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arte visual contemporรกneo

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Libro Núcleo Jirón Asturias 107, dpto. 302 Urbanización Higuereta Santiago de Surco www.artmotiv21.com Dirección y edición Joseph Firbas Diseño y diagramación Juan Carlos Contreras Martínez Corrección de estilo Diana Quiñones Primera edición: 2020 Tiraje: 1000 ejemplares Artmotiv no asume como suyas las opiniones vertidas en esta publicación. Todas las imágenes han sido facilitadas y autorizadas por los mismos artistas para su publicación. Hecho el Depósito Legal en la Biblioteca Nacional del Perú N.° 2020 - 04388 Este libro se terminó de imprimir en julio de 2020 Imprenta Bio Partners SAC Emilio Althaus 755, Lince, Lima - Perú Todos los derechos reservados © Artmotiv 2020

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Un proyecto de:

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Índice 12

Adawie Ghaliya

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Aisha Ascóniga

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Akira Chinen

Al encuentro del volumen

El consumismo recreado

Atmósfera espiritual

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Alberto Flores

Habitantes del interior

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Alberto Patiño

Los límites de la representación

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Alejandro Teutli

La cruda apariencia

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Alessandra Sala

Ana Osorio / Xabi Gracia

Andrea Corpancho

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La imagen pensada

Ángel Chávez Achong

Dos mundos, un mundo

Bea Hoefken

Las texturas del fuego

Carla de Feudis

Las sensaciones de la materia

La posibilidad de la imaginación

Identidad anónima

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38

40

Carlos Runcie Tanaka Procesos de la claridad

42

Carolina Kecskemethy

Carmen Herrera Nolorve Exploración de la identidad

44

Cecilia de Lima

Carmen Letts

Celebración de vida

46

César Martínez

El escenario múltiple

Mujeres prohibidas

El artificio inverosímil

48

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Charo Zapater

Superficie comunicante

Claudia Caffarena

Reflexiones de la identidad

Colectivo Andamio

Nani Cárdenas / Micaela Aljovín País en construcción

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Cristina Portocarrero

Cynthia Malamud Tejidos emocionales

Geometría críptica

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Evolucionismo temperamental

Daniel Torres Calderón Luz que trasciende

66

Daniel Vargas

Sensibilidad urbana

68

Daniel Defilippi

Daniella van Hemelryck

La luz de los cuerpos celestes

70

Dante García

Diego Acevedo Llosa Meditación visual

La armonía de los espacios

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74

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Formas entrelazadas

Eduardo Cochachín

Eida Merel

Eddy Espinoza

Elena Candiotte

Naturaleza interior

El otro lado de la forma

Fortaleza femenina

78

80

82

Eriván Phumpiú

Asociación espontánea

84

Flavia Meléndez

Mitos contemporáneos

86

Fernan D’Osorio

Abstracciones primitivas

88

Francisco Vílchez

Gabriela Hennig Desprendimiento

La deconstrucción del género

90

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94

Bitácora estelar

Héctor Acevedo

Memoria fragmentada

Ivet Salazar

La frágil estructura del ser

Guido Garaycochea

Javier Florez Bossio

Cuestionamiento de la imagen

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Jean Paul Zelada

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Jenny Murray

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Johnny Robles

Nadie habita en el vacío

La geometría sensible

Transformación de la memoria

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104

106

Juan Pacheco

Volúmenes neoancestrales

108

Kylla Piqueras

Juan Pastorelli

Apuntes del entorno

110

Lin Belaúnde

Juan Carlos Zeballos La fuerza del trazo

112

Luis Agusti

Portal infinito

El discurso de la memoria

Entre el gesto y la estructura

114

116

118

Luciana Espinar

Magali Seminario

Maria Gracia Ego-Aguirre

120

122

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Metáforas de lo no racional

Maricruz Arribas

La rebelión de las cosas

126

Espíritu creativo

Marcos Palacios

Mutaciones existenciales

128

Territorios y mutaciones

Maya García Miró Materialidad crítica

130

Melissa Arróspide

Melissa Larrañaga

Michelle Gleiser

132

134

136

Silencios estridentes

Mila Huby

Cartografías del cuerpo y la memoria

Armonía natural

Moico Yaker

Entre héroes y antihéroes

Evitando la lógica, celebrando el azar

Mónica Prochazka

Superficies comunicantes

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Pablo Maire

140

Paola Baertl

142

Paolo Vigo

Naturaleza transgresora

Códigos orgánicos

Narrativas anónimas

144

146

148

Patricia Alor Pretell Territorio femenino

150

Renato Rosado García

Patricia Calisto

Soledades contemporáneas

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Rhony Alhalel

Puchi Noriega

El constante descubrimiento

154

Rocío Rendón

Melancolía atípica

Híbridos errantes

Pintura de postrimería

156

158

160

Rosa Tomatis

Rosi Schwartzman Urbano y natural

Resistencia femenina

162

164

166

Servicio a la tierra

Sergio Ghezzi

Territorio intemporal

168

Silvia Westphalen La piedra sensible

170

Sandra Díaz

Sylvie Priou

Entre la forma y el vacío

172

Teresa Carvallo

Toto Fernández Ampuero

Verónica Torocahua

174

176

178

Cuerpo Incontinente

Vidal Bedoya

Ritual y símbolo

Realidades paralelas

Vivian Wolloh

La sutileza de las formas

Los límites del pudor

Yulia Katkova

Cuestionamientos desde la autorreferencia 07

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Presentación El proyecto Núcleo Arte Visual Contemporáneo nace de la necesidad de crear nuevas plataformas por parte de ArtMotiv para la circulación de la producción de arte contemporáneo peruano e hispanoamericano. ArtMotiv funcionó desde el 2007 hasta el 2013 como revista. A partir del 2013 comenzó a comportarse como incubadora y productora de proyectos de investigación y exhibición de arte contemporáneo. En la actualidad, durante este momento de crisis global, se encuentra explorando las distintas plataformas virtuales, con el fin de desarrollar nuevos formatos para realizar proyectos expositivos y de interacción digital. Hasta hace poco, en conjunto con artistas y galeristas en México, Panamá y los Estados Unidos, se encontraba desarrollando proyectos de exhibición enfocados en la investigación y catalogación de artistas peruanos y latinoamericanos. Uno de los propósitos principales de ArtMotiv es reunir distintos grupos de artistas, desarrollando con ellos libros, catálogos y, ahora, nuevos proyectos virtuales. ArtMotiv también destaca en la gestión de exhibiciones en galerías, ferias de arte, museos y centros culturales, llevando a cabo una verdadera labor de promoción cultural para un número significativo de artistas activos que el precario y todavía pequeño sistema cultural local no es capaz de asimilar. En su etapa como revista, ArtMotiv publicó dieciséis números y mostró el trabajo de más de 200 artistas, empoderando así a un gran número de creadores peruanos. Su participación en ferias de arte del circuito latinoamericano, como ARTBO, ArteBA, Pinta, PArC, Ibero-American Art Fair en Seúl

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y The Armory Show en Nueva York, logró consolidar a ArtMotiv como un nexo primordial con los agentes del mercado y, en general, con el ecositema del arte, para muchos artistas que no accedían a estos por medios tradicionales. Luego de siete años, Artmotiv se detuvo, con el fin de visualizar el circuito y entorno artístico, para transformarse en una plataforma generadora de proyectos editoriales específicos, que, en combinación con proyectos expositivos físicos y virtuales, realiza una profunda labor de gestión cultural. Uno de sus principales fines es contribuir a un registro historiográfico que permita la visualización y difusión del arte contemporáneo, así como conocer nuevas propuestas en las artes visuales. Núcleo Arte Visual Contemporáneo nace como una reacción a la fragmentación de la escena cultural peruana, particularmente la de las artes visuales, así como una respuesta y una alternativa a las jóvenes instituciones peruanas: los museos, galerías, centros culturales y diversos colectivos artísticos, que no se dan abasto para exhibir un sinfín de propuestas artísticas que, si bien circulan en sectores de la escena cultural, muchas veces se quedan sin tener una audiencia más grande. Núcleo Arte Visual Contemporáneo es una plataforma alternativa que se enfoca en los artistas vivos que están produciendo obra en estos últimos años, encarnando un espacio expositivo múltiple e interdisciplinario. Núcleo nace como proyecto curatorial de ArtMotiv y se divide en la materialización de un archivo de arte contemporáneo, a través de la publicación un libro que contenga una breve reseña y portafolio de cada artista; y una exhibición en la Galería Forum de Lima, Perú.

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Imaginemos el arte contemporáneo como un gran fenómeno de transición(es), caracterizado por un capitalismo brutal, que radicaliza aún más qué arte se contempla/aprecia/observa y consume. Reflexionemos en torno a cómo se dan estos procesos en los escasos espacios de arte y, sobre todo, en los espacios de “consagración” del arte con los que cuenta la escena artística local. El resultado, si lo observamos desde un aspecto más general, es que un gran porcentaje de la producción artística queda fuera de los principales ambientes expositivos. Los espacios alternativos, a pesar de su vitalidad y urgencia, carecen de permanencia; y su sostenibilidad es muy demandante y esquiva. La insuficiencia de espacios y plataformas culturales, y la inestabilidad en torno a la sostenibilidad en el sector son algunos de los factores que inspiran el nacimiento de Núcleo Arte Visual Contemporáneo. La importancia del arte contemporáneo en la sociedad radica en hacer posible la comprensión de grandes cambios históricos en la filosofía y la ciencia, en un momento en que los cambios se dan de la manera más acelerada. Núcleo es un aporte a la comprensión del arte contemporáneo local. En una sociedad con necesidad de comprensión y conocimiento, el arte contemporáneo puede acercar a las personas a reflexiones más profundas y generar nuevos vínculos entre estas. Núcleo Arte Visual Contemporáneo, públicación/exhibición, quiere encarnar además un snapshot de lo que es vivir en sociedad presente; visibilizando el valor de las artes visuales y de todas las disciplinas que lo conforman, robusteciendo la escena artística en desarrollo y valorizando el arte. El gran reto de esta escena cultural es desarrollar vínculos de comunidad y no comportarse de manera tan fragmentaria. Núcleo es también un acercamiento.

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Núcleo Arte Visual Contemporáneo fue concebido para generar un documento introductorio en torno al trabajo de un grupo de artistas que está haciendo propuestas de artes visuales innovadoras e interesantes estos últimos años. Este tipo de aportes son de gran relevancia para la historia del arte peruano, siempre en búsqueda —y, por qué no decirlo, necesidad— de la mayor cantidad de documentos que amplíen sus posibilidades de circulación y subsistencia. Este Núcleo está conformado por un grupo de artistas jóvenes y consolidados, así como artistas consagrados que participan de este proyecto. Cada uno de los miembros de este grupo de artistas hispanoamericanos, principalmente peruanos, todos en actividad y de distintas generaciones, presentará una obra para la exposición en la galería Forum. Las obras que se encontrarán en la exhibición y en el libro pertenecen a los últimos años de producción de cada artista. El trabajo de selección, curaduría y edición ha sido realizado por ArtMotiv. Carlos García Montero Curador

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Sinopsis 46 × 26 × 54 cm Piedra de Huamanga blanca sobre granito negro, 2017

Adawie Ghaliya Al encuentro del volumen

Adawie Ghaliya nació en Lima en 1968. Siempre tuvo un gran interés por el arte, pero fue a partir del año 2016 que empezó a dedicar su actividad escultórica, de forma casi exclusiva, a la talla en piedra. Puede verse su versatilidad en las diferentes propuestas que plasma de manera abstracta, geométrica y figurativa, ya sea en piedra de Huamanga, mármol y ónix. Ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas. Dentro de sus últimas actividades destacan el Art Lima Gallery Weekend, en el Jockey plaza; Barranco Open Studios 4.a Edición; La Lima que no conoces, proyecto con el Colectivo Blend en la Galería José Antonio; la exposición Bloques, de los resultados del taller La Planicie, en la Galería José Antonio; Tribus de la calle, en el Centro Cultural Juan Parra del Riego y la exposición benéfica Arte Feliz, de Kusimayo. 12

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Infinito 60 × 28 × 39 cm Piedra de Huamanga negra sobre granito plomo, 2019

Sus piedras, convertidas en esculturas, atrapan el movimiento y cautivan por sus volúmenes y la interacción del vacío. Conformadas de figuras abstractas, geométricas y figurativas, construye esculturas de acuerdo con lo que sus manos sienten, dejándose llevar por esa intuición que ha desarrollado estos últimos años. Su formación es autodidacta pero ha demostrado que tiene esa sensibilidad y constancia para desarrollar una obra coherente y bien encaminada. Su versatilidad es visible en la diversidad de materiales que utiliza. Las obras en mármol, ónix y piedra de Huamanga que plasma encierran formas inusuales en su estética, dándole un sello personal

a su trabajo. Es con el mármol que Ghaliya se siente más cómoda y disfruta de este proceso de la talla sacando el máximo partido a la naturaleza de cada material aprovechando las vetas, los colores propios de la piedra y dándoles un acabado agradablemente táctil y armonioso. Muchas veces combina dos materiales respetando sus colores y sus oxidaciones. Durante muchos años ha investigado diferentes materiales y ha encontrado en la piedra el material idóneo para plasmar esos volúmenes que se entrelazan generando una sensualidad muy depurada y un lenguaje maduro que sigue evolucionando. Vive y trabaja en Lima.

Encaje 35 × 20 × 30 cm Piedra de Huamanga ploma y negra sobre mármol, 2020

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El privilegio de elegir 165 × 120 cm Técnica mixta sobre lienzo, 2019

La lucha contra las tinieblas 38 × 29 cm Collage de fotos y revistas, 2019

Aisha Ascóniga El consumismo recreado

Realizó la carrera de Artes Visuales en la escuela Corriente Alterna y un bachillerato en arte en la Universidad Mayor de San Marcos, ambas en Lima. Ha participado en numerosas ferias internacionales como Pinta (Miami), Singapore Contemporary Art Show (Singapur), Artbo (Bogotá), Tokio Art Fair (Tokio), Asia Contemporary Art Show (Tokio), PArC y Art Lima (Lima). Ha realizado 8 exposiciones individuales hasta el momento en Madrid, La Habana, Miami, Santiago de Chile y Perú. Cuenta con varias exposiciones colectivas en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile, en el Museo Memorial de América Latina en Sao Paulo, en el Pabellón de las Artes en Puerto Madero de Buenos Aires, en el ICPNA de Lima, en la galería Elvira Moreno en Bogotá y en el templo Qorikancha en Cusco. Sus obras forman parte de diferentes colecciones como la colección de Luciano Benetton, el Museo de Arte de San Marcos (Lima), la colección Eduardo Hochschild, también colecciones en Estados Unidos y Europa. Ha realizado residencias artísticas en Taller Arte Dos Gráfico (Galeria Sextante) en Bogotá y Mana Contemporary en Miami. 14

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Identidades que sobreviven con fantasmas que merodean 160 × 80 cm Técnica mixta sobre lienzo, 2019

En su conjunto, las obras de Ascóniga revelan la manipulación de la información, el consumismo y las propagandas, y nos remiten a la operación de reemplazo de la realidad por la imagen, su viciamiento y vaciamiento, en el que al final tenemos imágenes en las que no hay nada que ver, y la violencia simbólica que amenaza y se cierne omnívoramente con sus cánones de vida, felicidad y progreso, que solo se miden en los términos de referencia de occidente y su universalismo. A su vez, vemos los diversos desór-

denes psicológicos, emocionales y de conducta que se generan a partir de esta violencia e insatisfacción personal. Podemos darnos cuenta así, de la sociedad de consumo e individualismo que se vive hoy, además sesgado desde la óptica de mujer occidental. También le interesa reflejar e indagar la fragilidad humana: cómo nos comportamos dentro de un contexto social y cómo pueden variar nuestros comportamientos por influencias externas.

La defensa de los instintos 100 × 80 cm Técnica mixta sobre lienzo, 2018

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Alba 140 × 140 cm Técnica mixta sobre tela, 2018

Akira Chinen Atmósfera espiritual

Akira Chinen (Lima, 1982) es un artista plástico peruano nikkei. Estudió dibujo y pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú y egresó con medalla de oro en la especialidad de dibujo. Cuenta con 5 exposiciones individuales y diversas exposiciones colectivas en ciudades como Lima, Berlín, Limoges, Valencia, California y Miami. Es embajador de marca e instructor aprobado por la Faber-Castell Akademie (Stein, Alemania). Formó parte del Drawing Research Residency organizado por L’AiR Arts en París, 2020. Actualmente se encuentra preparando su sexta exposición individual. 16

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Mujer y vía láctea 70 × 150 cm Técnica mixta sobre tela, 2019

Akira utiliza el dibujo como medio principal de expresión artística. Con su trabajo busca generar una sensación espiritual en el espectador, valiéndose para ello de volúmenes y atmósferas finamente construidas a través de la repetición ordenada de pequeñas líneas trazadas a lápiz. Algunas franjas de color rompen con la monotonía del gris y cortan las formas para generar sorpresivamente nuevas tensiones y pequeños centros de atención que balancean con armonía la composición. El artista se considera amante del dibujo y el arte geométrico, mezclando

ambas vertientes en su trabajo. El contar con dos culturas, la peruana y japonesa, hizo que desde joven Akira reflexionara acerca de su identidad. Utiliza hasta el día de hoy esta inquietud como tópico principal en su trabajo artístico, en el que mezcla íconos, historias y mitos creacionales para tratar de explicar que, finalmente, estamos compuestos por estas historias. En su última exposición individual su trabajo giró en torno al Koan Zen: “¿Cómo era tu rostro original, antes de que nacieran tus padres?” para hablar acerca de identidad y trascendencia.

Primavera 60 × 60 cm Técnica mixta sobre tela, 2018

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Nocturnario 90 × 90 cm Acrílico sobre lienzo, 2018

Alberto Flores Habitantes del interior

Alberto Flores nació en Lima en 1959. Cursó estudios de Dibujo y Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú 1978-1985. Fue profesor de la especialidad de Pintura en la misma escuela (1998-2000) y en Corriente Alterna (2010-2020). Ha expuesto individualmente en la Galería Yvonne Sanguineti (Lima) en los años 2018, 2016, 2013 y 2010. También ha expuesto en la galería Centro Colich (Lima, 2014), en el Hotel Intercontinental Riyadh (Arabia Saudita, 2013), en la Embajada de Perú en Arabia Saudita (2013), en la Galería 1900 (Lima, 2011), en la Galería Palz (Saarlouis, 2009), en la Galería Painem (Berlín, 2007), en la GTZ Galerie (Frankfurt, 2007), en la Donau-Universität Krems (Austria, 2004), en la Galería Obsidiana (2003) y en la Fundación GTZ (Frankfurt, 2002). Ha recibido varios premios de pintura y su obra se ha exhibido en Alemania, Austria, República Dominicana, Chile, Arabia Saudita, España y Perú. 18

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Tránsito 200 × 100 cm Acrílico sobre lienzo, 2017

El lenguaje pictórico de mi obra define sin palabras todo un mundo interior y su entorno. La vida misma reflejada en esta, identifica únicamente la identidad. Habita pues, en cada obra todo un mundo nocturno, mágico-onírico y circense, creando un enigma propio que el observador descifra individualmente. De eso se trata, de generar cierta complicidad con la obra misma, crear tres situaciones distintas, la del creador, la del observador y la obra misma que ha tomado vida propia. El dibujo-pintura, los códigos, líneas y colores en contraste con el negro y la luz, dan forma y vida a cada imagen, indefinida por momentos, pero presente en cada lugar de la obra.

La prolijidad y la espontaneidad son dos factores fundamentales en este proceso de encuentro y descubrimiento, ya que las formas que aparecen empiezan a habitar mundos propios que al mismo tiempo vienen a ser fragmentos de la realidad de estos tiempos inciertos. Cada encuentro con una tela es como descubrir una ventana que une lo real y lo imaginario, lo común y lo propio, lo cotidiano y lo interno. La obra misma es un intento de descubrir lo aparentemente inexistente, develando a través de sus formas lo esencialmente oculto del espacio íntimo, más allá de lo conocido para hacerlo ilimitadamente creativo.

Caverna roja 120 × 120 cm Acrílico sobre lienzo, 2017

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Caja de cartón 30 × 30 × 30 cm Caoba, 2018

Alberto Patiño

Los límites de la representación

Alberto Patiño (1977) es magíster en Estudios Culturales por la Escuela de Posgrado de la Pontificia Universidad Católica del Perú. También es licenciado en Artes Plásticas con mención en Escultura por la misma universidad. Ha trabajado allí como docente de la Facultad de Arte y Diseño. Fue seleccionado para la residencia artística 2020 Uberbau_house +arquivo [Investigación de Arte Contemporáneo], en Sao Paulo, Brasil. Dentro de sus exhibiciones individuales más importantes se encuentran La Sombra de tu Sonrisa, Cecilia González Arte Contemporáneo, 2011; Casa/caso, Galería Yvonne Sanguineti, 2009 y Cuerdo Delirio, Galería 80m2, 2006. Dentro de sus exhibiciones colectivas más importantes se encuentran el XX Concurso de Escultura (Premio IPAE a la Empresa), Galería John Harriman del Centro Cultural Peruano Británico, 2019; la subasta profondos para el C.C. Cine Olaya, 2019; Universos Esenciales, Galería Cecilia González 2018; Arte Feliz 2018, Kusimayo, 2018; Blooom Art Fair-21 representado por Isabelle Lesmeister Gallery, Colonia, Alemania 2014; Affordable Art Fair, representado por Isabelle Lesmeister Gallery, Hamburgo, Alemania 2014.; Arte en la Playa IV Galería CEDE Asia Golf Club, Lima 2014; y Art Lima 2013 y 2014. 20

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Pastillas 14 × 6 cm Piedra, 2011

En mi trabajo pretendo encontrar un nuevo modo de ser de lo cotidiano, explorar aquello que subyace silente en los objetos que rodean nuestro día a día mediante una observación detallada y una meticulosa realización. Estos objetos cotidianos encuentran una nueva manera de existencia y de significación a través de diversas operaciones artísticas, que van desde la representación mimética hasta el dislocamiento de su funcionalidad. Así, propongo encontrar una potencia en lo cotidiano que revele nuevas posibilidades de ser y de significar. Planteo despojar lo cotidiano de su utilidad y funcionalidad para proponer una lucha contra lo efímero y lo pasajero, contra lo prescindible y la obsolescencia que se propone desde lógicas banales e inmediatistas, en donde la vida se concibe como instrumental y dependiente de su utilidad.

Estas fieles reproducciones cargan consigo una extrañeza particular que se deriva del ser y no ser, transitan fronteras entre lo verdadero y lo ilusorio, abriendo paso a una reflexión tanto sobre los límites de la representación como sobre la posibilidad de existir de una nueva manera, rompiendo el mito de su propia lógica funcional. Desde esta perspectiva se pueden pensar estos objetos y su nueva configuración como poseedores de una inusual extrañeza, exhibiendo algo oculto e inmerso dentro de lo desechable que los constituye. Estas representaciones pretenden materializar algo escondido dentro del significante, que ahora podríamos confrontar cara a cara.

Cajonera 120 × 55 × 50 cm Madera, 2006

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Alumbramiento 50 × 65 cm Tinta sobre papel, 2019

Alejandro Teutli La cruda apariencia

Alejandro Teutli, pintor y dibujante, nació en la ciudad de Puebla, México, en el año de 1980. Expuso su trabajo de dibujo por vez primera en 1999 por invitación del maestro Gilberto Castellanos; exposición a la que le siguen varias de carácter colectivo e individual, tanto en México como en algunas ciudades de los Estados Unidos y España. En el 2006, quedó como uno de los quince finalistas, de entre dos mil quinientos participantes en la Primera Bienal de las Américas Rafael Cauduro, celebrada en la ciudad de Tijuana. En el 2007 fue seleccionado en la Tercera Bienal Internacional de Dibujo Sylvia Pawa y en el 2010 su trabajo formó parte de la segunda y cuarta edición de la Bienal de Pintura Pedro Coronel. En 2013 inició su colaboración con Galería Cero en proyectos de talla nacional e internacional. Su obra El artífice se hizo acreedora, en el 2014, a una mención honorífica en la IV Bienal de Pintura Pedro Coronel. Vive y trabaja en la ciudad de Puebla. 22

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Éxodo 150 × 300 cm Carboncillo sobre papel, 2015

“Alejandro Teutli provoca al espectador abrir sus horizontes e ir más allá de la apariencia domesticada, ya que sus obras se valen de un objeto desconcertante e irreal”. Christian Nayely Villegas

La obra de arte es para el artista el instrumento necesario para abrir posibilidades dentro de una realidad que, a veces, no es del todo complaciente, por el contrario, tiene un carácter adverso; por momentos nos agrada y hasta nos seduce, y otros, nos lleva a estar delante de lo terrible.

Mi obra no se limita a parecer un retrato de la realidad, más bien busca escudriñar en algunos aspectos que la cotidianidad nos presenta, generando imágenes que se antojan imposibles dentro de la materialidad tangible y que, sin embargo, la reflejan de manera cruda y sin concesiones. Parte de la realidad cotidiana en la que estamos inmersos, conjugando diversos elementos que generan un sin sentido que roza en el absurdo en una especie de puesta en escena. La caótica condición humana se muestra para ser percibida con toda su crudeza y ¿por qué no? con su innegable belleza.

Restos de la última cena Salsa de soya en plato cerámico sobre piso de losa, 2014

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Respira 90 × 60 cm Fotografía

Alessandra Sala La imagen pensada

Alessandra Sala nació en Lima en el año de 1988. Inició sus estudios tomando cursos en el Centro de la Imagen de Lima y luego realizó estudios de fotografía en la ciudad de Barcelona en el Centro de la Imagen y Diseño Digital CITM. A su regreso al Perú toma cursos a distancia en el New York Insitute of Photography. Toda esta experiencia de vida y de formación le dio una visión más amplia para desarrollar proyectos fotográficos y realizar exposiciones individuales muy personales. Vive y trabaja en Lima. 24

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Express yourself 90 × 60 cm Fotografía

Grito 2 90 × 60 cm Fotografía

La artista Alessandra Sala encuentra los motivos de su obra fotográfica en su experiencia y en aspectos que la inquietan de esta sociedad para desarrollar sus proyectos artísticos personales. Ha ido en busca de bosques deforestados en la selva peruana, ha convivido con pescadores en bolicheras de anchoveta para captar las mejores tomas y entender la forma en que viven, trabajan y piensan personas que no han estado en su entorno inmediato. Es una investigadora tenaz con un punto de vista diferente al encuentro con sus inquietudes y escuchando su propia voz. En muchas de sus fotografías las tomas tienen pocos elementos generando así una obra simple y potente al mismo tiempo. Trabaja con el

blanco y negro o con un cromatismo muy personal y sutil, generando una sensación casi táctil de sus imágenes. Texturas y contrastes se encuentran muy equilibradas en estas fotografías que no buscan lo decorativo per se, sino que se adiestran para conseguir lo que la artista lleva dentro o para representar ese concepto primario que está buscando. Encuentra sus motivos en detalles de objetos de uso común, en grupos humanos desarrollando alguna actividad laboral, así como en paisajes naturales malamente intervenidos por la mano del hombre. La obra de Alessandra Sala se detiene y registra a la sociedad para dejar una interrogante necesaria en el espectador.

Grito 76 × 90 cm Fotografía

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Rastros 100 × 100 cm Técnica mixta sobre tela, 2020

Ana Osorio / Xabi Gracia Dos mundos, un mundo

Ana Osorio estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima la especialidad de Pintura. Ha realizado cuatro exposiciones individuales y dos bipersonales. Ha participado en innumerables exposiciones colectivas tanto en el Perú como en el extranjero. Es artista plástica. Desde el año 2000 se desempeña como directora de la Galería del Centro Cultural PUCP de Lima. Xabi Gracia nació en Pamplona-Iruña, España. Estudió pintura y cerámica en la Escuela de Arte de Pamplona. Es artista plástico. Alterna su labor artística con el diseño gráfico, la ilustración y la animación. Ha realizado nueve exposiciones individuales y numerosas exposiciones colectivas. Vive y trabaja en Lima. 26

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Invernal 70 × 50 cm Técnica mixta y collage sobre tela, 2019 A ciegas 70 × 50 cm Técnica mixta sobre MDF, 2018

Ana Osorio y Xabi Gracia, compañeros de vida y arte, deciden mostrar una travesía interior que muestra itinerarios diversos, emociones íntimas, reflexiones profundas, por medio de un instrumento que ambos han elegido como su vía expresiva: la pintura. Ambas opciones anuncian personalidades perfectamente identificadas y esta coincidencia en la acción lo ratifica plenamente. Ana Osorio encuentra en la materia trabajada y exigida, la metáfora precisa para invocar las huellas de la experiencia vivida. Las piezas irregulares como los capítulos esforzados, unidas por una suerte de costura disimulada aunque fuerte, para lograr esa continuidad sorprendente que es la vida misma, interrumpida, con felicidad por algún arroyo de color destacado que equilibra no solo la composición

sino da respiro al conjunto, casi siempre masas rugosas de grises alternados con un informalismo casi ortodoxo y continuo. Xabi Gracia, elige la figura humana. Una omnipresente mujer frágil e indefinible, simbólica en la pureza de línea y la palidez casi marmórea, con cabeza y cuerpo a veces receptáculo, otras maniquí para adornos significativos. Siempre el pasado presente en las ruinas esbozadas como trofeo vital, los ojos cerrados dirigidos al suelo, sin dirección hacia afuera sino a lo propio. Invocación de memoria indesligable de la serenidad aparente. Cercano al sueño pero devoto para detener el olvido. De la lectura de estos caminos diversos, la posibilidad de crear una nueva poesía que abarque pasión y nostalgia. Un saludo a la vida y el encuentro. Elida Román

Solomente 140 × 145 cm Técnica mixta sobre tela, 2020

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Visiones de Huallaga 30 cm de alto × 23 cm de diámetro Cerámica gres y esmalte de alta temperatura, quemada a 1240 °C

Andrea Corpancho Las texturas del fuego

Andrea Corpancho, artista peruana, siempre tuvo inclinación por el arte y ha encontrado en la cerámica su medio de expresión. Fue en el Taller Escuela de Sonia Céspedes Rossel, donde desde el 2016 viene desarrollándose en diferentes técnicas escultóricas, investigando materiales y ampliando su conocimiento sobre este arte. Desde su propio taller en la Encantada de Villa, busca inspiración en la naturaleza, jugando siempre con figuras orgánicas y texturas que encuentra en sus viajes y su entorno. En el 2018 participó en la muestra colectiva Crónicas Contemporáneas del Taller Escuela Sonia Céspedes, con 4 piezas. En el 2019, fue invitada a participar en la muestra de la Galería Dédalo, Primavera Ya, con 2 piezas. En mayo del 2019 realizó un viaje a la Comunidad Alfarera de Chazuta en la selva peruana, el cual fue muy importante para descubrir un poco más su propio lenguaje a la hora de expresar los colores y magia de la naturaleza viva. En septiembre del 2019 participó del Primer Seminario Internacional de Cerámica en gran formato con el gran escultor Guillermo Mañé, que la llevó a realizar piezas escultóricas de mayor tamaño. 28

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Cloris (serie Ninfas) 84 × 40 × 30 cm Escultura en cerámica gres con texturas esmalte de alta temperatura y óxidos

Mis obras son concebidas mediante la contemplación de la naturaleza. Utilizando mis manos como herramienta, trabajo con arcillas coloreadas, paper clay o gres de alta temperatura creando formas con elementos botánicos que requieren de paciencia y tiempo. Es un acto de imaginar a través de la inspiración que encuentro en mi taller, donde en un estado meditativo la arcilla cobra vida, habla y me lleva a recrear texturas, formas, una sensación de transformar y crear.

La investigación y experimentar con diferentes materiales es una parte importante de mi trabajo. Para lograr los resultados deseados se requiere una meticulosa exploración de los materiales y formulados de esmaltes que voy a utilizar. Llevados al horno a 1240 °C, lo que más me gusta son las sorpresas de efectos, colores y texturas que uno obtiene al abrir el horno. Hay un grado de control pero siempre el fuego es quien tiene la última palabra

Florero corales 30 cm de alto × 17 cm de diámetro Cerámica gres y esmaltes de alta temperatura, 1240 °C

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Paisaje andino I 150 × 150 cm Óleo sobre lino

Ángel Chávez Achong Las sensaciones de la materia

Este artista pintor, se formó a muy temprana edad en el taller de su padre. Cuenta con estudios de arte en Lima, París, Florencia, Londres y New York. Ha participado en diversas exposiciones nacionales en el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica; el Centro Cultural de la Escuela Nacional de Bellas Artes; el Museo de la Nación; el Museo de Arte de Lima; el Museo de Arte Italiano; el Museo de Antropología, Arqueología e Historia; el Congreso de la República; el Museo Pedro de Osma; el Palacio de Osambela; el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos; la Galería del Centro Cultural Peruano Norteamericano, y la Galería John Harriman del Centro Cultural Británico. En el extranjero, ha expuesto en el Instituto Italo-Latinoamericano (Roma, Italia); en la Sala Picasso (New York, USA); en la Noche de Arte Peruano del Consulado General del Perú en New York (USA); y en el Museum of Art (New York, USA) su muestra Performance se expuso en la Universidad de Columbia (New York, USA), también participó en la muestra Itinerante de Pintura Peruana Contemporánea (Italia): Visión del Perú, Centro Cultural Metropolitano, (Quito, Ecuador): en la Bienal Internacional de Pintura de Beijing (China): en la Exposición de Arte Contemporáneo Peruano en la Fundación Taylor de París, Francia. También ha expuesto en el Salón Comparaisons en el Grand Palais, París. Francia. 30

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Composición en metal 100 × 130 cm Óleo sobre metal

No a la guerra 195 × 184 cm Óleo sobre lino

La preocupación fundamental de Ángel ya se manifiesta por la capacidad inherente al color y las estructuras o ritmos del diseño y la composición para expresar lo que es indefinible; aquellas madejas de sensaciones y sentimientos que tiñen nuestros actos, que están impregnados en el entorno, en los objetos que delatan la vivencia humana. Así como Brancusi despojó a sus esculturas de toda connotación precisa o particular, Chávez Achong va ingresando a un territorio cada vez más genérico y simbólico de representación formal. Su fascinación por la transmisión primordial de sensaciones que tiene latente la materia se verifica en la incesante exploración de diversos materiales para plasmar sus cuadros: la pintura a la cera texturada, su trabajo por

sedimentación matérica en el óleo, los pigmentos extraídos de canteras naturales aglutinados por el mucílago de cactus, o su manipulación del barro como soporte de los colores aplicados. El lirismo en su paleta llega a paroxismos cromáticos que nos pueden dar un placer enervante, modulando así las emociones del observador. Esta pintura ya alejada de toda alusión representativa se convierte en una cifra más de la realidad donde el pintor cesa de ser el artista individual interpelando al espectador para devenir en un interlocutor de un diálogo real y táctil como si todos los individuos no fuéramos más que diversas interpolaciones de esa sustancia común que es la conciencia. Gonzalo Pflucker

Pintura VII 162 × 130 cm Pintura a la cera sobre lino

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Inmersión 32,5 × 26 × 32 cm Resina cristal

Bea Hoefken

La posibilidad de la imaginación

Es una escultora autodidacta con estudios de arquitectura en la Universidad Ricardo Palma. Inició su camino en el arte a través de la pintura participando en talleres en Arequipa a finales de los años 80. Luego en Lima, continuó instruyéndose participando de distintos cursos y talleres en el Museo de la Nación, la Escuela de Edith Sachs, la Escuela de Bellas Artes, entre otros. A finales de los noventa sintió una gran atracción por la escultura y concibió su primera pieza en bronce fundido. Aprendiendo y experimentando, incursionó en el uso de piedra de Huamanga, resina y posteriormente en la fusión de materiales. Ha sido seleccionada consecutivamente en diferentes exposiciones como la del Premio Luis Hochschild Plaut, Noche de Arte Perú y Artbox Project Miami. Asimismo, ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas. Actualmente dirige el taller Casa Arte en La Molina, donde continúa su constante proceso creativo. 32

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Cómplices 27 cm × 26 cm × 27 cm Resina con color, huevos de avestruz sobre base de madera

Vuelo rojo 30 cm × 30 cm × 20 cm Resina cristal con color, base de mármol

Una expresión artística que evoca sentimientos al apreciar que una figura estática se percibe en movimiento es lo que caracteriza la obra de Bea Hoefken. Su punto de partida es entender qué quieren comunicar distintos materiales, logrando fusionarlos para revelar su forma interior. Su concepción para crear arte es experimental y vive en constante evolución, mostrando diversidad de materiales, expresiones y formas bajo un estilo en común. En poético, su trabajo refleja su espíritu emprendedor y autodidacta que han marcado las distintas etapas de su vida, experimentando para reinventarse en cada pieza que emerge de su imaginación.

Al explorar texturas y colores diferentes, su obra integra distintos elementos en cada pieza para concebir nuevas posibilidades. Fusionando mixturas de resina, madera, piedra de Huamanga, metales, cristal y mármol en un trabajo manual, que no solo revela el valor natural del material, sino que crea nuevas expresiones y resalta la belleza de este. El resultado final logra trasladar al observador en un viaje de elemento a elemento, llevándolo eventualmente a observarlo como un todo, lo que conlleva a una interpretación muy personal del espectador. Su trabajo está influenciado en gran proporción por la figura humana, donde logra que los gestos hablen por sí solos, explorando la esencia espiritual que cuenta una historia con simplicidad y belleza.

Hechizo 40 cm × 16 cm × 14 cm Piedra de Huamanga y cuerda hecha de acero tratado

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Amazonas Ash 28 × 26 × 16 cm Bronce

Carla de Feudis

Identidad anónima

La artista Carla de Feudis ha participado en diversas exposiciones en el Perú y el extranjero. Durante el 2020 participó en la feria de arte JustMad, Madrid, España y en la Feria de arte Art Lima on line. En el 2019 expuso en Spectrum Miami en Estados Unidos; Artem Volume III, Casa Cultural Amaru en Lima, Perú; Art Lima Gallery Weekend, Espacio Casa Tomada; feria de arte Art Lima; Contemporary Focus en Palm Beach Show, Estados Unidos; feria de arte Vortex Miami, Estados Unidos; Art Palm Beach Contemporary Art Fair, Estados Unidos. Durante el 2018 participó en Scope Miami Beach y en Art Contest Miami Basel Season, ambas en Estados Unidos. 34

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Luces de NY 70 × 50 cm Impresión lenticular 3D

En una exploración continua, De Feudis adhiere permanentemente nuevos materiales y procesos a su trabajo. La fotografía, el barro, la resina, la cerámica, la madera y el bronce son, por el momento, los elementos con los cuales le da forma a su obra; una obra siempre diversa, experimental y en constante evolución. Who Are You, una serie de esculturas de cabezas sin rostro que se interpretan como el reflejo de diferen-

tes identidades, giran en torno a la naturaleza, las personas, sus experiencias, memorias e identidad. La mayoría de piezas que conforman esta colección no tienen nombre, con la finalidad de que el espectador se identifique con ellas y adopte la escultura como propia. Amazonas Gold y Amazonas Ash, las únicas piezas de la serie que tienen nombre, son una crítica personal a la destrucción de la Amazonía.

De la serie: Who are you 26 × 24 × 16 cm Resina

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Desplazamientos / Displacements Instalación, 1994 Museo de la Nación, Lima, Perú Fotografía: Javier Silva

Carlos Runcie Tanaka

Procesos de la claridad

Realiza estudios de filosofía en la Pontificia Universidad Católica del Perú y cerámica en Brasil, Italia y Japón. Ha realizado muestras en Perú y el extranjero, representando a su país en importantes exposiciones como la 26.ª Bienal de Sao Paulo, la 49.ª Bienal de Venecia, la 8.ª Bienal de Cuenca, la 12.ª Bienal de La Habana y Perú en ARCO (ARCO madrid, 2019). Su obra está en museos y colecciones privadas, entre ellos el Museo de Arte de Lima (MALI), el Museum of Fine Arts en Houston (MFAH), el Museo de Arte de las Américas (AMA) y el Banco Mundial en Washington D.C. También es miembro de la Academia Internacional de la Cerámica (IAC-AIC). 36

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Tiempo detenido/No olvidar Time arrested (Standstill)/ Do not forget Sumballein-Antología Rota de Carlos Runcie Tanaka 1978-2006 Museo de Arte del Centro Cultural de San Marcos, Lima, Perú Fotografía: Juan Pablo Murrugarra Colección Museum of Fine Arts Houston, MFAH, EE.UU.

No hay respuestas claras para las punzantes preguntas que asaltan y turban nuestra conciencia mientras nos encontramos, cada día, frente a la descreída encrucijada de una promesa nacional en espera de redención. Carlos Runcie Tanaka ha trazado el camino hacia una dimensión de claridad y afirmación de la vida, basada en la poesía y la fe en el potencial, aparentemente ilimitado, de la materia. Durante los últimos treinta años, la conciencia del artista se ha desarrollado de la mano con una comprensión del imaginario peruano, expresándose en una percepción excepcionalmente aguda de la psicología que subyace la construcción de paradigmas estéticos, social y artísticamente relevantes hoy.

En unos momentos, parece haber trabajado en sincronía con brotes de frescas sensibilidades, que apuntan hacia nuevos horizontes culturales. En otros, su obra cristaliza de manera asombrosa procesos intelectuales que intentan dar respuesta a las más urgentes preguntas acerca de nuestra identidad e historia. Conjurando visiones extraordinarias y profundamente reflexivas, el artista extiende a quienes se acercan a su obra una invitación abierta para compartir la calma y la quietud, para participar en una tranquilidad de la mente y el corazón arduamente ganada. Fragmento del ensayo “Treinta años atrás” Jorge Villacorta

Foto del artista Jaime Chávez

Solo nubes/I’ve looked at clouds from both sides now Detalle de la instalación, 2007 Centro Cultural Inca Garcilaso, Lima, Perú Fotografía: Juan Pablo Murrugarra

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Re-structurant mes peaux 100 × 100 cm Linograbado, punta seca, buril, bordado con hilo dorado, cabello natural cocido y tejido. Impreso en 4 telas organzas superpuestas, 2017

Carmen Herrera Nolorve

Exploración de la identidad

Carmen Herrera Nolorve es una artista pucalpina que vive y trabaja en Burdeos, Francia, desde el 2005. Hizo sus estudios en la Universidad Católica del Perú en la especialidad de Pintura, y los completó con una licenciatura y una maestría en Artes Plásticas en la Universidad Michel de Montaigne en Burdeos. Actualmente, ella finaliza una tesis doctoral en la misma universidad. A su llegada a Francia, ella se consagra esencialmente al grabado como medio de expresión, desarrollándolo con diversas especializaciones en técnicas tradicionales y contemporáneas junto a artistas locales e internacionales; y las utiliza en diferentes soportes. Ella ha expuesto de manera individual y colectiva en países como Francia, Perú, España, Brasil, Colombia, Bulgaria y Noruega. 38

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Corazones y territorios (serie 12 retratos) 40 × 30 cm cada uno Serigrafía e impresión láser sobre acetato, superpuesto y retrabajo por capas; cocido, bordado con los hilos diversos y cabello natural, 2019

Construir una identidad es descomponerme en mil fragmentos para solo utilizar uno en el momento requerido. Mi práctica artística gira en torno al tema de la identidad femenina en el retrato contemporáneo. Este surgió a partir de mi propia experiencia con la gente y la constante confusión de pensar que soy oriental (china, japonesa o vietnamita). Esta mirada del otro hizo que nacieran en mí las preguntas ¿quienes somos ? y ¿qué identidad tenemos ? Lo cual me llevó a explorar en mis raíces amazónicas y ver la gran responsabilidad que la mujer tiene en la transmisión. Sin embargo también me hizo tomar conciencia de que somos vulnerables y casi siempre vistas como objetos, es por eso que decidí mostrar inquietantes

retratos de mujeres sin rostro sin dar al público una identidad, para que sea este quien a través de su propia memoria individual y colectiva, construya nuevas identidades para estos retratos. Desde hace algunos años he insertado a mis estampas nuevos elementos, como el cabello de mujeres de diferentes nacionalidades, a quienes llamo mis donantes. El cabello, en mi obra es muy importante no solamente porque aporta a mis grabados la materia en la impresión, con él también puedo dibujar, bordar, coser, tejer objetos que se convierten en elementos de belleza que llevarán mis mujeres sino que además me aporta el ADN, la historia de cada una de estas mujeres que colabora con mi creación.

Foto de la artista Ron Vargas

Double I (serie Femme Fractale) 80 × 60 cm 2/15 aguafuerte, aguantina, al azúcar, manera negra, burin, punta seca y triple entintado, 2016

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Pendientes Madera, MDF laqueado, acero inoxidable y fierro galvanizado. 69 × 170 cm Madera, MDF laqueado, acero inoxidable 80 × 210 cm Madera, MDF laqueado, acero inoxidable y fierro galvanizado 70 × 119 cm

Carmen Letts

Celebración de vida

Carmen Letts estudió en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú donde obtuvo la Licenciatura de Pintura. Desde entonces ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas tanto en el Perú como en el extranjero. Ha ejercido la docencia en la Pontificia Universidad Católica, el Instituto Toulouse Lautrec, el Instituto Antonio Gaudí, la escuela de arte Corriente Alterna y la Escuela Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú. 40

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Río 60 × 176 cm Técnica mixta sobre madera y MDF

La ballena 145 × 54 cm Ensamblaje en madera

La propuesta de Carmen es vital y contemporánea. Su interés principal es evocar la conducta sustancial de la existencia como una celebración de la vida. La intención conceptual que emprende determina la dirección de sus proyectos haciendo que su obra no tenga límites frente a la técnica. Sus propuestas pueden pasar de lo bidimensional a lo tridimensional según la intensión del diálogo sensorial. Su búsqueda puede llevarla a investigar con pintura, con ensamblajes, con móviles, con esculturas. Su inquietud artística logra que su obra atraviese los límites de lo convencional y respire, abierta y libre, como la vida misma.

La historiadora del arte Rosa María Vargas escribió: “…nos hace percibir a las piezas como líneas y planos de color dispuestos en una suerte de abstracción figurativa-expresiva, representando un mundo móvil y cambiante mediante la línea, la forma, el color y sus contrastes, transformando así; un formato estático e inalterable como los empleados en escultura, pero mediante la técnica del ensamblaje, le otorga dinamismo, obteniendo un bien logrado resultado que es coherente en técnica y discurso”.

Aparecidos 30 × 40 cm Técnica mixta sobre MDF

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Exposición: Nada es todo Instalación en Galería Forum, año 2015 Foto: Juan Pablo Murrugarra

Carolina Kecskemethy

El escenario múltiple

Desde sus inicios, a mediados de la década de 1980, la carrera artística de Carolina Kecskemethy se ha caracterizado por un espíritu de experimentación tanto conceptual como material. Kecskemethy ha desarrollado una obra que ha transitado de un trabajo pictórico de gran fuerza gestual a una exploración de la superficie de la obra en la que ha introducido la volumetría para luego pasar a trabajar directamente con el espacio, algo que ejemplifica claramente el trabajo de instalación que ha desarrollado desde principios de los años 1990. En Berlín la artista ha llevado a cabo un trabajo colaborativo y participativo, en el que ha involucrado a la audiencia activamente en la producción de la obra de arte. 42

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Exposición: Nada es todo Instalación en Galería Forum, 2015 Foto: Juan Pablo Murrugarra

Si bien el cuerpo de obra de Carolina Kecskemethy reúne múltiples exploraciones formales y materiales que van desde la pintura, los objetos, a la instalación, pasando por el arte participativo, es posible encontrar un rasgo común en su trabajo. La artista apuesta por construir el escenario de un encuentro entre dos perspectivas y dos experiencias radicalmente distintas. Se trata de un encuentro complejo, áspero y no siempre evidente. En tal medida, podría decirse que existe cierta duplicidad en el trabajo de Kecskemethy, tanto en la acepción del término de un contenido reiterado (referencias estéticas y culturales dobles), como de un contenido diferente al que se puede ver a simple vista (es decir, una carga encubierta). Es así que en la obra de la artista convergen modelos artísticos-históricos diversos (la tradición de la pintura europea

clásica, las formas del arte moderno, las aproximaciones conceptuales del arte contemporáneo, etc.). Pero, a la par, hay cargas afectivas contradictorias que chocan en el trabajo, cargas ligadas a marcos discursivos opuestos, propios de la experiencia de dislocación cultural de Kecskemethy al estar entre dos mundos. En ese sentido, Carolina Kecskemethy representa ese encuentro y desencuentro cultural en su obra como un intercambio de formas y significados que trastoca toda idea de correspondencia entre contenedor y contenido. Sus imágenes sugieren que hay algo latente y secreto que está a punto de brotar. Algo diferente, nuevo, que no encuentra fácilmente su lugar o su nombre. Aunque probablemente no necesite hacerlo. Max Hernández Calvo

Schlaf (Selfportrait) 100 × 100 cm Óleo sobre lienzo, 2008

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Libre 150 × 60 cm Técnica mixta sobre textil

No es no 150 × 60 cm Técnica mixta sobre textil

Cecilia de Lima Mujeres prohibidas

Es egresada con medalla de oro en grabado de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Obtuvo la mención honrosa en la Primera Bienal de Grabado Paco Urondo, en Argentina. Representó a Perú en la Bienal de Miniprints del Florean Museum, Rumania. Participó en la V Feria Internacional de Gráfica Guadalupe Posada, México y en la exposición Threads of Truth del Zhou B Art Center, Chicago. Ha participado en la 31 Bienal Internacional de Sao Paulo, a través de los proyectos de galerías, con la Galería Martha Traba. En el año 2017 realizó una investigación gráfica en la Ciudad de México y expuso en diversas galerías, con el respaldo de la Embajada del Perú en México; además de apoyar directamente en la organización de ayuda para los damnificados del sismo que sacudió dicho país ese año. Es autora intelectual del proyecto Mujeres Prohibidas, el cual ha sido exhibido en tres países de Latinoamérica: Perú, Bolivia y México. 44

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Valor 140 × 60 cm Técnica mixta sobre textil

Mujeres Prohibidas es un proyecto artístico itinerante que Cecilia de Lima ha presentado hasta el momento en tres países de Latinoamérica: Perú, Bolivia y México. La artista busca concientizar acerca de los derechos de la mujer a través de exposiciones que visibilicen la superación de las prohibiciones que muchas mujeres han sufrido en algún momento de su vida, mostrando historias que inspiran y merecen ser representadas a través del arte. Cada una de las piezas es trabajada cuidadosamente sobre gasas, asociándolas con la visión de la muerte en el Perú prehispánico; presentándolas a manera

de fardos funerarios que han sido desenterrados y que, al ser desenvueltos nos narran la historia de una “mujer prohibida”. Para contemplar la participación de mujeres, la artista realiza una convocatoria para que las participantes cuenten sus historias; y, a partir de una selección, son fotografiadas; siendo finalmente plasmadas en una pieza única sobre textil. El proyecto, además, pretende crear una red de apoyo a mujeres a través de la exposición de historias, elaboración de talleres y participación de charlas que puedan ayudar socialmente a grupos vulnerables.

Cadenas 150 × 60 cm Técnica mixta sobre textil

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Sin título 70 × 80 cm Técnica mixta sobre lienzo, 2018

César Martínez El artificio inverosímil

Egresó de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes con el Primer Premio y la Medalla de Oro en 1982. Sus principales exposiciones individuales se han llevado a cabo en galerías de Lima, Colombia, Alemania y España. Obtuvo el Primer Premio del concurso BANPECO en 1985 y el Primer Premio del BCR en 1987; además, fue invitado oficial representando al Perú en la IX Bienal Internacional de Arte de Valparaíso (Chile, 1988). Ha participado en The 10th International Biennial Print and Drawing Exhibition 2001, R.O.C. (Taipéi, China), y en innumerables exposiciones colectivas en el Perú y el extranjero. 46

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Sin título 72 × 102 cm Técnica mixta sobre lienzo, 2019

César Martínez es un artista coherente, empeñado en mantener una tradición pictórica y, simultáneamente, en indagar aquellos principios que le permitan trascender, logrando un sello personal que lo distingue, porque se trata de una obra armoniosa y, al mismo tiempo, de ruptura. Es un trabajo de contradicciones, un encuentro de ejes considerados antagónicos, como son la tradición y la vanguardia, la modernidad y la contemporaneidad. Muchos teóricos sostienen que, al igual que en los años setenta, la pintura está en crisis. No lo creo así. En crisis están los pintores que nada nuevo tienen que decir. Pero César Martínez demuestra que todavía, a través de la pintura, es posible aportar, porque en estos tiempos, cuando todo está hecho, lo único que nos diferencia es lo que tenemos en nuestro interior. Hacer este contenido interior visible es el proceso más arduo que existe en arte y es, nada menos, lo que César Martínez ha podido lograr.

Textura y color juntos conforman el factor detonante de placer en la obra de Martínez. Pero son los grafismos, los trazos de la línea y el dibujo inciso o raspado —cual danza de secciones cónicas— los que imprimen un carácter intransferible a su trabajo. El artista juega con todos estos componentes, con los que crea un entretejido de ilusiones, basadas todas en la construcción de profundidad en la superficie plana de la tela, con la finalidad de negar o, en todo caso, contradecir este artificio. Esta ambigüedad es discernible en la ubicuidad de sombras proyectadas inesperadamente al interior de la composición por los elementos más inverosímiles (a veces, prácticamente invisible). Jorge Villacorta

Luis Lama

Sin título 100 × 100 cm Técnica mixta sobre lienzo, 2018

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Sin título 140 × 140 cm Técnica mixta sobre tela

Charo Zapater

Superficie comunicante

Charo Zapater, de nacionalidad peruana, siguió estudios de arte en la especialidad de Pintura en Burton Manor College (Chester Inglaterra) y Grabado en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi (Barcelona, España) y en 1976 obtuvo la licenciatura con honores en la Escuela de Bellas Artes de Roma, Italia. En el 2003 investigó técnicas ancestrales en Camerún, África. En el 2004 y 2005, colaboró con AXIS Arte grupo interdiciplinario de investigacion aplicada en arte y diseño de la Facultad de Arte de la Universidad Católica del Perú. Entre 2006 y 2008, siguió una especialización en Artes Visuales y Lenguajes Multimediales en la Academia de Bellas Artes de Florencia. En 2016, colaboró con el artista sudafricano William Kendridge en su proyecto Triumph and Laments llevado a cabo en Lungotevere, Roma, Italia. En 2018 expuso en la feria de arte PArC, Museo de Arte Contemporáneo, Lima, Perú. Actualmente, vive y trabaja entre Florencia y Lima. Cuenta con múltiples exposiciones colectivas e individuales tanto en Europa como en América. 48

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Sin título 80 × 100 cm Técnica mixta sobre dúplex

En las superficies sobre las cuales trabaja Charo Zapater, aparecen como lugares que recogen y conducen a la máxima expansión e intensidad las señales y las estrías, las manchas y los grumos, las abrasiones y los chorreados que la pulsión gestual descarga e incide en el espacio: en los ritmos cromáticos y plásticos, algunas veces, vertiginosos, sin respiro y otras veces en cambio más distendidos y relajados. El artista busca el punto de unión entre la abstracción y la organicidad, aquella tierra de nadie donde las formas no tienen todavía un nombre y sin embargo, al mismo tiempo, ya indican “algo” que trasciende la simple y pura presencia, casi por casualidad como si estuviesen a punto de desaparecer y regresar al magma impreciso del cual provienen. La gran sensibilidad pictórica, el seguro instinto plástico de la artista, su maestría en la riqueza del

empaste cromático, suntuoso, mantenido constantemente a nivel de registros agrisados y terrosos pero listos a imprevistos y repentinos destellos de luces; capacidades indudablemente expresivas que solo un ojo ejercitado capta a primera vista. En sus movimientos en forma espiral, ondulatorios y en aquellos más bruscos, en el gesto que incide (y que a veces se hace palabra, grama o letras insinuadas entre los trazos), que marca y que ensucia, de modo que se va construyendo —casi sin intención directa y explícita— una especie de mundo orgánico-biológico; casi elementos biomórficos que nadan en un espacio primordial como en su líquido amniótico. Prof. Massimo Carboni Crítico de arte-Bienal de Venecia

Sin título 80 × 100 cm Técnica mixta sobre dúplex

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Espacio de poder 60 × 70 cm Escultura de acero y porcelanato

Claudia Caffarena

Reflexiones de la identidad

Caffarena ha participado recientemente en la feria de arte Art Basel Aqua Miami, en la feria de arte ARCOmadrid, y en importantes subastas y exposiciones colectivas como El Arte como Modo de Expresión en Museo Amano de Lima, Ponte la Camiseta, en Galería Forum de Lima, Sur es Sur, en galería de arte Enlace de Lima, y Puntos de Vista en galería de arte Gingsberg. Vive y trabaja en Lima, Perú. 50

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Cosecha 121 × 124 cm Ensamblaje en cobre

Claudia Caffarena, desde sus comienzos hasta la actualidad en el contexto de las artes visuales ha seguido una línea estética y conceptual basada en la exploración de la cerámica; producción muy personal e íntima que reflexiona en torno a la identidad, al pasado y presente, a la tradición y a su historia. Su mirada, desde la contemporaneidad, nos traslada hacia un mundo antropológico y mágico-religioso, es un nuevo imaginario construido para dialogar y hablar sobre el ser latino, lo que somos y nos hace únicos y diferentes. Su obra es toda una producción visual que presenta su sello muy personal que la hace inconfundible en el contexto del arte peruano, su modo de trabajar,

de colocar cada pieza y elemento en el lugar que le corresponde y el empleo de una iconografía típica del continente latinoamericano adaptada a sus necesidades creativas. Entonces, apreciamos cómo grandes paredes se convierten en su lienzo en blanco, un espacio en el que Caffarena interviene, cuenta una historia y genera un rico intercambio con el espectador. Son enunciaciones de nuestras raíces que nos marcan como diferentes y que constituyen una prueba fehaciente de una Nación capaz de tener voz propia a través del arte. Daniel G. Alfonso Crítico de arte

Palabra de poder “divino” 50 × 159 cm Ensamblaje en bronce

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Camilla 193 × 70 × 45 cm Tejido en rafia sobre camilla de guerra del siglo XX, 2019

Colectivo Andamio

Nani Cárdenas / Micaela Aljovín País en construcción

Es un colectivo autogestionado compuesto por las artistas peruanas Micaela Aljovín y Nani Cárdenas. Si bien su trayectoria individual se ha desarrollado por diversos caminos, iniciaron sus actividades conjuntas desde 2019. Andamio, así como el símbolo, hace referencia a lo constructivo, lúdico y plástico. Durante 2019, este colectivo participó en los siguientes eventos: con GECU en Art Lima 2019; Andamio, Galería Yvonne Sanguineti; Arte en Pelota, subasta benéfica en el colegio León Pinelo; Ponte la Camiseta, Galería Forum; y Arte Feliz, a beneficio de la ONG Kusimayo. En setiembre 2020, inaugurarán una exhibición del colectivo en la Galería Forum. Por otro lado, dentro de sus proyectos de responsabilidad social, dan clases de arte y colaboran en la creación de una biblioteca en el Hogar de Gina, albergue de niñas ubicado en Chosica. Esta alianza se perfila como una plataforma interdisciplinaria de reflexión y de accionar creativo, que busca servir de soporte a iniciativas en colaboración con otros artistas. 52

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Verde 150 × 200 × 7 cm Tejido de rafia, 2019

¿Es el Perú una sociedad integrada? ¿Podemos construir un proyecto conjunto de país? ¿Somos capaces realmente de ponernos en el lugar del otro? A través de piezas colectivas como individuales las artistas Nani Cárdenas y Micaela Aljovín reflexionan sobre estos temas, dando inicio al colectivo Andamio. Las piezas del colectivo han sido tejidas en rafia, material usado en objetos prácticos como redes, sacos y bolsas, que sin embargo en este conjunto adquiere una belleza particular. Las piezas remiten además a una práctica ancestral entre nosotros, la del tejido. En efecto, se asemejan a un gran manto emplumado o a un tejido de punto. Pero, además, el tejido hace referencia a la idea de construcción,

el ir añadiendo y entrelazando fibras, como un cuerpo social que se une para alcanzar un objetivo. La técnica refuerza la idea detrás de las mismas piezas a conceptos como construcción, unión y soporte. En conjunto, las obras refieren a la posibilidad de un país que si bien todavía está fragmentado y presenta una serie de problemas, también ha logrado construir y crear aun en condiciones precarias. Más aún, las obras invitan al espectador a reflexionar sobre los vínculos y valores que construimos a fin de contribuir con un Perú integrado, tal como aparece en la cartografía. Gabriela Germaná Historiadora del arte y curadora

Carpetas (serie Palimpsestos) 30 × 40 × 2 cm Impresión fotográfica en bronce, 2019

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De qué estás hecho 140 × 150 cm Técnica mixta, 2008

Cristina Portocarrero

Evolucionismo temperamental

Inició su carrera artística muy temprano, en la adolescencia, al ingresar excepcionalmente a la Escuela Nacional de Bellas Artes cuando cursaba los primeros años de secundaria. Desde 1964 participó en exposiciones colectivas y, desde 1967, en individuales. Ha sido merecedora de reconocimientos de la Municipalidad de Lima, la Fundación para las Artes y diversas empresas en diversos concursos de pintura y arte gráfico. Obtuvo el Primer Premio Nacional de Pintura Carlos Ferreyros Ribeiro (INRESA), en 1991. Algunas de sus obras forman parte de muestras de museos y colecciones nacionales e internacionales. Asimismo, se da cuenta en diversas publicaciones de arte y de museos y libros de su producción de 1968 y de su labor como fundadora y militante del movimiento feminista de los 70 (Alimuper y MIFE). Para estos temas ha publicado artículos en los diarios nacionales y atendido entrevistas en programas como La Función de la Palabra de Marco Aurelio Denegri, por más de una década. Ha publicado sus trabajos de investigación sobre arte infantil y metodología del arte terapéutico para enfermos mentales realizados en Lima en los años 70 y a fines de los 90. 54

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Canis familiaris 130 × 110 cm Técnica mixta, 2008 El tiempo se terminó 150 × 120 cm Técnica mixta, 2009

La artista visual ha probado durante su carrera diferentes técnicas y temas conceptuales aplicando dibujo, grabado, pintura, pintura escultórica, telares con diseños actualizados y técnicas precolombinas, serigrafía, diseño gráfico, técnica a la piroxilina con soplete, etc. Mostró al inicio, en sus obras, una identificación con los diseños de los bordados populares de la vestimenta de Ayacucho. Seguido trabaja con diversas técnicas los diseños de esta inspiración, por lo que, sobre su exposición individual, en 1967, Juan Acha destaca: “…su calidad poco usual para un principiante, un sentido valiente, a la vez, delicado del color, vertebra una apretada sucesión de figuras tomadas del arte popular: entre el dinámico serpenteo de ramas y flores aparecen impertérritos un gato, pájaros y corazones asilueteados. Estamos en suma ante una obra de un espíritu artístico de temperamento moderno”.

Como parte del movimiento del pop art en nuestro país y conformante de esta joven generación, la pintora presenta obras con el tema agrícola, reproducción de sobres de semillas en formato grande y al soplete. Posteriormente incursiona en el tema ecológico y usa materiales diversos con collage. El crítico de arte internacional Luis Lama, entonces, califica sus producciones como “arte postmodernista”. A propósito del Primer Premio Nacional de Pintura que obtuvo, el prestigioso crítico internacional de vanguardia Jorge Villacorta aprecia la obra ganadora como “la apertura de un nuevo estilo”. En el curso de sus nuevos proyectos ha venido presentando un enfoque neofigurativo y con técnicas mixtas; obras con un definitivo propósito conceptual implicado en el evolucionismo, que muestran elementos anatómicos de animales y humanos en una resolución de color y movimiento ágil y temperamental.

Beterraga (Beet) 115 × 85 cm Técnica a la piroxilina a soplete, 1968

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Telar inmersión 140 × 190 cm Tejidos hechos a telar vertical por separado, luego fusionados y superpuestos, hilos de algodón, alpaca y cobre, 2018

Cynthia Malamud

Tejidos emocionales

La psicología clínica y el diseño definen su esencia como artista. Cada proyecto que realiza es iniciado por una mezcla de emociones, las cuales procesa y madura a través de diversos materiales y técnicas. El punto de partida personal e inconsciente es lo que permite una apertura para el proceso, transformación, elaboración y resolución de cada una de las ideas dando origen de esta manera, a piezas únicas introyectadas de sentimientos. 56

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Continente morado 60 × 60 cm Tejido a croché, bordado y tejido a telar, con hilos de algodón y nylon, 2017

Bright side 170 × 40 cm Tejido realizado a telar vertical, intervenido con hilos de algodón orgánico, alpaca y cobre, 2018

A través de las manos, el tiempo, el proceso, el reposo, la distancia, es que una obra de arte evoluciona y “es”. El tiempo, factor indispensable como sustancia, es lo que va a permitir evidenciar el proceso, afectos y emociones de la misma obra. El cambio, estado constante es lo que dará las nuevas luces a este proceso. De adentro hacia fuera, proceso inconsciente, donde el tejer es la herramienta para llegar a ese momento de abstracción

para procesar, pensar e introyectar las emociones generadas. Los tejidos comienzan por un camino y terminan por otro, sin diseño ni plan. El mismo tejido va mostrando por dónde se debe ir, cuál es el camino, en algunos casos hasta retrocede sobre lo ya avanzado, para así comenzar de nuevo. Un constante cambio es la base de la riqueza interna que llevan consigo la obra y los hilos.

Telar I 87 × 41 cm Tejido a telar hecho a base de hilos diversos e intervenido con burbujas de hilo y nylon tejidas a croché, 2016

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Estructura óptica 20 × 39 cm Técnica mixta, 2017

Daniel Defilippi Geometría críptica

Daniel Defilippi es un artista plástico nacido en Lima, en el año 1994. Su experiencia artística inicia a temprana edad, siendo un diestro pintor de escuela clásica a la edad de 16 años. Sería en su época universitaria, cursando la carrera de arquitectura, que decidiría dedicarse al arte, enfocándose en la geometría como eje principal para el desarrollo de sus obras. Como autodidacta, se dedicó al estudio de los textiles y la iconografía precolombina para el desarrollo de su lenguaje artístico. En 2016 conocería a Luis Lama Mansur quien sería su mentor. En 2017 participó en su primera exposición colectiva Tarea Mi Perú, en Galería Forum, a causa del Bicentenario. También ha participado en la feria de arte PArC, en Lima, representado por la Galería Forum. Es así que, a la fecha, cuenta con 11 exposiciones. 58

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Fragmento textil 100 × 80 cm Acrílico sobre lienzo, 2018

Síntesis quipu 140 × 140 cm Acrílico sobre lienzo, 2019

La propuesta de Daniel Defilippi se encuentra estrechamente relacionada con lo geométrico, así como con la síntesis del arte precolombino y la arquitectura. Estos tres ejes son el punto de partida de su meticulosa investigación formal, espiritual y espacial en la que la fragmentación y la adición son el símil de la dualidad ancestral que maneja constantemente en sus trabajos orientados a la búsqueda de un lenguaje críptico personal. Los textiles, los ceramios y las huacas son algunos de los arquetipos seleccionados para la reinterpretación, en donde tendencias minimalistas se pueden apreciar notoriamente, con trabajos en tela, papel y distintas técnicas que caracterizan a Defilippi en su

búsqueda de una identidad peruana en el diseño geométrico contemporáneo. El vínculo entre el pasado y el presente no es una tarea sencilla; y es trabajo del artista dominar las formas para crear un lenguaje acorde con las estructuras primarias que se transforman, fragmentan y se significan en un dinamismo espacial, el cual pierde la característica temporal para llenar el espacio de lo eterno y lo trascendente. Así es como Defilippi presenta la trascendencia del tiempo con base en la geometría, la historia y la arquitectura en una obra plástica variada que propone la identidad a partir de un filo duro peruano.

Deconstrucción textil 100 × 100 cm Acrílico sobre lienzo, 2019

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Heteronormal activity Instalación site specific, 2016

Daniel Torres Calderón Luz que trasciende

Daniel Torres Calderón nació en 1987, en Lima. Es artista plástico egresado de la escuela de arte Corriente Alterna. Su primera carrera fue Arquitectura (PUCP) por lo que su obra es altamente influenciada por el uso del espacio y la iluminación. Así, encontró su especialidad y afinidad, trabajando desde hace más de 6 años con luz neón. Durante su carrera se encontró con el yoga y estudió en Miami con Andrey Lappa, uno de los maestros más influyentes en técnicas de yoga y meditación. Por otro lado, estudió cábala cuando vivía en New York, y astrología terapéutica al regresar a Lima, lo cual influyó enormemente en fundar Oasis Holístico, un centro dedicado al bienestar integral. Es representado por la plataforma de arte contemporáneo Bloc Art. Es director de arte del Proyecto Bulbo y artista para la marca Absolut. 60

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Heteronormal activity Instalación site specific, 2016

“Los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo”. Bruce Nauman

La obra del artista Daniel Torres Calderón es un camino entre la incertidumbre y la certeza, es un trayecto que se recorre para descubrir la complejidad estética de un misterio determinado. Su quehacer, multidisciplinar, parte de la naturaleza y de todo lo que nos rodea como seres humanos, su evolución, sus metáforas y su subjetividad son algunas preocupaciones que se generan alrededor de su producción visual, a través de diferentes manifestaciones. Daniel ve todo desde otra perspectiva, como bien reza en su sitio web “es un pasajero de la vida”; para él, el arte es la relación que existe entre el universo real y el representado, como los símbolos se asocian a este y son portadores de conocimientos trascendentales. A través de toda su creación pretende conectar con los espectadores de un modo directo sin elementos superfluos y crea espacios en los que

nosotros nos detenemos a reflexionar sobre temas como la identidad, cuestiones de género, etc. Asimismo, vemos cómo el artista construye todo un universo a partir de la fotografía, el site specific, la instalación y la introducción del neón como base para sus piezas. En este último punto siempre he visualizado puntos en común entre Torres Calderón y Bruce Nauman; para ambos, sus obras no tienen sentido si no ocasionan impacto visual o no conmocionan al público, el texto y la luz como protagonistas y las temáticas abordadas que funcionan como medios catalizadores de cuestionamientos contemporáneos. Daniel Torres Calderón es un peregrino incansable en busca de ideas para la construcción de sus ejercicios visuales. Sus creaciones, reflejo de su pensamiento filosófico y astrológico, se valen y refuerzan a través de la intertextualidad y la narrativa lingüístico-conceptual. Daniel G. Alfonso

Heteronormal activity Instalación site specific, 2016

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Trayecto 120 × 80 cm Óleo sobre lienzo

Daniel Vargas Sensibilidad urbana

Este artista plástico cuenta con un centenar de muestras colectivas, entre las que destacan Bruno Gallery 2009-2016, Galería del Centro Cultural de la San Marcos; Herman Braun - Vega. Vida y Expresión de un Artista del Mestizaje, Galería del Centro Cultural PUCP. Invasión Británica 2: los Años 60, Galería John Harriman del Centro Cultural Británico; Sangres. Exposición Internacional, Galería Prado Goyart, Madrid, España. Ha presentado siete individuales de las que destacan las siguientes: Lo Cotidiano en el Arte: Trece Años de Trayectoria, Galería de la Casa de la Identidad Regional, Trujillo, 2017; De Común Ausencia, Galería Mansión Eiffel, Lima, 2016; Entre Reflejos y Distorsiones, Bruno Gallery, Lima 2012; Re-tratos Capitales, Centro Cultural de la Escuela Superior de Bellas Artes del Perú, 2011; y Fijaciones, Galería de la Alianza Francesa Le Carré d´Art 2010. 62

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Disfruta el silencio 170 × 80 cm Óleo sobre lienzo

Las obras del artista plástico Daniel Vargas nos muestran una visión diferente y única de cada evocación de luz, que si bien puede ser una fuente hacia la claridad también podría darnos una mirada no tan clara de la realidad. En un incesante responder a una pregunta implícita pero no directa, cada obra, invita al espectador a recorrer los espacios interiores o exteriores con una mirada a través de una ventana, donde el subconsciente juega con su poder de imaginar y concatenar

ideas creando mundos de ilusión, que no son reales, aunque se basen en realidades de las que el espectador es parte. El artista pretende que el espectador logre evocar ese mundo paralelo que se arma y transcurre, fuera del hombre como ser consiente, frente a él, detrás de él y para las cuales solo se tiene un atisbo, desde una simple ventana, abierta o cerrada, que nos da miles de posibilidades.

Realidad paralela 80 × 70 cm Óleo sobre lienzo

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Quasar HD 09401050 y agujero negro 100 × 100 cm Archival giclée in canvas on aluminium

Daniella van Hemelryck

La luz de los cuerpos celestes

El arte de Daniella van Hemelryck está llevado por su interés en la percepción, movimiento, color y ciencia. Tiene una visión global y futurista, y su enfoque es plasmar y materializar lo invisible/perceptible. Su trabajo utiliza las tecnologías más modernas y está siempre en la búsqueda de nuevos avances tecnológicos para la creación de obras de arte. Van Hemelryck nació en Lima, donde creció y estudió desde 1984 hasta 1989, Arte y Pintura en la Pontificia Universidad Católica de Perú. En 1990 se graduó en Fotografía Profesional en la Kodak de Lima, y en 1991 se mudó a Santiago de Chile donde estudió y se graduó en Diseño de Vestuario en el prestigioso Incacea. Ha expuesto internacionalmente en el Salon des Artistes Français, en el Grand Palais en París, en el Salón d´Automne en Champs Elysées en el área de Art Digital y en la Swissartexpo en Zurich. En 2020 expuso La Vie en Instantané en el Salón Comparaisons del Grand Palais en Paris, donde 28 grupos representan las tendencias del arte actual con diferentes estilos, enfoques y técnicas, así como en Burdeos, Francia y en el Consulado del Perú en París. Actualmente Van Hemelryck vive y trabaja en Lima, Perú. 64

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Esquema de una estrella binaria con efecto Doppler 100 × 151 cm Archival giclée in canvas on aluminium

La serie de obras Spectrum and Stars reflejan la simbiosis entre ciencia y arte, siendo estos polos objetivos y subjetivos del mismo gran emprendimiento humano que plantea la unión de ambas expresiones culturales. Estas obras proponen que tanto la ciencia como el arte tienen la intención de comprender y describir el mundo que nos rodea. Los temas y métodos tienen diferentes técnicas y audiencias, pero las motivaciones y objetivos son fundamentalmente los mismos. Las obras de Spectrum and Stars son realizadas con espectroscopias de los astros que representan. Los cuerpos celestes dejan su huella única en el espectro de luz, siendo esta estela captada por los espectrógrafos el único método conocido para ver las estrellas más lejanas. El espectro estelar revela las

propiedades de las estrellas y otros objetos celestes, como su composición química, temperatura, densidad, masa, distancia, luminosidad y movimiento relativo utilizando el efecto Doppler. La radiación electromagnética procedente de la estrella es analizada mediante su división por un prisma o por una red de difracción, mostrando así el arcoiris de colores entremezclados con líneas de absorción o emisión. Cada conjunto de líneas localizadas en determinados colores del espectro indica un elemento químico. La superficie luminosa que delimita la estrella emite la energía radiante que es enviada al espacio, siendo este espectro leído, descifrado y plasmado en las obras de Spectrum and Stars, para mostrar una visión científica, poética y artística del universo.

Esquema complicado de una estrella binaria 100 × 100 cm Archival giclée in canvas on aluminium

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De la serie: Espacios continuos 40 × 40 × 8 cm Labra en piedra, mármol negro y travertino, 2006

Dante García Formas entrelazadas

Dante García Coba nació en Lima en 1961. Estudió la especialidad de Escultura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima, en donde recibió el primer puesto. Realizó viajes de aprendizaje en Europa y los Países Bajos, de esta manera tuvo contacto con obras de maestros clásicos y contemporáneos que le permitieron ampliar su percepción del arte. Ha realizado exposiciones colectivas e individuales en prestigiosas galerías de arte en Alemania y Perú. En 1996 representó al Perú en la exposición Arte der Lateinamerika que se realizó en la ciudad de Colonia en Alemania. El desarrollo de su obra se ha centrado actualmente en la abstracción geométrica o la no-figuración, usando como material principal el mármol. Vive y trabaja en Lima. 66

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De la serie: Esculturas 45 × 50 × 25 cm Labra en piedra, mármol perlado y travertino, 2001

De la serie: Levedad pétrea 60 × 45 × 18 cm Labra en piedra, travertino, 2012

No poseer una figuración en las formas podría sugerir una difícil decodificación, sin embargo, aquella libertad nos invita libremente a comprender el carácter dinámico del trabajo. De cómo las piezas estructuralmente limpias y prístinas concatenan de manera armoniosa, proyectando el camino infinito de su condición suntuosa, amalgamando la textura sumamente lograda en ciertas piezas, propiciadas para tales fines como si los que las formaran fuesen diminutos animales dispuestos para tales fines.

En suma, sugerir es la mejor forma de encontrar, si es que se requiere así, las respuestas a dichas singularidades que, inmersos en este universo de lenguaje puedan propiciar de manera desinteresada el complemento a la evocación final de todas estas formas que moldean de sobremanera los contornos y el centro de un fin que concluye como ente regulador y sugerente sin lugar a duda de manera eroscópica. Pablo Villaizán España, octubre 2012

De la serie: Levedad pétrea 98 × 60 × 20 cm Labra en piedra, mármol travertino, 2012

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Mental slavery 120 × 120 cm Mixta sobre lienzo

Diego Acevedo Llosa Meditación visual

Diego Acevedo Llosa nació en Perú en 1972 y se mudó a Sídney en el 2002. Actualmente radica en Australia. Fue director y curador de Painter’s Gallery hasta que abrió su propio espacio de exhibición Ceasius Kakius Gallery. Estudió con el artista Pablo Patrucco y obtuvo un diploma en artes del Instituto Gaudí de Lima. Ha desarrollado su trabajo como artista y curador en Australia, realizando innumerables exposiciones individuales y colectivas en ese país. 68

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Abundance 150 × 120 cm Mixta sobre lienzo

Ceasius Kakius es el personaje que Diego Acevedo Llosa creó para entrar en ese mundo interno y quizás fantástico lleno de rebeldía y de sueños posibles e inventados. El planeta de Kuluskuntranus de donde proviene este personaje le permite a Diego indagar en su propia identidad, en el mundo inconsciente y subconsciente para lograr otros niveles de consciencia, navegar por su memoria e inventar nuevas formas e historias para que su arte se vuelva más intenso, simbólico y útil a la humanidad. Sus formas orgánicas, trazos libres y esos espacios cósmicos van alimentando ese mundo fantástico y profundo. En sus lienzos el artista adhiere semillas, granos de café, elementos orgánicos, objetos en desuso, pequeñas luces como destellos estelares que nos permiten recordar que somos seres de luz hasta en los momentos más oscuros y enriquecer la forma de plantear su obra, dándole nuevas connotaciones y dirección a su “pintura”.

Dentro de un viaje meditado y espontáneo a la vez, el arte de Ceasius Kakius genera un lenguaje que se nutre de lo profundo para desarrollar un arte transformativo que funciona como catalizador del viaje interno, de ese viaje que el artista activa a modo de recogimiento místico que lo aproxima a su esencia y le permite integrar sus sombras como a todo aquel que se atreve a conectar con su trabajo. Diego ha desarrollado un lenguaje visual espiritual que le permite meditar sobre las relaciones humanas, indagar en la memoria y buscar un equilibrio y reconocimiento propio, esa identidad que descubre y devela en cada nueva obra. Estas herramientas lo sostienen para manejar la vida, y le enseñan a quererse y aceptarse, encontrar ese equilibrio maduro y meditado, y fluir con el mundo.

Third eye flower 120 × 120 cm Mixta sobre lienzo

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Espejismo de una realidad Fotografía a color

Eddy Espinoza

La armonía de los espacios

El artista, con una formación inicial en ciencias contables, siempre sintió afinidad hacia las artes. Es así que años después tomó cursos libres de fotografía, para luego abocarse por completo y estudiar la carrera profesional en el Centro de La Imagen (Lima), entre los años 2009 y 2012. Al mismo tiempo, siguió algunos talleres de diseño en el instituto Toulouse Lautrec. Posteriormente en los años 2014 y 2017, participó como tutor en talleres de fotografía participativa organizados por Ojos Propios. Actualmente viene dirigiendo, desde el 2011, el estudio de impresión y fotografía profesional Prints & Photo Solution. Tuvo su primera individual en el 2016, titulada Costa Difusa en la Galería Índigo. Asímismo ha participado en exposiciones colectivas como Noche de Arte en los años 2013 al 2018. En el 2017 participó en la exposición Los Rostros del Perú – Lima, organizada por Reniec en la Biblioteca Nacional del Perú. En el 2015 participó en la exposición Bazarte Lima Contemporánea, organizada por Fundación Euroidiomas. En el año 2013 participó en el Festival Sakura 2013 (Arte y Cultura), en Sao Paulo, Brasil organizado por Mokichi Okada Association. 70

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Terminal 2 Fotografía blanco y negro

El motivo principal de la obra del artista se basa en apelar a la sensibilidad del ser humano por el respeto y convivencia armónica respecto de los espacios que ocupamos en afán de satisfacer nuestro crecimiento y desarrollo como seres humanos. El desarrollo, algo esencial en la sociedad, tanto en el aspecto económico como social-demográfico y todo aquello relacionado de forma intrínseca a ello, viene generando una transformación y evolución continua de los países, ciudades, etc. Si bien es cierto que todo progreso conlleva una serie de cambios que implican acostumbrarse a nuevas realidades, en algunas situaciones no se ha considerado, o muy poco en su defecto, ese respeto por el espacio donde venimos creciendo, así como el uso desmesurado sin una debida proyección responsable de recursos que acompañan dicho proceso evolutivo. Es aquí donde la propuesta fotográfica busca sensi-

bilizar con imágenes a través de encuadres abiertos y en algunos otros casos detalles que podrían llevar al lector a cierta abstracción sin dejar de percibir la intención o propósito del objeto a fotografiar. Estos espacios (principalmente naturaleza sin presencia humana) en ciertos casos permanecen aún intactos y en otros fueron habitados y, de alguna forma terminan siendo afectados producto de este deseo desmesurado de desarrollo y progreso sin tener en consideración que somos personajes efímeros en este universo y que nuestras acciones marcarán de forma positiva o no, las generaciones a futuro. Sigamos aprendiendo a valorar y respetar cada espacio; y buscar siempre el crecimiento equilibrado con la naturaleza, principalmente por aquellos lugares que aún permanecen libres del factor humano.

Concreto 2 Fotografía blanco y negro

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Meditación sobre nuestra presencia 110 × 110 cm Óleo sobre tela

Eduardo Cochachín Naturaleza interior

Eduardo Cochachin nació en Lima, en 1977. Desde pequeño, su amor por dibujar, pintar y la naturaleza fue creciendo hasta estudiar en la prestigiosa Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú, de la que egresó el año 2002. Al completar su carrera, Eduardo sintió la necesidad de volver, a las fuentes como otros maestros lo hicieron, investigó las manifestaciones artísticas culturales del Perú, esto originó madurez técnica y un estilo propio. Desde un estilo abstracto, figurativo, Eduardo nos presenta una propuesta que gira en torno a la naturaleza y el paisaje, una cromática luminosa y de fuertes contrastes aplicada sobre planos geométricos. Eduardo fue seleccionado en certámenes nacionales e internacionales, sus obras forman parte de importantes colecciones de arte contemporáneo como de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Perú (2016), la Universidad Autónoma Chapingo, México (2015), y la Foundation Luciano Benetton, Italia (2018), entre otros. Cuenta con ocho exposiciones individuales. Es un artista que está en constante actividad, produciendo observando y viajando. 72

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Lugar donde se amarra el sol 110 × 305 cm Díptico, técnica mixta pan de bronce y óleo sobre lienzo

Eduardo Cochachín nos presenta una breve y consistente colección de pinturas recientes donde prosigue con un planteo inteligente que ya lo distingue dentro del grupo de su generación joven. Esos “paisajes” son la excusa para incluir en ellos unos minúsculos personajes, pequeñas líneas que sugieren su solidez por la pequeñísima sombra, de apariencia desconcertada y desamparados en el también sugerido espacio inmenso que la tela propone. En algunas obras, el paisaje son solo grandes trazos, a modo de mancha, de distintos colores, que aluden a la presencia omnímoda de la pintura como tal, flotando en el soporte como grandes protagonistas de la imagen. En otras, el paisaje sugerido, mas no imitativo está alejado, separado en espacios propios de los personajes anónimos, estáticos, que parecen esperarlo. Alude a la distancia, lejanía, pero también fragilidad, asombro y precariedad de los expectantes.

No escapa la presencia o alusión a la admiración por los maestros anteriores, como sucede con los nenúfares, una exposición muy interesante y bien concebida, de un pintor a seguir con atención. Elida Román. Paisaje-Memoria y retorno (Bruno Gallery)

La obra de Eduardo Cochachín consigue no solo la permanencia sino también una evolución, cambios sutiles y notorios, que van haciendo de su producción un mundo rico y complejo, como el mundo en que vivimos, siempre igual, siempre diferente, siempre en dinámica transformación, también misterioso, porque pudiendo ser tan claramente explicado hay algo que queda en la bruma desde donde irradia su naturaleza que nosotros debemos acoger, aceptar y admirar. Roberto Cores

El secreto de prometeo 97 × 110 cm Mixta, óleo acrílico y lápiz sobre lienzo

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Sin título 80 × 73 cm Técnica mixta sobre lienzo, 2016

Eida Merel

El otro lado de la forma Nació en Lima, Perú. Realizó estudios de Pintura en la Escuela de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, entre los años 1963 y 1970, excepto durante un paréntesis que abarcó los años 1967 y 1968, cuando asistió libremente a cursos de dibujo en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, Francia. Inauguró su primera muestra individual en Lima en 1974. Desde entonces ha realizado otras diecisiete, algunas en galerías y centros culturales de ciudades como París (Francia) y Asunción (Paraguay). Ha participado en numerosas muestras colectivas entre las que destacan Galería de la Ville de Tours (Francia, 1975); El expresionismo, Galería Forum (Lima, 1980); Arte Joven Peruano en La Habana (Cuba, 1984); La Figura Negada, Galería Artesanos, Asunción (Paraguay, 1992); Muestra itinerante de arte contemporáneo en América Latina (1993); Primera Bienal Iberoamericana de Lima (1997); muestra inaugural de la sala ZUM, Universidad de Lima (1998); Dípticos, Centro Cultural Ricardo Palma (Lima, 2005); y Noche de Arte, Museo de la Nación (Lima, 2006). En 1998 el Centro de Artes Visuales de Asunción organizó una exposición panorámica de su obra titulada Eida Merel 1983–1997, realizada en el Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo. Inauguró su más reciente muestra personal en la Galería Yvonne Sanguineti en Barranco, en 2016. Actualmente vive y trabaja en Lima. 74

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Sin título 110 × 120 cm Acrílico sobre lienzo, 2016

Sin título 110 × 83 cm Técnica mixta sobre lienzo, 2016

Tanto para quienes pintan como para aquellos que entienden de pintura no figurativa, salta a la vista que cada cuadro de Eida Merel es el resultado de un proceso que implica largos periodos de trabajo activo sobre la tela e, igualmente, largos lapsos de contemplación. Resulta evidente incluso que prefiere trabajar sobre superficies previamente secas de modo que el color se adicione sin fundirse, como sucede con las capas de pintura en una pared. Además del pincel, la artista se sirve de la monotipia para conducir el color por sectores o “campos” hacia el plano, recurso que le permite, usualmente, “ocultar” su impronta o cualquier expresión que nos deje

advertir su pulso. Y este procedimiento, que implica un ejercicio de concepción inversa —como en el grabado— además de potenciar el aspecto inconsciente en cuanto a lo compositivo, le sirve también —junto con su aplicación más frecuente del collage— para eludir cualquier alusión representacional o dato reconocible en su propuesta, dejando que el color y su materialidad se expresen. Con el tiempo como aliado Eida Merel realiza una pintura radicalmente no figurativa en la que se perfilan formas que configuran espacios y, en simultáneo, superficies inescrutables. Manuel Munive Maco

Sin título 120 × 100 cm Técnica mixta sobre lienzo, 2016

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La mujer dorada 40 × 22 × 24 cm Fibra de vidrio

Elena Candiotte Fortaleza femenina

Elena Candiotte nació en 1953 en el Callao, Perú. 1975 fue el año de Bellas Artes, de su encuentro con Víctor Humareda y con los grandes maestros del color, Velásquez, Goya, El Greco, genios de la belleza. Desde entonces, la pintura la envolvió con su magia. En 1980, se instaló en Bruselas, ingresó a L’Académie de Dessin et des Arts Décoratifs de Watermael Boitsfort y al taller de arte mural y pintura monumental dirigido por Roger Somville, notable artista plástico y muralista belga. El arte y su pasión por este aportaron tiempos de pintura sin tregua, de continuo aprendizaje, de encuentros memorables, de grandes retos y gratificantes logros, de numerosas exposiciones individuales y colectivas en Europa, USA y América Latina. En 1996 se reinstaló en Lima y alternando estadías con Europa continuó con la pintura. Ha estado interesada desde siempre en la escultura y en los materiales inusuales, interés del que nace la Serie de Sombreros y la serie La Mujer que Relata. Trabaja actualmente el proyecto de series temáticas: Memorias en Vidrio, Equipajes y Carteras y Corsets en Vidrio. 76

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La mujer azul 38 × 22 × 24 cm Vidrio

Equipaje de un caminante 37 × 19 × 13 cm Vidrio / cintas andinas / semillas amazónicas / espóndilus laminados de bronce, cobre y aluminio / accesorios de metal

Elena Candiotte es una artista innovadora y audaz, reconocida por su peculiar creatividad y una altísima calificación en sus pinturas y esculturas, las cuales ha venido desarrollando empleando nuevas técnicas y materiales no convencionales, una práctica que sin duda la singulariza y enriquece la conceptualización del arte en nuestro país. Sus pinturas y esculturas —estas últimas, y en esta etapa, trabajadas delicadamente en vidrio— son expresión de una profunda sensibilidad y la necesidad de buscar tercamente la belleza, delineando historias, ilusiones y sueños. Así, con el natural talento que la asiste, va poblando lienzos, dando formas a la arcilla y al vidrio, transmitiendo una emoción visceral, su pasión por el arte y un compromiso como mujer de nueva historia. En esta línea de pensamiento, son visibles los signos de su vitalidad creativa en una fecunda obra de múltiples matices donde combina fortaleza expresiva y un predominante espíritu de vanguardia, ofreciendo a los sentidos renovadas texturas, colores, formas, reflejando un espíritu libre de múltiples reflexiones, y acaso buscando otorgar mayor sentido al mundo que la rodea. Y en cada obra suya, nos sobrecoge por su belleza, nos seduce por la magia que trae implícita y nos invita a pensar más allá de la sola —y siempre grata— contemplación artística. Por ello, considero que en cada expresión artística de Candiotte —sea en arcilla, lienzo o modelando

fantásticamente el vidrio— existe muy viva, una invalorable ceremonia de crecimiento de una artista que ofrece un mayor sentido a sus emociones y vivencias a través de experiencias creativas y audaces, donde está presente la necesidad de convertir simbolismos en una saludable observación crítica de la sociedad. Vale, pues, reiterar la solidez e impecabilidad técnica, la inspiración, la transparencia del mensaje, y esa luz maravillosa que nos invade y complementa la belleza expresada en cada una de sus obras. Marita Troiano Poeta y narradora Editora del sello Carpe Diem Lima, 2020

Fotografías: Daniel Ritiere

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Cuando el humo se va 135 × 135 cm Acrílico sobre tela, 2017

Eriván Phumpiú

Asociación espontánea

Es egresado de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú (2000). Cuenta con diversas muestras colectivas y cinco muestras individuales en el Perú y el extranjero, entre las que destacan su primera individual titulada P (2005), en la Galería Punctum; la muestra individual Mitopoyesis (2006), en la galería Punctum; la muestra colectiva URBE & ARTE: Imaginarios de Lima en Transformación (2006), en el Museo de La Nación de Perú; la muestra individual Asociación de Ideas Independientes (2010), en la galería Bruno Gallery; la muestra colectiva Miradas Sin Coordenadas (2011), en la galería 80M2 Livia Benavides; la muestra individual La Evasión (2014), en la galería La Polaca; la muestra colectiva Caleidoscopio de un Arenal (2018), en el marco del centenario de la Escuela Nacional Autónoma de Bellas Artes del Perú en el Centro Cultural de Bellas Artes, el festival de arte Transformart (2019), en Berlín. Una de sus obras se encuentra en la colección Luciano Benetton y cuenta también con la publicación del Libro Ojo andino Perú: peruvian contemporary artists (2016). También ha sido seleccionado en diferentes concursos de arte, entre los que destacan su tercer puesto en el concurso Pasaporte Para Un Artista (2003), y haber quedado finalista en el Premio ICPNA Arte Contemporáneo (2019) y del XI Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva del Perú (2019). 78

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Pesadilla en Chicago Chico 160 × 300 cm Acrílico sobre tela, 2019

Un mundo fantástico con atributos y sin concesiones. En la actualidad no todos los artistas visuales son pintores. Resulta interesante, por tanto, encontrar pintura de calidad en la escena limeña. Más aún si dicha inquietud se mide en relación con el mercado del arte local, es decir, con lo que ofertan a sus clientes las galerías de arte en Lima. Ir hacia fuera de dicho ámbito y encontrar, por ejemplo, la pintura de Eriván Phumpiú, fresca y sin ataduras, es ya todo un acontecimiento.

Antes que imitar la realidad, la pintura de Phumpiú se despliega en el ámbito de la imaginación y de la asociación libre. Un poco como escritura automática, las formas y los colores surgen aquí y allá sin un boceto previo, según él mismo declara, a partir de algún recuerdo olvidado o de un sueño. Augusto del Valle Cárdenas

Berlín 135 × 160 cm Acrílico sobre tela, 2019

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Perfidia 90 cm diámetro Técnica mixta, 2014

Flavia Meléndez Mitos contemporáneos

Flavia Meléndez (Lima, 1973) es una artista plástica egresada de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera del país. Entre sus principales exposiciones se encuentran Constelaciones (Galería Yvonne Sanguineti, Lima, 2016), Faber-Castell: 50 años en el Perú (Centro Cultural PUCP), Perú Art Show (Lics Arts Open, New York, 2014), Blossoms (Galería Centro Cultural Ricardo Palma, Lima, 2013), Perspective (Museum of Americas, Florida, 2013), Capitoné (Galería Yvonne Sanguineti, Lima, 2012), Minimal Landscapes (Expressiones Cultural Center, Connecticut, 2012), Magnets (Expressiones Cultural Center, Connecticut, 2009), Cow Parade (Lima, 2009) y La Vitrina Interior (Galería Yvonne Sanguineti, Lima, 2007). Ha sido finalista en el Concurso de Pintura Banco Central de Reserva del Perú (2011) y (2009); Concurso Arte en Libertad Mapfre (2006) y Pasaporte para un Artista (2005); también ha sido beneficiaria de las residencias artísticas I-Park (Connecticut, 2009) y Griffis Art Center (Connecticut, 2012). 80

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Vanitas 70 × 100 cm Mixta, 2012

Mi trabajo parte del cuerpo femenino como recurso para plantear ideas y hacer preguntas, apropiándome de él como única mirada de la que dispongo para enfrentar lo que me rodea. Tomando la contaminación visual a la que estamos expuestos por distintos medios y tamizándola finamente, me quedo con el gesto en el papel y la emoción que detona la idea, me valgo de la pintura y la técnica mixta, las cuales cohabitan como dos cabezas en un mismo cuerpo. La pintura delinea los cuerpos, los materiales y texturas convergen, se superponen o aglutinan creando protuberancias o heridas en la tela, emergen escenarios para contar historias. Tomo lo que brilla, lo que resalta, lo que abruma, para contar mitos de historias contemporáneas. Partiendo de la palabra como germen, estos perso-

Chronos 65 × 85 cm Mixta, 2016

najes encarnan arquetipos o emociones, algunas viven en ese espacio vacío donde se presentan como centro, donde lo único que las define yace escrito sobre ellas, otras sobreviven encerradas en estos cofres de terciopelo como un segundo envoltorio que recubre el encierro en sí mismo, están también las que llevan pesadas corazas forjadas con los juicios de todos, las que nos observan desde el firmamento con total indiferencia y aquellas que nacen en pequeños almácigos como diminutas floraciones que finalmente volverán a la tierra. Lo mío transita por una narración barroca donde cada línea u objeto trata de suplir un silencio, un significado, una carencia, todo para contar historias que calmen el miedo o la incertidumbre de una existencia permanentemente esquiva.

Minimal landscapes 25 × 25 cm Mixta, 2012

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Elevación en azul 160 × 127 cm Acrílico sobre lienzo, 2019

Fernan D'Osorio Abstracciones primitivas

Fernan D'Osorio nació en Trujillo, Perú en 1949. Pinta y dibuja desde su niñez. Ha realizado una docena de exposiciones individuales y numerosas muestras colectivas; entre las que destacan las presentadas en la Organización de Estados Americanos (OEA) y la Embajada del Perú, ambas en Washington, y en las galerías Ivonne Briceño y 715, en Lima. Empezó a mostrar públicamente su trabajo plástico en Lima en 1981. En 1988 emigró a Estados Unidos, país donde reside, realiza y expone su obra. D'Osorio ha escrito y publicado artículos periodísticos sobre arte y cultura en Lima, Trujillo y Washington D.C. en los años 80 y 90. Inicialmente se formó como ingeniero y fue profesor universitario durante varios años, mas siempre se mantuvo activo en el quehacer artístico. 82

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Danza astral 127 × 244 cm Acrílico sobre lienzo, 2019

En su trayectoria artística Fernan D'Osorio ha transitado varias fases; desde la figuración y el arte pop, hasta la abstracción geométrica y el expresionismo abstracto, siempre dentro de la intensa búsqueda de la experiencia estética, aquella capaz de reunir al espectador y al artista. Su obra está inmersa dentro de la moderna tradición del arte abstracto, que se nutrió de las fuentes del arte primitivo. En su obra se puede observar la influencia tanto de los grandes maestros del modernismo del siglo XX como de los anónimos artistas primitivos de todas las latitudes.

Para D'Osorio el arte es una forma de comunicación entre seres humanos, una forma de comunicación directa, no verbal, existencial, contemplativa. Entiende el arte como una actividad humana de carácter espiritual con enormes repercusiones a nivel social. El artista expresa su sensibilidad pictórica valiéndose de los elementos centrales de las artes visuales: composición, color, formas arquetípicas y textura, y organiza estos elementos de maneras armoniosa, contrastante, poética, sugestiva y misteriosa. Actualmente se encuentra dedicado a la producción de pinturas en gran formato.

Varayocs en rojo 163 × 127 cm Acrílico sobre lienzo, 2019

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Osario 60 × 60 cm Óleo sobre tela, 2019

Francisco Vílchez Bitácora estelar

Francisco Vílchez estudió pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú, también es licenciado en Pintura de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha obtenido diversos premios entre los que destacan el Concurso Johnnie Walker Pasión al Rojo Vivo (II Premio), Concurso de Pintura Joven por los 500 años del descubrimiento de América: El 92 y la Identidad Americana (III Premio), IX Concurso Nacional de Pintura Manuel Checa Solari (I Mención) y el V Concurso Nacional de Pintura ICPNA - Southern Perú (III Premio). Dentro de sus actividades profesionales ha sido ilustrador del diario El Comercio, profesor de Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú y creador de The Edge Artes Visuales en San Juan de Puerto Rico. Actualmente vive y trabaja en San Juan de Puerto Rico y Lima. 84

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Marina 150 × 120 cm Óleo, 2017

Venus 45 × 50 cm Óleo, 2018

Un meteoro es un fenómeno celestial, material interestelar en incandescencia en caída libre, cautivando con su destello luminoso. De igual manera, acercarse a la obra del artista plástico Francisco Vílchez es fenómeno en accionar energético de matices y gradaciones cromáticas incisivas sobre el espectador. Su obra pictórica, simbólicamente autorreferencial, adentra y encamina al observador en la naturaleza humana y cuestiona lo esencial en el arte. Sus piezas ofrecen una visión articulada, escudriñando la experiencia humana y manifestaciones ocultas. Muestra lúdicamente lo más profundo de la psique. Arropa al espectador con visiones y paisajes de una naturaleza redescubierta, cual búsqueda del color y sus posibilidades. Como meteorito invade, cautiva y atraviesa inesperadamente la atmósfera de los conceptos habituales de la observación y experiencia artística.

Arremete con fuerza lúdica mediante la maximización del color y su producción, develando el placer cual condición humana y aquello que permanece inconsciente y latente en la naturaleza. Cual onda expansiva, su trazo revela la sintomatología del dibujo, latente en su obra, creando una arquitectura cromática habitada lúdicamente por personajes amorfos de movimientos ajenos a su temporalidad reinterpretada. Cual impulso cósmico y etéreo crea un universo propio, transgresor y paralelo a la carga simbólica de la búsqueda narrativa del espacio íntimo y espectador. No son frecuentes los meteoritos que dejan evidencia de su presencia celestial y sus colores. Así, Vílchez se posiciona en dominio del espacio y color, en caída libre, sin desintegrarse al adentrarse en la atmósfera del espectador y permanecer. María Ostolaza / Crítica de Arte

Los abrazos 91,5 × 76 cm Óleo sobre lienzo, 2019

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De la serie: Gotas 120 × 120 cm Fotografía digital, 2008

Gabriela Hennig Desprendimiento

Gabriela Hennig, a través de la fotografía y de la manipulación de distintos materiales orgánicos, ha logrado consolidarse como una artista de lo sensible, creando una analogía visual que busca reconciliarnos con la naturaleza. Por eso, en su obra se interesa por enaltecer el valor de nuestro entorno natural, porque nos alberga y afecta a todos y porque es ahí donde resuenan nuestras preocupaciones e inquietudes. Así, en el 2006, con su muestra Semillas nos cuenta del ciclo de la vida, porque, cuando una semilla muere, nace una nueva vida. En el 2009, se inspira en la libélula como metáfora de su propia transformación hacia la libertad y desde el 2010 utiliza la imagen digital para presentar la complejidad humana a través de las texturas que va retratando. 86

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De la serie: Semillas 40 × 60 cm Fotografía digital, 2006

Desprendimiento I 30 × 36,5 cm Joya, piel de serpiente, cadena de plata y nácar, 2020

Hoy, nuestro mundo lleno de retos sin precedentes nos aturde y nos provoca un rechazo emocional fuerte. Frente a cambios vertiginosos, deseamos atenuar el paso; cuando hay demasiada rareza, anhelamos lo familiar, y cuando las cosas se vuelven demasiado confusas, ansiamos lo sencillo. Y ahí, incómodos en nuestra propia piel, necesitamos apelar al arte del desprendimiento y la simplicidad. En ese desprendimiento, es posible encontrarnos en un amoroso caminar no posesivo ya que, a veces, “es necesario desprendernos, para que algo nuevo pueda aparecer”. Es aquí en donde se sitúa Gabriela. Ahora, en mayor conexión consigo misma, utiliza nuevos elementos que le permiten expresar el proceso de su mutación hacia una vida más simple, más ligera. Parecidos a la tortuga, muchas veces nos

escondemos debajo de un escudo impenetrable que nos protege de nuestros miedos. Pero, al permanecer bajo esa sombra, corremos el riesgo de secarnos por dentro y de marchitar nuestro corazón. Por eso, como la serpiente, debemos desprendernos de nuestra antigua piel, soltar lo incontrolable y aquello que no necesitamos para crecer en la vida. El arte de Gabriela hace de espejo para que podamos vernos a nosotros mismos y reconciliarnos con la naturaleza. Su trabajo rescata los desechos que el mismo entorno deja ir en armonía y los transforma en algo nuevo con lo que podemos identificarnos. Solo la naturaleza tiene el poder de generar en nuestra alma emociones que un mundo cada vez más desafiante nos hace incapaces de sentir. Gabriela Díaz

Manto de yuyos 1,13 × 4,47 m Vista de instalación. Exposición Algas

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Las muñecas de Greer Larkton 60,90 × 60,90 cm Técnica mixta en lienzo, 2019

Guido Garaycochea La deconstrucción del género

Egresó con honores de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes del Perú en 1987. Radicó en Chile en el año 1993 donde obtuvo una licenciatura en Estética de la Pontificia Universidad Católica de Chile (PUC) y una maestría en Historia y Teoría del Arte de la Universidad de Chile al tiempo que enseñó en la PUC y la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación. Ha realizado exposiciones en Alemania, España, Austria, Perú, Chile y Estados Unidos. En el 2003 se trasladó a Estados Unidos donde realizó diferentes residencias en The Griffis Art Center, I-Park, More Art y Engaging Artist. Además, enseñó en diferentes universidades, tanto en Chile como Estados Unidos, y completó una segunda maestría, esta vez Nueva York en el School of Visual Arts. Actualmente, forma parte de la residencia Shift en la Elizabeth Foundation en Nueva York y trabaja en el Museo de Queens. 88

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Saliendo fuera del espejo 60,96 × 60,96 cm Técnica mixta en lienzo, 2019

Visitando el museo de los reclamos 60,96 × 60,96 cm Técnica mixta en lienzo, 2019

Mi trabajo cuestiona conceptos relacionados con las tensiones existentes entre la representación de la sexualidad, la desnudez y el género, así como también los aspectos de la no conformidad con la imposición cultural de la masculinidad exacerbada por el capitalismo productivista y la dinámica del poder. Me interesa exponer la artificialidad de la construcción binaria de género normalizada que es asignada al nacer, teniendo como base la apariencia de la genitalia externa de los cuerpos la cual asignará el tipo de sexualidad permitida al individuo y que solo normaliza aquella como reproductiva. La serie de trabajos que vengo realizando desde hace algunos años en mi taller en Nueva York tiene como elemento principal el uso del collage, que tiene como fin la desconstrucción de las categorizaciones preconcebidas y tradicionales de género, invitando

al espectador a considerar nuevas formas de vivir la sexualidad visitando lugares íntimos y revisitando espacios de introspección. Para ello, me apropio de imágenes sacadas de revistas que encuentro en la calle o simplemente imágenes que llegan a mí y que colecciono, corto, pego y vuelvo a pintar sobre estas mismas imágenes para crear escenas un tanto teatrales que al fin generan una narrativa nueva. Hoy, mis personajes son seres que muestran sus identidades sexuales al observador desde la protección que les da estar al interior del cuadro, un espacio pequeño y autónomo que se asemeja a un teatro de títeres, desafiando y, a la vez, constantemente en busca de aceptación. Todos ellos tienen algo que decir, aunque algunas veces solo murmuran secretos.

Sarah y Page 60,96 × 60,96 cm Técnica mixta en lienzo, 2019

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El último refugio 100 × 100 cm Óleo sobre lienzo

Héctor Acevedo Memoria fragmentada

Nace en Lima, en 1963. En 1986 ingresa a la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, para estudiar dibujo y pintura, al tiempo que sigue estudios de Ingeniería Civil en la Universidad Nacional de Ingeniería. En medio de una compleja decisión, Acevedo opta por el ejercicio de las artes plásticas, donde encuentra su verdadera vocación y satisfacción personal. Ha recibido varios premios, como el Primer Premio en el IX Concurso Nacional de Pintura Coca Cola (Sala Banco Wiese Sudameris Perú); el Tercer. Premio en el VIII Concurso Nacional de Pintura Coca Cola (Sala de Cultura del Banco Wiese Sudameris Perú) y la mención honrosa en el VI Concurso Nacional de Artistas Jóvenes 91, organizado por Southern Perú y el ICPNA de Arequipa Perú. Ha expuesto en Perú, Bélgica, España, Finlandia, USA, Alemania y Ecuador. 90

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Balance perfecto 80 × 70 cm Óleo sobre lienzo

Cóctel II 100 × 100 cm Óleo sobre lienzo

En la obra de Héctor Acevedo figuras humanas, casas, caballos y canes cohabitan con igual jerarquía en el mismo espacio, convirtiéndose en su sello particular. Estos elementos constituyentes de su obra actúan como unidades en sí mismas, ligadas por la subjetividad del artista enlazada a la del observador, creando asociaciones que activan nuestra memoria, nuestras emociones y sensaciones. No se trata únicamente de lo que el artista desea narrar, sino de cómo lo representa. En su última muestra individual Espacios Fragmentados, presentada en septiembre del año 2018, y que tuve la oportunidad de curar, pude observar que la obra de Acevedo ha evolucionado a una visión más analítica de los distintos planos y líneas que se inter-

secan, permitiéndole realizar indagaciones plásticas en torno a la luz y al espacio del cuadro. La fragmentación de los espacios en sus obras propone una noción expandida de estos como texto pictórico. En la composición de su obra, los espacios se presentan fragmentados y alcanzan su momento fecundo en la dirección geométrica de la luz. El artista, en esta nueva etapa pictórica, propone un recorrido narrativo de la obra al direccionar la mirada del espectador, la luz se convierte en el camino que luego encuadra casas representadas sintéticamente y figuras humanas con bocas suprimidas y miradas que encaran, de manera seductora, de frente y de soslayo, encima de interminables cuellos femeninos modelados por líneas que forman curvas. Yéssica Hernández T.

Mujeres con paraguas 70 × 80 cm Mixta

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Sin título 18 × 8 cm Cerámica, 2020

Ivet Salazar

La frágil estructura del ser

Ivet Salazar Dias (1989) egresó de la Facultad de Arte y Diseño de la Pontificia Universidad Católica del Perú y complementó sus estudios en la École des Beaux Arts du Mans en Francia; asimismo, llevó cursos de ilustración, educación, cerámica y tejido en diversos centros. Ha participado en distintas exposiciones colectivas dentro y fuera del Perú, siendo las más recientes Hilos de la [a]tradición, Museo Julio C. Tello, Paracas; Salón de Arte Joven Nikkei, Instituto Cervantes, Tokio; Hilos de la [a]tradición, Museo de San Marcos, Lima Perú; y Tramando Sentidos, Galería Forum, Lima. Además, cuenta con dos exhibiciones individuales en su trayectoria: CONSTRUYENDO: Lima en proceso, Espacio 19 40, Lima; Textiles cerámicos: por la fragilidad de nuestra memoria, Museo Qorikancha, Cusco. En la actualidad, su trabajo artístico se desarrolla en los campos de la cerámica y el textil, abarcando principalmente temas de identidad y cultura. Vive y trabaja en Lima. 92

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Sin título 20 × 15 × 10 cm Cerámica, 2018

Sin título 18 × 15 cm Cerámica, 2018

Siempre lo vivimos pero pocas veces entramos en conciencia de lo frágil que resulta un mundo poco flexible. De la misma manera, si no aprendemos a convivir con artes que hemos relegado a categorías de artesanía y, si las mantenemos en una esfera, un campo y un tiempo establecido y no permitimos que sean flexibles para adaptarse a nuestros tiempos y espacios, estamos condenándolas a vivir frágilmente, con riesgo a quebrarse y morir en cualquier momento. Desde hace unos años vengo experimentando y desarrollando tejidos hechos de cerámica que tienen como resultado una suerte de fósiles de textiles he-

chos a partir de apropiaciones de técnicas de tejido prehispánicas; nuevas piezas textiles que al perder la flexibilidad de las fibras luego del fuego del horno se convierten en rígidas y frágiles esculturas. Estas obras me permiten hablar de la identidad cultural y el olvido de saberes ancestrales de nuestro territorio, las cuales hemos aprendido con los años a encasillar en las esferas de artesanía, arqueología, historia; en las esferas de lo ajeno a nuestro cotidiano. Estas estructuras que se autosostienen, se esconden, se quiebran, se arriesgan y que penden de un hilo son estructuras que nos representan. Gabriela Díaz Palma

Tejida 16 × 12 × 3 cm Cerámica, 2020

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Innombrable 9 Fotos - Innombrable #1 a #9 y Fotolibro (tiraje de 20). Fotografía digital full frame, color. Impresión digital sobre papel Photo Rag® Ultra Smooth Matt FineArt. Ancho 45 cm × Altura 30 cm (cada foto), 2016

Javier Florez Bossio Cuestionamiento de la imagen

Javier Florez Bossio (Lima, 1979) es fotógrafo y director de Galería Espacional, participante de Lima Photo 2019. Cursó el Máster Latinoamericano de Fotografía Contemporánea (Maldefoco) 2018 y el Diplomado en Fotografía y Gestión de Proyectos Fotográficos La Fototeca 2016 en Guatemala. Apareció en Prisma Volumen II y Festival Prisma 2018 MAG (Museo Arte Guatemala). Fue seleccionado al Taller Edición Fotográfica Ernesto Bazán, PHotoEspaña 2011. Documentó el Alto y Bajo Urubamba, en la individual Indómita. Fue invitado por el Patronato de las Artes del Perú en Toronto y expuso en The Rotunda Toronto City Hall. Ha participado en exposiciones desde 2010 en Lima, Pucallpa, Guatemala, Santander, Madrid, Toronto, Pomona y Costa Rica. Su obra se ha exhibido en GuatePhoto, Fundación Comillas, Casa de América, Instituto Interamericano de Derechos Humanos, Fundación Ronald McDonald y La Erre. Expuso en BIA 2019, Barranco Open Studios 2018 y 2019, y Art Lima Gallery Weekend 2018 y 2019. Participó en Colectivo Blend. Publica en Arte Al Limite, The Guardian, Vice News, Toronto Latino News, Architizer, Archdaily, Upside Down World, Laurentino Digital. Se graduó en Comunicación (estudios en Cine) por la Universidad de Lima. En el Centro de la Fotografía, (Centro de la Imagen), ha llevado talleres de fotografía blanco/negro con Roberto Huarcaya, Luz María Bedoya y Billy Hare. Es cofundador de Galería Espacional. 94

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Clandestino Cada foto en papel fibra mate, digital color. 40 cm × 60 cm, 2018 Blur Bolo Foto secuencia, grid Copia 3/6

En busca del lugar perdido Fotografía de collage análogo Reproducción digital full frame, color Post y retoque digital Reproducción 3/12

Desarrollo a través de lo fotográfico el vínculo con el espacio, lo que afecta, surge o trasciende del lugar como territorio e identidad. Construyo imágenes del territorio propio e individual. Uso la fotografía como herramienta de captura y búsqueda de autenticidad visual. La fotografía vive de la experiencia, revela un mundo particular en la indagación del lugar. Llevamos el barrio, territorio de recuerdos y memorias. Nos mantenemos como continuo campamento, en movimiento. Oscilamos de la inmediatez, del presente, de cuestionamiento. Mi obra avanza constante en la línea de enfoque del espacio e individuo,

Ventana Mar Fotomontaje Copia 3/6

de cómo el lugar, lo personal, trasciende en la condición y afectos, percepciones reflejadas en estados de ánimo. De lo actual, de constancia, de pesquisa. En la creación fotográfica, la imagen estampa, pone al descubierto una vulnerabilidad que cuestiona. Generan sensaciones distintas por quien observa lo que se ha presentado. Las imágenes permiten visualizar y recordar lo sentido. Propongo obras del ensayo personal al ensayo documental, perseverando dirección hacia el estudio del espacio y el vínculo con lo propio, apoyándome del cine, el collage y el montaje.

Sueño Perú Foto instalación Reproducción fotográfica, digital color, 26 cm × 35 cm, 2019

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Hyperfocus cero 140 × 170 cm Óleo sobre lienzo, 2019

Jean Paul Zelada

Nadie habita en el vacío

Ha recibido el segundo puesto en el Encuentro Nacional de Artes Visuales 2017 de Trujillo. Además, obtuvo el segundo premio del IV Concurso Nacional de Pintura BCR 2012, el Premio Unión Latina a la Creación Joven Artes Plásticas en Perú en 2007 y el segundo premio en el XXV Concurso Nacional de Pintura Michell (Arequipa) en 2005. En 2002 y 2001, obtuvo el segundo premio en el X y IX Salón Nacional de Pintura Coca Cola de Trujillo respectivamente. En 1997, ganó el tercer premio en el III Concurso Nacional de Pintura Johnnie Walker de Lima. Además, recibió el primer premio en el Concurso Nacional Nuevos Artistas del Banco de Crédito de Lima en 1994. En 2011, recibió el primer premio en el Festival Video Babel en Cusco. Ha realizado doce exposiciones individuales en Lima, Arequipa, Trujillo y Bruselas. Desde 1994 expone colectivamente en Perú, Ecuador, México, Colombia, Bolivia, España, Bélgica, Marruecos, Argelia, USA, Canadá, Alemania y China. Su obra forma parte de la colección permanente del Museo Nacional de San Marcos. Vive y trabaja en Lima. 96

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Geometría 140 × 340 cm. Óleo sobre lienzo, díptico 2017

El paisaje es el espacio delimitado por la mirada del hombre, aquel trozo o recorte de realidad visual que conforma un horizonte efímero o duradero. Su condición no se hace evidente hasta que el hombre lo percibe como tal. Es el resultado de un proceso mental profundamente arraigado en nosotros. El paisaje urbano, como subcategoría, comprende la posibilidad imaginativa (generadora) de espacios y allí radica su potencia. Su construcción es una forma de resistencia que registra las ausencias como elementos palpables. Sus formidables dimensiones coexisten con la proporción humana y experimentan modificaciones incesantes a través de la historia, en paralelo con el desarrollo de la ciudad. El término “paisaje” además expresa una noción de perspectiva, el territorio que nuestra vista abarca. Al intervenir

el hombre en su edificación, desarrolla la verticalidad como una forma de dejar una marca en este, una señal de su presencia, una estrategia. Dos paisajes urbanos diferentes pueden generar al unirse una nueva perspectiva, una insólita confluencia de figuras geométricas que produce, como consecuencia final, un panorama imposible, una opción alterna para visualizar otro espacio (o dimensión equívoca en tanto que geográfica) en el que las conexiones están en un nivel por debajo del evidente. Así también, un espacio inhabitado en la ciudad es una curiosidad, un paréntesis en medio de una sucesión de estructuras, el silencio necesario para seguir un ritmo marcado por la estridencia de la metrópoli.

Technicolor 135 × 170 cm Óleo sobre lienzo, 2013

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Montaña cinética 2,40 m de diámetro Giclée digital en lienzo sobre madera, con incrustaciones en láminas de acrílico.

Jenny Murray

La geometría sensible

Es artista visual, diseñadora y comunicadora social, egresada de la Universidad de Lima (1991). Residió en Caracas por 25 años, donde trabajó para prestigiosas empresas de diseño. Es en Fabriart, firma del renombrado artista cinético Carlos Cruz Diez, que este la inspira a iniciar su camino artístico y tiene como maestros a los reconocidos artistas: Enrique Etievan, José Campos Biscardi, Leonel Durán, entre otros. Define a todo artista como un comunicador y su mensaje se ve reflejado en la luz, el color, la abstracción y el cinetismo. Fue ganadora del Premio Hatillarte (Caracas, 2012) y creadora de la imagen gráfica y trofeos en Expodeco 2015 y 2017. Colabora y expone como diseñadora y artista desde 2014 hasta 2019 en Casacor, Lima Design Week, Barranco Open Studio, Jueves de Diseño Artesanal Promperú y Milano Design Week, organizada por el Consulado General del Perú en Milán. Apasionada por la arquitectura y la fotografía, interviene espacios públicos utilizando colores que vibran entre ellos, con formas que crean volúmenes virtuales, haciendo de la cotidianidad una experiencia lúdica accesible a todos en busca de humanizar y transformar la ciudad tomando al arte como generador de cambios. 98

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Ojo multicolor 200 × 46 cm Giclée digital sobre madera y marco aluminio.

La vorágine del mundo actual ha creado un nuevo hombre desprendido de valores humanos fundamentales. Es en la variada y acertada obra de esta "comunicadora humanista" en la que percibimos esa constante de impactarnos con válidas propuestas cinéticas, en diferentes formatos y materiales; que estimulan y enriquecen la sensibilidad del espectador en su cotidianidad, como elemento de elevación de la calidad de vida a través de las expresiones del espíritu creador del hombre en el arte. De allí parte su interés por el arte público o arte en la calle con propuestas como Pasos cinéticos, que

es la intervención a nivel de las vías públicas urbanas en los pasos peatonales para humanizarlos, y despertar los sentidos por medio de las respuestas psicológicas que el color nos produce al ser estimulados a través de la retina. En ese campo, su interesante obra cinética, en la que demuestra conocimiento de diseño, manejo del color, sensibilidad hacia la naturaleza y un inconmensurable amor por el ser humano, la hace acreedora de reconocimiento y apoyo, porque la hemos visto crecer como excelsa creadora.

Frontis pared Propuesta diseño mural con intervención intercalada de luminaria, para Tienda Kyrios, Lima.

Pasos peatonales Intervención cinética en el Parque Municipal de Barranco, Av. Pedro de Osma, Barranco, Lima.

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Sin título 100 × 100 cm Acrílico sobre lienzo

Johnny Robles Transformación de la memoria

Johnny Robles (Chimbote 1970) estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Macedonio de la Torre de Trujillo en 1998. Cursó el diplomado de Cultura Visual Contemporánea (Centro de la Imagen 2016-2017) y el diplomado de Introducción a los Estudios Culturales (Universidad Ruiz de Montoya), y estudió estrategias Museográficas e Historia del Arte Contemporáneo en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima. Dentro de sus exposiciones más importantes están La Invasión Británica II (Centro Cultural Británico, Lima 2019), Microrrelatos (Galería Yvonne Sanguinetti, Lima 2019), Herman Braun-Vega: Vida y Expresión de un Artista del Mestizaje (Centro Cultural Universidad Católica del Perú, 2019) Procesos Aleatorios (Galería Casa de la Emancipación, Trujillo, 2018), Corpus Vulnere (Hotel Sheraton, 2017) y La Invasión Británica I (Centro Cultural Británico, Lima 2017). Participó en la Bienal de Pintura Latinoamericana en Praga (Palacio Nostic de Praga. República Checa, 2011). Sus investigaciones las inicia en 1998 experimentando desde la pintura un lenguaje que aborda la apropiación de imágenes, los recuerdos personales y el erotismo, reinterpretando el contenido aparente y primario de estas. 100

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Sin título 130 × 70 cm Acrílico sobre lienzo

La obra de Johnny Robles se desarrolla en tres líneas que se manifiestan, aparentemente, de diferentes maneras. Es decir, dos de ellas de manera más cercana y reconocible y una tercera, nueva, de manera más agresiva. Pero todas están engarzadas por un tema: la memoria. Es así que su primera vertiente de trabajo, la más entroncada con la historia del arte, cita obras reconocidas y muestra fragmentos mezclados con otros de fotografías antiguas y elementos que refieren a personajes o sensaciones que sugieren objetos como patrones de tela. La segunda tiene que ver con la adopción de fotografías extraídas de internet que el artista personaliza y hace suyas a través del dibujo. Es decir, a partir de estas fotos anónimas, el artista va creando

un cuerpo de obras que construyen una identidad nostálgica, recordada, idealizada. Este fue el primer paso de reconocimiento del artista con su propia identidad y la colectiva, pero en un momento posterior da cuenta que no solo es importante el lazo afectivo con la obra y la recuperación de esa memoria, también contempla e impone una distancia que crea una fricción con la imagen afectiva cuando Robles superpone figuras geométricas, un lenguaje moderno que se origina a comienzos del siglo XX. La tercera serie de trabajos tiene que ver con la destrucción/construcción del entorno urbano. Así, estas obras se imponen como imagen, tan violentamente como se están produciendo cambios en la conformación y la percepción de la ciudad. Jaime Higa

Sin título 120 × 100 cm Mixta sobre lienzo

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Shicra neoancestral 120 × 170 × 170 cm Escultura tejida a croché de Punto Peruano, 2018

Juan Pacheco

Volúmenes neoancestrales

Es escultor neoancestral e Investigador especializado en el análisis del proceso de la construcción de significados en la escultura, mediante el uso de herramientas metodológicas de la semiótica. En 1992 creó la técnica de tejido a croché con alambre, técnica a la que denominó “punto peruano”, desde entonces su obra se teje en alambres de cobre, plata, oro, fibras naturales y sintéticas. En 1998, ganó el primer premio de la Primera Bienal Nacional de Lima con la obra Damero reflexivo. En el año 2006, retoma la teoría del eterno retorno; reglas, principios y conocimientos con los que desarrolló y creó el movimiento neoancestral el año 2009, motivado por el objetivo de transformar a formato de uso actual hallazgos identificados entre el IV milenio a.C. y finales del siglo XVI d.C. El año 2015 publicó el Manual del método neoancestralista y el año 2019 presentó la ponencia “Pedagogía neoancestral”. Su obra está presente en colecciones privadas de Argentina, Brasil, Colombia, España, Estados Unidos, México, Perú y Singapur. 102

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Mano Tejido a croché en Punto peruano, 2005

Juan Pacheco es un gran experimentalista de la escultura y, además, es alguien que ha producido piezas importantes en la historia de la escultura reciente en el Perú. Desde que lo conocí en 1986, Juan Pacheco ha sido un incansable investigador, y la investigación va por el lado de los materiales. Ha hecho piezas en madera, en piedra de distinto tipo, e incluso con minerales poco conocidos, y luego con tejidos, incluyendo tejidos con hilo de plata. Él explora campos más vastos, para él todos los materiales que se le presentaban, incluyendo aquellos que pudieran ser considerados como impropios para la escultura resultan siendo perfectamente lícitos.

Esa época es muy fructífera en su trabajo; las piezas en hilo de plata son sorprendentes por la minuciosidad, pero también la delicadeza. Son de la producción más potente y enigmática del artista, y también son el antecedente más antiguo de toda una vertiente de trabajo que se da en la actualidad con tejidos en el arte peruano. En ese sentido, es alguien que abrió trocha. Aguilar, Winston (2019) Transcripción de videograbación (0.20 – 1:53) Entrevista del 01 marzo 2019 a Jorge Villacorta

Gorro neoancestral led 50 × 30 × 107 cm Tejido a croché en Punto Peruano, 2019

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28 de Julio con La Paz 160 × 180 cm Óleo sobre tela, 2012

Juan Pastorelli Apuntes del entorno

Juan Pastorelli nació en Lima en 1943. Realizó sus estudios en la Facultad de Arquitectura de la UNI (19621968), donde a su vez inició su experiencia docente en el campo de la Gráfica Arquitectónica (1966-1969). Luego se desempeñó como profesor de perspectiva y figura humana en la Facultad de Artes Plásticas de la PUCP (1971-1983), lo cual, en definitiva, marcó su rumbo hacia la Pintura. También ha sido profesor invitado en el taller Cristina Gálvez y en el Instituto Corriente Alterna (1994-1997). Fue jurado del Bachillerato Internacional para el Perú (2001) y es autor del Gran Mural del Conocimiento en la Universidad de Lima (2003). Ha participado en tres bienales de pintura en La Habana, Cuba (1982). Cuenca, Ecuador (1986), y Trujillo, Perú (1987); así como en la Bienal de Grabado en San Juan, Puerto Rico (1995 y 1997), en la Trienal del Mini Print en Tokio, Japón (1995). Desde 1979 hasta 2019, Pastorelli cuenta con veinte exposiciones individuales, cinco de las cuales ha realizado fuera del país. 104

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La Herradura 80 × 136 cm Acuarelas sobre cartulina Arches, 2019

El artista se expresa en los más diversos lenguajes y parte de diferentes motivaciones, y son las más significativas aquellas que surgen de una directa interrelación con su entorno urbano y marino. Pastorelli empieza su labor confrontando la realidad para captarla en apunte, dejando que su imaginación corra delante de su ojo y de su mano. Todo trazo vale para un primer ordenamiento de la experiencia —desde ese momento el pintor revela al arquitecto que lleva dentro— sobre todo si la decisión de configurar una imagen de lo real es entendida como el acto de responder límpida y lúcidamente a los más variados estímulos suscitados inagotablemente por

el mundo costeño. Se plantea entonces, una estructura visual que se carga de emoción en el campo de la memoria, para determinar luego, por síntesis y relaboración continua, un instante concreto que habría que llamar vida, inequívocamente. El sentido de acción del artista está en recrear para sí formas también visibles para los demás que encarnen la resistencia del espíritu ante el olvido. Es su negativa a dejar que la marea del tiempo se lo lleve todo… Jorge Villacorta Chávez

Végueta 160 × 180 cm Óleo sobre tela, 1994

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Trópico genealógico 120 × 120 cm Óleo sobre lino, 2019

Juan Carlos Zeballos La fuerza del trazo

Juan Carlos Zeballos Moscairo es licenciado en artes en UNSA, Perú, en el año 2000 y en arte contemporáneo en UFPE, Brasil, en el 2001. Con más de 30 exposiciones individuales en América y Europa desde el 2000, ha expuesto colectivamente entre América, Europa y Asia a partir de 1999. Se le otorgó la medalla de la cultura de Arequipa, Perú (2001). Medalla de oro en el Concurso Internacional de Pintura de la ciudad de Taubate, Sao Paulo, Brasil (2006). Medalla de plata en pintura del Salón Nacional de Bellas Artes del Carrousel de Louvre, Francia (2017) y medalla de oro en pintura de la ciudad de Charenton, del 71 Salón de Arte de Charenton, Francia (2019). En 2016 fue el primer artista latinoamericano que recibió el premio del 151 Salón de Versalles Francia. Participó en las bienales de acuarela de Viña del Mar, México y Moscú (del 2006 al 2017); la Trienal de Acuarela en Santa Marta, Colombia (2012); la Bienal Internacional de Acuarela de Shenzhen (2013); y en las Bienales Internacionales de Acuarela de Narbonne, Arcachon, Brioude (2014 al 2019), Ha-Noi (2017 y 2019), Malasia (2018), Tirana, New Delhi, Caudete y La Paz (2019); en la Trienal de Varna (Bulgaria 2019) y en 2020 en la bienal de Belgrado (Serbia) y la bienal de Bretaña (Francia). Ha expuesto en los salones de arte de París: Realités Nouvelles (2015 a 2019), Salón de Otoño (2017 a 2019), Salón Nacional de Beaux Arts del Carrousel del Louvre (2016, 2017 y 2018), el Salón de Charenton (2018 y 2019), el Salón YIA (2019 y 2020) y Art Capital del Grand Palais (2018, 2019 y 2020). 106

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Universo voraz y patológico 150 × 170 cm Óleo sobre lino, 2019

No salimos ilesos del trabajo de Juan Carlos Zeballos, atraído, arrastrado por este aliento irresistible, por este ímpetu de vitalidad. Terrible tormenta que es la pintura de este artista peruano. Esta se construye con la expresividad del color y la omnipresencia de la línea. Esto viene de fenómenos y combinaciones que conducen a la complejidad. El espectador se deja llevar en el ritmo de un movimiento violento y caótico. La exaltación de los

Estigmatización 84 × 62 cm Óleo sobre lino, 2019

colores, la realidad de la materia dejada cruda en el lienzo que da cuerpo a un gesto visible, una energía. La saturación del espacio refuerza esta fuerza, esta tensión interior. Podríamos citar al filósofo Deleuze hablando de Francis Bacon: “pintar no es representar formas sino capturar/captar fuerzas”. Y, sin embargo, el artista nunca renunció en la narrativa, en la observación de la vida y su tumulto. Frédéric Mette

Fotografía: Xavier Castillo

Prisionero de la oscuridad y el recuerdo 175 × 150 cm Óleo sobre lino, 2019

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Portal interior 160 × 160 cm Técnica mixta sobre terciopelo, 2015

Kylla Piqueras Portal infinito

Kylla Piqueras, reside en Lima, trabaja diversas disciplinas visuales como parte de su incansable búsqueda espiritual y su vínculo con las prácticas mágico-religiosas de las culturas precolombinas. A pesar de haber realizado estudios de Diseño en Toulouse Lautrec, artes plásticas en Corriente Alterna y Humanidades en la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) por opción es autodidacta de formación. Su obra ha estado presente en exposiciones colectivas y personales en Lima, Cuzco, Sao Paulo, México, Rusia, China y España. En el 2014 ganó el primer puesto en el VI Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva del Perú. Su obra se encuentra en grandes colecciones, como: Colección Arte Al Límite en Chile, Colección Brescia, Gliksman y Banco Central de Reserva del Perú en la ciudad de Lima; Colección Belmondt en Madrid; Colección Martín Morales en Londres y Colección Guadarrama en México. 108

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Portal eterno 300 × 120 cm Técnica mixta sobre tela

Escribir sobre el quehacer de Kylla Piqueras es encontrarse con su esencia, es llegar a un clímax analítico y de escritura que me produce gran satisfacción. Kylla, con cada obra, nos abre puertas hacia un universo totalmente novedoso; es en este tránsito que logramos poner mente y cuerpo en otra dimensión, es comprender toda la filosofía cosmológica que rodea toda su creación. Piezas que facilitan el diálogo entre signos lingüísticos y visuales que apoyan su trayectoria personal y original en el contexto del arte. Ella, como buena investigadora de su pasado histórico-cultural más inmediato, nos acerca a sus intereses personales vinculados por las prácticas ancestrales del hombre andino-amazónico. Prácticas que vinculamos de un modo directo con su serie Portales, un conjunto de piezas que transmiten mensajes visuales que tienen a la naturaleza como protagonista y que, nos invita a adentrarnos en composiciones que reflexionan en torno a los valores antropológicos que existe entre antigüedad y contemporaneidad.

Sus Portales, además, contienen detalles de un ecosistema que el receptor debe leer en todo momento y quedar atrapado en composiciones cargadas de espiritualidad y de una visión sobre lo infinito y perpetuo que Kylla nos presenta. Asimismo, cada portal es parte de una realidad inmediata que la creadora comparte con nosotros y que representa nuestra subjetividad y memoria personal. Son territorios explorados por el subconsciente y que nos ubica, imaginariamente, frente a rituales mágico-religiosos. Los Portales funcionan como escenografías contemplativas y de introspección. Son nuevos modos de traer a este contexto actual otra visión sensorial que nos enajene por momentos de lo que sucede en nuestro entorno. Kylla Piqueras, guerrera performática, a través de su simbología explora la vitalidad de su cultura y de sus tradiciones. Queda, detenerse y transformar nuestra alma. Daniel G. Alfonso

Portal estelar 120 × 120 cm Técnica mixta sobre terciopelo

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Almazuela #1 60 × 60 cm Telas, bordado, 2019

Lin Belaúnde El discurso de la memoria

Es una artista visual peruana nacida en Rumania en 1976 y egresada de la Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna en 2002. En el año 2001 participó en una exposición bipersonal con Giancarlo Vitor llamada Revueltas. Como parte de este proyecto, comenzó un trabajo como reportera gráfica, en el que se mantuvo unos años, para luego retomar las artes visuales. Participó en exposiciones como la bipersonal Chamanas, con María Teresa Iturri, en el Centro Cultural el Olivar; Self, exposición en la que compartió la curaduría con FIDEL, y Crónicas Migrantes, exposición colectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima, entre otras. Trabajó como codirectora de Blend, colectivo autogestionado que busca curar y gestionar exposiciones de artistas emergentes en espacios convencionales y no convencionales, con la intención de acercar el arte al público y apoyar a los artistas a encontrar un espacio que sirva de plataforma para mostrar su trabajo. Por otro lado, el grupo apoya diversas causas benéficas, trabaja en el pabellón oncológico del Hospital Edgardo Rebagliati y ofrece talleres de arte cada mes. 110

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Paisajes migratorios 21 × 49,5 cm Collage digital Billetes

Mi trabajo indaga sobre cómo interpretamos y reinterpretamos los fragmentos que tejen nuestra memoria. Y cómo tanto en el ámbito privado o público, las interpretaciones propias o ajenas del recuerdo afectan su “veracidad”. Me interesa el trabajo colaborativo, ya que entiendo que coexisten tantas memorias, como realidades posibles. Es en el fragmento que compone el recuerdo donde se encuentra una cantidad infinita de mundos probables que varían según quién o qué lo evoque. Para ello utilizo materiales que tengan un significado personal, como el papel, el hilo y el cabello humano. Utilizo el hilo para dibujar bordando a modo de tinta,

pero en un proceso más lento y repetitivo. Utilizo el cabello por que cuenta historias, lleva por dentro el ADN del donante y, por otro lado, lleva la historia del entorno de este en las partículas que carga por fuera. Opto por lo íntimo del formato pequeño o mediano, con colores sutiles que capten al espectador por el trabajo meticuloso, a veces frágil, con símbolos por descubrir. Estoy explorando el foto-libro como extensión del cuadro exhibido, como pedazo de obra que puede quedarse de forma material con el espectador y que a su vez cargue la sensación del proceso.

Mujer objeto 88 × 60 cm Costal de cacao bordado, 2019

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El tiempo y la ausencia 27 × 21 cm Acrílico y collage sobre papel, 2018

Luis Agusti

Entre el gesto y la estructura

Luis Alfredo Agusti Pacheco-Benavides nació en Barcelona, España, en 1969. Tras cursar sus estudios escolares en el Colegio de la Inmaculada (Jesuitas), se graduó en la carrera de Administración de la Universidad del Pacífico en 1992. De 1994 a 2000 estudió Artes Plásticas en Corriente Alterna, de donde egresó con la medalla de oro por su serie Dante Vivo. Reflexiones a partir del Infierno. Por entonces ganó el primer premio en el XIII Concurso Estímulo al Arte Joven, que otorgaba la Galería 2V’s, de Lima. Magíster en Arte Peruano y Latinoamericano, por la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, grado que obtuvo con la máxima calificación al sustentar su tesis. Expone su obra plástica desde 1994. En 2010 presentó la individual Media Sala, en la Universidad del Pacífico, y en 2018 expuso sus Abstracciones, en el Museo de Minerales Andrés del Castillo. 112

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El vuelo del nictálope 40 × 50 cm Acrílico sobre lienzo, 2020

Mi opción plástica se materializa en la elección del lenguaje de la abstracción. Sin pretender articular un discurso narrativo, a manera de “ilustración”, indago en la estructura formal, es decir, en lo que cabría identificar con la arquitectura de los elementos a partir de los cuales propongo mi interpretación visual. Dichos elementos pueden provenir de fuentes diversas, entre las cuales pueden mencionarse el psicoanálisis como vía de autoconocimiento, la geometría considerada como orden esencial o, particularmente, la Divina comedia de Dante Alighieri. Prescindo del respaldo de un derrotero provisto por bocetos preparatorios: antes bien, salgo al encuentro de las imágenes, en un proceso en el cual los trazos iniciales marcan pautas que, en el transcurso

de la ejecución, encuentran su propia lógica y, acaso, los indicios que habrán de sugerir que el trabajo se encontraría concluido. Considero fundamental el análisis de luces y sombras, manifestado en el trabajo con diversos valores de grises, así como la investigación de la textura brindada por el papel o el lienzo. Anota el crítico Silvio de Ferrari en el texto referido a mi individual de 2018: “La recreación de su mundo interior se reencuentra en el diseño de proporciones, finos trazos, veladuras sombreadas, espacios en movimiento, perspectivas que narran su estado interior”. Y añade: “Los collages son resueltos en soportes de cartones recortados en formatos geométricos de colores, a veces acompañados de suaves pinceladas en acrílico”.

El devenir de los espejos 42 × 29,7 cm Collage sobre papel, 2016

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Perderte para encontrarte 70 × 80 cm Acrílico, óleo y pasteles sobre lienzo

Luciana Espinar Metáforas de lo no racional

Estudió Artes Plásticas con mención en Pintura en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú y complementó sus estudios en el Central Saint Martins (University of the Arts) de Londres. Dentro de su especialidad, investigó constantemente la forma de reproducir la interpretación de diferentes sensaciones, emociones e instantes. Además, como parte de su proceso, tiende a explorar otros materiales, como la cerámica y la piedra, a través de la escultura. Entre sus exhibiciones se encuentran diferentes colectivas, como Arte desde la Emergencia, en el ICPNA; El Arte como Medio de Expresión, en el Museo Amano; su individual Transformación Constante, en el Centro Cultural Boulevard de Asia; diversas exposiciones en el Centro Cultural de la PUCP; entre otras. 114

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Territorios en deriva 147 × 124 cm Acrílico, óleo y pasteles sobre lienzo Dos ciudades del 95 158 × 145 cm Acrílico, óleo y pasteles sobre lienzo

Influenciada por el impresionismo y el expresionismo, sus primeros trabajos tienen una inclinación hacia la geometría y las formas que van (de)construyendo la realidad a través de la abstracción. Más adelante —y hasta la fecha— se puede apreciar una tendencia más orgánica en su obra, inspirada en la naturaleza y en plasmar sus experiencias. “Las experiencias, emociones y permanente investigación son parte esencial en mi proceso como artista. La pintura me permite remontarme a otros espacios, plasmar las vivencias, pensamientos, lo observado y lo aprendido. De esta manera surge el arte, por la necesidad que tenemos los seres humanos de expresar lo que no es racional en uno mismo”. Su tendencia hacia la abstracción está fundada en la inquietud de querer generar interpretaciones de

realidades distintas a lo estrictamente natural, reproducir la conciencia misma. Acude, en muchos casos, a la metáfora para representar diversas sensaciones mediante un nuevo lenguaje lírico; propone una nueva realidad con base en un lenguaje sensorial propio. Su trabajo tiene trazos y múltiples capas de veladuras que hacen alusión a la memoria y al tiempo en constante movimiento; una representación de vivencias y momentos que tallan como resultado nuestro presente. Desde la reflexión, se puede ver cómo, tanto en la realidad como en la pintura, nos enfrentamos permanentemente al cambio. Para la artista, la representación de los paisajes es percibida por cada quien de manera distinta, volviéndose cada momento único dentro de la memoria. Nada es lo mismo dos veces.

Los caminos nos llevan a hoy 158 × 105 cm Acrílico, óleo y pasteles sobre lienzo

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Camino amarillo 34 × 42 cm Grabado en papel Canson 300 gr, 2016

Magali Seminario Espíritu creativo

Es diseñadora gráfica egresada del Instituto Montemar. Trabajó como profesora de color y taller de diseño en Montemar, participó en talleres de joyería y cerámica artística y en el taller de pintura de Luz Negib. Llevó los cursos de análisis y orientación artística con la escultora Rocío Rodrigo. Participó en exposiciones colectivas en Bruno Gallery, en el Centro Cultural Juan Parra del Riego y en la Municipalidad de San Isidro. También participó en exposiciones del Proyecto Flujo/Cubo en la galería Yvonne Sanguineti, en Galería Forum Kapala y en la Galería Índigo, y en el año 2019 participó en el Artbox Project Miami. Desde el 2016 hasta hoy está en el Taller Casa Arte, donde trabaja las técnicas de grabado y serigrafía, continuando así con su desarrollo artístico y creativo. 116

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Pretty baby (film still) 40 × 60 cm Acrílico sobre lienzo, 2012

Un impulso creativo difícil de frenar es el núcleo de la obra de Magali Seminario. Sus bases como artista gráfica dotan a su trabajo siempre de gran equilibrio en la composición. Sus temas ligeros y frescos se basan en juegos cromáticos, donde se entrelazan forma y espacio, acentuados por líneas y trazos que se incrustan en sus fondos, atropellando, mostrando

la fuerza y dinamismo de ese espíritu creativo que no se deja limitar ni por el estilo, ni por el material. Luego de un tiempo de trabajo plástico en acrílico y técnica mixta incursiona en el grabado y serigrafía que unido a su formación gráfica, resaltan cada vez más la fusión madura de ambas disciplinas.

Peces en el río 34 × 42 cm Grabado en papel Canson 300 gr, 2016

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Cráter 21 × 16 cm Cemento y yeso, 2020

Maria Gracia Ego-Aguirre

Territorios y mutaciones

Es egresada de la Facultad de Arte de la Universidad Católica del Perú en la especialidad de Escultura. Actualmente, trabaja como docente en la Facultad de Diseño de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC). Ha participado en la Bienal Internacional de Arte, en Beijing, China. Entre sus exhibiciones colectivas figuran Terra-Habitantes Vol I y Vol II, en San Isidro, Lima; la bipersonal Ficciones Naturales, en el año 2017, en el Centro Cultural el Olivar (Lima); Haciendo la audición, en 2016, en el Museo de Arte Contemporáneo (Lima); SERES I, en Galería Seres (Lima); y Universo Denso, en 2012 (Boulevard de Asia, Lima). En 2018 fue parte del Seminario para la Preservación del Patrimonio Cultural en América Latina (Beijing/Nanjing/Hangzhou, China), y en 2017 participó en la Residencia Despina (Río de Janeiro, Brasil). Entre sus workshops figuran “Des-aprender” y “Cerámica experimental”, de 2019, en la Facultad de Diseño de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas; y el workshop de cerámica “Remote Year”, de 2017, en Miraflores. 118

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Erupción 70 × 40 × 54 cm Mármol, 2016

Mi interés gira en torno al territorio tomado como un cuerpo que vive y siente como nosotros los seres humanos, el cual activamente se manifiesta y transforma a través de sus mutaciones, manifestaciones y sus diferentes accidentes geográficos; un cuerpo que guarda una relación intrínseca con el ser humano por ser el lugar que habita y contempla, como, por otro lado, con el que lucha y el cual pretende controlar. En mi trabajo artístico pretendo mostrar el territorio a manera de una serie de espacios/cuerpos que evidencian la potencia e inmensidad con la cual puede llegar a remecer y poner vulnerable al ser humano a través de una serie de manifestaciones que nos remiten y nos llevan a recordar que este subsuelo se hace presente muchas veces sin permiso alguno. Esta superficie, que está continuamente frente

y debajo de nosotros, en donde, a partir de la relación que guarda con el sujeto, se ponen en vida esta suerte de cuerpos rotos, abiertos, fragmentados, aislados, desolados, descontextualizados, que emergen y nos muestran esa potencialidad única que nos contiene. Es en el encuentro de esta serie de ficciones donde se encuentran estos nuevos cuerpos que no prescinden de un tamaño u orden específico, dándole una posibilidad infinita que muestra la continuidad de su superficie y textura. Intento, así, mostrar una evidencia escondida, la cual me cuestiona no solo sobre la inmensidad y perfección de la extensión territorial, la cual podemos apreciar en el día a día, sino sobre cuan frágil y mínima soy, una nueva mirada al espacio que nos rodea, que vive, siente y nos hace continuamente vulnerables.

Ficciones naturales 50 × 30 × 70 cm Mesa laboratorio cerámica/pigmentos y tinta sobre papel, 2017

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Sin título 1,80 × 1,60 m Técnica mixta sobre lienzo

Maricruz Arribas

La rebelión de las cosas

Desde su primera exposición como egresada de la Escuela de Artes Plásticas de la PUCP, Maricruz Arribas Berendsohn irrumpió en el escenario artístico nacional con pinturas abstractas de mediano y gran formato elaboradas con pigmentos naturales. Sus lienzos llamaron la atención de la crítica por su originalidad y por esa sensación de que los pigmentos usados como materia prima recobran su estructura original: los óxidos minerales retomaban su espacio geológico y el lignito retornaba a sus estratos carboníferos de origen. Sucesivos galardones y exposiciones dentro y fuera del Perú la ubicaron en un sitial de las artes plásticas peruanas. Sus lienzos tomaron cuerpo con la incorporación de objetos en desuso y artefactos reciclados. Fue un proceso que derivó en instalaciones y esculturas que sorprendieron con la exposición de grandes lanzas y báculos. Luego fueron sus enormes quipus y esas cápsulas del tiempo que hoy en día se pueden contemplar en hoteles, restaurantes, museos y colecciones privadas. Sus ensamblajes y esculturas decoran los ambientes del BID y del banco Mundial en Washington D.C. Y es que Arribas fue una visionaria del reciclado. Esas cosas muertas y desechadas por la civilización volvieron a cobrar vida como piezas artísticas en una época en donde aún no se acuñaba el término “reciclaje” como parte de la cultura de sobrevivencia de la civilización. 120

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Sin título 2,80 × 4 m Instalación de objetos cotidianos con madera y metal

Maricruz Arribas Berendsohn es una destacada pintora y escultora nacida en Piura, una región del norte del Perú que fue uno de los epicentros de la prodigiosa civilización moche, mil años más antigua que los incas cusqueños. Uno de los mayores enigmas de la cosmovisión moche es la etapa conocida como “la rebelión de las cosas”, graficada en murales polícromos y en su bella cerámica, donde muchos artefactos cobran vida y le declaran la guerra a los hombres. La obra reciente de Maricruz Arribas le declaró la paz a estos objetos que ahora cobran vida a través de su arte. Con casi un centenar de exposiciones dentro y fuera del Perú, Arribas ganó un lugar en el panteón de pintoras peruanas con su pintura abstracta elaborada con pigmentos naturales. Fueron lienzos de

formato mediano y grande, a los que luego fue añadiendo objetos cotidianos que, poco a poco, terminaron siendo los protagonistas de sus ahora célebres ensamblajes, esculturas e instalaciones. Arribas fue pionera en la recreación de objetos reciclados y ahora se reconoce como una cazadora recolectora de maderos de naufragios, periódicos de ayer, bloques de vidrios transformados en témpanos de luz, botellas desahuciadas, piezas industriales y cantos rodados. Todas esas cosas descartadas por la civilización son ahora su fuente de inspiración. Sus ensamblajes semejan cápsulas del tiempo con mensajes que la artista peruana invita a descifrar. Su obra nos lleva por un túnel del tiempo a un futuro museo de piezas arqueológicas procedentes del siglo XXI. Roberto Ochoa Berreteaga

Sin título 30 × 20 × 10 cm Escultura de fierro y papel reciclado

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Zona vip 140 × 150 cm Acrílico sobre lienzo

Marcos Palacios Mutaciones existenciales

Es un artista plástico egresado de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, distinguido con la primera mención honrosa en Pintura. Cuenta con un diplomado en Antropología Visual por el Centro de la Imagen. Sus principales influencias artísticas son David Herskovitz, Willem de Kooning y el movimiento artístico CoBrA, fundado en París en 1948. Ha participado en exposiciones colectivas en el Perú y el extranjero: España, Inglaterra, Alemania y Polonia. Su obra forma parte de la colección de arte moderno de Luciano Benetton, así como en colecciones particulares en Perú y el extranjero. Sus más recientes exposiciones son Híbridos (2019), en el Centro Cultural Peruano Japonés de Lima, Perú; Híbridos (2018), en el Off Frame Contemporary Art Gallery de Cracovia, Polonia; Santos (2017), en la Sala 770, de la Municipalidad de Miraflores, en Lima Perú y Cyborg (2016), en la Galería Yvonne Sanguineti, de Lima, Perú. 122

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Masks 120 × 180 cm Acrílico sobre lienzo

El trabajo de Marcos Palacios (Lima,1977) se centra en una labor de figuración recurrente en la que construye series de personajes sometidos a implicancias y acciones de índole global (Héroes, Cyborg, Santos, Goliat, Híbridos), con ellas abre múltiples posibilidades de interpretación, configurando también un halo identitario para los protagonistas. Su ejercicio, centrado en la pintura de empastes y grandes formatos, gesticula y pone el acento en el neoexpresionismo. Sumergido entonces en acontecimientos del mundo real, confronta el símbolo en su accionar más inmediato.

En ellas se vislumbra un bestiario de naturalezas compuestas, en el cual se desarrolla la existencia de recrear y trazar vínculos entre la creación plástica contemporánea y las mutaciones socioculturales de nuestra época. Busca sumergirnos así en aquella dualidad constante, acercarnos a un análisis del entorno, en el cual el híbrido pulsa en el corazón mismo de su imagen, donde surge indistintamente el origen de ese mundo. Pablo Villaizán

Mujer 2 150 × 130 cm Acrílico sobre lienzo

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Retratos de familia 140 × 162 cm Vinil calado, 2018

Maya García Miró

Materialidad crítica

Estudió Pintura en la Facultad de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú (1988-1993). Posteriormente, realizó una maestría en Artes Plásticas en Central St. Martin’s College of Art & Design en Londres, Inglaterra (1996-1997). Ha participado en diferentes exposiciones colectivas, entre ellas: Interacción, Museo de Arte Contemporáneo del Cuzco, Cuzco (1996); MA Fine Art Show, Central Saint Martin’s College of Art & Design, Londres Inglaterra (1997); Geografía de los No-lugares, Centro Cultural Español, Lima (1998); Heterogenia, Complejo Cultural Chávez de la Rosa, Arequipa (1999); Bocetos, Centro Colloquia, Guatemala (1999); Absolut Creation, Galería Lucía de la Puente, Lima (2004), 40 años Galería Forum, Lima (2014), y Celebración, Galería Forum, Lima (2015). Sus exposiciones individuales son De vuelta al Sueño, Galería Signos, Lima (1996); Obra Incierta (1999), Sin Título (2001), Siete (2005), Seis (2009) y Jardín (2015); todas ellas en la Galería Forum, Lima, y Doble Andante (2018), Galería ICPNA de Miraflores, Lima. Participó también en la II Bienal Nacional, realizada en Lima (2000) con la obra Huerto Cerrado; en Futuribles, Feria ARCO Madrid, España (2003), envío de La Galería, y en la feria PARC, Lima (2016) con La Galería. Su obra Retratos a Lápiz fue finalista del concurso Pasaporte para un Artista (2002), auspiciado por la Embajada de Francia en Lima. Vive y trabaja en Lima, Perú. 124

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Retazos Madera pintada al óleo. Medidas variables. 2018

La obra de Maya García Miró comprende trabajos de distinto formatos y materialidad, donde la artista trabaja pintura, escultura y dibujo indistintamente. En ella, crea un nuevo sistema de significaciones a partir del reciclaje de la realidad misma, donde el material tiene un lugar preponderante a la vez que crítico. A través de sus construcciones visuales, establece relaciones de dualidad, como significado y significante; contenido y contenedor, fondo y forma, confrontando al espectador con la manera en que percibimos y abordamos el mundo. Objetos preexistentes son desligados de su función original y reducidos a la mera materia en sus creaciones. Lo

concreto y el artificio se entremezclan para crear una nueva realidad que cuestiona el mundo tal como lo conocemos. Su trabajo es una continua investigación en donde la economía de medios, la sutileza y la ternura son otras de sus características resaltantes, así como la pulcritud en la factura. Maya García Miró nos ingresa a posibilidades escondidas detrás de lo aparente, encontrándonos en un mundo lúdico, fresco y a la vez irónico, donde se genera un diálogo entre las dimensiones de la existencia y la apariencia.

Serie Ajuar 32 × 34 cm Piezas de rompecabezas, 2005

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Sín título 1,50 × 1,20 m Óleo sobre tela, 2017

Melissa Arróspide Silencios estridentes

Melissa Arróspide, artista que reside y vive en Lima, ha cursado estudios en la escuela de arte Corriente Alterna, en la que culminó con mención honrosa (diciembre, 2004). Desde sus comienzos hasta hoy le ha interesado explorar el lenguaje de la abstracción como vehículo de sentimientos y emociones. El color, los aspectos compositivos y las texturas han estado presentes en sus exposiciones personales, como la realizada en Morphology bajo el título de Silencios Estridentes (Lima, octubre a noviembre de 2017); ese mismo año formó parte de exhibiciones colectivas como Art for All Seasons (junio), en la galería The New York Art Connection, y Capturing Life, Insight Simplicity (septiembre), en Montserrat Contemporary Art; ambas llevadas a cabo en la ciudad de Nueva York. En el 2018, fue invitada a la muestra colectiva Confluencia Histórica: Arte Contemporáneo en San Isidro (octubre) en la Casa de la Cultura de San Isidro, en Lima. 126

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Sín título 1,40 × 1,10 m Óleo sobre tela, 2018

Sín título 1,60 × 1,20 m Óleo sobre tela, 2017

Melissa Arróspide es una artista que sigue los caminos de la abstracción pictórica en el Perú; es como una especie de alquimista de los colores y de las texturas. Asimismo, es racional y exuberante; siempre conoce y sabe controlar todas sus emociones frente a un lienzo en blanco, soporte que, podemos decir, es una especie de diagnóstico de sus estados mentales, inquietudes y, además, reflejo de su sensibilidad. Cada cuadro, cuando lo apreciamos, nos remite a escenas previas a modo de performance; nos imaginamos a la creadora en pleno proceso creativo actoral y teatral. Sus pinceladas (a manera de monólogo) se mueven sin cesar de un lado a otro, el chorreado hace su trabajo y la gestualidad —donde logra tener un dominio del óleo— llega a convertirse en una relación carnal fundamental entre Melissa y su obra. Su quehacer es un viaje hacia la estética norteamericana de los años cincuenta y el expresionismo en

todo su esplendor, son lenguajes que se aplican desde su perspectiva en cada superficie; planos de gran y mediano formato que estimulan el ojo de receptor y logran cierto placer visual a través de una inmersión en las veladuras, las intensas manchas y las diversas tonalidades que predominan. Cada ejercicio cromático es una enajenación visual para los espectadores. Esa sensorialidad en estado puro hace que los factores psicológicos se pongan a prueba. Dialogar con ella, estar en su taller, conocer su proceso me hace recordar una frase del sociólogo y ensayista español Enrique Tierno Galván, que dice que “bendito sea el caos, porque es síntoma de libertad”; pensamiento que nos acerca a toda la sensibilidad plástica que rodea a Melissa, que habla de su realidad y define toda su libertad creativa, la cual conversa con su propio lenguaje e identidad dentro del contexto peruano contemporáneo. Daniel G. Alfonso

Sín título 1,60 × 1,20 m Óleo sobre tela, 2018

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Flores rojas 50 × 50 cm Acrílico sobre tela, 2019

Melissa Larrañaga Armonía natural

Melissa Larrañaga realizó sus estudios en la Pontificia Universidad Católica del Perú y se graduó en la especialidad de Pintura, 1995 al 2000. Ha realizado exposiciones individuales en la Galería Forum, en la sala de arte de Morphology (2016), en el castillo Karolyi en Budapest, Hungría (2014), en la Maison de L’Amerique Latine en Bruselas, Bélgica (2005). Sus obras se han expuesto en Hungría, Bélgica, España, Portugal, Holanda, Japón, Argentina, Estados Unidos y Perú. Vive y trabaja en Lima, Perú. 128

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Rosas 110 × 180 cm Acrílico sobre tela, 2018

Lluvia de lágrimas 159 × 160 cm Óleo sobre tela, 2016

La prolífica trayectoria de Melissa Larrañaga (Lima, 1976) está marcada por la presencia constante de la naturaleza bella. Sus cuadros representan el mundo vegetal, y la vida y belleza que en ella habitan. Su técnica, paciente y minuciosa, recurre a la memoria y a su experiencia personal, evitando la mediación de la imagen fotográfica. En un sentido estricto, sus cuadros no son paisajes —pinta en la tranquilidad de su taller—, sino “ventanas”, donde la naturaleza se abre entre el gris espacio urbano. Su trabajo permite una doble lectura, metafórica y fenomenológica. En la primera, la vegetación representada es una metáfora de la vida, inevitable e imperiosa. Según su estado de ánimo, los cuadros de Larrañaga pueden plasmar el ciclo natural en las distintas estaciones de la vida: la naturaleza en flor es reflejo de alegría y esperanza, mientras que la naturaleza marchita refleja melancolía y soledad. Es decir, la mutación de las estaciones naturales contiene

el espectro de emociones de la artista; o, dicho de otro modo, cada cuadro es también un autorretrato. La segunda lectura es formalista y se refiere a la experiencia estética del observador frente al cuadro. La obra también puede ser leída como sencillamente lo que se ve: imágenes de belleza vegetal, patrones infinitos de flores y hojas, sutiles armonías de color y atmósferas envolventes. Esta lectura, que remite al concepto del arte bello kantiano, no requiere interpretación más allá de lo puramente visual y vivencial. La solidez y constancia de la propuesta de Melissa Larrañaga le ha permitido crear una obra inconfundible reconocida internacionalmente a través de una producción abundante y continua, donde cada elemento, cada hoja o flor, se parece a las demás, pero, al mismo tiempo, es única y distinta, creando un impacto visual irrepetible. George Clarke

Jardín II 120 × 80 cm Acrílico sobre tela, 2019

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Coral 170 × 78 × 2,5 cm Mixta sobre MDF calado Arenilla y pintura, 2017

Michelle Gleiser

Evitando la lógica, celebrando el azar

Michelle Gleiser nació en Lima, Perú, en 1983. Es artista visual y licenciada en Administración de Empresas con mención en Recursos Humanos. Desde niña tuvo especial interés por las artes plásticas y fue en el 2011, luego de cinco años de haber culminado sus estudios en negocios, que decidió cambiar su rumbo para dedicarse a lo que realmente le apasiona. Estudió en la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna. Actualmente vive y trabaja en Lima, donde es, además, madre; factor altamente influyente en su obra artística. Su trabajo se inclina hacia la técnica mixta y el collage. Utiliza diversos medios y soportes, creando principalmente obras introspectivas y reflexivas, donde le da autonomía al libre pensamiento, fluyendo y creando sin un previo planeamiento. 130

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Fluir III 160 × 84 × 1,5 cm Mixta sobre MDF calado Acrílico y texturas, 2019

Mi arte empieza como una respuesta a un llamado desde el interior y con una mezcla de emociones e inquietudes que voy indagando de manera abstracta, terminando por generar principalmente piezas de pared, lienzos y trabajos sobre papel, con formas orgánicas e innatas, que buscan conversar sobre la vida misma, la naturaleza, el azar, la experiencia cotidiana, la mente humana, y las utopías y realidades que surgen dentro de ellos. Mis obras, que nacen como un propio reflejo, exploran también el instinto colectivo y la experiencia compartida de tratar de comprenderlo todo, concluyendo en una aceptación de lo que no controlamos como seres humanos. En el contraste de las formas busco conseguir un lenguaje que ejercite la mente de todo espectador,

creando una historia de sinuosidad que, de cierto modo, normaliza lo inexplicable, reconoce lo ilógico y acepta el sinsentido. Estas piezas, elaboradas intuitivamente, conversan también sobre mi proceso personal. Uno de liberación en el tiempo. Priorizando que se pueda percibir en cada obra la mano del artista, las texturas, el color, diferentes planos y reflejos, generando así mismo formas lúdicas y vacíos incontrolables, casualidades que entiendo como fantasiosamente perfectas. Al final del proceso, donde las obras se muestran como tales, como sí mismas, trato de alejar al pensamiento de sentidos innecesarios, creando una oportunidad de evasión de toda lógica o racionalidad.

Ocurrencias amarillo 118 × 56 × 1,5 cm Mixta sobre MDF calado Acrílico y texturas, 2019

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Mujer de la Perla 160 × 100 Foto digital sobre papel de algodón, 2012

Mila Huby

Cartografías del cuerpo y la memoria Mila Huby estudió en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Ricardo Palma y, en 1985, se trasladó a la Escuela Nacional de Bellas Artes. Al año siguiente, ingresó a la Pontificia Universidad Católica del Perú, donde se licenció en Artes, en la especialidad de Pintura, en 1992. También hizo estudios de Restauración en el Cusco y, en 1993, realizó prácticas de esta disciplina en el Instituto de Conservación y Restauración de Obras de Arte (ICROA), en la ciudad de Madrid. Posteriormente, se instaló en Barcelona, donde completó su aprendizaje en instituciones como el Taller de Escultura de José María Teixidó y Camí, la Escuela Massana, la Escuela de Arte y Diseño, el Taller de Proyectos Escultóricos de Sergi Aguilar, el Taller de Fotografía de Manel Esclusa y el Taller de Grabado de Roser Sales. Ha realizado varias exposiciones individuales en Madrid, Bilbao, Barcelona, Lima, Sao Paulo, Brasilia, Guayaquil, Washington y Ginebra. 132

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Rosa de Viento 160 × 100 Foto digital sobre papel de algodón, 2012

Instalación y performance en Cartografías del cuerpo y la memoria con la participación de Mirella Carbone

Con una formación inicial en arquitectura, Mila Huby fue derivando hacia otras disciplinas artísticas, atraída por las posibilidades de la pintura, el grabado y la fotografía. Para ella, todas son vías expresivas únicas y a la vez complementarias, pues contribuyen a orquestar su visión del mundo. Una visión multifacética que responde a sus distintas inquietudes y a la manera en que experimenta la realidad y es impactada por ella. En buena cuenta, sabe que de lo que se trata es de discernir cuál es el mejor instrumento para explorar territorios que a menudo escapan a los dominios de la naturaleza y se transforman en paisajes de la memoria. Desde luego, detrás de su elección no solo hay conocimiento técnico, sino un estado de ánimo y mucha intuición. “Tengo una sensibilidad muy grande por el color —ha explicado—, pero en la fotografía siempre trabajo en blanco y negro, porque es el contrapeso de mi pintura. La fotografía implica otra clase de lenguaje y vitalidad diferente, por eso siempre me ha fascinado. El grabado es mi intermedio”. Una propuesta interesante, sin duda, en la medida en que estas señales se extienden sobre la geografía del cuerpo de una mujer, lo que despierta otras resonancias significativas. Después de todo, las for-

mas ondulantes de las féminas siempre han sido un motivo artístico y los poetas han establecido inevitables asociaciones en las que comparan sus curvas y sinuosidades con las características del terreno, ya se traten de dunas, valles, colinas, montañas o cuencas. Pero en esta ocasión, Mila Huby se aleja de las alusiones convencionales e imprime los datos cartográficos sobre la piel de sus modelos, lo que permite transvasarles la complejidad y el misterio del mar. Fragmento de texto Guillermo Niño de Guzmán

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La patria está mojada III 142 × 130 cm Óleo sobre tela, 1989

Moico Yaker Entre héroes y antihéroes

Estudió en la Byam Shaw, School of Drawing and Painting en Londres, y en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts en Paris. Regresó a Lima en 1982. Su primera exhibición tuvo lugar en la galería Camino Brent de Lima en el año de 1986; luego, en 1987, expuso en la galería Forum de Lima y en la Galería Euroamericana en Caracas, Venezuela. En 1989 fue invitado a participar en la muestra inaugural Mito y Magia del Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Monterrey (MARCO). Tuvo dos exhibiciones más en la Galería Arte Actual Mexicano en Monterrey; seguidamente, en la Galeria Thomas Cohn de Río de Janeiro y Sao Paulo, Brasil, y en el ICI de Buenos Aires. El Museo MARCO organizó una muestra rerospectiva en el año de 1996. Participó en varias exhibiciones en la ciudad de Houston, USA. en la Sicardi Gallery. En el 2002 tuvo una muestra retrospectiva en la Yeshiva University Museum de Nueva York. Los años siguientes exhibió su obra en Lima. Ha participado en las bienales de La Habana, Cuenca, Lima, Panamá, Sao Paulo y Venecia. Actualmente, es presidente del jurado del Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva. Vive y trabaja en Lima. 134

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La muerte del poeta II 87 × 217 cm Técnica mixta, 1990 Foto: Juan Carlos Muñoz Nájar

Durante los 35 años que he pasado dedicándome a la pintura, mis principales intereses han sido, y continúan siendo, la coherencia del vínculo existente entre la naturaleza de la superficie física de una obra y la elocuencia del concepto que confiere la imágen creada. La superficie física de una obra establece el código básico para su lectura, la naturaleza de las pinceladas es el móvil o herramienta que organiza y estructura el viaje de la mirada del observador. Podría decirse que, conceptualmente, mi obra es autorreflexiva o, de cierto modo, autobiográfica. A pesar de no haber utilizado nunca mi propia imagen, he optado por travestirla, representándome en la época inicial de mi trabajo, a través de personajes cuya vestimenta era capaz de conferir de un modo inmediato la comprensión de su oficio, su origen

y su modo de vida; un personaje vestido con un uniforme ya sea militar, clerical o civil, me permitió conferir una información básica a priori sobre el protagonista, en la visión del observador. Por todo lo dicho, la pintura histórica, republicana y virreinal, fue a menudo un comentario referente al poder, ese asunto que, en el desarrollo de mi obra, se convirtió en el eje de una narrativa que continúo intentando, de un modo irónico, modificar. Con ese mismo propósito, el de relatar una historia, durante los últimos años he optado por utilizar en mis pinturas las imágenes de diversos animales, cuya naturaleza intrínseca hace referencia a ciertos atributos típicamente humanos, persistiendo así en mi afán de representar y comentar mi percepción del drama humano, siendo este un tema que se ha convertido en el objeto de mi mayor interés.

Aguila o Sol, tríptico 150 × 120 cm Plancha de bronce quemada, 2016

Foto del artista Juan Carlos Muñoz Najar

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Alfombra Enero 4,20 × 3,40 m 60 % oveja tibetana y 40 % seda china

Mónica Prochazka

Superficies comunicantes

Mónica Prochazka inició su carrera profesional, luego de graduarse como bachiller en Artes Plásticas en la Universidad Católica, como profesora en las carreras de Arte y Diseño en Lima y, posteriormente, en Vancouver, Canadá. Paralelamente se enfocó en su propia producción artística a través del dibujo y la pintura. Desde entonces, la pasión de Mónica por el color y la textura la llevó a trabajar una serie de vibrantes pinturas abstractas que han sido exhibidas y premiadas en Canadá, Lima y Australia. Hacia el 2007, su búsqueda de textura la alejó del lienzo y la llevó a la fibra y al arte aplicado, y así, sus pinturas tomaron forma de intrincadas alfombras tejidas por hábiles artesanos nepaleses, cuya técnica de tejido le ha permitido expresarse ampliamente como artista textil. Actualmente, Mónica se dedica a su empresa de diseño de alfombras, su pintura y a su trabajo como educadora de adultos. 136

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Alfombra Febrero 90 × 60 cm 70 % oveja tibetana y 30 % seda china

¿Puede una alfombra ser considerada una obra de arte? En el panorama artístico limeño, la propuesta de la artista plástica Mónica Prochazka así lo cuestiona, al presentar un inusual soporte para su obra, donde combina su experto manejo de color y textura con el delicado trabajo de hábiles artesanos nepaleses, quienes anudan a mano la lana y la seda para lograr los efectos planteados digitalmente por la artista. Como consecuencia lógica de su anterior “pintura digital”, en sus alfombras, Prochazka trabaja digitalmente con una paleta de hasta 1200 colores, definiendo el color de cada nudo/pixel en un ejercicio continuo y complejo de contraste simultáneo y secuencial, que le permite jugar con hasta 200 nudos/ pixeles por pulgada cuadrada, con distintos puntos, texturas, alturas y fibras, logrando un resultado visual único.

Sus alfombras nacen como resultado de una continua exploración en acuarela, dibujo, pintura, fotografía, y de una reinvención permanente de su propia obra, buscando nuevas e impredecibles sensaciones, efectos y texturas. Paralelamente, su pintura aprende de sus alfombras, tomando prestados algunos elementos y estilos particulares del soporte textil, trabajando con pinceladas cortas que producen pequeños campos de color claramente definidos, en una composición compleja e indeterminada, pero siempre manteniendo los ejes horizontal y vertical característicos de la pintura de Prochazka. Cada vez más, la distancia entre la pintura y las alfombras de Mónica Prochazka se va reduciendo, quedando la pregunta de si es que una alfombra puede ser considerada una obra de arte a consideración personal y de los expertos.

Alfombra Watercolor 2,00 × 1,40 m 70 % oveja tibetana y 30 % seda china

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La cena está servida 80 × 60 cm Grabado en aguafuerte y aguatinta sobre papel

Pablo Maire

Naturaleza transgresora

Pablo Maire (Chile, 1975) es un artista multidisciplinario. En el campo visual, viene desarrollando trabajos en torno a la escultura, el grabado, la pintura y la fotografía, que han sido expuestos colectivamente en México, Venezuela, Perú, Argentina, Chile, Colombia y República Checa. Ha sido publicado por medios escritos y electrónicos de distintos países, tales como Paraguay, Chile, España, Inglaterra, Perú, Colombia, México, Estados Unidos, Rumania, entre otros, con la finalidad de promover sus propuestas. 138

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Eros y Tanatos (5/5) Pieza en bronce 29 × 29 × 11 cm Base de mármol Comunidad (1/5) Pieza en bronce 68 × 24 × 24 cm Base hecha de fierro oxidado, 20 cm de alto × 26 cm de diámetro. México 2020

“El arte para mí es la posibilidad de crear una naturaleza distinta de las cosas”. Maire

La obra de Maire se compromete con las críticas a las dictaduras en América Latina (Pinochet como el gran carnicero sudaca), la política militante sin medias tintas o con las matanzas de migrantes centroamericanos, por ejemplo. También tiene su reinterpretación de la pedofilia, el homoerotismo y lo macabro. “Lo monstruoso te permite otra visualización del mundo”, señala. Su arte resulta totalmente incómodo, trasgresor de lo supuestamente sagrado e íntimo del ser huma-

no. Le gusta escarbar en lo más profundo, en los horrores del hoy. Se asoma a lo abyecto y nos lo devuelve en imágenes: esculturas, grabados, pinturas o fotografías. No tiene contemplación con nada, ni con él mismo, en su serie fotográfica Autorretratos (Lima, 2010). Un artista que configura los miedos individuales y colectivos en imágenes distorsionadas, seres poderosamente expresionistas reclamando su lugar en este mundo hostil. Su trabajo está plagado de imágenes “nerviosas”, destructivas e inquietantes. El cuerpo es la recurrencia, pues de ahí se sale y ahí se llega. Nadie sale incólume a la cuchilla visual de Maire.

¡Esto eres, eso serás! 81 × 35 × 35 cm Escultura hecha de bronce, aguafuerte - aguatinta y fierro. Placa de cobre 13,7 cm de diámetro

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Sin título 150 × 150 cm Óleo sobre tela, 2019

Paola Baertl

Códigos orgánicos

Paola Baertl Aramburu (Lima, 1975) es egresada de la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú en la especialidad en Pintura (1994-1999). Cuenta en su haber con tres exhibiciones personales, Germinar (2007), Infinita Trama (2013) y Por Dentro (2017). Asimismo, su obra ha estado presente en Estados Unidos, Francia, Panamá, Irán, Turquía, Tailandia, China, entre otros. Ha cursado talleres en el Pont Aven School of Art en Francia. Inició en 2011 estudios sobre la cerámica en el Taller Tierra Nueva, para luego realizar una especialización en el Taller Escuela Sonia Céspedes Rossel. Ha participado en el Simposio Internacional de Cerámica en el Museo de Arte Moderno de Yixing y en el Museo Liziyuan en China; además, estuvo presente en el Encuentro de Ceramistas de Tailandia Bond Clay and Keramic en la Universidad Rahabjat en Buriram. En el año 2019, fue selecionada para la XIV Bienal Internacional de Cerámica Artística de Aveiro y Manises en Portugal y Valencia, respectivamente. Su obra se encuentra en la Colección Hochschild, Luciano Benetton, Museo de Arte Moderno de Yixing, Colección Liziyuan, Rahabjat University, además de otras colecciones privadas. Vive y trabaja en Lima. 140

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Conexiones 140 × 220 cm Óleo sobre tela, 2017

Paola Baertl es una artista multidisciplinar que explora e investiga conceptos relacionados con el universo de la cerámica y la pintura, dos manifestaciones que en su quehacer presentan mucha relación. La creadora, en su trabajo pictórico recurre a códigos, estéticas y criterios que nos permiten apreciar obras con resultados en el que se hallan sus sentimientos, memorias y aspectos relacionados con su intimidad. Son escenarios en los que se crean, por sus formas abstractas, ilusiones ópticas, visuales, sensoriales, y en los cuales el color también cumple su función como una cualidad necesaria para la dramaturgia de la composición. Asimismo, su labor como difusora de la cerámica en el Perú reflexiona en torno a una manifestación que se sustenta en elementos como la nobleza y naturaleza maleable del material empleado que da como resultado piezas hermosas, sencillas y frágiles.

Al igual que en la pintura, Paola emplea formas orgánicas que denotan sensualidad y que funcionan como vehículo que permite articular sus ideas y que permite construir posibles interpretaciones. A su vez, la artista se acerca cada vez más a una línea de trabajo en la que pretende profundizar, dadas las posibilidades que aporta a la historia como disciplina humanística en el momento de construir discurso desde el arte. Y, también, con su producción logra ofrecer una visión particular desde su sensibilidad, versatilidad lingüística y su eficaz estrategia comunicativa. Con visiones diferentes y similares (pintura y cerámica) Paola Baertl reafirma que el empleo de un material sensible (su proceso pictórico alude a su trabajo con la arcilla) no determina la contemporaneidad y validez de una propuesta artística cualquiera que sea el contexto de realización.

Weavings 53 × 43 cm Porcelana, 2019

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Rosas de papel 100 × 100 cm Mixta sobre lienzo

Paolo Vigo Narrativas anónimas

Formado en la especialidad de artes plásticas de la Escuela Superior de Bellas Artes de Trujillo Macedonio de la Torre, Paolo Vigo (Trujillo, 1980) complementó sus estudios mediante cursos de diseño gráfico y arquitectura, los cuales han permitido enriquecer su labor creativa, incorporando recursos y elementos como la espacialidad, la simplicidad compositiva, y la imagen concreta y directa. Entre los años 2004 y 2019, ha realizado once exposiciones individuales entre Cusco, Trujillo y Lima. En estos proyectos ha ido desarrollando temáticas referidas al individuo en relación con contextos como el hogar, las relaciones sociales, la educación, la violencia, la sexualidad, etc. Sus propuestas poseen una gran carga conceptual y simbólica, transitando entre la expresividad y el surrealismo, y nos llevan a la memoria de lo que ha sido su trayectoria como artista construida bajo el principio minimalista y el manejo de la imagen liberada de anécdotas. 142

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Abreacción 150 × 200 cm Mixta sobre lienzo

La producción del arte contemporáneo es variada y compleja, desde sus lenguajes, procesos, materiales, hasta lo que respecta a las temáticas. Los limites en el arte contemporáneo han sido disueltos, y es por eso que las producciones se orientan hacia las narrativas metafóricas. Los trabajos de Paolo Vigo presentan, desde el anonimato de sus personajes, narrativas en torno a la niñez y juventud en sus diferentes aspectos vinculantes: el hogar, las relaciones sociales, la educación, la violencia, la sexualidad, la explotación laboral, etc. Sus propuestas poseen mixtura y libertad técnica, explorando soportes y medios, como lo apreciamos en su serie Children (2011), donde los niños o niñas son acompañados de elementos cotidianos, como un cinturón, botellas de cerveza, etc., realizados mediante el esgrafiado y la encáustica sobre cojines o almohadillas, tapizados en capitoné, y en algunos casos con pequeñas aplicaciones tridimensionales.

El artista retoma sus reflexiones respecto a la juventud en Abreacción (2019), exponiendo los niveles de la condición humana, desde el ámbito de la responsabilidad social y familiar al que están expuestos como parte de una sociedad frívola, calculadora y consumista. Explora circunstancias donde se trastoca la edad, perturbando su desarrollo como personas, vale decir, situaciones en que interrumpen su evolución natural en cuanto a ser social y familiar, quitándoles sus derechos a ser niños o púberes al producirse una “transfiguración adulta”. El trabajo de Paolo Vigo es silencioso y nos muestra de manera inteligente su desarrollo artístico, que va más allá de lo estético para construir su discurso visual desde la perspectiva de la crítica social, consolidando un lenguaje simbólico y expresivo.

Respirar 100 × 100 cm Mixta sobre lienzo

Juan Peralta Berrios Historiador y crítico de Arte

Foto del artista Diego Moreno

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Nueva crónica de La Patria 29,6 × 42 cm Primera serie-Litografías, 2013

Patricia Alor Pretell

Territorio femenino

Patricia Andrea Alor Pretell (1988) cuenta con exposiciones individuales y colectivas, y trabajos curatoriales para distintas instituciones y centros culturales. Participó en muestras conmemorativas de la ENSABAP y realizó proyectos educativos y artísticos junto al Colectivo Canadiense MUEVE. En el año 2013 fue seleccionada para participar en el XXII Concurso Nacional de Artistas Jóvenes, organizado por Cerro Verde, y en la segunda edición de la Galería Itinerante de Phorma Inmobiliaria, como representante de Bellas Artes. Realizó su primera individual en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos en el año 2014. Participó en muestras colectivas en la Embajada y Consulado General del Perú en Washington DC y en Latino Art Museum de California, ambas en Estados Unidos (2015); en la Galería de Arte Aguafuerte en Ciudad de México (2017) y en la Galería de Arte de la Escuela Municipal de Bellas Artes de Viña del Mar en Chile (2017). También participó con el Colectivo Blend en el Gallery Weekend y Barranco Open Studios; y expuso en Lima Photo con la Galería Espacional y en Perú Camino al Bicentenario de la Galería Forum. 144

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¿Cómo no te voy a querer? 120 × 100 cm Acrílico sobre lienzo y celtek, 2018

Alto en violencia 55 × 40 cm Fotografía, 2019

Joven artista, con más de 10 años de trayectoria, inició su presencia a través de exposiciones colectivas o perteneciendo a diferentes colectivos, en los que pudo dar a conocer su trabajo y perfeccionar su técnica. Esto le permitió ganar la Medalla de Oro (2013) en la especialidad de pintura, que otorga la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes cada año, por su trabajo final (proyecto de tesis): Con P de Patria, al patriotismo de las más sensibles. Continuando en esa misma línea, viene trabajando el concepto de mujer y patria; y cómo ambos se conectan en un esquema historiográfico. Para ello, mezcla una serie de técnicas —como el grabado, pintura, dibujo, instalación y fotografía— y estilos que integran retratos, paisajes, símbolos e iconografías nacionales con un carácter reflexivo socio-

cultural. En ello se destaca el uso de una paleta de gama limpia que sigue la vanguardia del color y las tendencias actuales del diseño. Asimismo, ha incursionado como curadora de arte con exposiciones individuales y colectivas. La más destacada es El arte de hacer patria (2018), en la que logró reunir a más de 50 artistas que, con diferentes técnicas y estilos, tuvieron la labor de interpretar la idea de “madre patria”. Actualmente, se encuentra trabajando en la coproducción de la Galería Espacional y desarrollando exposiciones sobre el Bicentenario, tema que nace por su experiencia en las fiestas de celebración por los 200 años de la República de Argentina, mientras estudiaba en la Universidad de Buenos Aires.

La Madre Patria volumen I 190 × 80 cm Acrílico, litografías y cinta de tela sobre MDF, 2013

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Esperando um sinal 133 × 66 × 79 cm c/u Tríptico, esculturas, polímeros, 2016

Patricia Calisto

Soledades contemporáneas

Las pinturas y esculturas de Patricia Calisto consisten en figuras humanas, generalmente de formato grande, proyectadas en escenarios de crisis emocionales contemporáneas. El aire de desencanto, soledad e impotencia de sus figuras nos invita a reflexionar sobre la anulación de los individuos en un mundo que cada día los priva más de su propia identidad. Calisto se graduó en Bellas Artes (BFA), summa cum lauder, en 1996, en la State University of New York, Purchase College. Anteriormente estudió en el Instituto Superior de Arte en La Habana, Cuba, así como la Universidade de Brasília. En 2010, obtuvo un máster en Pintura en la Libera Accademia di Belli Arti di Roma (RUFA). Peruana de nacimiento, Calisto ha vivido la mayor parte de su vida fuera del país. Sus obras se han exhibido en importantes museos y galerías de países como Estados Unidos, Brasil, Venezuela, Italia, entre otros. 146

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Protocolos 183 × 263 cm Óleo sobre lino, 2012

La obra de Patricia Calisto nos hace reflexionar sobre una sociedad contemporánea en su máxima expresión: nunca hemos sido tantos y tan solos. Su pintura, en una constante construcción de cuerpos de apariencia inanimada, seccionados en planos vislumbrados bajo el recurso del claroscuro, contribuye a enfoques que extrapolan el puro ejercicio formal. Estas composiciones revelan temas complejos sobre lo humano y dicen cosas que una mirada superficial no notaría. Hay una crítica presente en sus figuras, que se traduce en una soledad sepulcral introducida por esta artista inconforme. A su manera, Calisto hace reposar sobre la superficie de estos cuerpos una latencia evidenciada por el contraste de colores que saltan a

los ojos por simular una luz tan fría como la forma de los cuerpos. Su escultura persigue el mismo lenguaje que la pintura. Extraída del plano pictórico, la figura aparece en la tercera dimensión con la misma fuerza y apariencia brutal. La ausencia de expresión es lo que identifica la urgencia del lenguaje. El aspecto contrito de sus composiciones sobre los humanos evidencia esta premeditada ausencia de humanidad. Lo que vemos aquí es la representación de seres en su aislamiento en relación con sus semejantes. Surge en esta exposición una ácida crítica a la sociedad de la información que nos lleva a percibir esta soledad celular. Wagner Barja, artista plástico, curador, director del Museu Nacional da República, Brasilia D.F., Brasil. Exposición Consensus, 2016.

Personal e Intransferible 180 × 124 cm Óleo sobre lino, 2012

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Sueños 40 × 40 pulgadas Acrílico sobre lienzo

Puchi Noriega El constante descubrimiento

Nació en el Perú rodeada de arte, sus padres y 6 hermanos mayores trabajaban la arcilla en el taller familiar. Desde los 3 años se les une en esta pasión común. En 1974, emigró a Canadá con su familia e inició su carrera artística en ese país. A los 18 años ganó cuatro primeros premios en una competencia nacional de cerámica en EE.UU. Regresó al Perú, donde a los 20 años enseñó cerámica profesionalmente en el Museo de Arte de Lima. Posteriormente, retornó a Canadá, donde realizó numerosas exposiciones, se desempeñó como profesora de escultura en Ottawa School of Art y recibió varios reconocimientos por sus obras. Más adelante fundó el primer Art Institute of Miami y luego su taller de arte Puchi Art Studio, también en Miami, ciudad donde se establece y organiza el Falls Art Walk es nombrada presidenta del Ceramic League of Miami, organización muy reconocida en Florida. Ha realizado más de 50 exposiciones de escultura y pintura, entre individuales y colectivas. Ahora Puchi radica en Miami dedicada a la produccion de su obra. “No recuerdo haber querido ser otra cosa que no fuera una artista”. 148

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Carnaval 72 × 54 pulgadas Acrílico sobre lienzo

Comunico a través del arte lo que manda mi subconciente y me dejo llevar por el impulso de crear sin saber muchas veces hacia donde irá. Es fascinante ir descubriendo lo que mi instinto me va diciendo. Algunas veces me toma meses descifrar los mensajes semiocultos que van apareciendo entre las borrosas manchas y formas de la obra. Utilizo muchos tipos de material, incluyendo arcilla, madera y resina. Me gusta experimentar y enfrentar nuevos retos.

Reflexión 8 × 5 × 5 pulgadas Porcelana

El acrílico me permite pintar varias dimensiones creando capas de color que se integran con el carboncillo. Utilizo mayormente los colores blanco, rojo y amarillo. A veces me sorprendo a mí misma y pinto en azules.

Facetas Cerámica - Instalación 115 cabezas

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El iluminado 60 × 50 cm Óleo sobre lienzo, 2019

Renato Rosado García

Melancolía atípica

Renato Rosado García (Lima, 1984) se formó como publicista en el Instituto Peruano de Publicidad (IPP) y como artista plástico en la Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA), en la cual solo cursó un año de formación académica, para luego retirarse y dedicarse a la pintura de manera autodidacta. Ha realizado exposiciones individuales como Absolución (2019), en la Alianza Francesa de Cusco. La Resistencia (2015), en la Galería Le Carré D’art de la Alianza Francesa Lima, y Alrededor de la piel (2014) en Bruno Gallery. Ha participado además en distintas muestras colectivas, como en el Centro Cultural Peruano Británico y en el Centro Cultural Peruano Japonés, y en diversas exposiciones internacionales en Alemania, México, USA, Polonia, Chile y Guatemala (20112019). El trabajo de Rosado es una representación alterada, deformada y ambigua de la realidad, donde se encuentra. Un equilibrio distorsionado, lleno de errores y virtudes. Un equilibrio extraño entre una quietud perturbadora y los demonios internos de una realidad maltratadora. 150

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Fenrir 60 × 50 cm Óleo sobre lienzo, 2017

La melancolía y el desenfreno son parte de la esencia de las obras del artista Renato Rosado. Su trabajo recorre pasajes cotidianos y un tanto efímeros, en donde los personajes de sus obras pasan a un estado sempiterno. Se reconocen así sus retratos burdos gracias al tiempo atípico y carente de celeridad al que se someten, en donde Rosado posa su mirada en medio de una acción y una consecuencia. Es la atmósfera de las obras de Rosado que denota una mirada ambigua de la realidad, en donde es alterada y deformada de manera inminente por sus personajes nostálgicos, que acaparan la lucha por una representación fidedigna del interior del artista.

Memorias salvajes 120 × 120 cm Óleo sobre lienzo, 2018

Dada la experiencia en la orbe de la publicidad que tiene Rosado es que hayamos el lowbrow como un transmisor referencial de la estética que utiliza y conversa con los trazos inexactos que revelan un lado más vulnerable y terrenal. Lo estático y cotidiano dan un giro mediante sus retratados, en el cual el surrealismo pop se presenta como la tercera personalidad dentro de la obra, formando en conjunto una manifestación violenta y mohína que se enfrentan a la alienación, el aislamiento y los sentimientos ocultos del ser humano ante los tiempos modernos. Paloma Pulisci Artista visual

Foto del artista Alejandra Orosco

Mueran humanos 60 × 50 cm Óleo sobre lienzo, 2016

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Fusión (díptico) 2,34 m × 2,50 m Acrílico y tierras de color sobre tela, 2003

Rhony Alhalel Híbridos errantes

Realizó estudios de dibujo con Cristina Gálvez, fotografía con Fernando La Rosa y acuarela con Juan Pastorelli. En 1981, se graduó como diseñador en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Obtuvo una beca de Mombusho para realizar estudios de postgrado en la especialidad de Pintura en Tama Art University, Japón. Paralelamente, inició sus estudios de caligrafía contemporánea (Sho) con el maestro Ogawa Gaboku (1981-1985) y caligrafía Zen con el maestro Morita Shiryu (1986-1993). Fue becado por la Fundación Japón para realizar una investigación en torno a la caligrafía japonesa contemporánea y a las técnicas de manufactura de papeles, tintas, y pinceles en Japón, China y Corea. Ha elaborado proyectos para la enseñanza de dibujo y pintura en la PUCP y en centros penitenciarios. Su obra exhibida en más de 35 muestras individuales en diferentes ciudades de América, Europa y Asia, ha sido adquirida en importantes colecciones privadas, públicas y corporativas. 152

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Serie tectónicos III 0,60 m × 1,41 m Marcador Pitt, grafito acuarelable y tierras de color sobre papel de algodón, 2017

Esta serie de trabajos designan el lugar* del diálogo, del vínculo, del juego, entre cuerpos y su entorno, creando una relación de resonancia material complementaria. El paisaje contenedor se convierte en un lugar capaz de transmutar simultáneamente en presencia y ausencia. Este binomio generador de vida conforma una triada dialéctica con su soporte y su circunstancia espacio-temporal. Las preocupaciones con respecto a la comprensión de la condición del ser y su potencial como imagen sintetizada de movimientos sincrónicos en el espacio han canalizado su práctica al transformar los cuerpos y su medio circundante en objeto material detonante de dibujos, pinturas y esculturas. Al hacerlo, su principal interés es explorar cómo el cuerpo, los seres y criaturas en general, la materia y objetos, cuando extraídos de su contexto, muchas

veces son reconocidos y clasificados en forma incompleta o ambigua, cuando en realidad resultan compartiendo una compleja trama de unidades interdependientes. La total fragmentación, las formas dislocadas y quiebres superpuestos, la mezcla de seres, materias y territorios tiñen su híbrida narrativa en cuerpos innombrables, lo tangible se codea con lo efímero, el instinto de vida se sedimenta en una multiplicidad de líneas, de tramas, de frágiles tejidos, en huellas digitales que se fusionan en el paisaje… El viaje por hacer devendrá en rastro de lo inasible convertido en imagen. *Es el lugar (aún en construcción) para redescubrir el significado de conectarse, arraigarse, ser en y con la naturaleza, entreser, palabra que designa la reiteración mental adherida al espacio común.

Foto de la artista Talía Duclós

Vínculos 0,60 × 0,45 × 0,15 m Acero corten pintado con grafito y acrílico, 2005

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Virgen de la leche 200 × 200 cm Electrografía lenticular, 2009

Rocío Rendón Pintura de postrimería

Su obra pretende que la interacción de intereses y poderes que confluyen en un tipo de pensamiento individual sean trasladados a un pensamiento colectivo con todo su sistema de creencias populares. Ha bautizado a esta despersonalización Pintura de postrimería obra que solo se encontrará concluida cuando sea intervenida, horadada y sacrificada por el espectador para dar paso a una obra distinta a la del artista. Busca que la comunicación de masas siga siendo un sistema que desplaza la conciencia y que produce una realidad discrecional, instaurando así una nueva identidad social. Ha obtenido los siguientes premios: el MOLAA AWARDS (2008), premio otorgado por el Museo de Arte Latinoamericano de Long Beach, Los Ángeles, California; el primer premio y la mención honrosa en el XXVII Salón Nacional de Grabado organizado por e ICPNA; el segundo premio del XV Concurso Nacional de Pintura Michell (1995); y el primer premio del XIII Concurso Nacional de Pintura Michell (1993). 154

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Mariela 300 × 120 cm Electrografía encapsulada, 2012

Rocio Rendón ha emprendido una aventura lúdica y seria, en proporciones iguales, en el terreno minado de nuestras artes visuales. Minado, porque el facilismo con el que las manifestaciones visuales populares son adoptadas en el ámbito de lo contemporáneo es un riesgo que muchos no logran salvar. Rendón sí lo logra, y por una vía alterna que nadie más recorre en la actualidad en Lima. Su opción ha sido despojarse de una actitud que reivindique la marca física de autor en la obra. Su trabajo no incide en lo artesanal de un oficio como práctica estética aprendida con finalidad de lucimiento de la destreza personal. No solo no se trata de pintura, sino que, tratándose ya sea de instalación o de imágenes lenticulares, en su caso, ha elegi-

do no dejar traslucir de manera evidente un ámbito de significación —de transformación en signo de lo personal, entendido como lo íntimo o lo privado—, en el que la seriedad de su empeño se patentice en una construcción artística de densidad vivencial que busque una recepción individualizada, como en un intercambio de uno a uno con el observador . Rendón parece esquivar todo recurso que busque estimular una respuesta emocional por parte del espectador, si se considera a este como situado en una encrucijada ante la obra de arte, tendiente a resolverse dando cabida a lo que está en consonancia con su historia biopsicológica. Jorge Villacorta Chávez

Tetramorfos perro 60 × 120 cm Electrografía lenticular, 2009

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Efecto invernadero 30 × 30 × 07 cm Mini instalación, técnica mixta

Rosa Tomatis Servicio a la tierra

Rosa Traverso de Tomatis nació en Lima en 1948. Estudió Arte y Diseño en la Pontificia Universidad Católica del Perú, continuo sus estudios de pintura en los talleres de destacados maestros de la pintura peruana como Miguel Nieri, Miguel Ángel Cuadros, Guillermo Osores, entre otros. Además, mantuvo un largo diálogo-asesoría con Adolfo Winternitz. Tomatis tiene numerosas exposiciones en el Perú y el extranjero entre las cuales destacan Haiku, en el Museo Amano (Lima, 2019); PARC, O’Art Project (Lima, 2019); La Vida en Rosa, en Galería Ivonne Sanguineti, (Lima, 2018); Quo vadis?, en Galería Yvonne Sanguineti, (Perú, 2015); The Secret Garden, Galería Expressiones (Connecticut, 2011); Relicario, en La Galería (Lima, 2004); Verhaufsausstellung Monika Schlipper (Hamburgo, 2003); - Proyecto Boda en el Museo Extremeño Iberoamericano Arte Contemporáneo (Badajoz, 2003); Exposición Binacional de Pinturas Colombia-Perú, en el Consulado General de Colombia (Miami, 2002); Dresdner Bank Lateinamerika (Hamburgo, 2002); Mujeres de Espíritu en el Museo del Canal Interoceánico de Panamá (Panamá, 2001); Mondo Arte-World Art en Casa del Conte Verde (Rivoli, 2001); Maravillas Curativas, en Centro Cultural Escuela de Bellas Artes (Lima, 2001); y ¿Quieres que te lo cuente otra vez? en Galería 2V’S (Lima, 2002). 156

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La espera 145 × 145 cm Óleo sobre lienzo

La vida en rosa 70 × 100 cm Monotipia, 2018

Tomatis es una pintora de contradicciones. Su trabajo, a la vez, me resulta mesurado y gestual en cuadros en los que el color no otorga concesiones y en la que su mundo personal se evidencia tanto a través de la lectura de las imágenes como del mismo arte de pintar. Hay un carácter espacial que predomina en sus cuadros y es ahí de donde puede provenir el carácter espiritual de la búsqueda que se ha planteado. Sin embargo, para nosotros los collages de Rosa Tomatis son los que mejor evidencian el riesgo asumido y el acierto logrado en tiempos en lo que todo ha sido dicho y renovar lenguajes es prácticamente imposible de lograr. Sin embargo, son en estas piezas donde mejor se aprecia el brillo del pintor y el rigor de la investigación.

Tomatis, con su obra, aspira activar en el espectador una reflexión sobre su dimensión espiritual con relación a la tierra que habita y al futuro de esta. Dimensión que tiende a desaparecer en el orden frenético y febril del mundo consumista y la filosofía extractiva de hoy. Es por esto que encontramos en su obra una constante búsqueda de equilibrio y una reverencia a la tierra. Por otro lado, hay dos elementos o lenguajes que la artista utiliza bastante. El primero, el juego, y el segundo, la infancia, con lo que pareciera sugerirnos regresar a momentos más simples. Si bien su obra es una llamada de atención, Tomatis busca crear situaciones positivas dentro de un mundo caótico y nos da un mensaje positivo y esperanzador.

Luis Lama, 2001

Quinceañera 25 × 25 × 5 cm Caja acrílica y foto intervenida, 2018

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Partida 120 × 102 cm Acrílico sobre lienzo, 2002

Rosi Schwartzman Urbano y natural

Rosi Schwartzman (Lima, 1947) estudió en el Barry College de Miami entre 1974 y 1976, así como también en el taller de Cristina Gálvez entre 1977 y 1979 y completa sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima, Perú. Sus exposiciones en galerías de arte de Lima se inician al final de la década de 1970. Expone en galería Forum, Galería Camino Brent, Galería 2V’S, entre otras. Luego realiza importantes viajes a ciudades europeas, Estados Unidos y China. Ha realizado importantes exposiciones en centros culturales, galerías de arte y ferias internacionales, como Art Miami en Estados Unidos. En la actualidad vive y trabaja en Lima y Miami. 158

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Nińo trepando un árbol 102 × 120 cm Acrílico sobre lienzo, 2002

En sus procesos de búsqueda, Schwartzman descompone materialmente las imágenes para volverlas a construir usando filamentos a modo de hilvanes. Según se lea, podría interpretarse como la metáfora de quien reconstruye las imágenes queridas del pasado. Del mismo modo, la serie Aura Fría presenta a personajes que, en función a su tratamiento monocromático, adquieren cualidades fantasmagóricas, en elegante contraste con el color de sus contextos. Más allá de sus intenciones, sus atmósferas parecen democratizar la condición humana de los personajes frente a sus evidentes diferencias sociales. La artista no es ajena a la seducción que ejerce la naturaleza y, cuando sale a su encuentro, consigue

capturar la majestad arbórea que nos minimiza, las doradas tonalidades de las hojas del arce en los otoños de otras latitudes o las flores discretas colocadas sobre superficies texturadas. El resultado transmite la aromática sensualidad de los bosques coloreados con la intensidad propia de su contexto. Es evidente que Rosi Schwartzman vive apasionadamente el desafío de la creación y ha encontrado en la pintura el lenguaje para expresar sus más íntimas impresiones en torno a temas tan universales como cotidianos. Aquello que nos rodea, pero que a fuerza de la costumbre dejamos de ver. Fragmento del texto de Fernando Torres para el libro y muestra retrospectiva de Rosi Schwartzman para el Instituto Cultural Peruano Norteamericano. Lima, 2016.

Reflejo 120 × 90 cm Acrílico y collage sobre lienzo, 2007

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Ella no es de colección 112 × 76 cm Punta seca, carborundum, chine colle

Sandra Díaz Resistencia femenina

Sandra Díaz (Mazatlán, Sinaloa 1970) cursó el postgrado y la licenciatura en Artes Visuales por la Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas desde el año 2000, ha participado en más de 100 exposiciones colectivas e individuales en México, Brasil, Bolivia, Nicaragua, España, Rumania, Alemania, Armenia, Portugal, EE.UU., Canadá entre otros países. Fue ganadora del Programa de estímulo a la creación y desarrollo artístico en la categoría de creadores con trayectoria, seleccionada en bienales nacionales e internacionales de grabado. Dirige el taller de grabado Gráfica Sandra Díaz y es promotora del Proyecto Grabando Sonrisas que impulsa el grabado con niños y jóvenes. Ha ilustrado libros como Rosario Castellanos para niños y Desde donde late la tierra, y su obra ha sido documentada en libros como Mirar en Chiapas y Nuevo recuento de artistas plásticos de Chiapas. Su obra forma parte de diferentes colecciones. Actualmente es directora de ComuArte Chiapas. 160

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Aquí estoy Linóleo y tetrapack Placas 10 × 10 cm, Papel 19 × 14 cm

Aquí estoy Linóleo y tetrapack Placas 10 × 10 cm, Papel 19 × 14 cm

Usa la línea, la prensa y la gubia como objetos de resistencia feminista. Sigo el olor de la tinta. Pequeña, menuda, se pierde entre los objetos de trabajo y la creación desperdigada por todo el taller; la enorme prensa negra destaca su figura, es Sandra Díaz. Concentrada, imprime una pequeña serie de grabados en mezotinta que partirán para su exhibición hacia diferentes partes del mundo. Fijo mi atención en los inmensos ojos negros de una mujer con la cabeza cubierta por un delicado manto, abajo reza: “Ni la muerte nos detendrá” Sandra retrata nuestra angustia en esos ojos de mujer niña, me estremece la enorme falena, la cenefa de flores me devuelve la respiración; fuerza y drama, libertad y belleza. La obra de Sandra es de claroscuros, cierra y abre caminos, aplasta y surge la esperanza.

Sigo descubriendo paredes en las que hay insectos, escarabajos, mariposas, un dedo aplastando la vida y esta brotando de un amasijo de estiércol y pequeñas raíces muertas, el gran escarabajo seguido por miles a quién sabe dónde, el errático vuelo de la frágil mariposa que logra trascender el siniestro presagio del colmoyote que soberbio viaja a su lado. Y de pronto multicolores serpientes surgen por todos lados, “Cuatachas”, severa crítica de la conflictiva sociedad en que vivimos. Magistral manejo de la punta seca, maestra del grabado en madera, punta seca, linóleo y mezotinta. Sandra Díaz retrata el mundo femenino, la muerte, la decadente sociedad, y nos da una lección: todos resurgimos de las cenizas. Sonia de la Rosa Editora, directora de la revista Ala del Sur

Picudos. Politicus astutus 56 × 39 cm Litografía en mármol mexicano, 2019

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Axioma 110 × 120 cm Óleo sobre tela, 2018

Sergio Ghezzi Territorio intemporal

Nació en Lima, en 1970. Estudió dibujo en el taller de Cristina Gálvez con Margarita Checa en 1985 y en el Centro de Estudios e Investigación de la Fotografía en 1987 con el profesor Carlos Montenegro. En 1995 se graduó de bachiller en Fine Arts en la Universidad Barry (Florida, EE.UU.) y estudió fotografía en el Art Institute de Fort Lauderdale (Florida, EE.UU.). Solo su fotografía ha sido expuesta individualmente en Perú, México y Estados Unidos. A partir de 2000, inició su trabajo pictórico autodidacta. Ha tomado cursos de dibujo y pintura en Corriente Alterna (Lima). Entre sus últimas muestras colectivas de pintura figuran Socorro Polivalente en 2017 y en Apuff Primera Edición en 2014 (Lima). Sergio Ghezzi vive y trabaja en Lima. 162

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Cañón de los perdidos 80 × 1,20 m Óleo sobre lienzo, 2018

Desde sus inicios como fotógrafo hace tres décadas, el pintor Sergio Ghezzi desarrolla una vocación artística singular. Su ruta responde a un compromiso individual, en el que la introspección y el diálogo solitario con la materia y la imagen trama relatos visuales signados por la extrañeza. En sus telas se acoplan voces múltiples, entresacadas de las tradiciones culturales de toda proveniencia y edad que se entrecruzan en el tejido de nuestra contemporaneidad. Están impregnadas de las lecciones de los maestros de las cavernas, de los museos y las calles. Se abren como ventanas a su paisaje interior, surcado por enigmas, abierto a los descubrimientos. Una mirada altamente selectiva sedimenta en esos óleos que cuestionan certidumbres y avanzan fertilizando vacilaciones, enmiendas, azares controlados. Su territorio es el de los misterios y potencias mágicas propias del arte pictórico. Un aire intemporal estructura sobriamente una visualidad que resplandece en campos de color intenso o se sumerge en los grises plateados de la

neblina limeña. Ghezzi transita una ruta discreta y ardua, libre de toda veleidad, solo orientado por su instinto y talento, y por su conexión apasionada con el viejo y el nuevo arte de la pintura, sin pretender llegar a otro lugar que el cuadro. Sus lienzos han soportado temporadas indeterminables de transformaciones. Desde los dibujos iniciales comandados por la línea hasta concluido el juego complejo de veladuras, las capas de pigmentos de toda espesura y transparencia se han sucedido en el secado para reconfigurar lo vivido, interrogado, sentido. Hablan un lenguaje secreto, no reducible a lo verbal, o anterior a la palabra. A diferencia de los espejos que asisten pasivamente al movimiento, la pintura fija la acción, la atrapa. Las abstracciones de Ghezzi se abren como ventanas a panoramas originarios. Han emergido de su inconsciente, de los estratos remotos de su imaginación, para poblar ese mundo desconocido, con las huellas de su mano y su espíritu. Ricardo Wiesse

Sin título Acrílico sobre tela, 2017

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Suculenta 95 × 55 × 35 cm Travertino, 2019

Silvia Westphalen La piedra sensible

Silvia Westphalen nació en Roma en 1961. Entre 1963 y 1992 vivió sucesivamente en Lima, Roma, Ciudad de México, Lisboa, Lagos y Évora (Portugal). Frecuentó, durante tres años, el Centro de Arte y Comunicación Visual de Lisboa (AR.CO) y, en 1982, el curso de Experiencias Plásticas en la Sociedad Nacional de Bellas Artes de Lisboa. De 1983 a 1986 trabajó bajo la orientación del escultor Joao Cutileiro. En 1986 participó en el II Simposio de Escultura de Durbach, Alemania. Entre 1986 y 1992, dirigió y trabajó en el Departamento de Escultura en Piedra del Centro Cultural de Évora, Portugal. En 1989 recibió el Primer Premio de Escultura del Programa Cultura y Desarrollo del Club Portugués de Artes e Ideas. En 1992 obtuvo una beca de la Fundación Calouste Gulbenkian para un curso de escenografía en París. En 1993 regresó al Perú, donde actualmente reside. Fue la ganadora de la I Bienal Nacional de Lima en 1998. Obtuvo una residencia de un mes en el Vermont Studio Center (EE.UU.) en 2011. En 2013 fue invitada como conferencista al Pratt Institute, de Nueva York. Ha participado desde 1983 en numerosas exposiciones individuales y colectivas . Su exposición antológica Las Edades de la Piedra tuvo lugar en el ICPNA de Miraflores, Lima, en 2017. 164

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Suculenta 70 × 70 × 35 cm Alabastro negro, 2019

Amaru travertino, mural 300 m2, 2018 Foto: Alex Bryce

Volúmenes en tránsito hacia la completud. Sombras ya inocentes del molde inorgánico. Tranquilidades impacientes de otras tantas ondas de energía, que convienen mucho al mármol. Granos de arena en aquellos picnics reconcentrados que son ciertos jardines japoneses. Estados de turbación mineral que son estados de seriedad animal, sin rostro humano. Vaticinios afortunados acerca de qué quiere extruir de sí la piedra, algo que nunca se sabe. Un lenguaje escultórico de propuestas medidas al que una delgada película de sentido impide volver a supuestas condiciones originales, pre-Westphalen. Obras de arte, caracoles. Formas que intenta clasificar siguiendo el rastro de diversos estados de ánimo. Propuestas lógicas sobre como la mano podría seguir

al ojo en su delgado tránsito entre la posibilidad y lo permitido, incluso recomendado. Silencios reconvertidos en dispositivos naturales. Una inquietud: ¿la creadora está o no interfiriendo con la adoración de los bloques? Piezas a las que parece pesarles tanto el compromiso con la serenidad. Constatación de poca deriva útil: obras organizadas para establecer un centro geométrico. Para nosotros, el gran público, la promesa que los tiburones serán rosas. Oficio espléndido que logra impedirnos ver algo que nunca ha sido visto, que logra mantener los misterios en su sitio. Trapecismo intercincelatorio confiado a las virtudes aéreas de la densidad. Mírenlas volar. Mirko Lauer

Suculenta 72 × 57 × 29 cm Travertino, 2019

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Kundalini 70 × 28 × 26 cm Tallado en alabastro blanco con base de cuarzo negro

Sylvie Priou

Entre la forma y el vacío

Con una carrera inicial como investigadora en protección de cultivos a nivel internacional, su pasión por la escultura la ha acompañado a lo largo de su trayectoria científica. Sylvie Priou (Francia, 1963) renunció a su carrera científica en el 2007 para dedicarse a la escultura, principalmente en piedra de alabastro. Realizó su formación en cerámica y modelaje de arcilla en diferentes talleres en Francia. En Perú, de 2007 a 2008, se inició en la talla de piedra con el escultor Jorge Huamán Barrueta, en el taller Junín 430, en Barranco. Desde el año 2009, se desempeña como escultora de manera independiente en su propio taller. En Lima ha participado en 30 exposiciones colectivas, junto con destacados artistas peruanos. Ha sido finalista en el Concurso Anual de Escultura IPAE en 2008, 2010 y 2017, y ganadora del primer puesto de dicho concurso en el 2012. 166

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Corteza 28 × 36 × 23 cm Tallado en alabastro negro con base de mármol negro

Esculpir la piedra es un constante dar y recibir en el proceso de su transformación. Me enseña la constancia y perseverancia, y, aunque a veces es una labor tediosa, me llena de energía y serenidad a la vez. Este diálogo con la piedra me ayuda a lograr la comunión con el elemento tierra, a vaciar mi mente y a abrir mi espíritu al sentimiento puro. Aspiro a trascender las formas, a no solo labrar las apariencias exteriores de las cosas, sino su esencia. A que mis esculturas no solo complazcan los sentidos, sino que tengan también una vitalidad espiritual que sea más conmovedora. El vacío y la espiral están muy presentes en mis esculturas; son como caligrafías en el espacio en don-

de la sensualidad o la ternura transmutan del cuerpo humano a la forma pura. A pesar de su aparente abstracción, las formas entrelazadas expresan sentimientos puros y emociones entre seres humanos, como ternura, deseo, unión, conexión o protección. Otras son más geométricas y con muchas referencias simbólicas, inspiradas por los temas universales como la dualidad, el ciclo de la vida, el infinito, etc. Encuentro mi inspiración sobre todo en la naturaleza, particularmente en el mundo vegetal y marino, deseo transmitir su belleza con el fin de alabar la creación divina e incitar a la contemplación para lograr una paz interior.

Vestigio 47 × 40 × 22 cm Tallado en alabastro negro con base de granito

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C’ est tout 70 cm × 50 cm Relieve cerámico, 2005

Teresa Carvallo Cuerpo Incontinente

Nació en Lima en 1954. Es escultora autodidacta y propulsora del arte contemporáneo en el Perú. Ha promovido festivales de arte en Lima y provincias además de dictar cursos de cerámica y conferencias en diversos centros educativos del Perú y del extranjero. Ha realizado exposiciones individuales en Lima en el Centro Cultural de España, la galería de arte Cecilia Gonzalez & Denise Dourojeanni, la galería de arte Yvonne Sanguineti, la galería de arte Artco, sala de arte de la Fundación Euroidiomas y la galería de arte La Galería. Su obra ha sido exhibida en Alemania, República Dominicana, Estados Unidos, Brasil, Colombia y Perú. Y se encuentra en colecciones del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, del Museo de Arte de la Universidad San Marcos de Lima y de la Fundación Igneri Museo del Tile Cerámico en Santo Domingo, República Dominicana. 168

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La cocinerita Ideal 50 × 60 cm Relieve cerámico, 2012

La obra de Teresa Carvallo se estructura alrededor de un concepto fundamental que ha constituido uno de los principales pilares de la teoría feminista: la experiencia. Desde la reflexión de lo individual, y a través de la construcción de un conjunto de escenas de carácter alegórico, Carvallo enfatiza que “lo privado” deviene en lo público, proponiendo nuevas lecturas de las lógicas que conforman el canon de la feminidad. Ciertamente, su trabajo podría considerarse como una extensión visual de las prácticas de reflexión comunitaria feminista de los setentas en Norteamérica, denominadas consciousness-raising, o grupos de autoconciencia, que reflexionaban acerca “(…) de cosas personales, cotidianas, de la familia, del trabajo doméstico, de sus sentimientos, de sus frustraciones, de su sexualidad, de su maternidad, de su identidad como mujeres”. La propuesta de Carvallo extrae sus referentes visuales de aquellos medios que han construido el repertorio simbólico y representacional de la mujer en la sociedad y que, con el tiempo, han consolidado las lógicas sociales y culturales que determinan su lugar en esta: los periódicos y las revistas publicitarias, de moda, de política, etc. Además de la apropiación de imágenes, otros recursos como la ironía se consolidan como una de las principales herramientas

Que te chupe qué…? 40 × 60 cm Relieve cerámico, 2005

críticas de desmontaje del discurso normalizador y de las representaciones tradicionales que relacionan “lo femenino” con lo débil, lo bueno o la maternidad asexuada. En concreto, con aquellos arquetipos Carvallo desdeña y reconfigura por medio de rituales creativos que reflexionan sobre los límites difusos de nuestra propia construcción cultural. Christian Bernuy

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Playland 1 120 × 100 cm Óleo sobre lienzo, 2018

Toto Fernández Ampuero

Realidades paralelas

Nació en Lima en 1971. Estudió Pintura en la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica del Perú y egresó el año 1998 como bachiller en Artes Plásticas con mención en Pintura. Ha desarrollado su arte dentro de la pintura figurativa contemporánea, pero sin dejar de incursionar en otras disciplinas como la ilustración, la fotografía, el video-arte y la escultura. Ha participado en 10 exposiciones individuales en Lima (Perú) y numerosas ferias de arte, como Parc 2016, Houston Fine Art Fair (2014), Arte Américas (2005-2007) y Art Lima (2013-2014). También ha participado en muestras colectivas nacionales y en el extranjero, en países como Guatemala, Panamá, México, Brasil y los Estados Unidos. 170

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Ophelia 180 × 130 cm Óleo sobre lienzo, 2016

Siempre me interesó la pintura al óleo como técnica principal de mi obra. En este contexto, mi trabajo gira en torno a los conceptos formales y tradicionales de la pintura. Técnicas, materiales y soportes; dando prioridad al oficio de pintor como punto vital para la creación de una pieza de arte. Los temas que me interesan son netamente urbanos y contemporáneos; incido mucho en la psicología individual y creo personajes con una gran carga emotiva que pueda generar algún nexo con el espectador, así como metáforas de situaciones cotidianas. De ese modo, busco que la obra sea un punto de partida para un descubrir. Trato a los individuos como personajes atemporales, sumergidos en un momento que la propia obra sugiere. Abordo temas como la sensualidad, la soledad, la culpa, el amor, la muerte, la búsqueda de la identidad, la rutina, etc. En mi trabajo, la figuración es predominante. Abundan las imágenes de glamour de décadas pasadas

y contemporáneas, sobre todo en mis personajes femeninos, que juegan un rol primordial en mi obra como ideal estético y figura de conflicto. Mi paleta la considero sobria, depurada y restringida en mis primeros cuadros, mientras que en la actualidad hay un uso considerable de color y multiplicidad de tonos, influenciado por la cultura urbana actual, el diseño, los medios masivos de comunicación y cultura pop. Mi preferencia por valores y patrones globales, históricos y mediáticos hizo de la apropiación de imágenes una constante en mis primeros años. Actualmente produzco mis propias fotografías, busco la/ os modelos, y me encargo de la dirección de arte y el styling. La fotografía se ha vuelto un punto de inicio, mas no define la totalidad de una pintura. Busco que cada una tenga su propia temperatura y composición, y dejo que el cuadro me vaya guiando hasta su consecución.

Mindfullnes 6 180 × 80 cm Óleo sobre lienzo, 2019

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Devociones modernas 60 × 50 cm Técnica mixta

Verónica Torocahua Los límites del pudor

Es artista visual multidisciplinaria y bachiller en pintura de la Escuela Nacional de Arte Carlos Baca Flor de Arequipa. Obtuvo el primer lugar en la categoría profesionales del XI Concurso de Acuarela Premio Tlatoc en el Museo Nacional de la Acuarela de México (2017) y la primera mención de honor juvenil del concurso internacional Que Fluya el Agua, como parte de la Bienal Internacional de Acuarela en Quito, Ecuador (2017). Comenzó a exponer desde 2013 participando en diversas muestras colectivas en Lima, provincias y el extranjero. Tiene tres exhibiciones individuales: La Femme, en la Galería AC/Lab (2016), Arequipa. La Piel de la Flor, en la Biblioteca Nacional Mario Vargas Llosa, Arequipa (2019): y La Carnalidad del Agua, en C.C. Amaru, Lima (2019); además de la exposición-cordeleada Educada y Prostituida Luciferina Caníbal, en el taller Pucará Bulls de Arequipa (2017). Representó al Perú con acuarela en el Young Festival International Watercolor IWS PLOVDIV , en Bulgaria (2019). Es vicepresidenta de la Asociación Nacional Watercolor Peruvian Young, que organizó el Primer Festival Internacional de Acuarela en Perú en alianza con el ICPNA. Fue residente del proyecto Casa Cultural Escuela Libre de Arte en Lima (2018-2019). Fue invitada del programa Detrás del arte del canal nacional TV Perú. en el año 2016 forma el colectivo artístico Quinto Piso en Arequipa. Colabora con la Asociación Cultural Piurana Nair y Nap de Piura y es directora y fundadora del proyecto nacional de arte multidisciplinario Aquelarre, muestra donde comulgan las herejías, la mística y el surrealismo andino iniciado en 2015. Su obra ha sido expuesta en países como Bulgaria, México, España, Ecuador y Colombia. 172

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Serie menstruadora Acuarela

Verónica Torocahua persigue el deleite a través del instinto quirúrgico de la transformación de la anatomía femenina, un acto de vudú introspectivo en el que la experimentación de la obra implica un lienzo que sustituye la propia materialidad de la artista. Este riesgo psicológico y físico es total, y, por consiguiente, enciende una verdad que no se esfuerza en ser mediáticamente amable. La mujer es rescatada por la mujer en una puesta en escena que la inflama de un misterio profundo e inagotable. Un perfil abisal que ha sido vedado por una idiosincrasia que reduce Lo Otro a lo llano, estéril y didáctico. Verónica nos plantea con su arte una crítica a la creación y uso irreflexivo de los símbolos, a la benevolente asi-

milación de la práctica del martirio, y al exceso fatídico de lo unidimensional. En esta muestra creativa, la mujer es develada como un ente contradictorio y monstruoso, un desgarro que refleja lo poéticamente antinatural de la vida (la sangre, la gestación, las flores que se arrancan y constituyen los efímeros vestidos). Es aquí lúcidamente recreada como una potente arboleda que en sus heridas sociales se resiste a convertirse en una mera inmobiliaria artística, retórica y politizable. Y se nos aparece como una indomable serenata que devuelve la mirada hacia sí misma en un desencadenado y culturalmente peligroso acto de confrontación.

Her Técnica mixta, 2019

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Sembrador de mitos 150 × 150 cm Acrílico sobre lienzo, 2017

Vidal Bedoya

Ritual y símbolo

Nació en Lima el año de 1964. En la adolescencia, entre 1978 y 1979, toma cursos de dibujo y acuarela en el Museo de Arte de Lima y privadamente con el maestro Jesús Soto. En 1986, decide ingresar a la Escuela de Bellas Artes de Lima, en la que se formó con maestros como Miguel Nieri, Enrique Galdós Rivas, entre otros, hasta 1991. Además, tomó un curso de un año en el taller de cine de Armando Robles Godoy. A finales de los 80 y durante la década de los 90 participó en una serie de muestras colectivas, de las que sumaría más de 400. Esta etapa le permitió aclarar sus intereses temáticos, dominar su técnica y encontrar un estilo de trabajo. En el año 2000, inician sus proyectos personales e individuales en galerías privadas, centros culturales y museos, tanto en el Perú como en el extranjero, labor que continúa actualmente y lo ha llevado de viaje a exponer tema y obra en ciudades como Lima, Washington D.C., Bruselas, Rabat, Roma, Cosenza, Stuttgart, Madrid, Barcelona, Capri y, últimamente, Núremberg y Ciudad de Panamá. 174

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Celebración 290 × 100 cm Técnica mixta, 2019

En la pintura de Vidal Bedoya, cada cuadro es un reto, y cada reto, la búsqueda de un contrapunto entre un lenguaje que connota contemplación y otro que expresa rigurosidad pictórica. Si bien es cierto que cada cuadro es una zona poblada de signos, también es una constante de sentidos en gestación. El artista nos muestra en sus trabajos figuras orgánicas, que emergen y van impregnando el escenario sin por eso perder sus rasgos abstractos originarios, pero también, pueden aparecer en algunas obras sugerencias de figuras humanas o humanizadas. Es un lenguaje complejo altamente simbólico y notablemente ritualizado.

La pintura de Vidal Bedoya ha conseguido, como el propio pintor, una vida independiente de cualquier tema deliberado. Es así que el tránsito de sus obras, inicialmente más figurativas, al reino de la expresión simbólica, con sumo cuidado, casi con escrúpulos formales, se ha definido progresivamente como una depuración de su propio discurso pictórico para ofrecernos, hoy por hoy, el hallazgo de un estilo propio, contundente y con evidentes referentes culturales. Vania Portugal Larco

José Medina

Danza ritual 200 × 130 cm Óleo sobre lienzo, 2016

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Perspectiva aérea 100 × 90 cm Óleo sobre tela

Vivian Wolloh La sutileza de las formas

Luego de graduarse de la Escuela Superior de Bellas Artes en París, viaja a Nueva York, donde trabaja la serie Monócromas, influenciada por el pensamiento de los ready mades de Duchamp. En ella, las obras son como objetos de reciclaje donde la artista deja ver trazos y escrituras en telas gastadas. La obra La Mesa queda como semifinalista en el concurso de National Endowment for the Arts, en Miami, y gana el concurso Art in Public Places para formar parte de la colección de arte permanente del aeropuerto de Palm Beach, Florida. Fue seleccionada para exponer en el Museo de Arte Moderno de Fort Lauderdale bajo la curaduría de Donald Kuspid. Expuso tres colectivas en Nueva York. Desde 2001 reside en Lima, donde empieza un proceso de introspectiva y regreso a lo figurativo. Expone en Galería Wu. Exhibe Circuitos en el ICPNA bajo la curaduría de Miguel Zegarra. Muestra interés en las placas madre o motherboards y el impacto tecnológico sobre culturas indígenas amazónicas. Expone Paisajes Imaginarios ll en Galería Vértice y Líneas de Tiempo en Galería Sanguineti. Su más reciente muestra se titula Extraer/Contener, bipersonal en el Centro Cultural Inca Garcilazo, y ha participado en la feria de arte PARC en el MAC y en Casa Prado. 176

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Gota de agua 30 × 21 cm Lápiz sobre papel

Tengo un marcado interés místico creativo en la amplitud y entendimiento del espacio donde vivimos. El cambio es el eje circulante en mi obra, y entiendo la pintura como un acto ritual. Mi trabajo ha ido cambiando de forma, aunque no de manera radical, y esta metamorfosis espiritual tiene varios formatos, de acuerdo con la presentación y el paso del tiempo. Cuando me planteo crear una obra, abarca todo espacio donde vivo e interactúo. El gran lienzo es el punto de partida, donde plasmo con pinceles y lápices una lectura de símbolos, de elementos que

después van apareciendo y reproduciéndose en papeles, libretas y telas pequeñas. El arte es la urgencia de la vida en plasmar cada reflexión. Se hilvana una suerte de hilo telepático desde un pensamiento muy fino que relaciona el espacio, la idea y la materia; y, siendo este el proceso, termina en una suerte de cuerpo místico, utilizando la comodidad de materiales nobles. Mi actual trabajo es una navegación entre líneas y formas, con una paleta simplificada, donde rescato planos deslizantes y sugerencias gráficas.

Dorado 25 × 18 cm Acuarela dorada sobre papel

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She and her…reflection 01 120 × 120 cm Óleo sobre lienzo, 2017

Yulia Katkova

Cuestionamientos desde la autorreferencia

Yulia Katkova nació en 1986 en Tashkent, Uzbekistán. Sus influencias incluyen a Kris Lewis, Richard Phillips, Albrecht Dürer y Salvador Dalí. Sus obras están representadas principalmente por sensuales retratos femeninos. Yulia estudió en la Escuela de Arte en Tashkent (Uzbekistán). Uno de sus profesores fue el famoso artista surrealista de Uzbekistán Maskhud Tohtaev. Después de terminar sus estudios, se mudó a San Petersburgo, Rusia, donde trabajó como dealer de arte y artista en una galería. Su primera exposición individual fue en 2007 en San Petersburgo. Desde marzo de 2008 vive en Lima, desde donde continúa desarrollando su arte. Su primera exposición individual en Lima tuvo lugar en el 2014 y ha participado en numerosas muestras colectivas. 178

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…I keep eyes on you, you keep eyes on me 60 × 60 cm Óleo sobre lienzo c/u, 2017

Yulia es una artista que trabaja el realismo con influencias del hiperrealismo y el arte pop. Explora el autorretrato y temas urbanos, creando imágenes sensuales, llenas de emociones y sentimientos. La artista afirma que la sinceridad que ella transmite en su obra hace que el espectador pueda encontrar algo de sí mismo en cada imagen. Sus proyectos más destacados son: Twins (20132014), en el que explora el tema de su dualidad. Este proyecto fue su primera muestra individual en Lima en Bruno Gallery en 2014. She (2015) fue una muestra dedicada al tema de las “lolitas limeñas” en la galería Kasa Roja. En la exposición She and Her... (2017), que tuvo lugar en Galería Indigo, de la forma clásica de retrato y se enfoca en sus pies.

En Boy & Girl explora la unión de lo femenino y lo masculino en su personalidad. Superheroes (2014-2016) aborda su mirada a los héroes de los comics. Reflections (2016-2017) explora la fusión de imagen y espacio. In front of the Endless Ocean (2017, en proceso) es una muestra dedicada a los espíritus libres en todo el mundo que se encuentran frente a algo caótico, pero no pierden su equilibrio. Tokyo Nights es un pequeño subproyecto de In Front of the Endless Ocean, un enfoque a un lugar particular Tokyo; y un personaje perdido en un lugar desconocido que no pierde su equilibrio interno.

Shinjuku 86 × 60 cm Acuarela, 2019

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www.artmotiv21.com

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Profile for artmotiv

Núcleo: Arte Visual Contemporáneo  

Núcleo nace cómo proyecto curatorial de ArtMotiv y se divide en la materialización de un archivo de arte contemporáneo, a través de la publi...

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