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VIDEO-TRANSLACIONES En el Perú de los últimos 15 años, dos generaciones de artistas del video han dado forma a una gama de propuestas que convierten a la imagen videográfica en un punto de determinación que ha propiciado una dinámica diferente en la relación entre la obra de arte y el espectador mediante el uso de un espacio tridimensional compartido con éste. Estas video-instalaciones –para usar un término englobante–, han ido ampliando el contexto del arte visual peruano, no solo en la dimensión espacial y su relación con la imagen en movimiento sino en su relación con la arquitectura, el sonido y la escultura. Dentro de la historia reciente del video con sentido artístico en el ámbito peruano, el despliegue espacial aunado al doble estímulo de imagen videográfica y sonido editado está generando lentamente un horizonte crítico, una precisión y una elaboración semántica que no existían antes. También, han permitido dar aliento a otros alcances en la visión del entorno, que pueden ser descritos como aprendizajes en el orden de una consciencia escalar que define una ética y estética en la experiencia del sujeto. Algunos antecedentes a la video-instalación (posiblemente bajo el influjo del movimiento de cinema expandido) se aprecian en los primeros trabajos de los artistas Mario Acha1 y Teresa Burga2 a fines de la década del sesenta e inicios del setenta, respectivamente. La video-instalación de contornos claramente definidos –utilizando el video tape y las capacidades de edición y post-producción que este medio permitía– apareció en el Perú hacia 1990, en obras de Mario Acha y Esther Vainstein. Ambos se adentraron en la creación de entornos o ambientes dentro de los cuales había un componente de video creación presentado como un elemento definitorio del espacio –no necesariamente el más importante–, mediante una proyección sobre un soporte de distinta naturaleza o a través de aparatos organizados escultóricamente (p.ej. un videowall de televisores). Si bien la modalidad heterogénea de estos trabajos permitía una interacción diferente del visitante con el espacio, no era el video el elemento central en estas obras, más bien, puede decirse que extendía dicho espacio y lo ampliaba determinantemente, pero no lo fundaba como experiencia total. Es interesante constatar que, como pioneros en el terreno, ambos artistas hayan provenido de la cinematografía: Acha estudió cine en Bélgica3 y Vainstein se formó en los Talleres de Cine del afamado director peruano Armando Robles Godoy. Resulta importante señalarlo, porque la tensión entre cine y video se ha convertido en un eje de la 1 Mario Acha, Iniciación al Cinematógrafo, Instituto de Arte Contemporáneo de Lima (IAC), 1970. 2 Teresa Burga, 4 Mensajes, Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA), Lima, 1974. 3 Institut National Supérieur des arts du Spectacle et des Techniques de Diffusion, conocido por sus siglas: INSAS, fundado en Bruselas en 1962 por Paul Anrieu, Raymond Ravar, André Delvaux, entre otros.

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V I D E O - T R A N S L AT I O N S Over the last 15 years in Peru, two generations of video artists have shaped an array of proposals that turn the videographic image into a point of determination that has generated a new dynamic relation between the art work and the audience within a tri-dimensional space. Such video installations –to use a global term– have gradually expanded the context of Peruvian visual art, not only in its spatial dimension and its relation to the moving image, but in its relation to architecture, sound and sculpture. In the recent history of artistic video in the Peruvian context –the spatial unfolding, together with the double stimulus of the videographic image and the edited sound– is slowly generating a previously non-existent critical horizon, precision and semantics. It has also helped encourage new perspectives on our context, which may be described as the acquisition of a multi-level consciousness that defines an ethics and aesthetic in the subject’s experience. Some forerunners of video installation (possibly influenced by the expanded cinema movement) can be found in the early works of artists Mario Acha1 and Teresa Burga2 in the late sixties and early seventies, correspondingly. Clearly-defined video installations –including use of video tape and the editing and postproduction capabilities it afforded– appeared in Peru around 1990, as seen in works by Mario Acha and Esther Vainstein. Both artists forayed into the creation of environments, or surroundings, that featured a video element as a defining component in the space –though not necessarily the most important one– through projections cast on surfaces of a different nature, or through sculpturally organized devices (such as a multiple TV video wall). While the heterogeneous modality of these works allowed for a different interaction between space and visitor, video was not the central element to these works. Rather, it could be argued that video expanded the space to a given extent, but didn’t establish it as a total experience. It is interesting that, though pioneers in the field, both artists have their origins in cinematography: Acha studied film in Belgium3, while Vainstein attended the cinema workshops of renowned Peruvian director Armando Robles Godoy. This holds significant, as the tension between cinema and video has become an 1 Mario Acha, Iniciación al Cinematógrafo (Initiation to the Cinematograph), Instituto de Arte Contemporáneo de Lima (IAC – Lima Institute of Contemporary Art) – 1970. 2 Teresa Burga, 4 Mensajes (4 Messages), Instituto Cultural Peruano-Norteamericano (ICPNA – Peruvian – North American Cultural Institute), Lima, 1974. 3 Institut National Supérieur des Arts du Spectacle et des Techniques de Diffusion, known by its initials - INSAS, founded in Brussels in 1962 by Paul Anrieu, Raymond Ravar, André Delvaux and others.

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discusión acerca de la imagen en movimiento en el Perú. Desde entonces, y sobre todo en estos tiempos en que el soporte tecnológico digital resulta compartido por el cine y la videocreación, las video-instalaciones peruanas aportan pertinencia y audacia a la constelación del arte contemporáneo en el Perú. La construcción de una estética espacial para el video es marcadamente distinta en las video-instalaciones recientes, si se las compara con las obras de la primera generación de video artistas peruanos que incursionaron en este terreno a fines de los años noventa (p.ej. Angie Bonino). En la actualidad, la exploración sostenida de las posibilidades espaciales para el video puede ser descrita en términos amplios como el fruto de una nueva relación del ciudadano con el espacio público y con el territorio. Es, entonces, la constatación ética y estética de una nueva dimensión política y social, que es la de una ciudadanía afirmada y asumida en el año 2000, y gradualmente recuperada y construida desde entonces4. Es a partir de ese momento que se tomó consciencia de la ubicación simbólica de un sujeto miembro de la sociedad civil, y se podría decir que se re-funda la ética de trabajar libremente a partir de interrogantes abarcadoras, más allá del ámbito personal y en aproximación a la ocupación del espacio como acto de diseñar un campo de indagaciones desprejuiciadas y desinteresadas (esto, frente al uso para la coerción y el chantaje político que fue el que ha quedado en la memoria peruana como la marca videográfica de Vladimiro Montesinos, el asesor del Presidente Alberto Fujimori). 5 La riqueza de las obras seleccionadas para VIDEO-TRANSLACIONES: MIRADAS X ESPACIOS proviene del uso de diferentes recursos, de la configuración espacial en cada caso y la relación que construyen con el público. Las obras yuxtaponen géneros, historias y tecnologías que aluden a espacios geográficos, narrativas de memoria, a lecturas culturales de la ciudad y del espacio público, pero también a los vuelos de la imaginación, a la narrativa fantástica y a la exploración del funcionamiento y características de las tecnologías utilizadas para su producción, como son la óptica y la electrónica. En todas ellas es posible distinguir procesos abocados a cartografiar los contornos de una identidad, tanto individual como colectiva. Toda selección de obras siempre entraña omisiones y no se ofrecen aquí paliativos para las decisiones curatoriales que han sido tomadas. Hay una responsabilidad plenamente asumida por la curaduría de este intento por presentar un panorama lo más rico y variado posible de la video-instalación como práctica estética entre los artistas peruanos en la actualidad.

4 Fue en el año 2000 en que, luego de la salida de Alberto Fujimori –que condujo por casi una década un régimen dictatorial– se inicia un proceso de afirmación democrática en el Perú 5 En una sala del Servicio de Inteligencia Nacional, Vladimiro Montesinos filmaba de manera oculta –en formato VHS (video tape casero)– a políticos y empresarios con los que se reunía y a los que, en muchos casos, sobornaba. Esta colección de videos, comúnmente conocidos como Vladivideos, permitió conocer los graves actos de corrupción del régimen de Fujimori. Se puede acceder a ellos a través de YouTube.

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axis in the debate surrounding the moving image in Peru. Since then, and especially in present times, when the digital format is shared by cinema and video creation, Peruvian video installation brings pertinence and audacity to the constellation of contemporary art in Peru. The construction of a spatial aesthetic for video is pronouncedly different between recent video installations and the works of the first generation of Peruvian video artists that broke into this territory toward the late nineties (e.g. Angie Bonino). Presently, the sustained exploitation of the spatial possibilities of video can be adequately described as the fruit of a new relationship between the citizen and the public space and territory. As such, it is the ethical and aesthetic confirmation of a new social and political dimension, that of an affirmed and assumed citizenship which since 2000 the country has gradually recovered and built upon4. It was at that time that awareness was raised on the role models of civil society roles, relationships and ethics of free work, based on encompassing questions, which was arguably refounded beyond the individual realm to take over the space as the act of designing a field of unbiased and selfless enquiry (as opposed to its use in constraint and political blackmail, ingrained in Peruvian memory through the videographic stain left by Vladimiro Montesinos, the advisor to president Alberto Fujimori).5 The richness of the works selected for VIDEO-TRANSLACIONES: MIRADAS X ESPACIOS (VIDEOTRANSLATIONS: GAZES X SPACES) derives from the use of different resources, the spatial configuration of each work and the relationship they establish with the audience. The works juxtapose genres, stories and technologies that allude to geographical spaces, collective memory narratives and cultural readings of the city and public space, in addition to the trips of imagination, fantastic narrative and an exploration of the characteristics and functionalities of the technologies employed in their production, such as optics and electronics. Visible in each of these works are processes devoted to mapping the limits of an identity both individual and collective. No selection of works comes without omissions, and there is no palliative for the curatorial decisions made. The curatorship has fully assumed its responsibility in an attempt to present the most comprehensive and diverse possible panorama of video installation as an aesthetic practice among Peruvian artists in present times.

4 The year 2000 marked the beginning of a process of democratic reaffirmation in Peru, following the removal of Alberto Fujimori, who maintained a dictatorship for nearly a decade. 5 In a room at the National Intelligence Service, Vladimiro Montesinos would secretly film in VHS tapes his meetings with prominent politicians and businessmen, where he often offered bribes. This collection of tapes, commonly known as Vladivideos, shed light on the acts of severe corruption carried out under Fujimori’s regime. Today, most of them can be accessed on YouTube.

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En un recorrido sucinto de las obras presentadas es posible reflexionar acerca de distintos grados de negociación simbólica de los límites de la libertad. Un encuadre fijo como el de la proyección de Luz María Bedoya parece insistir en que aventurarse en un viaje sin destino conocido puede ser, también, incurrir en una pérdida de vista de la libertad en la incertidumbre. Mientras que, desde una aproximación a la escultura, Ricardo Yui confronta al observador con una caja negra gigante, contenedora de una narrativa, ya sea absurda, ya sea mágica, en la que los espacios de la ciudad de Lima se conectan. Elizabeth Vásquez abarca mediante una elipsis, la ciudad: el tiempo se mide por el movimiento y por los posibles anclajes de la mente en materialidades inmediatas, ya sea en trayecto rápido, o en aislamiento acentuado por una obsesiva actividad. La dupla de artistas conformada por Verónica Luyo y Álvaro Icaza alteran la tecnología y ponen a prueba sus límites, en un experimento de carácter abierto e híbrido que combina el efecto calculado/controlado y el proceso aleatorio. En su video, David Zink Yi parece transformar las cuerdas de un arpa andina en una cortina divisoria, que reduce la percepción de un público y un espacio urbano, pero que a su vez libera la voz del instrumento. Diego Lama, en un ímpetu cinematográfico, delinea un trayecto imaginario en el que se conectan la calle Azángaro –proveedora de documentos falsificados a pedido del cliente– y el Palacio de Justicia en Lima. Frente a este escenario, la fantasía lúdica e interactiva de Luis Soldevilla, en torno a una puerta que al abrirla da acceso a distintas locaciones, es en última instancia una experiencia de recolocación irónica de confines de mente y cuerpo. En la obra de Marco Pando, se niega la distancia de visión con la que juega la perspectiva renacentista para sumergir a la consciencia en un mundo kafkiano. Arturo Kameya, relee críticamente –en tres proyecciones simultáneas– secuencias de películas peruanas a las que libera de sus narrativas particulares señalando así su carga política. Sutilmente agresiva resulta la visión de Katherinne Fiedler, que produce un entorno envolvente de proyecciones múltiples para hacer un desmontaje monocromático del delirio de las masas en el espectáculo deportivo. Los vasos comunicantes se evidencian sorpresivamente en el caso de la obra de Rudolph Castro, que se interroga abiertamente acerca de la construcción del discurso político totalitario en tangente alusión a la historia institucional que comparte la imagen en movimiento con la radio. Miguel Cordero propone una mirada crítica a la noción de lo colectivo, al restringir y limitar los movimientos individuales obligando a los sujetos a concertar una coreografía de conjunto. A diferencia de todos ellos, Juan Salas construye en relación a las demás obras, un circuito de observación/vigilancia que incorpora múltiples cámaras operando en tiempo real en el espacio de las bóvedas. El trasfondo peruano no necesita ser enfatizado. Baste decir que el sujeto libre que entró nuevamente en escena a reclamar espacios para sí, se convirtió también en un agente potencial de re-definición territorial, como mirada en desplazamiento. Durante el periodo de la violencia en el Perú, entre 1980 y 2000, recorrer el territorio libremente quedó restringido por efecto de la inseguridad y el miedo. Como consecuencia, se generó un crecimiento importante en el consumo medial en el hogar, mermando progresivamente la objetividad, depreciando la importancia de la presencia física y aumentando el valor de los elementos de espectacularización. Aunque los desplazamientos se reiniciaron y llegaron a una masividad, en el campo del turismo, los contornos referenciales de una territorialidad políticamente 8


A brief tour of the selected works affords a meditation on the varying levels of symbolic negotiation of the limits of freedom. A fixed frame such as Luz Maria Bedoya’s projection would appear to insist that adventuring on a trip without a known destination can also entail losing sight of freedom amid uncertainty. Meanwhile Ricardo Yui, in an approach to sculpture, confronts the spectator with a giant black box containing a narrative, be it absurd or magical, where the spaces of Lima city connect with each other. Elizabeth Vásquez spans the city with an ellipsis: time is measured in movement and the mind’s possible anchorage in immediate materialities, be it in fast trajectory or in an isolation accentuated by obsessive activity. The artist duo comprised by Verónica Luyo and Álvaro Icaza alter technology to probe its limitations in an open, hybrid experiment that combines calculated and controlled effects with random processes. In his video, David Zink Yi appears to transform the strings of an Andean harp into a dividing curtain that reduces the perception of the audience and urban setting to liberate the instrument’s voice. In a cinematic impetus, Diego Lama outlines an imaginary journey connecting Azángaro street –where all types of bespoke fake documents can be bought– and the Palace of Justice in Lima. Amid this scenario, Luis Soldevilla’s playful and interactive fantasy –surrounding a door that leads to different locations upon opening it– is ultimately the experience of an ironic re-assignment of mind and body boundaries. In Marco Pando’s work, the depth of vision of renaissance painting is denied in order to submerge the spectator’s consciousness in a Kafkaesque world. Arturo Kameya offers a critical rereading – in three simultaneous projections – of Peruvian classic movies, which are freed from their particular narratives to point out their political content. Katherinne Fiedler’s subtly aggressive vision produces an immersive environment of multiple projections that carry out a monochromatic disassembly of mass delirium in a sports spectacle. The communicating vessels are surprisingly exposed in Rudolph Castro’s work, who openly questions the construction of totalitarian political discourse with a side allusion to the institutional history that shares the moving image with radio. Miguel Cordero proposes a critical look at the notion of collectivity by restricting and limiting individual movement, forcing subjects to concert a group choreography. Following a different logic, Juan Salas builds upon the video installation works present in the space, creating a surveillance system that incorporates multiple cameras recording live from the Vaulted Rooms. The Peruvian background needs no emphasis. Suffice to say that any free individual that enters the scene and reclaim spaces for himself, as a moving perspective, would also become a potential agent for territorial redefinition. During the period of internal violence in Peru, between 1980 and 2000, moving freely across its territory was restricted because of insecurity and fear. This resulted in a significant increase of media consumption at home, in turn slowly undermining objectivity, devaluing the importance of physical presence and increasing the value of the instruments of spectacularization. Though migrations were later resumed 9


definida se desdibujaron bajo efectos de un consumo medial que se basó en la re-invención visual del país. El mismo efecto cosmético con el que se buscó mostrar un país pacificado, apenas cubrió la corrupción del sistema político que es el caldo de cultivo de actividades criminales como el narcotráfico, la minería ilegal y la depredación de la naturaleza, problemas endémicos del país. Los medios electrónicos –sonoros y audiovisuales–persisten en su relevancia simbólica como espacios del imaginario cotidiano peruano. El uso de estos dispositivos tecnológicos se extiende a ejercicios políticos y sociales que han puesto al descubierto los más recientes escándalos de corrupción, llámense petroaudios6, mamanivideos7 o #CNMAudios8. Explorar el territorio en modalidades actuales de realización visual se ha convertido en un acto que hace un efectivo reconocimiento espacial de ámbitos reales mientras propicia la convergencia de la ficción y el registro factual. Todo esto en busca de una nueva visualidad que interrogue de distintas maneras la percepción –donde hoy diferentes medios conviven el uno con el otro–, a partir de re-visiones e inscripciones de un enorme número de variables descriptivas y simbólicas. La translación a la que alude el título de la exposición resume bastante adecuadamente el gesto crítico de estos trece artistas peruanos contemporáneos. El llevar de un lugar a otro es no solo la operación que cada una de las videoinstalaciones agencia para el visitante-participante, sino que es el sentido último de la curaduría y que busca trasladar un imaginario multiforme proveniente de un espacio cultural a otro, teniendo plena confianza en la significación de las video-instalaciones presentadas, y demarcando a través de ellas un campo específico del arte contemporáneo, que es actualmente potente y vital en el Perú.

Jorge Villacorta, José-Carlos Mariátegui y Elisa Arca

6 Grabaciones de conversaciones telefónicas que pusieron al descubierto un caso de corrupción de lotes petroleros ocurrido en octubre de 2008, durante el segundo gobierno de Alan García, y que generó una crisis en el gabinete de ministros. 7 Mediante un reloj con cámara espía, el congresista Moisés Mamani grabó conversaciones con políticos que puso al descubierto una supuesta compra de votos para salvar de la vacancia al entonces presidente Pedro Pablo Kuczynski y que luego de ser difundidas generó, el 21 de marzo de 2018, la renuncia del mandatario. 8 Filtración de conversaciones de jueces y miembros del Consejo Nacional de la Magistratura (CNM) de Perú difundidas en julio de 2018 por IDL Reporteros en donde se ponen al descubierto favores y negociaciones por debajo de la mesa.

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and became massive, in the tourism sector, the referential outline of a politically defined territoriality was later blurred by the consumption of media based in the visual reimagining of the country. The same cosmetic makeover that attempted to show a pacified country could barely hide the corruption of a political system that is a nesting ground for criminal activities like drug trafficking, illegal mining and the depredation of nature, all issues endemic to the country. The relevance of electronic media –sound and audiovisual– as spaces for a quotidian Peruvian worldview persists. The use of these technological devices expands into a political and social practice that reveals the most recent corruption scandals, such as the petroaudios6, mamanivideos7 or #CNMAudios8. Exploring the territory through the use of current modes of visual realization has become an act of engaging effectively in a spatial survey of real environments, meanwhile advancing the convergence of fiction and factual recording. All this, in the search of a new visuality capable of questioning perception in different manners –now that different media freely coexist–, through the revision and inscription of a great number of descriptive and symbolic variables. The translocation alluded to in the title of this exhibition very adequately summarizes the critical gesture of the participating group of thirteen contemporary Peruvian artists. The act of moving from one place to the other isn’t merely the action that each of the video installations undertakes for the visitor-participant, but is also the ultimate meaning of curatorship, and intends to move a multiform worldview from a cultural space into another, being deeply confident in the significance of the presented video installations, and using them to profile a precise field of contemporary art that is currently powerful and vital in Peru.

Jorge Villacorta, José-Carlos Mariátegui and Elisa Arca

6 Recordings of phone conversations that uncovered a case of corruption concerning petroleum lots in 2008, under Alan García’s second period in office, generating a crisis in the cabinet of ministers. 7 By means of a spy camera watch, congressman Moisés Mamani recorded conversations with politicians that uncovered a purported vote rigging to avoid the impeachment of then-president Pedro Pablo Kuczynski. After their difussion, the audios caused the president to resign on March 21st, 2018. 8 Leaked conversations between judges and members of the National Council of the Judiciary (CNM) of Peru, published in July 2018 by IDL Reporteros, which uncover under the table favors and negotiations.

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Verónica Luyo, Álvaro Icaza Estudio sobre color y movimiento 2017

Study on Colour and Movement

En los orígenes del videoarte, el aparato electrónico preparado o intervenido constituyó un elemento de experimentación frecuente. Verónica Luyo y Álvaro Icaza retoman esa exploración, afinando y haciendo visible el interior de los dispositivos audiovisuales, generando una experiencia estética a partir de la señal electrónica en su sentido más oelemental. La proyección doble – podría sugerir la mecánica misma de la visión humana. Para este duo de artistas, los mecanismos de la percepción visual son un objeto de indagación constante y dan lugar a la visibilización de procesos en el espacio que involucran la combinación de aparatos intervenidos y los distintos momentos históricos de la tecnología de reproducción de la imagen y el sonido del siglo XX, generando así una suerte de “remix híbrido”.

When we consider the origins of video art, the electronically-prepared or intervened device was a frequent element of experimentation. Verónica Luyo and Álvaro Icaza depict this exploration, refining and making visible the inner configuration of the device, generating an aesthetic experience based on the most basic element of the electronic signal. The double projection may suggest the very mechanics of human vision. For the artist duo, the mechanisms of visual perception are a subject of constant research which enable the visibility of the processes in a space, which involve the combination of intervened devices that pertain to the history of image and sound reproduction technologies of the XX century, generating a sort of “hybrid remix”.

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Juan Salas Exposición 2009

Exhibition

Juan Salas se dedica a investigar y conceptualizar lo que define a una obra de arte: puesta en museo, pertenencia a colecciones y mediación entre esta y distintos públicos. En todo museo hay sistemas de vigilancia que se basan por lo general en circuitos cerrados de televisión (CCTV), diseñados como mecanismos de control para detectar permanentemente la presencia en el espacio de entes extraños. Tomando este principio, Salas ha diseñado un sistema para la observación de comportamientos de visitantes en un espacio de exposición artística. ¿No son los visitantes la razón misma de ser de una exposición? El público se compone de espectadores hasta el momento en que pasan delante de una cámara de vigilancia, que es cuando se convierten en objeto de la obra.

Juan Salas is devoted to the study and conceptualization of what defines a work of art: setup in a museum, belonging to collections, and mediation between the artwork and different types of audiences. In every museum there are surveillance systems put in place, which are usually based on closed circuit television (CCTV). This are designed as control mechanisms that permanently detect strange presences in the space. Taking this principle, Salas has designed a system for observing the visitor’s behaviour in an artistic exhibition space. Are visitors the main purpose of an exhibition? The audience is made up of spectators until the moment they pass in front of a surveillance camera, in that moment they become also an object of the artwork.

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Ricardo Yui Continuidad 2017

Continuity

La topografía urbana de Lima es un eje crucial en esta obra en la que la narrativa fantástica latinoamericana inspira un enigma videográfico. Espacios lejanos en su ubicación geográfica y en la sucesión de etapas urbanas de la ciudad de Lima son puestos en contigüidad mediante la gramática misma del audiovisual. El corte simple articula planos creados con una serie de recursos cinematográficos que se alejan de su uso convencional al servir a una finalidad poética. Lo que podría asemejarse a un aparato reproductor sobredimensionado, expandido y teatralizado en el espacio de exposición también podría estar en relación directa con las barreras que dividen el exterior del interior: los espacios habitables e íntimos, contenedores del drama existencial del personaje que ingresa y sale de dichos espacios en distintos puntos de la ciudad.

The urban topography of Lima is a crucial axis in this work in which the Latin American fantasy narrative inspires a videographic enigma. Distant spaces in their geographical location and in the succession of urban stages of the city of Lima are placed in contiguity through the very grammar of the audio-visual language. The simple cut articulates shots created through a series of cinematographic resources, which by serving to a poetic purpose, move away from their conventional use. What might resemble an oversized, expanded and theatricalized reproductive apparatus in the exhibition space, could also be directly related to the barriers that divide the exterior from the interior: the inhabitable and intimate spaces, containers of the existential drama of the performer that enters and leaves those spaces from different zones of the city.

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David Zink Yi Huayno y fuga detrás 2005

Huayno and Fugue Behind

En contraste con la observación que hace del folclore la antropología tradicional, Huayno y fuga detrás se vale de la sociología moderna para situar a la música andina y a sus espacios sociales como los protagonistas principales. El trabajo con el sonido es elocuente en la percepción que el espectador tiene del timbre del arpa andina, rara vez grabado con tanta intención de registrarlo fidedignamente. El arpa y su ejecución están descontextualizadas o desvinculadas de su rol habitual: la fiesta patronal o las manifestaciones de la religiosidad popular. La intención del autor pareciera buscar colocar al intérprete –de quien sólo vemos las manos y que podría estar improvisando en un espacio de calle– en la misma dimensión física que ocupa un espectador de la obra, con el objetivo de generar un mayor nivel de empatía. Esta obra es representativa de las indagaciones de este artista en la música y los ambientes sociales en que se produce.

In contrast to the way traditional anthropology describes folklore, Huayno and Fugue Behind, takes on modern sociology to put Andean music and its social spaces as main protagonists. The sound work is eloquent in the perception that the viewer has of the sonority of the Andean harp, rarely recorded with so much intention to register its sound authenticity. The harp and its execution are decontextualized or disconnected from its usual role: the patronal feast or the manifestations of popular religiosity. The intention of the author seems to seek to place the interpreter –of whom we only see the hands and who could be improvising in a street– in the same physical dimension that a spectator of the work occupies, with the aim of generating a greater level of empathy. This work is illustrative of the research done by the artist in relation to music and the social environments in which it is produced.

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Rudolph Castro Libre Free 2013 Libre puede ser descrita como una obra que da un giro radical a la nostalgia limeña y sus programas radiales dedicados a la llamada música del recuerdo, donde la balada popular romántica de los años 70 es utilizada como comentario político. El detalle de control de mando del aparato obsoleto –una radio a transistores– nos habla de la cultura material que el artista conoció en su infancia. Nacido en 1982, Castro pasó su niñez y adolescencia en un Perú desgarrado por la violencia, pero al abrigo en un mundo construído por los adultos. La balada romántica –que nunca ha muerto en las radios limeñas– es un puente al pasado y un hilo conductor que conecta y confiere cierta unidad a episodios de dictaduras en América Latina que colaboraron con la CIA en la operación Cóndor: Stroessner en Paraguay, Pinochet en Chile y Videla en Argentina.

Free can be described as a work that takes a radical turn to the nostalgia of Lima and its radio programs dedicated to the so-called “music of remembrance”. In this work the romantic popular ballad of the 70s is used as a political commentary. The detailed control of the obsolete device –a transistor radio– tells us about the material culture that the artist became familiar with in his childhood. Born in 1982, Castro spent his childhood and adolescence in a country torn by terrorism and violence but sheltered in a context built by adults. The romantic ballad –a genre which is still listened through radio stations in Lima– is a bond to the past and a common thread that connects and confers a certain unity to dictatorships in Latin America which collaborated with the CIA in the Cóndor operation: Stroessner in Paraguay, Pinochet in Chile and Videla in Argentina.

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Katherinne Fiedler Mañana, todavía Tomorrow, still 2014 El estadio deportivo de dimensiones monumentales en la actualidad particularmente, es un espacio de contiendas que reviven momentáneamente identidades nacionales y que, vacío, revela, en palabras de Fiedler, “su inmenso esqueleto, cuerpo contenedor de ilusiones”. Las imágenes a las que la publicidad nos tiene acostumbrados están en las antípodas de la visión que ella propone: sus imágenes están desprovistas de un propósito promocional y/o comercial reconocible. La observación clínica de un espacio caracterizado por el desborde de las masas se une a la creación de un ambiente sonoro que pone al espectador ante un escenario improbable y hasta desmesurado. La suma de elementos de fiesta característicos de un torneo deportivo –como el confeti–, contrasta con el fondo blanco y negro de las tribunas deshabitadas para crear una sensación de intenso vacío.

The sports stadium of monumental dimensions today, is a space of contests that momentarily revive national identities. When its empty, in Fiedler’s own words, what it reveals is “its immense skeleton and body container of illusions”. The images to which advertising has accustomed us are at the antipodes of the vision that she proposes: images devoid from any recognizable promotional and/or commercial purpose. The clinical observation of a space characterized by the overflow of the masses joins the creation of a sound environment that puts the viewer in front of an improbable and excessive scenario. The amount of festivity elements which characterise sports tournaments –such as confetti– contrasts with the black and white background of unoccupied grandstands to create an intense sense of emptiness.

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Luz María Bedoya Viaje a las islas hormiga 2008

Voyage to Ant Islands

“Unas islas posibles. Un trayecto posible. Un posible territorio peruano. Acá se presenta un viaje a un territorio minúsculo que en su hostilidad geográfica mina la posibilidad misma de llegar a él; un desplazamiento hacia algo que se convierte acaso en un esfuerzo inútil.” Así se refiere Luz María Bedoya a su obra. Sin origen ni final este trabajo es puro transcurso: la experiencia de navegar en una lancha en el Océano Pacífico se ve radicalmente subrayada por el uso de un encuadre casi fijo y el sonido del motor de la lancha. La experiencia de viaje se presenta también como el umbral de una poética sutil, de movimiento continuo, que paradójicamente, resalta lo estático. Las precisiones en cuanto a este territorio se desprenden de las entrevistas a especialistas (biólogos, miembros de la Marina Peruana, geógrafos, etc.) en los audios. La edición de estos testimonios, sin ser arbitraria, es sintética y tajante.

“Some possible islands. A possible route. A possible Peruvian territory. It presents a trip to a tiny territory that, due to its geographical hostility, undermines the possibility of reaching it; a shift towards something that perhaps becomes a futile effort.” This is how Luz María Bedoya refers to her work: with no beginning or end, this work records a passing of time: the experience of sailing in a boat on the Pacific Ocean is radically stressed by the use of an almost fixed frame and the sound of the motor of the boat.The travel experience is also introduced as the threshold of a subtle poetic, of continuous movement, which paradoxically highlights the stationary. The accuracies regarding this territory emerge from the interviews to specialists (biologists, members of the Peruvian Navy, geographers, etc.) in the audios. The edition of these testimonies, without being arbitrary, is synthetic and conclusive.

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Elizabeth Vásquez De Pueblo Libre al Silencio 2016

From Pueblo Libre to Silence

Contrariamente a lo que un espectador podría imaginar, el título vincula dos localidades distintas del espacio limeño en un recorrido condensado en dos minutos y cuarenta segundos. La toma desde la ventanilla de un auto en movimiento no es continua y se corresponde con imágenes que sugieren cómo el tiempo acumulado es removido con esfuerzo. Son gestos de exploración de superficie: por un lado a través de la línea quebrada que sigue las vías de la ciudad; por otro, a través del develamiento de las sucesivas capas del muro, una experiencia háptica no carente de violencia. El paisaje urbano visto a velocidad se convierte en una abstracción mientras que al salir de la ciudad, el desierto costero es plenamente legible: la aparición del paisaje natural puede ser leída como legítimo final de una ciudad como Lima que se extiende sobre tres valles en un desierto.

Contrary to what a spectator could imagine, the title links two different locations of Lima in a condensed journey of two minutes and forty seconds. The shot from the window of a car in motion is not continuous and corresponds to images that suggest the effort of collected time being removed. These are gestures aimed at exploring the surface of the city: on the one hand through the broken line that follows the city’s motorways; on the other hand, through the unveiling of the successive layers of a wall, a haptic experience not absent from violence. The urban landscape watched at speed becomes an abstraction of leaving the city, while the coastal desert is fully legible: the appearance of the natural landscape can be read as the legitimate end of a city like Lima that extends on a desert over three valleys.

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Arturo Kameya Punto ciego Blind Dot 2015 Obra sinfónica con matices políticos trabajada a partir de representaciones sde la cinematografía peruana que se centran tanto en actividades del mundo del trabajo, como en las del ocio y esparcimiento. Kameya se apropia de películas emblemáticas de la historia del cine peruano para fragmentarlas temática y espacialmente, no obedeciendo ya a una estructura narrativa sino siguiendo un ritmo percusivo. La violencia inherente a modelos autoritarios de organización de las labores y rígidos marcos educativos (un colegio militar), contrasta con el trabajo colaborativo en comunidades. Los procesos de edición de la imagen y del sonido son modelos de precisión. Los cortes y silencios a menudo relegan al fuera de campo los objetos de visible agresión, dejando gestos truncos que permiten imaginar grados más altos de castigo. El relato se produce a través de múltiples voces que reflejan una jerarquía social, con sus diálogos de sordos.

This work aspires to be a symphonic oeuvre with political nuances based on Peruvian cinematographic representations that focus as much on work activities, as on those of leisure and recreation. Kameya appropriates emblematic films from the history of Peruvian cinema to fragment them thematically and spatially, no longer obeying a narrative structure but following a percussive rhythm. The inherent violence of authoritarian models of labour organization and rigid educational frameworks (a military school) contrasts with collaborative work in communities. The processes of editing the image and sound are exemplars of precision. The cuts and hushes often relegate the objects of visible aggression to the off-camera, leaving truncated gestures that leave to imagination other higher degrees of punishment. The story is produced through multiple voices that echo a social hierarchy carrying dialogues of the deaf.

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Marco Pando Spider 2016 La instalación Spider, como otros proyectos de Marco Pando, se vincula con sus experiencias infantiles, transcurridas en el cine “Aurora” de propiedad de su familia en la ciudad de Cajamarca, al norte del Perú. La instalación busca recrear las sensaciones vividas por el autor en su niñez al ingresar a la zona ubicada entre la parte posterior del ecran y la pared trasera de la sala de cine. El recorrido por este intersticio nos lleva a ver con dificultad la proyección de una mano en acción que busca asemejar la morfología y movimientos de una gigantesca araña. La corta distancia que separa al visitante del ecran amplifica las imágenes en movimiento de la mano-araña, transfiriendo su carácter bidimensional hacia una experiencia inmersiva y, a su vez, grotesca. Spider busca romper la ilusión fílmica habitual para adentrarnos en una situación radicalmente distinta que obliga al desplazamiento en el espacio, en contraposición a la actitud contemplativa y pasiva que ha caracterizado habitualmente el comportamiento del público en las salas de cine. Este desplazamiento obligado permite al espectador restituir el punto de vista ideal de la sala –cuando se halla ubicado a una distancia adecuada del ecran– y también crea una relación íntima con la proyección de la imagen.

Spider installation, like other projects by Marco Pando, is linked to his childhood experiences, which took place at the “Aurora” cinema owned by his family in the city of Cajamarca, in northern Peru. The installation seeks to recreate the sensations experienced by the artist in his childhood when entering the area located between the back of the projection screen and the back wall of the cinema. The journey through this interstice leads us to see, with difficulty, the projection of a hand in motion that seeks to resemble the morphology and movements of a giant spider. The short distance that separates the visitor from the projection screen amplifies the moving images of the spider –hand, transferring its two-dimensional character towards an immersive and, in turn, grotesque experience. Spider seeks to break the usual film illusion to enter a radically different situation that forces the displacement in space, as opposed to the contemplative and passive attitude that has usually characterize the behaviour of the audience in movie theatres. Such forced displacement allows the spectator to restore the ideal point of view of the movie theatre –when it is located at a suitable distance from the projection screen– and also creates an intimate relationship with the projected image. 31


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Miguel Cordero Pachachaki 2017 Esta obra se apoya en un sentido del performance comunitario para proceder a trastocarlo. Cordero es un artista obsesivamente atento a los momentos y detalles de labores y fiestas populares, apropiándose de elementos que las caracterizan para desplazarlos lúdica y críticamente. El punto de partida es el tejido a mano de una única prenda de dimensiones exageradamente grandes, que se convierte en el aglutinante de un grupo humano de 60 individuos que se ven inducidos a realizar una coreografía sui generis grabada con la ayuda de un drone. La obra parodia hilarantemente las convenciones del cine etnográfico –aún así retiene una máscara de inocencia– y por otro lado la grandilocuencia de la imagen publicitaria de la marca país. La escultura blanda de la prenda tejida queda a los pies del video como un testimonio del esfuerzo y la energía colectiva insuflados en el performance y en la propia confección de la prenda, tejida en una comunidad andina del Cusco.

This work is based on the sense of community performance and how is being disrupted. Cordero is an artist obsessively attentive to the moments and details of popular practices and feasts, from which he appropriates their characteristic elements to place them playfully and critically. The starting point is the hand weaving of a single garment of exaggeratedly large dimensions, which agglutinates a human group of 60 individuals who are induced to perform a sui generis choreography recorded with the help of a drone. The work hilariously parodies the conventions of ethnographic cinema –still retaining a façade of innocence– and, on the other hand, the grandiloquence of the country brand’s advertising image. The woven garment, acting as a soft sculpture, lays in the bottom of the video projection as an evidence of the effort and collective energy breathed into the performance and the very making of the garment, woven in an Andean community of Cusco.

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Luis Soldevilla Indoor / Outdoor 2012 La instalación interactiva de Luis Soldevilla introduce momentos de sorpresa en el observador a partir de una situación atractiva y coloquial: el abrir y cerrar una puerta, para producir a su vez un traslado mayor, de un contexto urbano a otro. Cada vez que el visitante abre la puerta, la proyección cambia de forma repentina generando un nuevo espacio, denotando de manera simple, pero sobre todo divertida por desconcertante, los diferentes y variados espacios donde habita el ser humano, que a su vez, tienen –funcionalmente– características similares. Aquí, la curiosidad de abrir la puerta se transforma en un elemento que pretende generar una conexión lúdica entre materia, paisaje y urbe, subrayando una tensión entre la percepción y el reconocimiento.

The interactive installation of Luis Soldevilla introduces moments of surprise in the observer from an appealing and colloquial situation: the opening and closing of a door, to produce likewise a greater transfer, from one urban context to another. Each time the visitor opens the door, the projection suddenly transforms generating a new space, implying in a simple way, but above all disconcertingly funny, the different and diverse spaces inhabited by humans, which, in turn, have –functionally– similar characteristics. In this work, the curiosity of opening the door is transformed into an element that aims to generate a playful connection between matter, landscape and city, underlining a tension between perception and recognition.

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Diego Lama De falso a legal en una toma 2016

From falso to legal in one take

Diego Lama, en un recorrido de poco más de cien metros, condensa las paradojas de la legalidad en el contexto peruano. En alusión al plano secuencia Welleciano, Lama recorre las pocas cuadras que separan la Calle Azángaro –conocida por los agentes que proveen al cliente de falsificaciones de documentos de la más diversa índole, y plagado de conocedores de la ley y la trampa– del Palacio de Justicia, en el que la venalidad y la impunidad campean. La proyección continua de la obra remite a una imposibilidad de escapar a la lógica de lo falso y al mismo tiempo acentúa la elasticidad de este adjetivo, en permanente renovación de condiciones. El drone portador de la cámara va ganando altura hasta posicionarse frente a un monumento a lo falso: el Palacio de Justicia de Lima, una réplica del Palacio de Justicia de Bruselas.

In a journey of just over one hundred meters, Diego Lama condenses the paradoxes of legality in the Peruvian context. In reference to the Wellesian one shot sequence, Lama travels the few blocks that separate Lima’s Azángaro Street –known for providing falsified documents of the most diverse nature and plagued by connoisseurs of both law and trap– and the Palace of Justice, in which venality and impunity prevail. The continuous projection of the work refers to the impossibility of escaping the logics of falsity and, at the same time, accentuates the elasticity of such adjective in permanent renewal state. The drone carrying the camera is gaining height to position itself in front of a monument of the very false: the Palace of Justice in Lima, a replica of the Palace of Justice in Brussels.

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ÁLVARO ICAZA y VERÓNICA LUYO estudiaron Pintura y Escultura respectivamente en la Facultad de Arte y Diseño de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Álvaro continuó su formación en la Universidad de Barcelona y Verónica en el Programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Como dúo han sido residentes del Centro de Creación y Pensamiento Contemporáneo Can Xalant de Mataró (España) y de Art Quarter Budapest (Hungría). En Perú, han presentado las exposiciones bipersonales “Mirar ciego”, “Doble Fantasma” y “Explorando el espacio vacío intermedio” y destacan entre sus exposiciones colectivas “Hacer la Audición. Encuentros entre arte y sonido en el Perú” y “5 Proyectos”. Recientemente, su trabajo ha sido seleccionado para el Premio Nacional de Artes Visuales Trujillo 2017 y el Primer Premio de Arte Contemporáneo ICPNA 2018. JUAN SALAS Bachiller por la Pontificia Universidad Católica del Perú. Cuenta con ocho exposiciones individuales, siendo las últimas “Progresión geométrica” (2015), “Momento - lapso – espacio” (2015) y “A la sombra del sol” (2016). Ha expuesto de manera colectiva en Lima, Arequipa, Cusco, Bogotá, Viña del Mar, Madrid y Rotterdam. Ha participado en eventos artísticos como la I y la II Bienal de Fotografía de Lima, la I y III Bienal de Internacional de Grabado ICPNA; en 2013 obtiene el primer premio de la XVI edición del concurso Pasaporte para una artista de la Embajada de Francia. En 2014 participa en las residencias, V2_ Institute for the Unstable Media en Rotterdam, y en Cité Internationale des Arts en Paris, en 2015 en la residencia Hawapi en Huepetuhe, Madre de Dios y en 2016 en la residencia Musquy Wasiy en Cusco, Perú. RICARDO YUI Artista visual y director en devenir, egresa del Centro de la Imagen (Perú) en 2004, obtiene el Máster de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles (Francia) en 2013. Instituciones como Institut Français (Francia, 2008), CentroCentro (España, 2014) y Amsterdams Fonds voor de Kunst (Holanda, 2017), han apoyado y participado en la producción de sus obras. Su trabajo ha sido presentado en festivales como Seoul Photo Festival (2016), Landskrona Foto Festival (2016), Bienal de Fotografía de Lima (2014), Bienal de la Imagen en Movimiento (2014), Lishui Photo Festival (2013), Les Rencontres d’Arles (2012). Además, ha publicado en “Imaginaria Vol. I” (México, 2015), “Le discours à l’Œuvre II” (París, 2015), “Échappées Belles” (París, 2013) y “Les Rencontres de la Photographie d’Arles” (Arles, 2012). Ganador en el Concurso Nacional de Cortometrajes DAFO 2018 del Ministerio de Cultura (Perú) y finalista en los premios ICPNA Arte Contemporáneo 2018 (Perú); LE BAL 2012 (Francia), entre otros. Vive y trabaja en Ámsterdam.

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ÁLVARO ICAZA and VERÓNICA LUYO studied Painting and Sculpture respectively at the Faculty of Art and Design of the Pontifical Catholic University of Peru. Álvaro continued his training at the University of Barcelona and Verónica in the Independent Studies Program of the Contemporary Art Museum of Barcelona. As an artist’s duo, they were residents of the Can Xalant Centre for creation and contemporary thought in Mataró (Spain) and the Art Quarter Budapest (Hungary). In Peru, the duo most prominent solo shows include: “Mirar ciego”, “Doble Fantasma” and “Explorando el espacio vacío intermedio” and standing out among group shows are: “Hacer la audición. Encounters between art and sound in Peru” and “5 Projects”. Recently, their work has been selected for the National Prize for Visual Arts Trujillo 2017 and the First Prize for Contemporary Art ICPNA 2018.

JUAN SALAS Bachelor degree from the Pontifical Catholic University of Peru. He has presented eight individual exhibitions, most recently “Progresión geométrica” (2015), “Momento - Lapso - Espacio” (2015) and “A la sombra del sol” (2016). He has exhibited in group shows in Lima, Arequipa, Cusco, Bogotá, Viña del Mar, Madrid and Rotterdam. Salas has participated in the I and II Biennial of Photography of Lima, as well as the I and III International Biennial of Engraving ICPNA. First Prize winner of the 16th edition of the Passport for an artist competition organized the Embassy of France in 2013. He has participated in residences at V2_ Institute for the Unstable Media in Rotterdam and in Cité Internationale des Arts in Paris (2014), Hawapi in Huepetuhe, Madre de Dios (2015) and Musquy Wasiy, Cusco (2016).

RICARDO YUI Visual artist and film director in the making, graduated from the Center of the Image (Perú) in 2004; holding a Master’s degree of the École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles (Francia) in 2013. Institutions such as Institut Français (Francia, 2008), CentroCentro (Spain, 2014) and Amsterdams Fonds voor de Kunst (The Netherlands, 2017), have supported and participated in the production of his works. Yui’s work has been shown at festivals such as Seoul Photo Festival (2016), Landskrona Foto Festival (2016), Lima Photography Biennial (2014), Biennial of the Moving Image (2014), Lishui Photo Festival (2013), Les Rencontres d’Arles (2012). He has also published in “Imaginaria Vol. I” (Mexico, 2015), “Le discours à l’OEuvre II” (Paris, 2015), “Échappées Belles” (Paris, 2013) and “Les Rencontres de la Photographie d’Arles” (Arles, 2012). Winner of the National Short Film Competition (2018) of the Ministry of Culture (Peru) and finalist of the ICPNA Contemporary Art Award (2018); LE BAL 2012 (France), among others. Lives and works in Amsterdam. 41


DAVID ZINK YI Cursó estudios en Alemania en la Berufsfachschule, la Kunst Academie en Munich y en la Universität der Künste, Berlín (1998-2002). Ha expuesto individualmente en Proyecto AMIL, Lima (2018) Williams College Museum of Art, Williamstown (2016), Charles H. Scott Gallery, Emily Carr University, Vancouver (2015), MALI Museo De Arte De Lima (2012), Neue Berliner Kunstverein, Berlín (2012), Tate Modern, Londres (2012), Hauser & Wirth, Nueva York (2011), Midway Contemporary Art, Minneapolis (2011), MAK Museum, Viena (2010), entre otras. Además, ha participado en exposiciones colectivas, entre las más recientes: “Blind Faith, Haus Der Kunst”, Múnich (2018); “Prospect 3”. Nueva Orleans (2014); 8ª Bienal de Berlín (2014); 9ª Bienal de Mercosur (2013), Itinerarios, Fundación Botín (2013). También ha participado en la 10ª Bienal de la Habana (2009). Vive y trabaja en Berlín. RUDOLPH CASTRO Estudia en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú; Universidad Nacional Mayor de San Marcos; Máster PhotoEspaña / Madrid. Entre sus más recientes muestras individuales figuran: “Sesenta y dos horas de viaje, cincuenta y nueve años en el sur” (Sala Luis Miró Quesada Garland, 2014); “Concurrido, visitado, alejado” (Galería Enlace, 2015); “Estrella Catalina” (Elsi del Rio, Argentina, 2016); “Conversaciones con Cesar” (Galería CEDE, 2017). Ha participado en diversas exposiciones colectivas, entre ellas “Detonante: El arte peruano después de la CVR” (2013); “Cuadernos Presentes” (Chile, 2014); “Esquirlas del odio. Violencia de 1980 al VRAEM” (2016); Bienal Internacional de Arte SIART (Bolivia, 2016); “CHINESE WHISPERS”, U10 Art Space (Serbia -2017); “Haciendo Días” (Chile, 2017) ; Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (Argentina, 2017); Cine de Artistas (Argentina, 2018). KATHERINNE FIEDLER Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha recibido becas y residencias destacando: “Beca de Creación Artística 2018” Casa de Velázquez Madrid para países Iberoamericanos y Beca CIFO Emerging Artists Miami. Su obra ha sido expuesta nacional e internacionalmente, destacando las exposiciones individuales: “Lugar Común” y “Ficción Variable” y colectivas: “No Black, No White (no and)” curada por Eugenio Valdés, LARA 2017 MAC Panamá curada por Gerardo Mosquera, “Atlas 3 Topografías del Archipiélago”, curada por Claudia Segura, “Habitar la Frontera” curada por Marlon de Azambuja (Madrid). Festivales y programas de vídeo / resumido: “Santo Antonio” en CIM Centro Inovação da Mouraria Lisboa, “Fonland Festival”, Museo da Agua in Coimbra, Portugal, “Proyector 10” Madrid, “6to Festival de videoarte FIVAC” Camaguey (Cuba), “N-Minutes Video Art Festival | 3rd edition Unit IV” (Shanghai), Festival de video arte “REGION O” King Juan Carlos of Spain Center (New York).

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DAVID ZINK YI Studied in Germany at the Berufsfachschule, the Kunst Academie in Munich and the Universität der Künste, Berlin (1998-2002). He has been invited for solo exhibitions at: AMIL Project, Lima (2018) Williams College Museum of Art, Williamstown (2016), Charles H. Scott Gallery, Emily Carr University, Vancouver (2015), Museum of Art of Lima - MALI (2012), Neue Berliner Kunstverein (Berlin, 2012), Tate Modern (London, 2012), Hauser & Wirth (New York, 2011), Midway Contemporary Art (Minneapolis, 2011), MAK Museum (Vienna, 2010), among others. Most recent group exhibitions include: “Blind Faith, Haus Der Kunst” (Munich, 2018); “Prospect 3” (New Orleans, 2014); 8th Berlin Biennial (2014); 9th Mercosul Biennial (2013), Itineraries, Botín Foundation (2013). He also participated in the 10th Havana Biennial (2009). Lives and works in Berlin. RUDOLPH CASTRO Studied at the National School of Fine Arts of Peru; National University of San Marcos and holds a Master from PhotoEspaña, Madrid. Among his most recent solo shows are: “Sesenta y dos hora de viaje, cincuenta y nueve años en el sur” (Luis Miró Quesada Garland Gallery, 2014); “Concurrido, visitado, alejado” (Enlace gallery, 2015); “Estrella Catalina” (Elsi del Rio, Argentina, 2016); “Conversaciones con Cesar” (CEDE gallery, 2017). He has participated in several group exhibitions, including “Detonante: Peruvian Art after the CVR” (2013); “Cuadernos Presentes” (Chile, 2014); “Esquirlas del odio. Violencia de 1980 al VRAEM” (2016); International Art Biennial SIART (Bolivia, 2016); “CHINESE WHISPERS”, U10 Art Space (Serbia, 2017); “Haciendo Días” (Chile, 2017); International Contemporary Art Biennial of South America (Argentina, 2017); Cine de artistas (Argentina, 2018). KATHERINNE FIEDLER Bachelor of Fine Arts from the University of Barcelona. Recipient of scholarships and residences such as “Artistic Creation Scholarship 2018”, Casa de Velázquez Madrid for Ibero-American countries and CIFO Emerging Artists Miami Scholarship. Her work has been exhibited nationally and internationally in solo exhibitions such as “Lugar Común” and “Ficción Variable” and group shows such as “No Black, No White (no and)”, curated by Eugenio Valdés; LARA 2017 MAC Panama, curated by Gerardo Mosquera; “Atlas 3 Topografías del Archipiélago“, curated by Claudia Segura; and, “Habitar la Frontera”, curated by Marlon de Azambuja (Madrid). Her work has been shown in video festivals such as “Santo Antonio” / CIM Centro Inovação da Mouraria Lisbon, “Fonland Festival”, Water Museum in Coimbra, Portugal, “Projector 10” Madrid, “6th FIVAC Video Art Festival” Camaguey, Cuba; “N-Minutes Video Art Festival, 3rd edition Unit IV”, Shanghai; and, Video Art Festival “REGION O”, King Juan Carlos of Spain Center, New York.

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LUZ MARÍA BEDOYA Bachiller en Lingüística y Literatura de la Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, estudió Fotografía en el CEIF en Lima, en la Escuela del Museo de Bellas Artes en Boston y obtuvo el Certificado en Teoría Crítica en el Instituto de Estudios Críticos, Ciudad de México, donde actualmente realiza estudios de Maestría. Fue becada por la Cité Internationale des Arts de París, Museo de Arte Moderno de Irlanda, Civitella Ranieri en Italia, Residencia Internacional de Artistas en Argentina, y Fondazione Fotografia en Modena. Representó al Perú en la 51 Bienal de Venecia y en la 11 Bienal de Sharjah. Ha mostrado su obra en el International Center of Photography (Nueva York); Fondation Cartier pour l’art contemporain (París); Pinacoteca de Sao Paulo y Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro; Casa de América de Madrid y Palau de la Virreina de Barcelona, entre otros. Obra suya se encuentra en los acervos de acceso público del Museo de Arte de Lima, Museo de Arte de San Marcos, Fondazione Cassa di Risparmio di Modena y Blanton Museum de Texas. ELIZABETH VÁSQUEZ Graduada en grabado y técnicas de impresión por la Pontificia Universidad Católica del Perú. Su trabajo parte de objetos y archivos encontrados, los cuales son replicados, registrados y reproducidos en diversas técnicas mediante la instalación. Su interés por el videoarte la ha llevado a participar de muestras colectivas como 20° Festival de Arte Contemporáneo, VIDEOBRASIL, y Hawapi 2017: Triángulo Terrestre, en Lima y Santiago de Chile. Ha desarrollado proyectos escultóricos donde fusiona cerámica y objetos encontrados como en las muestras “Proyecciones de Tierra” o en instalaciones site specific como “Colecciones de un código temporal”. Asimismo, algunos proyectos editoriales como “Educación Forestal” y “Callejón del Buque” han respaldado sus temas de investigación en los últimos tres años. Actualmente desarrolla una investigación sobre los objetos arqueológicos sonoros y el lenguaje cifrado en el antiguo Perú, presentada en el Encuentro de Artes visuales de Trujillo (2018). ARTURO KAMEYA Su trabajo se enfoca en el análisis de políticas y protocolos culturales como prácticas rituales contemporáneas. Sus exposiciones individuales incluyen “Ghosts don’t care if you believe in them” (Países Bajos), “Historias de fantasmas” (Lima); “Ciencia ficción” (Lima), “La Punta del Iceberg”, (Lima); “Allá en el caserío, acá en el matorral” (bipersonal en conjunto con la artista Claudia Martínez, Lima). Entre sus exposiciones colectivas destacan “Repérage artistique # 2 _ True False Fictive” (Paris), “Analogías temporales” (Lima); “Salón nacional de fotografía” en el marco de la Bienal de Fotografía de Lima. Ha obtenido el primer lugar en ‘Pasaporte para un artista 2015’; organizado por la Embajada de Francia y la Alianza Francesa de Lima. En el 2016, una beca artística otorgada por el Instituto Francés le permitió desarrollar un proyecto en la Cité des Arts de París. Ha sido seleccionado para el programa 2019-2020 en Rijksakademie van beeldende kunsten en Ámsterdam, gracias al apoyo de Eduardo Hochschild. Vive y trabaja en Ámsterdam y Lima. 44


LUZ MARÍA BEDOYA Holds a Bachelor in Linguistics and Literature from the Pontifical Catholic University of Peru. Studied Photography at the Center of the Image in Lima, the School of the Museum of Fine Arts (Boston) and obtained a Certificate in Critical Theory from the Institute of Critical Studies (Mexico City), where she is currently pursuing graduate studies. Bedoya was awarded a scholarship by the Cité Internationale des Arts in Paris, the Museum of Modern Art in Ireland, Civitella Ranieri in Italy, the International Residence of Artists in Argentina, and Fondazione Fotografia in Modena. She has represented Peru at the 51st Venice Biennial and in the 11th Sharjah Biennial. Her work has been shown at the International Center of Photography (New York); Fondation Cartier pour l’art contemporain (Paris); Pinacoteca de Sao Paulo and Museum of Modern Art of Rio de Janeiro; Casa de América in Madrid and Palau de la Virreina in Barcelona, among others. Her work is in public access collections of the Lima Art Museum, San Marcos Art Museum, Fondazione Cassa di Risparmio di Modena and Blanton Museum of Texas. ELIZABETH VÁSQUEZ She holds a degree in Engraving and printing techniques from the Pontifical Catholic University of Peru. Her work starts from found objects and archives, which she replicates, records and reproduces in various techniques as installations. Her interest in video art has led her to participate in collective exhibitions such as the 20th Contemporary Art Festival, VIDEOBRASIL, and Hawapi 2017: Triángulo Terrestre, in Lima and Santiago de Chile. Her sculptural projects fuse ceramics and found objects to be displayed in exhibitions such as “Proyecciones de Tierra” or in site-specific installations such as “Colecciones de un código temporal”. In addition, editorial projects such as “Educación Forestal” and “Callejón del Buque” contributed to her research topics in the last three years. Currently she is working on a research on the sound of archaeological objects and the codified language in ancient Peru, that was presented in the Visual Arts Summit of Trujillo (2018). ARTURO KAMEYA His work focuses on the analysis of cultural policies and protocols as contemporary ritual practices. His individual exhibitions include “Ghosts don’t care if you believe in them” (The Netherlands); “Historias de fantasmas” (Lima); “Science fiction” (Lima), “La Punta del Iceberg” (Lima); “Allá en el caserío, acá en el matorral” (duo exhibition along with the artist Claudia Martínez, Lima). Group shows include “Repérage artistique # 2 _ True False Fictive” (Paris); “Analogías temporales” (Lima); “National Photography Salon” as a part of the Lima Photography Biennial. First Prize winner of Passport for an artist competition organized the Embassy of France in 2015. In 2016, an artistic grant awarded by the French Institute allowed him to develop a project at the Cité des Arts in Paris. Recently selected for the 2019-2020 program at Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam, thanks to the support of Eduardo Hochschild. He lives and works in Amsterdam and Lima. 45


MARCO PANDO Es bachiller en Bellas Artes por la Pontificia Universidad Católica del Perú. Entre el 2005 y el 2006 participó de la reconocida residencia Rijksakademie en Ámsterdam; y más recientemente, en el 2018, fue escogido como artista residente de la Künstlerhaus Bethanien en Berlín. Pando nació en Lima pero creció en Cajamarca. Este movimiento migratorio de los andes hacia la capital del Perú lo llevó a preguntarse sobre la construcción de la identidad y su relación con el pasado colonial. Desde entonces, su trabajo gira entorno a la experiencia de diaspórica y los flujos migratorios que definen el mundo contemporáneo. Radica entre Ámsterdam y Berlín.

MIGUEL CORDERO Hizo estudios de Pintura en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú en Lima, entre 1989 y 1995. Prosigue estudios en la Academia de San Carlos en México D.F. y luego en Byam Shaw School of Art, de Londres. En el 2017, en la Sala Raúl Porras Barrenechea, realiza la muestra “Jedeque, el retorno del cordero”, curada por Janine Soenens.

LUIS SOLDEVILLA Máster en Media-Design del Piet Zwart Institute (Holanda) y Licenciado de la Facultad de Comunicaciones de la Universidad de Lima. La obra de Luis tiene un fuerte vínculo con su formación académica, el cine. Él toma el lenguaje cinematográfico y lo fusiona con el potencial expresivo del espacio. Su trabajo ha sido mostrado en Videoformes en Clermont-Ferrand (Francia), el Florida Experimental Film / video Festival, el International Video Festival Videomedeja (Serbia), el Festival de Arte y Tecnología en Estambul, el International Video Festival en Macau (China), entre otros. DIEGO LAMA estudia Artes Visuales en Skowhegan School of Painting and Sculpture (EEUU) y HISK (Bélgica). Ha venido desarrollando una intensa actividad en el campo de los nuevos medios y el rasgo más evidente en su lenguaje visual es su relación con el lenguaje del cine. Ha expuesto internacionalmente en la Bienal de la Habana, el Museo Reina Sofía, el Museo Ludwig y The Getty Museum. Ha recibido diversos premios, becas y distinciones entre los que destacan el programa HIVOS (Holanda), la Fundación Carolina (España) y el programa Visiting Arts (Inglaterra), así como el premio a la Mejor Película del Festival de Cine Lima Independiente. Su obra forma parte de diversas colecciones internacionales como The Getty Center (Los Angeles), el Acervo Videobrasil (Sao Paulo), IVAM (Valencia), el Instituto Cervantes (Múnich), el Centro Wifredo Lam (Cuba) y el Museo de Arte de Lima. Actualmente vive y trabaja en Gante.

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MARCO PANDO Holds a Bachelor’s degree in Fine Arts from the Pontifical Catholic University of Peru. Pando was born in Lima but grew up in Cajamarca, in the north of Peru. His migratory shift from the Andes to the capital of Peru led him to study the construction of identity and its relationship with the colonial past. Since then, his work revolves around the diasporic experience and the migratory flows that define the contemporary world. He participated in the renowned residence Rijksakademie in Amsterdam (2005 - 2006); and more recently, in 2018, he was chosen as a resident artist of the Künstlerhaus Bethanien in Berlin. He lives between Amsterdam and Berlin.

MIGUEL CORDERO Studied painting at the National Superior Autonomous School of Fine Arts of Peru in Lima, between 1989 and 1995. He followed studies at the Academy of San Carlos in Mexico City and then at Byam Shaw School of Art in London. In 2017, he presented the solo exhibition “Jedeque, the return of the lamb” at the Raúl Porras Barrenechea Gallery, curated by Janine Soenens. LUIS SOLDEVILLA He holds Master’s degree in Media Design from the Piet Zwart Institute (The Netherlands) and a Bachelor’s degree of the School of Communications of the University of Lima. His work has a strong link with his academic training in film, taking over the cinematographic language and fusing it with the expressive potential of space. His work has been shown in Videoformes in Clermont-Ferrand (France), the Florida Experimental Film / video Festival, the International Video Festival Videomedeja (Serbia), Art and Technology Festival in Istanbul, the International Video Festival in Macau (China), among others. DIEGO LAMA Studied Visual Arts at Skowhegan School of Painting and Sculpture (USA) and HISK (Belgium). He has an extensive career in the field of new media and the most obvious feature in its visual language is the relationship with cinema language. His work has been exhibited internationally at the Havana Biennial, the Reina Sofia Museum, the Ludwig Museum and The Getty Museum. He has received several awards, scholarships and distinctions among which the HIVOS program (The Netherlands), the Carolina Foundation (Spain) and the Visiting Arts program (England), as well as the award for the Best Film at the Lima Independent Film Festival. His work is at several international collections such as The Getty Center (Los Angeles), the Acervo Videobrasil (Sao Paulo), IVAM (Valencia), the Cervantes Institute (Munich), the Wifredo Lam Center (Cuba) and the Lima Art Museum - MALI. He currently lives and works in Ghent.

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EQUIPO CURATORIAL JORGE VILLACORTA Crítico de arte y curador independiente. Titulado en genética en la Universidad de York, Gran Bretaña. Ha trabajado más de 20 años en el Banco de Tejidos del Instituto de Salud del Niño. En paralelo a su actividad científica desarrolló un fuerte interés en la investigación en artes visuales contemporáneas en el Perú. Desde 1997 ha sido Profesor de Arte y Comunicación en la Maestría de Comunicaciones, en la Escuela de Graduados de la Pontificia Universidad Católica del Perú y del Centro de la Imagen. Fue profesor de Historia de la Fotografía en el Instituto Gaudí de 1993 a 1998. Presidió la Asociación Quidam acción cultural, encargada de la gestión de la Sala Luis Miró Quesada Garland de la Municipalidad de Miraflores, Lima, Perú (2000 – 2002). Fue co-Fundador y director de Escuelab.org y en la actualidad es presidente de Alta Tecnología Andina (ATA).

JOSÉ-CARLOS MARIÁTEGUI Escritor, curador y emprendedor en cultura, nuevos medios y tecnología. Estudió Biología y es Bachiller en Matemáticas Aplicadas por la Universidad Peruana Cayetano Heredia (Lima). Tiene una Maestría (MSc) y Doctorado (PhD) en Sistemas de Información e Innovación por la London School of Economics and Political Science - LSE (Londres). Founder of Alta Tecnología Andina (ATA). Ha curado internacionalmente exposiciones en el campo de las relaciones entre el arte, la ciencia y la tecnología. Es Director del Archivo José Carlos Mariátegui (www.mariategui.org), miembro del Comité Consultivo del Bicentenario de la Independencia del Perú (2021), del Comité Editorial de la Serie Leonardo de MIT Press (USA) y del Advisory Board de AI & Society (UK).

ELISA ARCA Es magister en Arte contemporáneo y nuevos medios por la Universidad de Paris 8 y licenciada en Comunicación Audiovisual por la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha participado en proyectos de investigación en el campo del audiovisual y las comunicaciones. Actualmente es investigadora en Alta Tecnología Andina (ATA).

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CURATORIAL TEAM JORGE VILLACORTA Art critic and independent curator. Degree in Genetics at the University of York, Great Britain. He has worked for more than 20 years in the Tissue Bank of the Child Health Institute. In parallel to his scientific activity he developed a strong interest in contemporary visual arts research in Peru. Since 1997 he has been Professor of Art and Communication in the Master of Communications, in the Graduate School of the Pontifical Catholic University of Peru and the Image Center. He was professor of History of Photography at the Gaudí Institute from 1993 to 1998. He chaired the Quidam Cultural Action Association, in charge of the management of the Luis Miró Quesada Garland Hall of the Municipality of Miraflores, Lima, Peru (2000 - 2002). He was co-founder and director of Escuelab.org and is currently president of Alta Tecnología Andina (ATA).

JOSÉ-CARLOS MARIÁTEGUI Scientist, writer and curator working on culture, new media and technology. Studied Biology and Applied Mathematics from Cayetano Heredia University (Lima). Holds both Master’s and Doctoral degrees in Information Systems and Innovation from the London School of Economics and Political Science - LSE (London). Founder of Alta Tecnología Andina (ATA).He has curated internationally exhibitions in the fields of art, science and technology. Director of the José Carlos Mariategui Archive (www.mariategui.org). Is currently an Editorial Board member for Leonardo Books at MIT Press, Advisory Board member for AI & Society (UK) and of the Bicentenary of the Independence of Peru Committee.

ELISA ARCA She holds a Master’s degree in Contemporary Art and New Media from the University of Paris 8 and a degree in Audiovisual Communication from the Pontificia Universidad Católica del Perú. He has participated in research projects in the field of audiovisual and communications. She is currently a researcher in Alta Tecnología Andina (ATA).

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SOBRE LA PROPUESTA MUSEOGRÁFICA La interacción de la obra con el entorno que la acoge es un ingrediente a tener en cuenta si queremos obtener un buen plato listo para degustar. La sala de bóvedas del antiguo Cuartel del Conde Duque, hoy uno de los mayores centros culturales de Madrid, ofrece una experiencia potente al visitante por su rotundidad espacial y la carga histórica de sus muros. La propuesta museográfica desarrollada en el proyecto parte del respecto hacia esa arquitectura existente, y define, mediante una serie de estructuras de hierro, los volúmenes que contendrán cada una de las instalaciones, dejando siempre limpia la mirada hacia este espacio histórico. El despliegue audiovisual y tecnológico de la muestra hace necesaria la creación de un sistema estructural rotundo autónomo capaz de dialogar con la fuerza expresiva y matérica de las galerías abovedadas de ladrillo, y al mismo tiempo, servir de soporte a las necesidades técnicas de cada artista, respetando las especificidades formales y espaciales de las propuestas. Fernando Muñoz Encargado del Diseño Arquitectónico de Video-translaciones: miradas x espacios

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ON THE MUSEOGRAPHIC PROPOSAL The interaction of the work with the environment that receives it is an ingredient to take into account if we want to obtain a good dish ready to taste. The vault room of the former Cuartel del Conde Duque, today one of the largest cultural centers of Madrid, offers a powerful experience to the visitor for its rotund spatial and historical load of its walls. The museographic proposal developed in the project starts from the respect towards that existing architecture, and defines, through a series of iron structures, the volumes that will contain each one of the installations, leaving the view towards this historical space always clean. The audiovisual and technological display of the exhibition makes necessary the creation of a resounding autonomous structural system able to dialogue with the expressive and material force of the vaulted brick galleries, and at the same time, serve as support for the technical needs of each artist, respecting the formal and spatial specificities of the proposals Fernando MuĂąoz In charge of Architectural Design of Video-translaciones: miradas x espacios

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Verónica Luyo, Álvaro Icaza Estudio sobre color y movimiento

Study on Colour and Movement

Juan Salas Exposición

Exhibit

Ricardo Yui Continuidad

Continuity

David Zink Yi Huayno y fuga detrás

Huayno and Fugue

Rudolph Castro Libre

Free

Katherinne Fiedler Mañana, todavía

Tomorrow, still

Luz María Bedoya Viaje a las islas hormiga

Voyage to Ant Islands

Elizabeth Vásquez De Pueblo Libre al Silencio

From Pueblo Libre to Silencio

Arturo Kameya Punto ciego

Blind Spot

Marco Pando Spider Miguel Cordero Pachachaki Luis Soldevilla Indoor / Outdoor Diego Lama De falso a legal en una toma

From fake to legal in one take 53


Diseño arquitectónico: Fernando Muñoz Supervisión técnica: Gustavo Valera Coordinación técnica (CC Conde Duque): Goyo Chacon, Víctor Díaz Producción (Lima): Carlos Ventocilla, Jean Pierre Castro Diseño gráfico: Apollo Studio Impresión: Artes Gráficas Palermo

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AGRADECIMIENTOS Fietta Jarque Miguel Oyarzun Isla Aguilar Alonso Ruiz-Rosas Sol Delgado Félix Lossio Carlos La Rosa David Flores-Hora Cintya Amez Lucía Obando

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Profile for ATA Cultural

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