Art's vice #7

SELECT ART BOOK, LIMITED EDITION FOR SELECTED PLACES « La beauté des choses existe dans l’esprit de celui qui les contemple » « Beauty of things exist in the mind that contemplates them. » David Humew

"PLUME DE CHANEL" BAGUE ET BIJOU DE TÊTE OR BLANC ET DIAMANTS

www.chanel.com

MENTIONS LEGALES

ART’S ViCE© 11 RUE DES TROIS MARIE 69005 LYON contact@artsvice.com

ART’SViCE© EDITE pAR LES EDiTiONS ART’SViCE© DIffUSE A pARIS, LYON, COURCHEVEL, MEGEVE, ANNECY, ST TROpEz, CANNES, NICE, GENEVE, MONACO, BORDEAUX, BIARRITZ ...

CONTACT PUBLiCATiON - REgiE PUBLiCiTAiRE / ABONNEMENT Yves Markarian - contact@artsvice.com Fabienne Dumas - f.dumas@artsvice.com DiRECTiON ARTiSTiqUE Fabienne Dumas - f.dumas@artsvice.com Magalie Oehlschlägel - designer@artsvice.com CONCEPTiON graphique Magalie Oehlschlägel - designer@artsvice.com

Dès le printemps prochain vous pourrez retrouver une nouvelle édition créer par Art’s Vice : « ART & WEST » Contact : Bertrand Merigaud 06 76 04 81 42 Pour ce spécial Côte Basque, nous tenons à remercier Monsieur Jérôme Rey.

REDACTiON

LES EDITIONS ARTS VICE© NE SONT PAS RESPONSABLES DES DOCUMENTS QUI LUI SONT SPONTANEMENT ADRESSES. TOUTES LES PHOTOS DE CE MAGAZINE SONT “DROITS RESERVES” DE LEURS AUTEURS. LA REDACTION N’EST PAS RESPONSABLE DES DOCUMENTS QUI LUI SONT SPONTANEMENT ADRESSES ART’S VICE © COPYRIGHT 2010 - TOUS DROITS RESERVES TOUTES LES IMAGES PHOTOS DIFFUSEES SUR ART’SVICE APPARTIENNENT A LEURS AUTEURS RESPECTIFS. NUMERO ISSN & ACCREDITATION OJD PRESSE GRATUITE : ISSN : 2258-1766

iMPRESSiON

Indugraf Offset SA PICTOGRAMMES BIRD DESIGNED BY PETER CHILTON FROM THE NOUN PROJECT / CAMERA DESIGNED

BY JUAN PABLO BRAVO FROM THE NOUN PROJECT / PINCEAU FROM THE NOUN PROJECT / CUBE DESIGNED BY RAFA GOICOECHEA FROM THE NOUN PROJECT / GAVEL DESIGNED BY CONNIE SHU FROM THE NOUN PROJECT / FRAME DESIGNED BY CONNOR CESA FROM THE NOUN PROJECT / CITY DESIGNED

BY THIBAULT GEFFROY FROM THE NOUN PROJECT. TOUTES LES IMAGES PHOTOS DIFFUSEES SUR ART’SVICE APPARTIENNENT A LEURS AUTEURS RESPECTIFS. ART’S VICE © COPYRIGHT 2014 - TOUS DROITS RESERVES

Chèrs (es) lecteurs (ices) , En entrant dans l’été et avant que vous partiez en vacances, arrêtez-vous un instant sur ce nouveau ART’S VICE. Depuis le début de l’année, nous élaborons ce numéro afin de satisfaire vos ardeurs artistiques, et nous pensons avoir réussi.

Dans cette 7ème édition d’Art’s Vice, les artistes sélectionnés sont aussi cosmopolites qu’insolites. Ils ont bien voulu partager généreusement avec nous leurs inspirations et leurs perspectives.

Comme toujours nous vous proposons un aperçu du marché de l’art contemporain et des ventes de ces derniers mois afin de vous guider dans vos démarches d’acquisition ou simplement pour satisfaire votre curiosité, rubrique HOW MUCH. Puis le voyage commence à Paris, avec chef d’œuvre de Soufflot : le Panthéon, depuis le 4 juin, vous pouvez découvrir l’œuvre monumentale de JR sur le dôme du Panthéon mais également à l’intérieur, sur la coupole et le sol du monument.

Ensuite, grâce au côté explorateur de notre rédacteur en chef, vous découvrirez notre dossier spécial Côte Basque. Vous ne vous y attendiez pas ? Nous non plus ! De magnifiques paysages, des formidable artistes novateurs presque comme caché au reste du monde, mais surtout un accueil chaleureux. Voilà comment vous définissez cet hiver 2014. Comme nous, vous tomberez amoureux de cette région et de ses perles artistiques.

« Une œuvre d’art existe en tant que telle à partir du moment ou elle est regardée » Nicos Hadjinicolaou Bonne contemplation !

Dear readers, As summer approaches and before you leave on holiday, just stop for a moment on this new issue of Art’s Vice. Since the year began, we have prepared this issue in order to meet your artistic urges, and we think we succeeded in doing so.

In this 7th issue of Art’s Vice, the artists we picked are as cosmopolitan as they are unique.

They generously shared their inspirations and their perspectives with us.

As always, we give you a glimpse of the contemporary art market and recent sales in order to guide you in your buying process or just to satisfy your curiosity, in the How much section.

The journey begins in Paris, with Soufflot’s masterpiece, the Panthéon. Since June 4, you can see JR’s gigantic work on the Panthéon’s dome but also on the inside, on the ceiling and on the floor of the monument.

Then, thanks to the explorer side of our editor in chief, you will discover our Basque Coast section. You weren’t expecting this? Neither were we! Magnificent landscapes, wonderful and creative artists who are almost hidden from the rest of the world, but most of all, a friendly greeting. This is how you define this winter of 2014. Like us, you will fall in love with this area and its artistic treasures.

Meanwhile, Lee Jeffries shares his experiment with homeless people, that gave birth to poignant pictures. This is a great tribute to street art. It is an important theme in this issue.

We are presenting to you artists who have a natural sense of this art’s creativity, this art that was considered illegitimate and unworthy of the art market for so many years, more seen as vandalism than creation. This protest art, often anti-globalist and sometimes violent, is now welcome into museums. « A work of art exists as such from the moment that it has been looked at. » Nicos Hadjinicolaou Have a nice contemplation !

EDITO

Tandis que Lee Jeffries partage son expérience avec les sans-abris, qui ont données lieu à des images poignantes. C’est le grand hommage au STREET ART. Il constitue un thème important de cette édition. Nous présentons ainsi des artistes ayant un sens inné de la créativité de cet art, cet art qui durant de nombreuses années fût considéré comme illégitime et indigne du marché de l’art, d’avantage assimilé à la délinquance qu’à la création. Cet art contestataire souvent altermondialiste et parfois violent se voit aujourd’hui ouvrir les portes des musées.

HOW MUCH ?

P 8

SOMMAIRE

PEINTURE/DESSIN CEDRIC TEISSEIRE ETIENNE CAIL & YOANN MERIENNE JAKé MARKO MANEV JOHN THERY YANNICK FOURNIé DELWOOD FRANCK CAZENAVE MATHIEU CHAVAREN MANU MOUAZAN MARCELLO PETISCI HOM NGUYEN DIEDERICK KRAAIJEVELD FRANÇOISE NIELLY PATRICE DONZEL PEDRO VARELA HENRI LAMY JUSTIN BOWER

P 20 P 30 P 35 P 44 P 52 P 58 P 50 P 68 P 64 P 74 P 76 P 106 P 108 P 115 P 116 P 128 P 132 P 134

PHOTOGRAPHIE GUILLAUME J. PLISSON LEE JEFFRIES CHAYAN KHOI MITCH DOBROWNER ZEV HOOVER YVES MARCELLIN MICHEL PèRES LUDOVIC BARON

P 24 P 26 P 42 P 84 P 91 P 110 P 136 P 137

EXPOSITION JR au Panthéon TSUYU

P 14 P 79

DOSSIER SPECIALE COTE BASQUE

!

INSOLITE

P 49

INSTALLATION

CED VERNAY XAVIER RIDE MARK KHAISMAN EMMA VAN LEEST JOE IURATO JEFF KOONS LIU BOLIN SUSILA BAILEY-BOND VALERIYA KUTSAN

P 29 P 60 P 81 P 90 P 98 P 118 P 125 P 130 P 140

SCULPTURE SUN-HYUK KIM KARL LAGASSE MAURO CORDA BENOIT LEMERCIER SELÇUK YILMAZ BRUNO WALPOTH BRUNO CATALANO ROMAIN LARDANCHET DAVID CINTRACT

P 33 P 79 P 102 P 120 P 122 P 124

ARTICLE P 17 P 23 P 47 P 75 P 86 P 88 P 97 P 138 P 142

STREET ART STeW INTI C215 KESADI JANA & JS DAN 23 PIOC PPC

CAITLIND BROWN & WAYNE GARRETT TSUYU MICHAL TRPAK TIM NOBLE & SUE WEBSTER WANG LUYAN SATCH HOYT

BLUE CARGO GALERIE PORTAL ART-IS

P 56 P 62 P 66

ARCHITECTURE STEVEN HOLL FRANK GEHRY MICHAEL JANTZEN

P 70 P 72 P 114

EVASION P 16 P 21 P 38 P 40 P 94 P 96 P 112

18ème éDITION DU MONDIAL DU VENT

Defiscalisation

P 104

P 144

H ow Mu c h ?

Connaissez-vous le prix d’une oeuvre de CHRISTOPHER WOOL ? d’une sculpture de FRANÇOIS-XAVIER LALANNE ? Savez-vous quelles œuvres d’art ont été vendues dernièrement et quelles étaient leurs estimations ? dans notre rubrique « how Much ? » nous vous proposons un aperçu du marché de l’art contemporain et des ventes de ces derniers mois afin de vous guider dans vos démarches d’acquisition ou simplement pour satisfaire votre curiosité. À en juger par les ventes record et la frénésie acheteuse, le marché de l’art semble toujours aussi florissant. Dans une mondialisation croissante, il reste l’un des rares secteurs exonérés de fiscalité qui attire encore en masse les investisseurs en quête de plus-value rapide, à moindre risque. New York, place forte de l’art contemporain, reste dans sa bulle dorée.

Could you guess the price of a Christopher Wool painting ? A François-Xavier Lalanne scultpure ? Do you know what art pieces were sold lately and what their estimated prices were ? In our How much ? section, we are offering you a glimpse of the contemporary art market and recent sales in order to guide you in your buying process or just to satisfy your curiosity.

Judging by record sales and a buying frenzy, the art market seems as prosperous as usual. In an increasing globalization, it is one of the last tax-free fields that still massively attract investors in search of a quick profit, with less risk. New York, great place of contemporary art, remains in its golden bubble.

HOW MUCH ?

KARA WALKER (1969) KKK 2011 Silhouettes de papier, 198,1 x 472,4 cm

JOHN BALDESSARI (1931) A PAINTING BY EDGAR TRANSUE 1969 Peinture à huile et acrylique sur toile 30,2 x 246,9 cm

Estimation : 185 746 € - 260 044 €

Estimation : 1 463 412 € - 2 195 117 €

Vendu : 217 694 €

Vendu : 1 841 703 €

GLENN LIGON (1960) THE PERIOD 2005 Néon 20 x 154 cm

JOSEPH KOSUTH (1945) SELF-DESCRIBED TWICE 1966 Cobalt néon bleu 30,2 x 246,9 cm

Estimation : 219 512 - 292 683 €

Estimation : 109 756 € - 146 342 €

Vendu : 460 243 €

Vendu : 144 146 €

9

HOW MUCH ?

SHERRIE LEVINE (1947) CARIBOU SKULL 2006 Bronze coulé 160 x 88,9 x 59,8 cm Estimation : 409 892 € - 558 943 € Vendu : 540 311 €

Estimation : 97 385 € - 146 077 € Vendu : 200 246 €

CHRISTOPHER WOOL (1955) ON THE CORNER 1999 émail sur toile 274 x 182,8 cm Estimation : 1 490 513 € - 2 235 770 € Vendu : 2 042 748 €

CINDY SHERMAN (1954) Untitled # 93 1981 émail sur toile, épreuve à développement chromogène 61,7 x 123,3 cm

DAN COLEN (1979) HOLY SHIT 2006 huile sur contreplaqué 121,9 x 91,4 cm

Estimation : 1 463 412 € - 2 195 117 €

Estimation : 186 315 € - 260 840 €

Vendu : 2 825 116 € 10

SERGIO CAMARGO (1930-1990) SECOURS NO. 271 24 x 18 x 12 cm

Vendu : 254 133 €

HOW MUCH ?

ROB PRUITT (1964) Mesdames et Messieurs ...

(Art Awards PINGOUINS) 1964 Paillettes et émail sur toile, en 3 parties : 91,4 x 61 cm

DAN FLAVIN (1933 - 1996 ) DIAGONALES ALTERNATIVES 1964 Lumière fluorescente, longueur de la diagonale : 369,6 cm

Estimation : 52 009 €- 66 869 €

Vendu : 2 251 458 €

Estimation : 1 097 559 € - 1 463 412 €

Vendu : 2 494 926 €

ANDY WARHOL (1928 - 1987) MERCEDES-BENZ W 196 R voiture de Grand Prix 1954 1986.

Acrylique et encre de sérigraphie sur toile 102,5 x 153 cm

MARK BRADFORD (1961) CURTIS 2007 Stylo, enduits argent papier acrylique, feutre et collage de papier imprimé sur toile.

122,2 x 153 cm

Estimation : 1 097 559 € - 1 463 412 €

Estimation : 371 491 € - 520 087 €

Vendu : 2 907 067 €

Vendu : 1 697 711 € 11

HOW MUCH ?

YAYOI KUSAMA (1929) AN ISLAND 1955 Gouache sur papier 29,8 x 30,5 cm Estimation : 21 952 € - 29 269 € Vendu : 82 317 €

SIMON HANTAÏ (1922 - 2008) 1970 Huile sur toile, 98,7 x 79 cm Estimation : 87 805 € - 131 707 € Vendu : 144 146 € 12

ROY LICHTENSTEIN (1923 - 1997) KINETIC MARIN # 6 1966 Rowlux, vinyle et collage de papier avec un moteur électrique monté sur panneau 70,5 x 60,3 cm Estimation : 58 537 € - 87 805 € Vendu : 289 024 €

KENNETH NOLAND (1924 - 2010) MYSTÈRES GLOW 2001 Acrylique et graphite sur toile, 152,4 x 152,4 cm Estimation : 204 878 € - 256 097 € Vendu : 310 975 €

FRANÇOIS-XAVIER LALANNE (1927-2008 1970) MOUTON TRANSHUMANT 1988 époxy pierre et bronze 90,2 x 33 cm Estimation : 87 805 € - 131 707 € Vendu : 161 707 €

HOW MUCH ?

ROLLS-ROYCE

PHANTOM II CONTINENTAL coupé sport 1933 Carrossée par Freestone & Webb

• Un coupé unique Art Déco • Le prototype de la fameuse «lame de rasoir» style Estimation : 1 483 262 € - 2 076 566 € Vendu : 1 794 747 €

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EXPOSITION

© Centre des monuments nationaux

JR au Panthéon Le Centre des monuments nationaux a invité JR à la création d’une oeuvre participative au Panthéon.

La restauration du Panthéon est l’un des plus grands chantiers en Europe.

Le CMN a choisi de confier à un artiste contemporain un projet global porteur des valeurs de ce monument emblématique de notre République. Pour la première fois, les bâches de chantier d’un monument national deviennent le support d’une création artistique contemporaine.

Reconnu par ses interventions participatives à fort contenu symbolique, JR a paru incarner de manière éclatante la dimension humaniste et universelle du Panthéon.

Selon Le concept créé par l’artiste pour son projet « INSIDE OUT », des portraits individuels ont été collectés depuis le monde entier grâce à un site internet dédié : www.au-pantheon.fr et à une itinérance de son camion photographique dans 9 monuments nationaux.

Les portraits composent une mosaïque visible de l’extérieur sur le tambour du dôme du Panthéon et à l’intérieur, sur certains parties du monument.

L’œuvre créée par JR a été inaugurée le 3 juin 2014.

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Le CMN invite JR Restoring the Panthéon is one of the biggest projects in Europe.

The CMN chose to hire a contemporary artist for this overall project that conveys the values of the French Republic. For the first time, the covers of a construction site become the medium of a contemporary artistic creation.

Known for his participative interventions with a highly symbolic content, JR was a dazzling incarnation of the Panthéon’s humanist and universal dimension. The concept designed by the artist for his Inside Out project consisted in collecting individual portraits all around the world thanks to a website (www.au-pantheon.fr) and a photographic truck that stopped in 9 national monuments.

The portraits are part of a mosaic that people can see from outside, on the Panthéon’s dome, as well as inside, on some parts of the building.

The art piece created by JR was presented on June 3, 2014.

www.pantheon.monuments-nationaux.fr www.jr-art.net

STREET ART

© Gaël kerbaol / divergence Le Héron bleu

Stew

Le samouraï des temps modernes

STeW est un samouraï des temps modernes, un street artiste. Il peint à la bombe, utilise des pochoirs et colle sur les murs de vos villes des personnages en kimono. Son style est reconnaissable entre mille. Le pochoir c’est pour lui, l’estampe d’aujourd’hui. Son influence asiatique, il le tient de son enfance, souvenirs passés dans le salon de sa grand-mère aux parfums de Chine, et de beaucoup d’heures plongé dans les mangas comme Akira ou Samouraï Champloo. Mais c’est aussi de la musique que STeW tire son inspiration. Il n’est pas rare de croiser une crête, une banane ou un piercing sur ses personnages.

Stew is an artist of modern times, a street artist. He paints with a spray, uses stencils and sticks characters wearing kimonos on the walls of the cities. His style is highly recognizable. His technique resorts to stencils and collages. To him, stencils are the contemporary engravings.

He replaces wood with drawings designed on a computer, and then he uses his sprays to paint several layers resulting in a perfect finish. Like many others, he started his art as vandal, drawing a simple line as a signature. It was efficient and quick, which was very useful to escape the police.

But he is also inspired by music. It is rather frequent to see a Mohawk hairstyle, a quiff or a piercing on his characters

www.stewearth.com 16

SCULPTURE

SUN-HYUK KIM Vitality of vision stainless steel, steel, acrylic painting, LED, 80 x 50 x 140 cm, 2010

SUN-HYUK KIM

Simple truth

Les êtres humains ont réussi tant de choses dans de Human beings have tried to know the ‘Truth’ by instinct fort nombreux domaines : la philosophie, la science, la médecine, ages. Sometimes, a truth is too difficult and complicated for la technologie, l’art… Par conséquent, l’existence des êtres us whereas another one is just simple. I’m just concentrating humains doit être spéciale. Toutefois, malgré les avancées on the simple truth. The simple truth I want to say throught évoquées ci-dessus, les gens font constamment des efforts my works is about a mere, weak and incomplete existence pour trouver quelque chose de nouveau, parce qu’ils veulent of human beings. sans cesse avoir une existence complète.

Today, most people think that their own things (position, Telle est la nature humaine. C’est pour cette raison que les money, time, ect.) are very important. But it’s not very humains tentent depuis des siècles de déterminer la Vérité important. That thinking even makes them unhappy. They’re par instinct. Parfois, une vérité est trop difficile et compliquée losing sight of the truth. They never know when those things pour nous, alors qu’une autre est simple. Je me concentre will be taken from them, even when they should realize that uniquement sur la vérité simple. Celle que je veux communiquer they are weaker than their thinking, and should learn how par mon œuvre concerne une existence humaine faible et to be modest from nature. incomplète.

We can find and feel the truth wherever we stand under On peut trouver et ressentir la vérité où que l’on soit sous les the sky that we are just a tiny part of creations. Ialways cieux : nous ne sommes qu’une infime partie de la création. try to discover the truth from nature, society, and our lives.

J’essaie toujours de découvrir la vérité de la nature, de la Then I try to reflect my feelings when Ifind the truth into my société, de nos vies. Ensuite, j’essaie de retranscrire dans mon artwork as frankly as possible and those are shown through œuvre ce que je ressens en découvrant la vérité, de la manière a diversity of froms. la plus honnête possible, ce qui se traduit par une grande diversité de formes. www.sunhyuk.com 17

SCULPTURE

SUN-HYUK KIM The way to happiness IV stainless steel, steel, urethane painting, 190 x 120 x 90 cm, 2010

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SUN-HYUK KIM Wriggle stainless steel, 260 x 150 x 120 cm, 2011

SCULPTURE

SUN-HYUK KIM The way to happiness II stainless steel, urethane, acrylic painting, 270 x 240 x 90 cm, 2010

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PEINTURE

© Cédric TEISSEIRE 2014 série Alias

Cédric TEISSEIRE

Coulures

Dans sa pratique de la peinture, Cédric Teisseire met en place des protocoles d’élaboration simples et systématiques qui manifestent une intelligence de l’abstraction tout en visant à poser une distance entre l’œuvre et son auteur.

Les modalités de recouvrement du tableau, coulure à la seringue ou peinture versée directement du pot sur la surface sont mécaniques. La coulure à la seringue, sorte de soin prodigué à une peinture dont on a tant dit la mort, ou l’excès de laque qui sèche à la manière d’une vieille peau, sont des gestes délégués en partie au sort.

En laissant le processus s’opérer seul, l’artiste se débarrasse de la subjectivité et affirme le refroidissement de la peinture. De cet écart avec le faire naissent curieusement de somptueuses icônes contemporaines qui relisent l’art abstrait et minimal avec la plus grande élégance et retrouvent une forme d’aura.

In his way of painting, Cédric Teisseire uses simple and systematic protocols that show an intelligence of abstraction, while aiming at putting a distance between the art piece and its author. The ways he covers the canvas (drips of a syringe or paint poured directly from the can) are mechanical. The use of a syringe, which is kind of an aid to a painting that was so often declared dead, or the excess of varnish that dries like an old skin, are gestures that are partly left to fate.

By letting the process operate on its own, the artist gets rid of subjectivity and confirms the paint is getting cold. As the artist does not genuinely do something, somptuous contemporary icons weirdly come to life and reinterpret abstract and minimal art with the utmost elegance while getting back some sort of halo.

Texte : Catherine Macchi Représenté par la Galerie RX, Paris, France www.galerierx.com

www.cedricteisseire.net 20

STREET ART

INTI Poland 2012

INTI

INTI Istanbul 2013

Color, carnaval and resistencia

INTI (qui tient son nom de l’ancien dieu-soleil de la culture Inca) est un Street artiste qui a fait connaître son art en l’exhibant sur les murs du monde entier et en l’exposant dans de nombreuses galeries, sans jamais se départir de cette esthétique particulière qui fait sa signature.

Son travail, qui explore la diversité des cultures locales, traduit un goût désinhibé par la couleur et utilise de manière harmonieuse des éléments et des symboles iconographiques issus de toute l’Amérique du Sud. Ce mélange permet à INTI de réaffirmer l’unité de l’Amérique centrale et latine, et de se présenter lui-même comme le porte-parole du syncrétisme culturel.

INTI, Chilean urban artist who has developed his work showing it in various walls and galleries around the world, bringing with him his particular aesthetics.

This work is the result of the exploration of the mixed character of the local culture, where we distinguish a de-inhibition for color and the use icon graphics elements, elements from diverse parts of South America and symbolism that in its whole ; from in a forced way, but no less harmonious, this mixture which he reaffirmed the continent centre-south/ america as a single nation and to himself as a true reflection of cultural syncretism of his continent.

www.inti.cl 21

STREET ART

INTI Atlanta 2013

INTI Santiago 2013

INTI POLOGNE 2013

INTI PuertoRico 2013

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SCULPTURE

Karl Lagasse représenté par Madart One dollar aluminium et plexiglass gravé, 2013

Karl Lagasse

L’émotionniste

Issu d’une famille d’artistes, Karl Lagasse commence à créer dès l’âge de sept ans collages et tags. Il vend sa première toile à 15 ans. Aujourd’hui peintre, sculpteur, vidéaste et photographe, Karl expose principalement aux Etats-Unis, en France et très prochainement en Inde.

Fasciné par les Etats-Unis, il assoit sa notoriété en détournant le billet d’un dollar pour en faire de magistrales sculptures en aluminium ondulé, aux couleurs éclatantes. Fervent croyant, Karl aime la devise « In god we trust » du fameux billet vert qui porte en elle une dimension mythique et spirituelle, source d’inspiration.

L’artiste revendique une démarche «spontanée, irréfléchie» qui suit « le cours de ses envies et de ses émotions ».

C’est une fois l’œuvre achevée qu’il en perçoit « sa propre subjectivité ainsi que sa vérité ».

Représenté par la société Madart www.madart.co.uk

Born in a family of artists, Karl Lagasse starts creating from the age of 7, with collages and graffitis. He sells his first painting at 15 years old. Now a painter, a sculptor, a moviemaker and a photographer, Karl exhibits mostly in the United States, in France and very soon in India.

Fascinated by the United States, he becomes famous by diverting the one-dollar bill to make superb sculptures in corrugated aluminium out of it, with dazzling colors.

As a man of faith, Karl likes the « In God we trust » motto that appears on the bill, because it has a mythic and spiritual dimension that inspires him.

The artist claims his process is spontaneous and instinctive and that it follows the course of his desires and emotions. It is only once the art piece is finished that he perceives « its own subjectivity as well as its truth ».

www.karllagasse.com 23

PHOTOGRAPHIE

Guillaume J. Plisson lucioles

Guillaume J. Plisson

Lucioles

La lumière est devenue l’axe majeur de la recherche photographique de Guillaume. Avec les lucioles, il décline ce thème dans le monde animal. Ces images sont empruntes de douceur, de poésie et d’une certaine fragilité, leur habitat naturel ne cessant de se raréfier.

L’émission de lumière sous forme de code, associée à leur comportement, permet aux lucioles des deux sexes de se rencontrer. C’est une parade nuptiale. La lumière est ici un langage, permettant de trouver l’amour. « Là où on s’aime, il ne fait jamais nuit »

Light became the major axis of Guillaume’s photographic research. With fireflies, he offers a range of this theme with the animal life. The pictures are tainted with sweetness, poetry and a certain fragility, their natural habitat never ceasing to deteriorate.

The emission of light as a code, associated with their behavior, allows the fireflies of both genders to meet. This is a nuptial parade. Light is a language that helps them finding love. « Where we love each other, there is no night. »

proverbe Burundais.

proverb from Burundi

www.guillaumeplisson.com 24

Purisme. Sensualité. Intelligence.

Pour en savoir plus sur la fascination qu’exerce la cuisine bulthaup, contactez votre revendeur bulthaup, rue Auguste Comte à Lyon. www.kva.bulthaup.com

KVA 36 rue Auguste Comte. 69002 Lyon Tél. : 04 78 38 23 19

PHOTOGRAPHIE

Lee Jeffries Hands V

LEE JEFFRIES

Lost Angels

« Loin d’être du photojournalisme ou du simple portrait, le travail de Lee Jeffries s’inscrit davantage dans une démarche proche de l’iconographie religieuse, voire spirituelle. Une oeuvre puissante où l’artiste redonne à ses modèles, des sans abris rencontrés au cours de ses voyages, une dignité retrouvée. Cette lumière dans les yeux, transcendance à leur condition de laissés pour compte, insuffle une dimension quasi mystique à ces tableaux réalistes, parfois dérangeants, mais à la poésie omniprésente. Un état de grâce en dépit du sujet. Lee Jeffries rend hommage sans s’apitoyer. Il témoigne sans juger. Une oeuvre forte, humaniste, avec supplément d’âme. »

Photos extraitent de la publication d’une série limitée Yellowkorner www.yellowkorner.com

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« Far from being photo-journalism or a portrait, Lee Jeffries’ work places itself in a process that is close to religious iconography, or even spiritual. It is a powerful work of art where the artist gives back to his models, homeless people whom he met during his trips, a new dignity. This light in their eyes, transcendence to their condition of people left alone, breathes an almost mystical dimension in these realistic pictures, sometimes disturbing, but where poetry is omnipresent. It is a state of grace despite the subject. Lee Jeffries’s art pieces are tributes, but he avoids feeling sorry for his subjects. He makes a stand without judging. This work of art is strong, humanist, and has even a little more soul. »

www.leejeffries.500px.com

PHOTOGRAPHIE

Lee Jeffries Rome

Lee Jeffries Thomas

Lee Jeffries Overtown

Lee Jeffries Miami

www.yellowkorner.com 27

Lee Jeffries Skid Row IV

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INSOLITE

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© CED VERNAY Maria Callas

CED VERNAY

Confetti

On dit que le papier a plus de patience que les gens, l’artiste français Ced Vernay nous invite à réviser totalement cette idée. C’est en utilisant une myriade de petits bouts de papier découpés dans des magazines et positionnés un à un à l’aide d’une pince à épiler qu’il crée des portraits expressifs.

Ce travail révèle la force de la technique de collage à partir de l’infiniment petit pour atteindre une nouvelle dimension artistique.

Le confetti, symbole festif par excellence, vient ici illustrer le côté éphémère du star-system.

Ced a étudié dans le North West College dans le Wyoming, aux États-Unis, puis à l’Ecole Emile Cohl à Lyon et a fréquemment exposé en France, au Brésil, en Argentine et plus récemment en Suisse. Il a toujours été passionné par l’art figuratif et sa peinture est résolument moderne, esthétique et graphique. Le pixel est au cœur de son univers, qu’il soit peint à la peinture acrylique, à la palette graphique ou transféré sur papier sous forme de confetti. Né en 1968 à Saint- Etienne en France, il vit et travaille désormais à Marseille, après avoir séjourné plus de dix ans à Rio de Janeiro.

Agent : Catherine VERNAY Représenté par TwentyTwo Gallery, France Galerie Vue Privée, Singapour

© CED VERNAY Jesus after Carnival

It is said that paper has more patience than people, French artist Ced Vernay invites onlookers to view that belief from a refreshing new angle. He uses countless small discs of paper to create expressive portraits, carefully positioning each tiny morsel of the magazine pages at his disposal with fine tweezers.

The confetti, is the symbol to illustrate the ephemeral side of the star-system.

Ced studied at the North West Community College in the Wyoming, USA, and the famous animated drawing school, Ecole Emile Cohl in Lyon. He has always been passionate about figurative art and his painting is unmistakably modern, aesthetically appealing and graphic. The pixel is at the heart of his universe, whether that is in his acrylic paintings, in graphics or being transferred in paper form as a single piece of confetti.

He has exhibited widely in France and also in Brazil, Argentina and more recently in Switzerland. He was born in 1968 in Saint-Etienne in France and now lives and works in Marseille.

He spent over a decade in Rio de Janeiro.

www.cedvernay.com 29

PEINTURE

etienne cail Shu

ÉTIENNE CAIL & YOANN Merienne Etienne Cail et Yoann Merienne font partie de ce que l’on pourrait qualifier de « nouvelle école lyonnaise ». Étienne Cail et Yoann Merienne ont repris certains de leurs codes : l’observation sociologique du genre humain, les portraits d’amitié, l’importance du voyage, l’envie de s’adresser à l’homme tout entier sa conscience, son intelligence, son cœur, sa mémoire et non pas seulement à son œil. Il ne s’agit pas d’une peinture déstructurée qui rejette les règles de la peinture classique. Le choix du portrait comme sujet, au même titre que les clins d’œil à des œuvres connues ou les détournements, représentent autant d’hommages rendus à leurs prédécesseurs. Le fait qu’ils soient tous les deux autodidactes est en phase avec l’époque actuelle où les jeunes générations, sans imiter ni dénigrer ce qui a été fait auparavant. Décomplexés, ils ne se sentent pas prisonniers d’une admiration paralysante. « Tout est possible » (« yes we can») est une phrase dans laquelle cette nouvelle école se reconnaît pleinement.

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Représenté par TWENTYTWO gallery, France www.twentytwo-gallery.com

yoann merienne plénitude

émergence Etienne Cail and Yoann Merienne part of what could be called « new Lyon school. » Stephen Cail and Yoann Merienne have taken some of their codes: sociological observation of mankind, portraits of friendship, the importance of travel and desire to speak to the whole man his conscience, his intelligence, his heart, his memory and not just his eye.

It is not a deconstructed painting that rejects the rules of classical painting. The choice of portrait as subject, as well as winks to known works or diversions are many tributes to their predecessors. The fact that they are both self-taught is in line with the present day where the younger generations, without imitating or denigrate what has been done before.

Uninhibited, they do not feel trapped in a paralyzing admiration. « Everything is possible » (« yes we can ») is a sentence in which the new school is fully recognized.

PEINTURE

www.yoannmerienne.com

yoann merienne la mort du roi 195 x 205 cm, huile sur toile

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PEINTURE

etienne cail Revolution 2 x 270 x 150 cm

www.etiennecail.com 32

INSTALLATION

Doug Wong CLOUD

Caitlind Brown & Wayne Garrett CLOUD est une sculpture lumineuse interactive composée de 6 000 ampoules à incandescence et créée par les artistes canadiens Wayne Garrett et Caitlind R. C. Brown.

Ces derniers basent leur travail sur les thèmes suivants : interactivité avec le public, art dans des endroits inattendus, collaboration collective, jeu. CLOUD utilise des ampoules et des interrupteurs à traction de la vie quotidienne, repensant leur potentiel à créer l’émerveillement et à inspirer la collaboration.

Dans le cadre du procédé créatif de la première sculpture CLOUD, les artistes ont collectionné des ampoules à incandescence grillées dans la communauté qui les entourait, créant un lien informel avec des gens qui ne sont pas des artistes, réduisant les coûts et demandant au public de voir les objets domestiques dans un contexte artistique.

CLOUD a été créé en utilisant une « peau » d’ampoules à incandescence (à la fois neuves et grillées).

Cette « peau » est illuminée depuis l’intérieur de la sculpture grâce à 250 ampoules fluorescentes compactes.

Cloud CLOUD is an interactive light sculpture created from 6,000 incandescent light bulbs by Canadian artists Wayne Garrett & Caitlind r.c. Brown (Calgary). Brown & Garrett work with themes of public interactivity, art in unexpected places, collective collaboration, and play. CLOUD utilizes everyday domestic light bulbs and pull strings, re-imagining their potential to create wonder and inspire collaboration.

As part of the process of creating the first CLOUD sculpture, the artists collected burnt out incandescent light bulbs from the surrounding community, forging an informal relationship with non-artists, reducing costs, and asking audiences to reconsider household items in an artistic context. CLOUD is created using a « skin » of incandescent light bulbs (new and burnt out).

This skin is illuminated from inside the sculpture by 250 compact fluorescent light bulbs.

www.incandescentcloud.com 33

INSTALLATION

Brun Caitlind CLOUD - Singapore

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PEINTURE

JAKé Sagitarius Acrylique et Posca sur toile, 50 x 150 cm, (2013)

JAKÈ

Welcome to the fox planet !

« Adieu, dit le renard. Voici mon secret. Il est très simple : on ne voit bien qu’avec le coeur. L’essentiel est invisible pour les yeux. » Si les œuvres de Jakè ont en commun leur beauté colorée, l’artiste renard nous invite néanmoins, comme dans le Petit Prince de Saint-Exupéry, à les regarder avec le coeur pour qu’elles révèlent toute leur singularité.

Dans un style parfaitement identifiable, la démarche généreuse, colorée et vivante de Jakè, basée sur l’utilisation du Posca et de la bombe acrylique, s’exprime sur toutes sortes de supports dans des environnements très variés et se rapproche des aspects techniques, symboliques et spontanés du Street Art, courant artistique qui le porte depuis la fin de ses études aux Arts Appliqués en 1990.

Pour preuve, l’exposition personnelle organisée en mars dernier à St Denis de la Réunion par la galerie Art Factory, spécialiste reconnue de l’art contemporain urbain, qui représente également des « pointures » telles que Speedy Graphito ou Jonone.

La narration de Jakè s’appuie sur un vocabulaire graphique, ses mots à lui, puisé dans une sorte de champ lexical que lui inspire sa vie familiale bien remplie, ses aspirations mystiques, ses rêves d’enfant et des faits de société qui parfois le chavirent... Pour se poser sur sa planète, il faut donc prendre le temps de « lire » ses oeuvres entre les lignes, car l’essentiel est invisible pour les yeux. www.facebook.com/jakeartwork

« Goodbye, said the fox. Here is my secret. It is very simple: one sees clearly only with the heart. What is essential is invisible to the eye. » If Jake’s works have in common their colorful beauty, the artist however invites us, just like the fox in The Little Prince

by Saint-Exupéry, to watch with our heart for them to reveal their singularity.

In a perfectly identifiable style, Jake’s generous, colorful and lively approach, based on the use of acrylic and Posca bomb is expressed on all kinds of media in a variety of environments and approaches of technical, symbolic and spontaneous street art.

His personal exhibition last March in St. Denis de la Réunion serves as a proof. It was showed at the Art Factory Gallery, a renowned specialist in urban contemporary art, which also represents « big shots » such as Speedy Graphito or Jonone.

Jake’s narration is based on a graphic vocabulary, his own words, drawn in a kind of lexical field that inspired his busy family life, his mystical aspirations, his childhood dreams and current affairs… To land on the planet, we must take time to « read » his works between the lines, because what is essential is invisible to the eye.

www.jakefigurationlibre.fr 35

PEINTURE

Totem Acrylique et Posca sur toile 120 x 120 cm, 2012

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STREET ART

©C215

C215

Stencil Master

« J’essaie d’interagir avec le contexte, je place dans les rues des éléments et des personnages qui appartiennent surtout à la rue. Je tiens à montrer les choses et les personnes que la société vise à maintenir cachées : les personnes sans abri, les fumeurs, les enfants des rues, les amoureux... » Christian Guémy, également connu sous son nom d’artiste C215 est un artiste de rue parisien axé sur le graffiti réalisé au pochoir. Né en 1973, il commence la peinture au pistolet en 2005 et est aujourd’hui l’un des plus talentueux et productifs pochoiristes de la scène street art. « L’art de C215 capture la lumière, la profondeur et l’humanité, c’est ce qui est difficile et rare lorsqu’on utilise les pochoirs.

Les pochoirs ont tendance à aplatir les images et à les rendre statiques, mais C215 a développé un style d’illustration et de pochoirs qui donne un éclairage impressionniste à ses sujets.

Même si sa technique est méticuleusement raffinée, le travail de cet artiste transcende le formel et semble aller au cœur de la compassion et de la croyance en l’esprit humain. Croiser des œuvres de C215 dans la rue me rend toujours heureux. » Texte : Shepard Fairey

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I try to interact with context, so I place in the streets elements and characters that belong especially to the streets. I like to show things and people that society aims at keeping hidden: homeless people, smokers, street kids, bench lovers for example » Christian Guémy, also known as C215 is a Parisian street artist focused on stencil graffiti. Born in 1973, C215 started spray painting in 2005 and is today one of the finest, and most productive stencil artists on the street art scene. « C215’s art captures a light, depth, and humanity that is difficult, and rare using stencils, his chosen medium. Stencils tend to flatten images and make them static, but C215 has developed a style of illustrating and stenciling that yields an impressionistic illumination of his subject’s character.

Even though his technique is meticulously refined, C215’s work transcends the formal and seems to get to the core of compassion and belief in the human spirit. Encountering C215’s pieces on the street is always makes me happy »

www.c215.fr

STREET ART

©C215

©C215

©C215

©C215

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STREET ART

KESADI

KESADI

KESADI

Kes’animals

Jeune artiste, Kesadi a toujours été attiré par la culture Hip-Hop, Olivier s’essaye à son premier graffiti à l’âge de quatorze ans. Aidé par son père graphiste, il apprend vite les techniques de base.

Au lycée, il opte pour une série scientifique. Les résultats et la motivation ne sont pas au rendez-vous. C’est donc, une fois le BAC en poche, qu’il change d’orientation pour se lancer dans une MANAA. Sa technique va se perfectionner, ses choix se conforter, son futur se dessiner. Après s’être fait la main sur des supports variés (toiles, vinyls, murs ou meubles), il maîtrise maintenant l’art de combiner le graffiti à d’autres styles artistiques.

Du haut de ses vingt ans, il a l’opportunité de vous présenter quelques unes de ses créations, reflets de son interprétation du Street Art. Ses tableaux sont réalisés à la bombe aérosols et au Posca.

Olivier was always attracted to the hip-hop culture. He tries his first graffiti at the age of 14. Helped by his father, who is a designer, he is a quick learner when it comes to the fundamentals.

During high school, he opts for a scientific section. Results and motivation are not there. After obtaining his baccalauréat, he switches orientations to pursue art studies.

His technique gets better, his choices get reinforced, his future gets clearer. After training on various canvases (paintings, vinyl, walls, furniture), he now masters the art of combining graffiti with other artistic styles.

Being only 20 years old, he has the occasion to exhibit some of his creations that reflect his interpretation of the Street Art. You will find some of his paintings, made with spray paint and Posca markers and signed Kesadi.

www.artsvice.com/galerie 40

STREET ART

KESADI

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PHOTOGRAPHIE

© Copyright Chayan Khoi vierge glace

CHAYAN KHOI

Cyberéalisme

L’artiste Chayan Khoi est né en 1963 à Téhéran.

Citoyen du monde, Chayan vit et travaille entre Paris, Téhéran et Marrakech, ce qui lui permet, en plus de ses divers voyages, d’être sans cesse dans un processus de mouvement et de créativité.

Le cyberéalisme est un terme dérivé de cybernétique et de réalisme.

Le monde cyberéaliste a été crée par Chayan, précurseur dans le domaine de la création numérique.

Chayan voyage partout dans le monde en le photographiant. Sans cesse à la recherche de la beauté, en parcourant le monde il rapporte des images utilisées ensuite pour créer un monde à part composé de paysages étranges et de symboles universels.

Chayan Khoï, photographe, peintre, vidéaste, est surtout un créateur d’images dans la nouvelle ère : le cyberéalisme !

The artist was born in 1963 in Tehran.

Citizen of the world, Chayan lives and works between Paris, Tehran and Marrakech, which allows him, besides his numerous trips, to be constantly in a process of movement and creativity.

The word « cyber-realism » is a derivative of « cybernetics » and « realism ».

The cyber-realistic world was created by Chayan, a pioneer in the field of numeric creation.

Chayan travels everywhere in the world while photographing it. Always looking for beauty, his journeys allow him to take back pictures that he uses afterwards to create a special world composed with strange landscapes and universal symbols.

Chayan Khoi is a photographer, a painter, a filmmaker, and above all a creator of images in the new era : cyber-realism!

www.chayankhoi.info 42

PHOTOGRAPHIE

© Copyright Chayan Khoi KA elef sur pont

© Copyright Chayan Khoi vague

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DESSIN

© Marko Manev Last Son 2013

MARKO MANEV

Superhero Noir

« Le style a été inspiré par le jeu vidéo indépendant Limbo.

Quand j’ai vu ces images incroyables du jeu il y a quelques années, je me suis dit que je devais faire quelque chose du genre. Je veux rendre hommage à mes super-héros préférés depuis un certain temps, et quand j’ai commencé les croquis, l’expression monochromatique, avec le noir, s’est imposée naturellement. J’aime employer des silhouettes pour m’exprimer, car elles représentent un symbole puissant. De plus, je voulais que les super-héros véhiculent une impression stoïque et monolithique. Les œuvres ont été illustrées par informatique, grâce à Photoshop et sur une tablette Wacom. »

« The inspiration for the style was from the indie video game Limbo. When I first saw the astounding visuals for the game a couple of years back I thought to myself that I have to make something like that. I wanted to pay tribute to my favorite superheroes for some time and when I started doing the sketches the monochromatic noir expression came natural. I love expressing myself through silhouettes because they are a very powerful symbol, besides I wanted the superheroes to heave a stoic monolithic feel to them.

The pieces were digitally illustrated on Photoshop using a Wacom tablet. »

www.markomanev.com 44

Š Marko Manev Webslinger

Š Marko Manev Webslinger

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Š Marko Manev Cat Burglar

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SCULPTURE

Mauro Corda lE nain BOXER bronze 112 x 57 x 30 cm

Mauro Corda pollution BRONZE ET FER, 200 x 58 cm

Mauro Corda

Les insolites de Mauro Corda

Mauro Corda le révèle et le transfigure dans ses créations.

Il impose sa perception intime et universelle d’une collusion des traumatismes, des pulsions et des passions dévorantes.

Ainsi, il nous aide à faire face aux nôtres. L’artiste n’est pas dans une complaisance malsaine mais il nous demande de saisir, de s’approprier ce qu’il nous jette à la face. L’œuvre agit donc comme catharsis, pour lui comme pour nous, mais elle est d’abord un évènement esthétique qui s’offre dans la sublime beauté de sa forme.

L’artiste met à l’épreuve nos imaginaires en quête de résonance suggestive. Il y engendre de violentes vibrations et des émotions troubles, mais il donne aussi l’illusion de saisir des cosmogonies exotiques que certains n’hésitent pas à mettre en scène dans des rituels narcissiques.

Mauro Corda reveals and transfigures in his creations.

He imposes his intimate and universal perception of a collusion of traumas, urges and consuming passions. Thus, it helps us deal with ours. The artist is not in an unhealthy complacency but requires us to seize and to appropriate what he throws at us. His work is therefore a catharsis both to him and to us, but it is primarily an aesthetic event that offers itself in the sublime beauty of its form.

The artist puts our imagination to a test while seeking suggestive resonance. He triggers violent vibrations and disorderly emotions, but he also gives us the illusion that we are entering exotic cosmogonies that are not always different from narcissistic rituals.

www.maurocorda.com 47

SCULPTURE

Mauro Corda PERFORMER Aluminium, inox 210 x 136 x 66 cm

Mauro Corda EQUUS Résine, plexiglas,inox 69 x 69 x 50 cm

Mauro Corda LA COLONNE Résine, fer,inox, led 300 x 80 x 60 cm

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DOSSIER SPECIAL

cote basque 49

PEINTURE

DELWOOD

DELWOOD

Art of Wood

Aurélien Desbois, nom d’artiste DELWOOD, je suis artiste peintre, réside et travaille à Biarritz ou j’occupe un collectif de 18 artistes, les Serres de la Milady.

Proche de l’océan et des montagnes je suis inspiré par mon milieu naturel. Je m’introduis dans le monde de l’art par le graffiti comme moyen d’expression, cet art revendicatif m’a fait découvrir le mur et les supports extérieurs comme les Blockhaus qui longent toute la côte Atlantique. J’ai d’ailleurs réalisé un projet d’envergure qui vise l’avancé du béton vers l’océan « Larmes écologiques ».

My name is Aurélien Desbois, my stage name is Delwood.

I am a painter, I live and work in Biarritz, where I work with a group of 18 artists, Les Serres de la Milady (The Milady’s Greenhouses).

I am close to the ocean and the mountains, so I am inspired by my natural surroundings. I get into the world of art with graffiti as a means of expression. This protest art made me discover the wall and exterior media such as the Blockhaus that are all across the Atlantic coast. I even made a big project that shows how the concrete advances to the ocean: Je favorise une approche mural d’envergure, c’est face à Larmes écologiques « Ecological tears ». de grands formats que je réalise le mieux l’amplitude de I prefer a large mural approach, it is in front of big formats mon geste. Je tiens à partager cet univers avec le public that I realize the amplitude of my gesture best. I want to share présent et possède une approche pédagogique qui tend this universe with the audience, and I have an educational way of doing things that sets bridges between the audience des passerelles entre le public et le monde de l’artiste. and the artist’s world. www.aureliendesbois.com 50

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BIARRITZ

prêt à porter Femme Women ready to wear

prêt à porter Homme Men ready to wear

THE ROW

BOUCHRA JARRAR

HAIDER ACKERMANN

HAIDER ACKERMANN MAISON RABIH KAYROUZ

MICHAEL BASTIAN QUAI DE VALMY CHRISTOPHE ♣ LEMAIRE

Lab . 617

boutique Duchatel accessoires 17 Avenue Edouard VII 64200 Biarritz - 05 59 24 52 90

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BOUTIQUE DUCHATEL PRET à PORTER 48 Avenue Édouard VII 64200 Biarritz - 05 59 22 02 85

PEINTURE

variation dollars

JOHN THERY

Un artiste multicolore

JOHN THERY commence à peindre dans les années 70, d’abord dans un style figuratif, avant de découvrir sa vocation pour l’art abstrait.

Fasciné par les effets spontanés de l’encre combinée à la force centrifuge, il se plonge dans de multiples expériences.

Se reconnaissant dans « l’action painted » inauguré par Jackson Pollock, il se lance dans une technique mixte alliant vitesse et peinture.

Des expositions à travers le monde sont prèvues notamment à Shanghai, Singapour et bientôt Monaco.

John Thery began to paint in the 70’s. He experienced first figurative art, then he discovered his vocation for abstract art.

Fascinated by the spontaneous effect of the ink combinated with the centrifugal force, he began his experiments.

Recognazing himself in the « action painted », introduced

by Jackson Pollock, he develops his style combining speed and painting.

Exhibitions are sheduled all around the world, particularly in Shangai, Singapore and soon in Monaco.

www.john-thery.com 52

52

John

G a l e r i e A r t m a ny 10, rue du cent re 64200 Biarrit z - FRANCE 06 07 26 46 75 - 05 59 24 04 24

c o n t a c t : a r t m a ny@ oran ge.f r

Thery

w w w.j ohn-t he r y.com

Article

B

LUE CARGO

Lieu mythique de la Côte Basque, LE BLUE CARGO allie authenticité et élégance dans un concept unique sur la côte.

Well-known place on the Basque coast, the Blue Cargo allies authenticity and elegance in a unique concept on the coast Le midi, les pieds dans le sable et le soir sur une confortable terrasse surplombant l’océan, le restaurant du BLUE CARGO propose une cuisine du Sud Ouest de qualité, s’inspirant des spécialités locales, faisant la part belle aux produits du terroir et de la mer.

For lunch, feet in the sand, and for dinner, a comfortable terrace with a view over the ocean, the Blue Cargo restaurant offers a quality Southwestern cuisine, inspired by local specialties, resorting a lot to local and sea products.

At the end of the day, you can also enjoy elaborate tapas En fin de journée, l’établissement vous propose également with a delicious cocktail, all of that to the nice sound of a une carte de tapas élaborés que vous pourrez déguster music concert. accompagné d’un délicieux cocktail, bercé par le son d’un When the night has fallen, the Blue Cargo transforms into a giant dancefloor with no ceiling. Tables become podiums, the concert de musique.

Une fois la nuit tombée, LE BLUE CARGO se métamorphose bar turns into a place for partying… and the night becomes en un dancefloor géant, à ciel ouvert. Les tables se a magic time. Every evening, the DJ, along with musicians transforment en podiums, le bar en lieu de fête… et la and live singers offer a show that is both magnificent and nuit devient magique. Chaque soir le DJ accompagné de enchanting. musiciens et chanteurs live vous proposent un show aussi Whether it is for a meal between friends, a relaxed afternoon, an appetizer watching the sunset, or a crazy night, the Blue grandiose qu’envoûtant.

Cargo is impossible to copy, to avoid, and most of all, to Que ce soit pour un repas entre amis, un après-midi forget. détente, un apéritif face au coucher de soleil, ou une soirée endiablée, LE BLUE CARGO est inimitable, incontournable et surtout, inoubliable.

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Ouvert tous les jours midi / 2h du matin

plage d’ilbaritz 64210 Bidart 05 59 23 54 87 contact@bluecargo.fr

www.bluecargo.fr

PEINTURE

Yannick Fournié Nine Eleven huile 120x120cm

Yannick Fournié

Incognito

La peinture de Yannick Fournié présente des portraits et arrêts sur image ironiques, mélancoliques, qui traitent de l’identité,de l’ambigüité de celui qui tient à affirmer sa place et joue son équilibre dans la société. De portraits écorchés aux corps exaltés, l’univers de l’artiste nous emmène dans sa représentation d’Icones sociales, politiques ou religieuses ou de simples anonymes. « Je suis d’une génération tellement riche et dense ou tout se bouscule : Celle du Pop Art, des Comics, du Street Art , de la fulgurance d’internet et des réseaux sociaux, de la télé réalité, poubelle audiovisuelle contemporaine. Je suis le témoin euphorique, atterré d’une décadence sociale, économique, écologique que je trouve parfois belle. »

Yannick FOURNIÉ’S painting features portraits and glimpses of ironic and melancholic images that deal with identity...the ambiguity of someone who wants to assert their position and play with their balance in society. « I belong to a rich and dense generation where everything jos- tles with everything else: Pop Art, Comics, Street Art, the bril- liance of the Internet and social networking, of reality television, contemporary audiovisual trash. I am the euphoric, baffled witness to a social, economic and ecological disinte- gration that I sometimes find beautiful. » Exhibition Yannick Fournié Galerie Chat noir Chat blanc in June 6th on August 8th, 2014.

Exposition Yannick Fournié Galerie Chat Noir Chat Blanc 6 juin au 8 aout 2014.

Galerie Chat Noir Chat Blanc 7 bis rue Luis Mariano Les Docks de la Négresse 64200 BIARRITZ 06 74 13 76 43 galerie@chatnoirchatblanc.fr www.chatnoirchatblanc.fr

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www.yannickfournie.com 58

PEINTURE

Yannick Fournié Almost seen / Incognito Séries Acrylic and époxy résin on canvas 2013 145 X 114 cm / 51 x 45 in

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INSOLITE

Xavier Ride Grass Art Andy Warhol 2012 gazon

!

XAVIER RIDE

Xavier Ride Arthure RIMBAUD 2011 feuilles de vignes

Grass art et femmes armées

« J’ai choisi de travailler cette technique de Grass Art car comme le Street Art ou encore le Cinéma Indépendant, l’herbe, le gazon, les plantes, se battent pour exister, pousser et grandir sur et avec tout support, avec comme contraintes leurs envies et leurs moyens.

Un petit amoncellement de poussières humide sur une façade immaculée va suffire à faire germer la plus petite graine qui, si elle résiste va grandir, se développera, encrera ses racines et enfin se multipliera et évoluera, en marge de cette façade dirigée et contrôlée pour révéler toute la splendeur et la force de son indépendance Le Street Art est la mauvaise herbe qui a sue devenir la plante incontournable du jardin artistique tout comme le cinéma indépendant celle du jardin cinématographique ».

« I chose to work with this Grass Art technique, because just like Street Art or independent cinema, grass, lawn and herbs fight to exist, grow and live on and with every support, in spite of their constraints, such as their desires and their means.

A little pile of wet dust on an immaculate façade will suffice to make the littlest seed sprout, then grow if it resists, and finally develop, anchor its roots, multiply and evolve, away from this controlled façade. It will reveal the entire splendor and the strength of its independence.

Street Art is the weed that was able to become a major plant of the artistic garden, just like the independent cinema is the one for the cinematographic garden. » Xavier RIDE

Xavier RIDE

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www.xavier-ride.over-blog.com www.mride.fr

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INSOLITE

Xavier Ride Grass Art Amandine’s got a gun , 2013

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Article

G

ALERIE PORTAL

Dans leur galerie d’art de Saint-Jean-de-Luz, Catherine et Frédéric Portal sélectionnent avec soin depuis 1990 des artistes peintres et sculpteurs issus d’univers différents contemporains ou modernes, figuratifs ou abstraits. Toujours motivés par le coup de cœur artistique, ils vous proposent un choix d’artistes de renommée internationale aussi bien qu’émergents.

In their Saint-Jean-de-Luz art gallery, Catherine and Frederick Portal have carefully selected painters and sculptors for over 20 years. They come from different universes, whether they are contemporary or modern, figurative or abstract. Always motivated by their love for art, they offer a selection of artists that are both renowned worldwide and emerging.

Le seul mot d’ordre reste « le talent » quel que soit le style et le degré de célébrité des artistes. Les artistes de renommée internationale côtoient alors de jeunes espoirs en devenir. Le talent des créateurs ne se limite pas au savoirfaire, chacun amène sa spécificité, éclaire l’Art de sa vision personnelle. De la figuration humaniste de Jean Jansem aux fresques raffinées de Bernardino Toppi en passant par la poésie des techniques mixtes de Théo Tobiasse, l’éclectisme des œuvres enrichit le choix de la galerie. Le travail unique de « Figuration syncrétique » des tableaux de Christophe Ronel, la fougue passionnelle des toiles de Pierre Ambrogiani, de même le post-cubisme de Camille Hilaire ou la délicate vision de la femme d’Alain Bonnefoit offrent une sélection d’artistes talentueux en faveur d’une esthétique en pleine effervescence. Leur passion aura su grandir au fil des années en tissant un lien privilégié avec artistes et collectionneurs.

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The most important thing remains talent, without taking into account the artists’ styles or celebrity. The ones that are known globally evolve with young promising people.

The creative talent is not limited to the expertise. Every artist brings their specificity and illuminates the art with their personal vision. The humanistic representation of Jean Jansem, along with refined frescoes by Bernardino Toppi, mixed with poetry techniques from Tobiasse, all enrich the choices of the gallery. The latter also shows art pieces by Christophe Ronel, passionate and ardent paintings by Pierre Ambrogiani, post-cubist Camille Hilaire… Their passion grew over the years by building a special relationship with artists and collectors.

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Galerie Catherine et FrĂŠdĂŠric Portal 17, Rue Pierre-Louis Tourasse 64500 Saint-Jean-de-Luz 05 59 26 70 67 www.galerie-catherinefredericportal.com

PEINTURE

Mathieu CHAVAREN Mathieu CHAVAREN, née le 6 juin 1990, est un peintre, dessinateur et graveur français.

Très jeune il est attiré part l’art pariétal et les gens qui l’entourent.

Il commence à peindre avec ce qu’il appelle la « belle pensée » dès lorsqu’il vient s’établir à Biarritz.

Sa peinture qui l’amène à marier ciel et terre tend vers le même mariage entre la joie et les gens. Une évidence qui a été perdu dans l’histoire de l’art.

Ce fait disparate fut l’essence même de l’art, et c’est en ce mariage que Mathieu CHAVAREN oeuvre à rétablir.

Mathieu CHAVARENfletta belle pensée 23

Belle pensée CHAVAREN Mathieu, born June 6, 1990, is a French painter, draftsman and engraver.

Younger, he is drawn from parietal art and the people around him.

He began to paint what he calls the «beautiful mind» comes from when settling in Biarritz.

His painting that led him to marry heaven and earth tends to the same marriage between joy and people. Obvious that was lost in the history of art.

Therefore disparate was the essence of the art, and it is in this wedding Mathieu CHAVAREN work to recover.

www.facebook.com/mathieu.demathieu 64

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PEINTURE

Mathieu CHAVARENfletta angoisse 23

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Article

a

RT-IS est une société de promotion d’artistes, et d’expositions d’art contemporain

en entreprise. Basés sur la côte basque, deux passionnés d’art ont unis leurs compétences pour installer l’art dans l’entreprise.

Art-Is is a company whose purpose is to promote artists, and to organize exhibitions within companies. From the Basque Coast where they are based, two art lovers united their skills to install art in companies.

Notre concept, proposer, concevoir, organiser et gérer des événementiels au travers d’expositions d’oeuvres d’artistes en entreprise.

Nos actions, selectionner des artistes qui permettent à l’entreprise de se reconnaître et de se démarquer dans sa dimension culturelle. Créer des evenements sur-mesure selon les objectifs et le budget de l’entreprise. Accompagner les entreprises pour créer des événéménts autour de l’art afin d’apporter une image de marque à l’entreprise. Proposer à un large public un choix sélectif d’oeuvres contemporaines innovantes. Suivre et promouvoir les créations de nos artistes.

Nos valeurs, au travers d’événements artistiques et culturels nous souhaitons que coexistent l’entreprise, ses clients, ses salariées, les institutionnels et les particuliers afin de cimenter des liens économiques tout autant que de respect et de reconnaissance mutuelle.

Nos références, Fort d’une expérience de plusieurs événements réalisés dans des secteurs tres divers : automobile, mécanique de précision, aménagement de commerce, fabrication de planches de surf, peinture industrielle, et tout récemment l’accord de DASSAULT d’effectuer un parcours d’artistes au sein de leur usine d’Anglet.

Pour tout projet, n’hésitez pas à contacter aRT-IS : pierre GARDERES / pierre.garderes@orange.fr / 0603531571 ART-IS COUVRE L’HEXAGONE !

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Our concept is to propose, design, organize and manage events thanks to art exhibitions in the premises of companies.

Our actions consist in, selecting artists that allow the company to recognize itself and stand out in its cultural dimension ; create tailor-made events according to the company’s goals and budget ; assist companies in creating events related to art in order to give them an image ; offer to a large audience a selection of innovative and contemporary art pieces ; follow and promote our artists’ creations.

Our values aim at making the company, its clients, its employees, the institutions and private individuals coexist through artistic and cultural events, in order to cement economic bonds as well as respect and mutual gratefulness.

Our references include many events made in very different domains: cars, precision mechanics, business layouts, surfboards manufacturing, industrial paint, and most recently an agreement from Dassault to create an artists’ path in their Anglet factory.

Art-Is is all over the Hexagon !

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Nos actions, nos valeurs

Quand l’art s’invite en entreprise

Proposer, concevoir, organiser et gérer des événements au travers d’expositions d’oeuvres d’artistes professionnels en entreprise.

ARTISTES à découvrir PLANTADE / CAVADORE / GIRAUD / LABAT / TERESTCHENKO / SOUQUE / DUCHENE / FOURNIE / BASSET pierre.garderes@orange.fr Pierre Garderes +33 (0)6.03.53.15.71

WWW.ART-IS.FR 67

PEINTURE

©Emmy Martens. no more words Technique mixte sur toile, 100 x 100 cm

FRANCK CAZENAVE Franck Cazenave est un artiste d’origine basco-catalane né à Biarritz. Après des études littéraires et artistiques et plusieurs années de recherches autour du paysage de montagnes (Salon Montrouge 2004), du monde végétal (tamaris, coquelicots…) et du corps féminin, il explore depuis 2009 les limites de la relation de l’individu à son environnement et à sa propre genèse, nourrissant une création plastique protéiforme : dessins, peintures, gravure sur mirroir, vidéo, photographie, installations et performances. Ses oeuvres poétiques et surprenantes, provoquent une interrogation singulière, empreinte de la douceur qui irrigue tout son travail. Exigeant autant que sensible, Franck Cazenave ne montre réellement son travail que depuis 4 ans. Sa production est aujourd’hui representée dans près d’une centaine de collections particulières (France, Europe, EtatsUnis, Afrique…).

Le monde végétal My work is about our relationship with our own nature, the genesis of our existence, and the living world, past, present or future, explored through the idea of meta-morphosis, the constant change of our biological beings, our close similarity to all existing creatures or organisms and the transience of our existence within a global vision of biological and physical eternity. All my works usually involve a certain sense of fragility and complexity. I often think and dream about another world where we could live in perfect harmony with the whole living world and universe. My works challenge the spectator on how to get back to or create this harmony.

The processes involved in my works are quite laborious and there are numerous individual elements involved. Colors and fine details are highly important to me and allow me to explore different sides of each idea i have.

www.franck-cazenave.com 68

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PEINTURE

Franck Cazenave fletta Technique mixte sur toile, 200 x 200c m

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ARCHITECTURE

Fernando Guerra

STEVEN HOLL

Cité de l’Ocean

Alors que sa réputation n’est plus à faire outre-Atlantique, Steven Holl a réalisé diverses constructions, musées et autres équipements universitaires à travers le monde.

Steven Holl en collaboration avec l’artiste Solange Fabião a conçu la Cité de l’Océan et du Surf de Biarritz comme une grande vague qui déroule. La Cité de l’Océan et du Surf est un centre dédié à la connaissance de l’océan. « Biarritz Océan » est un concept inédit, qui a pour ambition de faire découvrir la réalité et la complexité de l’océan, de sensibiliser le public à la fragilité et à l’importance de l’Océan et de son écosystème et de positionner Biarritz dans ce combat pour l’avenir. Steven Holl a donc imaginé un musée « sous le ciel, sous l’océan ». L’édifice est enterré sous une courbe, sorte de creux de vague qui forme une « cinquième façade ». Cette courbe constitue une grande place publique incurvée. Avec ses pavés portugais végétalisés, deux cubes en verre font écho à deux gros rochers qui se dressent sur la plage.

While he is already very well-known in the United States, Steven Holl made varied constructions, museums and college equipments all over the world. With Solange Fabião, he designed the Ocean and Surf City of Biarritz as a big wave unrolling. The Ocean and Surf City is a center that is dedicated to the knowledge of oceans. « Biarritz Océan » is an all-new concept, whose ambition is to present the reality and the complexity of the ocean, to make the audience understand how fragile and important the ocean and its ecosystem are, and to make Biarritz stand out in this fight for the future. That is why Steven Holl imagined a museum that is under the sky, under the ocean. The building is buried under a curve that looks like the inside of a wave and forms a fifth façade. This curve is a big curved public place. With its vegetalized Portuguese pavement, two glass cubes echo with two big rocks that stand on the beach.

www.makemystudio.com 70

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AVENTADOR LOGO

RÉSIDENCE

ANGLET L’ 1, EX 0 AV CE W 5 3 . D LL W 3 4 E EN W 7 M C .R 22 O E EY 5 HE C IM 8 RN OM M - 06 A M N O .C 24 DO E E O 25 - XIG M 9 B 0 IAR EN 44 R C ITZ E

ALLIANCE PARFAITE DE TRADITION, MODERNITÉ ET ART DE VIVRE SUR LA CÔTE BASQUE

ARCHITECTURE

FRANCK GEHRY vitra design museum

Frank Gehry

GTEAM

Frank O. Gehry est considéré comme l’un des architectes les plus importants et les plus influents de notre temps. On le connaît à l’échelle internationale pour son architecture personnelle, qui incorpore de nouvelles formes et de nouveaux matériaux, et pour sa sensibilité particulière au contexte qui l’entoure. Le Musée Guggenheim Bilbao est une de ses créations les plus remarquables.

Gehry a reçu les plus prestigieux prix décernés dans le domaine de l’architecture, comme le Prix Pritzker, qu’il s’est vu concédé en 1989 ; ou le Prix Impérial Japonais, qu’il a reçu en 1992. Actuellement, le siège de Gehry Partners, LLP se trouve à Los Angeles et Frank Gehry dirige personnellement chaque projet développé par sa firme pour des clients du monde entier. Il a reçu la médaille de l’ordre de Charlemagne de la principauté d’Andorre, en 2008, il la refusa. Il obtient le Prix Prince des Asturies des Arts en 2014.

Frank O. Gehry is considered one of the most important and influential architects of our time. It is known internationally for his own architecture, which incorporates new forms and new materials, and his particular sensitivity to the context that surrounds it. The Guggenheim Museum Bilbao is one of his most remarkable creations.

Gehry has received the most prestigious awards in the field of architecture, such as the Pritzker Prize, which has been granted in 1989; or the Japanese Imperial Prize, which he received in 1992. Currently, the seat of Gehry Partners, LLP is located in Los Angeles and Frank Gehry personally supervises each project developed by his company for the world entier.

Il customers received medal of the order of Charlemagne of the Principality of Andorra, in 2008, he obtained refusa.Il the Prince of Asturias Award for the Arts in 2014.

www.gehrytechnologies.com 72

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ARCHITECTURE

FRANCK GEHRY Disney Concert Hall by Carol Highsmith

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PEINTURE

MANU MOUAZAN PECHEUR ACRYLIQUE SUR TOILE 130 x 97 cm

MANU MOUAZAN SIRENE ACRYLIQUE SUR TOILE 146 x 114 cm

MANU MOUAZAN La légende raconte que les marins biarrots rentrant de la pêche à la baleine découragés, « furent attirés par des sirènes magnifiques blotties dans la grotte naturelle de la roche percée dite roche ronde… C’étaient en fait des créatures du démon.Le capitaine obtint de Dieu que ces pêcheurs ne soient pas précipités dans les flammes éternelles. Ils conserveraient la vie mais seraient transformés en cormorans.

MANU MOUAZAN PECHEUR ACRYLIQUE SUR TOILE 130 x 97 cm

Les Sirènes de Biarritz Legend has it that sailors returning biarrots the whaling discouraged, «were attracted by beautiful mermaids nestled in the natural cave breakthrough rock called Round Rock ...

They were in fact creatures of démon.Le captain obtained from God that these fishermen are not thrown into the eternal flames. But they retain life would be transformed into cormorants.

www. justarendezvous.tumblr.com 74

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SCULPTURE

BENOIT LEMERCIER Hypercube

BENOIT LEMERCIER Pour construire son travail plastique, Benoit Lemercier s’appuie sur les théories fondamentales qui expliquent l’organisation de la matière à ses différentes échelles, microscopique (théorie quantique des cordes) et macroscopique (théorie de la quatrième dimension) dont il offre une vision artistique en trois dimensions avec ses séries Supercordes et Hypercube.

Vers l’infiniment grand : la série Hypercube, grâce à un système d’anamorphose, donne à voir la quatrième dimension spatiale et propose un ensemble de sculptures géométriques, angulaires et de couleur noire, qui ouvrent des perspectives et des lignes de fuite vers l’infini...

Vers l’infiniment petit : la série Supercordes, basée sur la théorie quantique, rend visible, à travers un entrelacs de rubans blancs, les ondulations infinitésimales du plus petit constituant de la matière. Cette théorie émet l’idée que la matière serait constituée de minuscules cordes en vibration qui engendreraient les particules subatomiques (proton, électron....).

BENOIT LEMERCIER Supercordes

Hypercube et Supercordes In order to build his plastic work, Benoît Lemercier relies on fundamental theories that explain the organization of the matter at different scales: microscopic (quantum string theory) and macroscopic (theory of the fourth dimension).

He offers an artistic vision in three dimensions with his Supercordes and Hypercube series.

To the infinitely big: the Hypercube series, thanks to an anamorphose system, shows a fourth dimension in space and offers several black geometrical angular sculptures, that open perspectives and convergence lines to infinity…

To the infinitely small: the Supercordes series, based on the quantum theory, makes visible, through an interlacing of white ribbons, the infinitesimal undulations of the smallest things in matter. This theory suggests that matter is constituted of tiny vibrating strings that would create the subatomic particles (proton, electron…).

www.benoit-lemercier.com 75

PEINTURE

Marcello Petisci Ma peinture est réaliste voire hyperréaliste avec le plus souvent des inclusions iconographiques d’automobiles que je mets dans tous les états et situations possibles. Avant de commencer à peindre j’examine des variables quant à la nature des sujets peints, de la forme du sujet principal et la place qui lui est consenti à l’intérieur du tableau.

Chaque élément que renferme le cadre a été considéré et enfin adopté pour l’espace qu’il occupe en regard d’autres éléments déjà en place.

Marcello Petisci Chlorine acrylique sur toile 146 x 114 cm

L’automobile, tout un art My painting is realistic, and even hyperrealistic. Most of the time, I include iconographies of cars that I put every which way possible. Before starting to paint, I examine variables in regards to the nature of the subjects I paint, to the shape of the main subject and the place that is given to it within the painting. Every element in the frame has been considered and adopted for the space it takes compared to other elements that are already in place.

www.marcellopetisci.carbonmade.com 76

PEINTURE

Marcello Petisci Equilibre acrylique sur toile 130x75cm

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PEINTURE

Marcello Petisci double cible 146x114cm, acrylique sur toile

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INSTALLATION

©Tsuyu Bridwell MESDAMES BUTTERFLIES Essaim de papillons

TSUYU « L’artiste réinsère l’art traditionnel et emblématique de l’origami dans ses installations où le papillon demeure un élément récurrent et obsessionnel, multiplié à l’infini. Tsuyu accentue la fragilité, la délicatesse et le caractère éphémère de l’insecte en utilisant du papier de fibres de mûrier : un papier qui est également utilisé pour la confection des cloisons coulissantes des habitations traditionnelles japonaises.

Poétiques, fragiles et aériennes, ses suspensions matérialisent un pont délicat entre une identité revendiquée et une créativité des plus pertinentes. » Didier Brouwers, historien d’art et galeriste de Bruxelles.

Mesdames Butterflies The artist inserts back the emblematic and traditional art of origami in her installations, where butterflies remain a recurring and obsessional element, multiplied to infinity.

Tsuyu accentuates the fragility, the weakness and the transience of this bug by using mulberry paper, which is also used to make the sliding partitions of tradition Japanese houses.

Poetic, fragile and aerial, her suspensions materialize a delicate bridge between a claimed identity and a most relevant creativity.

EXPOSITION MESDAMES BUTTERFLIES PAR TSUYU A LA CFOC Du 8 avril au 21 juin 2014 CFOC 170, boulevard Haussmann 75008 Paris www.tsuyubridwell.com www.cfoc.fr

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INSTALLATION

©Tsuyu Bridwell BELONG Boîte entomologique

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INSOLITE

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Pentimenti Gallery, Philadelphia James & Ursula

MARK KHAISMAN

Taped

L’œuvre de Mark Khaisman est composée de bandes de scotch translucides soigneusement superposées à des feuilles d’acrylique rétro-éclairées. L’artiste utilise le scotch comme un large pinceau, la lumière offrant de l’ombre et de la profondeur.

Ses travaux sont construits et calculés, mais son support symbolise dans le même temps la déconstruction : l’image est composée de grilles, de pixels et de couches. Elle convertit la matière en une illusion visuelle. Les « peintures lumineuses » de Khaisman ne cherchent pas à capturer tous les détails.

Il s’agit plutôt d’utiliser les tons clairs et sombres pour créer une ressemblance reconnaissable. L’œuvre explore un univers familier, constitué de matériaux familiers, assemblés en une image familière. Par la familiarité, Khaisman crée une image aussi fragile que ce qui la compose, demandant au spectateur de reconnaître et de compléter l’œuvre, ce qui stimule à la fois la mémoire et l’interprétation.

Mark Khaisman’s representational works are suggestively rendered from carefully layered strips of translucent packing tape applied to backlit acrylic sheets. The artist uses the tape as a wide brush, with the light offering shadow and depth.

His images are constructed and calculated, but at the same time the medium is about deconstruction the image is broken into grids, pixels, and layers, converting matter into a visual illusion. Khaisman’s “paintings with light” don’t aim to capture every detail; it’s more a matter of using light and dark tones to create a recognizable resemblance. The work is exploring the familiar; made of a familiar material formed into a familiar image. Through the familiar, Khaisman builds an image that is as fragile as its material, asking the viewer to recognize and complete the work, stimulating both memory and interpretation in the process.

www.khaismanstudio.com 81

INSOLITE

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Pentimenti Gallery, Philadelphia Chair

Pentimenti Gallery, Philadelphia Faberge Egg

Pentimenti Gallery, Philadelphia Faberge Egg

Pentimenti Gallery, Philadelphia Blue Birkin Bag Glimpse

INSOLITE

Pentimenti Gallery, Philadelphia Birkin Girl

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PHOTOGRAPHIE

Mitch Dobrowner stormy skies

Mitch Dobrowner Un jour mon père m’a donné un vieil Argus pour que je m’amuse avec. Il ne se doutait pas que ce un geste s’avèrerait important pour moi.

Après avoir fait quelques recherches et après avoir vu les images de Minor White et Ansel Adams, je me suis vite devenu accro à la photographie.

Pour faire une longue histoire courte, j’ai quitté la maison à 21 ans, quitter mon travail, en laissant mes amis et ma famille pour voir le Sud-Ouest américain. En Californie j’ai finalement rencontré ma femme, et ensemble nous avons eu 3 enfants, et créé notre propre studio de design.

Je dois beaucoup aux grands photographes du passé, en particulier Ansel Adams, pour leur dévouement et pour l’inspireration qu’ils m’ont donné. Bien que je ne les ai jamais rencontrés, ils m’ont aidé à déterminer le cours de ma vie.

Quand la chasse vient à la tempête !

Worried about my future direction in life, my father gave me an old Argus rangefinder to fool around with. Little did he realize what an important gesture that would turn out to be for me. After doing some research and seeing the images of Minor White and Ansel Adams I quickly became addicted to photography. To make a long story short, I left home at 21, quitting my job, leaving my friends and family to see the American Southwest for myself. In California I eventually met my wife, and together we had 3 children, and created our own design studio - and the tasks of running a business and raising a family took a priority to Photography. During that time I stopped taking pictures.

I feel that I owe much to the great photographers of the past, especially Ansel Adams, for their dedication to the craft and for inspiring me in my late teens. Though I have never met them, their inspiration helped me determine the course my life would take.

www.mitchdobrowner.com 84

PHOTOGRAPHIE

Mitch Dobrowner

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SCULPTURE

Selçuk yılmaz

Selçuk yılmaz

Selçuk yılmaz

Aslan

« Il est vrai que la culture mythologique et magique a fait du lion le symbole de la force et du courage. Manières majestueuses, attitude noble, fière et sûre de lui-même.

Mais c’est surtout sa richesse visuelle qui a attiré mon attention. Il fallait alors bien choisir les matériaux à travailler.

J’ai commencé mon travail à travers ces centaines particules métalliques : j’ai savouré la joie du travail fatiguant et obstiné. Réunissant ces centaines particules métalliques, j’ai eu l’impression de retrouver, par des retours métalliques au sein du corps, « l’œil de l’Univers ». En travaillant les yeux, j’ai ressenti la profondeur des ténèbres et je me suis engagé à le rendre palpable, du moins visible. J’ai tenu à exprimer que mon Lion à moi, pourrait être seul et solitaire mais toujours fier et fort et jamais sauvage ni agresseur ; sa noblesse et sa vue imposante devraient redresser une richesse visuelle qui promettrait l’assurance et la confiance pour les hommes. »

« It is true that mythological culture and magic have made the lion a symbol of strength and courage. Majestic ways, noble attitude, pride and confidence. But its visual richness is what caught my attention. I had then to choose materials in order to work. I started with hundreds of metal particles.

I enjoyed this exhausting work that required of me to be stubborn. Because of these metallic particles, I was under the impression that I was the eye of the universe. While working on the eyes, I felt the depth of darkness and I committed myself to make it palpable, at least visible. I wanted to show that my lion could be alone and lonely, but still proud and strong, and still never wild or aggressive. Its nobility and impressive view should straighten a visual richness that would promise assurance and confidence to men. »

www.behance.net/selcukylmz 86

INSTINCTIVE TECHNOLOGY

Lamborghini Lyon

lionel.laffont@passionautomobiles.fr

passion Automobiles Prestige 2 chemin des Cuers 69570 - Dardilly Tel : +33 4 72 29 12 21 Lionel Laffont : +33 7 62 58 38 25 lionel.laffont@passionautomobiles.fr www.lamborghini-lyon.fr

Huracán LP 610-4 – Consommations en (l/100km) : cycles extra-urbain 9.4 ; mixte 12.5 ; urbain 17.8 – Emissions de CO2 (g/km) : 290

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SCULPTURE

Egon Dejori Alessia Det

Egon Dejori Mateo

Bruno Walpoth

A moment in wood

Bruno Walpoth crée des sculptures humaines intrigantes en bois. Les imperfections de texture des sculptures donnent un esprit figuratif aux arbres dont elles sont issues. Walpoth utilise de la peinture semi-translucide pour enrober ses travaux, veiller à ce que les grains de bois restent visibles.

Il ya un sens de la vie et de l’humanité dans les chiffres qui semblent souvent très pensif et profond dans la pensée.

Ayant grandi avec une lignée de grands-pères et un oncle qui étaient sculpteurs distingués, Walpoth a vivement choisi de suivre leur pratique, en intégrant ses propres idées contemporaines à l’artisanat. Inspiré par toutes les formes d’art qui se trouvent au-delà de la sculpture sur bois, Walpoth approches dalles de bois massif avec une perspective créative, les transformant en chiffres richement détaillés dans la ressemblance des hommes et des femmes.

Photos : Storck Design www.storkdesign.it Représenté par Absolute Art Gallery, Belgique www.absoluteartgallery.com

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Bruno Walpoth creates intriguing human sculptures that are made of wood. The flaws in the texture of the sculpture give a figurative spirit to the trees they come from. Walpoth uses half-translucent paints to coat his work, to be sure that the wood grains remain visible. There is a meaning of life and humanity in figures that often look very deep in thought.

He grew up with grandfathers and an uncle who where renowned sculptors, Walpoth has eagerly chosen to follow their art, while implementing his own contemporary ideas.

He is inspired by all forms of art that are beyond wood sculpting and approaches big tiles of wood with a creative perspective, transforming them in richly detailed figures resembling men and women.

www.walpoth.com

SCULPTURE

Egon Dejori Ricordi d’infanzia

Egon Dejori Bei Mir

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INSOLITE

EMMA VAN LEEST St George.

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EMMA VAN LEEST

St George

Ma mère m’a appris à coudre quand j’étais très jeune, et depuis j’ai apprécié le caractère répétitif et méditatif de la couture main-échelle. Au fil du temps, j’ai pris conscience des traditions féminines qui j’étais connecté, en particulier la nature transformatrice de l’artisanat, le potentiel de transformer un quotidien et objet ou matériel normal, comme le coton brut, le papier ou la laine, en quelque chose de beau et utile qui serait précieux pour les générations.

My mother taught me to sew when I was quite young, and since then I’ve enjoyed the repetitive and meditative nature of hand-scale sewing. Over time I became aware of the feminine traditions which I was connecting to, in particular the transformative nature of handicrafts, the potential to transform an everyday and normal object or material, such as plain cotton, paper or wool, into something beautiful, valuable and useful that would be treasured for generations.

www.emmavanleest.com 90

PHOTOGRAPHIE

Zev Hoover

ZEV HOOVER

Zev Hoover

Mignature people

Zev Hoover est un jeune homme natif du Massachussets et passionné de photographie. La plupart des ses clichés sont des auto-portraits ou mettent en scène des membres de sa famille dans un univers aérien, voire légèrement fantasque.

La particularité de ses photos ? Elles sont retouchées pour donner l’illusion d’êtres humains lilliputiens vivant dans un monde gigantesque. Plusieurs albums et donc plusieurs histoires sont mis en ligne : des séries en noir et blanc, des échappées parmi les éléments naturels et d’autres autour d’objets du quotidien, ce qui ne les rend pas moins créatives. Zev est donc un photographe travailleur, appliqué, doté d’un sens esthétique certain et d’une âme de poète. Et surtout... il n’a que quatorze ans ! « Je prends en photo l’arrière-plan de la photo en premier lieu. C’est généralement un panorama réalisé à l’aide de 5 à 20 images qui sont combinées. Après cela, je prends la photo d’une personne avec la même lumière, je l’introduis sur Photoshop, élimine l’arrière-plan de l’image et j’utilise un correctif qui permet à ce que la luminosité et la tonalité de la personne miniaturisée et du fond soient similaires. »

Zev Hoover is a young man that was born in Massachusetts.

He is passionate about photography. Most of his pictures are self-portraits that stage members of his family in an aerial universe, even slightly whimsical. What’s special about his pictures is that they are retouched to make them look like Lilliputians living in a huge world.

Several albums, and therefore several stories, are published online: black and white series, breakaways among natural elements, others around objects from the day to day life, which do not make them less creative. Zev is a working and applied photographer, he has a certain aesthetic sense and the soul of a poet. And most of all, he is only 14 ! « I start by taking a picture of the background. It is usually a panorama made with 5 to 20 pictures that are combined.

Afterwards, I take the picture of someone with the same light, I put it in Photoshop, I erase the background and I use a corrective patch in order for the miniaturized person and the background to have the same brightness and tonality. » Zev Hoover

Zev Hoover

www.flickr.com/photos/fiddleoak/ 91

PHOTOGRAPHIE

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Zev Hoover

Zev Hoover

Zev Hoover

Zev Hoover

PHOTOGRAPHIE

Zev Hoover

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STREET ART

© jana & js forêt allemagne, 2014

JANA & JS

Quand la forêt passe, pas un bruit

Jana & Js forment depuis dix ans un couple d’artistes inscrivant leur travail tant dans l’espace urbain que sur différents types de supports dédiés à des expositions. Après leur rencontre à Madrid où ils ont vécu, quelques années passées à Paris, ils sont aujourd’hui installés près de Salzbourg en Autriche.

For ten years, Jana & JS have formed an artistic couple and placed their work in urban spaces as well as different media designed to be part of exhibitions. They met in Madrid where they lived, then spent a few years in Paris, and now reside near Salzburg in Austria.

Ils composent leurs peintures de paysages urbains, de détails They compose their paintings with urban landscapes, d’architectures et de personnages dont les attitudes et les architectural details and characters whose behavior and expressions sont inspirés des endroits où ils sont peints. Le expression are inspired by the places where they are travail de jana & js tend à s’intégrer le plus possible aux lieux painted. Jana & JS’ work tends as much as possible to blend de leur interventions. Ils cherchent sans cesse à créer une in the places where they work. They constantly try to create relation entre leur peinture et l’environnement dans lequel elle a relationship between their painting and the environment where it places itself. s’inscrit.

Ils utilisent le pochoir comme base de leur travail mais l’ont au They use stencils as a basis of their work, but over time, they fil du temps enrichi d’autres techniques qui leur procurent plus enriched it with other techniques, allowing them to have more liberties. de liberté.

They are passionate with photography, which is why their art Passionnés de photographie leur travail pictural repose sur is based on their photographs. It is designed as a personal leur photos. Il se veut personnel, reflet de ce qui les entourent, act, a reflection of what surrounds them, touches them and les touchent et dont ils sont témoins. Il se nourrit de leurs that they see. It feeds on the people they meet, the trips they rencontres, de leurs voyages, de leur vie quotidienne… make, their daily life…

Depuis le début 2014, jana & js ont mené entre autres deux Since early 2014, Jana & JS have led, among other things, projets de peintures en extérieur (cf images), loin de la visibilité two outdoors painting projects, far away from the visibility des grandes villes en quête de nouveaux espaces atypiques. of big cities, searching for new atypical spaces. www.janaundjs.com 94

© jana & js brasserie abandonnée salzburg, autriche, 2014

© jana & js brasserie abandonnée salzburg, autriche, 2014

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STREET ART

DAN 23 tour 13

DAN 23

Open your eyes

Après de nombreuses années à peindre des artistes musicaux à l’aquarelle, Dan 23 ouvre en 2006 sa galerie à Strasbourg. Son premier solo show l’entraine non pas dans les galeries mais sur les scènes de concerts et festivals à travers le monde pour réaliser des lives paintings. Il décide en 2013, d’abandonner la scène pour intervenir plus intensément dans la rue en plaçant ici et là des portraits lumineux portant le nom d’une chanson et représentant les différentes rencontres qu’il a faites dans sa vie. Le projet Tour Paris 13, lui ouvre les portes de la reconnaissance et la galerie d’art urbain Mathgoth à Paris l’invite à réaliser un solo show en 2014. 2014, c’est également l’ouverture de sa galerie Open Your Eyes à Strasbourg.

After spending several years painting musical artists with watercolors, Dan23 opened in 2006 his own gallery in Strasbourg. His first steps as a solo performer making livepaintings then appeared to be more on concerts and music festival stages throughout the world than in his own gallery.

In 2013, he decides to quit the stages in order to get more involved into the streets and the urban environment, painting bright portraits, each of them dedicated to a particular song and representing all the significant encounters he made in his life. The « Tour Paris 13 » project in which he got involved, eventually gave him the recognition. Finally, the street-art gallery Mathgoth in Paris offers him the opportunity to make a solo-performance in 2014. 2014 is also the opening of his own gallery Open Your Eyes in Strasbourg.

www.dan23.com 96

SCULPTURE

Bruno Catalano J’ATTENDS

Bruno Catalano CATALANO MATTEO

Bruno Catalano

Les voyageurs

Les sculptures de Bruno Catalano nous révèlent le désir de l’artiste de présenter la sculpture avant lui en timbrant la sculpture de son propre style et en visant à capturer l’attention du spectateur.

Admirant l’art depuis sa jeunesse, Bruno Catalano a débuté sa carrière de sculpteur avec un remarquable talent en 1990.

Jouissant d’une renommée nationale et internationale, les sculptures de Bruno Catalano font partie des collections de grandes sociétés et des grandes collections privées et publiques dans le monde. Elles sont exposées en France, Angleterre, en Chine, en Belgique, en Suisse, et aux États Unis.

Représenté par les galeries Bartoux www.galeries-bartoux.com

Bruno Catalano BABOUDHAN

Bruno Catalano’s sculptures reveal the artist’s desire of presenting the sculpture before him by marking his work with his own style and trying to capture the attention of the viewer.

An admirer of art since his young days, Bruno Catalano started his sculpting career with a remarkable talent in 1990.

Enjoying a national and worldwide renown, Bruno Catalano’s sculptures are part of the collections owed by big companies and big collectors all over the world. They are exhibited in France, England, China, Belgium, Switzerland, and in the United States.

www.brunocatalano.com 97

INSOLITE

©2014 Iurato Studios, LLC small world

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Joe Iurato

Crazy Gonz

« J’utilise des couches de papier découpé à la main et des bombes de peintures pour créer texture et forme : c’est une adaptation moderne d’un procédé d’impression dépassé. Mon art n’est rien de plus qu’une exploration et une retranscription d’expériences personnelles. Les œuvres forment une version abstraite de ma vie. Ce sont les questions que je me pose, les conclusions que j’ai tirées, l’amour, le dégoût, la joie et la tristesse que je contiens. En clair, je peins ce que je sais… ou ce que j’essaie de comprendre. Qu’elles soient petites ou grandes, mes œuvres sont souvent créées dans des lieux publics et laissées à l’interaction avec l’environnement et les gens. Comme la vie elle-même, la nature de l’art public est éphémère.

Chaque œuvre reflète l’imprévisibilité de l’existence et vise à établir un lien étroit avec le spectateur ici et maintenant.

En parallèle à mes œuvres publiques, mon art peut se trouver dans le monde entier au sein de galeries ou de publicités. Parmi mes clients de publicité : Nike, la NBA, le football diffusé à la télévision américaine, Sprite, la société de production de Mike Tyson…

Je vis dans le New Jersey. Pas celui qu’on voit à la télévision. »

« I use layers of hand cut paper and spray paint to create texture and form, a modern adaptation of an old-fashioned printing process. My art is nothing more than the exploration and documentation of personal experiences. The pieces form an abstract of my life. They are the questions I have, the conclusions drawn, the love, disgust, joy and sadness contained. Essentially, I paint what I know...or what I’m trying to understand. However big or small, the works are often created in public spaces and left to interact with the environment and community. Like life itself, the nature of public art is one of transience. Each piece mirrors the unpredictability of existence and hopes to establish an intimate connection with the viewer in the here-and-now.

In addition to my public works, my art can be found internationally in galleries and commercially. Past commercial clients include: Nike, the NBA, NBC’s Sunday Night Football, Sprite, The Aqueduct, and Mike Tyson’s Iron Mike Productions.

I live in New Jersey. Not the one you see on TV. »

www.joeiurato.com 98

INSOLITE

©2014 Iurato Studios, LLC Brooklyn blues

©2014 Iurato Studios, LLC Torres Kickflip

©2014 Iurato Studios, LLC Trapps

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INSOLITE

©2014 Iurato Studios, LLC Crazy legs

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INSTALLATION

© Michal Trpák slight uncertainty

Michal Trpák

Slight Uncertainty

Michal Trpak est né en 1982, en République tchèque. Ses études artistiques ont débuté à l’école secondaire d’arts à Český Krumlov. Il est ensuite parti étudier à l’académie des arts et du design à Prague, où il a passé son master. Pendant son cursus, il est parti à deux reprises en échange d’un an à Lahti (Finlande) et Vancouver (Canada). Après avoir obtenu son diplôme à Prague en 2007, il a commencé à exercer en qualité d’artiste tout en préparant son doctorat à l’académie des arts de Banská Bystrica en Slovaquie. Depuis 2007, Michal Trpak organise une exposition de sculptures dans un espace public de České Budějovice, intitulée Art in the City (L’art dans la ville), où les sculpteurs de République tchèque et parfois d’ailleurs exposent leurs œuvres pendant l’été. Les sculptures et les tableaux réalisés par Michal Trpak sont proposés dans des espaces publics ou font partie de collections privées en République tchèque, en Allemagne, en Russie, en France, au Canada. En marge de ses études et de ses projets artistiques, Michal Trpak voyage dans de nombreux pays ou dans des endroits reculés (l’Alaska, le Kamtchatka, l’Himalaya) ou encore pratique la plongée pour trouver de nouvelles sources d’inspiration.

Michal Trpak was born in 1982 in the Czech Republic. His art studies started at Secondary School of Arts in Cesky Krumlov.

After he went to study at Academy of Arts and Design in Prague where he took his masters degree. During this studies he went to 2 one-year exchange stay to Lahti in Finland and Vancouver in Canada. After graduating from Prague in 2007 he started to work as an artist and apart from it he finished his PhD at Academy of Arts in Banska BystricaSlovakia.Since 2007 Michal Trpak is organizing a sculpture exhibition in the public space of Ceske Budejovice called ART In the City where sculptors from the Czech Republic and sometimes abroad exhibit their works during the summer.

The sculptures and paintings made by Michal Trpak are in public spaces and private collections in Czech Republic, Germany, Russia, France, Canada. Besides studying and creating artistic projects Michal Trpak travels to various countries or remote places of world like Alaska, Kamchatka , Himalayas or dive in the seas to get new inspiration.

www.michaltrpak.com 102

INSTALLATION

© Michal Trpák looking for happiness

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EVASION

© Copyright 2014 Mondial du Vent Aaron Hadlow

18ème EDITION DU MONDIAL DU VENT Du 26 avril au 4 mai 2014, Leucate a accueille la 18ème édition le Mondial du Vent. Le rendez-vous de Leucate est aujourd’hui le 1er événement de kitesurf et de windsurf en France. Au fil des années, le Mondial du vent s’est imposé comme l’événement international de référence dans ces deux disciplines.

Cette année, pas moins de 4 compétitions de kitesurf, de windsurf ou combiné des deux disciplines ont été au programme parmi lesquelles : La Coupe du Monde PKRA (Kitesurf Freestyle) avec l’unique étape française. Cette compétition a rassemble l’élite de la discipline en freestyle chez les hommes comme chez les dames. Pour la 4ème édition de la Sosh Cup, les Kitesurfers et Windsurfers professionnels se sont défier sur des runs de vitesse. Cette année, une nouvelle discipline vient s’ajouter aux épreuves de vitesse en windsurf : le Windsurf Freestyle WindMeet. Le Stand Up Paddle est désormais une épreuve incontournable au Mondial du Vent.

Avec cette discipline très en vogue, c’est un petit air d’été qui flotte sur le spot de la Franqui.

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Les athlètes les plus rapides sur l’eau réunis à Leucate From April 26 to May 4, 2014, Leucate hosted the 18th edition of the International Wind Meeting. It is one of the greatest events for the elite of kite-surfing and windsurfing as well. This happening was a unique occasion to see the best of these two disciplines in freestyle and at full tilt.

This meeting in Leucate is now the first kite-surfing and windsurfing gathering in France. Over the years, the International Wind Meeting has become a worldwide event recognized for its quality regarding these two disciplines. This year, four contests of kitesurfing/windsurfing (or both at the same time) were presented, among which: The PKRA World Cup (Kite-surf Freestyle); it was the only stop in France. This competition gathered the elite of the discipline among men as well as women. This year, a whole new discipline was added to the speed trials in windsurfing: the Windsurf Freestyle WindMeet. The stand-up paddle is now recognized as a major trial at the International Wind Meeting.

This discipline, that is very much in vogue, makes summer floats over the Franqui spot.

EVASION

Š Copyright 2014 Mondial du Vent Marc Jacobs

www.mondialduvent.fr 105

PEINTURE

Hom Nguyen

Hom Nguyen

Wonderful Ratina

L’artiste français Hom Nguyen impose peu à peu son style dans le monde de l’art contemporain. Ses portraits monumentaux, entre figuration et abstraction, sont percutants et provoquent instinctivement émotion et interrogation. À la fois belles et menaçantes, ses dernières œuvres sauvagement colorées capturent la profondeur des sentiments et la complexité des émotions qui bouleversent l’âme humaine. L’artiste déstructure les traits du visage à coups de pinceaux nerveux pour ne laisser qu’un regard expressif intense jaillir de la matière dense. Une douceur inhabituelle, une tristesse presque, émane des yeux de son Bruce Lee, loin de la fureur du Dragon. Lee Harvey Oswald, nimbé de bleu, pose de manière paisible et inoffensive au côté de son illustre victime tandis que le boxeur Jean-Marc Mormeck apparaît docile hors du ring.

Le travail subtil de Hom Nguyen dépeint l’insaisissable humain dans sa multiplicité. À travers ses toiles, il propose une nouvelle définition du portrait, bien au-delà des apparences.

French artist Hom Nguyen gives more and more weight to his style in the world of contemporary art. His gigantic portraits, between figuration and abstraction, are very powerful and instinctively trigger emotion and interrogation.

Both beautiful and threatening, his last pieces, savagely colored, capture the depth of feelings and the complexity of emotions that bring the human soul upside down. The artist destroys the lines of the face with nervous strokes of the brush in order to let only an intense and expressive look burst from the dense matter. An unusual sweetness, almost a sadness, comes out of Bruce Lee’s eyes, far from the dragon’s wrath. Lee Harvey Oswald, surrounded in blue, poses in a peaceful and harmless way next to his well-known victim, while the boxer Jean-Marc Mormeck looks docile away from the ring.

Hom Nguyen’s subtle work shows the unseizable human in its multiplicity. Through his paintings, he offers a new definition of portrait, far beyond appearances.

www.hom-nguyen.com 106

PEINTURE

Hom Nguyen

Hom Nguyen

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PEINTURE

DIEDERICK KRAAIJEVELD allstars blue high res

DIEDERICK KRAAIJEVELD Yellow All Stars

DIEDERICK KRAAIJEVELD Kraaijeveld est un autodidacte. Ce qui constituait au départ un passe-temps, à savoir réunir des objets de collection, devint progressivement une autre passion, celle des voitures d’époque. En 2005, joignant alors ses deux passions, Diederick se lança comme objectif de recréer sa Mustang de 1966 bien-aimée, l’immortalisant alors en lui donnant le statut de première pièce pour sa série Oudhout (littéralement : « Bois ancien »).

Se basant avant tout sur des photos qu’il prend lui-même, il sculpte chaque pièce à la main et les assemble en utilisant du bois naturel coloré qu’il récupère dans son pays natal ou lors de ses voyages autour du monde. Il est souvent prévenu lorsque des parquets datant d’il y a plusieurs siècles (ce qu’il préfère, pour leur histoire et le lustre des années) sont arrachés dans des bâtiments aux quatre coins des Pays-Bas. Des planches en bois peintes, des parquets d’anciens manoirs et de fermes ont tous trouvé leur place dans son œuvre.

Diederick utilise uniquement le bois tel qu’il le trouve. Il n’utilise pas la moindre peinture. Le but de Diederick est de créer des œuvres belles et désirables en faisant usage de matériaux dont les gens se sont débarrassés.

Représenté par plus one gallery www.plusonegallery.com

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All stars, dollars and stong Working predominantly from photographs he takes himself, each piece is hand carved and assembled using reclaimed, genuine colored wood that Diederick scavenges himself during his daytrips around his native Holland and travels around the world. He gets tipped frequently when centuries old floors (his favorite material because of the history and the natural patina of ages) are torn out of buildings all over The Netherlands. Painted wooded planks, flooring from old mansions and rural farmhouses have all found a place in his work. When asked if there is a favorite wood he is drawn to, Diederick is quick to point of that colour is the leading factor when sourcing material. A single work can consist of over a hundred different pieces of color, and therefore over a hundred different pieces of wood, giving his sculptures its unique perspective and irregular surface. Diederick only uses the wood in the colours that he finds them. He does not use any paint at all.

It is Diederick’s goal to create beautiful and desirable icons out of materials that people have discarded.

www.oudhout.com

PEINTURE

DIEDERICK KRAAIJEVELD 100 dollars

DIEDERICK KRAAIJEVELD 9p stamp high res

DIEDERICK KRAAIJEVELD stamp grey

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PHOTOGRAPHIE

© Copyright Yves Marcellin 2014 Autoportrait au masque

Yves Marcellin

© Copyright Yves Marcellin 2014 Noémie sous la neige

L’agitateur d’émotions

Chez Yves Marcellin, Artiste-Photographe, portraitiste plasticien, l’utilisation des grands formats participe de la volonté d’émouvoir par la mise en mouvement distinguable ou indistinguable des visages et des corps de ses modèles : comédiens, danseurs, mannequins, hommes ou femmes, connus ou anonymes.

Ses portraits sont l’oeuvre d’un photographe explosif, dynamiteur et agitateur d’émotions.

Ses tableaux photographiques provoquent les sens aussi bien que la réflexion en montrant l’âme humaine tout à tour triste, souffrante, en colère, féroce, haineuse ou joyeuse, euphorique, amoureuse, légère ou apaisée.

La technique de ses portraits lui permet de sublimer ou d’accentuer les émotions, les comportements, les expressions, les attitudes, les postures, les gestes ou les stimates de ses modèles.

Tour à tout irréels, imaginaires, oniriques, authentiques ou palpables mais toujours insolites, les photos-tableaux d’Yves Marcellin attirent autant qu’elles dérangent.

For Yves Marcellin, Artist-Photographer, visual portraitist, the use of large formats contributes to the disturbing effect of the distinguishable or indistinguishable movement he imparts to the faces and bodies of his subjects : actors, dancers, models, men or women, famous or anonymous.

Its portraits are the work of an explosive photographer, blasting and agitating emotions.

His photographic artworks provokes the senses as well as the mind in showing the human soul by turn sad, suffering, angry, fierce, hateful, or joyous, euphoric, in love, playful, or peaceful.

The technique he has developed and used in these portraits enables him to erase or accentuate the emotions, behaviors, expressions, attitudes, postures, gestures or the stigma of his subjects.

By turn illusory, imaginary, dreamlike, realistic, or natural but always insolite, the photographic works of Yves Marcellin attract as well as disturb.

www.yvesmarcellin.com 110

ELLE SE GAGNE.

Pouvoir compter sur l’intégrité d’autrui

est un sentiment qui change avec le

temps. C’est ce que l’engagement le

plus exigeant envers votre sécurité et le soutien d’une société hautement

réputée comme Berkshire Hathaway,

peut faire pour vous.

f o r b u s i n e s s , f o r f a m i l y, f o r l i f e

S O C I É T É B E R K S H I R E H AT H AWAY.© 2014 N E TJ E T S I N C . TO U S D R O I T S R É S E R V É S. L E S E M A I L S E N V OY É S À C E T T E A D R E S S E S E R O N T C O N S U LT É S PA R N E TJ E T S E T A R T ’S V I C E A F I N D ’É TA B L I R D E S S TAT I S T I Q U E S D E P R O V E N A N C E .

TO U S L E S AV I O N S P R O P O S É S PA R N E TJ E T S ® E U R O P E S O N T G É R É S E T E X P L O I T É S PA R N E TJ E T S T R A N S P O R T E S A É R E O S S.A ., U N T R A N S P O R T E U R A É R I E N E U R O P É E N. N E TJ E T S E S T U N E M A R Q U E D E S E R V I C E D É P O S É E . N E TJ E T S I N C . A P PA R T I E N T A L A

La conf iance ne s’achète pas,

D É C O U V R E Z L E S C O M P R O M I S Q U E N O U S N E F E R O N S J A M A I S / +3 3 ( 0 ) 1 5 6 4 3 4 8 9 9 / A R T S V I C E @ N E TJ E T S E U R O P E . C O M

STREET ART

Pioc Ppc homo homini lupus est

Pioc Ppc

Pioc Ppc The crow

Canis Lupus

Pioc Ppc est un artiste né en 1987, qui a grandit au cœur des espaces alpins, face à la nature, tout en évoluant dans le monde de la glisse et de la musique techno. Ces univers auront une grande influence sur la construction de sa personnalité.

Dès 1999, avec des graffeurs de sa région, il s’essaie au lettrage sur les murs de sa ville ou lors d’événements culturels institutionnels et forme le crew PPC. Mais c’est rapidement le travail en atelier qui l’attire et lui permet de développer un travail plus personnel.

Il intègre toujours des animaux dans ses peintures « pour les symboles qu’ils représentent qui nous poussent à nous interroger » dit-il, comme cette tête de loup qui revient souvent et lui sert de signature. « Chaque animal représente des choses différentes selon les individus et les circonstances. Cela me permet de raconter des histoires ».

Son travail a un sens politique, philosophique, sociologique, spirituel et beaucoup plus encore.

Il décrit les maux, les espoirs et l’amour de son monde.

Pioc Ppc is an artist who was born in 1987 and who grew up in alpine spaces, in front of the nature, while evolving in the field of slides and techno music. These universes are essential in the building up of his personality. In 1999, with graffiti artists of his area, he starts painting letters on the walls of his city or during institutional cultural events, and creates the PPC crew.

But soon, he gets attracted to making art in a workshop, which allows him to develop a work that is more personal.

He always puts animals into his work, “because of the symbols they represent and that push us to wonder about things”, he says, like for example a wolf’s head that recurs in his work and serves as his signature.

“Every animal represents something different, depending on people and circumstances. This allows me to tell stories.”

The sense of his work is political, philosophical, sociological, spiritual and so much more. He describes the pains, the hopes and the love of his world.

www.piocppc.fr 112

STREET ART

Pioc Ppc wolf 60

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ARCHITECTURE

michael jantzen

michael jantzen La Maison M est une structure artistique fonctionnelle, créée à partir d’un système de fondations en cubes d’acier et de plaques de béton. Le nombre de cubes et le nombre de plaques varie en fonction de la taille finale de la structure.

Dans la conception de cette structure, la forme a été générée en joignant des plaques de tailles différentes à sept cubes.

Chaque plaque a été placée à des angles différents en fonction des fondations et fixée dans une position différente avec des écrous.

De cette façon, la forme de la structure peut être modifiée en retirant les écrous et en positionnant les plaques à d’autres endroits en fonction des fondations.

En plus des plaques articulées, il y a aussi d’autres plaques (qui peuvent inclure des fenêtres et des portes) qui ne sont pas articulées, mais solidement fixées à la fondation afin de créer des espaces complètement fermés à l’intérieur de la structure et qui peuvent servir d’espaces de vie à température contrôlée.

La Maison M est une exploration des façons dont l’art et l’architecture peuvent fusionner de façon nouvelle et excitante.

La Maison M est beaucoup apparue dans les médias et a été exposée au Museum of Modern Art de New York.

The M-house The M-house is a functional art structure made from a system of steel cube support frames and lightweight slotted hinged composite concrete panels.

The number of steel cube support frames and the number of slotted hinged panels can vary depending on the final size of the structure.

In the design of this structure, the form was generated by attaching various sized slotted hinged panels to seven interlocking open cube support frames.

Each of the slotted hinged panels were placed at different angles relative to the support frames, and fixed into different positions with bolts.

In this way, the shape of entire structure can be changed by removing the bolts and repositioning the panels into different locations relative to the support frames.

In addition to the hinged slotted panels, there are also insulated panels (which can include windows and doors) that are not hinged, but instead bolted onto the steel support frame in order to create completely enclosed spaces within the structure, which can be used as temperature controlled living spaces.

The M-house is an exploration into ways in which art and architecture can merge in new and exciting ways.

The M-house has been featured widely in the media and it has been exhibited in the Museum of Modern Art in New York.

www.michaeljantzen.com 114

PEINTURE

Françoise NIELLY

Françoise NIELLY

Les masques de vie

À sa manière, qui lui est propre, Françoise Nielly refait le visage humain dans chacun de ses tableaux. Et elle le refait, aussi, à coups de boutoirs, à coups de couteaux balafrés sur le visage. Les éclats de vie qui surgissent de ses tableaux naissent d’un corps à corps avec la toile. La couleur est lancée comme un projectile. Son énergie donne à chaque touche l’intensité d’une vibration sonore. Les taches de peinture sont des touches musicales, dissonantes et bruyantes comme la vie. Mais dans l’espace du tableau, elles s’harmonisent en un unique timbre qui, à chacun des visages, donne son âme.

Regardant, ils gardent le silence, comme l’ont fait Orphée et Eurydice, jusqu’au moment fatal du regard qui l’a renvoyée dans le domaine des ombres. Bouche close, silencieuse, leurs lèvres s’épanouissent en une fleur vénéneuse, viride et virulente. Mais leur regard nous réveille d’entre les morts. Leur mélancolie devient une fureur, celle de la vie qui jaillit avec la force de ses humeurs. À la cohorte des visages blêmes et tristes de nos contemporains, dont toute vitalité semble avoir été aspirée par l’obscène débauche d’images médiatiques, Françoise Nielly oppose, impose à la vue, ces portraits dont chacun, sous un angle différent, mais chaque fois répété, expose le violent visage de la vie.

Représenté par TWENTYTWO gallery, France www.twentytwo-gallery.com

Françoise NIELLY

Françoise Nielly’s artwork is typically vibrant, and detailed.

A lot of her work is inspired by urban life. Françoise uses knives to paint her artwork as she seems to prefer the thick, clean brushstrokes created by them. Painting portraits is her speciality. Françoise Nielly’s painting is expressive, exhibiting a brute force, a fascinating vital energy. Oil and knife combine tsculpt her images from a material that is , at the same time, biting and incisive, charnel and sensual. Whether she paints the human body or portraits, the artist takes a risk : her painting is sexual, her colors free, exuberant, surprising, even explosive, the cut of her knife incisive, her color pallet dazzling.

As a child, she was taught by her father that there was «no room for mistakes», and this has potentially influenced the intricacy of her artwork. She layers her paintings with bright and contrasting colour. She was represented in many exhibitions and art fairs in Europe (Spain, France, UK), in America (US, Canada), in Russia and in Singapour. Today, she is one of the most famous painter of portraits in the world.

www.francoise-nielly.com 115

PEINTURE

©Donzel - Studio B2M 2014 Je vais y penser 80 x 64 cm

PATRICE DONZEL « Artiste peintre, héritier du Pop Art qui utilisait souvent des techniques, des outils et des matériaux contemporains, j’expérimente depuis plusieurs années le domaine de l’image numérique.

Je n’utilise pas de logiciels performants invitant aux effets séducteurs, et je peux ainsi dessiner en toute liberté en évitant toute standartisation des œuvres réalisées.

Contrairement au Pop Art, je ne cherche pas à dénoncer ou à désacraliser quoi que ce soit, mais à sublimer le sujet, en donnant la priorité à l’harmonie et à la force du graphisme. L’œuvre réalisée peut être peinte sur toile ou imprimée. Elle doit permettre de partager une émotion spontanée par le plus grand nombre, sans la connaissance de codes particuliers, en faisant mienne la quête d’Yves Klein : l’universalité du langage de l’art. »

©Donzel - Studio B2M 2014 Quel mystérieux parfum 80 x 60 cm

Une souris chez les femmes « I am a painter, heir of the Pop Art that often used contemporary techniques, tools and materials, and I have experimented over the last few years the field on numeric pictures. I never use any big software because it is an invitation to seducing effects, so that allows me to draw freely and avoid any standardization of the art pieces.

Unlike Pop Art, I do not seek to denounce or desecrate anything, but to sublimate the subject, by giving priority to harmony and graphic strength. The art piece can be painted on a canvas or printed. It must help sharing a spontaneous emotion among as most people as possible, without them knowing specific codes. I make Yves Klein’s quest mine: the universality of artistic language. »

www.facebook.com/patrice.donzel 116

PEINTURE

©Donzel - Studio B2M 2014 l est peut-être temps de briser la glace 160 x 105

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INSOLITE

© Jeff Koons Gazing Ball (Antinous-Dionysus) 2013 plaster and glass 153.2 x 112.7 x 69.7 cm

© Jeff Koons Puppy, GuggenheimMuseum, Bilbao 1997 (permanent installation) 1234.4 x 1234.4 x 650.2 cm

!

Jeff Koons

Museo Guggenheim

Jeff Koons devint célèbre au milieu des années 1980 par son appartenance à une génération d’artistes qui exploraient le sens de l’art dans une ère saturée par les médias et en proie à la crise de représentation résultante. En s’inspirant du langage visuel de la publicité, du marketing et de l’industrie des loisirs, et en cherchant à « communiquer avec les masses », Koons repoussa les limites entre la culture populaire et la culture élitiste. Ses éléments sculpturaux incluent des aspirateurs dans des boîtes en plexiglas, des ballons de basket flottant dans des aquariums, des miniatures en porcelaine de Michael Jackson et de la Panthère Rose, et de représentations pornographiques où il faisait l’amour avec son épouse d’alors, Ilona Staller, plus connue sous le nom de Cicciolina (ex-étoile du cinéma porno et ex-députée du parlement italien). En reprenant les pièces héritées de Marcel Duchamp et en intégrant des références au Minimalisme et à l’Art Pop, Koons présente l’art comme un produit de consommation qui ne peut être inclus dans la hiérarchie de l’esthétique conventionnelle.

Jeff Koons became famous in the mid-eighties by his place in a generation of artists who were exploring the sense of art in an era that was saturated by media and a potential victim of the resulting representation crisis. By taking his inspiration in the visual language of advertising, marketing and leisure industry, and by aiming at communicating to the masses, Koons pushed back the limits between popular culture and elitist culture. His sculptural elements include vacuum cleaners in Plexiglas boxes, basketballs floating in aquariums, figurines of Michael Jackson and the Pink Panther made out of china, and pornographic representations where he made love to his wife at the time, Ilona Staller, more commonly known as Cicciolina (former star of porn movies and former member of the Italian Parliament). By taking back Marcel Duchamp’s works and implementing references to minimalism and art pop, Koons presents the art as a consumable product that can’t be included in the hierarchy of conventional aesthetics.

www.satchhoyt.com 118

INSOLITE

Jeff Koons Balloon Dog, Série Celebration (1994-2000), Chrome en acier inoxydable avec revêtement de couleur transparente, 307.3 x 363.2 x 114.3 cm

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INSTALLATION

Tim Noble et Sue Webster YOUNGMAN, 2012 1 wooden stepladder, discarded wood, light projector 338.5 x 58 x 213.5 cm

Tim Noble & Sue Webster

Tim Noble et Sue Webster WILD MOOD SWINGS, 2009–10 2 wooden stepladders, discarded wood, light projector Tim: 178.5 x 110 x 167 cm Sue: 215 x 98.5 x 130 cm

Wild mood swings

Tim Noble & Sue Webster sont deux artistes originaire d’Angleterre qui fabrique des sculptures avec divers objets de récupération comme des bout de bois, des canettes de soda, de la ferraille, des paquets de cigarettes ou encore des animaux empaillés. Leurs œuvres sont sculptées puis placées sous le feu de projecteurs, dans le but de créer des ombres représentant des personnages dans différentes postures.

Noble&Webster s’inscrivent parfaitement dans la lignée des artistes de la génération précédente, désignés par le sigle YBA - Young British Artists, tels Damien Hirst ou Ian Davenport, qui s’accordaient dans une tactique du choc, et qui avaient fait sensation lors de l’exposition du même nom à la Royal Academy en 1997.

Dignes héritiers de la trempe de ces créateurs, Noble&Webster usent de provocation et de violence, au travers de la poésie et de l’instabilité de l’ombre, portant elle le véritable message de l’œuvre, et ne s’offrant donc par définition que provisoirement au spectateur.

Tim Noble & Sue Webster are two artists who originate from England and make sculpture with many salvaged objects: pieces of wood, soda cans, metal, cigarettes packs or even stuffed animals. Their work is sculpted then placed under the spotlight, in order to create shadows representing characters in various postures.

Noble&Webster place themselves perfectly in continuity with artists from the previous generation, designated with the YBA (Young British Artists) label, such as Damien Hirst or Ian Davenport, who were together in their tactic of shock, and who caused much effect during the related exhibition at the Royal Academy in 1997.

Rightful heirs to these creators, Noble&Wester use provocation and violence, through poetry and thanks to the unbalance of the shadow, which carries the real message of their work, offering it only provisionally to the viewer.

www.timnobleandsuewebster.com 120

INSTALLATION

© W. Luyan.

W Fire at Both Ends Automatic handgun D13-01, acier inoxydable, 290 × 440 × 75 cm.

WANG LUYAN

Paradoxe

Wang Luyan, né en 1956, est l’un des artistes conceptuels chinois en activité les plus importants et les plus activement engagés dans le mouvement de l’avant-garde artistique en Chine depuis ses débuts.

W Fire at Both Ends Automatic handgun D13-01 Les canons du pistolet de W Fire at Both Ends Automatic handgun visent dans deux directions opposées, l’un vers l’avant, l’autre vers l’arrière. En d’autres termes, tirer sur l’ennemi, c’est tirer sur soi. L’image est un « diagramme de logique guerrière » simplifié, réduit à son essence. Le fait de tuer implique une relation, non plus entre tueur et tué, mais entre tueur et tueur.

The Walkers D12-01 Dans The Walkers, les personnes marchent dans deux directions opposées, avançant et reculant en un même mouvement, dans un état de réfutation réfutée. Le paradoxe force la personne à s’éloigner de l’objectif alors même qu’elle s’en rapproche. Nous avons tous des objectifs précis, et pensons que nous en rapprocher ne nous en éloignera pas.

Peut-être est-ce pour cette raison que nous nous trouvons souvent au beau milieu de situations paradoxales.

Luyan Wang, born in 1956, is one of the most important Chinese artists in the field of conceptual art. He is very actively involved in the movement of avant-garde art in China since its inception.

W Fire at Both Ends Automatic Handgun D13-01 Two guns are aimed in opposite directions, one forwards and one backwards. In other words, shooting the enemy is shooting home. The image is a dual logic of war that is simplified and reduced to its essence. Killing implies a relationship, not between the killer and their victim, but between two killers.

The Walkers D12-01 People walk in opposite directions, advancing and retreating in the same movement. This paradox compels people to move away from the goal even though it is close. We all have specific goals, and we believe that we get closer to them. Perhaps this is why we often find ourselves in the midst of paradoxical situations.

Texte : Par Hung Wu Exposition du 14 juin au 21 septembre 2014 Musee d’art moderne et contemporain Saint-étienne Métropole

www.mam-st-etienne.fr 122

INSTALLATION

© W. Luyan.

The Walkers D12-01 (50 pièces), acier, h 200 cm

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INSTALLATION

SATCH HOYT THE DONKINGDOM, IN THE CORNER

Satch Hoyt

Automate Boxeur

Inspiré à la fois par l’histoire de l’art, la musique et les phénomènes populaires comme le sport, l’œuvre de Hoyt est plurielle. On y parle de jeu, de bande son, de sculpture, de dessins, etc... Le tout de manière indifférenciée.

Avec In the Corner, sculpture intervenant comme un gimmick dans l’œuvre de l’artiste et qu’il a déjà proposée sous diverses versions (notamment à la Fiac 2004 sous le titre George Foreman from the Scenes « The DonKingDom ») , Hoyt invite le spectateur à monter sur le ring.

Une fois les gants de boxe enfilés, notre face à face avec l’automate-boxeur peut commencer. On hésite un peu à frapper sur cette sculpture (atavisme culturel oblige !), mais on se prend rapidement au jeu.

Chaque coup porté enclenche une bande son différente, tant et si bien qu’on oublie peu à peu que nous sommes là pour décharger notre surplus de testostérone. L’interactivité de l’œuvre prend le dessus : du sport nous passons au jeu, un jeu sans gagnant ni perdant, juste pour le plaisir.

Inspired by history of art, music and popular phenomena such as sport, Hoyt’s work is plural. It deals with games, soundtrack, scultpure, drawings, and so on, without making any difference between the topics.

With In the Corner, a sculpture that recurs a lot in the artist’s work and that he already showed in different versions (for example at the FIAC 2004 under the title George Foreman from the Scenes « The DonKingDom »), Hoyt invites the viewer to get up on the ring.

Once the boxing gloves are on, our fight with the robot boxer can start. We first hesitate to punch this sculpture (because of cultural atavism!), but it gets a lot more fun very quickly.

Each punch we give triggers another sountrack, so that we soon forget that we are here to unload our excess of testosterone. The artpiece’s interactivity takes over: exercising becomes playing, but it is a game where there is no winner or loser, just fun.

www.satchhoyt.com 124

INSOLITE

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© Liu Bolin Hiding in the City, Vegetables 2011 112.5 x 150 cm

liu Bolin

Camouflage

Liu Bolin est un photographe chinois, né dans la province de Shandong en 1973. Il est diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Beijing (Pékin) en 2001. Il connaît rapidement une célébrité internationale grâce à sa série Hiding in the City (Se cacher dans la ville - 2005) dans laquelle il se fait photographier dans des performances le présentant en « Homme Invisible ».

Issu de la génération qui succède à la Révolution Culturelle, élevé dans le boom économique et la stabilité politique chinoise récente, Liu Bolin fait partie d’une génération particulièrement sensible à l’énorme mouvement de transformation sociale et économique du pays, à la mutation forcenée de ses paysages et à l’impuissance de l’individu par rapport à ces événements dont l’échelle le dépasse.

La destruction en novembre 2005 par le gouvernement chinois du village artistique de Suo Jia Cun où il avait son atelier, au moment où il crée sa série Hiding à New York, fait penser que Liu a pu décider d’utiliser son art comme un moyen de protestation silencieuse pour attirer l’attention sur le manque de protection des artistes chinois de la part de leur gouvernement.

L’analyse des images de Liu Bolin permet de mieux cerner le propos du photographe et son positionnement par rapport aux puissances qui l’entourent.

Liu Bolin is a Chinese photographer who was born in the Shandong province in 1973. He has a degree of the Fine Arts School in Beijing that he obtained in 2001. He quickly reaches a worldwide fame thanks to his Hiding in the City series (2005), where he gets photographed during performances showing him as the Invisible Man. Coming from the generation that follows the cultural revolution, raised in the economic boom and the recent political stability in China, Liu Bolin is part of a generation that is particularly sensitive to the enormous trend of social and economic transformation of the country, to the crazy mutation of its landscapes and to the impotence of the individual in front of these events whose scale goes beyond them.

In November 2005, the Chinese government destroys the artistic village of Suo Jia Cun where he had his workshop, which makes Liu think of using his art as a way to silently protest in order to draw the attention of the lack of protection from the Chinese governement towards its artists.

Analyzing Liu Bolin’s pieces allows us to understand better what he is trying to tell and his position around the powers that surrond him.

www.kleinsungallery.com/artist/Liu_Bolin/works 125

INSOLITE

© Liu Bolin Liu Bolin, se cachant à New York - Gun rack 2013 Photographie, 44 1/4 x 59 pouces 112,5 x 150 cm

© Liu Bolin Liu Bolin, se cachant dans la ville - Rouge 2012 44 1/4 x 59 pouces, 112,5 x 150 cm

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INSOLITE

© Liu Bolin Hiding in the City n°91, Great Wall 2010 100 x 150 cm

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PEINTURE

PHOTO DE Guilherme Gomes Dark blue Untitled, 2013 Acrylic on canvas 200 x 200 cm

Pedro Varela

Cartographie d’un monde imaginaire

Les œuvres de Pedro Varela nous invitent à explorer un monde imaginaire : l’univers baroque des paysages tropicaux et l’atmosphère onirique d’une végétation luxuriante révèlent un univers psychédélique qui plonge le spectateur dans un monde féérique.

L’architecture fantastique des villes urbaines et l’harmonie utopique des formes poussent l’esprit à s’évader grâce au dialogue mise en place entre les différentes techniques graphiques utilisées : décor d’adhésif coloré, découpage sur papier, acrylique sur toile ou stylo sur papier.

Pedro Varela est né en 1981 à Rio de Janeiro. Il vit et travaille aujourd’hui à Petrópolis. Il a étudié la peinture à l’École des Arts Visuels du Parque Lage (Rio de Janeiro) et a obtenu un diplôme de gravure à l’Ecole des Beaux Arts de Rio de Janeiro.

Son travail a été exposé dans de nombreuses institutions et galeries au Brésil et à l’étranger. Parmi ses récentes expositions: Threads of Infinity, Anima Gallery, Doha (2014), Nouvelles Indes, MdM Gallery, Paris (2012), Tropical, Musée d’Art Moderne (MAM), Rio de Janeiro (2012) , Espelho Refletido , Centre Culturel Hélio Oiticica , Rio de Janeiro (2012).

Représenté par MdM Gallery, France www.mdmgallery.com

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PHOTO DE Lucas Cimino Colorful scull Untitled, 2012 Acrylic on canvas 200 x 200 cm

The works of Pedro Varela invite one into an imaginary world: a baroque universe of tropical landscapes, dreamlike atmosphere within lush vegetation, which delve the spectator into a psychedelic universe, a fairytale land.

The fantasy-like city architecture, a utopic harmony of forms and colors create a magical world, where the true identity of the place disappears. Varela utilizes a variety of media to create his works, ranging from colorful vinyl stickers, paper cutouts, to acrylic paint on canvas or ballpoint pen on Japanese paper.

Pedro Varela was born in 1981 in Rio de Janeiro. He lives and works in Petropolis. He studied painting at the Parque Lage School of Visual Arts, Rio de Janeiro, and obtained a diploma in printmaking at the Fine Arts School, Rio de Janeiro. His work has been shown in numerous institutions and galleries in Brazil and abroad. His most recent exhibitions include Threads of Infinity, Anima Gallery, Doha (2014), Nouvelles Indes, MdM Gallery, Paris (2012), Tropical, Museum of Modern Art (MAM), Rio de Janeiro (2012) , Espelho Refletido , Hélio Oiticica Cultural Center , Rio de Janeiro (2012).

www.pedrovarela.com

Vorsprung durch Technik

Le week-end s’annonce bien.

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©Susila Bailey Bond Kabam wham boom 120 x 53 cm

Susila Bailey-Bond

Les délicates œuvres en trois dimensions de Susila BaileyBond suggèrent le mouvement et la grâce, avec une accumulation dense de morceaux de papier imprimé, représentant à la fois des papillons et des avions, se lançant hors de l’ensemble dans un mélange de couleurs et de formes douces. Ces découpages sont conçus et imprimés sur du papier coloré épais avant d’être découpés à la main, ornés de feuilles d’or ou d’argent, ou encore de cristaux Swarovski, puis soigneusement liés avec du fil et de la glue.

Cette page montre également des exemples d’œuvres multi-support de Susila, qui joue avec des éléments de surprise. Elle utilise des milliers de tubes en plastique pour cacher aux spectateurs une image placée en dessous, sauf s’ils regardent selon un certain angle. « Les gens jugent souvent sur l’apparence. Dans mes œuvres les plus récentes, je voulais exprimer un élément de surprise, un sentiment disant que l’habit ne fait pas le moine. À l’aide de photographies et de dessins, je crée ces œuvres, d’apparence simple, qui révèlent leur complexité à la bonne personne quand elle parvient au bon point de vue, un peu comme nous quand on s’ouvre à quelqu’un. » L’œuvre de Susila est régulièrement exposée lors de grands salons artistiques à travers les États-Unis, à Londres, en Europe et en Asie. Son œuvre fait partie de collections privées tout autour du globe.

Représenté par Woolff Gallery, London www.woolffgallery.co.uk

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Wonderland Susila Bailey-Bond’s delicate three-dimensional works suggest movement and grace, with densely-packed printed papercuts, from butterflies to aeroplanes, leaping off the board in a flurry of soft colours and shapes. These papercuts are designed and printed onto heavy watercolour paper before being hand-cut, adorned with gold or silver leaf, or Swarovski crystals, and carefully attached using wire and glue.

This website also shows examples of Susila’s mixed media work that plays on elements of surprise, she uses 1000’s of plastic tubes to isolate an image mounted beneath them from the viewer except when seen from certain angles.

«People often make judgements based upon appearance. In my most recent work I wanted to express an element of surprise, a feeling that you can’t always judge a book by its cover. Using photographs & graphics I create these initially simple looking artworks which reveal their complexity to the right person when they achieve the right point of vision, much like we do as people when we open up to someone».

Susila’s work is regularly exhibited at major art fairs across the USA, London, Europe and Aisa. Her work appears in private and corporate collections across the globe.

www.susilabaileybond.com

INSOLITE

ŠSusila Bailey Bond At midnight 53 x 53 cm

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PEINTURE

HENRI LAMY Goodbye Philippines 100 x 130 cm

HENRI LAMY

Bangkok art Residency at Modern Gallery

Traduit du Bangkok Post du 23 mai 2014 (couverture du magazine) L’artiste cherche à présenter l’inspiration à travers des portraits de joie et de bonheur.

Sa bouche est un fleuve d’expressions et de phrases mal construites qui glissent sur la langue et les dents. Ses yeux, sous des boucles brunes hirsutes, sont pleins d’énergie et d’idées. Pour Henri Lamy, l’art et la communication tournent autour du visage. Alors, quand son couteau à peindre mélange le blanc avec le bleu, puis applique la nouvelle teinte sur la toile, il laisse une imitation de nez en guise d’argument. C’est sa meilleure façon de s’exprimer.

Les sentiments arrivent d’abord, puis il pense en images et finit par parler avec des mots. Pour Lamy, c’est l’ordre naturel des choses : à travers la peinture, il a trouvé la plus vraie de ses voix.

From March 23rd Bangkok Post (Magazine cover) Artist strives to present inspiration through portraits of joy and happiness His mouth is a river of phrases and run-on sentences flowing over tongue and teeth. His eyes, below straggly brown curls, bristle with energy and ideas. For Henri Lamy, art is all about the face. So when his palette knife plops white into blue and smears the new shade across the canvas, he leaves an impression of a nose to explain a point.

Lamy communicates best this way. The feelings come first, then he thinks in images and finally speaks with words. For Lamy this is the natural order: It is through painting he has found his truest voice,...

www.henrilamy.fr 132

PEINTURE

HENRI LAMY Sari Sari Store 110 x110 cm

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PEINTURE

©Justin Bower 2013-2014 Moment of Collision

JUSTIN BOWER

Transcendent Psychosis

« Justin Bower peint ses sujets comme déstabilisé, a fracturé des post-humains dans un lien d’enclencher des systèmes spatiaux. Ses peintures problematize comment nous nous définissons dans cet âge numérique et virtuel en suggérant l’impossibilité de saisir une notion si glissante.

Le décodage en cours du corps humain, une formule au génome de chaque individu, nous affronte avec une question radicale « de Qu’est-ce qui est nous ? Est-ce que je suis un code qui peut être réduit et multiplié infiniment ? ».

Les peintures de la Tonnelle commencent à s’ouvrir un dialogue à cette technologie d’effet/trauma de déstabilisation a sur l’individu qui a infecté les vies quotidiennes d’homme contemporain. À la fin, les sujets de la Tonnelle sont une enquête sur la nature d’autonomie dans le sujet moderne. « Le libre arbitre » est-il minimisé dans une société qui déploie la technologie dans un effort pour de plus en plus de contrôle de l’individu ? L’avons-nous jamais vraiment eu tout d’abord ? La tonnelle peint ses sujets comme un problème ontologique et comme tel, il voit … « l’étude de fonctions de subjectivité le mieux sous la menace de disparaître ».

Représenté par la galerie Unix, New York www.unixgallery.com

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Justin Bower paints his subjects as de-stabilized, fractured post-humans in a nexus of interlocking spatial systems.

His paintings problematize how we define ourselves in this digital and virtual age while suggesting the impossibility of grasping such a slippery notion.

The ongoing decoding of the human body, a formula to each individual’s genome, confronts us with a radical question of “What are we? Am I a code that can be reduced and multiplied infinitely?” Bower’s paintings begin to open a dialogue to this destabilizing effect/trauma technology has on the individual that has infected the daily lives of contemporary man.

In the end, Bower’s subjects are an inquiry into the nature of autonomy in the modern subject. Is “free will” minimized in a society that deploys technology in an effort for more and more control over the individual? Have we ever really had it to begin with? Bower paints his subjects as an ontological problem, and as such, he sees…”the study of subjectivity functions best under the threat of vanishing”.

www.justinbower.com

PEINTURE

©Justin Bower 2013-2014 Dissonant Accord

©Justin Bower 2013-2014 The Memories of a Digital Witness

©Justin Bower 2013-2014 The Logic of Convergence

©Justin Bower 2013-2014 internal dialectic

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PHOTOGRAPHIE

MICHEL Pérès Sinkiang Kashgar

MICHEL Pérès

Mémoires de Chine

« Chine 88 » invite au voyage en brouillant les repères du temps. Le traitement qu’ont subi les photographies originales argentiques réalisées en 1988 donne à ce témoignage visuel un caractère intemporel. L’oxydation a transformé ces images, qui ne sont plus tout à fait des photos mais se rapprochent de l’aquarelle, de la gravure, voire du pointillisme des impressionnistes. Cette altération des photographies originales en fait la rareté et leur confère une poésie et un charme uniques.

Ces clichés ont été réalisés au cours d’un voyage de six mois dans la Chine émergente des années 80, qui ouvrait timidement ses frontières aux visiteurs étrangers. Un voyage en images qui se décompose en trois grands tableaux : le Sin-Kiang, le Tibet, et la vaste Chine Han de l’Est, de Pékin à Hong-Kong...

« China 88 » invites us to travelling, by scrambling the landmarks of time. The treatment received by the original pictures, made in silver photography back in 1988, makes this visual testimony seem out of time. Oxidization transformed these pictures, which are not really photographs anymore but get closer to water painting, carving, or even the impressionists’ pointillism. This alteration of the original photographs makes them rare and gives them unique poetry and charm.

These pictures were taken during a six-month trip in the emerging China of the eighties, which opened timidly its borders to foreign visitors. A trip made of pictures, and that breaks down into three major panels: Sin-Kiang, Tibet, and the vast Han China of the East, from Beijing to Hong Kong…

www.michel-peres-galerie-photo.com 136

PHOTOGRAPHIE

Ludovic Baron pour MadArt Eve et ses courtisans tirage sur support Dibbond 2 mm, 180 x 120, 2014, 8 éditions

Ludovic Baron

Le Néoréaliste

Ludovic Baron est un jeune artiste passionné par la photographie et la création d’images. Il accepte les paradoxes au cœur de son œuvre : réalisme et onirisme puissant, emprunts de cinématographie et de mythes modernes où super héros et vérités des personnes cohabitent. Lors de la création d’une image, Ludovic s’engage dans un processus de fabrication complexe et précis toujours au service de sa spontanéité.

Sans mettre de côté ses projets artistiques, Ludovic met son talent et son énergie au service de nombreux projets pour TF1, UNIVERSAL, M6 ou encore pour le théâtre qu’il affectionne particulièrement... Ludovic Baron ne cesse de nous surprendre et de grandir. En Novembre 2013, il expose au Petit Palais à Paris auprès d’artistes reconnus. En parallèle, il décide de participer à une vente aux enchères organisée dans le prestigieux hôtel George V pour apporter son soutien à l’UNICEF. En 2014, de nouvelles expositions se préparent et Ludovic développe des projets de plus en plus ambitieux en France comme à l’international.

Représenté par la société Madart www.madart.co.uk

Ludovic Baron is a young artist who is passionate about photographs and picture creation. He accepts the paradoxes that are at the core of his work: realism and powerful fantasizing, borrowed to the cinematography and to the modern myths where superheroes and true people coexist.

When he creates a picture, Ludovic commits to a complex and precise process of fabrication that always serves his spontaneity.

Without excluding his other art projects, Ludovic uses his talent and his energy to numerous projects for TF1, Universal, M6 or even theatre, an art he is particularly keen on. Ludovic Baron doesn’t cease to surprise us and to grow up.

In November 2013, he exhibits at the Petit Palais in Paris for renowned artists. Meanwhile, he decides to take part in an auction organized in the prestigious Georges V hotel to show his support to the Unicef. In 2014, new exhibitions are in progress, and Ludovic develops projects that are more and more ambitious, in France as well as in the rest of the world.

www.ludovicbaron.fr 137

SCULPTURE

PHOTO STUDIO HÉLOÏSE PEYRE. Astin Aston Martin miniature (échelle 1/18e) mécamorphosée 15 x 30 x 14 cm

ROMAIN LARDANCHET Romain Lardanchet est né à Lyon (France) en 1977. Marqué par l’univers des robots et de la science-fiction, il s’est forgé un vaste monde peuplé de chimères mécaniques, de créatures issues d’un mélange de Fantasy et de Cyberpunk, auxquelles il donne vie par le biais de l’illustration, de l’écriture et de la sculpture.

Son procédé de création le plus récent, qu’il a baptisé Mécamorphose, consiste à démonter des véhicules pour les changer en êtres anthropomorphes ou en animaux. Ainsi, inexorablement, sous l’effet de la Mécamorphose, la frontière entre le minéral et l’organique, l’inerte et le vivant, se réduit…

Les œuvres de Romain Lardanchet, particulièrement ses « créatures », de toutes tailles, peuvent être admirées en galeries, à l’occasion de différents événements et dans des lieux de culture prestigieux, notamment la Demeure du Chaos à Lyon, où il a participé au cours de l’été 2013 à la fameuse exposition Trans-Mutation, et le Musée d’art contemporain de Montréal.

« Inventeur » de la Mécamorphose Romain Lardanchet was born in Lyon (France) in 1977. He grew up in the world of robots and science-fiction, and forged himself full with mechanic chimeras and creatures coming from a mix of fantasy and cyber-punk. He gives them life through illustration, writing and sculpture.

His most recent way of working, that he named mecamorphosis, consists in taking vehicles to pieces in order to transform them into anthropomorphic beings or animals.

Thus, unavoidably, under the effect of the mecamorphosis, the border between mineral and organic, inert and alive, becomes thinner and thinner…

Romain Lardanchet’s work, especially his creatures, of all heights, can be admired in galleries, during different events, and in prestigious places of culture, such as the Abode of Chaos in Lyon, where he took part over the summer of 2013 in the famous exhibition Trans-Mutation, and the Museum of Contemporary Art of Montreal.

www.romainlardanchet.com 138

INSOLITE

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Alexander Khokhlov MonaLisa Pixelated

Alexander Khokhlov 2d à la 3d

Valeriya Kutsan

’2D or not 2D’

La série de photos « beautés etranges » , est une collaboration avec le photographe Alexander Khokhlov, ils utilisent le visage des femmes comme une toile pour créer des motifs en noir et blanc. Le duo a choisi des formes et des symboles qui ne sont guère ressemblant à un visage d’être humain , comme un code QR ou un grand trou de serrure qui font que ces visages se dissolvent totalement dans l’arrière-plan. Étonnamment, le contraste entre les surfaces douces des visages et des lignes strictes de la peinture crée un beau contraste, tout comme le noir au blanc. Les images ressemblent à des illusions d’optique, où vos yeux attirent d’abord le dessin, et seulement après vous découvrez la belle femme en dessous.

In the Weird Beauty photo series, made together by photographer Alexander Khokhlov and Russian make-up artist Valeryia Kutsan, they use women’s face as canvas creating sharp black and white patterns. The duo chose shapes and symbols that are hardly relatable to a human’s face, like a QR code or a large key hole which make the models’ faces dissolve in the background. Surprisingly, the contrast between the soft faces of the models and the strict lines of the body paint creates a beautiful contrast, quite like black does to white. The pictures look like optical illusions, where your eyes first catch the drawing, and only after that you discover the beautiful female faces underneath.

www.kutsanvaleriya.com 140

INSOLITE

Alexander Khokhlov

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SCULPTURE

Pop Libre Concept Surfemme mannequin sur bidon H 2,20 m, L 60 cm, P 65 cm

Pop Libre Concept Archéologie du présent H 100 x 56 x 51 cm

David Cintract

POP LIBRE

A la fois peintre, plasticien, sculpteur et photographe, il crée le mouvement « Pop libre », d’ailleurs plus un état d’esprit qu’un mouvement artistique.

S’inspirant de l’actualité et des sujets de société, son œuvre porte en elle toute l’ambiguïté d’un univers artistique décalé et enfantin, à l’optimisme teinté de tragédie.

Gaieté des couleurs et motifs, pétillance et joie communicative, mais aussi profondeur des questionnements et symboles, telle est la marque de fabrique de David Cintract qui refuse la facilité et pose de discrètes correspondances entre des forces très poétiques et des pulsions plus sombres.

Au moyen de techniques aussi diverses que l’huile, la photo, l’inclusion ou la digigraphie, il développe sur tous supports (toiles, mannequins, voitures ...).

Painter, plastic artist, sculptor and photographer all rolled into one, he created the Pop Libre movement, which is in fact more a state of mind than an artistic movement.

His art is inspired by current topics and the subjects of everyday life; it is suffused with all the ambiguity of childlike artistic universe slightly out of sync, in which optimism is tainted with tragedy.

A splash of gay colours and motifs, where sparkling and joyful communication goes hand-in-hand with a profusion of deep questions and symbols: this is the hallmark of David Cintract, who refuses an overly facile approach and points to subtle links between highly poetic forces and more sombre impulses.

Drawing on a very broad range of techniques that includes oil painting, photography, inclusion and digigraphy, he uses numerous media (canvas, mannequins, cars, among others).

www.cintract.com 142

Pop Libre Concept Mademoiselle mannequin H 1,90 m

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ARTICLE

D

éfiscalisation des œuvres d’art

Défiscalisez et réduisez les impôts de votre société tout en constituant, pour l’entreprise un patrimoine sûr, valorisant, artistique et culturel.

Pour les œuvres dont le prix d’acquisition est inférieur à 5 000 € HT, le Ministre délégué au Budget admet que la condition d’exposition au public soit satisfaite dès lorsque l’œuvre est exposée dans un lieu « accessible aux clients En France, depuis 1985, les Entreprises peuvent déduire de et/ou aux salariés de l’entreprise, à l’exclusion des bureaux personnels ». leurs bénéfices imposables leurs achats d’œuvres d’art.

Une entreprise qui investit dans l’art et expose ses acquisitions peut effectuer des déductions fiscales sur le La décision de pratiquer cette déduction relève de la gestion résultat de l’exercice d’acquisition. de l’entreprise et n’est subordonnée à aucune autorisation préalable de l’administration.

En effet, une entreprise ayant acheté des œuvres originales d’artistes vivants et les ayant inscrites à un compte d’actif L’œuvre est enregistrée en immobilisation. Une réserve immobilisé, peut déduire du résultat de l’année d’acquisition correspondant aux déductions effectuées crée au passif du et des 4 années suivantes, par fractions égales, une somme bilan est réintégrable aux bénéfices imposables si l’œuvre égale au prix d’acquisition dans la limite de 5 pour mille de cesse d’être exposée au public ou est cédée. son chiffre d’affaire HT. Quelque soit la taille de votre entreprise vous pouvez vous entourer d’œuvres originales d’artistes vivants à coût réduit, au lieu de dépenser votre argent dans de palés copies.

En contrepartie de cette déduction fiscale, l’entreprise doit présenter sur 5 ans les œuvres acquises au public.

144

ARTICLE

- Exonération ISF Les œuvres d’art ne sont pas assujetties à l’impôt de Solidarité sur la Fortune (ISF). Elles ne sont pas mentionnées dans la déclaration de l’ISF et les montants consacrés à l’acquisition sont non imposables.

1) - Si le vendeur dispose d’une facture il peut opter - Soit pour la taxation forfaitaire de 5% - Soit pour l’application du régime général des plus-values (régime identique à celui des plus-values immobilières avec exonération au bout de 21 ans).

Cette disposition fiscale, applicable à tous types d’œuvres 2) - Si le vendeur ne dispose pas de facture, il devra d’art, en fait un parfait outil de déplafonnement de l’ISF. seulement payer la taxe de 5% qui sera acquittée par l’intermédiaire pour le compte du vendeur.

- Taxation avantageuse des plus-values En cas de revente d’une œuvre, deux possibilités selon que - Transmission de patrimoine l’on dispose d’une facture ou pas : Sous certaines conditions, les œuvres d’art peuvent être, en cas de succession, intégrées dans le forfait de 5 % des meubles meublants.l’intermédiaire pour le compte d

Article 238 bis AB Modifié par Loi n°2005-1720 du 30 décembre 2005 - art. 70 JORF 31 décembre 2005 Les entreprises qui achètent, à compter du 1er janvier 2002, des oeuvres originales d’artistes vivants et les inscrivent à un compte d’actif immobilisé peuvent déduire du résultat de l’exercice d’acquisition et des quatre années suivantes, par fractions égales, une somme égale au prix d’acquisition.

La déduction ainsi effectuée au titre de chaque exercice ne peut excéder la limite mentionnée au premier alinéa du 1 de l’article 238 bis, minorée du total des versements mentionnés au même article.

Pour bénéficier de la déduction prévue au premier alinéa, l’entreprise doit exposer dans un lieu accessible au public ou aux salariés, à l’exception de leurs bureaux, le bien qu’elle a acquis pour la période correspondant à l’exercice d’acquisition et auxquatre années suivantes.

Sont également admises en déduction dans les conditions prévues au premier alinéa les sommes correspondant au prix d’acquisition d’instruments de musique. Pour bénéficier de la déduction, l’entreprise doit s’engager à prêter ces instruments à titre gratuit aux artistes-interprètes qui en font la demande.

L’entreprise doit inscrire à un compte de réserve spéciale au passif du bilan une somme égale à la déduction opérée en application du premier alinéa. Cette somme est réintégrée au résultat imposable en cas de changement d’affectation ou de cession de l’oeuvre ou de l’instrument ou de prélèvement sur le compte de réserve.

L’entreprise peut constituer une provision pour dépréciation lorsque la dépréciation de l’oeuvre excède le montant des déductions déjà opérées au titre des premier à quatrième alinéas.

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BULLETIN D’ABONNEMENT

ABONNEMENT à Art’s Vice ‘‘ARTBOOKMAGAZINE’’ 48€ ABONNEMENTS EN NOMBRE POUR LES PROFESSIONNELS & ENTREPRISES NOUS CONSULTER

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Suite au succès que rencontre le magazine auprès des lecteurs, vous êtes de plus en plus nombreux à nous contacter afin d’acquérir des œuvres présentées dans ce dernier.

C’est donc avec plaisir que Art’s Vice propose ses services aux lecteurs qui souhaitent investir dans l’art. Nous endossons le rôle d’intermédiaire entre la galerie, l’artiste et tout collectionneur potentiel, et permettons ainsi une transaction dans les meilleures conditions possibles.

Vous pouvez dès à présent nous contacter, directement ou par l’intermédiaire de notre site internet, sur lequel une page est prévue à cet effet.

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