ArtTour International Magazine En Español 2014 web by Arttour International Magazine

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ARTTOUR INTERNATIONAL EN ESPAÑOL

Mensaje de la Editora en Jefe De corazón a mi gente, Felicidades en el mes de la Herencia Hispana! Ha sido muy emocionante el tiempo de preparación para nuestra edición especial en Español y estamos orgullosos de poder compartir con ustedes esta gran experiencia que es ArtTour International Magazine en Español, celebrando la diversidad de nuestra expresión artística y cultural en un paquete visualmente atractivo y trascendente, lleno de imágenes llamativas y exclusivas, así como artículos multimediales sorprendentes. De nuestro corazón latino para todos en nuestra madre lengua! Para los lectores digitales, la edición digital de ArtTour International Magazine “En Español”, es disponible en iTunes y Kindle, con un gran contenido multimedial. El mundo está en constante cambio, llevándonos a conocer nuevas culturas, lugares, y gente bella. Nuestro equipo creativo aprovecha cada oportunidad para traer información fresca, y las obras de los maestros más reconocidos que operan en el mundo del arte de hoy! Esta es una meta que nos ha llevado a viajar por muchas ciudades, una demostración de nuestro empeño y dedicación por descubrir el arte contemporáneo internacional y por difundir esta pasión a todo el mundo. Esta edición de ATIM está llena de artículos que se centran en celebridades que nos traen con su arte y sus historias de éxitos, un ejemplo de la gran capacidad que tenemos los hispanos para crecer y triunfar en todas las artes y todas las empresas. También traemos en exposición obras que hemos encontrado en todo el mundo, tanto en nuestros viajes, como en nuestras colaboraciones con varias galerías, artistas y curadores. ¿Qué más hay de nuevo en esta edición? El lanzamiento de ATIMTV.COM. Ahora puedes disfrutar de tus videos favoritos directamente desde nuestro canal de TV por Internet. En esta edición busca los artículos con el l logotipo de “Art 2 Heart" , simplemente haz clic en él, y el enlace te llevará desde nuestra revista a nuestro canal de Web T.V. para que puedas disfrutar de la entrevista exclusiva para cada artículo. Es un gran momento para nosotros en ATIM, las colaboraciones, los esfuerzos, la anticipación del futuro y lo que está por venir ... y nos alegramos de que estés aquí para compartir el viaje con nosotros! Gracias por tu apoyo,

Viviana Puello Editor in Chief Arttour International Magazine

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COLABORADORES EDITORA EN JEFE

FOTOGRAFÍA

Viviana Puello Fundadora y Editora en Jefe de la ATIM, también creadora del canal de ATIMTV.COM y las entrevistas "ART 2 Heart”. Ella dirige las operaciones, junto con el director ejecutivo Alan Grimandi y con la ayuda de nuestro equipo. Viviana es la persona que supervisa el contenido de nuestra revista para asegurarse de que mantengamos los máximos estándares. También dirige todas las estrategias de marketing con la ayuda de nuestros publicistas, gerentes de marketing, anunciantes y directores de social media.

Ezio Bevere Suzanne Duncan

Contact via email vp@arttourinternational.com. Phone (800) 807–1167 Ext 107

ESCRITORES INVITADOS PARA ATIM EN ESPAÑOL Eric G. Torrents Kanika Bindal Alvaro Retamal Andrew Teodori Chrs Salinas Eduardo González Viaña COLABORADORES

DIRECCIÓN EJECUTIVA VIDEO PRODUCCIÓN Alan Grimandi Como nuestro Director Ejecutivo, Alan es la persona que aprueba todas las negociaciones con socios y colaboradores. Dirige el departamento de Vídeo Producciones y se mantiene al tanto de la última tecnología para traer a nuestra audiencia Vídeo Producciones de óptima calidad. Responsable de ATIM Web T.V. Alan viaja con el equipo de vídeo para producir nuestras entrevistas "Art 2 Heart" a artistas y personalidades, y para toda nuestra cobertura de eventos internacionales. Contact grimandi@arttourinternational.com Phone (800) 807–1167 Ext 108 WEB DEVELOPER Humberto José Orozco Beto como le llamamos, es el cerebro detrás de las páginas web de ATIM! Se asegura de que estén al día, y reciban máxima cobertura. También es nuestra mano derecha en el diseño gráfico para la revista y el departamento de marketing. Está con ATIM desde el su fundación. Contact via email: orozco@outlook.com

$10.50 ISBN 978-0-9899718-9-8

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Giulia Spagnesi Suzanne Duncan MARKETING & ADVERTISING Arttour International Pubications CARRERAS EN ATIM Tenemos un gran equipo creativo de mucho que produce el contenido y diseño excepcional de ATIM. También contamos con grupo profesional de vídeo productores que nos ayudan a producir nuestras presentaciones para ATIM WEB T.V., utilizando las últimas tecnologías. Si usted está interesado en formar parte de ATIM, trabajando con nosotros o como colaborador, envíe un email a info@arttourinternational.com

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Publicado por Arttour International Publications Inc. 45 Rockefeller Plaza Suite 2000 New York, NY 10111 © Copyright 2014 Arttour International Magazine. All copyrights are reserved by the authors. The copyrights of all published artwork are retained by the artists. Reproduction of any published material without the written permission of the magazine's publisher is prohibited by law.

CONTENIDO

Fabian Pérez

Rafael Amargo

“Creando con Pasión” por Enric G. Torrents pág. 33

“Mutando la Piel” por Viviana Puello pág. 27

Jorge Herrera “Actuar la Emoción” por Viviana Puello pág. 18

Giusi Indelicato “Los Colores del Mediterraneo” por Chris Salinas pág. 58

Sharon T. Ross

Por el Sendero del Éxito -

“Disturbia Tropical” Nuestra artista de portada! pág. 14

Por Kanika Bindal pág. 9

Entrevista a Viviana Puello

• Gabo, De Todos El Más Grande por Enric G. Torrents – pág. 40 • Geografia Antigua por Alvaro Retamal – pág. 43 • Machu Pichu “La Ciudad Perdida de los Incas” - pág. 66 • La Alta Magia de Hablar en Castellano – pág. 70 ARTISTAS INVITADOS CARL BORGIA CHRISTINA LAPPA GRACIELA MONTICH GÜLCAN KARADAĞ HÉLÈNE DESERRES IVY REXACH MARSACK MARTHA ESPINOZA SANTIAGO BETANCUR Z

pág. 44 pág. 46 pág. 47 pág. 48 pág. 49 pág. 50 pág. 52 pág. 54

ARTTOUR INTERNATIONAL EN ESPAÑOL

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Sharon T. Ross

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Disturbia Tropical!

"Mis obras son figurativas, literales y abstractas. Se refieren a la simulación y a cómo los verdaderos sentimientos se pueden ocultar detrás de una máscara. Mis paisajes se ocupan de la espiritualidad tanto de mi como artista como del sujeto, contienen una influencia tanto calmante como emotiva a través de los elementos atmosféricos. Mi trabajo refleja mi punto de vista y forma optimista y positiva de ver la vida y deseo que esto sea transmitido al espectador. Por otra parte, la interacción es la clave para mi trabajo y lo que un espectador reciba de una obra variará cada vez que mira un cuadro, en función de lo que ha estado ocurriendo ese día y de su estado emocional. Cada vez es ligeramente diferente; cada vez que es fresco y relevante". Sharon T. Ross Sharon T. Ross nació en 1964, en Stoke onTrent, Staffordshire, Inglaterra. Su familia original del noroeste de Inglaterra, volvió allí poco después del nacimiento de Ross, lugar donde transcurrió la mayoría de sus años de formación en Gateshead, Tyneside. El evento más importante durante su crecimiento fue la muerte de su madre, quien falleció de un ataque al corazón, un día después que Ross celebraba sus 13 años. El evento fue traumático y tuvo un impacto profundo en la artista, no sólo como adolescente que crece de niña a mujer sin la www.arttourinternational.com

presencia materna, pero también en cuanto a las decisiones que definieron su carrera. “Durante mis años de escuela, siempre fui buena para el, mi madre y primos también tienen este talento. Así que yo me consideraba dotada! Sin embargo, la muerte de mi madre me influyó para tomar una carrera en enfermería, así que estudie para calificarme y me convertí en una enfermera. Pasé los próximos 30 años trabajando en el desarrollo de mi carrera, ganando títulos hasta el punto en el que ya no podía avanzar más allá en el Septiembre 2014

ARTTOUR INTERNATIONAL EN ESPAÑOL “Delicia Tropical” 2014, Lápiz y Tinta en papel de 250 Gm. 30x42cm

ramo de la enfermería clínica, a menos que entrara el nivel gerencial, que no era lo mío. Tengo dos licenciaturas en enfermería, una es una maestría en enfermería clínica. En el 2006 comencé a pintar de nuevo, y se convirtió en una pasión, así que empecé a estudiar bellas artes en Wirral Metropolitan College que está afiliado a la Universidad John Moore de Liverpool. Me gradué en julio de 2011 obteniendo un Bachelor en Bellas Artes. Sin embargo, mi carrera de enfermería estaba empezando a afectar mi vida personal. Los niveles de estrés aumentaron a medida que progresaba mi carrera hasta el punto de que tuve que tomar tiempo libre del trabajo debido al estrés y la depresión clínica. Durante este período me di cuenta de que mi vida necesitaba tomar un rumbo! Creo firmemente que estamos en este planeta para aprender y desarrollarnos espiritualmente, de lo contrario ¿cuál es el punto de todo esto!

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Me di cuenta de que había perdido por completo la pasión por la Enfermería y decidí abandonar la carrera y el NHS en marzo de 2011 y dedicarme completamente al arte. En todo esto mi marido ha sido un gran apoyo, y si no fuera por él, probablemente no estaría aquí ahora . Creo que las cosas suceden por una razón. Cuando era una niña tenía dos opciones, el arte o la enfermería. Con la muerte de mi madre Elegí la segunda opción. Sin embargo luego de completar ese camino, llego el momento adecuado para comenzar el viaje como artista. Estoy destinada a ser artista y ahora estoy viviendo ese sueño.” Sharon Ross trabaja y vive en Wallasey Merseyside, al sur de Liverpool con su esposo Alan.

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“Remolinos Tropicales” 2014, Lápiz y Tinta en papel de 250 Gm. 30x42cm

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JORGE

HERRERA

Jorge Herrera en la Serie "Contra las Cuerdas"

“Actuar la Emoción” por Viviana Puello

Nacido en Cali, Colombia, la ciudad de la rumba y el sabor, Jorge Herrera, descubrió su intrínseca vocación por el teatro y la actuación desde pequeño. A los diez años de edad ya jugaba a caracterizar los personajes de fábula que iba encontrando en sus cuentos infantiles más queridos. Su nombre es muy conocido internacionalmente por su magistral actuación como Hermes Pinzón Galarza en la exitosa telenovela “Betty, la Fea” en el 2000. El maestro Jorge Herrera es un talentoso artista que ha sabido conmovernos con cada uno de sus obras, desde “Los hijos de los ausentes” (1988), “Alejo la búsqueda del amor”,

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“El carretero” (1990), hasta su exitosa obra teatral “13 sueños (o solo uno atravesado por un pajaro" (2013); además, ha sido fuente de inspiración para series televisivas, tales como "En los tacones de Eva" (2006), o "Por amor a Gloria" (2005). Y, por supuesto, como ya hemos visto, de la famosa telenovela “Betty, la fea”. Lo cierto es, que en cualquiera de sus obras y creaciones, Jorge Herrera siempre ha sabido mantener un estilo personal, que nunca llega a alterar, y esa chispa intrínseca y única, se ha visto con frecuencia reflejada en cada uno de sus trabajos artísticos. Pero, quién es Jorge Herrera realmente? En efecto, este actor, dramaturgo, director de teatro y cine, y musico

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Jorge Herrera A los 17 años en el TEC de Cali

colombiano, demostró su talento al mundo del arte interpretativo desde una edad muy temprana. La experiencia que adquirió tras vincularse al Teatro Experimental de Calí a la edad de 12 años, le sirvió como base de lo que sería su carrera profesional desde entonces, hasta que, tras numerosas interpretaciones y, unos cuantos años después, decidió ingresar en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal, obteniendo el tan apreciado título en Arte Dramático. Título que se había ganado no solo por su esfuerzo y vocación, sino también por su indudable talento interpretativo. Hasta el punto, de que en reconocimiento en su virtud dentro de las artes dramáticas, le permitieron dar cátedra en la Escuela Nacional de Arte Dramático en 1979, convirtiéndose así, en un actor de peso dentro del panorama nacional colombiano. P. ¿Cómo Fue el Inicio de su carrera? R. “Se ofreció la ocasión en el colegio de formar parte del grupo de teatro del colegio, yo fui a la primera reunión persuadido por www.arttourinternational.com

un compañero que era más curioso que yo. Inicialmente, yo no tenía claridad de lo que se trataba, yo había visto obras de teatro en compañía de mi madre pero cuando se ofreció esta ocasión en el colegio yo no relacione una cosa con la otra. Llegué a la primera clase en el colegio con mi primer profesor Luís Fernando Pérez, un actor del TEC y quedé cautivado como si hubiera descubierto el que hacer de mi vida y esto sucedió cuando todavía no había cumplido 10 años de edad, pero quedé tan absolutamente cautivado que aquí me tienes. De eso, sólo algunas décadas han pasado, de hecho más de medio siglo. Y yo me metí tan de lleno en el mundo de la actuación, que se volvió para mí una necesidad y al muy poco tiempo ingresé a trabajar en el grupo profesional del cual venía mi maestro en el TEC de Cali. Teniendo 11 años fui miembro y empecé a trabajar en obras de teatro infantiles y en las obras de los grandes, entonces estuve trabajando por muchos años con Fanny Mickey y terminé de criarme como se dice en el grupo y rápidamente entré a estudiar a la escuela de teatro de Bellas Artes de manera que a los dieciséis años ya estaba graduado con título, había hecho la escuela con los mayores, de manera que yo fui egresado del Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali a la edad de 16 años. Septiembre 2014

ARTTOUR INTERNATIONAL EN ESPAÑOL Jorge Herrera en su mas reciente personaje, en la pelicula " La Caleta" agosto 2014

La primera obra de teatro que yo dirigí fue la obra ‘El Hombre Es Su Nombre’. La dirigí con mis compañeros de curso, estaba por graduarme, es algo que he estado haciendo desde entonces y se puede decir que la actividad que hago con más constancia es la de dirigir y actuar en teatro; llevo simultáneamente las dos prácticas y hago cine. Este año y el año pasado han sido años muy dedicados a la actividad fílmica, próximamente viajaré a Cali a filmar una película que se llamara "La Caleta", tengo otra película en la Costa Atlántica que se llama ‘Empera y la Nevera’ y tengo que dirigir una película en Nueva York que se llamara ‘El regreso de Pandora’ que surgió de mi primera dirección de cine en diciembre del 2013 la cual se llamó ‘Sin Mala Intención’.”

poco en Miami. Normalmente cuando viajo a Miami siempre hago presentaciones de las obras que llevo pero también llevo talleres informativos. Sí, definitivamente es una pasión de la cual trato de escapar un poco porque me atrapa de una manera que luego me cuesta trabajo salir de ahí y lo hago con mucho amor. Yo le digo a los que están haciendo el taller conmigo que el que más aprende aquí soy yo, entonces siempre me lo impongo como una labor investigativa, como una labor creativa, y de hecho de ahí han surgido los textos que he escrito los cuales están comprendidos en una trilogía que se titulan “Actuar la Emoción" y voy para el cuarto que estará dedicado a la creación de personajes que también es uno de los talleres que dicto, bueno ésa es otra práctica digamos complementaria a la de la docencia”.

P. ¿Que lo impulsa o motiva a enseñar? R. “En realidad fui un profesor muy prematuro, a la edad de 23 años era ya profesor de la Escuela Nacional de Arte Dramático de Vigota y luego viajé a Cali y dirigí la escuela de Teatro de Bellas Artes en la que yo me gradué. La dirigí durante ocho años, luego regresé a Bogotá a la Universidad Distrital Francisco José De Caldas y actualmente estoy dictando un taller sobre géneros dramáticos que hice hace muy

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P. ¿Cómo hace para balancear el tiempo? A que hora escribe? R. “Bueno ... ni yo mismo sé (risas) de pronto arranco y sin considerar la situación del tiempo y del clima yo me puedo pasar derecho una noche hasta el amanecer, lo importante para mi es avanzar y que las ideas que van surgiendo no se me escapen porque si tú aplazas las ideas es posible que cuando tú

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Junto con su esposa, la también actriz Amparo Conde en la obra " Vine a Verte Ve!"

las vuelvas a consultar no estén en las mismas condiciones, o se han desvirtuado, uno trata de aprovechar al máximo esos momentos de arranques para poder avanzar en la escritura. En estos momentos estoy escribiendo y este es un secreto el cual quiero revelar(voz misteriosa) mi segunda novela literaria que se va a llamar, ‘Nunca Veras las Mismas Aguas’, es una novela cuyos protagonistas son mis padres, se trata de la historia de Colombia en el río Magdalena, por eso se llama así. Precisamente tengo planeado un viaje por el río, voy a partir desde Neiva pasaré por Girardot, Barrancabermeja, Mompox y ahí en el terreno mismo finiquitare la obra”.

P. ¿Que mensaje global trata de difundir con sus obras? R. “Que cada nuevo proyecto es un nuevo reto, es un nuevo desafío. Siempre les inculco a mis alumnos esta idea, el camino de la formación actoral es el camino del des-aprendizaje; uno tiene que formarse para desaprender. En que sentido? Para poderse sacudir ésa carga informativa que uno trae y casi que presentarse a un nuevo reto desnudo, como si empezara de cero sabiendo que uno trae una carga de experiencias y formación y una ideología y una estética pero tratando de enfrentar cada nuevo proyecto de una nueva manera y como un nuevo reto. Como cada una de mis obras podrán tener elementos en común pero cada una trae un valor específico y podría eventualmente aludir a cosas muy disímiles pero hay una cosa que valoro mucho y es el fenómeno de la intertextualidad de recoger lo que considero que puede servirme y hacerlo con el reconocimiento de quien lo ideó inicialmente. Pero siempre lo adecuo a mis necesidades dramaturgas”. P. Con referencia a la actuación ¿que personajes han sido inolvidables y han marcado su vida?

Jorge Herrera, dirigiendo "Perdidos en el Mar" montaje realizado en Miami 2014

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R. “Yo me inicié en el colegio haciendo comedias de Molier y después cuando entré a la televisión tuve que ingresar a ese mundo del melodrama en el cual se mueve la televisión colombiana y latina con visos muy particulares porque la telenovela colombiana introdujo unas variantes particulares que son las que tienen que ver con la Bufonería y entonces uno puede encontrarse con un gran

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melodrama pero con unas betas novedosas de bufones por lo tanto la gente tiene la oportunidad de conmoverse al punto de las lágrimas y al mismo tiempo divertirse y es algo muy particular muy característico de nuestras novelas de televisión. He estado en contacto con todas ésas corrientes que han ido surgiendo y por lo tanto así como recibí mis primeras influencia, esto ha hecho que vaya formando una manera particular de asumir el trabajo actoral y mantener una vigilancia lo más estricta posible sobre el fenómeno de los géneros que se manejan tanto en cine, televisión o teatro. Hice una obra que fue con la cual viajamos por varios países del mundo, es la segunda obra de teatro más representada en Colombia llamada ‘Soldados’ y tiene un ancestro que es un escritor de la costa que se llama Alvaro Cepeda y de ahí surgió la adaptación que nosotros hicimos para teatro, es una obra que yo quiero mucho porque fue muy representativa de nuestro trabajo, que habla de Colombia y su historia y es muy linda como propuesta teatral. Cuando llegué a la televisión me encontré con personajes como el Tío Júpiter que es un personaje de una comedia que estuvo al aire y que inclusive la están transmitiendo en este momento por enésima vez a las 5:00 a.m., imagínate y lo mejor de todo es que la están viendo!!! La comedia se llama ‘NN’.

Foto de Jorge Herrera en su paso por el TEC bajo la dirección del maestro Enrique Buenaventura.

Hace poco en el aeropuerto me encontré a un grupo de un colegio y querían tomarse fotos con el Tío Júpiter así que toco firmar autógrafos y tomarse fotos. Bueno y otro personaje que la gente recuerda con mucho cariño y todos los días esté donde esté así sea en un centro comercial en Colombia, la plaza del mercado, así sea en otro país, la gente siempre me está recordando y preguntando: ¿Don Hermes, donde dejo a Betty?. De Italia y Brazil donde la están pasando en estos momentos me llegan todos los días fotos y felicitaciones”. P. ¿Que quiere decir ésa expresión El diablo es Puerco? R. “Esa expresión era de mi abuelita, ella era una persona muy particular de hecho por mucho tiempo fué mi compañera de habitación, todas las noches me contaba historias de su infancia, de su juventud en el Tolima y me decía siempre que el diablo es puerco para significar que hay que tener cuidado con las tentaciones, pero fíjate lo que ocurrió, ya estábamos grabando y la novela estaba al aire y mi madre me dice ‘usted está diciendo que el diablo es puerco pero es que le falta la segunda parte’, le dije ¿como así? Y entonces ella me dice, ‘sí, es que el diablo es puerco por eso tapa y destapa’. Y es por eso que después aparece Don Hermes en una escena con una chupa de destapar tubería y unos guantes amarillos diciendo: ‘El diablo es puerco por eso tapa y destapa’ y es porque así ocurre en este país cuando quieren hacer quedar mal a alguien entonces le sacan a relucir hasta lo que no ha ocurrido, le sacan los trapillos al sol como se dice y también como el diablo es puerco si le quieren tapar una falta, entonces ésa persona es una santa Paloma. Es un dicho que se aplica tanto a la realidad de nuestro país y que tiene un trasfondo político, es un dicho característico de Don Hermes Pinzón Galarza”.

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Jorge Herrera en “N.N” serie de gran éxito en Colombia en los años 80

P. ¿Don Hermes es un personaje inolvidable. La telenovela Betty la Fea entró al libro de los “Guiness Records” como la telenovela más exitosa de todos los tiempos al ser emitida en más de 180 países, ser doblada a 25 idiomas y al contar con al menos unas 28 adaptaciones alrededor del mundo. ¿a que se debe el éxito de Betty la Fea? R. “El éxito de ‘Betty la Fea’ requeriría un estudio de orden sociológico y cultural que no se ha hecho, estamos en mora de hacer; el efecto cultural de este producto no tiene parangón en la historia de la televisión y luego las implicaciones profundas que ha tenido en todo el mundo y yo creo que tiene que ver con el hecho de que Betty y la forma como está construida este personaje permite ese proceso de identificación del discriminado, del débil, del desplazado y como de estos géneros hay en todo el mundo entonces la gente fácilmente se asimila justamente a la figura de Betty”.

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P. ¿Hay algún sueño profesional que todavía no se ha realizado? R. “Sí, tengo un sueño que quisiera asociar con los sueños de otros. A mi realmente lo que más me encantaría sería tener un teatro donde llevar a escenas mis obras, trato de hacerlo aunque no tengo el teatro pero las obras sí y trato de hacerlas como pueda. Digamos que ese es el sueño que me gustaría enormemente llevar a la realidad. Tener un teatro y proceder con toda libertad y poner en escena lo que considero es digno de ser puesto a mi manera”. P. ¿Como ve el teatro en Latinoamérica como industria, como desarrollo, como riqueza de la cultura, está apoyado? Olvidado? R. “En este momento me dispongo a hacer un musical más porque como sabes tengo una tendencia muy particular, soy muy propenso a componer canciones y a cantar entonces voy a hacer un musical que es la adaptación de la novela Vargas Llosa ‘Pantalleo y las visitadoras’ lo vamos a hacer con el teatro Nacional. Hace poco hice otro en Pereira que se llama ‘Risaralda Musical’, el teatro tiene una virtud y es que el teatro se produce en condiciones se podría decir de carácter artesanal, entonces siempre hay un maestro y este tiene un grupo y este grupo a su misma vez forma a la misma gente con la cual se trabaja. Y hay otro teatro que es el teatro ya un poco más de carácter industrial que funciona de otra manera, esta es una compañía que se crea que la empresa productora llama y conforma para el espectáculo particular y ya no tiene la permanencia y la trascendencia que podría tener un grupo de estos que clasifico como artesanal. Las opciones son variadas pero digamos que se mueven entre estos dos estilos. Hay un gran desconocimiento dentro de lo que se hace, el estado no tiene los canales para poder capitalizar este trabajo que

nunca es remunerado en la forma adecuada, tú inviertes una cantidad de trabajo y resulta que la obra se presenta unas cuantas veces y ya se deshace porque el estado no dispone de unos canales para su difusión y para su comercialización; digamos que allí tendríamos que entrar a considerar ésa circunstancia como deficitaria. Aprovecho para contarte que vamos a tener una audiencia pública con el congreso encaminada a ir conformando el ‘Proyecto de Ley del Actor’, porque se hace necesario en este país, la profesión del actor es visto muy secundariamente y a veces eso permite que se manejen de manera muy injusta nuestros derechos artísticos y nuestros derechos laborales”. P. ¿Que consejo le daría a los jóvenes? R. “Hay un consejo fundamental que es: Formense, estudien, investiguen, la actuación no es un hecho banal, la actuación es un campo de nunca acabar, donde la investigación nunca termina, no es un asunto de inspiración, yo sí estaría en una contraposición de los que dicen que el actor nace, yo pienso que el actor se hace y por lo tanto requiere mucho estudio, mucho trabajo, una práctica investigativa ininterrumpida que creo es la única forma de llegar a tener una posición teórica sobre la práctica que uno hace y de ésa manera poderla calificar y poderla mejorar cada vez más”. P. ¿Un mensaje para nuestros lectores hispanos? R. “Que nuestro trabajo es lo único que produce ese sentido de pertenencia a nuestra comunidad latina y despierta unidad y eso como fenómeno cultural es algo muy digno de practicar y de continuar; de manera que les mando un abrazo fraterno para todos y espero volver a verlos muy pronto”.

Jorge Herrera en su opera prima "Sin Mala Intención" filmada en su totalidad en la ciudad de NY, en escena con Wilmar Saldarriaga, diciembre. 2013.

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SAVE THE DATE! 23(1 &$// )25 $57,676

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INTERNATIONAL ART EXHIBITION

Una presentaciﾃｳn de Vivid Arts Network y ArtTour International Magazine

Al Gordon

Deborah Banks

Donna Bonin

Gultekin Bilge

Organizada por

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Lawrence R. Armstrong

En colaboraciﾃｳn con

Studio Vogue Gallery

Leroi Johnson

216 Avenue Road Toronto, Ontario, M5R 2J4, Canada

Sep 11th - 27th 2014 Olivia Kapoor

Megan Vun Wong

Rachel Simonson

Roland Behrmann

Sirkka Laakkonen

Suzanne Duncan

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Seonaid Ross

Wendy Carmichael

Sharon Ross

Wei Xiong

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Rafael Amargo

“Mutando La Piel” por Viviana Puello Uno de los bailarines de flamenco y coreógrafos más famosos de nuestro tiempo. Ampliamente reconocido por la incorporación de elementos contemporáneos y las tendencias más vanguardistas en sus coreografías. El mayor regalo de Rafael Amargo no es sólo su talento inconmensurable, sino también su inagotable fuerza, su tenacidad y la personalidad que le ha traído numerosos logros y fama en todo el mundo.

El viaje de ArtTour International Magazine comenzó en la ciudad de Nueva York, donde nos reunimos con Rafael Amargo para nuestra primera sesión de fotos y para filmar el video de la entrevista. Experimentando una de las mayores tormentas de nieve que ha golpeado a la gran manzana este invierno, decidimos que la mejor opción sería utilizar el hotel donde se estaba hospedando como escenario. Rafael Amargo nos recibió para lo que iba a ser uno de los lanzamientos más candentes de la historia de nuestra revista. La temperatura subió cuando Rafael comenzó a posar para nuestras cámaras; quitándose la ropa y desnudando su cuerpo y su alma. Espero que disfruten de estas maravillosas imágenes en "Mutando Piel". Nacido en Valderrubio, - un municipio español situado en la comunidad de Andalucía - en 1975, Jesús Rafael García Hernández tomo su nombre artístico, de un poema de Federico García Lorca. Su carrera comenzó a temprana edad como solista; bailando con los principales coreógrafos de compañias consolidadas, como Rafael Aguilar, Antonio Canales, Mario Maya, y Luisillo entre otros. "No puedo recordar haber hecho otra cosa en mi vida que no sea flamenco. Mi madre me dio a luz a principios del séptimo mes, creo que nací bailando! Yo fui un niño muy precoz. Comencé a cultivarme a los siete años. A la edad de trece, ya había firmado mi primer contrato profesional, y para cuando cumplí los quince

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años, ya estaba bailando el arte del flamenco con compañeros y compañeras de primera categoría. Más tarde, a la edad de dieciséis años, empecé a bailar en la compañía de Lola Flores, quien fue, para mí, el personaje de flamenco más importante de aquel entonces. Recuerdo tener que llevar un permiso escrito para trabajar, firmado por mi padre, porque yo era muy joven. Para mí era más que un trabajo, era ser bailarín de flamenco o morir. Se trataba de una necesidad, una necesidad de vital importancia. Tan grande era esta necesidad, que mis padres no podían detenerme. Tuve que prometerles que iba a terminar la escuela en un momento posterior, y así lo hice,. continué mis estudios hasta graduarme de la universidad. Tengo la suerte de tener unos padres que me entienden y apoyan. Son personas que se han preocupado por darme una buena base, no solo como artista, sino también como persona. Son personas que aman la literatura, la música, la danza y son tanto tolerantes como de mente abierta. Ha sido muy bueno para mí, que me hayan dado la libertad de perseguir y alcanzar las cosas que quiero, que me gustan y esto lo quiero transmitir a mis hijos. Deseo enseñarles a ser personas con sentido común, confiar que pueden elegir una religión por su cuenta, sus carreras... pero sobre todo, a tener un buen corazón. Creo que es la cosa más importante que debemos enseñarle a nuestros niños. Propiciar una educación de cómo pensar y convertirse en un buen ser humano. Yo recibí eso de mis padres y espero entregárselo a mis hijos. Le dije a mi padre: ‘Papá, me gustaría aprender a bailar ahora; porque puedo terminar la escuela más tarde. El me miró y

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respondió, ‘usted tiene un tiempo limitado y una edad en la que puede hacerlo.’; así que lo hice. Deje la escuela por un periodo para dedicarme a tiempo completo a ser bailarín de flamenco. Más tarde volví a la escuela y termine mi educación. A los quince años, mi padre me dejó solo en Madrid y ahora me comenta cuanto sufrió, porque yo era muy joven; y fue mucho. Actualmente, él es muy feliz de haber tomado aquella decisión". Con solo dieciséis años de edad, Rafael Amargo comenzó a bailar en la compañía de la gran Lola Flores, una icona del flamenco y el folclor de Andalucía. Como él lo recuerda, esta fue una experiencia que cambio totalmente su vida. “Recuerdo ir a una audición y me vi entre un grupo de bailarines. Yo estaba en la parte de atrás. Era pequeño, quizás el más joven en el grupo; ella me llamo y me escogió. Creo que he tenido mucha suerte. He trabajado con grandes personalidades. Trabaje en Cuba creando y dirigiendo coreografías para Alicia Alonso y el Ballet Nacional de Cuba. Ha sido fácil, para mí, trabajar con estas grandes figuras. Siento que tengo cierta atracción, o tal vez que irradio este profundo deseo o ambición que define el camino por el cual quiero ir’, y ese mismo deseo y ambición me llevan a hacer las cosas a niveles mucho más altos. He trabajado con el maestro Granero, el gran coreógrafo, para el Ballet Nacional de España; He trabajado con Antonio Canales en sus años de oro y gran era. He trabajado con Rafael Aguilar, el Maestro Luisillo del Teatro de Danza Española, y con grandes teatros de flamenco en

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Madrid, como Café de Chinitas, Alcazaba, Corral de la Morería y La Venta del Gato. Cuando tenía diecinueve años, viajé a Nueva York para estudiar con Martha Graham y cuando cumplí los veintiuno formé mi primera compañía de baile. Con toda la información y experiencia que adquirí de Europa y Nueva York, hice algo diferente e interesante en el flamenco. Yo fui el primero en incorporar elementos audiovisuales en el baile flamenco”. De hecho, Rafael Amargo es considerado un innovador. A pesar de siempre inspirarse en las raices del flamenco, el cual aprendió a una temprana edad de grandes maestros, siempre busca integrar la influencia de diferentes escuelas; como la que adquirió de Martha Graham y nunca demuestra temor al incluir las tendencias más innovadoras y vanguardistas de nuestros tiempos. Pero, sin perder como punto de referencia, el flamenco. El primer espectáculo puesto en marcha por su propia compañía fue "La garra y el ángel" (1997). Dos años más tarde, se puso en marcha "Amargo", y con su actuación gana el Premio Max de las Artes Escénicas. Amargo repite su éxito al ganar nuevamente el mismo premio por lo que se convertiría en una de sus grandes obras… el espectáculo "Poeta en Nueva York", que se lanzó en el 2002 como un homenaje a Federico García Lorca, el gran poeta español. Esta obra transformó uno de los poemas

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más importantes de Lorca en una obra de danza que sería aclamada como “el mejor espectáculo de danza del 2003” y “el mejor espectáculo de la década” el año siguiente. “Poeta en Nueva York” se presenta por toda España. Dos temporadas en Madrid, en el Teatro Lope de Vega (2002), y en el Teatro Albéniz (2003). En "Enramblao" (2004), la danza contemporánea, la danza tap, hip-hop, y el flamenco se funden en un deleite a los ojos que rinde homenaje a las Ramblas de Barcelona. Más tarde, el artista rinde un homenaje personal a Don Quijote de Cervantes, con e l l a n z a m i e n t o d e " E l Q u i j o t e Pa s a j e ro e n Tránsito" (2005). Esta última, demuestra la innovación d e A m a rg o a l o t o rg a rl e u n a p e r s p e c t i va completamente diferente a un personaje Cervantino tan importante. La historia comienza en Tokio, Japón, en el año 2003 y sigue la vida de un joven “otaku” que sufre de una obsesión con los videojuegos y el internet. El personaje de Sancho, por su parte, es un bailarín de break-dance sordomudo. En el 2006, www.arttourinternational.com

estrenó una obra de flamenco puro titulado "Time Out" o “Tiempo Muerto” donde decide regresar a sus raíces y en el 2008, presentó la segunda parte de "Enramblao", la cual recogió muchos elementos del espectáculo original agregándole break-dance, acrobacia, e incluso la danza del vientre, como reflejo de la multi-culturalidad de las grandes urbes. Todas estas obras son testimonio de la flexibilidad de Rafael Amargo. Todas ellas aclaman la mente de un artista que se ve tan conectado con el pasado y el posible futuro de un estilo de baile característico de su natal España. Entre las actuaciones fuera de España destacan las ocasiones que ha estado en Buenos Aires en el Teatro Ópera (2002) y Teatro Gran Rex (2003), en el Festival de Spoleto en Italia (2002), con seis funciones absolutamente llenas en el Teatro Romano, en Moscú en el Teatro Nuevo Bolshoi (2003) y en Nueva York en el New York City Center (2006).

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Una excepcional carrera como bailarín y coreógrafo se transforman, así como lo hizo el corazón de este artista, y evolucionan. Al igual que una serpiente que muta la piel cuando está lista para el crecimiento y la expansión, Rafael Amargo se re-inventa a sí mismo para introducir nuevos proyectos creativos. En el 2013, siguiendo este camino de crecimiento, nos trae su primera obra cinematográfica, la cual creó y dirigió: "El Amor Amargo de Chavela". Este documental incluye la última entrevista con Chavela Vargas, que murió poco después de haberse terminado la película. La icónica cantante habla sobre la vida, la muerte, y las pasiones, asiéndolo en compañía de alguien que la consuela y le toma la mano: Rafael Amargo. En su debut como director de cine, Amargo crea una ficción lírica basada en una carta que Federico García Lorca escribió desde el cielo y envió a su chamana. La película recibió el premio al Mejor Director en la 30ª entrega del Festival Internacional de Cortometrajes de Busan (BISFF) Corea del Sur, y una mención de honor al Mejor Documental sobre arte en el Festival de Cine número treinta en Bogotá, Colombia. También ha sido seleccionada para numerosos festivales de cine en todo el mundo y actualmente está nominada a los Premios Goya 2014. "Mi unión con Chavela”, comenta Amargo,“creció de nuestro mutuo amor por Federico García Lorca, y al compartir tiempo en su residencia durante la grabación de un programa para una estación de televisión en México. Considero que esos cuatro meses de mi vida fueron sumamente importantes, ya que ella fue muy intensa y enriquecedora tanto para mi alma como para mi arte. Las largas conversaciones nocturnas con Chavela, me hicieron un amante profundo de esta trovadora agridulce.

"Para mí la danza es escupir-escupir sentimientos. Gracias a la danza, puedo llorar mejor, puedo reír mejor. Gracias a la danza puedo volar ". Rafael Amargo

Chavela Vargas fue un personaje muy especial. Ella era alguien que no andaba con rodeos; era muy directa al hablar. Viví unos momentos muy intensos. Fue una gran amiga de Frida Kahlo, José Alfredo Jiménez, Agustín Lara, de grandes personalidades en la cultura, presidentes mexicanos, políticos, e incluso de famosos dictadores; pero a ella no le importaba eso. Ella miraba el corazón de la gente. Amaba la libertad, el respeto, la tolerancia, y sobre todo, ella vivió su vida de la manera que quería. Ella era muy fuerte, pero al mismo tiempo muy vulnerable, y tenía un buen corazón. Chavela era un genio en lo que hacía. Sus errores los convertía en genialidades. ¿Cuánta gente puede hacer eso?" Photo Ezio Bevere © Copyright 2014 All Rights Reserved

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Un artista carismático, divertido, cariñoso y sensible, Rafael Amargo ha estado activo y en contacto con las artes visuales. Esto le ha permitido el apoyo de artistas plásticos como Luis Gordillo o Esperanza D'Ors, y ser fotografiado por Bruce Weber y Christopher Makos, como también el preparar la coreografía de obras para el Museo Chillida en Hernani, España. P. ¿Has tenido un momento de crisis de inspiración? R. "Si Cuando hice la película El Amor Amargo de Chavela’, me fui en busca de ella, porque sentía un vacío en mi corazón. Ni siquiera tenía ánimos de bailar. Quise dejar el baile, porque el baile para mí en ese momento era seguir haciendo lo mismo pero sin la misma motivación y esto es algo que nunca se debe perder. Gracias a esa película, recuperé mi motivación y pude seguir adelante." P. ¿Que es la danza para ti?" R. "Para mí la danza es escupir, escupir sentimientos. Gracias a la danza, puedo llorar mejor, puedo reír mejor. Gracias a la danza siento que puedo volar”.

muchas cosas al mismo tiempo es difícil tener una pareja. Soy muy activo. Todavía no he terminado un proyecto, y ya estoy empezando uno nuevo. Así que no puedo decir que un día en mi vida es igual a otro. Todos son diferentes”. Rafael Amargo nunca se detiene. Sigue creciendo, evolucionando y transformándose. Desde sus primeros años en Madrid con la gran Lola Flores, a través de su viaje como un consumado bailarín de flamenco, coreógrafo, y ahora como un reconocido director de cine, nos sigue sorprendiendo con su capacidad de transformarse y reinventarse en una versión superior al artista que de una u otra forma es inevitable describir como “fantástico”. Esta es la marca del éxito que los artistas contemporáneos necesitan para dejar su huella en la industria de las artes; ser constantemente cambiante, estar actualizado con las corrientes que moldean este ámbito y quizás más aun, no tener miedo al momento de experimentar. Después de todo, se necesita romper ciertos arquetipos y explorar áreas fuera de lo que estamos acostumbrados para poder crear algo genuinamente nuevo y fresco. Rafael Amargo es alguien sobre quien siempre mantendremos nuestros ojos… alguien a quien siempre veremos “Mutando Piel”.

P. ¿Cómo es un día en la vida de Rafael Amargo? R. "Un día en mi vida es como.... nadie me podría comprender. No existe un día que sea igual al otro, creo que esa es la razón por la que estoy solo y no tengo una pareja. Cuando se comparte la vida con alguien, y se tiene un trabajo regular, etc. se puede tener una vida estable; pero cuando eres un profesional independiente como yo y tienes una empresa propia, cuando impartes talleres en todo el mundo, se trabaja en la televisión, se planifica una película, cuando se es tan ecléctico y se hacen

Disfruta esta entrevista en Español! Log on to WWW.ATIMTV.COM en Español Danza, movimiento, fuego y pasión. Disfruta de estas candentes escenas con Rafael Amargo! Para ver esta entrevista visita hoy nuestro canal: WWW.ATIMTV.COM en Español

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“Creando Con Pasión” por Enric G. Torrents

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ARTTOUR INTERNATIONAL EN ESPAÑOL “Gitana” - Oil on Canvas by Fabian Perez 2003

El estatus internacional de este gran exponente del arte de nuestros tiempos ha sido confirmado muchas veces, más recientemente, cuando fue galardonado con el prestigioso trofeo al ser escogido como “Artista del Año 2014” por la Accademia degli Artisti en Italia. Fue nombrado artista oficial de los Latin Grammy Awards 2010 y los Juegos Olímpicos de Invierno de 2010 en Vancouver. También ha sido reconocido en su país natal, Argentina, con una exposición pública financiada por el gobierno - un gran tributo a un artista plástico de renombre internacional que ha traído honor a su país. ArtTour International Magazine reconoce la gran carrera artística de este genio del arte contemporáneo otorgando el ATIM Masters Award 2014 a Fabián Perez con el título “Maestro del Arte Contemporáneo”.

Fabian Pérez es el artista más joven en la escena del arte contemporáneo a alcanzar tal nivel de reconocimiento internacional. Sus obras magistrales, su reputación y el gran impacto de sus composiciones lo han establecido como el más excitante artista figurativo de nuestros tiempos y su éxito masivo en todo el mundo no muestra signos de disminuir. Pérez, nació en Buenos Aires el 2 de noviembre de 1967, un gran maestro de la pintura, especialmente

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admirado por su gran trayectoria profesional, sus obras están llenas de pasión, inspiradas en el tango, el flamenco, el romanticismo, la sensualidad, y sus propias vivencias. La niñez de Fabián Pérez fue difícil, marcada por el estilo de vida poco convencional de su padre que era propietario de burdeles y clubes y muchas veces lo llevo de niño a esos establecimientos, por un gran apoyo de parte de su madre quien también era artista

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y siempre animó a su hijo a desarrollar sus aptitudes para el arte. Fabián perdió a sus padres a temprana edad y quedó solo luchando para sobrevivir y velar por si mismo. Durante sus años de juventud combinó la práctica de las artes marciales con una vida nómada, y en 1989 Pérez se instaló junto a su maestro japonés Oscar Higa en Padua, Italia. Ahí, decidió dedicarse plenamente a la pintura, hallando en ella un refugio para escapar de una realidad a menudo difícil, dando rienda suelta a su genio, pasión y talento. En esta época Fabián escribió también su primer libro, "Reflexiones de un sueño". Desde entonces, Pérez ha realizado más de doscientas exposiciones individuales por todo el mundo. Tras más de siete años viviendo en Italia, Fabián Pérez se trasladó al Japón, donde continuó compaginando su creación artística con la práctica de disciplinas como el Karate y el Shodo. Su fama y reconocimiento internacionales se asentaron definitivamente en 2009, año en que Fabián fue elegido artista oficial de la décima gala latina de los Premios Grammy. Su estrella ha estado desde entonces en constante ascenso, siendo también elegido como artista oficial de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2010, y de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012, celebrados en Vancouver y Londres. Actualmente Fabián está afincado en Los Ángeles, donde vive junto con su esposa e hijos. El estilo de Pérez es descrito por si mismo como "NeoEmocionalismo", caracterizándose por el uso de acrílicos de secado rápido para permitir más libertad en la expresión de sus sentimientos e instintos, plasmados con trazos rápidos ejecutados con determinación. El resultado son imágenes audaces, románticas, apasionadas, creadas por la yuxtaposición de colores, sombras y reflejos. Coincidiendo con una gira del artista por el Reino Unido, en 2014 fue publicada una

“Flamenco Dancer” - Sculpture by Fabian Perez

retrospectiva conmemorativa de la obra de Pérez, titulada "Neo-Emotionalism: a Ten Year Retrospective”, con más de trescientas páginas conteniendo numerosas fotografías de sus cuadros, esculturas, esbozos y dibujos, en las que puede apreciarse la evolución del estilo y temáticas a lo largo de su carrera. Durante su viaje por Inglaterra el pasado mes de mayo, tuvimos el placer de encontrar a Fabián Pérez en Manchester durante una de sus exhibiciones, y nos concedió la siguiente inspiradora entrevista, disponible en atimtv.com, en la que nos abrió su corazón: P. ¿Recuerdas tu primer encuentro con el arte? Cuándo decidiste que querías ser artista? R: “Siempre me ha gustado pintar, pero nunca pensé que un artista podría tener éxito antes de morir. Cuando vendí mi primer cuadro, por supuesto, cambié de opinión”. P. Comenzaste como artista tras instalarte en Italia, ¿cuál fue el punto de inflexión? ¿Qué pasó en Italia para inspirarte a comenzar tu carrera en el arte? R. “En Italia viví junto con mi maestro de karate, Oscar Higa. Después de ver una noche mis dibujos y acuarelas, él me animó a pintar profesionalmente. De este modo me decidí a participar en un concurso, en el que recibí un premio por una pintura llamada vivir en el momento. Un día un amigo mío trajo a su hermana a mi

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ARTTOUR INTERNATIONAL EN ESPAÑOL “Self Portrait” - Oil on Canvas by Fabian Perez 2008

estudio, ella trabajaba en una galería en Alemania y me preguntó el precio de una acuarela en particular, y yo se la vendí por cincuenta liras. Eso me dio que pensar,.. ¡si puedo vender uno, puedo venderlos todos!” P. Tus pinturas tienen una composición muy fuerte: todas parecen estar narrando una historia. ¿Qué estamos mirando? ¿Puedes explicarnos tu proceso creativo? R. “La composición en mis pinturas la marca puramente el tema y el lugar: es siempre sugerente y misteriosa, con pequeñas referencias al lugar, la temperatura, etc. Tengo mis ideas por la noche. Las esbozo, y al día siguiente me voy al estudio y las pinto”. P. ¿Cómo es un día típico en tu estudio? R. “Mi estudio está situado separado de mi casa en la parte posterior. Voy de ida y vuelta de la casa al estudio todo el día.

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Durante mis descansos, me gusta estar con mi familia. Luego regreso al estudio”. P. Mencionaste anteriormente que una gran parte de tu inspiración proviene de los recuerdos de tu juventud, del tiempo que pasaste en los clubes nocturnos y burdeles de tu padre. ¿Cuáles son tus recuerdos más preciados de aquellos tiempos? R. “De esa época recuerdo ver a mi padre arreglarse para salir de noche, recogiendo su traje, su corbata, su sombrero... Recuerdo también cómo trataba de escabullirse para salir con su pandilla. O lo petrificada que se quedó mi madre en las pocas ocasiones en que le dispararon accidentalmente. Mi madre era una mujer brasileña de carácter fuerte, con clase. Mi padre la conoció mientras ella cantaba en un club nocturno. Pronto le pidió que viniera a cantar para él, en su club nocturno que se llamaba Las Brujas. Cada domingo nos gustaba ir al cine con ella, y después a comer pizza y discutir la

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“Eugenia III” - Oil on Canvas by Fabian Perez 2014

película. Son los recuerdos que tengo de ellos, podría escribir fácilmente un libro sobre la vida de mis padres”. P. Tus obras están llenas de romance y pasión. ¿Qué es el romance para ti? R. “Para mí, el romance es un ideal de vida. Yo vivo en un gran romance (risas)”. P. La inspiración puede ir y venir, hasta que se descubre que fluye desde dentro. A veces, un individuo requiere un poco de tiempo para descubrirse como artista. ¿Alguna vez has tenido una crisis de inspiración? R. “Todos los artistas tienen crisis de inspiración. Picasso dijo: "la inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando". Es en el estudio dónde es más fácil entrar en contacto con la inspiración”.

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P. Te has movido mucho a lo largo de tu vida, ¿qué te has llevado contigo de cada país, y qué recuerdos tienes de cada uno de ellos? R. “Lo más importante que aprendí mientras vivía en diferentes países es que no hay paraíso. Tan pronto como sales de la casa de tus padres, estás obligado a buscar tu lugar en este mundo. Uno pertenece a los lugares donde vive; cada uno de ellos te da mucho emocionalmente. El momento en que los días ya no son especiales, es el momento de ir a otro lugar. Cada movimiento es una experiencia emocionante e interesante”. P. ¿Qué es lo que desearías que el espectador se llevara de tus pinturas? R.“Ese tipo de experiencias pasadas que ayudan a ser mejor en el futuro”. P. ¿Cómo te sientes acerca de los eventos en los que el público puede verte en acción y Septiembre 2014

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R. “Me gustaría ver a los artistas ser más optimistas, viendo el vaso de la vida medio lleno. Además, me gustaría ver a los artistas exhibiendo su habilidad artística. A veces, los artistas inventan historias acerca de los cuadros que parecen más importante que los propios cuadros, y eso me da que pensar: ¿debo enmarcar las pinturas, o las historias? Justamente es este dilema lo que me inspiró a crear el Neo-Emocionalismo”. P. En qué estás trabajando actualmente? Qué proyectos, espectáculos y demás tienes en desarrollo? R. “Estoy trabajando en una serie de pinturas llamadas “La estación de tren”, donde la idea es retratar los sentimientos de la gente cuando se separan o cuando se reúnen con sus seres queridos. También estoy trabajando en otra serie llamada “El Verso”, que muestra un tipo tratando de conquistar a una chica, exagerando y manipulando la verdad”.

“Nocturnal Surprise” - Oil on Canvas by Fabian Perez 2002

disfrutar de tu trabajo, cuál es tu relación con la gente que admira tu arte durante estos eventos? R. “He hecho más de 250 exposiciones individuales en todo el mundo, creo que son una gran oportunidad para conocer y escuchar los comentarios de la gente. La gente viene y expresa lo bien que mi trabajo les hace sentir. Eso es muy halagador”.

P. ¿ U n a p a l a b r a p a r a e s o s a r t i s t a s emergentes que tratan de abrirse camino en esta industria? R. “Creo que cualquier cosa que quieras lograr en la vida depende de la concentración, disciplina y la confianza que tengas en ti mismo. Pero, si tengo que elegir una sola palabra, esta palabra es CREER”. WWW.FABIANPEREZ.COM

P. ¿Qué cambios te gustaría ver en el mundo del arte de hoy en día?

Disfruta esta entrevista en Español! Log on to WWW.ATIMTV.COM en Español En una entrevista inspiradora y sincera realizada el 16 de mayo de 2014 en Manchester, Reino Unido, Fabian Perez se refiere a la carga emocional de su proceso creativo, así como la inspiración detrás de sus pinturas llenas de romance y pasión. Para ver esta entrevista visita hoy nuestro canal: WWW.ATIMTV.COM en Español

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Una ventana al mundo con los principales protagonistas del arte internacional. “Art 2 Heart”, El programa de entrevistas transmitido por ATIMTV.COM conducido por la celebre personalidad del arte Viviana Puello, Editora de ArtTour International Magazine. En un ambiente cálido y personal pero con un contexto profesional, Viviana Puello conversa con artistas, galeristas, celebridades y personajes que brindan al publico información de actualidad en la plataforma del arte internacional.

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Gabo, De Todos El Más Grande! por Enric G. Torrents

Sus obras llenas de magia y realismo, mostraron a millones de lectores, la pasión, superstición, violencia e inequidad de Latinoamerica, sobrepasando las ventas de todo lo que ha sido publicado en Español, con excepción de la Biblia. Su obra maestra de 1967 “100 Años de Soledad” vendió mas de 50 millones de copias en más de 25 lenguajes. El colombiano Gabriel García Márquez (6 de marzo, 1927 - 17 de abril, 2014), nacido en la municipalidad de Aracataca, fue uno de los escritores más destacados del género literario conocido como realismo mágico. Criado por sus abuelos hasta los ocho años de edad, Gabriel, también conocido como Gabo, siempre reconoció como una de sus máximas fuentes de inspiración las historias fantásticas que le contaba asiduamente su abuela, y las anécdotas militares de su abuelo. Inicialmente estudiante de derecho en la Universidad Nacional de Colombia, pronto decidió encaminar su futuro hacia el periodismo y la literatura. Gabriel empezó su carrera literaria como articulista para periódicos. Durante sus años de formación escribió para los diarios El Universal de Cartagena y El Heraldo de Barranquilla, empapándose con el estilo de autores como Virginia Woolf, James Joyce, William Faulker y Ernest Hemingway. Posteriormente pasaría a escribir por periódicos como El Momento y El Espectador, publicando www.arttourinternational.com

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artículos tan emblemáticos como la polémica serie "Relato de un Náufrago¨ (1955), una historia real sobre corrupción, contrabando y supervivencia en la marina militar. Temiendo represalias del régimen dictatorial de Gustavo Rojas Pinilla, Gabriel fue enviado a Europa como corresponsal extranjero. Gabriel tubo que esperar siete años para ver publicada su primera novela, "La Hojarasca" (1955), considerada por él mismo como su mejor obra temprana por su espontaneidad y originalidad. En ella narró la historia de un coronel, como su abuelo, en el ficticio pueblo de Macondo, explorando por primera vez gran parte de los temas que luego desarrollaría en su obra de madurez. Luego de "La Hojarasca", su siguiente novela fue "El coronel no tiene quien le escriba" (1957), cuyo principal tema es la soledad - uno de los más recurrentes en la obra de Gabriel García Márquez-, así como la insignificancia del individuo bajo la ley marcial, la corrupción del gobierno, y la vida en Colombia durante los años de la violencia. A pesar de los peligros, Gabriel mantuvo su activismo político a lo largo de toda su carrera, apoyando numerosas causas populares en latino América. Su afiliación con movimientos alineados con la Cuba comunista le valieron, por ejemplo, la denegación de entrada a Estados Unidos sin permiso especial, y su persecución en Colombia por la supuesta financiación del grupo para-militar, recibiendo asilo político en México.

“Lo único que me duele de morir, es que no sea de amor”. Cien Años de Soledad

A lo largo de los años Gabriel fue autor de muchas otras novelas emblemáticas, relatos cortos, y artículos periodísticos, entre las que cabe destacar sus obras magistrales "Cien Años de Soledad" (1967), de las que vendería más de treinta millones de copias y le valió numerosos galardones - como por ejemplo el Premio al Mejor Libro Extranjero en Francia, el Premio Chianciano en Italia, el Premio Rómulo Gallegos de 1972, y el Premio Internacional de Literatura Neustadt de ese mismo año-, "El Otoño del Patriarca" (1975) sobre la soledad del poder, y "El Amor en Tiempos de Cólera" (1985), la historia de un triángulo amoroso, posteriormente adaptada como película por el director de origen británico Mike Newell. La calidad y originalidad de sus creaciones le valieron el unánime reconocimiento como uno de los autores más significativos del siglo veinte, siendo condecorado en 1981 con la Legión de Honor francesa, y en 1982 con el Premio Nobel de Literatura por su extraordinaria contribución en el mundo de las letras.

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"Yo creo que todavía no es demasiado tarde para construir una utopía que nos permita compartir la tierra". La Mala Hora.

“¿Por qué tendría que estar en el limbo? ¿Acaso había muerto? No. Simplemente fue un cambio de estado, un tránsito normal de un mundo físico a un mundo más fácil, descomplicado, en el que habían sido eliminadas todas las dimensiones”. Eva está dentro de su Gato

Gabriel García Márquez fue diagnosticado de cáncer linfático en 1999. Tres años después, publicó el libro "Vivir Para Contarla" (2002), el primero de tres volúmenes de memorias que no llegaron a escribirse. En su última novela, "Memoria de Mis Putas Tristes" (2004), Gabriel narró la historia de un viejo periodista que se enamora de una prostituta. Esta obra fue posteriormente adaptada al cine por el director danés Henning Carlsen, sumándose a la lista de películas basadas en obras del autor, como por ejemplo: “La Viuda de Montiel” (1979) de Miguel Littin, “Maria de mi Corazón” (1979) de Jaime Humberto, "Crónica de una Muerte Anunciada" (1987) de Francesco Rosi, “El coronel no tiene quien le escriba” (1998) de Arturo Ripstein, "Del Amor y Otros Demonios" (2010) de Hilda Hidalgo, y la ya mencionada adaptación de "El Amor en los Tiempos del Cólera" (2007). El mismo Gabriel fue activo en la industria cinematográfica, tanto como crítico, escritor de guiones, director del Instituto de Cine de la Habana, y presidente de la Fundación Latinoamericana de Cine. Sus guiones incluyen películas como "El gallo de oro" de Juan Rulfo, "Tiempo de morir" (1966), "Un señor muy viejo con unas alas enormes" (1988) y la serie de televisión "Amores difíciles" (1991).

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Gabriel García Márquez murió el el 17 de Abril pasado, un jueves santo, el mismo día que Úrsula Iguarán, personaje de “Cien años de Soledad”. El creador del ‘realismo mágico’, figura literaria que después se convirtió en movimiento, Falleció a los 87 años. Durante su carrera publicó 42 obras entre 1955 y 2010. El legado de Gabriel García Márquez es, tanto en ficción como no ficción, e independientemente del medio de expresión, de una genialidad inigualable. Cada una de sus obras fue esperada por los críticos y literatos como un evento de importancia mundial, tal como afirmó la Academia Sueca de las Letras al otorgarle el Premio Nobel. Considerado por muchos como el autor en lengua española más famoso desde Cervantes, Gabo es, sin ninguna duda, uno de los autores más importantes del siglo veinte, y uno de los máximos exponentes de la literatura colombiana y latinoamericana de todos los tiempos. Como tal, será siempre recordado con honor, y reverenciado como fuente de inspiración para futuras generaciones.

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Son los viejos chamanes Que son parte del viento De los sueños blancos Del Quetzatcoal Que prometio Volver A Saludar A los Aztecas, y los Taínos Quien Le Robo Las que todavía flotan Estrellas A los Mayas? Y Los Caribes Estaban antes Que Llegaran los buscadores del Dorado esperando la llegada de sus viejos enemigos Pescadores en la sombra del silencio , sus cuerpos en el polvo, están llorando en el amazonas los antiguos Yanomami el recuerdo de la madre tierra mientras los brujos buscan los espíritus de los arboles que caen por el filo de las hachas Y siguen escapando de sus perseguidores , Atahualpa creyó que el oro podía comprar la ambición del hombre y quedo solo el recuerdo escondido en una ciudad de piedra al borde de las montañas, de los andenes hechos con su sangre Resiste como los guaraníes de las viejas comarcas, la reducción de los espacios que os pertenecía, también lloran sal en la serpentina silueta del Loa los viejos herederos de los Incas, el grito de tu Pacifica resistencia duerme en las vasijas rotas, en la inmortalidad de las momias Siempre en las alturas, el licor de madera , regalo para la tierra, pachamama Eres sabia cuando recibes en tus manos como el Licor también las lagrimas de los altiplanos Aymarás Estaban también Sobre el Huelen, antes de Santiago de Chile detrás de la vieja frontera propagar la lengua de la tierra, Por el viento, caminar entre los bosques, para no ver en las Noticias al ultimo hijo de la tierra 50 millones se fueron los primeros veinticinco años ahora son del viento parte del polvo, de la tierra Álvaro Retamal Parada nació el 17 de Julio de 1973, pasó su infancia entre Santiago, Punta Arenas y Caracas. un minuto de silencio por ellos Estudió Derecho y Administracion Publica y vivió más de 10 años en Italia, durante los cuales participó en grupos que principalmente tratan la tematica historica y actual de Latinoamerica en general. Contact: retamo@yahoo.com

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CARL BORGIA

“Venetian Sun” – Original Oleo Sobre Lienzo 48” x 36” – Reproducciones Disponibles

WWW.CARLBORGIA.COM

omo artista, me siento inspirado por algunos de los lugares más bellos y exóticos del mundo. Muchas de mis obras son de mis países patrimoniales; Brasil, Italia y Portugal. Mezclo el color y el alma, y pretendo crear una geografía que le es familiar pero diferente, real pero también trascendente, personal pero también universal. Espero que su viaje a través de mi mundo sea especial porque está influenciada por el amor a mis sujetos. www.carlborgia.com

“The Grand Canal” – Original Oleo Sobre Lienzo 36” x 60” – Reproducciones Disponibles

“Ipanema” – Original Oleo Sobre Lienzo 24” x 48” – Reproducciones Disponibles

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CHRISTINA LAPPA

hristina Lappa, impresionada por la belleza de la flora y la fauna de su tierra natal, Venezuela, pinta representativas aves y plantas. Se inspira en la naturaleza y en la vida cotidiana de las mujeres. Causan impresión los intensos y brillantes colores. En particular las composiciones que reflejan los mercados, el color esta en un frenesí constante que literalmente, atrae la mirada del espectador.

Las largas figuras de las mujeres en coloridos vestidos, el viento y así como se extienden sus sombras sobre el suelo, hacen cada cuadro único. También los multicolores papagayos, tucanes, plantas y arboles pintados del mismo modo con colores vivos e intensos hacen las obras irradiar la alegría de vivir. WWW.CHRISTINALAPPA.COM

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GRACIELA MONTICH

“Curious Flower ” Oleo sobre Lino 46,5” x 42”

“Jardin de arena” Oleo sobre Lino 71” x 43”

a belleza del arte se refleja en la alegría del espíritu."

Nacida en la ciudad de Córdoba, Argentina, Graciela Montich comenzó su actividad artística estudiando pintura y dibujo. El tema principal de su obra es la naturaleza viva, los jardines verticales, y las diferentes formas en que las personas interactúan con la flora. Montich realiza sus obras a escala real, de modo que el expectador se sienta invitado a participar en ese mundo ideal dentro de un marco. Ha participado en numerosas exposiciones y ferias en Argentina, los EE.UU. y Europa. La técnica utilizada en sus obras es óleo sobre lino y lámina de oro. WWW.GRACIELAMONTICH.COM

“Quiero Amarte” Óleo sobre Lino y Lámina de Oro 47” x 49”

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GÜLCAN KARADAĞ G

ulcan Karadag es graduada de la Academia de Bellas Artes de Estambul, Turquía. Ha participado en 26 exposiciones individuales y 10 colectivas en Turquía y en el extranjero. Sus obras s o n u n re f l e j o d e l a emoción mística, muchas de ellas pertenecientes a colecciones privadas en Turquía y en otros países. Ha sido galardonada con el premio “Success Award of Contemporary Artists” por el Museo de Arte y Escultura en Estambul . En la actualidad continúa su trabajo en su estudio privado en Estambul Turquía. WWW.GULCANKARADAG.COM

“Continuity and Change” - Oleo Sobre Lienzo, 71” x 47” “Macro Cosmos- Micro Cosmos” - Oleo Sobre Lienzo, 47” x 71”

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HÉLÈNE DESERRES

“Reflexion_0791”

VIAJE CREATIVO EL ARTE ES MI OXIGENO

e sido una ávida fotógrafa desde la infancia, apasionada por la aventura y los viajes, me fascina explorar las diversas culturas y la intensa belleza de este planeta. Luego de vuelta en mi estudio, utilizando diversos medios, me encanta crear un universo nuevo y misterioso utilizando transparencias, texturas y colores vibrantes que evocan tanto el surrealismo de las imágenes y como los misterios de la naturaleza. WWW.HDESERRES.COM

“Bottle0649 ”

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IVY REXACH MARSACK Ivy Rexach Marsack (Ivy) es una nueva artista autodidacta en las bellas artes. Ella también es cantante profesional, compositora, músico, oradora y maestra. Se graduó de la Universidad del Sureste en Lakeland, Florida con una licenciatura en educación musical. El talento artístico de Ivy comenzó a desarrollarse a una edad muy temprana. Ella dibuja con destreza desde sus años de escuela primaria. Ivy comienza a experimentar con pinturas de óleo por primera vez en el 2011 y hoy día es su medio preferido como artista. También utiliza los medios de acuarelas y pinturas de acrílicos con frecuencia. Nacida en Puerto Rico, lógicamente, ella ama las zonas tropicales y el clima cálido. La belleza Latina junto a sus colores vibrantes es un tema común en varios de sus trabajos de arte. Usted será capaz de experimentar la energía de los colores primarios, la sensación de romance a través del uso de matices suaves, y el movimiento creado por la textura en sus cuadros. Su estilo artístico se presta a ser categorizado como una mezcla entre el impresionismo y el realismo. El uso de la espátula para crear terminados y textura caracteriza su principal estilo al pintar.

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ARTTOUR INTERNATIONAL EN ESPAÑOL Para Ivy, nada está fuera de límites cuando se refiere al arte. Ella pinta todo lo que considera hermoso y de buen gusto. Esto podría ser tan simple como un colorido jarrón de flores, o un paisaje tropical, o una bella mujer recostada en su cama, o tal vez una niña pequeña recogiendo conchas de mar en la playa. Ella cree que la vida es un lienzo espiritual donde muchos momentos hermosos pueden ser creados y experimentados. A ella le gusta capturar estos momentos con su pincel, espátula y un lienzo literal. Ivy es profundamente espiritual en su fe. A menudo le pide a Dios que la guíe mientras pinta porque cree que Dios es el gran Maestro que pintó con destreza el universo y lo puso en marcha. Ella suele consultar con Dios cuando se enfrenta a un desafío mientras va pintando y creando. Ella atribuye su rápido crecimiento como artista a esta conexión con Dios y a su fe en Dios. El estilo artístico de Ivy es el resultado de la influencia y admiración de artistas maestros como Claude Monet, Pino y Royo. Para obtener más información sobre los trabajos de Ivy o si tiene preguntas o para pedidos e invitaciones, por favor visite www.ivyarte.etsy.com o póngase en contacto con ella directamente escribiendo a su correo electrónico: ivyrex@gmail.com. WWW.IVYARTE.ETSY.COM

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MARTHA ESPINOZA

“Lejos De Mi Pueblo ” Acuarela y Tinta China 16” x 12”

rtista autodidacta, nací en San Carlos, zona norte de Costa Rica. Los primeros pasos artísticos empezaron desde pequeña observando y dibujando las obras de los grandes maestros de la historia. Inclinada siempre por el arte realista, pero fue hasta el año 2011 que mi visión cambio ante la perdida de mi esposo , mi maestro y mento, (artista Don Black), y empecé a explorar dentro del simbolismo abstracto con ese juego del universo imaginativo donde combino elementos geométricos, formas abstractas y símbolos. Mi arte es como un juego de rompecabezas, donde trato que las figuras fluyan y convivan en perfecta armonía, trato de evocar una visión del mundo, algunos temas para alertar conciencia sobre la realidad en que vivimos y por otro lado parte de mi diario de vida.

“Night with Don Black ” Acuarela y Tinta China 11” x 8,5”

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“Motta-2 ” - Acuarela y Tinta China, 12” x 9”

WWW.ARTISTASDELATIERRA.COM/ARTISTAS/M.ESPINOZA

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SANTIAGO BETANCUR Z S

antiago Betancur Z, nacido en Medellín el 5 de octubre de 1967, nieto del fotógrafo colombiano Floro Ezequiel Z, es un pintor, fotógrafo, profesor de diseño y arte reconocido, por sus espléndidos estudios sobre burbujas, y otras creaciones situadas a medio camino entre el arte abstracto y la divulgación científica. Licenciado en bellas artes por la Universidad de Colombia en 1998, Santiago Betancur Z expuso por primera vez sus obras ese mismo año, en la exposición colectiva “Imágenes Propias” (“Own Images¨) de la Cámara de Comercio de Medellín. Durante estos años de formación recibió la influencia de Jaime Andrés Orozco, del estudio “UX3”. La trayectoria como artista de Santiago Betancur Z prosiguió con las exposiciones individuales “Límite” (“Limit”), en la misma cámara de comercio, y “Sin Límites” (“Without Limits”), en la Universidad Nacional de Colombia. Ambas exposiciones tuvieron lugar en el año 2002, cuatro años después su graduación, y comprendieron una extensa colección de cuadros,

“Reconciliación y Reencuetro I” - Acrílico sobre Lienzo, 18” x 18”

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ARTTOUR INTERNATIONAL EN ESPAÑOL “New Born” - Acrílico sobre Lienzo, 48” x 67”

dibujos y fotografías en los que se apreciaban ya los elementos temáticos y estilísticos característicos. En 2004 Santiago Betancur Z participó en dos eventos de especial trascendencia para su carrera como artista, el Planetary Jesus Emilio Ramirez, y el Encuentro Colombiano de Fotografía. En el primero expuso por primera vez su obra “Natura y Forma” (“Nature and Form”), una combinación de fotografías y vídeos experimentales realizados con pompas de jabón. En este trabajo, uno de los más emblemáticos de Santiago Betancur Z, el artista presenta las burbujas sobre un fondo oscuro, mostrando un mosaico caleidoscópico de colores y

“Soldado” - Acrílico sobre Lienzo, 51” x 67”

efectos de luz producidos por las delicadas esferas y sus azarosos cambios de forma en el aire. Tales experimentos, muy celebrados por la crítica y de una calidad y belleza extraordinaria, fueron, años después, presentados en contextos tanto artísticos como científicos, como por ejemplo el Instituto Copérnico, el Palacio de la Universidad de Varsovia, el Museo de Ciencia de Miami y el Parque Explora de Medellín. En su segundo evento de 2004, la exposición individual “Universos Translúcidos” (“Translucent Universes”), Santiago Betancur Z tuvo el honor de ser invitado a representar a la ciudad de Medellín, exponiendo sus fotografías sobre el color y los efectos de la luz en superficies translúcidas. Desde entonces y hasta 2006 Santiago Betancur Z fue miembro del grupo artístico y de investigación “Entre la Ciencia y el Arte” (“Between Art and Science”) de la Universidad Nacional de Colombia. Durante dos años en ese período (2005-2006) Santiago Betancur Z fue también profesor de esa institución en la carrera de artes plásticas. Cabe destacar también su participación en el Encuentro Nacional de Óptica EAFIT, en 2005, con la exposición “Aquantica” de fotografía y vídeo, así como su colección “Un Universo Secreto” (“A Secret Universe”) en el Festival de Ciencia Nauki de 2006, en la ciudad polonesa de Varsovia. Ese mismo año Santiago Betancur Z participó en la aclamada exposición

“El Incomprendido ” - Acrílico sobre Lienzo, 77” x 70”

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ARTTOUR INTERNATIONAL EN ESPAÑOL “Reconciliación y Reencuetro III” - Acrílico sobre Lienzo, 18”x18”

“Reconciliación y Reencuetro V” - Acrílico sobre Lienzo, 18”x18”

colectiva “Gamma Natura” en el Museo de Arte Moderno de Medellín, presentando un muestrario de sus mejores fotografías.

Santiago Betancur Z fue nuevamente reconocido con una exposición permanente en este país del este europeo, concretamente una exposición de vídeo en el Instituto de Ciencias Copernico (Copernique Institute Centrum Nauki) de Varsovia, un centro de más de 15.000 metros cuadrados inaugurado ese mismo año con el objetivo de popularizar la ciencia entre el público general. Los vídeos sobre burbujas de Santiago Betancur Z han sido reconocidos en muchas otras ocasiones por su valor divulgativo y documental, llegando a ser nominados como mejor película experimental en el Festival de Corto Metrajes de Miami (Miami Short Film Festival).

La primera exposición permanente del artista, llamada “Habitación de Pompas de Jabón” (“Soap Bubbles Room”), fue instalada en 2007 en el centro Explora Park de Medellín. De nuevo, son sus vídeos y fotografías sobre burbujas los protagonistas de esta colección, con el tema de la física viva y los límites desdibujados entre la ciencia y el arte como hilo conductor. Santiago Betancur Z participó ese año en otra exposición colectiva en el Museo de Arte Moderno de Medellín, en esta ocasión con una colección de fotografías llamada “Había una Mujer de Plástico” (“There was a Plastic Girl”). El año siguiente Santiago Betancur Z fue honrado con una posición de profesor de diseño en la Universidad de los Andes, en Bogotá, y condecorado con el primer premio del concurso de fotografía científica en la competición Price Fringe Art Competition 2008 de San Diego, California. 2008 fue también el año en el artista gozó del honor de instalar una nueva colección permanente con sus vídeos y fotografías, llamada “Mecánicas Celestes” (“Celestial Mechanics”), en esta ocasión en el Palacio de la Universidad de Varsovia, en Polonia. Dos años más tarde, en 2010,

Actualmente Santiago Betancur Z está afincado en la ciudad Miami, desde donde desarrolla su obra pictórica, a menudo centrada en la representación de parejas en situaciones amorosas, y personajes de ficción como el Conde de Monte Cristo. Santiago Betancur Z ha gozado de exposiciones individuales en la Alberto Linero Gallery de Wynwood Arts durante cinco años consecutivos desde 2011, siendo honrado con la incorporación en colecciones particulares tan prestigiosas como la de Guy Laliberté, fundador del Cirque du Soleil. Desde entonces Santiago Betancur Z ha expuesto de manera individual en las galerías Avant Gallery, la Independent Visual Art Gallery (con su exposición “Aqua Nature”) y la Artopia Gallery de

ARTTOUR INTERNATIONAL EN ESPAÑOL “Seis Santas II” - Acrílico sobre Lienzo, 16”x16”

Miami, así como en la Galeria Jane Griffiths de Francia. Santiago Betancur Z no ha abandona, en cualquier caso, su exploración de las formas, superfícies y luces entre el arte y la ciencia que le han valido tanto reconocimiento internacional. Al contrario, sus vídeos y fotografías sobre el microcosmos de las burbujas han llegado, en esta nueva etapa, a su cénit. En 2013 la obra de Santiago Betancur Z fue expuesta en el Museo de la Ciencia de Miami, en una fantástica exposición llamada "Bubbles". Aclamada por la crítica, esta exposición de vídeos y fotografías fue la culminación -hasta la fecha- de los más de once años de estudio de las pompas de jabón como objeto de representación artística por parte del artista. Presentando imágenes entre la mágia y la mística, las esferas producidas por las burbujas expuestas a focos de luz evocan paisajes cósmicos de belleza irreal, reminiscentes de fenómenos celestes de escala infinitamente mayor -contrastando y comparando la fragilidad microcósmica de las pompas con las imágenes de planetas, galaxias y nebulosas en el plano macrocósmico, pero sobretodo poniendo de manifiesto la complejidad y belleza presente en los pequeños detalles de la vida diaria, que a menudo

“Seis Santas V” - Acrílico sobre Lienzo, 16”x16”

pasan completamente desapercibidos o damos por hecho sin prestarles ninguna atención-. La última exposición individual de Santiago Betancur Z, "The Clarity of the Disturbed", presentada en el Trendy Studios del distrito de Wynwood, comprendida de obras pictóricas y fotográficas de gran formato, explora una temática completamente distinta, el subconsciente humano, desde distintos puntos de vista. Una colección permanente de sus obras está disponible en Internet a través de la página web del propio artista en la página web santiagobetancurz.com. En ella el visitante puede apreciar una selección de sus cuadros (distribuídas en cuatro colecciones: "Capitalism and Reptilian Brain", "Rawness", "Worshiper" y una sección retrospectiva), fotografías de burbujas, mirajes y autoretratos, vídeos, e información diversa sobre el autor y sus proyectos. Tal como Santiago Betancur Z, “el arte es la ciencia de la belleza”. Sus obras son un ejemplo perfecto de esta afirmación.

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“Los Colores del Mediterraneo” por Chris Salinas

Giusi Indelicato, diseñadora italiana, originaria de Sicilia, ha conseguido combinar la artesanía y la tradición con el progreso y la modernidad en sus diseños de ropa femenina. El perfil de esta singular diseñadora es de los que escasean, ya que toma parte en todas las facetas del proceso, desde la creación del boceto hasta la confección y los acabados finales de cada pieza. Esta implicación tan personal en todas sus creaciones otorga un valor añadido a sus prendas y las convierte en pequeñas obras de arte que traspasan la barrera de la moda.

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Giusi imprime su gran energía y su carácter en cada una de sus creaciones, ofreciendo así piezas únicas y totalmente originales que la han llevado a convertirse en una diseñadora de referencia en su región. Ella lo describe como la proyección de su estado de ánimo en cada prenda, viéndose así reflejada de algún modo en cada una de sus creaciones. Así pues, cada diseño de Indelicato es algo irrepetible y genuino. Giusi diseña prendas para vestir a la mujer actual, a la mujer de hoy en día, a aquella que debe sentirse cómoda sin renunciar a la elegancia ni a la esencia femenina. Una de las claves de la personalidad de sus diseños es la selección de tejidos. Indelicato presta una especial atención a las telas y los tejidos, buscando texturas aéreas, volátiles, flexibles y agradables, huyendo siempre de la rigidez. Le gusta experimentar con los tejidos y jugar con la fusión de texturas. Sin duda, la mezcla de las telas y el papel que éstas juegan en sus diseños son marca de la casa Indelicato. www.arttourinternational.com

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Otro rasgo muy relevante es el colorido que aporta a sus colecciones. Indelicato apuesta por los colores vivos y alegres, por la intensidad del color. Ella misma explica que la explosión de color que la inspira viene en parte de la influencia del entorno de su Sicilia natal que cuenta con los colores de la naturaleza, de la arquitectura y de las famosas cerámicas de la zona. Entre los personajes que han inspirado a esta siciliana se encuentran Coco Chanel, a quien

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dice admirar por su revolución en el uso de tejidos desprestigiados en la época como el tejido jersey o el elástico. Otro de sus referentes es el pintor Giovanni Boldini cuyas figuras femeninas le suponen una g r a n i n s p i r a c i ó n . Ta m b i é n confiesa encontrar inspiración e ímpetu creativo en la música y en sus propios sentimientos y emociones. En sus diversas colecciones se pueden apreciar estas influencias así como el entusiasmo y la delicadeza que hay detrás de cada

creación. Sus prendas han sido protagonistas de eventos y desfiles atrayendo todas las miradas. Su particular estilo ha contribuido a que Indelicato cuente con una fiel clientela que no deja de aumentar pues su propuesta es tan innovadora como auténtica y tradicional. Con más de 15 años de experiencia y de trayectoria profesional la carrera de Giusi Indelicato sigue avanzando intentando siempre aportar algo nuevo y fresco a sus diseños sin perder su identidad. Sus prendas más llamativas son sin lugar a

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dudas los vestidos, tanto cortos como largos, para todo llevar o para ocasiones especiales, siempre con un toque seductor y una inquietante mezcla entre el glamour y el folclor mediterráneo. También cabe destacar la realización de originales diseños de complementos, como bolsos o carteras, práctico, cómodos y cargados de personalidad. Los diseños de Giusi Indelicato se venden en su boutique-atelier situada en el centro de Ferrara (Via Spadari, 1) en Italia. Abierta en 1998, la boutique de Giusi al igual que sus creaciones está llena de vida y colorido y es donde la diseñadora da rienda suelta a su imaginación y donde las mujeres que compran sus diseños viven una experiencia única. Además, en su atelier Indelicado pone su creatividad y su experiencia a disposición de las mujeres y ofrece la posibilidad de confeccionar prendas únicas y exclusivas a medida.

Indelicato sin duda ama su tierra y su trabajo y se siente a gusto a los pies del castillo de Ferrara en su boutique. Sin embargo, no descarta en el futuro

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abrir las puertas y dar un salto hacia fuera para expandir e impulsar su carrera a nivel internacional. Mientras tanto, ella sigue disfrutando de su pasión en su tierra Italiana pero cuenta con una ventana al mundo digital donde se pueden ver fotografías de sus diseños, consultar los detalles de sus colecciones, adquirir sus datos de contacto y obtener otras informaciones prácticas sobre la diseñadora y su obra. Su sitio web oficial es www.giusindelicato.it. También se puede seguir su espíritu incansable a través de las redes sociales, para los que deseen mantenerse al día de todas las novedades y eventos de la firma.

Disfruta esta entrevista esclusiva a Giusi Indelicato! Log on to WWW.ATIMTV.COM en Italiano

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ART FESTIVAL Koubek Center Miami Dade College A celebration of the arts! Theater - Music - Dance - Photography Painting - Sculpture - Digital Art

Dec 3-7 2014 Opening Show Dec 3rd 8-10 pm ArtTour International Art Festival is a multi-disciplinary, multi-cultural event and creative project designed to communicate the identity of individuals, businesses, cultures, and societies to the world. A showcase of contemporary art and design where visual, performing artists, and the public create together new meanings and scenarios for the future. Organized by ArtTour International Magazine in partnership with , ATIM TV and Vivid Arts Network. The exhibition, showcasing contemporary visual and performing art in Miami and introducing international artists during the Art Basel week, will run from December 3rd to the 5th. Â

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Visual Arts A state of the art venue, the Art Space of the Koubek Center -Miami Dade College will host an exciting selection of international visual artists, exhibiting painting, photography, sculpture and digital art. The exhibition is curated by international art personality Viviana Puello, Editor in Chief of the ArtTour International Magazine and Director of the festival. Participating artists will be announced October 5th 2014 with an online catalog of the exhibition.

Dance Featuring Flamenco dancers Elckjaer Franco Bono from Venezuela and Salavtore Inghilleri from Italy. And the special presentation from USA of the Miami Dance Company!

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Machu Pichu

Conocida como la "Ciudad Perdida de los Incas", Machu Picchu es el símbolo más famoso de la civilización precolombina de América del Sur, y es hoy considerada una de las 7 nuevas maravillas del mundo. Ciudad Inca ubicada en los Andes del Perú. Situada a 2.430 metros (8.000 pies) sobre el nivel del mar, Machu Picchu está construido en la cima de la montaña, con vistas al profundo cañón del río Urubamba, hubicado a unos 75 kilómetros de la ciudad del Cusco; antigua capital del Imperio Inca desde el siglo 13 hasta el 16. El Imperio Inca se extendía desde Colombia a Chile con una exuberante vegetación tropical y abundancia de vida silvestre.

equinoccios. El 21 de marzo, y el 21 de septiembre a mediodía, el sol está en el vértice de la columna y no proyecta ninguna sombra, es en ese tiempo cuando los incas solían celebrar ciertas ceremonias. El folclor de los chamanes también sugiere que esta piedra es una puerta de entrada para permitir la visión psíquica y espiritual, como se informó que la suerte de las deidades incas estaba vinculada a la suerte de las piedras, tanto es así que cuando un psíquico colocaba su frente (tercer ojo) en la piedra, las deidades le mosraban el mundo psíquico y espiritual, y si una piedra Inca Intihuatana era destruida, también las deidades eran destruidas.

Las estructuras más importantes de Machu Picchu son el Templo del Sol (también llamado el Torreón), el Templo de las Tres Ventanas, el Templo del Cóndor, y el Intihuatana Stone. El Intihuatana Stone (que significa "picota De Sol ') era un dispositivo de observación astronómica utilizada para determinar los períodos precisos para diferentes festivales y celebraciones de importancia en la religión Inca.

La esencia y el encanto de la herencia Inca definitivamente no te dejarán corto de inspiración! Con sus colores vibrantes, los tonos de la tierra, la vegetación, la cultura y la calidez de la gente del lugar, es un sitio de inspiración para todo artista, ya sea pintor, escultor, fotógrafo, escritor o diseñador de moda, Machu Pichu dejará su huella de inspiración dentro de ti!

Se cree que esta increíble ciudad fue de gran importancia astrológica; la piedra Intihuatana (que se podría traducir como "atando al sol ') se ha demostrado que es un indicador preciso de los

Un lugar indescriptible! Me siento afortunada de haber visto este magnífico sitio arqueológico. No dudes en visitarlo, es un lugar de ensueño para todo artista!

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10 Cosas que no sabías sobre Machu Picchu Por: Andrew Teodori 1. El edificio data del siglo XV, el apogeo de la civilización inca y fue abandonada un siglo más tarde, debido a la invasión española. Muchas personas visitan Machu Picchu cada año para admirar las ruinas que quedan en el periodo efectivo y descubre la gran cultura de los lugareños. 2. A pesar de que está a sólo 80 kilómetros de Cusco, la capital del imperio Inca, los conquistadores españoles se han encontrado este sitio, por lo que fue salvado de la destrucción (como sucedió con casi todos los otros sitios). De este modo, los visitantes pueden admirar este singular y pueden encontrar muchos edificios que quedan intactas. 3. A pesar de que está a una altitud de 2.400 m, Machu Picchu no es la ciudad construida al más alto nivel. Capital de Cusco es 3,400 m sobre el nivel del mar, que ofrece espectaculares vistas de la ciudad. 4. Todos los edificios están construidos completamente de bloques de piedra que llegan incluso 50 toneladas. Para visitar todos los lugares de interés histórico de Machu Picchu se necesita un período de entre unos días y una semana. 5. Propósito exacto sigue siendo un misterio para los investigadores edificio. La teoría principal es que la ciudad habría sido un espacio religioso sagrado, mientras que otras teorías afirman que es ya sea un espacio exclusivo dedicado a la nobleza, o un centro de control de la economía de las regiones conquistadas o punto de observación astronómica. 6. Los principales monumentos arqueológicos son de piedra Intihuatana (uno de varios acantilados cultura Inca ritual), Templo del Sol y la Cámara de tres ventanas. Ellos se dedicaron a la deidad principal Inca Inti, el dios sol.

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7. La ciudad está dividida en dos áreas, una dedicada a la nobleza, y uno en el que la gente común vivía. La diferencia entre los dos es increíble y los visitantes pueden fácilmente ver qué tan alto era el nivel de vida de la nobleza en comparación con la gente común. 8. El sitio fue descubierto por los occidentales hasta 1911, cuando el historiador Hiram Bingham llegó allí por un local guiado por un niño de 11 años. Por lo tanto, muchos de los monumentos están todavía conservan todavía en excelente estado. 9. Que se desconoce desde hace cuatro siglos se puede explicar por el hecho de que la ciudad es completamente invisible desde las zonas de menor altitud. Sin embargo, los que entran en la ciudad se puede disfrutar de muchos edificios únicos en el mundo y la comida única con influencias locales. 10. Para proteger el sitio, el aire encima de la ciudad fue declarado cerrado vuelos. Sin embargo, los visitantes tienen acceso ilimitado a los edificios ubicados en la ciudad y todas las atracciones presentes, incluyendo ruinas precolombinas.

Disfruta de esta entrevista con mas información sobre la artista y fotógrafa Suzanne Duncan Visita WWW.ATIMTV.COM

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La Alta Magia De Hablar En Castellano Por Eduardo González Viaña vinieron unas ganas inmensas de casarse con alguna chica de origen hispano, pero ninguna de las Rodríguez, Hernández o Gómez que encontrara hablaba español porque los padres, inmigrantes precarios, les habían prohibido hacerlo desde p e q u e ñ a s p a r a e v i t a rl e s a l g u n a d o l o ro s a discriminación por causa del acento. Se llamaban Maricarmen, María del Socorro o Guadalupe, y no eran ni gorditas ni pecosas, pero deberían llamarse Olvido porque no llegaban a entonar ni afinar los sutiles arpegios de la palabra A-dol-fo.

Su nombre es Adolfo Antonio, pero durante casi 40 años en los Estados Unidos, se ha acostumbrado a que lo llamen Edolf, Ed, e incluso Ei, y también AA (ei,ei). Sin permiso, no puedo revelar su apellido, pero sus amigos más próximos durante todo este tiempo no han logrado pronunciarlo por lo ariscos que resultan a los hablantes del inglés algunos fonemas de nuestra lengua. Español, y nada menos que de La Mancha, Adolfo vio por primera vez la estatua de la Libertad cuando todavía no pasaba de los 14 años de edad, y ha vivido aquí hasta el penúltimo año del siglo XX sin pronunciar más palabras en su idioma original, o más bien, sin pensarlas, que las indispensables para escribir de vez en cuando ”querida mamá y querido papá, esperando que estéis bien y sin más que contaros…” Ambos fallecieron hace más de una década, y nunca llegaron a pisar otras tierras que las de España. En Missouri, New Hampshire o Vermont, donde pasaría la mayor parte de su vida norteamericana, nunca tuvo Adolfo mucha oportunidad de hablar, pensar o vivir en español toda vez que la extensión arrolladora de nuestro idioma en el país es más reciente, e incluso ahora no abarca todavía, de forma considerable, a estados como los anteriormente nombrados. Cuando estaba cerca de cumplir los 30 años, le

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Un buen samaritano le aconsejó entonces viajar a la cosmopolita Nueva York para conocer a alguna muchacha de la colonia hispana, y eso le pareció una buena idea, pero antes se puso en manos de un generoso “matchmaker” quien le hizo conocer por fotografía a una bellísima españolita que había llegado con su familia recientemente a la Gran Manzana y no hablaba ni una palabra de inglés. Claro que la relación en esas circunstancias también resultaba difícil porque no había un idioma común para escribirse desgarradoras cartas de amor puesto que nuestro amigo no recordaba todas las palabras que había traído de España. De todas maneras, el empeñoso matchmaker hizo su oficio, habló con los padres de la chica y con ella misma. A ella le mostró una foto de Adolfo quien, a pesar de haberse puesto un poco rubio debido al tiempo pasado en este país, se parecía muchísimo a Manolete en la manera en que todos los españoles nostálgicos se parecen, o terminan pareciéndose al famoso torero. El esperado “date” se produjo en un restaurante de estilo español dentro del Washington Square, pero luego de la comida y de haberse tomado algunas copas de un excelente Rioja, Adolfo Antonio descubrió que allí terminaba todo. El vocabulario y las ideas que había traído de la península procedían de la época en que admiraba a Pablito Calvo, y por eso luego de pedirle permiso a Marisa, se acercó a los músicos de la orquesta para rogarles que tocaran la música de Marcelino, pan y vino. Marcelino, Marcelino… con su amor y su cariño… todo el mundo conquistó. Pero Adolfo no iba a

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conquistar a la chica de esa manera, ni mucho menos cuando le habló del Ratón Miguelito y del Conejo de la Suerte, y le propuso jugar “parchís”. Una hora más tarde se despidieron con la promesa hecha por Marisa de que, la próxima vez que se vieran, mascarían castañas tostadas, beberían kolakao y jugarían a las escondidas. En Fort Lauderdale, hace poco, Adolfo me contó que tiempo después y luego de esperar en vano semana tras semana la invitación al kolakao, decidió casarse con una joven americana de Madison, Winsconsin que le suscitó un amor instantáneo por la manera en que pronunciaba edoulfou. Edoulfou, I love you. Sin embargo, aquella palabra, la única palabra castellana de Jennifer se le fue borrando de los labios en los 25 años de matrimonio y ahora, ya en las bodas de plata, ha sido completamente sustituida por “Honey, Edolf, honey”. La familia ha vivido todo ese tiempo en un pueblo de Winsconsin hasta hace año y medio en que se mudaron a Fort Lauderdale, en la Florida. ¿Fue el fantasma de Cervantes quien lo guió apenas a una semana de llegado a la Florida hacia una librería Barnes and Noble de Fort Lauderdale? Adolfo no lo sabe, pero asegura que buscaba un best seller de Stephen King cuando se dio con varias decenas de personas que sostenían una animada reunión en castellano. Era el grupo de lectura de la escritora c o l o m b i a n a Fr e d a M o s q u e r a q u e s e r e ú n e mensualmente allí para discutir los valores de algún texto literario. En vista de que nadie se lo impedía, se sentó a escucharlos y, luego de un par de horas, sin más ni más, le dieron el nombre de la novela que debía de comprar y leer para la próxima sesión. Además se fueron con él a un bar y hablaron hasta la medianoche de mil temas extraliterarios. Nadie se dio cuenta que luego de cuarenta años Adolfo estaba haciendo la magia de hablar en español. Y nadie advirtió tampoco que aquella noche se había producido un cambio desmesurado en su vida. Lo conocí en Fort Lauderdale adonde acudí invitado por el Círculo de Lectura para dar una charla sobre mi libro “Los sueños de América”, y los volví a ver en la presentación de mi novela“El corrido de Dante” Lo que me llamó la atención cuando lo conocí fue la avidez de gourmet o de converso que mostraba Adolfo con respecto del castellano. A la hora de las preguntas, en vez de dirigir su atención hacia mis relatos, quiso saber qué sentía yo ante las misteriosas diferencias entre el ser

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y el estar o frente a la delgada línea que divide la realidad en dos esferas cuando hay que escoger entre el indicativo y el subjuntivo. Maravillado por su amor a la lengua, apenas respondí con monosílabos, pero lo apremié con mis propias preguntas a que diera rienda suelta a su renacida voracidad lingüística, y no necesitó más para confiar a las cien personas que allí estábamos su regodeo con algunas palabras e incluso sonidos del idioma. Se le ocurrió por ejemplo proponer la teoría de que las palabras podían cambiarle el sabor a algunos potajes. “El cocido no sería el cocido madrileño sin el ingrediente de esa deliciosa ce (ze) de la península.” Lo recuerdo por ultimo recitando, mientras esperaba un taxi, una lista de vocablos castellanos procedentes del árabe:”Algara, adalid, atalaya, zaga, alfanje, alcázar, alcazaba, adarve, almena, almófar, añafiles…” -Ha sido un placer conocerte- le dije cuando abordaba el carro, y Adolfo no puso hacer otra cosa que responderme: “acémila, alazán, jaez, albarda, rebato, alfacares, alicates, alberca, berenjena,…” porque aun no había terminado su enumeración. Hace poco releyeron a Cervantes. Lo hicieron por sugerencia de Adolfo que ejerce creciente influencia sobre ellos, y debe por eso que el miedo me está entrando. No sé qué voy a poder responder cuando mis amigos comiencen a hablar en cervantino. !Válame Dios!, qué responderles cuando me pregunten sobre la presencia de Amadís de Gaula o de Palmerín de Inglaterra en mi literatura. Seguro que hablaré de otra cosa, y Adolfo me detendrá con un “No fuyades, cobarde…” No fuyo ahora, ni fuyiré jamás. El recuerdo del español empecinado que recuperó la lengua y el alma, me sirve de ejercicio para este ocioso correo de Salem y de homenaje para la esquiva Dulcinea del Toboso y la dulcísima lengua lejana, soberanas y altas señoras, vuestro en amparo y desamparo, vuestro hasta la muerte, el caballero de la triste figura, dueño tan solo de un flaco jumento y de la alta magia de hablar en castellano. Nota biográfica González Viaña es catedrático emérito de Western Oregon University. Ha publicado alrededor de 40 libros entre novelas, colecciones de relatos y ensayos. Ha recibido la distinción de Doctor Honoris Causa de parte de 12 universidades. Su novela El Corrido de Dante es considerada como un clásico de la inmigración en Estados Unidos. Su obra Vallejo en los infiernos es la primera novela biográfica sobre el gran poeta y abarca la infame carcelería que aquél sufriera al igual que sus proféticas mocedades en Trujillo.

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“ATIM’S TOP 60 MASTERS OF CONTEMPORARY ART” Por segundo año consecutivo ATIM, ha publicado una extraordinaria selección de los sesenta maestros del arte contemporáneo “ATIM’s Top 60 Masters of Contemporary Art”. Con más de dos millones de lectores en todo el mundo, ArtTour International Magazine y su selección de artistas han recibido una abrumadora respuesta por parte de los amantes del arte y galeristas. Tal recepción ha impulsado a los responsables de la publicación, dirigida por Viviana Puello, a lanzar con redobladas fuerzas una vez más el número especial, ofreciendo a los coleccionistas, galeristas, amantes y críticos de arte, una plataforma para conocer y apreciar artistas profesionales e emergentes. La publicación, es una muestra de la dedicación de ATIM a la búsqueda e introducción al público de artistas contemporáneos de gran talento e inspiradores activos en la escena del arte internacional, provenientes de una extensa variedad de formas artísticas. Elegidos entre más de mil doscientos candidatos, los sesenta elegidos son sin duda lo mejor que el arte contemporáneo tiene que ofrecer. Cada edición de "ATIM’s Top 60 Masters of Contemporary Art" es un libro a todo color, impreso en papel brillante de alta calidad. La portada exhibe el estilo clásico de Dellorco, representado por su pintura "En Pointe". La contraportada se inclina, a diferencia, por el modernismo, con una fotografía de Julia Rabkin, titulada "Equine”. El interior de este número especial de ATIM está repleto de las creaciones de algunos de los artistas más imponentes en la escena del arte, presentando una ecléctica muestra que hará disfrutar a todo amante del arte. La edición de 2014 de "ATIM’s Top 60 Masters of Contemporary Art" incluye, además de los sesenta artistas seleccionados, tres invitados especiales, maestros de gran prestigio y reconocimiento internacional: Dale Chihuly, Kurt Wenner y Fabián Pérez.

Fabián Pérez, representa el talento latino, el romanticismo y sensualismo desenfrenado. Con su Neo-EmocioNalismo, sus escenas del tango, del mundo de la noche, y sus bellas modelos; Fabián es siempre capaz de transmitir la pasión por la vida, la intensidad del deseo, y la intriga de una existencia vivida al máximo, a cada instante. Kurt Wenner, es un innovador, arquitecto y artista, siempre explorando la interacción entre el espacio público y el arte, entre la obra y las personas que interactúan con ella. Artista de murales aclamado internacionalmente e inventor de las pinturas tridimensionales realizadas en el pavimento, Kurt es un verdadero experto de las ilusiones ópticas, y el creador de un sistema geométrico completamente nuevo inspirado en la geometría anamórfica. Dale Chihuly, es maestro de las esculturas de cristal. Su obra, de extrema complejidad y dificultad de ejecución, ha sido objeto de numerosos estudios y reportajes, incluyendo los documentales "Chihuly Over Venice" y "Chihuly in the Hotshop" (2008), retransmitidos por todas las cadenas públicas norteamericanas, y todos los miembros de la asociación de distribuidores American Public Televition.

Video Producción “ATIM’S TOP 60 MASTERS OF CONTEMPORARY ART 2014” Más allá del catálogo impreso, la presente edición de "ATIM’s Top 60 Masters of Contemporary Art" está también disponible en vídeo de alta definición. La producción audiovisual, lanzada el nueve de junio del presente año durante una presentación en la librería de la casa editoria Nardini Editore de Florencia por las cámaras de Toscana TV para el programa “Incontri con l’Arte”, ha sido recibida con tanto o mayor entusiasmo que la tradicional versión en papel. Este nuevo formato permite la inclusión de más tipos de obras, y su exposición con mayor detalle y profundidad. Esta producción en vídeo corrió a cargo de Alan Grimandi, y fue retransmitida en directo por Toscana TV. También es posible acceder a ella a través de la página web de ATIMTV.COM y otros medios. La edición en vídeo del año pasado alcanzó más de noventa mil visitas, cantidad que será sin duda ampliamente superada por la edición actual de la publicación. ATIM’S TOP 60 MASTERS OF CONTEMPORARY ART

Jefe de Edición: Viviana Puello Dirección Gráfica by: Alan Grimandi Publicado por: ArtTour International Publications Inc. 45 Rockefeller Plaza Suite 2000 New York, NY 10111 WWW.ARTTOURINTERNATIONAL.COM Distribuido por: ArtTour International Publications. Distribución: ATIM Online Store, Amazon.com, iTunes, Apple Newsstand, Kindle, Blackberry Newsstand, Nardini Editore. © Copyright 2014 ArtTour International Magazine.Todos los derechos reservados de los autores. Los derechos de todos las imágenes publicadas son pertenecen a los artistas autores de las obras. La reproducción total o parcial es prohibida por la ley. Publicado en USA 2014 por ArtTour International Magazine ISBN 978–0–9899718–7–4 Diseñado por ArtTour International Publications.

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