Bitacora Beatriz Quezada 2022

BITÁCORA BEATRIZ QUEZADA 2022

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ÍNDICE TRABAJO PREVIO REFERENTE: YAYOI KUSAMA REFERENTE: SONIA DELAUNAY REFERENTE: LOIE FULLER REFERENTE: SHEILA HICKS

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PRIMERA IDEA DE OBRA PROCESO DE OBRA PRIMERAS IDEAS DE MONTAJE SEGUNDO MONTAJE REFERENTE: VANESSA BARRAGAO REFERENTE: ERNESTO NETO TERCERA PROPUESTA DE MONTAJE

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REFERENTE: BALLET RUSSES REFERENTE: OSCAR SCHLEMMER CUARTA APROXIMACIÓN A LA OBRA CUARTO MONTAJE REFERENTE: LAURA THOMPSON REFERENTE: HA.MÜ STUDIOS REFERENTE: NUNU CHU REFERENTE: GUDA KOSTER PROPUESTA DE PROYECTO

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MASA DE PATRONES (2020)

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TRABAJO PREVIO Comencé dibujando figuras aleatorias con lápiz negro para llenar una hoja en blanco. Fue un ejercicio natural que comenzó como una forma de pasar el tiempo en el aburrimiento. Ya después lo fui haciendo más y más seguido y me interesó el tema de una manera más formal.

Hice varios de estos dibujos a tiralíneas 0,1 y descubrí que los llaman Zentangle, y que los ocupan como una forma de terapia, ya que requieren mucha concentración, y el dibujo no está establecido, por lo que uno va fluyendo a medida que traza los distintos patrones. En efecto, podía pasar muchas horas haciendo el mismo dibujo, pero pasaban volando, porque estaba tan metida en el hacer que no notaba cuánto tiempo me tomaba.

En ese entonces (2018) creaba hojas con ideas de patrones, para que cuando quisiera dibujar no me quedara en blanco. Estos ejercicios me sirvieron mucho para mejorar mis trazos y pulso al momento de dibujar. Eran una forma un tanto obsesiva de mantenerme ocupada, ya que no me gusta no hacer nada.

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EJEMPLOS DE MUESTRAS DE PATRONES (2018)

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DIBUJOS DE CROQUERA (2018)

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Más adelante (2020) empecé a probar el dibujo digital, ya que con la pandemia estaba todo el día en el computador. Aproveché ese momento para explorar el uso del color, la figuración y el uso de herramientas digitales.

Me gustaba dibujar los patrones naturales que tenían los animales en sus cuerpos. Era una forma de simplificar las cualidades que los identificaban. En cuanto al color, era más aleatorio, y lo elegía de una forma más intuitiva.

Si bien disfruté hacer estos ejercicios en digital, nunca fue algo a lo que me quisiera dedicar. Prefiero mucho más tener una experiencia más táctil y “real” al momento de trabajar. Cuando estoy haciendo algo me gusta poder llevarlo conmigo a distintos lugares, verlo desde más ángulos, poder moverme al rededor, en fin, me gustan los objetos y la relacionarme con ellos. Lo digital no me daba tantas opciones. Aún así, siempre es un medio útil de saber manejar.

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RARAS (2020)

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ANIMALES Y SUS PATRONES (2020)

PRIMEROS DIBUJOS EN ILLUSTRATOR (2020)

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A mediados del 2020 me empezó a interesar la costura.

Me puse a aprender a coser a máquina y a mano. Mis primeros trabajos eran torpes y sin identidad. Ya en el 2021 me atreví a mezclar esta nueva habilidad con los dibujos que hacía antes. Es así como empecé a hacer vestuario a través de figuras que se iban repitiendo una sobre otra, pero achicando su tamaño. Una vez más, los patrones y el relleno del espacio habían vuelto a mi vida.

Lo que me pasa a mi es que no me gusta que hayan tantos vacíos. Me gusta que las cosas se vean con movimiento, por eso siempre recurro a las curvas y elementos dispersos por el espacio. Es así como trabajar con textil me cautivó, ya que no solo me permiten ir agregando capas y capas de tela, sino que pueden moverse al estar puestas sobre una persona, y ser vista desde muchos ángulos y posiciones distintas.

Las telas tienen un peso, una caída y diferentes formas de amoldarse al cuerpo. En este caso, trabajé con franela, ya que tenía muchos retazos que ha habían sobrado de otro trabajo que hice.

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En 2021 me contrató una productora de vídeos musicales para que diseñara una traje para el protagonista.

Esta fue una oportunidad muy beneficiosa, ya que pude trabajar con mucho presupuesto y aprendí muchas técnicas nuevas mientras realizaba el vestuario.

Me dieron la temática, algunas inspiraciones y lo demás fue libre. Tuve que pensar en cómo se relacionaría el

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traje con el espacio. Solucionar problemas de ensamblaje, (Traje con piezas intercambiables y extraibles) buscar materiales que soportaran el clima del lugar de grabación, (mucho calor y viento) y que lograra cumplir con las expectativas de lo que me pedían.

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REFERENTE: YAYOI KUSAMA Leí diferentes artículos de revistas recopilados en el Proyecto académico sin fines de lucro de la Universidad de Las Américas de Puebla: Yayoi Kusama. ¿Qué me interesó de lo visto y lo leído?

-Obsesión de cubrir superficies -Reflejo de su enfermedad (alucinaciones y psicosis) con su arte -Hace pinturas, performance, escultura, películas, libros e instalaciones -Obra: Accumulations, esculturas blandas -Repetir una y otra vez el mismo elemento -Su vida se funde con su obra y no para de crear “Yo le temo a los críticos de arte y a los medios de todo el mundo que vienen a visitarme, privándome de mi tiempo para crear” (Proyecto académico sin fines de lucro de la Universidad de Las Américas de Puebla: Yayoi Kusama, Entrevista por La Nación, 2016, pág. 13) -Se fusiona con la moda siendo parte de una colección de Louis Vuitton.

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ESCULTURAS BLANDAS (1960s)

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Me gusta mucho el hecho de que la mayoría de sus obras generan una interacción táctil con el visitante. La persona entra en la obra y puede tener una experiencia de más cercanía con ella. El medio que yo utilizo es textil, por lo que tiene mucho potencial para ser tocado debido a la variedad de texturas que ofrece.

Otro punto fuerte de la obra de Kusama es la necesidad de llenar el plano. En el lado visual de su obra, el exceso de elementos me llama la atención y me dan ganas de quedarme mirando. Comparto su obsesión: las obra con pocos elementos me aburren, y pierdo el interés rápidamente, pero las grandes cantidades de color y figuras movedizas me atrapan.

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REFERENTE: SONIA DELAUNAY Revisé tres catálogos de exposiciones de Sonia Delaunay: I) Sonia Delaunay. Arte, diseño y moda, Museo nacional Thyssen-Bornemisza, 2017 II) Sonia Delaunay | Fabric Designs, Galería Goldmark, 2015 III) Sonia Delaunay - Hand-Coloured Pochoir, Galería Goldmark, 2012 ¿Qué me interesó de lo visto y leído?

-La evolución que ocurre de su pintura hasta su trabajo textil.

-La variedad de medios en que se desarrollaba: Pintura, diseño de interiores, diseño de moda y complementos, diseño textil.

-Concepto de Arte Completo -Creación del Orfismo: “the Delaunays expressed through simultaneity or the sensation of movemnt and rhythm when contrasting colours are placed side by side” (Sonia delaunay- Fabric desings, Goldmark Gallery, pag 3) -Simultané, conexión entre el color y el movimiento -Pasión por el color -Liberar el color de sus ataduras -Crear trajes poema, junto a sus amigos poetas

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-Colabora con ballet rusos, decora casas y teatros -Imprimía en técnica pochoir “for me ther was no gap between my painting and what is called my “decorative work”… it was an extensión of my art, it showed me new ways, while ising the same method.” (Sonia delaunay- Fabric desings, Goldmark Gallery, pag 36)

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Lo que más me interesó de la obra de Delaunay fueron las impresiones en Pochoir, que eran los diseños de telas que realizaría. Cada cuadro en un patrón con una intención diferente, en su caso, para distintas prendas.

En lo personal, soy muy impulsiva para empezar a hacer las cosas, pero creo que sería bueno empezar a seguir su ejemplo y planificar primero el diseño y luego plasmarlo en la tela, porque ahora lo que hago es pensar en una idea y hacerla de inmediato.

También compartimos el uso de formas no figurativas y figuras geométricas. Estas hacen sentido al estar trabajando con textil, porque es mucho menos controlable en comparación a otros medios como lo son la pintura o el dibujo.

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POCHOIR PRINTS (1925)

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REFERENTE: LOIE FULLER Leí el capítulo dedicado a Loie Fuller en el libro: La danza moderna, Jacques Baril, Ediciones Paidós 1987 ¿Qué me interesó de lo leído?

-Efectos de color y movimiento -Inventa una nueva forma de baile: Danza serpentina -No personifica personajes, sino que muestra las formas del movimiento de la seda, innovando en el teatro -Ilusión a través de la luz -Revolución en el dominio de la danza -La luz modifica las formas de la tela -Balance entre lo orgánico y lo inorgánico -Alargar la figura del cuerpo

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La danza deja un rastro de formas, como una película de flores que se desvanecen a medida que cambia cada paso de baile.

DANZA SERPENTINA (1896)

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El movimiento de las telas es muy atrapante. Siempre me han interesado las figuras de las curvas y ondas naturales que se encuentran por el mundo. Mucho de mi trabajo es a base de líneas sueltas. Las hago porque la rigidez me estresa. Los trazos más relajados y naturales me generan una sensación de liviandad y calma Prefiero un hacer más fluido que buscar la perfección.

Si bien en un principio creí que nuestras obras iban a tener más en común, actualmente lo mio se fue por otro lado. Antes pensaba que iba a hacer algo relacionado con el vestuario y con el cuerpo, pero actualmente quiero experimentar trabajar con objetos inmóviles. De todas formas, rescato la idea de modificar una figura a través de la luz, en especial las telas finas o semitransparentes. Siempre es un recurso que podría usar para una exposición.

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REFERENTE: SHEILA HICKS Escuché la entrevista del Nasher Sculpture Center titulada: Sheila Hicks: Giving Material Form to Color de Mayo del 2019 ¿Qué me interesó de lo escuchado?

-Seguir las líneas, tienen cualidades táctiles -Las experiencias de lo táctil -Partir haciendo algo pequeño que se hace grande “I´m a visual person so don´t take my words very seriusly” “I´m not interested in decoration (…) I’m interested in enhancing your environment in an exciting, passionate, beautiful and comforting way” -Hoy en día reutilizar y reciclar son cosas necesarias, usa y no destruir -Mucha gente cree que su arte es abstracto, pero todo es representativo -Cada persona tiene la facultad de ver su obra como ellos quieran, como un “campo abierto” -Prefiere que los críticos no indiquen como hay que ver las obras -Toparse con algo del piso hasta arriba, eso llama la atención en los museos, porque te despierta y te hace pensar

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-Compra telas de los residuos de la industria textil en Francia -Ella pide al museo que la gente pueda tocar su obra

CASCADING WORK (2013)

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Uno de los puntos en común más evidente es el tipo de material que utiliza. Me gustó que dijera que hacer uso de materiales desecho es un deber por los tiempos en que estamos. Usar este tipo de materiales es económico y bueno para el medio ambiente.

Comparto la idea de querer acercar al visitante a una experiencia táctil. Los colores atraen, uno ve con los ojos e inmediatamente dan ganas de tocar. Sería como ver una obra con las manos.

Me encantó su entrevista, hace mucho que no veía a una artista que me agradara de verdad. La manera en que hablaba sobre las cosas, de una manera tan liviana, pero contundente me causó mucha gracia. Sin duda recomendaría verla, por lo que dice, por lo que hace y como lo muestra.

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PRIMERA IDEA DE OBRA

-Hacer un manto de patchwork con materiales de desecho textil y basuras que tenga en la casa -Van a ser muchos rectángulos de tela con diferentes experimentos -Es una variación de los ejercicios que hacía antes dibujando en papel, pero ahora desplazado al textil -Como es patchwork, el tamaño va creciendo a medida que agrego experimentos -Lo voy a hacer con la máquina de coser para agilizar la producción

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PROCESO DE OBRA

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Fotografías de materiales y proceso de producción de obra

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PRIMERAS IDEAS DE MONTAJE

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PRIMER MONTAJE

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Al estar pegada a la pared, rodeada de dibujos, fotos y cuadros ajenos, las personas no se atreven a tocarlo porque queda dentro de la misma categoría que esos trabajos. Como si fuera un cuadro para mirar un rato de lejos y después seguir caminando. ¿Cómo puedo hacer que den ganas de ser tocado?

El primer punto a mejorar sería el volumen. Se me ocurre que podría estar relleno, simulando un tipo de almohada o peluche, porque es más cercano reconocer un objeto de ese tipo y asociarlo a algo que uno toca.

Que sea blando también da más posibilidades de que la gente lo quiera abrazar o apoyarse en él.

Otro punto que me interesa es el color. Procuro buscar colores que me parezcan agradables como conjunto, y de ahí trabajo mezclándolos. Hacer que la obra se vea atractiva hace que la gente se acerque, como niños en una tienda de dulces. Poner colores que no combinen solo haría que la gente se maree y se fuera corriendo a buscar algo agradable que mirar.

El tamaño también es importante. Si fuera algo peque-

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ño (en comparación al cuerpo humano) uno suele ser más cuidadoso al momento de tocar. Yo no quiero que mi obra sea experimentada con temor, sino que con ganas de tener una experiencia táctil. Según esto, lo más lógico es que la obra tenga un tamaño igual o mayor a la de una persona, así hay más superficie para tocar, y además menos susto por ser delicado.

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SEGUNDA APROXIMACIÓN A LA OBRA

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Las fotografías muestran parte del proceso que realicé para explorar una nueva forma de obra. Primero elegí ropa vieja y armé una paleta de color que se llevara bien con el manto que ya había realizado. Después corté trozos rectangulares para poder agregarlos en forma de patchwork y probé en qué lugares quedarían mejor para que los colores quedaran bien distribuidos. Hice nuevas exploraciones de patrones en los rectángulos y uní todo.

Finalmente, hice una manta de patchwork de telas negras y la cosí para que quedara espacio para llenarla con algodón y trozos de telas pequeños.

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SEGUNDA PROPUESTA DE MONTAJE

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Propongo poner la obra sobre una mesa de la cual se tenga acceso desde todos los lados, para que no hayan partes que no se puedan alcanzar.

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SEGUNDO MONTAJE

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Fotografías del segundo intento de obra expuesta en el galpón del IA

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El montaje de la obra no es el más adecuado para mostrar el volumen. Al estar sobre una mesa plana da la apariencia de que fuera un cuerpo muerto, recostado y aburrido. Habría que probar ponerlo en otro lugar, apoyado en algo quizás.

En este momento la obra es más visual que táctil, mejoró desde el primer montaje, pero aún falta más volumen. Esto podría solucionarlo agregando “sacados” o tipo brazos rellenos de algodón. Hacer que sean más como un peluche y menos como una almohada.

Para poder seguir agrandando a este monstruo voy a hacer más piezas que se puedan ir uniendo como piezas de puzzle, de esta forma será más fácil el transporte y la manipulación de la obra final.

Que sean piezas separadas también servirá para que la interacción con la obra sea más dinámica.

En cuanto al color, aun no sé si hacer que todas las piezas tengan la misma paleta o si cada pieza debiese tener sus combinaciones por separado. Tendré que decidir según las telas que me vayan quedando.

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En comparación a el montaje anterior, las personas se acercaron mucho más e incluso dieron el paso de tocar la obra, pero muchas se mostraban temerosas de tocarla y preguntaban si estaba permitido. ¿Tendré que poner un cartel diciendo que se puede?

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TERCERA APROXIMACIÓN A LA OBRA Voy a realizar tres piezas más que van a calzar con las curvas de la pieza base que ya tengo hecha. En estas no va a predominar el trabajo de patchwork, sino que van a tener más volumen. Van a ser de cilindros de tela rellenos de algodón y en distintos formatos. Los dibujos muestran la idea de cómo van a ser.

Estas nuevas figuras las voy a rellenar con retazos de tela y algodón. Esto les va a dar más peso y rigidez al ser tocados. También voy a rellenar una con granos de arroz, para que no todo sea tan “suave” Además, en estas no me enfocaré tanto en su componente visual, sino que son más para experimentar con los volúmenes que salen de la base.

Para las tres usaré el mismo método de ensamblaje.

Primero, cortar una base de patchwork que coincida con el “cojín” más grande. Luego realizar las figuras correspondientes, llenarlas, y coserlas a la base. Esta vez cosí un cierre a cada una de los “cojines” para poder manipular el relleno con facilidad.

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Fotografías del proceso de elaboración de las tres nuevas figuras que serán añadidas a la primera

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REFERENTE: VANESSA BARRAGAO Revisé sus obras que tiene subidas en Instragram porque su página web estaba inhabilitada, y además leí una entrevista hecha por Amanda Andersson en la web Trend Tablet.

Me interesa de su obra la manera en que va generando volumen a través de capas y capas de curda/hilo. Ella trabaja con residuos textiles, sobre todo lanas, que va uniendo para representar espacios del fondo marino.

Ocupa muchas texturas diferentes, y muchos largos también, haciendo que se vea más natural. No deja nada plano, sino que abusa del tupido.

Los colores los trabaja con una intención, ya que busca dar un espacio para mostrar la muerte y destrucción de los arrecifes de coral a través de el degradado de las tonalidades hasta llegar al blanco.

“My ultimate goal with my artworks is to raise awareness of the dark consequences that our footprint is causing on Earth, particularly in the water habitats, and hopefully, this way, I can contribute on giving a more clear and bright perception towards a cleaner ecological path.”

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El espacio lo ocupa sin miedo, haciéndose cargo tanto del piso como la pared. Genera un espacio submarino sobre la tierra.

CORAL GARDEN (2019)

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REFERENTE: ERNESTO NETO -Crea un paisaje multisensorial en dónde el espectador puede participar de manera inmersiva caminando sobre una estructura colgante hecha de tejido a crochet.

-“Espero que la experiencia de esta obra se sienta como un canto hecho en agradecimiento a la gigantesca bola de fuego que llamamos sol, un gesto de agradecimiento por la energía, la verdad y el poder que comparte con nosotros al tocar nuestra tierra, nuestros océanos y nuestra vida” -La malla de crochet está rellena de pelotas de plástico que hacen que el caminar sea más difícil. Además incluye olores de especias en su obra, para que todos los sentidos sean incluidos.

-La obra tiene un sentido meditativo, ritual. La persona se hace parte de la obra y crea una experiencia con ella.

Cuando veo este tipo de obras lo primero que pienso es que con los recursos que tengo jamás lograré hacer algo así. Aquí la sensación inmersiva es muy grande, y se necesitan muchos recursos. Ver trabajos tan enormes y con instalaciones tan complejas me quitan las ganas de seguir trabajando con las esculturas de tela.

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SunForceOceanLife (2021)

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TERCERA PROPUESTA DE MONTAJE El montaje anterior quedaba muy plano. El objeto parecía un cuerpo muerto en una mesa de disección. Perdía su gracia de ser blando y apretujable.

Propongo esta vez apoyarlo en la pared, como si estuviera sentado, y las otras tres piezas que se encajan, irían en el suelo.

Que las cosas estén el el suelo significaría que la persona ya no solo se aproximaría a la obra acercando las manos, sino que tendrá que movilizar su cuerpo hacia abajo para poder interactuar. Mientras más esfuerzo corporal se realiza, más compromiso hay con la interacción. La hace una experiencia visual, táctil y dinámica.

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De este tercer montaje sale la idea de crear un traje.

El volumen y la forma que aparecía cuando estaba en el suelo daban ganas de meterse adentro. ¿El cuerpo debiese moverse gracias a alguien adentro o gracias a algún sistema externo?

No estaba tan segura de seguir trabajando con estas especies de almohadas. Se me empezó a hacer un trabajo tedioso y desganado. Si bien me interesaban las formas que se iban creando, siempre supe que quería hacer algo tipo vestuario, pero me limité pensando que el trabajo de volúmenes y patrones era más interesante.

Investigaré más cómo proyectar aquello que me interesa en forma de vestuario para ver si así puedo retomar un buen ánimo para trabajar, porque para mi es muy importante trabajar feliz y que no se vuelva un trabajo más que entregar.

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PATRONES SOBRE TELA El primer objeto que hice era más visual porque realicé un patchwork con mucha texturas pero poco volumen.

Ahora añadí tres objetos más, que son menos visuales porque no trabajé los patrones de patchwork. En este caso, el enfoque fue totalmente el volumen, sin embargo, está dentro de los planes agregarle patrones con colores que coincidan con el primero objeto, para que se unifiquen y no queden como objetos sueltos puestos uno al lado del otro.

Para no tener que ir inventando patrones en el momento de coser, quise hacer un muestrario con patrones básicos que podría hacer, para ayudarme a que el proceso sea más fluido.

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REFERENTE: BALLET RUSSES Revisé dos artículos, el primero titúlado: A Ballet’s Costumes Take Center Stage, escrito pot Eve M. Kahn en 2010, publicado en The new york times. Y el segundo: THE ART OF THE BALLET, escrtito por COLBY MUGRABI en 2018, publicado en minniemuse ¿Qué me interesó de lo leído?

-En 1909, el empresario ruso Sergei Diaghilev inauguró el Ballet Russes -Colabora con artistas y diseñadores para que hagan los trajes, tales como: Pablo Picasso, Joan Miró, Vasily Kandinsky y Henri Matisse, Coco Chanel y Sonia Delaunay -Materiales utilizados: oropel y mica, adornos con encaje y piel y abullonados, marcos de metal y mimbre.

-Muchos de los trajes no eran prácticos -Algunos de los estilos e inspiraciones que se podían encontrar: Rococó, arte popular ruso, art decó, rayismo, cubismo, arte bizantino, volantes flamencos, iconos sacerdotales ortodoxos rusos -Las colaboraciones eran innovadoras para promover el interés por la danza

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PORTADAS DE ALGUNOS PROGRAMAS DEL BALLET

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PABLO PICASSO- VESTUARIO PARA “PARADE” (1917).

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HENRI MATISSE- VESTUARIO PARA “THE SONG OF THE NIGHTGALE” (1920).

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NATALIA GONCHAROVA- VESTUARIO PARA “SADKO”(1916).

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¿Qué me interesa de estos trajes?

Lo distintos que son a los trajes tradicionales de ballet.

Se salen completamente de la línea e introducen algo más llamativo e innovador. Los trajes tradicionales se ven delicados, tienen pequeños detalles y siguen una forma establecida, como el tutú, sin embargo, estos se notan más toscos, con formas más “infantiles” e incluso lúdicos.

El uso del color como parches que ocupan gran cantidad de superficie. No hay tanto detalle, sino que trabajan el color en bloques. Usan una paleta simplificada y precisa.

Juegan mucho con la silueta del cuerpo. Generan nuevas figuras ya que no son apegados. El traje transforma a la persona y genera un personaje. En la mayoría de los trajes se tapa casi por completo a la persona que lo ocupa, haciendo uso de mangas largas, máscaras, coronas, gorros, entre otros.

No son algo que uno vería en el cotidiano. Son extravagantes y atraen la mirada por su singularidad.

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REFERENTE: OSCAR SCHLEMMER Leí un documento titulado: Oskar Schlemmer Das Triadische Ballett (1922), publicado por el museo nacional centro de arte Reina Sofía. ¿Qué me interesó de lo leído?

-Triadische Ballet, obra dividida en tres segmentos, cada uno de un color y humor diferente -Amarillo/cómico -Rosa/festivo -Negro/místico -Vestuario: juegos visuales de colores básicos y formas geométricas -Usan máscaras: Anonimato -La vestimenta son estructuras arquitectónicas ambulantes -Materiales: vidrio, metal, trajes militares y de buzo -La forma de los trajes limita el movimiento, determinan el espacio y crean la arquitectura -Teatro como tres elementos principales: Hombre en el espacio, luz en movimiento, arquitectura “Sin embargo queda un amplio tema ancestral, eternamente nuevo, protagonista de los cuadros de todos los tiempos: el ser humano, la figura humana. De él se dice que es la medida de todas las cosas ¡adelante pues!”

Oskar Schlemmer, 1923

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TRIADISCHES BALLET (1922)

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Al ver el vídeo de la reproducción de esta obra, me doy cuenta de lo importante que es construir un espacio al rededor de lo que uno crea. No basta con hacer un traje solo, sino que hay que preparar en entorno para darle vida a la obra.

Yo quiero seguir otro camino, estaba estancada haciendo cosas inmóviles y ver a estos personajes danzantes moverse de a un lado al otro me hipnotizan y producen gran extrañeza. El movimiento me atrae y me dan ganas de hacer y ser parte de el. El movimiento es algo que me interesa profundamente y estaba dejando de lado, sin embargo, nunca es tarde para volver a empezar.

El vestuario por si solo no funciona, sino que necesita que un cuerpo lo active. La emoción que me produce ver una obra como la de Schlemmer, en comparación a ver algún cuadro colgado en una pared es abismal.

Yo creo que es porque odio no estar haciendo algo. Las cosas estáticas me producen un aburrimiento, por lo tanto, desinterés.

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CUARTA APROXIMACIÓN A LA OBRA ¿Debería seguir trabajando con patchwork? Esa pregunta me plantee cuando estuve muchas horas uniendo y uniendo telas. Si lo que me gusta a mi es hacer patrones sobre tela, no debería estar perdiendo tanto tiempo haciendo una superficie de patchwork para luego taparla con patrones.

Entre que me empezaba a cuestionar estas cosas tuve un sueño en que tomaba los trabajos que ya tenía y los convertía en vestidos. Luego de eso desarmé los cojines y puse las telas sobre el maniquí. Me interesó mucho la idea de hacer un vestuario que reflejara alguno de los patrones que ya había hecho. Como una especie de homenaje a ese patrón y que pudiese ser expuesto en un cuerpo vivo. Esas especies de cojines que estaba haciendo me estaban limitando mucho, por el porte, el tiempo, la recolección del materia, en fin, me estaban cortando la motivación.

Elegí uno de los patrones que me gustaba y me puse a hacer un vestido blanco que se viera invadido por estos trazos.

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Foto de figurín de referencia

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Fotografías del proceso de elaboración del traje.

Patronaje y confección.

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CUARTO MONTAJE Esta vez cambié drásticamente el tipo de obra a presentar. Hice un traje inspirado en uno de los diseños de decorado de tela que había hecho en versión más pequeña en mis trabajos de patchwork, pero esta vez me amplié e hice como si la línea estuviera invadiendo el vestuario.

Me gusta pensar en que mi obsesión por llenar los espacios con patrones se salpicó hasta mi ropa, como si estuviera invadiendo partes cotidianas de mi vida. Uno hace cosas y después esas cosas te persiguen y no salen de tu mente.

Con este vestido hecho, me di cuenta de lo mucho que disfruto hacer ropa. Cuando estaba trabajando con las almohadas perdía el interés rápidamente y terminé haciéndolas por compromiso a la tarea, sin embargo, diseñar, coser y después ver el vestuario en movimiento es algo que me mantiene divertida e interesada.

Ahora bien, hacer solo un traje no basta. Ahora tengo que resolver en dónde se usará, quién, cómo será registrado, si habrán más trajes... En fin, un largo camino.

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REFERENTE: LAURA THOMPSON Revisé la página web de la artista. ¿Qué me interesó de lo leído?

-Perder los sentidos por el uso de la tecnología -Los avances nos alejan de la naturaleza -Hace trajes asociados a leyendas, tribus, mitología “Se centra en criaturas “parecidas a un yeti” construidas con tenedores de plástico desechables hechos por el hombre, tapones para los oídos, guantes de vinilo, ambientadores de automóviles o espejos compactos, cada uno de los cuales representa uno de los sentidos.”

-Hace criaturas que no encajan en este mundo -Inventa tus propia criaturas, utilizando un concepto base y una inspiración de algo real.

Revisar este trabajo me sirvió mucho para ver cómo presentan las obras los artistas actuales y no solo estar viendo referentes súper antiguos. Me parece acertada la forma en que presenta sus vestuarios a través de fotografías, y luego, pone un texto explicando sus inspiraciones, los materiales y base de su proyecto.

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Senseless (2017)

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Ella toma del inspiración el disfraz, la mitología y estudios científicos y crea sus propios personajes. Después los captura en fotografía y algunos vídeos. Las fotografías no son solo a los trajes, sino que son un complemento de la narrativa de sus personajes. En este sentido, el traje no funciona sin el ambiente que lo rodea, porque este le da un contexto.

En cuanto a los materiales, no son aleatorios, sino que están directamente relacionados con el ambiente, ya que lo que buscan estos personajes es mostrarse ajenos al lugar en que están. son materiales no naturales que contrastan con lo natural.

Las fotografías son “simples”(paisaje+personaje) pero muy completas. Este trabajo me hizo darme cuenta de las distintas formas de poder trabajar el vestuario como una obra.

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REFERENTE: HA.MÜ STUDIOS Revisé la página web del estudio.

Estos trajes fueron hechos pensando en los monstruos que uno se imaginaba que vivían debajo de la cama cuando niños. Me llamaron la atención por la cantidad de capas y desorden que tienen. Son desastrosos, coloridos y amigables. Me gustan las cosas infantiles, creo que los adultos olvidan que el juego también es parte de la vida y pierden la chispa de divertirse con cosas absurdas.

Cuando coso, intento dejar todo lo más limpio posible: con todos los orillos rematados y sin ningún hilo visible, pero estos tipos de trabajos me recuerdan que el desorden y el caos también pueden ser bellos. Al ver un disfraz olvido que hay alguien adentro y tiendo a pensar de que el monstruo tiene vida propia. Creo que hay que engañarse para pasarlo bien, porque nada es tan serio, ni nada es tiene realmente sentido.

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Mama! Mama! There are monsters under my bed! (2018)

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REFERENTE: NUNU CHU Revisé la página Web del Artista, específicamente, su trabajo titulado We are lonely on the sofa.

La obra trata de la soledad y la necesidad de llegar a casa y ser abrazado por alguien que amas. En este caso, no hay nadie esperándote, sino que solo tu sofá, de ahí nace la idea de crear estos trajes sofá-humanos.

Me encantan los trajes monstruo. Ahora que he estado revisando más trabajos de vestuario, me he dado cuenta de que todos terminan haciendo monstruos. Me interesan porque son más lúdicos. No soy fan de la seriedad, tampoco del total humor, sino que me gusta un intermedio, en que las cosas son absurdas, pero tienen fundamento.

Los monstruos sofá son extraños, pero se sienten cercanos porque toman elementos conocidos, como la ropa y los muebles. Son como si tu sala cobrara vida.

Me gustaría provocar con mi obra este tipo de extrañezas.

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WE ARE LONELY ON THE SOFA (2022)

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REFERENTE: GUDA KOSTER Revisé la entrevista que estaba en la pagina web de la artista. (2020) Puntos que me interesaron: -La ropa es usada para comunicar un mensaje -Usa el cuerpo como medio escultórico, deshumanizado al portador del traje, cubriéndole la cara.

“Rostros invisibles, escondidos detrás de pequeñas casas, formas geométricas o ciertos signos sociales o religiosos, borran los límites entre las personas y el contexto, crean misterio y alimentan el deseo de saber más, haciendo de mi arte un lenguaje universal.”

-Artistas que inspiran sus fotografías: pinturas abstractas de Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Rothko -Trabaja esculturas vivas alegres y accesibles -Construye los trajes y después toma las fotos con temporizador, ya que ella misma posa con ellos puestos.

Su obra toma pocos elementos, pero con una carga visual muy grande gracias a los estampados y las formas inusuales para el cuerpo humano. El juego con lo escondido también añade la curiosidad propia del misterio, y atrae aun más la atención.

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(2018)

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Si bien rescato el impacto visual que tienen sus trajes, creo que el minimalismo no es lo mio. Prefiero un poco de mas caos, más movimiento, más curvas y más acción. Su obra me sirvió para abrir mi mente y no solo pensar que el vestuario es un creador de personajes, sino que también puede ser un creador de esculturas.

Existen muchas formas de trabajar el vestuario como obra. Luego de revisar varios referentes, creo que me voy más por la rama de los personajes ficticios y los trajes coloridos y voluminosos. Creo que tienen más vida, y a mi me gusta la vida, no solo cosas estáticas en una pared blanca.

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PROPUESTA DE PROYECTO Luego de interactuar con muchas personas creativas, he notado que cada una de ellas tiene sus propias obsesiones que los mantienen ocupados. Aunque cambien de medio, siempre hay algo que repiten una y otra vez, puede ser un tema, un color, una forma, o quizás un trazo. Estas obsesiones se empiezan a convertir en lo característico de cada uno de ellas.

Los talleres en dónde trabajan los artistas también me llaman mucho la atención, porque reflejan completamente sus personalidades. Es en aquellos lugares en que son vulnerables y dejan su creatividad fluir. Son espacios en donde se pasa mucho tiempo cultivando las obsesiones, jugando con ellas y transformándolas en pequeños tesoros que podemos llamar obras.

Otra cosa que veo repetirse una y otra vez es al artista frustrado. Nadie está completamente seguro de lo que está haciendo, pero si alguien más le dice que van por un buen camino, terminan convenciéndose. Son pocos los que hacen sin pensar en opiniones, porque en la actualidad en que vivimos, todo se hace para ser visto por otros. De ahí nace la competencia, muy fuerte en el mundo del arte, y difícil de competir si no hay instrucciones claras de lo que se debe hacer.

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En eso pensaba la otra noche, hasta que prendí mi celular, puse la grabadora y me puse a divagar al respecto.

A la mañana siguiente ordené las ideas y terminé con esto: https://drive.google.com/file/d/1x9yJsewpvd0UTIZPjPPnLX7ECZ5bduKL/view?usp=sharing (Link de acceso al audio en Drive) Quiero que mi proyecto de título sea audiovisual. Para ello, propongo hacer un vídeo con tres personajes/ monstruos que reflejen sus obsesiones en sus talleres y obras. Las imágenes serían acompañadas por la narración del audio anterior. (editado y quizás con instrumental) Realizaré 3 trajes correspondientes a cada personaje del vídeo.

Realizaré 3 escenas/ambientes, cada una para su respectivo personaje.

Estos personajes representan una obsesión y un oficio.

La obsesión se verá reflejada sobre todo en el traje, y el oficio en la escenografía.

El vídeo será acompañado de una narración propia que

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habla sobre las obsesiones, el hacer, el estar estancado y la competencia.

Materiales: Para los trajes: Telas, alambre, hilo, relleno, algodón, napa, cartón, plástico, papel, cinta, cordel, botones, cierres, elástico, entre otros Para la escenografía: mesas, caballetes, papel, pintura, cartón, scotch, libros, espejos, madera, troncos, herramientas, objetos según el oficio a mostrar (pintura, dibujo, carpintería)

Para grabar Tengo disponible: HandyCam, cámara deportiva, cámara 360, drone dji Iluminación: Lámparas/focos Editor de vídeo: Premiere Pro

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Propuesta de montaje: Presentar el vídeo en pantalla grande (tipo cine), y montar los tres trajes sobre maniquíes, a un costado de la sala, para que se pueda apreciar la materialidad de estos.

Tiempos de creación 2 semanas traje 1 2 semanas traje 2 1 semana traje 3 2 semana escenografía 1+grabar 2 semana escenografía 2 +grabar 2 semana escenografía 3 +grabar 2 semana editar vídeo

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Las obsesiones de cada personaje son formas que se repiten. Estas formas se ven reflejadas en las acciones que hacen según su oficio. Hay tres, pintura, dibujo y carpintería.

La imágen muestra cada obsesión con su respectivo oficio. Éstas serán la guía para realizar el vestuario.

En cuanto a la escenografía, serán los talleres de dichos personajes. Por lo que estarán ambientados con los materiales de los respectivos oficios, siguiendo la paleta de colores y el tema de cada uno.

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Locación: Taller de mi casa

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Locación: Galpón Instituto/ sala de dibujo*

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Locación: Bosque Eucalipto, Curauma

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Estas paletas de colores fueron creadas a partir de imágenes de las locaciones + colores tentativos para los trajes.

La idea es que los colores del traje y de la escenografía sean similares, para que los personajes muestren fundirse con el espacio. Los personajes son artistas que se mimetizan en su taller y sus obsesiones. El color es un elemento clave para representa esto.

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