. We will let this work enter into dialogue with film music from, among other works, Planet of the Apes (Jerry Goldsmith) and Close Encounters of the Third Kind (John Williams) – after all, Fafchamps himself has written a great number of film scores. We will end with Strauss’s symphonic poem Also sprach Zarathustra, a religious-scientific work that fits perfectly within the philosophy of Ars Musica. It is also my way of expressing my love for the great German romantic tradition.

Strauss, Mahler and Bruckner are my trademark and these composers will

be important in the coming season.

Composers such as Zemlinsky also urgently need to be rediscovered!

Last season, I conducted a symphonic compilation of Wagner’s Die Meistersinger von Nürnberg.

This opera is about finding a balance between tradition and innovation. A perfect metaphor for the path that I want to take as chief conductor in Brussels. We live in the 21st century and our task is to be open to the new, without losing sight of where we have come from and on the basis of these important foundations.

As incoming chief conductor, I explicitly want to show my interest in youth and community projects.

An orchestra must be in touch with society. My fourth concert will therefore be Glass & Stravinsky Firebird, a new show in collaboration with visual artist Eva L’Hoest and engineering consultancy NIRAS/ ONDRAF. In terms of content, this concert is about the foundations of our society: our energy consumption and the burden it places on future generations …

My ambitions summed up in a few sentences? To make good music for a wide-ranging audience. In such a way that both the audience and the orchestra musicians enjoy it to the utmost. It is very important to me that the orchestra is doing well, as it is a team of amazingly good musicians who all have their hearts in the right place. Together with them, I want to let our society hear the power of music and in doing so help to connect people.

See you in the concert hall!

Antony Hermus Chief conductor designate

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Roberto González-Monjas Eerste gastdirigent Premier chef invité Principal guest conductor

Roberto González-Monjas © Marco Borggreve

Michael Schønwandt Associate conductor Chef associé Associate conductor

Michael Schønwandt © Hans van der Woerd

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WOORD VOORAF PRÉFACE FOREWORD

Hugh Wolff Emeritus dirigent Chef d’orchestre émérite Conductor emeritus

Hugh Wolff © Veerle Vercauteren

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© Nafissa Yaoba

9 & 10.9

Hilary Hahn

&

Hilary Hahn © OJ Slaughter

Antony Hermus © Marco Borggreve

NL —› Pulses of the Earth van de Antwerpse componist Wim Henderickx thematiseert het ongrijpbare en het bovennatuurlijke. Het is een erg ritmische compositie die toewerkt naar een enorme climax in het laatste deel: een vulkaanuitbarsting waarbij de muzikanten niet alleen spelen maar het ook uitroepen.

De obsessieve en directe muziek vertegenwoordigt een ritueel waarin Moeder Aarde en de kracht van de natuurelementen een centrale rol krijgen toebedeeld.

Rijk aan contrasten in de orkestratie vormt Pulses of the Earth één grote zoektocht naar kracht en kleur.

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Brahms /

Stervioliste Hilary Hahn voert daarna het Vioolconcerto van Brahms uit.

Alhoewel aanvankelijk onspeelbaar geacht (“dit is geen concerto voor de viool, maar tegen de viool” – Hans von Bülow), geniet dit werk vandaag een bijzondere plaats in het hart van heel wat solisten en dirigenten.

De Symphonie fantastique van de Franse componist Hector Berlioz is misschien wel het belangrijkste orkestwerk uit de 19de eeuw. De symfonie bestaat – net als een klassiek drama – uit vijf delen en vertelt het verhaal van een jonge toonkunstenaar wiens liefde niet wordt beantwoord. Opiumdromen laten hem, na een onbevredigende

Inaugural concert Antony Hermus new chief conductor

pastorale idylle, in een woeste menigte naar een schavot marcheren.

Na het vallen van de bijl vindt hij zichzelf terug op een heksensabbat.

De vrouw op wie de jonge kunstenaar verliefd is, krijgt een muzikaal motief toegewezen (‘idee fixe’) dat in alle delen van de symfonie weerklinkt.

Hiermee legde Berlioz de basis voor het Wagneriaanse Leitmotiv.

De inspiratie voor de Symfonie fantastique vond Berlioz in zijn eigen biografie. Jarenlang probeerde hij immers de liefde te winnen van Harriet Smithson, een Ierse actrice en Shakespeare-vertolkster.

FR —› Pulses of the Earth du compositeur anversois Wim Henderickx met en musique l’insaisissable et le surnaturel. Les pulsations rythmiques culminent en un climax final explosif – évoquant une éruption volcanique – créé par le jeu des musiciens, et même les cris des instruments. Cette musique directe et obsédante fait songer à un rituel orchestré par Mère Nature et les éléments naturels. Fort d’une orchestration très contrastée, Pulses of the Earth se veut aussi une formidable quête de puissance et de couleur.

La célèbre violoniste Hilary Hahn interprète ensuite le Concerto pour violon de Brahms. Bien qu’initialement considérée comme injouable (« ce n’est pas un concerto pour le violon, mais contre le violon » – Hans von Bülow), cette œuvre occupe aujourd’hui une place particulière dans le cœur de nombreux solistes et chefs d’orchestre.

La Symphonie fantastique du compositeur français Hector Berlioz est peut-être la plus grande œuvre orchestrale du XIXe siècle. À l’instar du drame classique en cinq actes, la symphonie se compose de cinq mouvements. Elle raconte le chagrin d’un musicien qui échoue à conquérir le cœur de celle dont il est épris. Sous l’emprise de l’opium après une idylle pastorale frustrée, le musicien est en proie à des visions : le voilà condamné et conduit à l’échafaud par une foule en colère. Le couperet tombe, le plongeant dans le songe d’une nuit au sabbat. Le motif obsessionnel représentant l’aimée – l’idée fixe – se faufile dans chacun des mouvements de la symphonie.

Berlioz jette ici les base du leitmotiv wagnérien. Cette Symphonie fantastique lui a été inspirée par sa propre vie : Berlioz essaya pendant des années de conquérir le cœur d’Harriet Smithson, une actrice irlandaise qu’il avait vu jouer Shakespeare.

Star violinist Hilary Hahn then performs Brahms’ Violin Concerto.

Although initially considered unplayable (“this is not a concerto for the violin, but against the violin” – Hans von Bülow), today this work has a special place in the hearts of many soloists and conductors.

The Symphonie fantastique by French composer Hector Berlioz is perhaps the most important orchestral work of the 19th century.

The symphony – just like a classical drama – consists of five movements and tells the story of a young musician whose love is not answered. After an unsatisfactory pastoral idyll, opium dreams lead him to a scaffold surrounded by a furious crowd. When the axe has fallen, he suddenly finds himself at a witches’ sabbath. The woman with whom the young artist is in love is assigned a musical motif (‘idée fixe’) that recurs in all movements of the symphony. Berlioz thus laid the foundation for the Wagnerian Leitmotiv. He derived inspiration for the Symfonie fantastique from his own life. For years he tried to win the love of Harriet Smithson, an Irish Shakespearean actress.

EN —› Pulses of the Earth by Antwerp composer Wim Henderickx focuses on the theme of the intangible and the supernatural.

It is a very rhythmic composition that builds towards a huge climax in the final movement: a volcanic eruption in which the musicians not only play their instruments, but also cry out. The obsessive and direct music represents a ritual in which Mother Earth and the power of the natural elements play a key role. With the orchestration rich in contrasts, Pulses of the Earth is one big quest for power and timbre.

vr-ve-fr

9.9.2022 | 20:00 Bozar za-sa-sa

10.9.2022 | 20:00 Triangel St. Vith Antony Hermus, conductor Hilary Hahn, violin Wim Henderickx Pulses of the Earth Johannes Brahms Concerto, Violin, Op. 77, D major Hector Berlioz Symphonie fantastique, Op. 14 17

23 & 25.9

NL —› “Alles is ijdelheid,” dat is de centrale boodschap van het boek Prediker, volgens de joodse traditie geschreven door Koning Salomo.

De Zwitsers-Amerikaanse componist Ernest Bloch nam dit Bijbelboek als inspiratiebron voor zijn compositie Schelomo, het laatste werk dat hij schreef voor hij naar de Verenigde Staten emigreerde. Schelomo is een “Hebreeuwse rapsodie voor cello en orkest” waarbij de cello de stem van Koning Salomo symboliseert en het orkest het volk belichaamt.

Te midden van heel wat exotische, oriëntaalse harmonieën – die doen soms doen denken aan Strauss’ Salome – gaat de oudtestamentische koning op zoek naar wijsheid en vindt uiteindelijk … verstilling.

In 1892 liet Antonín Dvořák zich overhalen om directeur te worden van het National Conservatory of Music in New York City. De Atlantische Oceaan stak hij echter niet enkel en alleen over om te onderwijzen, maar ook met het doel om de Amerikaanse muzikale stijl te gaan ontdekken – en zo mogelijk mee te ontwikkelen. De basis voor die Amerikaanse stijl, zo stelde Dvořák in een paar krantenartikelen die hij vlak na zijn aankomst schreef, moest volgens hem gezocht worden in de Afro-Amerikaanse muziek en de muziek van de inheemse Amerikanen, net zoals hijzelf de Tsjechische nationale muziekstijl had ontwikkeld uit de Tsjechische volksmuziek.

Dvořák liet zich introduceren tot Afro-Amerikaanse spirituals (onder andere door Harry Burleigh, later de eerste zwarte componist) en schreef dan in de winter en lente van 1893 – in opdracht van de New York Philharmonic – zijn later immens beroemd geworden Negende symfonie “From the New World”.

Dvořák beschouwde de cello lange tijd als een instrument dat niet geschikt was voor een solistenrol in een concerto: “te nasaal in de hoogte en te mompelend in de

Nicolas Altstaedt © Marco Borggreve

diepte”. Na het bijwonen van de première van een celloconcerto van een collega-componist en cellist in New York, veranderde hij echter zijn mening en toog aan het werk.

Het bericht dat zijn schoonzus – op wie hij ooit nog verliefd was geweest – in Europa zwaar ziek was geworden, deed Dvořák besluiten om haar lievelingslied, het door hem gecomponeerde Laat me alleen, in de tweede beweging van zijn celloconcerto te citeren. De derde beweging eindigt met een zucht, waarna nog even een orkestrale hel losbreekt. “Als ik had geweten dat een celloconcerto zo mooi kon zijn,” zo zei Brahms na een uitvoering van Dvořáks Celloconcerto, “dan had ik er zelf ook een geschreven!”

FR —› « Tout est vanité » – tel est le message central de l’Ecclésiaste, écrit selon la tradition juive par le roi Salomon. Ernest Bloch, compositeur suisse naturalisé américain, s’est inspiré de ce livre de la Bible pour composer Schelomo. C’est sa dernière pièce avant qu’il n’émigre 18

aux États-Unis. Schelomo est une « rhapsodie hébraïque pour violoncelle et orchestre », dans laquelle le roi Salomon s’exprime à travers le violoncelle, l’orchestre incarnant le peuple. Au milieu de nombreuses harmonies exotiques empreintes d’orientalisme – qui ne sont pas sans rappeler à certains moments le Salomé de Strauss – le roi de l’Ancien Testament part à la recherche de la sagesse pour trouver finalement la sérénité.

En 1892, Antonín Dvořák se laissa convaincre de prendre la direction du National Conservatory of Music de New York City. Mais de l’autre côté de l’Atlantique, il n’allait pas seulement enseigner : il voulait aussi saisir la chance de découvrir le style musical américain et peut-être même de s’en inspirer et le développer.

Selon lui, la musique américaine trouve son origine dans la musique afro-américaine et les mélodies américaines autochtones, comme il l’a affirmé dans une série d’articles qu’il écrivit pour des journaux juste

Nicolas Altstaedt après son arrivée à New York. Il a lui-même développé sa musique nationale tchèque en puisant dans la musique populaire de sa culture. La découverte des negro spirituals (entre autres grâce à Harry Burleigh, qui allait devenir le premier compositeur noir) sera déterminante.

Durant l’hiver et le printemps 1893, il composa – sur une commande du New York Philharmonic – sa Symphonie n°9 « Du Nouveau Monde » qui allait connaître un succès foudroyant.

Dvořák a longtemps estimé que le violoncelle ne se prêtait pas à un rôle de soliste dans un concerto : « ça nasille dans les aigus et ça grommelle dans les graves », prétendait-il. Il changea cependant d’avis après avoir assisté à New York à la création d’un concerto pour violoncelle joué par un collègue compositeur et violoncelliste, et se mit au travail.

Après avoir reçu d’Europe la nouvelle que sa belle-sœur – dont il avait été amoureux à une certaine époque – était gravement malade, Dvořák décida de citer « Laissez-moi seule », sa mélodie préférée qu’il avait lui-même écrite, dans le deuxième mouvement de son concerto pour violoncelle. Le troisième mouvement se termine sur un soupir que brise ensuite un orchestre déchaîné. « Si j’avais su qu’un concerto pour violoncelle pouvait être aussi beau, j’en aurais aussi écrit un ! », déclara Brahms après avoir assisté au concerto pour violoncelle de Dvořák.

EN —› “Everything is vanity,” is the key message of the book of Ecclesiastes, written by King Solomon according to Jewish tradition. The SwissAmerican composer Ernest Bloch took this book of the Bible as inspiration for his composition Schelomo, the last piece he wrote before emigrating to the United States. Schelomo is a ‘Hebrew rhapsody for cello and orchestra’ in which the cello symbolises the voice of King Solomon and the orchestra

& Antonín Dvořák / Symphony of the New World

embodies the people. In the midst of a great many exotic, oriental harmonies – at times, reminiscent of Strauss’ Salome – the Old Testament king goes in search of wisdom and ultimately finds … peace.

In 1892, Antonín Dvořák was persuaded to become the director of the National Conservatory of Music in New York City. However, he did not cross the Atlantic just to teach, but also with the aim of discovering – and if possible developing – the American music style. The basis for the American style, Dvořák stated in a few newspaper articles written shortly after his arrival, was, in his opinion, to be found in African-American music and the music of the Native Americans, just as he himself had developed the Czech national music style from Czech folk music.

Dvořák was introduced to AfricanAmerican Spirituals (among others

by Harry Burleigh, later the first black composer) and in the winter and spring of 1893, commissioned by the New York Philharmonic, he wrote his Ninth Symphony ‘From the New World’, which became incredibly famous.

him, in the second movement of his cello concerto. The third movement ends with a sigh, after which an orchestral hell breaks loose. “If I had known that a cello concerto could be so beautiful,” Brahms said after a performance of Dvořák’s Cello Concerto, “I would have written one myself!”

Symphonic Hour, a short concert on Friday evening?

Or a long concert on Sunday afternoon?

It’s up to you! vr-ve-fr · symphonic hour

23.9.2022 | 20:00 Bozar

Antony Hermus, conductor Nicolas Altstaedt, cello Ernest Bloch Schelomo; Hebraic Rhapsody Antonín Dvořák Symphony No. 9 in E minor, “From the New World”, Op. 95

For a long time, Dvořák considered the cello as an instrument unsuitable for a solo role in a concerto: “the upper voice is too nasal and the lower growls”. However, after attending the premiere of a cello concerto by a fellow composer and cellist in New York, he changed his mind and set to work. The news that his sister-in-law, with whom he had once been in love, had fallen seriously ill in Europe, made Dvořák decide to quote her favourite song, Leave Me Alone, composed by

zo-di-su

25.9.2022 | 15:00 Bozar Antony Hermus, conductor Nicolas Altstaedt, cello Antonín Dvořák Cello Concerto in B minor, Op. 104 Antonín Dvořák Symphony No. 9 in E minor, “From the New World”, Op. 95 19

30.9

Belgian National Orchestra & Guests 50th Birthday CC Hasselt

Anneleen Lenaerts © Andrej Grilc

20

NL —› CC Hasselt bestaat 50 jaar! Ter ere van deze speciale gebeurtenis speelt het Belgian National Orchestra een door de jazz geïnspireerd programma met maar liefst drie Belgische solisten die elk een zelden uitgevoerd concerto uitvoeren. Dirigent van dienst is de jonge belofte Martijn Dendievel, die in 2021 de Deutscher Dirigentenpreis in de wacht wist te slepen.

Het Concertino in Jazz for Harp and Orchestra, uitgevoerd door de bekende harpiste Anneleen Lenaerts, is een werk van de Belgische jazzviolist, componist, arrangeur en bandleader Emile Deltour.

Lange tijd was hij artistiek leider van de Belgische afdeling van het muzieklabel DECCA. Als dirigent van een eigen studio-orkest verzorgde hij opnames met onder meer Edith Piaf, Maurice Chevalier en La Esterella.

Het Concertino in Jazz is een van zijn meer klassieke werken, geschreven in de jaren 1930 voor een harpiste die doceerde aan het Conservatorium van Brussel.

De klarinettist Roeland Hendrickx brengt daarna het Jazz Clarinet Concert “Latin American chronicles” van de Argentijnse jazzmuzikant Daniel Freiberg. Hij componeerde dit concerto in 2015 op vraag van het WDR Rundfunkorchester.

Daarna speelt de trompettist Jeroen Berwaerts het vijfdelige trompetconcerto van de SovjetArmeense componist Alexander Arutunion die in dit virtuoze showstuk heel wat Armeense volksmuziekinvloeden verwerkte.

FR —› Le CC Hasselt fête ses 50 ans !

Pour célébrer cet événement, le Belgian National Orchestra propose un programme placé sous le signe du jazz avec pas moins de trois solistes belges qui interpréteront chacun un concerto rarement programmé.

Pour les diriger, nous avons le plaisir d’accueillir un jeune chef prometteur : Martijn Dendievel, qui a décroché en 2021 le Deutscher Dirigentenpreis.

Le Concertino in Jazz for Harp and Orchestra, exécuté par la célèbre harpiste Anneleen Lenaerts, est signé par le Belge Emile Deltour, violoniste de jazz, compositeur, arrangeur et leader d’ensemble. Deltour a longtemps été directeur artistique de la division belge du label musical DECCA. Chef de son propre orchestre de studio, il a collaboré à des enregistrements avec Edith Piaf, Maurice Chevalier et La Esterella, entre autres. Ce Concertino in Jazz est l’une de ses pièces de facture plus classique. Il l’a composé dans les années 1930 pour un harpiste qui enseignait au Conservatoire de Bruxelles.

Place ensuite au clarinettiste Roeland Hendrickx qui interprète le Jazz Clarinet Concert « Latin American chronicles » du musicien de jazz argentin Daniel Freiberg, un concerto composé en 2015 à la demande de l’Orchestre symphonique de la WDR. Nous accueillerons pour terminer le trompettiste Jeroen Berwaerts qui jouera le concerto pour trompette en cinq mouvements du compositeur soviétique d’origine arménienne Alexander Arutunion.

Une pièce virtuose intégrant de nombreuses influences de musique arménienne populaire.

The Concertino in Jazz for Harp and Orchestra, performed by the well-known harpist Anneleen Lenaerts, is a work by the Belgian jazz violinist, composer, arranger and band leader Emile Deltour. For a long time he was artistic director of the Belgian branch of the music label DECCA. As the conductor of his own studio orchestra, he recorded with Edith Piaf, Maurice Chevalier and La Esterella, among others.

The Concertino in Jazz is one of his more classical works, written in the 1930s, for a harpist who taught at the Brussels Conservatory.

Clarinettist Roeland Hendrickx will then perform the Jazz Clarinet Concert ‘Latin American chronicles’

by Argentine jazz musician Daniel Freiberg. He composed this concerto in 2015, at the request of the WDR Rundfunkorchester. After that, trumpeter Jeroen Berwaerts will play the five-movement trumpet concerto by Soviet-Armenian composer Alexander Arutunion, who incorporated many Armenian folk music influences in this virtuoso showpiece.

vr-ve-fr

30.9.2022 | 20:00 CC Hasselt Martijn Dendievel, conductor Anneleen Lenaerts, harp Roeland Hendrickx, clarinet Jeroen Berwaerts, trumpet Leonard Bernstein Three Dance Episodes from “On the Town” Emile Deltour Concertino in Jazz for Harp and Orchestra Daniel Freiberg Jazz Clarinet Concerto “Latin American chronicles” (Belgian premiere) Dmitri Shostakovich Festive Overture, Op. 96 Alexander Arutunion Trumpet Concerto in A major Antonín Dvořák Carnival Overture, Op. 92

EN —› CC Hasselt celebrates its 50th anniversary! In honour of this special occasion, the Belgian National Orchestra will play a jazzinspired programme with no fewer than three Belgian soloists, who will each treat us to a rarely performed concerto. The conductor on duty is the promising young Martijn Dendievel, who won the Deutscher Dirigentenpreis in 2021.

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6, 7 & 9.10

NL —› Aram Khachaturian behoort samen met Dmitri Shostakovich en Sergei Prokofiev tot de drie belangrijkste componisten van de Sovjetperiode. Geboren in Armenië, verhuisde hij op 18-jarige leeftijd naar Moskou. Zijn Vioolconcerto, gecomponeerd in nauwe samenwerking met de beroemde violist (en legendarische winnaar van de Koningin Elisabethwedstrijd) David Oistrach, is sterk beïnvloed door Armeense volksmuziek en bezit een ongelofelijk melodieus karakter.

In de opera Háry János van de Hongaarse componist Zoltán Kodály speelt een uitgediende huzaar de hoofdrol. Dag na dag dist hij in een herberg fantastische verhalen op over zijn diensttijd: hoe Napoleons vrouw, Marie Louise, verliefd op hem werd; hoe hij in zijn eentje de legers van Napoleon nabij Milaan versloeg en hoe hij uiteindelijk het aanbod om met Marie Louise te trouwen afsloeg uit heimwee naar zijn thuisland Hongarije. In 1927, een jaar na de première van de opera, bundelde Zoltán Kodály de orkestrale hoogtepunten van Háry János in een zesdelige orkestrale suite. Dit populaire orkestwerk met heel wat volksmuziekinvloeden gaat volgens de componist aan politieke frustraties voorbij en belichaamt in de plaats daarvan de poëtische kracht van de folklore. Een grote rol is daarbij weggelegd voor de cimbalom, de Hongaarse versie van het hakkebord.

“Zigeunerkinderen die ik niet zelf verwekte, maar wel met boter en melk opvoedde,” zo omschreef Johannes Brahms in een brief naar zijn uitgever de Hongaarse dansen.

Brahms’ misschien wel bekendste werk vindt zijn oorsprong in een vriendschap met de Hongaarse violist Eduard Reményi die hem

Nemanja Radulovic © Lukas Rotter / Deutsche Grammophon

tijdens gemeenschappelijke tournees liet kennismaken met ‘volksmuziek in zigeunerstijl’.

Brahms raakte zozeer in de ban van deze muziek dat hij een tijdlang, wanneer hij onder vrienden was, niets leuker vond dan op de piano dansen in Hongaarse stijl te improviseren. De muziek neerschrijven wou hij eerst niet – want net in het improviseren schuilde het plezier – maar uiteindelijk liet Brahms zich toch overhalen en publiceerde hij de Hongaarse dansen in een versie voor piano vierhandig.

Nummer 1, 3 en 10 orkestreerde Brahms later zelf. De andere dansen werden door bevriende componisten georkestreerd, onder andere door Antonín Dvořák.

FR —› Aram Khachaturian est, aux côtés de Shostakovich et Prokofiev, l’un des trois grands compositeurs de la période soviétique. Né en Arménie, il s’installe à Moscou à l’âge de 18 ans. Son Concerto pour violon, composé en étroite coopération avec le célèbre violoniste (et lauréat légendaire du Concours Reine Elisabeth) David Oïstrakh, fait clairement entendre l’influence de la musique populaire arménienne. Il enchante par son caractère extrêmement mélodieux.

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Dans l’opéra Háry János du compositeur hongrois Zoltán Kodály, un vétéran tient le rôle principal. Jour après jour, l’ancien hussard vante dans une auberge ses prétendus exploits. Il aurait entre autres conquis le cœur de Marie-Louise, la femme de Napoléon, et défait à lui tout seul l’armée napoléonienne à Milan. Et il prétend avoir finalement renoncé à épouser Marie-Louise pour revenir en Hongrie, car il avait le mal du pays.

En 1927, un an après la création de son opéra, Zoltán Kodály rassemble les temps forts orchestraux de Háry János dans une suite orchestrale en six mouvements. Cette œuvre célèbre pour orchestre, où les influences de la musique populaire abondent, entend dépasser – selon le compositeur – les frustrations politiques pour incarner la puissance poétique du folklore. Le cymbalum, version hongroise du tympanon, se voit confier une place centrale. « Des enfants tsiganes dont je ne suis pas le géniteur, mais que j’ai nourris de beurre et de lait », telle est l’image utilisée par Johannes Brahms pour décrire ses Danses hongroises à son éditeur. Ces danses, qui sont sans doute l’œuvre la plus connue du compositeur, trouvent leur origine dans son amitié avec le violoniste hongrois Eduard Reményi. Celui-ci lui

Nemanja Radulovic

&

Khachaturian / Brahms Hungarian Dances

fit découvrir la « musique populaire de style tsigane » lors de tournées communes. Brahms fut à ce point séduit que pendant un certain temps, il ne put s’empêcher d’improviser au piano ces danses de style hongrois pour ses amis. Au départ, il ne tenait pas à transcrire cette musique – tout le plaisir résidant pour lui dans l’improvisation – mais il se laissa finalement convaincre et publia les Danses hongroises dans une version pour piano à quatre mains.

Brahms orchestra lui-même plus tard les danses n° 1, 3 et 10. Les autres danses ont été orchestrées par des amis compositeurs, entre autres par Antonín Dvořák.

EN —› Aram Khachaturian is one of the three most important composers of the Soviet period, along with Dmitri Shostakovich and Sergei Prokofiev. Born in Armenia, he moved to Moscow at the age of 18.

His Violin Concerto, composed in close collaboration with the famous violinist (and legendary winner of the Queen Elisabeth Music Competition) David Oistrach, is imbued with strong influences of Armenian folk music and has a wonderful melodic character.

A retired hussar plays the leading role in the opera Háry János by the Hungarian composer Zoltán Kodály.

In an inn, he recounts fantastic stories about his time in the service day after day: how Napoleon’s wife, Marie Louise, fell in love with him; how he single-handedly defeated Napoleon’s armies near Milan and how he finally declined the offer

to marry Marie Louise because he was homesick for Hungary, his homeland. In 1927, a year after the opera’s premiere, Zoltán Kodály bundled the orchestral highlights of Háry János into a six-part orchestral suite. According to the composer, this popular orchestral piece with lots of folk music influences bypasses political frustrations and instead embodies the poetic power of folklore. It reserves an important role for the cimbalom, the Hungarian version of a hammered dulcimer.

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7.10.2022 | 20:00 Bozar

Stanislav Kochanovsky, conductor Nemanja Radulovic, violin

“Genuine children of the Puszta and Gypsies. Not begot by me, merely nourished by me on milk and bread,” is how Johannes Brahms described the Hungarian dances in a letter to his publisher.

Perhaps Brahms’ best-known work has its origins in a friendship with the Hungarian violinist Eduard Reményi, who introduced him to ‘gypsy-style folk music’ when they toured together. Brahms became so enchanted by this music that, for a while, he liked nothing better, when among friends, than to improvise Hungarian-style dances on the piano. At first he did not want to write the music down in a musical score – because the pleasure was derived from improvising – but eventually Brahms allowed himself to be persuaded and published the Hungarian Dances for piano fourhands. Brahms later orchestrated tracks 1, 3 and 10 himself. The other dances were orchestrated by composers who were friends, including Antonín Dvořák.

Zoltán Kodály Háry János Suite Aram Khachaturian Violin Concerto in D minor do-je-th

6.10.2022 | 20:15 De Warande Turnhout zo-di-su

9.10.2022 | 15:00 Bozar Stanislav Kochanovsky, conductor Nemanja Radulovic, violin George Enescu Romanian Rhapsody No. 1 in A major Aram Khachaturian Violin Concerto in D minor Zoltán Kodály Háry János Suite Johannes Brahms Hungarian Dances No. 1-5 23

22 & 23.10

Thomas Hampson

&

Mahler

Thomas Hampson © Jiyang Chen

NL —› Des Knaben Wunderhorn is een door Gustav Mahler vanaf 1892 getoonzette selectie van twaalf anonieme Duitstalige volksliedteksten gepubliceerd in 1899 getiteld Humoresques. Achim von Arnim en Clemens Brentano verzamelden anonieme Duitse volksliedteksten en publiceerden deze in gereduceerde vorm tussen 1805 en 1808. Sinds die tijd zijn verschillende van deze teksten door componisten als Mendelssohn, Schumann, Loewe, Brahms en Zemlinsky tot Lieder bewerkt. De specifieke term Lieder aus Des Knaben Wunderhorn slaat over het algemeen echter op liederen waarin Gustav Mahler gebruikmaakte van twaalf van deze teksten. Hoewel

Mahler meer stukken heeft bewerkt uit de wonderhoorn, werden deze nooit expliciet gegroepeerd onder deze titel. De inhoud en volgorde varieerde per uitgave totdat de uiteindelijke vorm in 1901 werd bereikt.

In 1876 startte Tchaikovsky een excentrieke briefwisseling met Nadezjda von Meck, een rijke weduwe die de Russische componist 13 jaar lang financieel zou ondersteunen. De enige voorwaarde was dat ze elkaar nooit in het echt zouden zien. Tchaikovsky besloot zijn Vierde symfonie aan haar te wijden en hield haar op de hoogte van zijn progressie. “De inleiding,” zo schreef 24

hij, “is de kiem van de hele symfonie en meteen ook het centrale thema.

Het is het noodlot, het zwaard van Damocles dat boven ons hangt, een kracht die we enkel lijdzaam kunnen ondergaan.” Turbulenties in Tchaikovsky’s persoonlijke leven – zoals een kort, overhaast en rampzalig afgelopen huwelijk met een jonge conservatoriumstudente, heel wat depressies en uiteindelijk ook een zelfmoordpoging – beïnvloeden de symfonie in hoge mate.

Daarnaast is het werk echter ook een reflectie op Beethovens Vijfde symfonie. Tchaikovsky’s inleidende fanfare heeft daarbij ongeveer dezelfde functie als Beethovens bekende viernotenmotief.

FR —› Des Knaben Wunderhorn est une sélection de douze textes anonymes de chansons populaires en langue allemande, mis en musique par Gustav Mahler à partir de 1892, et publiés en 1899 sous le titre Humoresques. Achim von Arnim et Clemens Brentano ont rassemblé des textes anonymes de chansons populaires allemandes et les ont publiés sous une forme réduite entre 1805 et 1808. Depuis lors, plusieurs de ces textes ont été arrangés en lieder par des compositeurs tels que Mendelssohn, Schumann, Loewe, Brahms et Zemlinsky. Cependant, le terme spécifique Lieder aus Des Knaben Wunderhorn désigne généralement les chants dans lesquels Gustav Mahler a utilisé douze de ces textes. Bien que Mahler ait arrangé d’autres pièces à partir du Wunderhorn, elles n’ont jamais été explicitement regroupées sous ce titre. Le contenu et l’ordre ont varié d’une édition à l’autre jusqu’à ce que la forme finale soit atteinte en 1901.

En 1876, Tchaikovsky entame une relation épistolaire originale avec Nadezjda von Meck, une riche veuve qui lui avait promis de lui verser une rente (ce qu’elle fit pendant 13 ans) en n’y mettant qu’une seule condition : ne jamais se rencontrer.

Tchaikovsky décida de lui dédier sa Symphonie n°4 et la tint informée de l’avancement de son travail. Il lui écrivit : « L’introduction est le ferment de toute la symphonie en même temps qu’elle en est le thème central.

C’est le destin, l’épée de Damoclès au-dessus de nos têtes, une force que nous ne pouvons que subir dans la souffrance. » Les turbulences que connaît Tchaikovsky dans sa vie personnelle – comme un mariage bref, hâtif et catastrophique avec une jeune étudiante du conservatoire, une succession d’épisodes dépressifs

et finalement, une tentative de suicide – trouvent clairement leur expression dans cette symphonie.

Cette composition est par ailleurs aussi une réflexion sur la Symphonie n°5 de Beethoven. La fanfare introductive de Tchaikovsky a pour ainsi dire la même fonction que le célèbre motif à quatre notes du compositeur allemand.

EN —› Des Knaben Wunderhorn is a selection of twelve anonymous German-language folksong texts, set to music by Gustav Mahler from 1892 onwards, published in 1899 under the title Humoresques. Achim von Arnim and Clemens Brentano collected anonymous German folksong texts and published them in a reduced form between 1805 and 1808. Since then, several of these texts have been arranged into Lieder by composers such as Mendelssohn, Schumann, Loewe, Brahms and Zemlinsky. However, the specific term Lieder aus Des Knaben Wunderhorn generally refers to songs in which Gustav Mahler used twelve of these texts. Although Mahler arranged more pieces from the miracle horn, they were never explicitly grouped under this title.

The content and order varied from edition to edition until the final form was reached in 1901.

In 1876, Tchaikovsky started an eccentric correspondence with Nadezhda von Meck, a wealthy widow who would support the Russian composer financially for 13 years. The only condition was that they would never see each other in person. Tchaikovsky decided to dedicate his Symphony No. 4 to her and kept her informed of his progress. “The introduction,” he wrote, “sows the seed for the whole symphony and at the same time serves as its central theme.

It is fate, the Sword of Damocles hanging over us, a force we can but passively endure.” The symphony is greatly influenced by turbulences in Tchaikovsky’s personal life – such as a brief, hasty marriage to a young conservatory student that ended disastrously, numerous periods of depression and ultimately a suicide attempt. However, the work is also a reflection on Beethoven’s Symphony No. 5. Tchaikovsky’s introductory fanfare serves more or less the same function as Beethoven’s well-known four-note motif.

za-sa-sa

22.10.2022 | 20:00 Bozar zo-di-su

23.10.2022 | 15:00 Kursaal Oostende Michael Schønwandt, conductor Thomas Hampson, baritone Giuseppe Verdi divertissements for Nabucco Gustav Mahler Des Knaben Wunderhorn (selection) Pyotr Ilyich Tchaikovsky Symphony No. 4 in F minor, Op. 36 25

28, 29 & 30.10

Raphaela Gromes

&

NL —› De Preludio, corale e fuga was het eindexamen compositie van de Italiaanse componist Ottorino Respighi aan het Liceo Musicale di Bologna. Het werk is daarnaast ook de vrucht van enkele lessen in de compositie die Respighi kreeg van Nikolai Rimsky-Korsakov.

Beide componisten ontmoetten elkaar in Sint-Petersburg waar Respighi enkele maanden werkte als lessenaanvoerder viool bij het orkest van het Russische Keizerlijke Theater. De commentaar van de jury op Respighi’s eindexamen in Bologna? “Respighi is geen leerling, maar een meester!”

Als er één ding was waarin de jonge Camille Saint-Saëns uitblonk, dan was het in het schrijven van concerto’s. Toen hij in 1872, op 37-jarige leeftijd aan zijn Eerste celloconcerto begon, had hij al drie pianoconcerto’s en twee vioolconcerto’s op zijn naam staan.

Onder de invloed van Liszt schreef Saint-Saëns een celloconcerto in één beweging waarvan het openingsmateriaal cyclisch wordt verwerkt. “Vorm is de essentie van kunst,” beweerde hij ooit: “en virtuositeit geeft een componist de vleugels om hoog boven het alledaagse en het afgezaagde te scheren.”

Raphaela Gromes © Sammy Hart

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Saint-Saëns / Symphony 3 “Organ symphony”

Een tiental jaar later werd Camille Saint-Saëns in Engeland geroemd als de grootste nog levende Franse componist. Op vraag van de Royal Philharmonic Society schreef hij zijn Derde symfonie. In deze compositie valt vooral het ingenieuze gebruik van toetsinstrumenten op: naast de piano (die zowel twee- als vierhandig wordt bespeeld) speelt ook het orgel een uitermate belangrijke rol.

Camille Saint-Saëns droeg de Derde symfonie op aan zijn pas overleden vriend Franz Liszt en baseerde zijn muzikaal materiaal op de gregoriaanse melodie van het Dies irae, de sequens uit de dodenliturgie.

Une dizaine d’années plus tard, Camille Saint-Saëns était considéré en Angleterre comme le plus grand compositeur français vivant. C’est à la demande de la Royal Philharmonic Society qu’il composa sa Symphonie n°3. Cette composition se distingue surtout par l’utilisation ingénieuse des claviers : outre le piano (joué à deux et à quatre mains), la partie orgue est mise en avant. Camille Saint-Saëns dédia sa Symphonie n°3 à son ami Franz Liszt qui venait de disparaître. Le motif musical est bâti sur la séquence grégorienne du Dies irae de la Liturgie des morts.

FR —› Le compositeur italien Ottorino Respighi a composé son Preludio, corale e fuga pour son examen final au Liceo Musicale di Bologna. Cette pièce est aussi le fruit de ses quelques cours de composition auprès de Nikolai Rimski-Korsakov, qu’il avait rencontré à Saint-Pétersbourg. Respighi avait été pendant quelques mois Konzertmeister au Théâtre Impérial de Russie. Le verdict du jury lors de l’examen de fin d’études de Respighi à Bologne ? « Respighi n’est pas un élève, mais un maître ! »

EN —› The Preludio, corale e fuga was the final exam composition by the Italian composer Ottorino Respighi at the Liceo Musicale di Bologna. The work is also the fruit of some lessons in composition that Respighi received from Nikolai Rimsky-Korsakov. Both composers met in St. Petersburg, where Respighi worked for several months as a Konzertmeister at the orchestra of the Russian Imperial Theatre. The jury’s comment on Respighi’s final exam in Bologna? “Respighi is not a pupil, but a master!”

S’il y a bien un domaine dans lequel le jeune Camille Saint-Saëns excellait, c’est la composition de concertos.

En 1872, lorsqu’il se lança à l’âge de 37 ans dans l’écriture de son Concerto pour violoncelle n°1, il avait déjà à son actif trois concertos pour piano et deux concertos pour violon.

C’est sous l’influence de Liszt que Saint-Saëns a composé ce concerto pour violoncelle en un mouvement dont le thème d’ouverture est répété de manière cyclique. « La forme est l’essence de l’art, » a-t-il un jour affirmé. « Et la virtuosité donne au compositeur les ailes pour s’élever audessus du quotidien et de la banalité. »

If there was one thing at which the young Camille Saint-Saëns excelled, it was writing concertos. When he started his Cello Concerto No. 1 in 1872, at the age of 37, he already had three piano concertos and two violin concertos to his name. Influenced

by Liszt, Saint-Saëns wrote a cello concerto in a single movement, the opening material of which is cyclical.

“Form is the essence of art,” he once pronounced, “and virtuosity gives a composer the wings to soar high above the mundane and the hackneyed.”

Some ten years later, Camille SaintSaëns was hailed in England as the greatest living French composer.

He wrote his Symphony No. 3 at the request of the Royal Philharmonic Society. In this composition, the ingenious use of keyboard instruments is particularly striking: besides the piano (two-hands and four-hands), the organ also plays an extremely important role. Camille Saint-Saëns dedicated Symphony No. 3 to his recently deceased friend Franz Liszt and based his musical material on the Gregorian melody of the Dies irae, the sequence from the Liturgy of the Dead.

Young Golden Star concert vr-ve-fr

28.10.2022 | 20:00 Bozar za-sa-sa

29.10.2022 | 19:00 Grand Manège, Namur Concert Hall zo-di-su

30.10.2022 | 15:00 30CC Leuven Roberto González-Monjas, conductor Raphaela Gromes, cello Ottorino Respighi Preludio, corale e fuga Camille Saint-Saëns Cello Concerto No. 1 in A minor, Op. 33 Camille Saint-Saëns Symphony No. 3 in C minor, Op. 78, “Organ Symphony” 27

13.11

Paul Lewis &

Mozart 25 / Franck Symphony in D

Paul Lewis © Kaupo Kikkas

NL —› Ruslan and Lyudmila van Mikhail Glinka is een fascinerend sprookjesopera die kan beschouwd worden als de Russische tegenhanger van Mozarts Die Zauberflöte. Het verhaal met ridders, draken, een boze tovenaar en een te redden prinses is gebaseerd op een gedicht van Pushkin, Ruslands bekendste dichter. Deze zou normaal gezien ook het libretto geschreven hebben, maar vond vroegtijdig de dood in een duel. De ouverture van Ruslan and Lyudmila, een aaneenschakeling van snelle dansen en een orkestraal meesterwerk, staat erom bekend bijzonder veeleisend te zijn voor de contrabassen.

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Het Vijfentwintigste pianoconcerto is Mozarts grootste, moeilijkste en meest symfonische pianoconcerto.

Hij componeerde dit werk in Wenen in 1786: net na de opera Le nozze di Figaro en ongeveer gelijktijdig met de Praagse symfonie.

Een groot bewonderaar van dit pianoconcerto was de twintigsteeeuwse componist Olivier Messiaen, die de soevereine majesteit van dit werk roemde. “Het doet me denken aan de meest verheven religieuze architectuur: Egyptische sfinxen, Mexicaanse trappenpiramides, Griekse tempels en gotische kathedralen.” De Britse toppianist Paul Lewis wekt deze bouwwerken op briljante wijze tot leven.

Le Concerto pour piano n°25 est le concerto pour piano le plus ambitieux, le plus difficile et le plus symphonique de Mozart. Celui-ci l’a composé à Vienne, en 1786 – juste après l’opéra Le nozze di Figaro et plus ou moins au même moment que sa Symphonie n°38 « Prague ».

Olivier Messiaen, compositeur du XXe siècle, admirait beaucoup ce concerto pour piano, dont il louait la majestuosité souveraine : « Il me fait penser aux édifices les plus superbes de l’architecture religieuse : les sphynx égyptiens, les pyramides mexicaines à degré, les temples grecs et les cathédrales gothiques ».

Ces œuvres musicales sont interprétées avec brio par le grand pianiste britannique Paul Lewis.

De later tot Fransman genaturaliseerde componist César Franck werd in 1822, dit jaar exact 200 jaar geleden, geboren in Luik. De driedelige Symfonie in d, enkele jaren voor zijn dood in 1888 gecomponeerd, is zijn meest gekende en vaakst gespeelde werk.

Franse verbeelding en helderheid worden in deze magistrale symfonie gecombineerd met een Duitse, postWagneriaanse harmonische taal. Dat César Franck een meesterorganist was, is te horen in het magistrale contrapunt en de exquisiete orkestratie. De tweede beweging veroorzaakte bij de première een schandaal door het opvallende gebruik van de althobo. In de derde en laatste beweging komen alle thema’s uit de voorgaande bewegingen terug, “niet als loutere citaten, maar wel als elementen waaruit iets nieuws ontstaat” (César Franck).

FR —› Ruslan et Lyudmila de Mikhail Glinka est un opéra fascinant, une fable lyrique qui peut être considérée comme le pendant russe de la Flûte enchantée de Mozart. Le récit – dont les héros sont des chevaliers, des dragons, un magicien maléfique et une princesse à sauver – est basé sur un poème de Pouchkine. Le tout grand poète russe aurait dû en écrire aussi le libretto, mais il perdit prématurément la vie, blessé lors d’un duel. L’ouverture de Ruslan et Lyudmila, une succession de danses rapides et un chef-d’œuvre d’orchestration, est connu pour donner du fil à retordre aux contrebassistes.

Le compositeur belge César Franck, qui allait être naturalisé français, est né à Liège en 1822, il y a tout juste 200 ans. Il a composé sa Symphonie en ré mineur quelques années avant son décès, en 1888. C’est l’œuvre la plus connue et la plus souvent jouée de ce Liégeois d’origine. Cette symphonie magistrale fusionne la fantaisie et l’éclat du style français et le langage harmonique allemand, post-wagnérien. On retrouve tout le talent d’organiste de César Franck dans le contrepoint magistral et l’orchestration exquise. Le deuxième mouvement provoqua un tollé lors de la création en raison de l’étonnante présence du cor anglais dans l’orchestration. Tous les thèmes des deux premiers mouvements se faufilent dans le troisième et dernier mouvement, « mais ils n’apparaissent pas comme des citations, j’en ai fait quelque chose, ils jouent le rôle d’éléments nouveaux » (César Franck).

He composed the piece in Vienna in 1786: just after the opera Le nozze di Figaro and about the same time as the Prague Symphony. This piano concerto was greatly admired by the twentieth-century composer Olivier Messiaen, who praised the sovereign majesty of the piece. “It reminds me of the most exalted religious architecture: Egyptian sphinxes, Mexican step-pyramids, Greek temples and Gothic cathedrals.” Top British pianist Paul Lewis brilliantly brings these creations to life.

The composer César Franck, who later became a naturalised Frenchman, was born in Liège in 1822, precisely 200 years ago. The three-movement Symphony in D, composed a few years before his death in 1888, is his best-known and most frequently performed work. French imagination and clarity are combined in this magisterial symphony with a German, postWagnerian harmonic language.

The fact that César Franck was a master organist can be heard in the magnificent counterpoint and exquisite orchestration. The second movement caused a scandal at the premiere due to the striking use of the alto oboe. In the third and final movement, all themes from the previous movements return, “not as mere quotations, but as elements from which something new emerges” (César Franck).

Célébrations des 200 ans de la naissance de César Franck

EN —› Ruslan and Lyudmila by Mikhail Glinka is a fascinating fairy-tale opera that can be considered the Russian counterpart of Mozart’s Die Zauberflöte. The story of knights, dragons, an evil sorcerer and a princess that needs saving is based on a poem by Pushkin, Russia’s most famous poet. He would normally have written the libretto as well, but was killed prematurely in a duel. The overture of Ruslan and Lyudmila, a sequence of fast-paced dances and an orchestral masterpiece, is known to be particularly demanding for the double basses.

Also on tour in the UK zo-di-su

13.11.2022 | 15:00 Bozar Roberto González-Monjas, conductor Paul Lewis, piano Mikhail Glinka Ruslan and Lyudmila Overture Wolfgang Amadeus Mozart Piano Concerto No. 25 in C major, K. 503 César Franck Symphony in D minor

The Piano Concerto No. 25 is Mozart’s longest, most difficult and most symphonic piano concerto.

29

25.11

Strauss

Also

Sprach Zarathustra /

Jean-Luc Fafchamps Symphony 1

© NASA/ESA/Hubble Heritage Team

NL —› Centraal in dit concert staat de wereldcreatie van de Eerste symfonie van de Brusselse pianist en componist Jean-Luc Fafchamps.

Een naam die intussen bekend in de oren klinkt: Fafchamps is niet alleen stichtend lid van het Brusselse ensemble voor hedendaagse muziek Ictus, maar componeerde in 2010 ook het verplichte werk voor de Koningin Elisabethwedstrijd en werkt momenteel in opdracht van de Munt aan de triptiek Is this the End? De symfonie die Fafchamps op vraag van het Belgian National Orchestra schreef, draagt als titel “Objects Célestes” en put inspiratie uit ruimtefenomenen als zwarte gaten, sterrenstelsels en de interstellaire leegte.

Ook Hollywood laat zich met de regelmaat van de klok door het heelal inspireren. Aankomend chefdirigent Antony Hermus dirigeert naast Fafchamps’ nieuwe symfonie in dit concert ook muziek uit twee vroege sciencefictionfilms. Eerst weerklinkt een fragment uit de soundtrack die Jerry Goldsmith componeerde voor Planet of the Apes, een succesfilm uit 1968.

Daarna brengt het orkest muziek van John Williams, gecomponeerd voor Steven Spielbergs kaskraker Close Encounters of the Third Kind (1977).

Deze buitenaardse avonturen worden aangevuld met een compositie die wereldberoemd werd toen Stanley Kubrick ze gebruikt als soundtrack voor zijn film 2001: A Space Odyssey. Richard Strauss liet zich bij het schrijven van Also sprach Zarathustra – waarvan Kubrick het openingsdeel gebruikte – echter niet inspireren door ruimtereizen, maar wel door de filosofie van Friedrich Nietzsche. “Symfonisch optimisme in fin-de-sièclevorm,” zo luidde de oorspronkelijke ondertitel van Strauss’ meest bekende symfonische gedicht.

FR —› La création mondiale de la Symphonie n°1 du compositeur et pianiste bruxellois Jean-Luc Fafchamps est le temps fort de cette soirée. Ce nom ne vous est sans doute pas inconnu : Fafchamps est en effet l’un des fondateurs d’Ictus, l’ensemble bruxellois de musique contemporaine, il a écrit l’œuvre imposée de l’édition 2010 du Concours Reine Elisabeth et compose actuellement le triptyque Is this the End? pour La Monnaie. La symphonie qu’il a écrite à la demande du Belgian National Orchestra est intitulée « Objets Célestes ». Des phénomènes spatiaux tels que les trous noirs, les galaxies et le vide interstellaire sont autant d’éléments qui ont inspiré le compositeur.

L’univers est aussi une source d’inspiration fréquente pour les productions hollywoodiennes. Lors de ce concert dirigé par le chef principal désigné du Belgian National Orchestra, Antony Hermus, nous vous proposons, outre la création de la nouvelle symphonie de Fafchamps, de vous replonger dans la musique originale de deux anciens films de science-fiction. L’orchestre interprétera d’abord un extrait de la bande originale du film La Planète des Singes – composée par Jerry Goldsmith –, un film à succès de 1968. L’orchestre jouera ensuite des extraits de la bande originale, signée John Williams, du tout grand succès du box-office de Steven Spielberg, Rencontres du troisième type (1977).

Also sprach Zarathustra, une œuvre devenue un véritable tube international grâce à 2001 L’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick, qui l’a utilisée comme thème d’ouverture, se devait de figurer au programme de ces aventures extraterrestres.

Aucune référence ici aux voyages dans l’espace toutefois : Richard Strauss s’est librement inspiré d’un poème du philosophe Friedrich Nietzsche. Le plus célèbre poème symphonique de Strauss était à l’origine sous-titré « Optimisme symphonique du genre fin de siècle ».

Competition in 2010 and is currently working on the triptych Is this the End? The symphony commissioned by the Belgian National Orchestra to Fafchamps entitled ‘Objects Célestes’ and draws inspiration from space phenomena such as black holes, galaxies and the interstellar void.

Hollywood is also regularly inspired by the universe. In addition to Fafchamps’ new symphony, designate chief conductor Antony Hermus will also conduct music from two early science-fiction films during this concert. First we will hear an excerpt from the soundtrack Jerry Goldsmith composed for Planet of the Apes, a hit film from 1968. The orchestra will then perform music by John Williams, composed for Steven Spielberg’s blockbuster Close Encounters of the Third Kind (1977).

These extraterrestrial adventures are complemented by a composition that became world-famous when Stanley Kubrick used it as the soundtrack for his film 2001: A Space Odyssey. However, when Richard Strauss wrote Also sprach Zarathustra – the opening part of which Kubrick used – he was not inspired by space travel but by the philosophy of Friedrich Nietzsche. ‘Symphonic optimism in fin-de-siècle form,’ was the original subtitle of Strauss’ most famous symphonic poem.

Co-commande Ars Musica / Belgian National Orchestra / Bozar vr-ve-fr

25.11.2022 | 20:00 Bozar Antony Hermus, conductor NN., Boy soprano Jerry Goldsmith Planet of the Apes: No Escape (Belgian premiere) Jean-Luc Fafchamps Symphony No. 1 “Objets Célestes” (World premiere) John Williams from: Close Encounters of the Third Kind Richard Strauss Also sprach Zarathustra, Op. 30

EN —› A key component of this concert is the world premiere of the First Symphony by Brussels pianist and composer Jean-Luc Fafchamps.

A name that is now rather familiar: Fafchamps is not only a founding member of Ictus, the Brussels ensemble for contemporary music, he also composed the compulsory piece for the Queen Elisabeth 31

2.12

Glass

&

Stravinsky Firebird

Celebration 40th anniversary ONDRAF / NIRAS NL —› Ter gelegenheid van de 40ste verjaardag van het NIRAS – de Nationale Instelling voor Radioactief Afval en verrijkte Splijtstoffen – creëert het Belgian National Orchestra een nieuwe voorstelling in samenwerking met beeldend kunstenaar Eva L’Hoest, een experte in 3D vormgeving en computer graphics. Zij onderzoekt met de beeldtaal die haar eigen is en aan de hand van vier werken uit het twintigste-eeuwse klassieke muziekrepertoire de uitdagingen die het aanwezige nucleaire afval stelt voor zowel de huidige als voor de komende generaties.

Ongebreideld geloof in één enkele godheid, dat is wat de farao Akhnaten in de gelijknamige opera van Philip Glass tijdens de Hymn for the Sun belijdt. De menselijke inventiviteit kent geen grenzen, ook al zijn de gevolgen van sommige uitvindingen niet te voorzien. De mogelijkheden van deze geëlektrificeerde tijden wakkeren ons nu eens aan tot wilde helledansen, wiegen ons dan weer zoet in slaap, net zoals de vuurvogel in Stravinsky’s indrukwekkende ballet.

Met Liquid Marble van de Zweedse componist Anders Hillborg duiken we rechtstreeks in de reactorvaten van de kerninstallaties die onze samenleving onder hoogspanning zetten. “Hillborgs muziek is die van het nucleaire tijdperk,” schreef de Evening Standard ooit: “met houtblazers die microtonaal op en neer gorgelen als een stel opgewonden sciencefictionrobots”.

Sibelius’ symfonische gedicht De zwaan van Tuonela verplaatst ons naar een ander tijdperk waar mensen in hun huidige vorm niet meer bestaan en de natuur alles terug heeft overgenomen.

FR —› À l’occasion du 40e anniversaire de l’ONDRAF – l’Organisme national des déchets radioactifs et des matières fissiles enrichies –, le Belgian National Orchestra crée un nouveau spectacle en collaboration avec la plasticienne Eva L’Hoest, experte en modélisation 3D et en infographie. L’artiste explore les défis du traitement des déchets radioactifs pour notre génération et les suivantes. Il le fait au départ de son propre langage visuel et de quatre pièces du répertoire de musique classique du XXe siècle.

Dans Akhnaten (Hymn for the Sun), l’opéra de Philip Glass, le pharaon Akhenaton enseigne et impose la croyance absolue en une seule divinité. L’imagination humaine ne connaît pas de frontières, même si les conséquences de certaines inventions sont imprévisibles.

Les possibilités offertes par ces temps électriques et électrisants nous entraînent dans des danses infernales. Elles ont également l’effet d’une berceuse, comme l’oiseau de feu de l’impressionnant ballet de Stravinsky.

Avec Liquid Marble du compositeur suédois Anders Hillborg, nous plongeons d’emblée dans les cuves des réacteurs des centrales nucléaires qui mettent notre société sous haute tension. « La musique de Hillborg est celle de l’ère nucléaire, » a affirmé un jour l’Evening Standard : « avec des instruments de la petite harmonie dont la succession de microtons semble faire surgir une armée de robots excités sortis tout droit de l’univers de la sciencefiction ». Le poème symphonique de Sibelius, Le cygne de Tuonela, nous transporte dans une autre époque où les hommes n’existent plus sous leur forme actuelle et où la nature a repris ses droits.

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EN —› On the occasion of the 40th anniversary of NIRAS – the National Agency for Radioactive Waste and Enriched Fissile Materials – the Belgian National Orchestra is creating a new performance in association with visual artist Eva L’Hoest, an expert in 3D design and computer graphics.

Using her own imagery and four works from the twentieth-century classical music repertoire, she examines the challenges posed by existing nuclear waste for both current and future generations.

Unbridled faith in a single deity, that is what the pharaoh Akhnaten professes during the Hymn for the Sun in the eponymous opera by Philip Glass. Human inventiveness knows no limits, even if the consequences of some inventions

© ONDRAF / NIRAS

are unforeseeable. On occasion, the possibilities of these electrified times rouse us to wild dances of hell, sometimes lull us to sleep like the firebird in Stravinsky’s impressive ballet.

World Premiere video production Eva L’Hoest vr-ve-fr

2.12.2022 | 20:00 Bozar

With Liquid Marble by the Swedish composer Anders Hillborg, we dive straight into the reactor vessels of the nuclear power plants that put our society under high pressure.

“Hillborg’s music is that of the nuclear age,” the Evening Standard once wrote, “Woodwinds gurgle cleanly up and down micro-scales like sciencefiction robots becoming excited”.

Sibelius’ symphonic poem The Swan of Tuonela transports us to another age where people no longer exist in their present form and nature has taken over again.

Antony Hermus, conductor Gerben van der Werf, countertenor Eva L’Hoest, video Philip Glass Hymn to the Sun from: Akhnaten (Belgian premiere) Igor Stravinsky The Firebird Anders Hillborg Liquid Marble (Belgian premiere) Jean Sibelius The Swan of Tuonela 33

9 & 10.12

Camille Thomas

& Britten / Stravinsky

Camille Thomas © Sonia Sieff

NL —› De Académie royale de Belgique, opgericht in 1772, bestaat 250 jaar! Ter ere van deze verjaardag, voert het Belgian National Orchestra onder leiding van de Japanse dirigent Kazuki Yamada muziek uit van enkele illustere Académie-leden: Igor Stravinsky, Benjamin Britten en de Belgische componist Luc Brewaeys.

Van deze laatste wordt Along the Shores of Lorn opgevoerd, een in 2005 geschreven werk.

“Schrijf voor de cello alles wat je hart je ingeeft. Het maakt niet uit hoe moeilijk het wordt. Mijn liefde voor jou zal me helpen elke noot te spelen, zelfs de meest onmogelijke.” Zo schreef de beroemde cellist Mstislav Rostropovich aan Benjamin Britten.

Na het beëindigen van zijn War Requiem begon deze te componeren aan wat later zijn Cellosymfonie zou worden: een vierdelig werk met een gelijke rol voor de cello en voor het orkest. De première van Brittens Cellosymfonie – die verwantschappen vertoont met de Sinfonia Concertante van Prokofiev – vond plaats in Moskou in 1964 met Rostropovich als solist.

Na het grote succes van Stravinsky’s eerste ballet, L’Oiseau de feu, smeedden de impresario Diaghilev en Stravinsky plannen voor een nieuwe samenwerking. Uiteindelijk werd dat het vierdelige ballet Petrushka. Drie mysterieus tot leven gewekte poppen (Petruchka zelf, de Ballerina en de Moor) raken in dit ballet in een passionele liefdesstrijd verwikkeld waarbij Petrushka uiteindelijk het onderspit delft. Muzikaal gezien valt vooral het gebruik van de bitonaliteit op: Stravinsky’s muziek staat gelijktijdig in twee verschillende toonaarden waardoor er een bevreemdend en dissonant klankresultaat ontstaat.

Critici zien in de clash tussen de toonaarden een weerspiegeling van de emotionele gespletenheid van Petrushka.

FR —› L’Académie royale de Belgique, fondée en 1772, fête son 250e anniversaire ! Afin de le célébrer dignement, le Belgian National Orchestra, dirigé par le chef d’orchestre japonais Kazuki Yamada, interprètera la musique de certains membres illustres de l’Académie : Igor Stravinsky, Benjamin Britten et le compositeur belge Luc Brewaeys.

L’œuvre de ce dernier, Along the Shores of Lorn, écrite en 2005, sera interprétée.

Dans une lettre adressée à Benjamin Britten, le célèbre violoncelliste Mstislav Rostropovich insiste : « Écrivez pour le violoncelle tout ce que votre cœur vous dit, peu importe la difficulté, l’amour que je vous porte m’aidera à maîtriser chaque note, même les plus impossibles ».

Il n’en fallait pas plus pour que celuici se mette à composer pour cet instrument, sitôt son War Requiem achevé. Dans cette Symphonie pour violoncelle en quatre mouvements, le violoncelle et l’orchestre font jeu égal. La Symphonie pour violoncelle de Britten – qui n’est pas sans rappeler la Sinfonia Concertante de Prokofiev – a été créée à Moscou en 1964, avec Rostropovich au violoncelle.

Après le formidable succès de L’Oiseau de feu, premier ballet de Stravinsky, le compositeur russe et l’impresario Diaghilev envisagèrent une nouvelle collaboration, un projet qui se concrétisa avec le ballet en quatre actes Petrouchka. L’œuvre raconte l’histoire d’un « triangle amoureux » entre trois mystérieuses poupées (Petrouchka, la Ballerine et le Maure), une lutte passionnée dont Petrouchka sortira vaincu.

Musicalement, ce ballet est marqué par l’utilisation du système bitonal.

La musique de Stravinsky est jouée simultanément sur deux tons, ce qui donne des accords étranges et dissonants. Les critiques ont vu dans l’affrontement entre les tonalités le reflet des déchirements de l’âme de Petrouchka.

EN —› The Académie royale de Belgique, founded in 1772, is celebrating its 250th anniversary!

In honour of this celebration, the Belgian National Orchestra, conducted by the Japanese conductor Kazuki Yamada, performs music by some of the most illustrious Académie members: Igor Stravinsky, Benjamin Britten and the Belgian composer Luc Brewaeys. The latter’s work, Along the Shores of Lorn, written in 2005, will be performed.

comprising four movements with an equal role for the cello and the orchestra. The premiere of Britten’s Cello Symphony – which bears a resemblance to Prokofiev’s Sinfonia Concertante – took place in Moscow in 1964 with Rostropovich as soloist.

After the great success of Stravinsky’s first ballet, L’Oiseau de feu, the impresario Diaghilev and Stravinsky made plans for a new collaboration. Ultimately, it became the four-part ballet Petrushka. In this ballet, three puppets (Petrushka, the Ballerina and the Moor) that are mysteriously brought to life, are involved in a passionate struggle for love in which Petrushka ultimately loses. Musically, the use of bitonality stands out: Stravinsky’s music is simultaneously in two different keys, which creates an alienating and dissonant sound. In the clash of keys critics see a reflection of Petrushka’s emotional struggle.

Copresentatie met Académie Royale de Belgique – 250ste verjaardag Young Golden Star concert vr-ve-fr

9.12.2022 | 20:00 Bozar za-sa-sa

10.12.2022 | 19:00 Grand Manège, Namur Concert Hall Kazuki Yamada, conductor Camille Thomas, cello

“Write from the heart when it comes to the cello. No matter how difficult it gets. My love for you will help me play every note, even the most impossible.” These are the words the famous cellist Mstislav Rostropovich wrote to Benjamin Britten. After finishing his War Requiem, he started composing what would later become his Cello Symphony: a piece

Luc Brewaeys Along the Shores of Lorn Benjamin Britten Cello Symphony, Op. 68 Igor Stravinsky Petrushka – original version 1911 subtitled 35

15 & 16.12

Film

Symphonic :

The Great Escape

Full symphony – Dirk Brossé

The Great Escape © Frank McCarthy

Experience the greatest film score of all times

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krijgsgevangenen terwijl zachtere passages hen een diepmenselijk, sympathiek gelaat geven. Het Belgian National Orchestra speelt Elmer Bernsteins partituur onder de leiding van Dirk Brossé, terwijl de cinemaklassieker ondertussen op groot scherm wordt afgespeeld.

NL —› De Hollywoodfilm The Great Escape is gebaseerd op een waargebeurd verhaal. Tijdens de Tweede Wereldoorlog wisten maar liefst 76 gevangen te ontsnappen uit Stalag Luft III, een Duits krijgsgevangenkamp in het huidige Polen. Daarvoor werkte de gehele kampbevolking maandenlang mee aan een tunnel van meer dan 100 meter lang, voornamelijk gestut met bedplanken uit de barakken van de gevangenen. Van de 76 mensen die konden ontsnappen, wisten er slechts drie na heel wat omzwervingen veilig het geallieerde gebied te bereiken.

Een van de krijgsgevangen die had meegeholpen met het graven van de tunnel, maar die zelf niet kon ontsnappen, documenteerde zijn belevenissen in een boek dat in 1950 uitkwam. Dat boek, The Great Escape, vormde in 1963 de basis voor een ware kaskraker. De gelijknamige film van regisseur John Sturges werd voor verschillende prijzen genomineerd en wist een award in de categorie Beste Acteur te verzilveren op het internationaal filmfestival van Moskou.

Mede verantwoordelijk voor het gigantische succes van The Great Escape was de muziek van Elmer Bernstein. Elk personage in de film heeft een eigen muzikaal motief dat gelinkt is aan het algemene hoofdthema van de film.

Opzwepende muziek verklankt de stoutmoedigheid van de

FR —› Le film hollywoodien La Grande Évasion est basé sur une histoire vraie. Durant la Deuxième Guerre mondiale, pas moins de 76 détenus s’échappèrent de Stalag Luft III, un camp de prisonniers allemand situé dans l’actuelle Pologne. Pour ce faire, toute la population du camp creusa pendant des mois un tunnel de 100 mètres de long, principalement étayé par des planches provenant des lits des baraquements. Sur les 76 personnes à s’être échappées, seules trois parvinrent à rejoindre saines et sauves le territoire allié, après de nombreux rebondissements.

L’un des détenus impliqués dans la construction du tunnel, mais qui n’avait pas pu s’échapper, a retracé les événements dans un livre sorti en 1950. Intitulé La Grande Évasion, celui-ci a inspiré un véritable blockbuster en 1963. Le film du réalisateur John Sturges, qui porte le même titre, a été nominé à différents prix et a décroché celui du meilleur acteur au Festival international du film de Moscou.

La musique d’Elmer Bernstein a notamment contribué à l’énorme succès de La Grande Évasion.

Chaque personnage dispose de son propre motif musical, lié au thème général du film. Une musique exaltante reflète la témérité des détenus, tandis que des passages plus doux leur donnent un caractère profondément humain et sympathique. Le Belgian National Orchestra interprétera la partition d’Elmer Bernstein sous la direction de Dirk Brossé, tandis que le classique du cinéma sera projeté sur grand écran.

EN —› The Hollywood film The Great Escape is based on a true story.

During World War II, as many as 76 prisoners managed to escape from Stalag Luft III, a German prisoner of war camp in present-day Poland.

The entire camp population worked on the plan for months, digging a tunnel more than 100 metres long, mainly supported by planks from the beds in the prisoners’ barracks. Out of the 76 people who were able to escape, only three managed to reach Allied territory safely after a long and perilous journey.

One of the prisoners of war who had helped dig the tunnel, but was unable to escape himself, documented his experiences in a book that was published in 1950. That book, The Great Escape, served as the foundation for a real blockbuster in 1963. The film of the same name by director John Sturges was nominated for several awards and won an award in the Best Actor category at the Moscow International Film Festival.

Elmer Bernstein’s music was partly responsible for The Great Escape’s incredible success. Each character in the film has his or her own musical motif linked to the film’s main theme.

Stirring music conveys the courage of the prisoners of war, while softer passages give them a deeply human, sympathetic face. The Belgian National Orchestra plays Elmer Bernstein’s score under the baton of Dirk Brossé, while the classic film is shown on the big screen.

do-je-th

15.12.2022 | 19:30 Bozar vr-ve-fr

16.12.2022 | 20:30 Grand Manège, Namur Concert Hall Dirk Brossé, conductor Elmer Bernstein The Great Escape (Belgian premiere) 37

21 & 23.12

Winter Concert : Mozart Viva

Viva La Libertà

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la Libertà!

NL —› Elk jaar organiseren Bozar en het Belgian National Orchestra net voor de kerstvakantie een hartverwarmende familievoorstelling.

Dit jaar brengt het Franse kunstenaarscollectief Les Clés d’Ecoute, gespecialiseerd in jeugdvoorstellingen, een gloednieuwe productie, gebaseerd op de muziek van Mozart.

De rode draad doorheen deze voorstelling? Een vogel die gaandeweg zijn vrijheid herwint!

Een mimespeler loodst groot en klein doorheen het concert terwijl videobeelden voor een waar visueel spektakel zorgen.

Jonge zangers brengen aria’s van de vogelvanger Papageno, zijn liefje Papagena en van de huiveringwekkende Koningin van de Nacht – allemaal personages uit Mozarts bekendste opera De toverfluit. Ook fragmenten van twee andere meesterwerken staan op het programma: Così fan tutti en Don Giovanni. Verwacht je echter aan een compleet nieuwe verhaallijn die al je kennis over deze opera’s op zijn kop zet!

FR —› Chaque année, Bozar et le Belgian National Orchestra proposent un chaleureux spectacle familial juste avant les vacances de Noël. Cette année, le collectif d’artistes français Les Clés de l’écoute, spécialisé dans les spectacles pour jeunes publics, présentera une toute nouvelle production autour de la musique de Mozart.

Le fil rouge de cette histoire ?

Un oiseau qui retrouve peu à peu sa liberté ! Une mime guidera petits et grands tout au long de la représentation et des images vidéo offriront un véritable spectacle visuel.

De jeunes chanteurs interpréteront des airs de l’oiseleur Papageno, de sa bien-aimée Papagena et de la terrifiante Reine de la nuit, les personnages de l’opéra de Mozart le plus célèbre : La Flûte enchantée.

Des extraits tirés de deux autres chefs-d’œuvre seront également présentés : Così fan tutti et Don Giovanni. Attendez-vous à découvrir une toute nouvelle histoire qui bouleversera tout ce que vous saviez de ces opéras !

EN —› Every year, Bozar and the Belgian National Orchestra organise a heart-warming family performance just before the Christmas holidays.

This year, the French artist collective Les Clés d’Ecoute, specialised in performances for young audiences presents a brand-new production based on the music of Mozart.

The common theme running through this performance? A bird that gradually regains its freedom! A mime artist guides young and old through the concert, while video images provide a fantastic visual spectacle.

Premiere new production wo-me-we

Young singers perform arias of the bird catcher Papageno, his sweetheart Papagena and of the terrifying Queen of the Night – all characters from Mozart’s most famous opera, The Magic Flute. The programme also includes excerpts from two other masterpieces: Così fan tutti and Don Giovanni. However, you can expect a completely new storyline that will turn all your knowledge about these operas upside down!

21.12.2022 | 18:00 Bozar vr-ve-fr

23.12.2022 | 18:00 Bozar Karin Hendrickson, conductor Louise Kuyvenhoven, soprano Sawako Kayaki, soprano Ecem Topcu, soprano Sébastien Parotte, baritone Géraldine Aliberti, concept and staging Benjamien Lycke, video Françoise Purnode, mime Wolfgang Amadeus Mozart excerpts from different operas and symphonies 39

29.12

Sylvester Konzert : Beethoven & Schubert

Kurhaus Wiesbaden blaue Stunde © Pedelecs

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NL —› Beethovens ballet Die Geschöpfe des Prometheus presenteert een update van de Griekse Prometheus-mythe die sterk geïnspireerd werd door de verlichtingsideologie. Prometheus brengt de mensheid immers niet het vuur, maar laat hen kennismaken met de wetenschappen en de kunsten.

Zijn Vierde pianoconcerto liet Beethoven in december 1808 in première gaan aan het einde van een urenlang durend mammoetconcert in het Theater an der Wien. Andere werken die op het programma stonden waren onder andere de Vijfde en Zesde symfonie, delen uit zijn Mis in C en enkele concertaria’s. De tweede beweging het Andante, zou geïnspireerd zijn door de Orpheuslegende: aan de poorten van de onderwereld gaan de furiën (het orkest) wild tekeer tegen de door liefdespijnen getergde zanger (de piano) die uiteindelijk de overwinning behaalt.

De Grote symfonie in C is de laatste grote orkestcompositie van Franz Schubert. Dit werk werd tijdens het leven van de jong gestorven componist nooit opgevoerd en was zonder de tussenkomst van Robert Schumann waarschijnlijk verloren gegaan. Hij overtuigde de broer van Franz Schubert om de partituur op te sturen naar Leizpig, waar Mendelssohn in 1839 de première dirigeerde. Schuberts Grote symfonie in C duurt bijna even lang als Beethovens Negende symfonie en is even ambitieus van opzet. Het scherzo en de finale behoren tot de meest rusteloze ritmische passages van de orkestliteratuur. Eén motiefje – bestaande uit vier dezelfde noten – wordt obsessief herhaald voordat een stralende cadens in do groot de symfonie triomfantelijk afsluit.

FR —› Le ballet Les Créatures de Prométhée de Beethoven est une version réactualisée du mythe grec de Prométhée, inspirée par l’idéologie des Lumières : Prométhée n’apporte pas le feu à l’humanité, mais lui fait découvrir les sciences et les arts.

EN —› Beethoven’s ballet Die Geschöpfe des Prometheus presents an update of the Greek myth of Prometheus, which was greatly inspired by Enlightenment ideology.

Prometheus does not bring mankind fire, but rather introduces them to the sciences and the arts.

La création du Quatrième concerto pour piano de Beethoven a eu lieu en décembre 1808, à la fin d’un concert-marathon de plusieurs heures au Theater an der Wien.

Les autres œuvres au programme étaient ses Cinquième et Sixième Symphonies, des parties de sa Messe en ut et quelques arias de concert. Le deuxième mouvement, l’Andante, lui aurait été inspiré par la légende d’Orphée : aux portes des Enfers, les Furies (l’orchestre) se déchaînent contre le chanteur accablé de chagrin (le piano), qui sort finalement victorieux.

Beethoven premiered his Piano Concerto No. 4 in December 1808, at the end of an epic concert in the Theater an der Wien, which lasted for hours. Other works on the programme included Symphony No. 5 and Symphony No. 6, parts of his Mass in C and a number of concert arias. The second movement, the Andante, is said to be inspired by the legend of Orpheus: at the gates of the underworld, the furies (the orchestra) rage against the singer (the piano), tormented by love and who ultimately triumphs.

La Grande Symphonie en ut est la dernière grande composition orchestrale de Franz Schubert. Elle n’a jamais été exécutée du vivant du compositeur, décédé précocement, et aurait probablement été perdue sans l’intervention de Robert Schumann. Ce dernier a convaincu le frère de Schubert d’envoyer la partition à Leipzig, où Mendelssohn en a dirigé la création en 1839.

La Grande Symphonie en ut de Schubert est presque aussi longue que la Neuvième Symphonie de Beethoven et tout aussi ambitieuse.

Le scherzo et le finale comptent parmi les passages rythmiques les plus fébriles du répertoire pour orchestre. Un motif – composé des quatre mêmes notes – est répété obsessivement avant qu’une brillante cadence en ut majeur ne clôture la symphonie de manière triomphale.

The Great Symphony in C is Franz Schubert’s last major orchestral composition. This work was never performed during the lifetime of the composer, who died when he was young, and it would probably have been lost without Robert Schumann’s intervention. He convinced Franz Schubert’s brother to send the score to Leizpig, where Mendelssohn conducted the premiere in 1839.

Schubert’s Great Symphony in C lasts almost as long as Beethoven’s Symphony No. 9 and is just as ambitious. The scherzo and the finale are among the most restless rhythmic passages in orchestral literature.

One short motif – consisting of four identical notes – is repeated obsessively before a jubilant cadenza in D major triumphantly concludes the symphony.

do-je-th

29.12.2022 | 20:00 Kurhaus Wiesbaden James Feddeck, conductor Marie Ange Ngucci, piano Ludwig van Beethoven Prometheus (Die Geschöpfe des Prometheus): Overture Ludwig van Beethoven Piano Concerto No. 4 in G major, Op. 58 Franz Schubert Symphony No. 9 in C major, D 944, “The Great” 41

6, 8 & 15.1

New Year’s Concert / Waltzes, operas

NL —› Het Belgian National Orchestra zet het nieuwe jaar in onder leiding van de Amerikaanse dirigent Ryan McAdams. Naast werk van de walsenkoning Johann Strauss Jr. – onder andere het bekende An der schönen blauen Donau – speelt het orkest ook enkele opera- en operettefragmenten van Jacques Offenbach en filmmuziek van Nino Rota.

De Frans-Duitse componist Jacques Offenbach staat bekend als vader van het operettegenre. Een van zijn bekendste werken is La belle Hélène, een parodie op de Trojaanse oorlog. Offenbach schreef ook meer serieuze werken zoals de romantische opera Les Fées du Rhin en zijn magnus opus Les contes d’Hoffmann. Dat laatste werk bundelt enkele fantastische vertellingen van E.T.A. Hoffmann tot een vijfdelige opera met de schrijver als (ongelukkig verliefde) protagonist. De Barcarole, een Venetiaans gondellied, opent het vierde bedrijf waarin Hoffmann in Venetië de courtisane Giulietta leert kennen.

Nino Rota is de geschiedenis gegaan als de componist van de filmmuziek van The Godfather-trilogie en van de films van Federico Fellini. Tijdens het Nieuwjaarsconcert weerklinkt muziek uit de Fellini-films 8 ½ (over een bekende Italiaanse filmregisseur die lijdt aan een ‘director’s block’) en Amarcord (eveneens autobiografisch, over Fellini’s jeugd in het fascistische Rimini van 1937).

& films

FR —› Le Belgian National Orchestra entamera la nouvelle année sous la direction du chef américain Ryan McAdams. Outre une œuvre du roi de la valse Johann Strauss Jr. – le fameux Beau Danube bleu –, l’orchestre interprétera aussi quelques extraits d’opéra et d’opérette de Jacques Offenbach et de la musique de film de Nino Rota.

Le compositeur franco-allemand Jacques Offenbach est connu comme le père de l’opérette. L’une de ses œuvres les plus connues est La belle Hélène, une parodie de la guerre de Troie. Offenbach a aussi écrit des œuvres plus sérieuses, comme l’opéra romantique Les Fées du Rhin, et le chef d’œuvre Les contes d’Hoffmann. Ce dernier compile quelques contes fantastiques d’E.T.A. Hoffmann dans un opéra en cinq parties, dont l’écrivain – un amoureux malchanceux – est le protagoniste.

La Barcarolle, un chant vénitien, ouvre le quatrième acte, dans lequel Hoffmann fait connaissance avec la courtisane Giulietta à Venise.

Nino Rota est entré dans l’histoire en tant que compositeur de la musique de la trilogie Le Parrain et des films de Federico Fellini. Le concert du Nouvel An mettra à l’honneur la musique de deux films de ce dernier : Huit et demi (à propos d’un célèbre réalisateur italien en panne d’inspiration) et Amarcord (aussi autobiographique, à propos de la jeunesse de Fellini dans la Rimini fasciste de 1937).

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EN —› The Belgian National Orchestra kicks off the new year under the baton of American conductor Ryan McAdams. Besides works by the ‘King of Waltz’ Johann Strauss Jr – including the well-known An der schönen blauen Donau – the orchestra will perform several opera and operetta excerpts by Jacques Offenbach and film scores by Nino Rota.

The Franco-German composer Jacques Offenbach is known as the father of the operetta genre. One of his best-known works is La belle Hélène, a parody of the Trojan War. Offenbach also wrote more serious pieces such as the romantic opera Les Fées du Rhin and his magnum

vr-ve-fr

6.1.2023 | 19:00 Virton zo-di-su

8.1.2023 | 15:00 Bozar zo-di-su

15.1.2023 | 15:00 Kursaal Oostende Ryan McAdams, conductor Antonín Dvořák Carnival Overture, Op. 92 Jacques Offenbach Grande Valse from: Les Fées du Rhin Giuseppe Verdi Dance No. 5, Ballabile from: Aida Jacques Offenbach Barcarolle from: Les contes d’Hoffmann Jacques Offenbach Overture from: La belle Hélène Ottorino Resphigi II. Tarantella from: La Boutique fantasque (based on music

by Rossini) Dmitri Shostakovich Waltz No. 2 from: Jazz Suite No. 2 Nino Rota Suite from: Amarcord Nino Rota Suite from: 8 ½ Alberto Ginastera Danza Final from: Estancia Johann Strauss Jr. An der schönen blauen Donau

Ryan McAdams © Lisa Mazzucco

opus Les contes d’Hoffmann. The latter work bundles a number of E.T.A. Hoffmann’s fantastic tales in a five-part opera with the writer as the (unlucky in love) protagonist.

The Barcarole, a Venetian gondola song, opens the fourth act in which Hoffmann meets the courtesan Giulietta in Venice.

Nino Rota has gone down in history as the composer of the film score for The Godfather trilogy and for Federico Fellini’s films. The New Year’s concert will feature music from the Fellini films 8 ½ (about a famous Italian film director who suffers from director’s block) and Amarcord (also autobiographical, about Fellini’s childhood in Fascist Rimini in 1937).

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21 & 22.1

Daniel Lozakovich

& Mendelssohn / Brahms

NL —› Benjamin Britten zeilde in 1939 samen met zijn levensgezel Peter Pears de Atlantische Oceaan over, onder andere omdat zijn pacifistische houding in de periode net voor het uitbreken van de Tweede Wereldoorlog in zijn thuisland GrootBrittannië voor problemen zorgde.

Een van de werken die Britten tijdens zijn ‘Amerikaanse periode’ schreef, was het Sinfonia da Requiem, een opdracht van de Japanse regering die hiermee de 2600ste verjaardag van de stichting van het Japanse Keizerrijk wou vieren. Brittens Sinfonia da Requiem werd echter door de Japanners niet aanvaard – omdat de titels van de drie delen verwezen naar de katholieke liturgie en het geheel als te somber werd bevonden. Vandaag staat het Sinfonia da Requiem bekend als een van Brittens beste louter orkestrale werken.

“De Duitsers hebben vier vioolconcerten,” zo beweerde de beroemde violist Joseph Joachim: “het grootste, meest compromisloze is dat van Beethoven. Dat van Brahms is het meest serieuze. Het rijkste, het verleidelijkste, is geschreven door Max Bruch. Dat van Mendelssohn echter is het meest innerlijke, het juweel van het hart.” Mendelssohn had maar liefst zes jaar tijd nodig om zijn Vioolconcerto te voltooien: het was zijn laatste werk voor groot orkest.

Het technisch meesterschap dat Brahms in zijn Vierde symfonie tentoonspreidt, gaat niet ten koste van de emotionele zeggingskracht.

Integendeel: voor eenieder die het werk beluistert, vormt deze symfonie een bijzonder emotionele ervaring. Samen met Ein deutsches

Daniel Lozakovich © Johan Sandberg, Deutsche Grammophon

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Requiem wordt de Vierde symfonie dan ook terecht beschouwd als Brahms’ magnus opus. De eerste beweging is episch van karakter: uit het openingsmotief ontstaat een heroïsch-romantisch tijdperk waarin alles, ook de tragische kant van het leven, van een ongelofelijke schoonheid is. Het andante, dat begint met een hoornsolo, introduceert een meer menselijke schaal met in het hart van de nocturne-achtige muziek enkele prachtige melodieën. Na een opzwepend scherzo, blikt Brahms in de finale vooruit in de toekomst.

“Het einde van deze beweging is een orgie van destructie,” zo schreef de dirigent Felix Weingartner ooit: “een angstwekkende tegenhanger van de vreugde aan het einde van Beethovens Negende symfonie.”

FR —› En 1939, Benjamin Britten traversa l’océan Atlantique avec Peter Pears, son compagnon, notamment parce que son attitude pacifiste posait problème dans sa Grande-Bretagne natale à l’aube de la Deuxième Guerre mondiale. L’une des œuvres écrites durant cette « période américaine » est la Sinfonia da Requiem. Il s’agit d’une commande du gouvernement japonais pour fêter le 2600e anniversaire de la fondation de l’Empire japonais. Elle ne fut toutefois jamais acceptée par les Japonais – les titres des trois parties faisant référence à la liturgie catholique et l’ensemble étant jugé trop sombre. Aujourd’hui, elle est considérée comme l’une de ses meilleures œuvres purement orchestrales.

« Les Allemands ont quatre concertos pour violon », affirmait le célèbre violoniste Joseph Joachim, « le plus grand, le plus intransigeant est celui de Beethoven. Celui de Brahms le rivalise avec sérieux. Le plus riche, le plus séduisant, a été écrit par Max Bruch. Mais le plus intérieur, le joyau du cœur, est celui de Mendelssohn. » Il fallut pas moins de six ans à Mendelssohn pour achever son Concerto pour violon : sa dernière œuvre pour grand orchestre.

La maîtrise technique exhibée par Brahms dans sa Quatrième

symphonie ne nuit pas à l’expression des émotions. Au contraire : l’écoute de cette symphonie constitue une expérience émotionnelle particulière.

Avec Un Requiem allemand, la Quatrième Symphonie est donc à juste titre considérée comme le chef-d’œuvre de Brahms. Le premier mouvement est de caractère épique : le motif d’ouverture donne naissance à un passage héroïco-romantique dans lequel tout, y compris le côté tragique de la vie, est d’une incroyable beauté. L’andante, qui commence avec un solo de cor, apporte un côté plus humain avec, au cœur du nocturne, quelques mélodies magnifiques. Après un scherzo exaltant, Brahms se tourne vers l’avenir dans le finale. « La fin de ce mouvement est une orgie de destruction », écrivait le chef Felix Weingartner, « un pendant angoissant à la joie de la fin de la Neuvième symphonie de Beethoven. » EN —› Benjamin Britten sailed across the Atlantic with his life partner Peter Pears in 1939, partly because his pacifist stance in the period just before the Second World War broke out caused problems in his homeland of Great Britain. One of the works Britten wrote during his ‘American period’ was the Sinfonia da Requiem, commissioned by the Japanese government to celebrate the 2600th anniversary of the Japanese Empire being founded.

However, Britten’s Sinfonia da Requiem was not accepted by the Japanese – because the titles of the three movements referred to Catholic liturgy and the whole piece was considered too sombre.

Today, the Sinfonia da Requiem is known as one of Britten’s best purely orchestral works.

contrary: for anyone who listens to the piece, this symphony is a particularly emotional experience.

Together with Ein deutsches Requiem, Symphony No. 4 is rightly regarded as Brahms’ magnus opus.

The first movement is epic in character: from the opening motif, a heroic-romantic era emerges in which everything, including the tragic side of life, is incredibly beautiful.

The andante, which begins with a horn solo, introduces a more human scale with some beautiful melodies at the heart of the nocturne-like music. After a rousing scherzo, in the finale Brahms looks towards the future. “The end of this movement is an orgy of destruction,” the conductor Felix Weingartner once wrote, “a frightening counterpart to the joy at the end of Beethoven’s Symphony No. 9.”

Young Golden Star concert Symphonic Hour, a short concert on Saturday evening?

Or a long concert on Sunday afternoon?

It’s up to you! za-sa-sa · symphonic hour

21.1.2023 | 20:00 Bozar

Michael Schønwandt, conductor Daniel Lozakovich, violin Felix Mendelssohn Violin Concerto in E minor, Op. 64 Johannes Brahms Symphony No. 4 in E minor, Op. 98

“The Germans have four violin concertos,” claimed the famous violinist Joseph Joachim: “the greatest, most uncompromising is that of Beethoven. Brahms’ is the most serious. The richest, the most seductive, was written by Max Bruch. However, the one that appeals most to the inner self is that of Mendelssohn, the jewel of the heart.” Mendelssohn needed no less than six years to complete his Violin Concerto: it was his final work for large orchestra.

zo-di-su

22.1.2023 | 15:00 Bozar Michael Schønwandt, conductor Daniel Lozakovich, violin Benjamin Britten Sinfonia da requiem Felix Mendelssohn Violin Concerto in E minor, Op. 64 Johannes Brahms Symphony No. 4 in E minor, Op. 98

The technical mastery that Brahms displays in his Symphony No. 4 does not come at the expense of emotional eloquence. On the 45

25 & 28.1

Angela Gheorghiu © DR

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A Night at the Opera with Angela Gheorghiu

NL —› De Roemeense operaster Angela Gheorghiu is een van de grote sopranen van deze tijd. In 1992 maakte ze haar internationaal debuut in het Royal Opera House.

Daarna ging het met haar carrière steil omhoog: in London zong ze datzelfde jaar nog Mimi (La bohème) en aan de Wiener Staatsoper Adina (L’elisir d’amore). Nauwelijks een jaar later maakte ze haar debuut in de Metropolitan Opera en sindsdien is ze wereldwijd in titelrollen te horen.

Criciti en het publiek roemen haar stem die een grote lyrische schoonheid bezit, “met gloeiende, hoge noten van gesponnen goud en een donker, vibrerend conteraltbereik dat herinnert aan Maria Callas.” Ook als actrice zet Angela Gheorghiu telkens weer fenomenale prestaties neer.

Glanspartijen van haar zijn Tosca (bijvoorbeeld in de beroemde productie van het Royal Opera House aan de zijde van Bryn Terfel en Jonas Kaufmann), Charlotte uit Massenets opera Werther (Wiener Staatsoper & Salzburger Festspiele) en de titelrol van Adriana Lecouvreur (onder andere op een bekroonde DVD van Decca).

De Chileens-Amerikaanse tenor Jonathan Tetelman is een reizende ster aan het operafirmament: geboren in Chili en opgevoed in New Jersey, studeerde hij zang aan zowel de Manhattan School of Music als aan de Mannes School of Music. Na drie jaren als DJ te hebben gewerkt in een club in Manhattan, wierp hij zich volledig op zijn zangcarrière.

Recent nam hij een eerste album op voor Deutsche Grammophon en debuteerde hij zowel aan de Komische Oper Berlin, de English National Opera (Rodolfo/La Bohème) als aan het Royal Opera House Covent Garden (Alfredo/La traviata).

FR —› La star roumaine de l’opéra Angela Gheorghiu est l’une des plus grandes sopranos de notre époque.

Elle a fait ses débuts sur la scène internationale à la Royal Opera House en 1992, avant de connaître une ascension fulgurante. Cette annéelà, elle a aussi interprété Mimi (La bohème) à Londres et Adina (L’elisir d’amore) au Wiener Staatsoper. À peine un an plus tard, elle faisait ses débuts au Metropolitan Opera.

Depuis, elle interprète des rôlestitres dans le monde entier.

Les critiques et le public vantent la grande beauté lyrique de sa voix, « avec des notes élevées étincelantes, mais aussi un registre contralto sombre et vibrant rappelant Maria Callas ». Les prestations d’actrice d’Angela Gheorghiu sont également phénoménales.

Parmi ses plus grands rôles, citons Tosca (notamment dans la célèbre production de la Royal Opera House aux côtés de Bryn Terfel et Jonas Kaufmann), Charlotte dans l’opéra de Massenet Werther (Wiener Staatsoper & Salzburger Festspiele) et le rôle-titre d’Adriana Lecouvreur (notamment sur un DVD primé de Decca).

EN —› The Romanian opera star Angela Gheorghiu is one of the great sopranos of our time. She made her international debut at the Royal Opera House in 1992. After that, her career really took off: in the same year she sang Mimi (La Bohème) in London and Adina (L’Elisir d’Amore) at the Wiener Staatsoper. Barely a year later, she made her debut at the Metropolitan Opera and has since performed worldwide in title roles.

Critics and the audience praise her voice, which is an instrument of great lyrical beauty “with gleaming spun-gold high notes, but a dark, vibrant contralto range, reminiscent of Maria Callas.” Angela Gheorghiu is also a phenomenal actress. She has played Tosca (for instance in the famous Royal Opera House production alongside Bryn Terfel and Jonas Kaufmann), Charlotte from Massenet’s opera Werther (Wiener Staatsoper & Salzburger Festspiele) and the title role of Adriana Lecouvreur (on an award-winning DVD by Decca, among others).

The Chilean-American tenor Jonathan Tetelman is a travelling star in the opera firmament: born in Chile and raised in New Jersey, he studied singing at both the Manhattan School of Music and the Mannes School of Music. After three years of working as a DJ in a Manhattan club, he threw himself fully into his singing career.

He recently recorded his first album for Deutsche Grammophon and made his debut at the Komische Oper Berlin, the English National Opera (Rodolfo/La Bohème) and the Royal Opera House Covent Garden (Alfredo/La traviata).

Le ténor américain d’origine chilienne Jonathan Tetelman est une étoile filante du firmament de l’opéra : né au Chili et élevé dans le New Jersey, il a étudié le chant à la Manhattan School of Music et à la Mannes School of Music. Après avoir travaillé pendant trois ans comme DJ dans un club de Manhattan, il se lance complètement dans sa carrière de chanteur. Il a récemment enregistré son premier album pour Deutsche Grammophon et a fait ses débuts au Komische Oper Berlin, à l’English National Opera (Rodolfo/La Bohème) et au Royal Opera House Covent Garden (Alfredo/La traviata).

Also on tour at Philharmonie de Paris wo-me-we

25.1.2023 | 20:00 Bozar za-sa-sa

28.1.2023 | 20:00 Philharmonie de Paris Frédéric Chaslin, conductor Angela Gheorghiu, soprano Jonathan Tetelman, tenor 47

3 & 5.2

Rachmaninoff festival Complete Piano concertos

Behzod Abduraimov © Nissor Abdourazakov

NL —› Het Belgian National Orchestra voert in twee titanische concerten alle pianoconcerti van de Russische componist Sergei Rachmaninoff uit, naast de eveneens voor piano en orkest geschreven Rapsodie op een thema van Paganini. Voor deze mammoetonderneming worden twee pianisten van wereldformaat geëngageerd: de Oezbeekse Behzod Abduraimov en de Russische Denis Kozjoechin (Eerste Prijs Koningin Elisabethwedstrijd 2010).

Sergei Rachmaninoff componeerde op 18-jarige leeftijd, bruisend van zelfvertrouwen, zijn Eerste pianoconcerto. Een paar jaar later belandde hij door de desastreuse première van zijn Eerste symfonie echter in een diepe depressie. Een behandeling met hypnosetherapie sloeg aan en Rachmaninoff begon terug te componeren. Dit resulteerde in zijn Tweede pianoconcerto, een compositie die hij opdroeg aan de psychiater die hem behandelde.

Zijn Derde pianoconcerto componeerde Rachmaninoff als visitekaartje voor een Amerikaanse tournee. Na het uitbreken van de Russische Revolutie in 1917 vestigde de componist-pianist zich definitief

in de Verenigde Staten. Door zijn emigratie stopte Rachmaninoff echter nagenoeg met componeren: in de laatste 20 jaar van zijn leven schreef hij slechts 6 composities, waaronder het Vierde pianoconcerto (dat aanvankelijk slecht werd ontvangen) en de Rapsodie op een thema van Paganini (dat als een pianoconcerto in één beweging kan worden beschouwd).

FR —› Le Belgian National Orchestra interprétera tous les concertos pour piano du compositeur russe Sergei Rachmaninoff, en plus de sa Rhapsodie sur un thème de Paganini, aussi pour piano et orchestre, lors de deux concerts titanesques.

Pour cet événement de taille, deux pianistes de renommée mondiale ont été invités : l’Ouzbèke Behzod Abduraimov et le Russe Denis Kozhukhin (Premier Prix Concours Reine Élisabeth 2010).

Sergei Rachmaninoff composa son Premier Concerto pour piano à l’âge de 18 ans, débordant d’assurance.

Quelques années plus tard, la création catastrophique de sa Première Symphonie le plongea toutefois dans une profonde dépression. Ce n’est que grâce 48

à l’hypnothérapie qu’il se remit à composer. Des efforts qui débouchèrent sur son Deuxième Concerto pour piano, une composition dédiée à son psychiatre.

Rachmaninoff composa son Troisième Concerto pour piano en guise de carte de visite pour une tournée américaine. Après la Révolution russe de 1917, le compositeur et pianiste s’installa définitivement aux États-Unis. À la suite de son exil, il cessa toutefois pratiquement de composer : au cours des 20 dernières années de sa vie, il n’écrivit plus que six œuvres, dont le Quatrième Concerto pour piano (qui reçut à l’origine un mauvais accueil) et la Rhapsodie sur un thème de Paganini (qui peut être considérée comme un concerto pour piano en un mouvement).

EN —› In two titanic concerts, the Belgian National Orchestra performs all the piano concertos by the Russian composer Sergei Rachmaninoff, as well as the Rhapsody on a theme of Paganini, also written for piano and orchestra. Two world-class pianists have been engaged for this mammoth undertaking: Uzbek Behzod Abduraimov and Russian

Denis Kozhukhin © Marco Borggreve

Denis Kozhukhin (Queen Elisabeth Music Competition First Prize 2010).

vr-ve-fr

3.2.2023 | 20:00 Bozar

Sergei Rachmaninoff composed his Piano Concerto No. 1 at the age of 18, brimming with self-confidence. A few years later, however, the disastrous premiere of his Symphony No. 1 sent him into a deep depression.

Hypnosis therapy was successful and Rachmaninoff started composing again. This resulted in his Piano Concerto No. 2, a composition he dedicated to the psychiatrist who treated him.

Cristian Măcelaru, conductor Behzod Abduraimov, piano Denis Kozhukhin, piano Sergei Rachmaninoff Isle of the Dead, Op. 29 Piano Concerto No. 1 in F-sharp minor, Op. 1 The Rock, Op. 7 Piano Concerto No. 2 in C minor, Op. 18

Rachmaninoff composed his Piano Concerto No. 3 as a showpiece for an American tour. After the Russian Revolution broke out in 1917, the composer-pianist settled permanently in the United States.

Due to his emigration, however, Rachmaninoff virtually stopped composing: in the last 20 years of his life, he wrote only six compositions, including his Piano Concerto No. 4 (which initially was not well received) and the Rhapsody on a theme of Paganini (which can be considered a single movement piano concerto).

zo-di-su

5.2.2023 | 15:00 Bozar Cristian Măcelaru, conductor Behzod Abduraimov, piano Denis Kozhukhin, piano Sergei Rachmaninoff Rhapsody on a Theme of Paganini, Op. 43 Scherzo in D minor Piano Concerto No. 4 in G minor, Op. 40 Piano Concerto No. 3 in D minor, Op. 30 49

10, 22, 23 & 24.2

Silver &

Garburg – Brahms / Elgar Enigma Variations

Sivan Silver & Gil Garburg © Frank Eidel

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FR —› Le duo de pianistes de renommée internationale Silver-Garburg a commandé au compositeur autrichien Richard Dünser un nouvel arrangement du Premier quatuor avec piano de Brahms. Écrite à l’origine pour piano, violon, alto et violoncelle, cette œuvre résonne aujourd’hui dans une version pour piano à quatre mains et orchestre à cordes. Le Premier Quatuor avec piano de Brahms – constitué des quatre mouvements traditionnels – est profondément enraciné dans la tradition musicale romantique austro-allemande.

Le dernier mouvement, un rondo tzigane aussi entraînant que les Danses hongroises de Brahms, est d’une inventivité qui lui a valu une place parmi les œuvres préférées d’Arnold Schönberg.

NL —› Het wereldberoemde pianoduo Silver-Garburg liet de Oostenrijkse componist Richard Dünser een nieuw arrangement schrijven van Johannes Brahms’ Eerste pianokwartet. Oorspronkelijk geschreven voor piano, viool, altviool en cello, weerklinkt deze compositie nu in een versie voor piano vier handen en strijkorkest.

Brahms’ Eerste Pianokwartet – bestaande uit de obligate vier delen – is stevig geworteld in de Oostenrijks-Duitse romantische muziektraditie. Het laatste deel, een zigeunersrondo die even opzwepend is als Brahms’ Hongaarse dansen, is echter zo inventief opgebouwd dat Arnold Schönberg het een van zijn lievelingsstukken noemde.

Toen de Britse componist Edward Elgar op een avond thuiskwam, zette hij zich nog even achter de piano om wat te improviseren. Zijn vrouw merkte een melodietje op dat haar beviel en Edward Elgar besloot dit verder uit te werken. Wat begon als een grap, mondde echter uit in een monumentale compositie die intussen tot de meest gespeelde muziek uit de 19de eeuw behoort.

De Enigmavariaties bestaan uit een thema (“het raadsel”) en veertien variaties die elk zijn opgedragen aan specifieke vrienden van de componist. Edward Elgar stelde zich voor hoe zijn vrienden op een bepaald onderwerp zouden reageren en vertaalde die reacties in muziek.

De eerste variatie wijdde hij aan zijn vrouw, de laatste variatie aan hemzelf.

When the British composer Edward Elgar came home one evening, he sat down at the piano to improvise. His wife heard a melody that pleased her and Edward Elgar decided to elaborate on it. What started out as a joke, however, turned into a monumental composition that has since become one of the most popular 19th-century pieces performed.

The Enigma Variations consist of a theme (’the riddle’) and fourteen variations, each dedicated to specific friends of the composer. Edward Elgar imagined how his friends would react to a certain subject and translated those reactions into music.

He dedicated the first variation to his wife, and the last variation to himself.

Lorsque le compositeur britannique Edward Elgar rentra chez lui, un soir, il s’assit encore un peu au piano pour improviser. Sa femme lui fit remarquer une mélodie qu’elle aimait particulièrement, et Edward Elgar décida de la développer.

Ce qui commença comme une plaisanterie devint une composition monumentale comptant parmi les œuvres les plus jouées du XIXe siècle.

Also in Salzburg

Les Variations Enigma sont composées d’un thème (« l’énigme ») et de quatorze variations, chacune étant dédiée à l’un des amis du compositeur. Edward Elgar se demanda comment ses amis réagiraient à un sujet donné et traduisit ces réactions en musique.

La première variation est dédiée à sa femme, la dernière à lui-même.

vr-ve-fr

10.2.2023 | 20:00 Bozar wo-me-we

22.2.2023 | 19:00 Salzburg Grosses Festspielhaus do-je-th

23.2.2023 | 19:00 Salzburg Grosses Festspielhaus

EN —› The world-famous SilverGarburg piano duo commissioned the Austrian composer Richard Dünser to write a new arrangement of Johannes Brahms’ Piano Quartet No. 1. Originally written for piano, violin, viola and cello, this composition now resounds in a version for four hands piano and string orchestra. Brahms’ Piano Quartet No. 1 – consisting of the obligatory four movements – is firmly rooted in the Austro-German romantic music tradition. However, the final movement, a gypsy rondo as exhilarating as Brahms’ Hungarian Dances, is constructed in such an inventive manner that Arnold Schönberg called it one of his favourite pieces.

vr-ve-fr

24.2.2023 | 19:00 Salzburg Grosses Festspielhaus Constantin Trinks, conductor Sivan Silver & Gil Garburg, piano duo Johannes Brahms Piano Quartet No. 1 in G minor, Op. 25 (arranged by Richard Dünser for four hands and string orchestra) (Belgian premiere) Benjamin Britten Matinées musicale, op. 24 (after Rossini) Edward Elgar Variations on an Original Theme, „Enigma Variations“, Op. 36 51

2.3

NL —› Spanjes bekendste componist, Manuel de Falla, keerde na zeven jaar in Parijs te hebben geleefd kort na het begin van de Eerste Wereldoorlog terug naar Madrid.

Daar componeerde hij El amor brujo (de behekste liefde), een ballet over een Andaloesische zigeunervrouw die door de geest van haar overleden man wordt lastiggevallen. Het originele werk, dat ontstond op vraag van de toenmalige sterdanseres Pastora Imperio en ook dialogen bevatte, was echter geen succes.

Manuel de Falla nam de compositie opnieuw onder handen en creëerde een nieuwe versie voor orkest en mezzosopraan, die al snel erg populair werd. Weinig andere werken weten de flamenco-cultuur zo goed op te roepen, al is El amor brujo voor een groot deel ook schatplichtig aan de ontmoetingen die Manuel de Falla in Parijs had, onder andere met Ravel, Debussy, Stravinsky en de Russische impresario Diaghilev. Het ballet werd in de jaren 1980 verfilmd door de bekende Spaanse filmregisseur Carlos Saura.

Enkele jaren later componeerde Manuel de Falla het ballet El sombrero de tres picos (De driepuntige hoed). In 1919 werd dit werk op initiatief van Sergei Diaghilev door de Ballets Russes in Londen opgevoerd in een decor en met kostuums van Pablo Picasso. De hoofdpersonages van het ballet zijn een molenaar, diens mooie vrouw en een hoogwaardigheidsbekleder die de molenaarsvrouw probeert te verleiden. Na de première distilleerde Manuel de Falla uit het ballet twee orkestrale suites die qua muzikale kwaliteit kunnen wedijveren met Stravinsky’s Petrushka.

De Danzón No. 2, in 1994 gecomponeerd door de Mexicaanse componist Arturo Márquez, werd

David Romero © David Romero

wereldberoemd in 2007, doordat het deel uitmaakte van het programma dat het Simón Bolívar Youth Orchestra van Venezuela onder leiding van Gustavo Dudamel speelde tijdens hun Amerikaanse en Europese tournee. Het is een sterk ritmische compositie met solo’s voor onder ander klarinet, hobo, piano, viool, althobo, trompet, fluit en piccolo.

FR —› Manuel de Falla, le plus célèbre compositeur espagnol, est revenu à Madrid peu après le début de la Première Guerre mondiale et après avoir vécu à Paris pendant sept ans. Il y a composé El amor brujo (L’amour ensorcelé), un ballet sur une gitane andalouse harcelée par le fantôme de son défunt mari. L’œuvre originale, 52

qui a été créée à la demande de la danseuse étoile de l’époque, Pastora Imperio, et qui contenait également des dialogues, n’a cependant pas été un succès. Manuel de Falla a revisité la composition et créé une nouvelle version pour orchestre et mezzo-soprano, qui est rapidement devenue très populaire. Peu d’autres œuvres évoquent aussi bien la culture flamenca, même si El amor brujo est aussi largement redevable aux rencontres que Manuel de Falla a faites à Paris, entre autres avec Ravel, Debussy, Stravinsky et l’impresario russe Diaghilev. Le ballet a été filmé dans les années 1980 par le célèbre réalisateur espagnol Carlos Saura.

Quelques années plus tard, Manuel de Falla compose le ballet El

Flamenco Night : de Falla El sombrero de tres picos

sombrero de tres picos (Le chapeau à trois pointes). En 1919, à l’initiative de Sergueï Diaghilev, cette œuvre est jouée par les Ballets Russes à Londres dans un décor et des costumes de Pablo Picasso. Les principaux personnages du ballet sont un meunier, sa belle épouse et un dignitaire qui tente de séduire la femme du meunier. Après la première, Manuel de Falla a distillé à partir du ballet deux suites orchestrales qui peuvent rivaliser en qualité musicale avec le Petrouchka de Stravinsky.

Le Danzón n° 2, composé en 1994 par le compositeur mexicain Arturo Márquez, est devenu mondialement célèbre en 2007, car il faisait partie du programme joué par l’Orchestre des jeunes Simón Bolívar du Venezuela, dirigé par Gustavo Dudamel, lors de sa tournée américaine et européenne. Il s’agit d’une composition très rythmée avec des solos pour, entre autres, clarinette, hautbois, piano, violon, hautbois alto, trompette, flûte et piccolo.

EN —› Spain’s most famous composer, Manuel de Falla, returned to Madrid shortly after the beginning of the First World War, having lived in Paris for seven years. There, he composed El amor brujo (The bewitched love), a ballet about an Andalusian gypsy woman who is harassed by the ghost of her deceased husband. The original work, which was created at the request of the then star dancer Pastora Imperio and also contained dialogues, was not a success, however. Manuel de Falla revisited

the composition and created a new version for orchestra and mezzosoprano, which soon became very popular. Few other works evoke flamenco culture so well, although El amor brujo is also largely indebted to the encounters Manuel de Falla had in Paris, among others with Ravel, Debussy, Stravinsky and the Russian impresario Diaghilev. The ballet was filmed in the 1980s by the well-known Spanish film director Carlos Saura.

A few years later, Manuel de Falla composed the ballet El sombrero de tres picos (The three-pointed hat). In 1919, on the initiative of Sergei Diaghilev, this work was performed by the Ballets Russes in London in a set and costumes by Pablo Picasso.

The main characters of the ballet are a miller, his beautiful wife and a dignitary who tries to seduce the miller’s wife. After the premiere, Manuel de Falla distilled from the ballet two orchestral suites that can compete in musical quality with Stravinsky’s Petrushka.

As part of Bozar Flamenco festival weekend do-je-th

2.3.2023 | 20:00 Bozar

The Danzón No. 2, composed in 1994 by the Mexican composer Arturo Márquez, became world famous in 2007, as it was part of the programme played by the Simón Bolívar Youth Orchestra of Venezuela, conducted

by Gustavo Dudamel, during their American and European tour. It is a highly rhythmic composition with solos for, among others, clarinet, oboe, piano, violin, alto oboe, trumpet, flute and piccolo.

Josep Vicent, conductor Ginesa Ortega, singer David Romero, dancer Sagar Fornies, illustrations Manuel de Falla El amor brujo Manuel de Falla El sombrero de tres picos, Suite No. 1 & 2 Arturo Márquez Danzón No. 2 53

17.3

Josef Špaček & Beethoven /

John Luther Adams Become Ocean

Josef Špaček © Radovan Subin

NL —› Human voices only, geschreven in 2014, is het eerste orkestwerk van de Belgische componist en avant-gardejazzpianist Kris Defoort.

Zijn inspiratie voor dit werk vond hij in Marokko: “Ik zat op een plat dak tijdens de ramadan en overal hoorde ik die gezangen, oneindige melodieën die maar uit een paar noten bestaan maar onmetelijke variaties kennen. Stemmen die nooit stoppen.” Met heel wat referenties naar vroeg-twintigste-eeuwse componisten zoals Debussy, Ravel, Satie en Stravinsky laat Kris Defoort de instrumenten van het orkest de verschillende facetten van de menselijke stem doorspelen, teruggrijpend op een nooit stoppende Arabische melodie.

54

Vier zachte paukenslagen openen Beethovens enige Vioolconcerto.

Volgens sommigen reflecteert het steeds terugkerende paukenmotief in de eerste beweging de euforische stemming die heerste tijdens de Franse Revolutie. Grote omwentelingen stonden voor de deur en alles scheen mogelijk.

De première van Beethovens Vioolconcerto was maar een matig succes omdat de partituur veel te laat werd voltooid en de solist tijdens het concert delen moest zichtlezen. Jaren na Beethovens dood werd het Vioolconcerto echter door Mendelssohn terug opgevist en begon het aan een zegetocht langsheen de Europese concerthuizen.

du premier mouvement reflète l’atmosphère euphorique qui régnait pendant la Révolution française. De grands changements s’annonçaient et tout semblait possible. La première du Concerto pour violon de Beethoven ne rencontra qu’un succès modéré parce que la partition fut terminée trop tard et que le soliste dut la déchiffrer pendant le concert. Des années après la mort de Beethoven, le Concerto pour violon fut repêché par Mendelssohn et entama une marche triomphale dans les salles de concert européennes.

Het Belgian National Orchestra duikt daarna diep onder het wateroppervlak met de compositie Become ocean van John Luther Adams. The New Yorker omschreef dit werk als “de mooiste apocalyps uit de muziekgeschiedenis”. Become ocean maakt deel uit van een cyclus die John Luther Adams rond de vier elementen heeft gecomponeerd.

Volgens hem is de mens in staat het isolement en het cynisme van de moderne samenleving te overstijgen door contact te zoeken met iets dat groter is dan hem- of haarzelf. Dit werk werd in 2014 bekroond met een Pulitzer. De uitvoering gaat gepaard met een wereldpremière, want de muziek wordt vergezeld van een film van videokunstenaar Lillevan.

FR —› Human voices only, écrit en 2014, est la première œuvre orchestrale du compositeur et pianiste de jazz d’avant-garde Kris Defoort. L’inspiration pour cette œuvre lui est venue du Maroc : « J’étais assis sur un toit plat pendant le ramadan et j’entendais partout ces chants, des mélodies sans fin composées de quelques notes seulement mais avec de multiples variations, des voix qui ne s’arrêtaient jamais. » Avec de nombreuses références aux compositeurs du début du XXe siècle, comme Debussy, Ravel, Satie et Stravinsky, Kris Defoort fait imiter aux instruments de l’orchestre les différentes facettes de la voix humaine, s’inspirant de cette mélodie arabe sans fin.

Quatre doux coups de timbales ouvrent l’unique Concerto pour violon de Beethoven. Selon certains, le motif récurrent aux timbales

Le Belgian National Orchestra explorera ensuite les grandes profondeurs avec la composition Become ocean de John Luther Adams. Qualifiée de « plus belle apocalypse de l’histoire de la musique » par The New Yorker, Become ocean fait partie d’un cycle que John Luther Adams a composé autour des quatre éléments naturels.

Pour lui, l’humain a la capacité de passer outre l’isolement et le cynisme de la société moderne en se connectant à quelque chose de plus large que lui. Cet opus a été récompensé d’un prix Pulitzer en 2014 et sera illustré en première mondiale lors de notre concert par un film du vidéaste Lillevan.

EN —› Human voices only, written in 2014, is the first orchestral work

by Belgian composer and avantgarde jazz pianist Kris Defoort. He found his inspiration for this piece in Morocco: “I was on a flat roof during Ramadan and everywhere I heard these chants, infinite melodies that consist of only a few notes but with immeasurable variations. Voices that never stop.” With many references to early-twentieth-century composers such as Debussy, Ravel, Satie and Stravinsky, Kris Defoort lets the instruments of the orchestra play through the various facets of the human voice, returning to a neverending Arabic melody.

the concert. Years after Beethoven’s death, however, the Violin Concerto was resurrected by Mendelssohn and began its triumphant march through European concert halls.

The Belgian National Orchestra goes on to dive deep below the water’s surface with the composition Become ocean by John Luther Adams. The New Yorker described this work as “the most beautiful apocalypse in the history of music”.

Become ocean is part of a cycle that John Luther Adams composed, based on the four elements. He believes that humanity is able to transcend the isolation and cynicism of modern society by seeking contact with something greater than itself. The piece was awarded a Pulitzer Prize in 2014.

The performance represents a world premiere, as the music is accompanied by a film by video artist Lillevan.

Video in Wereldpremière Concert in coproductie met Klarafestival en het Concertgebouw Brugge vr-ve-fr

17.3.2023 | 20:00 Concertgebouw Brugge

Four soft timpani beats open Beethoven’s only Violin Concerto.

According to some, the recurring timpani motif in the first movement reflects the euphoric mood that prevailed during the French Revolution. Major upheavals were in store and anything seemed possible.

[The premiere of Beethoven’s Violin Concerto was only a moderate success because the score was completed much too late and the soloist had to sight-read parts during

Joshua Weilerstein, conductor Josef Špaček, violin Lillevan, video Kris Defoort Human voices only (Belgian premiere) Ludwig van Beethoven Violin Concerto in D major, Op. 61 John Luther Adams Become ocean (Belgian premiere) 55

24.3

Mehldau

by

Mehldau /

Brad Mehldau © Michael Wilson

56

Luc Brewaeys Debussy Préludes

NL —› Debussy’s Préludes behoren tot de canon van de pianoliteratuur.

Elk van deze 24 korte karakterstukken voorzag Debussy van een beschrijvende titel (o.a. Danseuses de Delphes, Minstrels en Brouillards).

Deze noteerde hij telkens niet aan het begin maar aan het einde van de Préludes, zodat de titels meer als een vrijblijvende nabeschouwing dan als een dwingend programma moeten worden beschouwd. De Belgische componist Luc Brewaeys maakte van de Préludes een orkestversie die bijzonder trouw blijft aan Debussy’s origineel. Hij voegde geen noot toe, hield zich aan Debussy’s orkestraal palet en speelde enorm met kleuren.

Het pianoconcerto dat de Amerikaanse jazzlegende Brad Mehldau op vraag van het Barbican schreef, ademt vele invloeden uit.

Qua textuur doet het denken aan de muziek van Debussy, maar daarnaast herinnert het vooral aan het album Maiden Voyage van Herbie Hancock en aan de filmmuziek van zowel Elmer Bernstein als Aaron Copland.

Dat Brad Mehldau een uiterst virtuoze jazzimprovisator is die ervan houdt om zijn grenzen steeds weer te verleggen, blijft echter op elk moment voelbaar.

FR —› Les Préludes de Debussy font partie du canon du répertoire pour piano. Debussy a doté chacune de ces 24 courtes pièces de caractère d’un titre descriptif (comme Danseuses de Delphes, Minstrels et Brouillards). Il a systématiquement noté ces titres non pas au début mais à la fin de chaque prélude, pour qu’ils soient davantage considérés comme une simple réflexion que comme un programme imposé. Le compositeur belge Luc Brewaeys a écrit une version pour orchestre des Préludes particulièrement fidèle à l’original de Debussy. Il n’a ajouté aucune note, a respecté la palette orchestrale de Debussy et a énormément joué avec les couleurs.

De nombreuses influences ont nourri le concerto pour piano écrit par la légende américaine du jazz Brad Mehldau à la demande du Barbican. En matière de texture, il fait d’abord penser à la musique de Debussy, mais il rappelle ensuite surtout l’album Maiden Voyage de Herbie Hancock et la musique de film d’Elmer Bernstein et d’Aaron Copland. Inutile de rappeler que Brad Mehldau est un excellent improvisateur qui n’a de cesse de repousser ses limites : on le ressent à chaque instant.

EN —› Debussy’s Préludes belong to the canon of piano repertoire.

Debussy gave each of these 24 short character pieces a descriptive title (e.g. Danseuses de Delphes, Minstrels and Brouillards). In each case he notated them not at the beginning but at the end of the Préludes, so that the titles should be regarded more as a non-binding afterthought than as a compulsory programme. The Belgian composer Luc Brewaeys has made an orchestral version of the Préludes that is particularly faithful to Debussy’s original. He did not add a single note, stuck to Debussy’s orchestral palette and played a great deal with timbre.

The piano concerto that American jazz legend Brad Mehldau wrote at the request of the Barbican is characterised by many influences.

In terms of texture, it is reminiscent of Debussy’s music, but above all of Herbie Hancock’s Maiden Voyage album and of the film music of both Elmer Bernstein and Aaron Copland.

The fact that Brad Mehldau is an extremely virtuoso jazz improviser who loves to push the boundaries is tangible at all times.

Concert in coproductie met Klarafestival vr-ve-fr

24.3.2023 | 20:00 Bozar Clark Rundell, conductor Brad Mehldau, piano Claude Debussy Préludes (arranged for orchestra

by Luc Brewaeys) Brad Mehldau Concerto for Piano and Orchestra (Belgian premiere) 57

31.3

NL —› De Poolse componist Witold Lutosławski componeerde zijn Eerste symfonie in extreem moeilijke omstandigheden. De eerst beweging ontstond tussen 1941 en 1944 in het door de Nazi’s bezette Warschau.

Enkele dagen voor de opstand van Warschau vluchtte Lutosławski met zijn partituurschetsen naar een nabijgelegen dorpje. In 1945 keerde hij terug naar het volledig van de kaart geveegde Warschau, waar hij de tweede, derde en vierde beweging afwerkte. Na de première in 1948 werd het werk echter in de ban geslagen door Polens nieuwe communistische regering die in navolging van Stalin moderne muziek principieel veroordeelde. Pas een tiental jaar later werd de symfonie gerehabiliteerd. In dit vroege werk toont Lutosławski zijn fascinatie voor componisten als Stravinsky, Debussy, Ravel, Prokofiev en Bartók.

Extreem rationeel geconstrueerd – technisch perfect en vol ingewikkeld contrapunt – slaagt deze symfonie er bovendien paradoxaal genoeg in om extreme emoties los te weken – door de kleurrijke orkestratie en passionele wendingen.

Om het nazisme te ontvluchten, emigreerde de Oostenrijkse componist Erich Korngold naar Amerika. In Hollywood bouwde hij een carrière uit als filmcomponist.

Zijn vader, de beroemde muziekcriticus Julius Korngold,

Arabella Steinbacher © Sammy Hart

beschouwde dit als een verspilling van zijn talent en bleef zijn zoon aanmanen terug ‘ernstige muziek’ te schrijven. Pas in het jaar van zijn vaders dood, hetzelfde jaar waarin het nazisme werd verslagen, gaf Erich hier gehoor aan en finaliseerde een vioolconcerto dat al een tijdlang door zijn hoofd spookte. Korngolds Vioolconcerto ademt de sfeer uit van het fin de siècle Wenen, is zeer groot bezet en kan qua orkestratie wedijveren met de beste werken van Gustav Mahler en Richard Strauss.

Naast Lutosławski en Korngold presenteert dit concert ook nog een Belgische première van de Oostenrijkse componist Thomas 58

Larcher. Diens Tweede symfonie bestaat uit vier delen en kent een klassieke opbouw. De titel “Kenotaph” (cenotaaf: een grafteken voor overledenen wiens stoffelijk overschot onvindbaar is) is een hommage aan de vele vluchtelingen die in 2016 verdronken in de Middellandse Zee. Een monument bestaande uit klanken, een drama zonder woorden.

FR —› Le compositeur polonais Witold Lutosławski composa sa Première Symphonie dans des circonstances très difficiles. Il en écrit le premier mouvement entre 1941 et 1944 à Varsovie, alors occupée par les nazis. Quelques

Arabella Steinbacher

& Korngold / Larcher

jours avant l’insurrection de Varsovie, Lutosławski fuit vers un village voisin avec ses ébauches de partition.

En 1945, il revint dans la ville, complètement rayée de la carte, où il acheva les deuxième, troisième et quatrième mouvements. Après la création en 1948, l’œuvre fut toutefois interdite par le nouveau gouvernement communiste polonais, qui rejetait par principe la musique moderne, à l’instar de Staline. Ce n’est qu’une dizaine d’années plus tard que la symphonie fut réhabilitée.

Dans cette œuvre du début de sa carrière, Lutosławski affiche sa fascination pour des compositeurs tels que Stravinsky, Debussy, Ravel, Prokofiev et Bartók. Construite de manière extrêmement rationnelle – avec une technique parfaite et un contrepoint complexe –, cette symphonie parvient paradoxalement à susciter de vives émotions – grâce à une orchestration colorée et des tournures passionnées.

Fuyant le nazisme, le compositeur autrichien Erich Korngold émigra en Amérique et fit carrière dans la musique de film à Hollywood. Son père, le célèbre critique musical Julius Korngold, n’y vit qu’un gâchis et continua à insister auprès de son fils pour qu’il se remette à écrire de la musique « sérieuse ».

Ce n’est que l’année de la mort de son père, l’année où le nazisme fut vaincu, qu’Erich Korngold finalisa un concerto pour violon qui lui trottait dans la tête depuis quelque temps. Le Concerto pour violon de Korngold respire l’atmosphère de la fin-de-siècle viennoise. Il requiert un orchestre de très grande envergure et son orchestration rivalise avec les meilleures pages de Gustav Mahler et Richard Strauss.

Outre Lutosławski et Korngold, ce concert proposera aussi une première belge du compositeur autrichien Thomas Larcher. Sa Deuxième Symphonie, composée de quatre parties, suit une structure classique. Le titre, « Kenotaph » (cénotaphe : un tombeau qui ne contient aucun corps), est un hommage aux nombreux réfugiés qui se sont noyés dans la Méditerranée en 2016. Un monument sonore, un drame sans mots.

EN —› Polish composer Witold Lutosławski composed his Symphony No. 1 under extremely difficult circumstances. The first movement was composed between 1941 and 1944 in Nazi-occupied Warsaw. A few days before the Warsaw Uprising, Lutosławski fled with his draft scores to a nearby village. In 1945, he returned to Warsaw, which had been obliterated, where he completed the second, third and fourth movements.

However, after its premiere in 1948, the work was banned by Poland’s new communist government, which, following the example of Stalin, condemned modern music on principle. It was not until some ten years later that the symphony re-emerged. In this early piece, Lutosławski reveals his fascination for composers such as Stravinsky, Debussy, Ravel, Prokofiev and Bartók. Constructed in an extremely rational manner – technically perfect and full of intricate counterpoint — paradoxically, this symphony also succeeds in eliciting extreme emotions – through its colourful orchestration and passionate twists and turns.

escape Nazism. He built a career in Hollywood as a film composer. His father, the famous music critic Julius Korngold, considered this a waste of his talent and kept urging his son to write ‘serious music’ again. It was only during the year of his father’s death, the same year in which Nazism was defeated, that Erich complied and completed a violin concerto that had been haunting him for some time.

Korngold’s Violin Concerto breathes the atmosphere of fin de siècle Vienna, has a vast instrumentation and is able, in terms of orchestration, to compete with the best works of Gustav Mahler and Richard Strauss.

Besides Lutosławski and Korngold, this concert also presents a Belgian premiere by the Austrian composer Thomas Larcher. His Symphony No. 2 consists of four movements and has a classical structure.

The title ‘Kenotaph’ (cenotaph: a tomb for the dead whose remains cannot be found) is a tribute to the many refugees who drowned in the Mediterranean Sea in 2016. A monument created from sounds, a drama without words.

vr-ve-fr

31.3.2023 | 20:00 Bozar Eva Ollikainen, conductor Arabella Steinbacher, violin Witold Lutosławski Symphony No. 1 Erich Wolfgang Korngold Violin Concerto in D major, Op. 35 Thomas Larcher Symphony No. 2 “Kenotaph” (Belgian premiere)

The Austrian composer Erich Korngold emigrated to America to 59

22.4

Belgian National Orchestra & La Monnaie Symphony Orchestra – Glière 3

Alain Altinoglu © Marco Borggreve

60

onthoofdt. In de vierde en laatste beweging vecht Ilya Muromets eerst tegen de heidense Tartaren en delft daarna het onderspit tegen twee magische ruiters. Een avontuurlijke, sprookjesachtige reis van Mahleriaanse lengte met impressionistische toonschilderingen die niemand onberoerd laten!

NL —› De Derde symfonie van Reinhold Glière wordt slechts zelden uitgevoerd: de enorme bezetting, de lengte en de technische moeilijkheid maken van elke opvoering een waar huzarenstuk. Om deze fenomenale compositie, een monument van de Slavische cultuur, te laten weerklinken in Bozar, werkt het Belgian National Orchestra samen met het orkest van de Munt onder leiding van Alain Altinoglu.

Reinhold Glière was een Russisch componist die een tijdlang directeur was van het conservatorium van zijn geboortestad Kiev (toen een onderdeel van het Russische Keizerrijk) en vanaf 1920 compositie doceerde aan het conservatorium van Moskou. Onder andere Myaskovsky en Prokofiev behoorden tot zijn leerlingen. Tijdens het Sovjetregime bekleedde hij verschillende openbare functies en ontving hij maar liefst drie keer de Stalinprijs. Zijn monumentale Derde symfonie, opgedragen aan de componist Alexander Glazunov, schreef Reinhold Glière echter nog in Kiev, een paar jaren voor de Eerste Wereldoorlog. Het is een vierdelig programmatisch werk dat het leven beschrijft van de Russische krijgsheld Ilya Muromez.

Het eerste deel, “Rondzwervende pelgrims: Ilya Muromets en Svyatogor” verklankt hoe het hoofdpersonage door toedoen van een stel bedevaartreizigers beslist om in zijn 33ste levensjaar toch nog iets van zijn leven te maken. Door de dood van de reus Svyatogor verwerft hij algauw ongeziene krachten.

In het tweede deel rekent Ilya Muromets af met de rover Solovei die hij in het daaropvolgende deel tot in het paleis van Prins Vladimir sleurt en hem daar tijdens een groot feest op spectaculaire wijze

FR —› La Troisième Symphonie de Reinhold Glière est rarement interprétée : en raison des énormes effectifs nécessaires, de sa longueur et de sa difficulté technique, chaque représentation est un vrai défi. Pour faire résonner à Bozar cette composition phénoménale, monument de la culture slave, le Belgian National Orchestra joindra ses forces à celles de la Monnaie, sous la baguette d’Alain Altinoglu.

Le compositeur russe Reinhold Glière fut pendant un moment à la tête du conservatoire de sa ville natale, Kiev (qui faisait à l’époque partie de l’Empire russe), et enseigna la composition au conservatoire de Moscou à partir de 1920. Myaskovsky et Prokofiev, entre autres, firent partie de ses élèves. Durant le régime soviétique, il occupa différentes fonctions publiques et reçut le prix Staline à trois reprises. Sa monumentale Troisième Symphonie, dédiée au compositeur Alexander Glazunov, il la composa toutefois encore à Kiev, quelques années avant la Première Guerre mondiale.

Il s’agit d’une œuvre programmatique en quatre parties qui décrit la vie du héros russe Ilya Muromez.

La première partie, « Les pèlerins : Ilya Mouromets et Svyatogor », raconte comment, à 33 ans et grâce à l’intervention d’un couple de pèlerins, le personnage principal décide d’enfin faire quelque chose de sa vie. À la suite de la mort du géant Svyatogor, il acquiert vite des pouvoirs impressionnants. Dans la deuxième partie, Ilya Muromets règle son compte au brigand Soloveï, qu’il attire dans le palais du prince Vladimir dans la partie suivante, avant de le décapiter de manière spectaculaire lors d’une grande fête.

Dans la quatrième et dernière partie, Ilya Muromets se bat d’abord contre les Tartares païens, avant d’être vaincu par deux guerriers magiques.

Une histoire pleine d’aventures et féérique, d’une longueur mahlérienne, avec des tableaux sonores impressionnistes qui ne laissent personne indifférent !

EN —› Reinhold Glière’s Symphony No. 3 is seldom performed: the vast instrumentation, the length and the technical difficulty make each performance a real challenge.

To perform this phenomenal composition, a monument of Slavic culture, in Bozar, the Belgian National Orchestra is working with the La Monnaie Orchestra under Alain Altinoglu.

Reinhold Glière was a Russian composer who spent some time as director of the conservatory in his native Kiev (then part of the Russian Empire) and taught composition at the Moscow Conservatory as from 1920. His pupils included Myaskovsky and Prokofiev. During the Soviet regime, he held various public offices and was awarded the Stalin Prize no fewer than three times. However, Reinhold Glière wrote his monumental Symphony No. 3, dedicated to the composer Alexander Glazunov, in Kiev, a few years before the First World War. It is a four-movement programmatic work describing the life of the Russian war hero Ilya Muromez.

The first movement, ‘Wandering Pilgrims: Ilya Muromets and Svyatogor’ depicts how the main character decides, at the age of 33, to make something of his life after an encounter with a couple of pilgrims. As a result of the death of the giant Svyatogor, he soon acquires unprecedented powers. In the second movement, Ilya Muromets disposes of the robber Solovei, whom he drags into Prince Vladimir’s palace, where he decapitates him in spectacular fashion during a great feast. In the fourth and final movement, Ilya Muromets first fights the pagan Tartars and is then defeated by two magical horsemen.

An adventurous, fairy-tale journey of Mahlerian length with impressionistic timbre that leaves no one unmoved!

za-sa-sa

22.4.2023 | 20:00 Bozar Alain Altinoglu, conductor Reinhold Glière Symphony No. 3 in B minor “Ilya Muromets”, Op. 42 61

28 & 29.4

Alexandre Kantorow

&

Alexandre Kantorow © Sasha Gusov

NL —› Het modernisme van de Tataars-Russische componiste Sofia Gubaidulina werd in de Sovjet-Unie niet geapprecieerd.

Zij mocht enkel muziek componeren voor documentaires, animatiefilms en radioprogramma’s. Haar compositie Fairytale Poem begon als begeleidende muziek bij een radio-uitzending van het Tsjechische sprookje Het kleine krijtje. Daarin droomt een krijtje ervan door een kunstenaar te worden gebruikt, maar ziet zichzelf tijdens een saaie wiskundeles wegslinken. Een jongen steelt het krijtje en begint ermee op straat te tekenen. Het krijtje is hierover zo verheugd, dat het niet

merkt dat het langzaam opgeraakt.

Sofia Gubaidulina beschouwde dit sprookje als een metafoor voor het kunstenaarsleven en herwerkte haar muziek tot een zelfstandig toongedicht.

Enkele jaren na het enorme succes van zijn Eerste pianoconcerto, componeerde Tchaikovsky een Tweede pianoconcerto. Enkele atypische elementen maken dat dit werk slechts zelden in de concertzaal te horen is: de lengte van de eerste en de tweede beweging en daarnaast ook het feit er voor het andante twee extra solisten nodig zijn: een viool en een cello. Beiden 62

gaan met elkaar in dialoog, terwijl de piano pas laat inzet en een eerder begeleidende rol heeft. In de eerste en laatste beweging schittert de piano echter met bijzonder virtuoos spel. Een wervelend hoogromantisch concerto dat Tchaikovsky niet op commissie maar vanuit ‘innerlijke noodzaak’ schreef!

Net na de ‘Grote Vaderlandse Oorlog’ schreef Prokofiev zijn Zesde symfonie. In tegenstelling tot zijn voorgaande symfonie, de Vijfde, is dit werk niet heroïsch maar tragisch van aard. “We vieren onze overwinning, maar elkeen van ons heeft grote wonden opgelopen

Tchaikovsky 2 / Prokofiev

die niet zomaar kunnen geheeld worden,” zo liet Prokofiev optekenen.

De Zesde symfonie telt drie delen en herinnert nog het meest aan de symfonieën van Honegger. De eerste opvoeringen waren Prokofievs laatste grote succes: daarna werd de symfonie veroordeeld en verboden door het Sovjetregime in het kader van de Zjdanovdoctrine. De muziek die Prokofiev componeerde, was té filosofisch, niet positief genoeg en té formalistisch.

FR —› Le modernisme de la compositrice tataro-russe Sofia Gubaidulina n’était pas apprécié en Union soviétique. Elle n’était autorisée qu’à composer des bandes-son pour des documentaires, des films d’animation et des programmes radiophoniques.

Fairytale Poem a d’abord été conçue comme musique d’accompagnement radiophonique de la fable tchèque La Petite Craie, qui raconte l’histoire d’une petite craie rêvant d’être utilisée par un artiste, mais voyant sa taille réduire de plus en plus au fil d’une leçon ennuyante de mathématiques. Un petit garçon vole alors la craie et commence à dessiner dans la rue. La craie est si heureuse qu’elle ne se rend pas compte qu’elle va bientôt disparaître.

Sofia Gubaidulina vit dans cette fable une métaphore de la vie d’artiste et retravailla la musique pour en faire un poème symphonique autonome.

Quelques années après l’énorme succès de son Premier Concerto pour piano, Tchaikovsky composa un Deuxième Concerto pour piano – une œuvre rarement exécutée dans les salles de concert en raison de quelques éléments atypiques : la longueur du premier et du deuxième mouvements, mais aussi le fait que deux solistes supplémentaires (un violon et un violoncelle) sont nécessaires pour l’andante. Tous deux entrent en dialogue, le piano n’arrivant que tardivement et se limitant à un rôle d’accompagnement.

Dans le premier et le dernier

mouvements, en revanche, le piano rayonne de virtuosité. Un concerto très romantique que Tchaikovsky ne composa pas sur commande mais par « profonde nécessité » !

Prokofiev composa sa Sixième Symphonie juste après la « Grande Guerre patriotique ». Contrairement à la précédente, la Cinquième, cette œuvre n’est pas de nature héroïque mais tragique. « Nous fêtons aujourd’hui notre grande victoire, mais chacun d’entre nous a subi de grandes blessures qui ne peuvent être guéries », écrivit Prokofiev. La Sixième Symphonie compte trois parties et rappelle les symphonies de Honegger. Ses premières exécutions furent le dernier grand succès de Prokofiev : la symphonie fut ensuite condamnée et interdite par le régime soviétique dans le cadre de la Doctrine Jdanov. La musique composée par Prokofiev était trop philosophique, pas assez positive et trop formaliste.

EN —› The modernism of the Tatar-Russian composer Sofia Gubaidoelina was not appreciated in the Soviet Union. She was only allowed to compose music for documentaries, animation films and radio programmes. Her composition Fairy-Tale Poem began as music to accompany a radio broadcast of the Czech fairy tale The Little Piece of Chalk. In it, a piece of chalk dreams of being used by an artist, but sees itself withering away during a boring maths lesson. A boy steals the piece of chalk and starts drawing on the street with it. The piece of chalk is so happy about this that it does not notice that it is slowly getting smaller and smaller. Sofia Goebaidoelina considered this fairy tale to be a metaphor for the artist’s life and reworked it into an independent symphonic poem.

elements mean that this work is rarely heard in the concert hall: the length of the first and second movements, and also the fact that two additional soloists are needed for the andante: a violin and a cello.

They engage in dialogue, while the piano comes in late and plays a more accompanying role. However, in the first and final movements the piano shines with particularly virtuoso play.

A dazzling, highly romantic concerto that Tchaikovsky wrote not on commission but from his ‘inner need’!

Prokofiev wrote his Symphony No. 6 just after the ‘Great Patriotic War’. In contrast to his previous symphony, No. 5, this work is not heroic but tragic in nature. “We celebrate our victory, but each of us has suffered great wounds that cannot simply be healed,” Prokofiev stated. Symphony No. 6 has three movements and is most reminiscent of Honegger’s symphonies. The first performances were Prokofiev’s last great success: after that, the symphony was condemned and banned by the Soviet regime under the Zhdanov doctrine. The music Prokofiev composed was too philosophical, not positive enough and too formalistic.

Young Golden Star concert vr-ve-fr

28.4.2023 | 20:00 Bozar za-sa-sa

29.4.2023 | 19:00 Grand Manège, Namur Concert Hall Dima Slobodeniouk, conductor Alexandre Kantorow, piano Sofia Gubaidulina Fairytale Poem Pyotr Ilyich Tchaikovsky Piano Concerto No. 2 in G major, Op. 44 Sergei Prokofiev Symphony No. 6 in E-flat minor, Op. 111

A few years after the enormous success of his Piano Concerto No. 1, Tchaikovsky composed his Piano Concerto No. 2. A few atypical 63

6.5

Hartmut Haenchen & Bruckner 9 / Te Deum

NL —› De gerenommeerde Duitse dirigent Hartmut Haenchen, die in de jaren ’90 als muziekdirecteur de Nederlandse Opera en het Nederlands Philharmonisch Orkest tot ongehoorde glansprestaties aanvuurde, heeft de laatste jaren veel onderzoek gedaan naar de symfonieën van Bruckner. Een van de vruchten daarvan is de Brucknercyclus die hij in 2018 in samenwerking met het Belgian National Orchestra aanvatte. Na magistrale uitvoeringen van de Vierde en de Derde symfonie dirigeert Hartmut Haenchen dit seizoen Bruckners laatste symfonie – de grandioze Negende – in combinatie met het zo mogelijk nog indrukwekkendere Te Deum.

“Kathedralen die bestaan uit klanken,” zo worden Bruckners symfonieën vaak omschreven. Ook zijn laatste werk in dit genre, expliciet opgedragen “aan de lieve god”, is een machtig bouwwerk waarvan de torenspitsen hoog in de hemel reiken.

Tegelijkertijd slaat de Negende symfonie een brug tussen de erfenis van Wagner en het modernisme van Schönberg. Dissonantie lost in toenemende mate tonaliteit op, klankkleuren worden ongelofelijk belangrijk en naast het toewerken naar hoogtepunten krijgen ook deconstructie en verval een plaats toegemeten. Voor zijn dood kon Bruckner drie van de vier bewegingen afwerken: een doorwrochte sonatebeweging, een spookachtig scherzo en een zoekend andante.

Toen Bruckner duidelijk werd dat hij voor zijn dood de finale van zijn Negende symfonie niet meer zou kunnen afwerken, opperde hij het idee om als vierde beweging het Te Deum uit te voeren, een werk dat hij vijftien jaar eerder had geschreven en waarop hij bijzonder trots was. Ook Mahler kon het Te Deum smaken: “voor engelentongen, godszoekers, gekwelde harten en door het vuur gelouterde zielen,” zo omschreef hij het de compositie voor groot koor, solisten, orkest en orgel.

FR —› Ces dernières années, le fameux chef d’orchestre allemand Hartmut Haenchen, qui a brillamment dirigé le Nederlandse Opera et le Nederlands Philharmonisch Orkest en tant que directeur musical dans les années 90, a exploré en profondeur les symphonies de Bruckner. L’un des fruits de ce travail est le cycle Bruckner, auquel il s’est attelé en 2018 en collaboration avec le Belgian National Orchestra. Après des exécutions magistrales de la Quatrième et de la Troisième Symphonies, Hartmut Haenchen dirigera cette saison la dernière symphonie de Bruckner – la grandiose Neuvième – en combinaison avec l’encore plus impressionnant (pour autant que ce soit possible) Te Deum.

Les symphonies de Bruckner sont souvent qualifiées de « cathédrales sonores ». Sa dernière œuvre du genre, explicitement dédiée à Dieu, est un édifice colossal dont les tours s’élèvent vers le ciel. Dans le même temps, la Neuvième symphonie jette un pont entre l’héritage de Wagner et le modernisme de Schönberg. Des accords dissonants touchent de plus en plus aux limites de la tonalité, les timbres sont incroyablement importants et, outre le développement de points 64

culminants, la déconstruction et le déclin y ont aussi toute leur place.

Bruckner ne put achever que trois des quatre parties avant sa mort : un mouvement de forme sonate bien structuré, un scherzo fantomatique et un andante introspectif.

Quand Bruckner comprit qu’il ne parviendrait pas à achever le finale de sa Neuvième Symphonie avant sa mort, il émit l’idée d’utiliser en guise de quatrième mouvement le Te Deum, une œuvre qu’il avait écrite quinze ans plus tôt et dont il était particulièrement fier. Mahler aussi appréciait beaucoup cette composition pour chœur, solistes, orchestre et orgue, qu’il jugeait plutôt « pour langues d’anges, mystiques, cœurs tourmentés et âmes purifiées par le feu ».

EN —› In recent years, the renowned German conductor Hartmut Haenchen, who as music director in the 1990s led the Dutch National Opera and the Netherlands Philharmonic Orchestra to unprecedented feats of brilliance, has conducted a lot of research into Bruckner’s symphonies. One of the fruits of this is the Bruckner Cycle that he started in 2018 in association with the Belgian National Orchestra.

After magnificent performances of Symphony No. 4 and Symphony No. 3, this season Hartmut Haenchen will conduct Bruckner’s final symphony – the magnificent No. 9 – in combination with Te Deum, which is possibly even more impressive.

“Cathedrals of sound” is how Bruckner’s symphonies are often described. His last work in this genre, explicitly dedicated “to dear God”, is also a mighty structure whose spires stretch high into the sky. At the same time, Symphony No. 9 builds a bridge between Wagner’s

Hartmut Haenchen © Riccardo Musacchio

legacy and Schoenberg’s modernism.

Dissonance increasingly dissolves tonality, timbres become incredibly important, and in addition to working towards climaxes, deconstruction and decay are afforded a place too. Before his death, Bruckner was able to complete three of the four movements: a profound sonata movement, a haunting scherzo and a searching andante.

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6.5.2023 | 20:00 Bozar

When Bruckner realised that he would not be able to finish the finale of his Symphony No. 9 before his death, he came up with the idea of performing Te Deum as the fourth movement, a work he had written fifteen years earlier and of which he was extremely proud. Mahler also enjoyed Te Deum: “for the tongues of angels, God-seekers, tormented hearts and souls purified in the fire” is how he described the composition for large choir, soloists, orchestra and organ.

Hartmut Haenchen, conductor Sumi Huang, soprano Theresa Kronthaler, mezzo soprano Ben Gulley, tenor Johannes Weisser, bass Octopus choir Anton Bruckner Symphony No. 9 in D minor Anton Bruckner Te Deum in C major 65

21.5

Emmanuel Pahud © Lou Denim, EMI Classics

NL —› Na eerste studies in Seoul trok de Zuid-Koreaanse componiste Unsuk Chin in de jaren 1980 naar Hamburg waar ze drie jaar lang les kreeg van niemand minder dan de Hongaarse componist György Ligeti. Een van haar meest recente stukken is Subito con forza, een concertopener die ze in 2020 schreef ter gelegenheid van het Beethovenjaar. Unsuk Chin verwerkte verschillende motieven uit Beethovens oeuvre tot een agressief, desoriënterend maar ook bijzonder entertainend werk dat een hulde brengt aan Beethovens plotse en krachtige muzikale uithalen.

In schril contrast daarmee staat het harp- en fluitconcerto van Mozart, een zacht en welluidend dubbelconcerto dat hij in 1778 tijdens een oponthoud in Parijs schreef. De combinatie van beide instrumenten, was in Mozarts tijd ongebruikelijk en zowel de harp als de fluit bevonden zich nog in hun ontwikkelingsfase. De aanleiding voor dit driedelige werk waren een Franse hertog en zijn dochter die respectievelijk fluit en harp speelden. Voor het opdrachtwerk kreeg Mozart echter nooit betaald en ook de compositielessen die hij aan de dochter gaf waren uiteindelijk zowel financieel als wat het resultaat betrof – volgens Mozart bezat de 66

dochter geen talent – een koude douche. Mozart zou daarna nooit meer voor harp componeren.

“Een slanke Griekse maagd tussen twee Noorse Goden,” zo beschreef Robert Schumann de Vierde symfonie van Beethoven, een onbezorgd en levenslustig waarover hij laaiend enthousiast was. Ook Berlioz vond Beethovens Vierde symfonie uitermate geslaagd: “geen klaagzang, geen ode aan een held, maar alles wat minder verheven, wat minder somber … deze partituur is bijzonder levendig, alert, vreugdevol en van een hemelse zoetheid!” Zijn de mooie melodieën in het adagio een weergave van Beethovens

Emmanuel Pahud, Anneleen Lennaerts

& Mozart / Beethoven

zielstoestand in 1805, toen hij gelukkig verliefd was op Josephine Brunsvik, een jonge vrouw aan wie hij pianoles gaf en wiens veel oudere man net was overleden?

FR —› Après des études à Séoul, la compositrice sud-coréenne Unsuk Chin a rejoint Hambourg dans les années 80, où elle a suivi pendant trois ans les cours du compositeur hongrois György Ligeti. Subito con forza, l’une de ses dernières œuvres, est une pièce d’ouverture qu’elle a composée en 2020 à l’occasion de l’année Beethoven. Unsuk Chin a arrangé différents motifs du répertoire de Beethoven pour en faire une œuvre agressive, perturbante, mais aussi particulièrement divertissante, qui rend hommage, subitement et avec force, à la musique de Beethoven.

À l’opposé, le concerto pour flûte et harpe de Mozart est un double concerto doux et harmonieux composé en 1778 lors d’un séjour à Paris. La combinaison de ces deux instruments était inhabituelle à l’époque, puisqu’ils étaient tous deux encore en plein développement. À l’origine de cette œuvre en trois parties, on trouve un duc français et sa fille, qui jouaient respectivement de la flûte et de la harpe. Mozart ne fut jamais payé pour cette commande et les leçons données à sa fille se révélèrent tout aussi décevantes, tant sur le plan financier qu’en termes de résultats – celle-ci étant selon Mozart dénuée de talent.

Il ne composera par la suite plus jamais pour harpe. « Une mince fille de la Grèce entre deux géants nordiques », disait Robert Schumann de la Quatrième Symphonie de Beethoven, une œuvre insouciante et pleine de vie à propos de laquelle il ne tarissait

pas d’éloges. Berlioz aussi la trouvait particulièrement réussie et la décrivait comme une œuvre qui « abandonne entièrement l’ode et l’élégie, pour retourner à un style moins élevé et moins sombre…

Le caractère de cette partition est généralement vif, alerte, gai ou d’une douceur céleste ! » Les belles mélodies de l’adagio sont-elles le reflet de l’état d’esprit de Beethoven en 1805, alors qu’il était amoureux de Josephine Brunsvik, une jeune femme à qui il donnait des leçons de piano et dont le mari, beaucoup plus âgé, venait de mourir ?

EN —› After initial studies in Seoul, the South Korean composer Unsuk Chin moved to Hamburg in the 1980s, where she was taught for three years by none other than the Hungarian composer György Ligeti.

One of her most recent pieces is Subito con forza, a concert opener she wrote in 2020 on the occasion of Beethoven Anniversary Year.

Unsuk Chin incorporated various motifs from Beethoven’s oeuvre into an aggressive, disorienting but also highly entertaining piece that pays homage to Beethoven’s sudden and powerful musical outbursts.

of results – according to Mozart, the daughter had no talent at all.

Mozart would never compose for the harp again.

“A slender Greek maiden between two Norse Gods,” is how Robert Schumann described Beethoven’s Symphony No. 4, a carefree and vibrant piece that he was very enthusiastic about. Berlioz, too, thought that Beethoven’s Symphony No. 4 was highly successful: “Not a lamentation, not an ode to a hero, but everything a little less elevated, a little less sombre … this score is particularly lively, alert, joyful and of a heavenly sweetness!” Are the beautiful melodies in the adagio a reflection of Beethoven’s state of mind in 1805, when he was happily in love with Josephine Brunsvik, a young woman to whom he gave piano lessons and whose much older husband had just died?

In stark contrast to this is Mozart’s Harp and Flute Concerto, a soft and melodious double concerto that he wrote in 1778 during a short delay in Paris. The combination of both instruments was unusual in Mozart’s time, and both the harp and the flute were still in their developmental phase. The rationale for this threemovement piece was a French duke and his daughter who played the flute and harp respectively.

However, Mozart was never paid for the commissioned work and the composition lessons he gave to the daughter were ultimately a cold shower, both financially and in terms

zo-di-su

21.5.2023 | 15:00 Bozar Anja Bihlmaier, conductor Emmanuel Pahud, flute Anneleen Lenaerts, harp Unsuk Chin Subito con forza (Belgian premiere) Wolfgang Amadeus Mozart Concerto for Flute, Harp, and Orchestra in C major, K. 299/297c Ludwig van Beethoven Symphony No. 4 in B major, Op. 60 67

26.5

Film Symphonic :

Vertigo

Alfred Hitchcock full symphony – Franck Strobel

Experience the greatest film score of all times

Vertigo © Saul Bass

68

Bernard Herrmann in zijn muziek naar Wagners Liebestod uit het muziekdrama Tristan und Isolde – een perfecte metafoor voor de obsessie van het hoofdpersonage.

NL —› De Duitse dirigent Frank Strobel is een pionier op het vlak van filmconcerten. Hij liet de westerse wereld kennismaken met de filmmuziek van Alfred Schnittke, reconstrueerde de partituur die Prokofiev voor de Sovjetfilm Alexander Nevsky schreef en dirigeerde de Berliner Philharmoniker tijdens de wereldpremière van de gerestaureerde versie van Metropolis. Het Brusselse publiek laat hij kennismaken met de partituur die de Amerikaanse filmcomponist Bernard Herrmann componeerde voor misschien wel de beroemdste film aller tijden: Vertigo van Alfred Hitchcock.

Na een traumatisch accident ziet de detective Scottie zich gedwongen om op vervroegd pensioen te gaan.

Een vriend van hem vraagt hem echter nog een gunst: zijn vrouw Madeleine te volgen die ongezond geobsedeerd is door zaken uit het verleden. Na de vrouw in kwestie van een zelfmoordpoging te hebben gered, start Scottie een relatie met haar. Een tweede zelfmoordpoging van Madeleine kan hij echter door draaiduizeligheid – de reden van zijn arbeidsongeschiktheid – niet verhinderen. Na dit incident begint hij zelf een obsessie te ontwikkelen voor het verleden: Madeleine duikt overal op …

De samenwerking tussen Hitchcock en Bernard Herrmann is legendarisch.

Samen maakten ze maar liefst zeven films, waarbij Hitchcock de lengte van sommige scènes liet afhangen van de muziek van Herrmann, die als componist steeds het laatste woord wou hebben.

Op- en neergaande noten vormen een perfect muzikaal equivalent van de vele spiralensymboliek die Hitchcock in Vertigo hanteert. Een belangrijk motief uit de filmscore is geïnspireerd door de misthoorns van de Golden Gate Bridge in de Baai van San Francisco – waar Madeleine in het water springt – en op het hoogtepunt van de film refereert

FR —› Le chef d’orchestre allemand Frank Strobel est un pionnier dans le domaine des ciné-concerts. Il a fait découvrir au monde occidental la musique de film d’Alfred Schnittke, a reconstruit la partition que Prokofiev avait écrite pour le film soviétique Alexandre Nevski et a dirigé le Berliner Philharmoniker lors de la première mondiale de la version restaurée de Metropolis. Il présentera au public bruxellois la partition écrite par le compositeur américain de musique de film Bernard Herrmann pour ce qui est peut-être l’un des plus célèbres films de tous les temps : Sueurs froides d’Alfred Hitchcock.

Après un accident traumatisant, l’inspecteur Scottie est contraint de prendre sa retraite prématurément.

Un ami lui demande toutefois une dernière faveur : suivre sa femme, Madeleine, qui serait obsédée de manière malsaine par des éléments du passé. Après avoir sauvé la femme en question d’une tentative de suicide, Scottie entame une relation avec elle. Il ne peut néanmoins sauver Madeleine d’une deuxième tentative de suicide à cause de son vertige – la raison de son incapacité de travail. Après cet incident, il devient lui-même obsédé par le passé : Madeleine ressurgit partout…

La collaboration entre Hitchcock et Bernard Herrmann est légendaire.

Ensemble, ils ont travaillé sur pas moins de sept films, dont la longueur des scènes était parfois déterminée par la musique d’Herrmann, qui voulait toujours avoir le dernier mot. Les notes ascendantes et descendantes sont l’équivalent musical parfait de la symbolique de la spirale utilisée par Hitchcock dans Sueurs froides. Un motif important de la bande originale est inspiré par les cornes de brume du pont du Golden Gate dans la baie de San Francisco – où Madeleine se jette dans l’eau – et, au climax du film, Bernard Herrmann fait référence au Liebestod de Wagner, de l’opéra Tristan et Isolde – une métaphore parfaite de l’obsession du personnage principal.

EN —› The German conductor Frank Strobel is a pioneer of film concerts.

He introduced the Western world to the film music of Alfred Schnittke, reconstructed the score Prokofiev wrote for the Soviet film Alexander Nevsky and conducted the Berlin Philharmonic Orchestra at the world premiere of the restored version of Metropolis. He introduces the Brussels audience to the score that American film composer Bernard Herrmann composed for perhaps the most famous film of all time: Vertigo

by Alfred Hitchcock.

After a traumatic accident, Detective Scottie is forced into early retirement. However, a friend of his asks him for a favour: to follow his wife Madeleine, who is unhealthily obsessed with things from the past.

After saving the woman in question from a suicide attempt, Scottie starts a relationship with her. However, he is unable to prevent a second suicide attempt by Madeleine due to vertigo – the reason why he was unfit for work. After this incident, he himself begins to develop an obsession with the past: Madeleine appears everywhere …

The collaboration between Hitchcock and Bernard Herrmann is legendary. They made no fewer than seven films together, with Hitchcock making the length of some scenes dependent on the music of Herrmann, who as a composer always wanted to have the last word. Rising and falling notes are the perfect musical equivalent to the many spiral symbols Hitchcock used in Vertigo.

An important motif in the film score is inspired by the foghorns of the Golden Gate Bridge in San Francisco Bay – where Madeleine jumps into the water – and at the film’s climax, Bernard Herrmann’s music refers to Wagner’s Liebestod from the musical drama Tristan und Isolde – a perfect metaphor for the main character’s obsession.

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26.5.2023 | 20:00 Bozar Frank Strobel, conductor Bernard Herrmann Vertigo (movie by A. Hitchcock) 69

16.6

Baiba Skride

&

NL —› De Amerikaanse jazzpianist en componist Anthony Davis schreef heel wat geëngageerde opera’s, onder andere over de AfroAmerikaanse burgerrechtenactivist Malcolm X en over de ‘Central Park jogger case’ een rechtszaak waarbij zwarte en Latino-jongeren veroordeeld werden voor een verkrachting die ze niet op hun geweten hadden. Chef-dirigent Hugh Wolff voert een compositie uit die Anthony Davis in 2013 schreef en die gebaseerd is op muziek van Duke Ellington: Notes from the Underground.

Mozart schreef in totaal vijf vioolconcerto’s. Niet op verschillende momenten van zijn leven, maar allemaal in één jaar tijd, toen hij 19 jaar oud was en als concertmeester diende aan het hof van de Salzburgse aartsbisschoppen.

De Letse violiste Baiba Skride speelt het Derde vioolconcerto, bestaande uit een licht en vrolijk allegro, een dansant adagio en een door volksmuziek geïnspireerd rondo.

George Walker studeerde aan het Curtis Institute en volgde in de jaren 1950 in Parijs ook lessen bij Nadia Boulanger. Hij was de eerste Afro-Amerikaan die een diploma haalde in piano en compositie, die een recital speelde in New York’s Town Hall en die uiteindelijk ook in 1996 een Pulitzerprijs voor Muziek kreeg. Zijn orkestwerk ‘Icarus in Orbit’ verklankt het verhaal van Icarus wiens vader Daedalus vleugels uit bijenwas maakte om het eiland Kreta te ontvluchten. De val van Icarus – die te dicht bij de zon vloog, waardoor zijn vleugels smolten – geeft George Walker weer met een neerstortende fluit.

Baiba Skride © Marco Borggreve

70

Mozart / Lutosławski

FR —› Le compositeur et pianiste de jazz américain Anthony Davis a écrit des opéras très engagés, notamment sur l’activiste afroaméricain des droits de l’homme Malcolm X et sur l’« affaire de la joggeuse de Central Park », dans le cadre de laquelle des jeunes noirs et latinos ont été condamnés pour un viol qu’ils n’avaient pas commis. Le chef permanent Hugh Wolff dirige une composition écrite par Anthony Davis en 2013 autour de la musique de Duke Ellington : Notes from the Underground.

EN —› The American jazz pianist and composer Anthony Davis has written many engaging operas, including one about the African American civil rights activist Malcolm X and about the Central Park jogger case, a court case in which black and Latino youths were convicted of a rape they did not commit. Principal conductor Hugh Wolff will perform a composition written by Anthony Davis in 2013, which is based on music by Duke Ellington: Notes from the Underground.

Mozart a écrit cinq concertos pour violon, quand il avait 19 ans et était konzertmeister à la cour du prince-archevêque de Salzbourg.

La violoniste lettonne Baiba Skride interprétera le Troisième concerto pour violon, composé d’un allegro léger et joyeux, d’un adagio dansant et d’un rondo inspiré par la musique populaire.

Mozart wrote a total of five violin concertos. Not at different times in his life, but all in one year, when he was 19 years old and served as concertmaster at the court of the Salzburg archbishops. Latvian violinist Baiba Skride plays Violin Concerto No. 3, consisting of a light-hearted and cheery allegro, a dance-like adagio, and a rondo inspired by folk music.

George Walker a étudié au Curtis Institute et a ensuite suivi les cours de Nadia Boulanger à Paris dans les années 50. Il est le premier AfroAméricain à avoir décroché un diplôme en piano et composition, à avoir donné un récital au Town Hall de New York et à avoir obtenu un prix Pulitzer de musique en 1996.

Son œuvre pour orchestre « Icarus in Orbit » est basée sur l’histoire d’Icare, dont le père, Dédale, a créé des ailes en cire pour fuir l’île de Crète. La chute d’Icare – qui volait trop près du soleil, faisant ainsi fondre les ailes – est exprimée par George Walker dans un fracas de flûte.

George Walker studied at the Curtis Institute and also took classes with Nadia Boulanger in Paris in the 1950s.

He was the first African American to obtain a degree in piano and composition, to play a recital in New York’s Town Hall, and to be awarded a Pulitzer Prize for Music in 1996. His orchestral piece ‘Icarus in Orbit’ tells the story of Icarus, whose father Daedalus made wings out of beeswax to escape the island of Crete. George Walker conveys the fall of Icarus – who flew too close to the sun, causing his wings to melt – through the downward-spiralling notes of the flute.

vr-ve-fr

16.6.2023 | 20:00 Bozar Hugh Wolff, conductor Baiba Skride, violin Anthony Davis Notes from the Underground (Belgian premiere) Wolfgang Amadeus Mozart Violin Concerto No. 3 in G major, K. 216 George Walker Icarus in Orbit (Belgian premiere) Witold Lutosławski Concerto for Orchestra 71

21.6

Fête de la Musique

Gordon Fantini © DR

NL —› Zijn hele leven lang werd Mendelssohn gefascineerd door het werk van Shakespeare.

Op 17-jarige leeftijd schreef hij, na het lezen van een Duitse vertaling, een concertouverture tot de romantische komedie A Midsummer Night’s Dream.

Vele jaren later componeerde Mendelssohn op vraag van de koning van Pruisen hiervoor ook nog eens toneelmuziek voor orkest en koor. Daarin verwerkte hij de concertouverture die hij op jonge leeftijd had geschreven. De louter instrumentale delen van deze toneelmuziek vormen, achter elkaar gespeeld, een sprookjesachtige, vierdelige suite waarvan de

Trouwmars eenieder bekend in de oren zal klinken.

Carl Maria von Weber maakte voornamelijk naam als operadirigent en -componist. Zijn magnus opus, de romantische griezelopera Der Freischutz, is de Duitse nationale opera bij uitstek. In 1811 reisde Weber naar München. Na daar eerst meerdere klarinetconcerto’s te hebben gecomponeerd, kreeg hij ook de opdracht voor een fagotconcerto.

Weber leverde een partituur af die algauw een van de sleutelwerken van het fagotrepertoire werd. Zijn gevoel voor drama brengt luisteraars tot op het puntje van hun stoel, zowel tijdens de martiale eerste beweging, 72

het innige tweede deel – dat ook een Italiaanse opera-aria had kunnen zijn – als ook het lichtvoetige rondo dat de fagotsolist alle kansen biedt om zijn virtuositeit te tonen.

Mendelssohns Vijfde symfonie lag lange tijd ergens vergeten in een lade.

Ze werd in 1830 gecomponeerd ter gelegenheid van de driehonderdste verjaardag van een uiterst belangrijk moment voor de reformatorische beweging: de presentatie van de Augsburgse belijdenis aan Keizer Karel V. Mendelssohn slaagde er door ziekte echter niet in om de partituur tijdig te voltooien. Pas twee jaar na de feestelijkheden werd de symfonie één keer in Berlijn

intimiste – qui aurait aussi pu être un aria d’opéra italien – et dans le rondo léger, qui permet au basson soliste d’exprimer toute sa virtuosité.

opgevoerd. Doordat de compositie wemelt van de verwijzingen naar het Lutherse geloof was het niet evident om de zogenaamde ReformationsSinfonie ook in Londen en in Parijs opgevoerd te krijgen. Zo weerklinkt in het eerste deel het ‘Dresdner Amen’ (dat Wagner later als graalsmotief in Parsifal gebruikt) en is de laatste beweging gebaseerd op Luthers koraal Ein fester Burg ist unser Gott.

FR —› Toute sa vie, Mendelssohn fut fasciné par l’œuvre de Shakespeare. À l’âge de 17 ans, après en avoir lu une traduction allemande, il écrivit une ouverture pour la comédie romantique Songe d’une nuit d’été.

De nombreuses années plus tard, il reprit la pièce à la demande du roi de Prusse pour composer de la musique de scène pour orchestre et chœur, dans laquelle il réarrangea l’ouverture écrite dans sa jeunesse.

Jouées l’une après l’autre, les parties purement instrumentales de cette musique de scène forment une suite féérique en quatre parties dont la Marche nuptiale est sans doute la plus connue.

Carl Maria von Weber s’est surtout fait un nom en tant que chef d’orchestre et compositeur d’opéras. Son chef-d’œuvre, l’opéra d’horreur romantique Der Freischütz, est l’opéra national allemand par excellence. En 1811, Weber se rendit à Munich, où il composa d’abord plusieurs concertos pour clarinette, avant de recevoir une commande pour un concerto pour basson. Il rendit une partition qui devint vite l’une des œuvres clés du répertoire pour basson. Son sens du drame captive complètement les auditeurs, tant dans le premier mouvement martial que dans la deuxième partie

La Cinquième Symphonie de Mendelssohn a longtemps été oubliée au fond d’un tiroir. Elle a été composée en 1830 en commémoration du tricentenaire d’un événement clé de la Réforme allemande : la présentation de la confession d’Augsbourg à l’empereur Charles-Quint. Malade, Mendelssohn ne parvint pas à achever à temps la partition et sa symphonie ne fut jouée que deux ans après les festivités, et une seule fois, à Berlin.

Il n’était en effet pas évident de proposer cette symphonie – « La Réforme » – à Londres ou à Paris, tant les références au luthérianisme abondent, comme l’« Amen de Dresde » (thème que Wagner utilisera ensuite comme motif du Graal dans Parsifal) dans la première partie et le cantique Ein fester Burg ist unser Gott de Luther, qui sert de base au dernier mouvement.

EN —› Throughout his life, Mendelssohn was fascinated by the works of Shakespeare. At the age of 17, after reading a German translation, he wrote a concert overture to the romantic comedy A Midsummer Night’s Dream. Many years later, at the request of the King of Prussia, Mendelssohn also composed incidental music for orchestra and choir. He incorporated the concert overture he had written at a young age. The purely instrumental parts of this incidental music, played one after the other, form a fairy-tale-like, four-movement suite of which the Wedding March will sound familiar to everyone.

edge of their seats, both during the martial first movement, the heartfelt second movement – which could have been an Italian opera aria – and the light-hearted rondo, which gives the bassoon soloist every opportunity to show off his virtuosity.

For a long time, Mendelssohn’s Symphony No. 5 lay forgotten in a drawer somewhere. It was composed in 1830, on the occasion of the three hundredth anniversary of an extremely important moment for the Reformation movement: the presentation of the Augsburg Confession to Holy Roman Emperor Charles V. However, due to illness, Mendelssohn was unable to complete the score in time. The symphony was performed once in Berlin two years after the festivities.

Because the composition is teeming with references to the Lutheran faith, it was not easy to get the so-called Reformation Symphony performed in London and Paris. Thus, the first movement resounds with the ‘Dresdner Amen’ (which Wagner later used as a grail motif in Parsifal) and the last movement is based on Luther’s chorale Ein fester Burg ist unser Gott.

En collaboration avec le Conseil de la Musique wo-me-we

21.6.2023 | 20:00 Bozar

Carl Maria von Weber primarily made his name as an opera conductor and composer. His magnus opus, the romantic ‘horror’ opera Der Freischutz, is the German national opera par excellence. In 1811, Weber travelled to Munich.

After having composed several clarinet concertos, he was also commissioned to write a bassoon concerto. Weber delivered a score that soon became one of the key works in the bassoon repertoire. His sense of drama puts listeners on the

Michael Schønwandt, conductor Gordon Fantini, bassoon Felix Mendelssohn A Midsummer Night’s Dream Suite Carl Maria von Weber Bassoon Concerto in F Major, Op. 75 Felix Mendelssohn Symphony No. 5 in D major/ D minor, Op. 107, “Reformation” 73

27 & 29.6

A Night at the Opera with

NL —› De Frans-Mexicaanse operaster Rolando Villazón betovert wereldwijd het publiek met zijn fenomenale vocale beheersing en ongeëvenaarde charisma. Bekend als “de meest charmante van de huidige divo’s” (The Times) met “een heerlijk viriele stem … grandezza, elegantie en kracht” (Süddeutsche Zeitung), is Villazón een van de meest veelzijdige artiesten van vandaag.

Zijn grote doorbraak beleefde Rolando Villazón in 2005 toen hij Alfredo zong aan de zijde van Anna Netrebko (Violetta) en Thomas Hampson (Germont) in de La traviata-enscenering van Willy Decker op de Salzburger Festspiele.

In de jaren die daarop volgden was hij in alle glansrollen voor tenor te horen in operahuizen als de Wiener Staatsoper, de Opéra National de Paris, de Metropolitan Opera te New York en de Milanese La Scala. Overal ontwikkelde hij zich tot een bijzonder publiekslieveling.

Als intendant van de Mozartwoche richt hij zich de laatste tijd steeds meer op Mozart, zowel op als naast het podium. Zijn meest recente rol? De vogelvanger Papageno (Die Zauberflöte) in de Metropolitan Opera van New York!

Rolando Villazón

FR —› La star franco-mexicaine de l’opéra Rolando Villazón enchante le public du monde entier avec sa maîtrise vocale phénoménale et son charisme hors catégorie. Connu comme « le plus charmant des divos de notre époque » (The Times), avec « une voix merveilleusement virile… grandezza, élégance et puissance » (Süddeutsche Zeitung), Villazón est l’un des artistes les plus polyvalents d’aujourd’hui.

Rolando Villazón a percé en 2005 dans le rôle d’Alfredo, aux côtés d’Anna Netrebko (Violetta) et Thomas Hampson (Germont), dans la mise en scène de La traviata de Willy Decker au Salzburger Festspiele. Dans les années qui ont suivi, il a joué tous les plus grands rôles de ténor, notamment au Wiener Staatsoper, à l’Opéra national de Paris, au Metropolitan Opera à New York et à La Scala de Milan. Partout, il est devenu l’un des chouchous du public.

En tant qu’intendant de la Mozartwoche, il se consacre ces derniers temps surtout à Mozart, tant sur scène qu’en coulisses.

Son dernier rôle ? L’oiseleur Papageno (La Flûte enchantée) au Metropolitan Opera de New York !

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EN —› The Franco-Mexican opera star Rolando Villazón enchants audiences worldwide with his phenomenal vocal control and unparalleled charisma. Known as “the most charming of today’s divos” (The Times) with “a wonderfully virile voice … ‘grandezza’, elegance and power” (Süddeutsche Zeitung), Villazón is one of today’s most versatile artists.

Rolando Villazón got his big break in 2005, when he sang Alfredo alongside Anna Netrebko (Violetta) and Thomas Hampson (Germont) in La traviata – staging by Willy Decker at the Salzburg Festival.

In the years that followed, he performed all the leading roles for tenor in opera houses such as the Wiener Staatsoper, the Opéra National de Paris, the Metropolitan Opera in New York and the Milanese La Scala. He became a real darling of audiences everywhere.

As intendant of the Mozartwoche, he has recently been focusing more and more on Mozart, both on and off stage. His most recent role? The bird catcher Papageno (Die Zauberflöte) at New York’s Metropolitan Opera!

Rolando Villazón © Dario Acosta / Deutsche Grammophon

Also on tour at Théâtre des Champs-Elysées, Paris di-ma-tu

27.6.2023 | 20:00 Bozar do-je-th

29.6.2023 | 20:00 Théâtre des Champs-Elysées Guerassim Voronkov, conductor Rolando Villazón, tenor 75

Bridgewater Hall © Mike Gutteridge

The Sage © Mott Macdonald

Friedrich von Thiersch Saal © Pedelecs

Concertgebouw Amsterdam © DR

The Théâtre des Champs-Élysées © Hartl Meyer

Philharmonie de Paris © Jean-Pierre Dalbéra

Auditorio Nacional de Musica © Auditorio Nacional de Musica

Auditori © Auditori de Barcelona

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The Belgian National Orchestra On Tour

UK Tour 3-11.11.2022 Roberto González-Monjas, conductor Paul Lewis, piano 3.11.2022 London (Cadogan Hall)

Philharmonie de Paris 28.1.2023

Théâtre des Champs-Elysées 29.6.2023

Frédéric Chaslin, conductor Angela Gheorghiu, soprano Freddie de Tommaso, tenor

Rolando Villazón, tenor

4.11.2022 Cheltenham (Town Hall) 5.11.2022 Gateshead (The Sage) 6.11.2022 Edinburgh (Usher Hall) 7.11.2022 Manchester (Bridgewater Hall) 8.11.2022 Birmingham (Symphony Hall) 9.11.2022 Cardiff (St David’s Hall)

Salzburg Grosses Festspielhaus 22-24.2.2023 Constantin Trinks, conductor Sivan Silver & Gil Garburg, piano duo

Concertgebouw Amsterdam 25.7.2023 Antony Hermus, conductor Boris Giltburg, piano

10.11.2022 Bradford (St George’s Hall)

Kurhaus Wiesbaden 29.12.2022 James Feddeck, conductor Marie Ange Ngucci, piano

Spanish Tour 10-15.4.2023 Josep Vicent, conductor Pablo Sainz Villegas, guitar 12.4.2023 Madrid (Auditorio Nacional de Musica) 13.4.2023 Barcelona (Auditori) 14.4.2023 Castellón (Auditorio Y Palacio De Congresos)

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© Nafissa Yaoba

Antony Hermus & Hans Waege © Nafissa Yaoba

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Interview — Antony Hermus Benoemd chef dirigent Chef d’orchestre principal désigné Chief conductor designate

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Faites connaissance avec…

Antony Hermus FR ⟶ Notre futur directeur musical Antony Hermus (1973) est un chef de concert et d’opéra à succès ayant débuté sa carrière en Allemagne.

C’est au Theater Hagen qu’il gravit rapidement les échelons, se hissant du poste de répétiteur à celui de directeur musical. De 2009 à 2015, il est directeur musical à Dessau, où il dirige notamment son premier cycle de l’Anneau. Ce mandat lui vaut d’être nominé trois années de suite par le magazine allemand Opernwelt dans la catégorie « Chef de l’année ». Aujourd’hui, Antony Hermus dirige tous les grands orchestres néerlandais tels que l’Orchestre royal du Concertgebouw et l’Orchestre philharmonique de Rotterdam et est invité régulièrement en Allemagne, au Royaume-Uni, en France, en Scandinavie et en Asie. Il est également le premier chef invité du Noord Nederlands Orkest et d’Opera North, une compagnie d’opéra britannique renommée basée à Leeds.

Tout cela, vous pourriez le lire sur son site internet. Allons plus loin : et lui, qu’en pense-t-il ? Il est temps de faire connaissance avec Antony Hermus en chair et en os !

Venez-vous d’une famille musicale ?

On peut le dire, oui. Mon père dirigeait la chorale de l’église et tenait à ce que nous suivions des cours de musique.

Je prenais des cours de piano, j’ai joué de l’orgue à un moment donné et j’ai rapidement rejoint un chœur de jeunes : les Oosterhoutse Nachtegalen (« Les Rossignols d’Oosterhout »). Mais à cette époque, je n’imaginais pas me consacrer 82

entièrement et uniquement à la musique.

Mes parents ne trouvaient pas cela une bonne idée, au départ. Étant donné que je me suis toujours intéressé à un tas de sujets, j’ai d’abord étudié les sciences administratives à Tilbourg. Et j’ai continué jusqu’à obtenir mon diplôme. J’ai même travaillé pendant six mois dans ce domaine… Mais en parallèle, j’ai aussi été étudier le piano au conservatoire dans la classe du célèbre professeur Jacques Detiège. Du piano, j’en jouais de toute façon…

Et comment avez-vous commencé à diriger ?

Il y a eu deux moments cruciaux. À l’âge de quatorze ans, je tournais les pages lors d’une répétition générale au piano de Carmen. Finalement, je n’avais d’yeux que pour la scène, oubliant de tourner les pages. J’ai eu un véritable déclic. J’ai même fini par diriger Carmen pour mon examen de fin d’études au conservatoire… À 17 ans, j’ai vécu ma deuxième « expérience initiatrice ». Je devais interpréter le Concerto pour piano de Grieg en tant que soliste avec un excellent orchestre amateur, mais le chef étant malade, on parlait d’annuler la répétition. J’ai proposé de l’organiser quand même en m’occupant moi-même de l’orchestre.

Et tout s’est vraiment bien passé !

Il y a dû y avoir un moment précis où vous avez décidé de vous consacrer à 100 % à la musique. Évidemment ! À un moment donné, j’ai frappé à la porte de Jac van Steen, le professeur principal en direction d’orchestre du Conservatoire royal de La Haye. Il m’a pris dans sa classe.

La première année, alors que je

combinais toutes ces études, il était résolu et voulait en fait que j’échoue à l’examen de transition, arguant du fait que j’étais trop occupé. J’ai suivi ses conseils, quitté mon travail pour n’étudier qu’avec lui pendant un an.

Par après, il m’a rapidement trouvé un stage au Theater Hagen. Répétiteur, assistant… C’est comme ça qu’on apprend ! Accompagner les répétitions au piano, travailler avec les chanteurs, accompagner des auditions, diriger le chœur derrière la scène, faire signe à la régie lumière… 25 heures par jour !

J’ai à peu près tout fait au théâtre. Et lors de la 20e reprise de l’une ou l’autre opérette, quand le chef attitré tombe malade, on se retrouve soi-même face à l’orchestre. Sans avoir répété, sans être préparé. J’avais 25 ans et j’ai vraiment beaucoup appris de cette manière. J’ai aussi eu la chance de travailler avec un chef qui m’appréciait beaucoup. J’étais son assistant et il était mon professeur supplémentaire.

Pour moi, ces premières années à Hagen, c’était comme si je poursuivais ma formation.

Vous avez ensuite fini par devenir directeur musical à Hagen…

En effet ! Après cinq ans, quand j’avais 28 ans et que j’étais déjà premier Kapellmeister, le directeur musical a quitté son poste. Après que l’orchestre ait essayé plusieurs candidats et n’ait trouvé personne de convenable, celuici, qui a toujours été très attaché à moi, a alors tenu une réunion à mon sujet.

Par après, j’ai appris qu’ils avaient voté pour moi à l’unanimité. J’ai dû négocier à la dure avant d’accepter. Je ne voulais accepter le poste que si j’avais la garantie qu’on n’allait pas couper dans les 68 emplois de l’orchestre. Et j’ai obtenu gain de cause. L’orchestre me considérait

vraiment comme un héros… Finalement, je suis resté directeur musical à Hagen pendant cinq ans. Je n’ai pas voulu prolonger mon contrat : j’avais besoin de continuer à me développer ailleurs.

Je suis donc arrivé à Dessau, où on m’a proposé le poste de directeur musical après une seule répétition. À Dessau, j’ai vraiment tout dirigé : Turandot, Lohengrin, L’Anneau… D’un point de vue artistique, cela a été une période très formatrice.

Là non plus, vous n’avez pas prolongé votre contrat. À cette période, j’ai perdu ma mère et cela m’a fait réfléchir. Pourquoi agitais-je une baguette dans l’air à 800 kilomètres de ma famille, me suis-je demandé à un moment donné.

Je suis rentré chez moi, aux Pays-Bas. Le Noord Nederlands Orkest m’avait proposé le poste de directeur musical que je n’ai délibérément pas accepté. Être directeur, c’est beaucoup de responsabilités. Mais j’en suis devenu le chef invité permanent. Je combine cela avec une activité régulière de chef invité à Opera North, où je prends une production d’opéra en charge par an.

Durant les quelques semaines que je passe avec cette compagnie d’opéra, j’en fais un maximum.

On dit que vous avez de grandes affinités avec les jeunes.

En tant que musicien expérimenté, je suis persuadé qu’il faut nourrir les jeunes talents. Depuis 2015, je suis conseiller artistique du Nationaal Jeugdorkest, l’orchestre national des jeunes des Pays-Bas, et depuis 2018 je suis également affilié au Conservatorium van Amsterdam et au National Master Orchestral Conducting. Quand je serai 83

chef du Belgian National Orchestra, je prévois d’accorder beaucoup d’attention à des projets éducatifs. Un premier exemple est le projet Glass & Stravinsky Firebird, en collaboration avec l’artiste visuelle Eva L’Hoest et l’ONDRAF. Il s’agit d’un spectacle à la fois familial et scolaire.

Ne craignez-vous pas parfois que la musique classique soit un phénomène en voie de disparition ?

Non, je ne crois pas. Une fois, j’ai dirigé un programme avec le Noord Nederlands Orkest baptisé What’s on the iPod of David Bowie ?. Saviez-vous que Bowie était un grand fan de Short Ride in a Fast Machine de John Adams, des Quatre derniers Lieder de Richard Strauss et de la Symphonie « Heroes » de Philip Glass. Nous avons joué ces œuvres devant 1500 personnes attirées par le titre audacieux. Croyez-le ou pas : elles ont applaudi à en faire vibrer les murs ! Cette expérience a été cruciale pour moi. Depuis, je suis convaincu que: « Tout le monde aime la musique classique, mais tout le monde ne le sait pas encore forcément ». C’est presque devenu ma devise. C’est à nous de présenter la musique classique d’une manière compréhensible et attirante.

Que vous inspire le thème de cette saison, The Promised Land ?

C’est un thème avec lequel je me sens vraiment en lien, aussi au niveau personnel. J’ai longtemps vécu en Allemagne – il s’agit donc de ma « terre promise », d’une certaine manière.

Pendant 15 ans, j’y ai reçu et donné beaucoup de choses. Mais finalement, j’ai eu besoin de retrouver mes propres racines. Aujourd’hui, j’ai l’impression d’être un citoyen du monde enraciné 84

aux Pays-Bas. C’est pourquoi, ces dernières années, j’ai trié sur le volet les propositions de contrats fixes. Bruxelles est arrivée au bon moment et me semble très confortable. Elle se trouve à proximité, donc je pourrai être souvent présent à partir de la saison 23/24 (ce qui est important pour l’orchestre) tout en entretenant mes racines néerlandaises. À un niveau sociétal plus large, le thème The Promised Land est toujours inextricablement lié au concept d’exode, et donc à une invitation à se pencher sur la problématique des réfugiés. Nous avons tous besoin d’un « chez nous », un lieu où nous nous sentons bien. Nous portons cette responsabilité vis-à-vis de ceux et celles qui n’en ont pas. C’est bien d’évoquer ces sujets dans une salle de concert.

Antony Hermus s’est déjà produit à trois reprises avec les musiciens du Belgian National Orchestra. En juin 2019, il a rencontré un grand succès avec le violoniste Lorenzo Gatto dans le Deuxième Concerto pour violon de Paganini et en octobre 2020 (l’un des derniers concerts avant le deuxième confinement), il a proposé au public bruxellois des interprétations exquises de la Troisième Symphonie de Schumann et de la Troisième Symphonie de Sibelius. Le dernier concert dirigé par Antony Hermus à Bruxelles était consacré à une compilation symphonique des Maîtres chanteurs de Nuremberg de Wagner, ainsi qu’au Concertino da camera d’Ibert (septembre 2021).

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© Nafissa Yaoba

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© Nafissa Yaoba

Eva Ollikainen © Nikolaj Lund

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Interview — Eva Ollikainen Dirigent Chef d’orchestre Conductor

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Eva Ollikainen: ‘Music is not apolitical’ EN ⟶ Finnish conductor Eva Ollikainen, artistic director and chief conductor of the Iceland Symphony Orchestra, will make her debut with the Belgian National Orchestra on 31 March 2023. As opera and concert conductor, she has been praised for her natural authority and contagious enthusiasm as well as for her conducting technique, which is marked by refined elegance. The programme she will conduct – Lutosławski, Korngold and Larcher – reflects her love of the German romantic repertoire as well as her ambition to introduce the public to less familiar works.

Is there a thread in the concert you will conduct?

Yes, indeed! It is about refugees.

However, we chose the theme long before Russia invaded Ukraine. Today [12 March 2022], the war that Russia started is 16 days old and the theme is unfortunately more relevant than ever. Already there is talk of two million refugees … As Europeans we must ask ourselves how we got into this situation.

Where did we fail? And how can we help today? Who knows how many refugees there will be when our concert takes place …

Dark times indeed …

True, but at the same time, nothing new under the sun. In such a situation, it is both very brave and very fine of the Belgian National Orchestra to introduce this difficult theme into the concert hall. Some people claim that music is apolitical, but that is not true. Beethoven 90

was clearly a political composer. Just think of his Symphony No. 3, his No. 5 and his No. 9. Shostakovich and Sibelius also felt the need to communicate their political ideas through music.

What is the connection between the music you will conduct and the theme of the concert?

We begin with Lutosławski’s Symphony No. 1. The circumstances in which he wrote this work – just before, during and just after World War II – make the link with our theme. And there is also the fact that at one point, he himself had to flee Warsaw with his unfinished score – Warsaw was completely destroyed shortly afterwards. Lutosławski always said that the idea for his symphony, in essence something cheerful, dates from before the war. Yet the war influenced the work profoundly. Both the orchestration and the harmonies are particularly present, quite aggressive even. The music is unfiltered. It grabs you by the scruff of the neck.

A striking contrast with Korngold’s Violin Concerto, which is pure beauty in D major.

On the surface, both works, Lutosławski’s Symphony No. 1 and Korngold’s Violin Concerto, could not be more different, but thematically they are very much related. Korngold himself was a refugee. After arriving in Hollywood, he swore that he would write nothing but film scores until Hitler’s regime had fallen. The Violin Concerto, completed in 1947 like Lutosławski’s Symphony No. 1, marked his return to classical concert music. A remarkable piece with, between the lines, the almost touchingly naive message that, in the end, good will always triumph.

And then there is the Symphony No. 2

by Thomas Larcher, a contemporary composer from Austria.

He began that work in 2015, at the height of the refugee crisis, when a lot of people were drowning in the Mediterranean. The subtitle of Larcher’s Symphony No. 2 is ‘Kenotaph’: a monument to the dead, an empty tomb for those who will not be found again.

In fact, as the next flow of refugees gets moving, that refugee crisis of 2015 has still not been resolved … Regardless of the entire political context, I regard Larcher’s Symphony No. 2 as a future classic, something we will still be playing in a hundred years’ time. It is an extraordinary work. The choir provides several intense moments and here and there, despite the theme, there is pure beauty.

Ultimately, migration stories, journeys to a ‘promised land’, can also end very positively.

That’s right, if together we all make the effort … I am very grateful that the Belgian National Orchestra has dared to programme music like this. That is not a matter of course in these times. For the audience it will be greatly exciting to discover three composers who reacted in very different ways to the issue of having to flee. We will be playing masterpieces that encourage reflection but that will also be incredibly moving.

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© Nafissa Yaoba

Eva L’Hoest © Caroline Lessire

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Interview — Eva L’Hoest Beeldend kunstenaar Plasticienne Visual artist

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NL ⟶ In samenwerking met het NIRAS engageerde het Belgian National Orchestra beeldend kunstenaar Eva L’Hoest om aan de hand van vier 20ste-eeuwse muziekwerken een voorstelling te maken die op poëtische wijze nadenkt over de langetermijngevolgen van ons nucleaire handelen. Deze voorstelling richt zich naast volwassen ook expliciet tot de nieuwe generatie: hoe kijken jongeren naar de erfenis van meer dan een halve eeuw nucleair handelen? Een gesprek met Eva L’Hoest.

Waaruit bestaat jouw werkproces als beeldend kunstenaar?

Ik heb videografie gestudeerd. Dat is een samenstelling van twee gebaren: één van het kijken en één van het schrijven.

Die combinatie laat zijn sporen na in de beelden die ik vandaag construeer …

Veel van wat ik doe, kan je bestempelen als CGI: ‘computer-generated imagery’ of digitale animatie. CGI wordt vooral in cinema gebruikt. Het is een nieuw soort ambacht dat bijna alles toelaat. Voor mij is het een goede tool om zaken uit te drukken die anders onzichtbaar zouden blijven. Je vertrekt vanuit een lege ruimte. Daarin bouw je een volledige wereld. Om dat te doen, kan je gebruik maken van foto’s of van 3D-scans. Die leveren lege schillen op, zonder een onderscheid te maken tussen objecten en levende wezens. Ergens is dat mooi …

Voor een scanner is alles hetzelfde. Een scanner koestert geen vooroordelen …

Die scans kan je dan verder gaan modelleren. Via verschillende plug-ins laat je vervolgens zaken bewegen en voeg je special effects toe. Een plugin die ik heel inspirerend vind, is een zogenaamde ‘crowd simulator’. Die is gebaseerd op hoe vogels in groep vliegen. Met een aantal heel eenvoudige 96

regels creëer je in je wereld ontzettend complexe bewegingen, ontzettend complexe patronen. Op semiotisch vlak zie ik dan parallellen tussen vogelwichelaars uit het oude Rome en beursmechanismen vandaag …

Inhoudelijk doe je altijd erg veel onderzoek … Waar ben je zoal mee bezig ter voorbereiding van de voorstelling Glass & Stravinsky Firebird?

Voor dit project werk ik samen met een aantal archeologen van de Université Catholique de Louvain. De beschavingen die zij onderzoeken, voeden de beelden die ik maak. Sommige van die beschavingen bezitten een schrift dat tot op de dag van vandaag nog altijd niet ontcijferd is. De link met de berging van nucleair afval en de vraag hoe kennis over die berging gedurende duizenden jaren doorgegeven moet worden is dan niet ver weg. Archeologen hebben voeling met de grote tijdsframes die nodig zijn om te praten over de berging van nucleair afval. Het landschap is voor hen een manier om zeer oude beschavingen te begrijpen.

Het uitgangspunt van de voorstelling Glass & Stravinsky Firebird wordt gevormd door vier 20ste-eeuwse muziekwerken. Heb jij veel voeling met (klassieke) muziek?

In mijn videoprojecten krijgt klank altijd een centrale rol toebedeeld.

Op die manier heb ik er al heel wat samenwerkingen met componisten opzitten. Muziek is essentieel, zeker als je werkt met CGI. Je zou kunnen zeggen dat CGI-beelden muziek nodig hebben om tot leven te komen, om warm te worden, om diepte te verkrijgen … En wat het klassieke dan betreft: kortgeleden ben ik een tijdlang bezig geweest met

het ideeëngoed en de werken van Adolphe Appia, een baanbrekend scenograaf en lichtontwerper die heel wat muziekdrama’s van Wagner in fenomenale tekeningen heeft geënsceneerd. Hij is een van de eersten die het theater driedimensionaal is gaan bespelen en die de enorme mogelijkheden van licht begreep.

Appia is een enorme inspiratiebron voor mij.

Op het programma staat een fragment uit Glass’ opera Akhnatan, De vuurvogel van Stravinsky, Liquid Marble van Anders Hillborg en Sibelius’ Swan of Tuonela.

Klopt! Die muziek is allesbepalend voor de beelden die ik maak. Vooral op inhoudelijk vlak. Ik borduur verder op de semiotiek van de werken die worden gespeeld. De opera Akhnaten verplaatst ons naar het oude Egypte, een van de beschavingen die archeologen bestuderen. Vandaag kan men volledige 3D-scans maken van de piramides. Dat is boeiend materiaal om op verder te werken. De farao Akhnaten markeert ook het begin van het monotheïsme, het geloof in één enkele godheid, één enkele energiebron. Wat Stravinsky’s Vuurvogel betreft, daar voel ik vooral een soort van dubbelheid in. Een vuurvogel kan goed of slecht zijn. Save and destroy. Vergif en remedie. Nergens is die tegenstelling zo markant als bij kernfysica. Reddende energiecentrale of destructieve bom? Dezelfde tegenstelling zit ook in die zwaan van Sibelius. En Liquid Marble van Anders Hilborg, het meest recente werk van de vier, is een bijna rechtstreekse verklanking van wat er in een reactorvat gebeurt.

Voor deze voorstelling werk je nauw samen met het NIRAS. Had je ooit al van deze organisatie en hun bezigheden – het zoeken naar langetermijnoplossingen voor het bergen van nucleair afval – gehoord?

Nee, dat was voor mij een nieuwe wereld. In de coronacrisis is de bal voor mij, maar tevens ook voor vele andere mensen, echt aan het rollen gegaan. Het debat rond nucleaire energie kwam op gang. En deel van dat debat is natuurlijk de problematiek van het bergen van nucleair afval. Een bepaalde massa voor onbepaalde duur afzonderen van de buitenwereld, helemaal gaan isoleren …

In de coronacrisis resoneerde dat ook op persoonlijk vlak. Ook wij moesten namelijk geïsoleerd, afgezonderd worden. Het thema is niet gemakkelijk, als kunstenaar is het voor mij even gevaarlijk als inspirerend. Ik was in elk geval wel ferm onder de indruk van een bezoek aan de faciliteiten van het NIRAS. In een tunnel, 225 meter onder de grond, doen zij al decennialang onderzoek naar verschillende manieren van bergen.

Dat gaat volledig voorbij aan onze tijdshorizon. Ergens was ik ook wel heel hard onder de indruk van het menselijke kunnen … De tunnel zal ik trouwens inscannen en als een soort van basis gebruiken voor mijn videobeelden.

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De voorstelling richt zich niet alleen tot volwassenen, maar ook tot jongeren.

Wat kunnen zij verwachten?

‘Een grote emotionele impact. Dat is datgene waar ik altijd na streef, los van enige theoretische context (ook al is die extreem belangrijk bij de totstandkoming van mijn werk). Beelden die aanzetten tot contemplatie, tot dialoog, tot debat. Er zal een soort van narratief zijn, maar niet zoals in een Hollywoodfilm natuurlijk. Ik hang mijn beelden ook op aan enkele zeer concrete anekdotes. En alles is natuurlijk intens geconnecteerd met de overweldigende muziek die het Belgian National Orchestra zal spelen.’

Eva L’Hoest studeerde in haar geboortestad Luik aan de Académie Royale des Beaux-Arts. Momenteel leeft en werkt ze in Brussel. Haar sculpturen, performances en audiovisuele installaties worden wereldwijd tentoongesteld. Ze was reeds te gast op de Biënnale van Riga, in het Malmö Kunstmuseum in Zweden, op de vijftiende Biënnale van Lyon, op de Triënnale Okayama Art Summit in Japan en in het Casino Luxembourg.

Onlangs had ze solotentoonstellingen in de Brusselse Botanique (The Inmost Cell) en bij Liebaerts Projects te Kortrijk (Don’t Feed The Birds).

Haar meest recente werk is nu te bewonderen op de Biënnale van Sydney.

Het werk van Eva L’Hoest – sculpturen, performances en audiovisuele installaties – zet digitale taal in als een archeologisch middel om vragen te beantwoorden over onze oorsprong en onze herinneringen. Ze exploreert in haar oeuvre de wijze waarop zowel collectieve als individuele mentale beelden gereactiveerd en gereanimeerd kunnen worden in een technologische vorm.

Technologieën zoals 3D-vormgeving en computergraphics zijn voor haar enerzijds prothesen voor het begrijpen van de wereld, anderzijds verkent ze het potentieel van deze technologieën als artistiek medium.

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© Nafissa Yaoba

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© Nafissa Yaoba

Future Generation NL —› Kinderen en jongeren in aanraking brengen met klassieke muziek, dat is één van de missies van het Belgian National Orchestra. Dit doen we door in samenwerking met scholen, van Oostende tot Virton, voorstellingen voor verschillende leeftijdscategorieën te organiseren.

Daarbij doen we er alles aan om dit (vaak) eerste contact met klassieke muziek om te toveren tot een beklijvende totaalervaring, iets wat jongeren zich misschien wel voor de rest van hun leven zullen herinneren.

Schoolvoorstellingen vinden net als onze reguliere concerten met een volle orkestbezetting plaats in de prachtige Henry Le Bœufzaal.

Zowel voorbereidingen op maat van de verschillende leeftijdsgroepen als nagesprekken zorgen ervoor dat kinderen en jongeren onze concerten niet enkel passief beleven, maar er ook actief aan deelnemen. Dit seizoen hebben we ook aandacht voor gezinnen: met een winterconcert, met matinees en met ateliers voor kinderen. Ook studenten komen aan hun trekken.

We werken voor audience engagement samen met Bozar tenzij we het anders vermelden.

Op de volgende pagina’s hebben we ons aanbod telkens in één taal geplaatst: Nederlands, Frans of Engels. Wil je de teksten lezen in een andere taal en/of meer info en details bekijken?

Scan dan de QR-code.

© Nafissa Yaouba

FR —› Faire découvrir la musique classique aux enfants et aux jeunes, à savoir le public de demain, est une mission essentielle du Belgian National Orchestra. Et cela, nous le faisons en organisant, en collaboration avec des écoles belges, d’Ostende à Virton, des spectacles pour différentes catégories d’âge. Nous mettons ici tout en œuvre pour faire de ce qui est souvent le premier contact avec la musique classique une expérience totale captivante, dont de nombreux jeunes se souviendront peut-être toute leur vie.

Les spectacles scolaires (proposés en collaboration avec Bozar) se déroulent tout comme nos concerts habituels dans la superbe salle Henry Le Bœuf, avec l’orchestre au complet. Grâce à des préparations adaptées aux différentes catégories d’âge ainsi qu’à des discussions après le spectacle, nous faisons en sorte que les enfants et les jeunes ne soient pas de simples spectateurs, mais qu’ils participent activement à nos concerts. Cette saison, nous avons également voulu accorder une attention particulière aux familles avec notre concert d’hiver, les matinées concerts et des ateliers pour les enfants. Les étudiants, quant à eux, pourront découvrir une offre spécialement adaptée.

Nous collaborons avec Bozar pour la médiation culturelle, sauf indication contraire.

Sur les pages suivantes, vous découvrirez les offres chaque fois en une seule langue. Retrouvez plus d’informations grâce au QR code.

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EN —› Bringing children and young people into contact with classical music is one of the Belgian National Orchestra’s core missions. We fulfil this by working with schools from Ostend to Virton to organise performances for different age categories. We do everything we can to turn this contact with classical music – often the first – into a captivating, all-consuming experience, maybe even something the children will remember for the rest of their lives. School performances, (in partnership with Bozar) like our regular concerts with a full orchestra, take place in the beautiful Henry Le Bœuf Hall. Preparations to suit the different age groups and discussions afterwards ensure that children and young people do not just passively enjoy our concerts but take an active part in them. This season, we are also focusing on families with a winter concert, matinees, and workshops for children. Students will also discover an offer that suits them.

We work together with Bozar for audience engagement unless we state otherwise.

On the following pages we have placed the offer in one language each. More information and details can be found on QR code.

Basisonderwijs / Écoles primaires SING!

Na voorgaande succesedities is het op 14 februari 2023 de tijd voor SING 5.0! Tijdens dit interactief concert kunnen kinderen van de tweede en de derde graad van het lager onderwijs hun stem laten horen en meertalig (NL/FR/EN) meezingen met grote werken uit de symfonische muziek. Ook danstalent is gevraagd! De melodieën en bijhorende bewegingen worden samen met Jeugd en Muziek Brussel en Jeunesses Musicales de Bruxelles vooraf geoefend in de klas. Tijdens het concert zelf, in de schitterende concertzaal van het Paleis voor Schone Kunsten, kunnen de kinderen dan hun talent laten horen en zien.

8-12

JAAR ANS

14.2.2023 | 11:00 & 13:30 Workshops in de klas NL

FR

In samenwerking met / En collaboration avec

© Belgian National Orchestra

CANTANIA

Cantania est un projet vocal participatif destiné aux enfants du deuxième et troisième degré de l’enseignement primaire bruxellois.

L’objectif est d’ancrer durablement le chant dans la classe et de continuer à chanter, même après la fin du projet.

Le chant stimule l’estime de soi, le respect des autres et améliore le sentiment de cohésion entre les enfants.

Chaque année, est proposée une cantate écrite spécialement pour les enfants, au niveau des thèmes abordés, mais aussi de la musique.

Les chants de cette cantate sont en français et en néerlandais, ce qui confère au projet une richesse supplémentaire.

En 2023, une nouvelle cantate sera jouée, avec un texte de Carl Norac sur une musique de Liesa van der Aa. 8-12

JAAR ANS

10.6.2023 NL

© Caroline Lessire

103

FR

© Belgian National Orchestra

© Viva La Libertà

’T ORKEST IN ’T ECHT

VIVA LA LIBERTÀ

Kleuters en leerlingen van het eerste en tweede leerjaar dompelen we graag onder in de wondere wereld van het orkest. In een orkest draait alles rond de dirigent, de muzikanten en uiteraard de instrumenten.

Voor de interactieve activiteit ’t Orkest in ’t Echt ging het Belgian National Orchestra in zee met het Muziekinstrumentenmuseum (MIM). In het MIM worden eerst de orkestinstrumenten een voor een belicht, om de kinderen dan op een speelse manier te laten ervaren hoe het voelt om samen te spelen, onder leiding van een dirigent. Een harmonische combinatie van een bezoek aan MIM en het bijwonen van een echte repetitie!

Chaque année, Bozar et le Belgian National Orchestra proposent un spectacle d’hiver qui réchauffe le cœur. Cette année, le collectif d’artistes français Les Clés de l’Ecoute, spécialisé dans les spectacles jeunesse, présentera une toute nouvelle production autour de la musique de Mozart.

Le fil conducteur de ce spectacle ?

Un oiseau qui regagne peu à peu sa liberté ! Au cours du concert, un mime guide petits et grands tandis que des images vidéo offrent un véritable spectacle visuel.

Les jeunes chanteurs interprètent des airs de Papageno, l’oiseleur, de sa douce Papagena et de la terrifiante Reine de la Nuit, les personnages de l’opéra le plus célèbre de Mozart, La Flûte enchantée. Le programme comprend également des extraits de deux autres chefs-d’œuvre du compositeur : Così fan tutti et Don Giovanni. Une toute nouvelle histoire qui bouleversera toutes vos connaissances sur ces opéras !

5-8

JAAR ANS

3de kleuterklas t.e.m. 2de leerjaar NL

FR

In samenwerking met / En collaboration avec

6-8

JAAR ANS

22.12.2022 | 11:00 & 13:30 NL

104

FR

Secundair Onderwijs – Hoger Onderwijs / Écoles secondaires – Enseignement supérieur MUZIEK MET KLASSE

“Muziek komt nog meer tot leven wanneer je de persoon achter de muziek kent.” Daarom nodigen Bozar en het Belgian National Orchestra een dirigent, solist of componist uit voor een exclusieve ontmoeting met de klas vóór een concert. Met deze formule biedt het Belgian National Orchestra een tiental concerten aan tegen een verlaagde prijs, vergezeld van een korte introductie aangepast aan de behoeften van de klas. We focussen op het concertrepertoire, de uitvoerders en de componisten van het avondconcert en geven enkele tips en tricks. Zo kunnen studenten klassieke muziek beter begrijpen, voelen en waarderen.

Naast solisten nodigen we ook dit jaar, twee keer onze gloednieuwe dirigent uit: Antony Hermus.

12-18 NL

JAAR ANS

FR UK

© Nafissa Yaouba

© Antoine Buisson

105

GLASS & STRAVINSKY FIREBIRD

De wereld waarin we vandaag leven, functioneert niet zonder elektriciteit.

In het verleden is een groot deel van de elektriciteit die we dagdagelijks gebruiken, opgewekt geweest door kernenergie. In België is er als een gevolg daarvan heel wat nucleair afval aanwezig dat voor duizenden jaren veilig opgeborgen moet worden.

Een uitdaging voor zowel de huidige als de toekomstige generaties. Hoe markeren we de plaatsen waar het kernafval opgeborgen ligt? En hoe onderhouden we ze?

Videokunstenares Eva L’Hoest ontwierp op vraag van het Belgian National Orchestra en het NIRAS – de Nationale Instelling voor Radioactief Afval en verrijkte Splijtstoffen – een voorstelling die stilstaat bij de langetermijngevolgen van ons kernafval. Ze doet dit aan de hand van vier twintigste-eeuwse muziekwerken. Een beklijvende voorstelling die op poëtische wijze vragen stelt over verleden en toekomst.

Tijdens workshops gaan we op zoek naar langetermijnoplossingen voor radioactief afval. We combineren dit ook met een bezoek aan Tabloo, het recent geopende bezoekerscentrum van het NIRAS. Een artistieke en eigentijdse blik op een belangrijk maatschappelijk thema.

© Caroline Lessire

MÉTAMORPHOSES – MUSICA MAESTRO AVEC LE CHEF D’ORCHESTRE DAVID RAMAEL

Le thème de Musica Maestro sera celui des Métamorphoses. Si l’on y réfléchit, il est presque impossible de comprendre comment une chenille se transforme en papillon…

Un animal rampant et endormi, doté de nombreuses pattes, devient un papillon qui volette joyeusement.

La façon dont celui-ci se développe peut nous faire réfléchir : il s’ensuit de l’émerveillement, de l’étonnement et de la curiosité.

L’art et la musique peuvent aussi changer la réalité ! Au cours de ce spectacle, vous découvrirez comment les instruments de l’orchestre, avec leur grande variété de couleurs, peuvent également transformer vos émotions et vos pensées. Sur un grand écran de projection, des images et vidéos viendront nourrir l’imagination.

12-18

16 +

13 & 14.1.2023 NL

JAAR ANS

23.5.2023 | 11:00 & 13:30 NL

JAAR ANS

FR

Eva L’Hoest © Caroline Lessire

106

FR

Voor jong en oud / Pour petits et grands ATELIERS DU DIMANCHE

Pendant que les parents profitent d’un concert, les enfants peuvent explorer le Musée des Instruments de Musique à côté. Ils apprennent ainsi à connaître les instruments de plus près et se préparent à assister au concert après l’entracte. À la fin, ils rencontrent, avec leurs parents, un musicien de l’orchestre. Un moment inoubliable pour les parents comme pour les enfants.

6-10

JAAR ANS

13.11.2022 | 15:00 21.5.2023 | 15:00 NL

FR © Nafissa Yaouba

© MIM Brussels

MATINEES – BOZAR NEXT GENERATION

Wie ervan houdt om op zondagochtend een vleugje cultuur mee te pikken met gezin, kan zeker eens komen genieten van een matinee.

Voor de eerste matinee op 4/12 steken koperblazers en slagwerkers van ons orkest de hoofden bij elkaar om jullie, samen met jonge muzikanten van de Orchestra Academy, een boeiende muzikale trip aan te bieden.

De tweede matinee op 19/3 nodigen we de Young Belgian Strings uit.

Ze vieren samen met jullie de lente en voeren het werk uit van Max Richter Four Seasons.

6-99

JAAR ANS

4.12.2022 | 11:00 19.3.2023 | 11:00 NL

107

FR

VIVA LA LIBERTÀ

GLASS & STRAVINSKY FIREBIRD

Chaque année, Bozar et le Belgian National Orchestra proposent un spectacle familial pour l’hiver qui réchauffe le cœur. Cette année, le collectif d’artistes français Les Clés de l’Ecoute, spécialisé dans les spectacles jeunesse, présentera une toute nouvelle production autour de la musique de Mozart.

Pour se réunir en famille juste avant Noël !

De wereld waarin we vandaag leven, functioneert niet zonder elektriciteit.

In het verleden is een groot deel van de elektriciteit die we dagdagelijks gebruiken, opgewekt geweest door kernenergie. In België is er als een gevolg daarvan heel wat nucleair afval aanwezig dat voor duizenden jaren veilig opgeborgen moet worden.

Een uitdaging voor zowel de huidige als de toekomstige generaties.

Hoe markeren we de plaatsen waar het kernafval opgeborgen ligt?

En hoe onderhouden we ze?

Videokunstenares Eva L’Hoest ontwierp op vraag van het Belgian National Orchestra en het NIRAS – de Nationale Instelling voor Radioactief Afval en verrijkte Splijtstoffen – een voorstelling die stilstaat bij de langetermijngevolgen van ons kernafval. Ze doet dit aan de hand van vier twintigste-eeuwse muziekwerken, gedirigeerd door chef-dirigent Antony Hermus. Een beklijvende voorstelling die op poëtische wijze vragen stelt over verleden en toekomst.

Een artistieke en eigentijdse blik op een belangrijk maatschappelijk thema.

6-99

JAAR ANS

21 & 23.12.2022 | 18:00 NL

FR

16 + © Viva La Libertà

© Nafissa Yaouba

JAAR ANS

2.12.2022 | 20:00 NL

FR

© Nafissa Yaouba

© Nafissa Yaouba

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Involving Young Talents

© Caroline Lessire

YOUNG AMBASSADORS

YOUNG BELGIAN STRINGS

The Young Ambassadors project was created during the challenging corona year. The group consists of young musicians of various nationalities between 17 and 26 years old from the Belgian conservatories.

They communicate via social media about our concerts and also think along about new concepts and formats. Thanks to them we reach a new audience of young adults and keep our finger on the pulse.

For interested students: contact your Conservatory for next year’s applications.

Young Belgian Strings is a string orchestra composed of 21 young talents, graduates or students of all the conservatories and music high schools in Belgium.

Next season, we will be working with these up-and-coming talents: discover them in several concerts!

ORCHESTRA ACADEMY

This initiative of the Belgian National Orchestra is organized in collaboration with la Monnaie. It involves accompanying students from Belgian conservatories during a production. They are personally coached by a musician from the orchestra and play along during rehearsals and concerts.

This gives them a real first professional experience.

In addition, master classes are also organized with great soloists, such as Hilary Hahn last season.

For interested students: we organize each year an audition for the selection of students. The different conservatories are responsible for the preliminary selection.

In samenwerking met / En collaboration avec

109

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© Nafissa Yaoba

Nieuw — Ambassadeurs Als je deelt, wordt alles zoveel waardevoller.

“Muziek is bij uitstek een emotie om te delen. Dat is waarom we zoveel waarde hechten aan een gemeenschap waarin die verwantschap kan bloeien.

Onze Ambassadeurs laten als individu hun hart spreken en ontdekken zo dat verbondenheid een van de grootste rijkdommen in het leven van vandaag is.”

Hans Waege, Intendant

© DR

WELKOM BIJ DE AMBASSADEURS VAN HET BELGIAN NATIONAL ORCHESTRA

NL —› Muziek roept bij iedereen andere emoties op en dat maakt elk concert van het Belgian National Orchestra voor iedereen zo’n bijzondere en individuele beleving.

Het is dan ook onze missie om de diepten van de menselijke ziel te verkennen. Het gevarieerde programmaaanbod is hiervoor een rijke stimulans.

Maar muziek moet ook verenigen.

Veel trouwe bezoekers van onze voorstellingen willen dan ook hun betrokkenheid bij het Belgian National Orchestra een extra dimensie geven. Daarom hebben we een concept ontwikkeld om u dichter bij onze muzikanten, andere bezoekers en de wereld van het Belgian National Orchestra te brengen: Ambassadeurs.

Hoe wordt uw ervaring als een van onze Ambassadeurs verrijkt?

Ambassadeurs is een groep van mensen gepassioneerd door hetzelfde: liefde voor onvergetelijke muzikale ervaringen.

Geven, maar daarvoor veel terugkrijgen. Dat is de filosofie van het Ambassadeurs-concept. Als Ambassadeur ontmoet u tijdens exclusieve momenten andere muziekliefhebbers die uw passie delen. Bijvoorbeeld tijdens de twee ontmoetingsmomenten met onze muzikanten. Een unieke gelegenheid om met hen van gedachten te wisselen en hen beter te leren kennen.

Daarnaast bent u welkom op twee besloten generale repetities, een bijzondere beleving. Dat geldt evenzeer voor uw aanwezigheid op de voorstelling van het nieuwe seizoen. Een heerlijk voorproefje van onvergetelijke momenten in de loop van het jaar. Daarnaast nodigt intendant Hans Waege u persoonlijk uit voor twee inleidingen op een concert waarin hij duiding geeft. U ontvangt informatie over de data en inhoud van deze evenementen in de speciale nieuwsbrief voor onze Ambassadeurs.

Uiteraard willen we onze waardering voor u als Ambassadeur tonen met financiële voordelen. Ontdek meer op onze site: www.nationalorchestra. be/nl/ambassadeurs.

Al deze privileges zijn exclusief voor de Ambassadeurs van het Belgian National Orchestra.

112

Hoe wordt u een van onze Ambassadeurs?

U kiest uit twee formules.

Uno Individueel lidmaatschap voor € 60 per jaar

Duo Lidmaatschap voor 2 personen (vrij naar keuze) voor € 110 per jaar

Voordeel: 20% korting op uw tickets.

Nouveau — Ambassadeurs Toute chose est incroyablement plus précieuse quand on la partage.

© Illias Teirlinck

BIENVENUE PARMI LES AMBASSADEURS DU BELGIAN NATIONAL ORCHESTRA

FR —› La musique suscite chez chacun des émotions différentes.

Chaque concert du Belgian National Orchestra est une expérience particulière et individuelle. Notre mission est donc également d’explorer les profondeurs de l’âme humaine. La variété de notre programme est à cet égard très stimulante.

Mais la musique doit aussi rassembler. De nombreux spectateurs fidèles qui assistent à nos représentations souhaitent donner une dimension toute spéciale à leur attachement au Belgian National Orchestra. Raison pour laquelle nous avons développé un concept qui vous permet de vous rapprocher de nos musiciens, des autres spectateurs et de l’univers du Belgian National Orchestra : Ambassadeurs.

Quelle est la richesse de l’expérience de nos Ambassadeurs ?

Ambassadeurs est un groupe de personnes qui partagent la même passion : l’amour des expériences musicales inoubliables.

« Avant tout, la musique est une émotion qui se partage. C’est pourquoi une communauté au sein de laquelle puisse s’épanouir cette alliance est d’une telle importance pour nous. Nos Ambassadeurs parlent avec leur cœur et découvrent ainsi que l’union est l’une des plus grandes richesses de la vie actuelle. » Hans Waege, Intendant

Donner, mais recevoir bien plus en retour. Telle est la philosophie du concept Ambassadeurs. En tant que Ambassadeur, vous rencontrez d’autres mélomanes qui partagent votre passion lors d’événements exclusifs. Lors des deux moments de rencontre avec nos musiciens par exemple. Une occasion unique d’échanger des idées et d’apprendre à mieux les connaître.

Vous êtes également le·la bienvenu·e à deux répétitions générales privées, une expérience toute particulière. Et aussi à la présentation de la nouvelle saison. Un délicieux avant-goût des moments inoubliables que vous vivrez tout au long de l’année.

En outre, l’intendant Hans Waege vous invite personnellement à deux introductions à un concert, qu’il vous commente en détail.

Vous trouverez les dates et le contenu de ces événements dans la newsletter spécialement dédiée à nos Ambassadeurs.

Nous souhaitons bien entendu prouver notre reconnaissance à nos Ambassadeurs en leur offrant des avantages financiers. Pour en savoir plus, consultez notre site : www.nationalorchestra.be/fr/ ambassadeurs.

Comment faire partie de nos Ambassadeurs ?

Vous avez le choix entre deux formules :

Uno Adhésion individuelle pour 60 € par an

Duo Adhésion de 2 personnes (au choix) pour 110 € par an

Avantage : 20 % de réduction sur vos tickets.

Tous ces privilèges sont exclusivement réservés aux Ambassadeurs du Belgian National Orchestra.

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New — Ambassadors By sharing, everything becomes so much more valuable.

“Music is pre-eminently an emotion to share. That’s why we value so much a community in which that kinship can flourish. Our Ambassadors allow their hearts to speak as individuals and thus discover that togetherness is a greatest wealth in today’s life”.

Hans Waege, Intendant © Bart Decobecq

WELCOME TO THE AMBASSADORS OF THE BELGIAN NATIONAL ORCHESTRA

EN —› Music evokes different emotions in everyone and that’s what makes every concert of the Belgian National Orchestra such a special and individual experience for each of us. It is therefore our mission to explore the depths of the human soul. The varied programme we offer is a rich stimulus to achieve this.

But music must also unite. Many faithful visitors to our performances want to give an extra dimension to their involvement in the Belgian National Orchestra. This is why we have developed a concept to bring you closer to our musicians, other visitors, and the world of the Belgian National Orchestra: Ambassadors.

How is your experience as one of our Ambassadors enriched?

Ambassadors is a group of people passionate about the same thing: love for unforgettable musical experiences.

Give, but get a lot in return. That is the philosophy of the Ambassadors concept. As a Ambassador, you meet other music lovers who share your passion during exclusive moments.

For example, during the two meet & greet with our musicians. A unique opportunity to exchange ideas with them and get to know them better.

In addition, you are welcome at two private general rehearsals, a special experience. The same goes for your presence at the performance of the new season. A delicious foretaste of unforgettable moments throughout the year. In addition, intendant Hans Waege personally invites you to two introductions to a concert in which he gives an insight. You will receive information about the dates and content of these events in the special newsletter for our Ambassadors.

Of course, we would like to show our appreciation for you as a Ambassador with financial advantages. Discover more on our site: www.nationalorchestra.be/en/ ambassadeurs.

All these privileges are exclusive to the Ambassadors of the Belgian National Orchestra.

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How do you become one of our Ambassadors?

You choose between two formulas.

Uno Individual membership for € 60 per year

Duo Membership for 2 persons (free of choice) for € 110 per year

Advantage: 20% discount on your tickets.

Raad van bestuur / Conseil d’administration • G ust Vriens Voorzitter / Président • Francis Burstin Ondervoorzitter / Vice-président Leden / Membres • L aurence Christians • Luc Haegemans • Paméla Malempre • Claire Tillekaerts • Clair Ysebaert Regeringscommissarissen / Commissaires du Gouvernement • Damien Van Eyll • M arc Boeykens Afgevaardigde van het Ministerie van begroting / Délégué du Ministre du budget Steven Sterckx Directiecomité / Comité de direction • H ans Waege Voorzitter / Président • G ust Vriens • Rosita Moeyersoons • M atthieu Lescure

Team Algemene directie / Direction générale • H ans Waege Intendant • D ominique Ranson Assistente van de intendant / Assistante de l’intendant T +32 (0)2 552 04 67 office@ nationalorchestra.be Financieël administratieve directie / Direction finances et administration • Rosita Moeyersoons Directeur Financiën en Administratie / Directrice Finance et Administration T +32 (0)2 552 04 61 rosita@ nationalorchestra.be • Damien Jottard Administratief en financieel medewerker / Collaborateur administratif et financier T +32 (0)2 552 04 60 administration@ nationalorchestra.be Artistieke planning / Planning artistique • M atthieu Lescure Verantwoordelijke Artistieke Planning / Responsable du Planning Artistique T +32 (0)2 552 04 64 matthieu@ nationalorchestra.be • N oa Bols Coördinator productie — Tourmanager / Chargée de production — tourmanager T +32 (0)2 552 04 65 noa@ nationalorchestra.be • Christian Demoustiez Bibliothecaris / Bibliothécaire T +32 (0)2 513 26 92 christian@ nationalorchestra.be Personeel en organisatie / Personnel et administration • M arjolein Vanderpoorten HR manager T +32 (0)2 552 04 62 hr@nationalorchestra.be • Gino Vandenborne T + 32 (0)473 61 08 80 Preventie adviseur / Conseiller en prévention prevention@ nationalorchestra.be 115

Communicatie / Communication • I sabel Lowyck Verantwoordelijke promotie en marketing / Responsable promotion et marketing T +32 (0)2 552 04 69 marketing@ nationalorchestra.be • Florence Clément Medewerker PR en relaties / Collaboratrice RP et relations T +32 (0)2 552 04 69 florence@ nationalorchestra.be • Mien Bogaert Dramaturge / Dramaturg T +32 (0)2 552 04 69 mien@ nationalorchestra.be • N oëlla Vijt Medewerker educatie en publiekswerking / Chargé de projets éducatifs et de relations avec les publics T +32 (0)2 552 04 69 noella@ nationalorchestra.be • Nicolas Schoevaerts Medewerker marketing, verkoop en sponsoring / Chargé de marketing, ventes et sponsoring T +32 (0)2 552 04 69 nicolas@ nationalorchestra.be Regie / Régie Wim Baetens Verantwoordelijke orkestregie / Responsable régie T +32 (0)2 513 39 84 wim@ nationalorchestra.be • O livier van Cleemput Adjunct regisseur en technisch assistent / Régisseur adjoint et assistant technique olivier@ nationalorchestra.be • J ulie Piessens Regie assistent / Assistante régie T +32 (0)2 513 39 84 assist.regie@ nationalorchestra.be •

MERCI

BEDANKT

THANK YOU

NL —› Begeesterd door verleden en toekomst. Gedreven om mensen te verbinden. Aangevuurd door nieuwsgierigheid.

Het doet goed om te voelen dat onze partners dezelfde passie delen.

FR —› Inspirés par le passé et l’avenir. Enthousiasmés par l’idée de rassembler les gens. Profondément empreints de curiosité.

Qu’il est bon de voir que nos partenaires partagent la même passion.

EN —› Spirited by past and future.

Driven to connect people.

Fired by curiosity.

It’s good to feel that our partners share the same passion.

Institutionele partners Partenaires institutionnels Institutional partners

Structurele partners Partenaires structurels Structural partners

Mediapartners Partenaires médias Media partners

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Culturele partners Partenaires culturels Cultural partners

Netwerk partners Partenaires network Network partners

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Merci à tous les joueurs de la Loterie Nationale. Grâce à eux, le Belgian National Orchestra peut à nouveau vous offrir une saison musicale passionnante.

Et vous, vous jouez aussi, non ?

Bedankt aan alle spelers van de Nationale Loterij.

Dankzij hen kunnen wij jullie met Belgian National Orchestra opnieuw een boeiend muziekseizoen aanbieden.

Jij speelt toch ook?

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Music Season ’22£’23 at Bozar

SEE Festival © Bozar - Photo C. Lessire

Come, take part and dream

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© Studio Graphique RTBF - Photo : Getty Images

Musiq3 soutient Le Belgian National Orchestra Revivez les meilleurs moments de la saison sur notre antenne, et découvrez les artistes en interview !

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Colophon Verantwoordelijke uitgever / Éditeur responsable Hans Waege office@ nationalorchestra.be T +32 (0)2 552 04 67 Teksten / Textes Mien Bogaert Vormgeving / Mise en page Coast Agency coast-agency.com Coördinatie / Coordination Nicolas Schoevaerts Marketing, Sales and Sponsoring Officer Isabel Lowyck Verantwoordelijke promotie en marketing / Responsable promotion et marketing

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