Revista Digital Cultur

Presentación Nueva época, un nuevo amanecer

Programación virtual especial VI Circuito Folklórico Internacional Ciof®

Se hará en 2021 Folkloriada mundial Rusia 2020

Turismo cultural

En busca de destinos que cuenten historias In memoriam

El gran “Cuco” Rojas

Ensayo

Danza paisa de proyección

Cultura y sociedad

Cuando el aislamiento se convierte en arte Poesía

Mario Benedetti - Fabio Salazar Hurtado

Poetas del Pacífico y del Caribe

Maria Teresa Ramírez, flor de Palenque

Cultura y mujer

XXXVI Encuentro de Poetas Colombianas del Museo Rayo virtual

Cultura y sociedad Consejos de artista ruso que estuvo bajo arresto domiciliario Libros Como hombres, de Ana María Mesa

Ojos con el cine Virus y epidemias en películas

Arte, cultura y turismo virtual La Unesco promueve la cultura y el patrimonio durante la crisis de la covid-19

Editor Editor Asistente Investigación Circulación Diseño y Diagramación

Efraín Góngora Giraldo Danny Grimaldo Flórez Carlos Andrés Osorio Sebastián Castañeda Carlos Eduardo Pinilla Cruz

Próximas ediciones - reconocimientos Nacional de Concertación Apoyan

Nueva época, un nuevo amanecer PRESENTACION

Con el apoyo de la Alcaldía de Manizales – Instituto de Cultura y Turismo y, para esta edición de julio, del Ministerio de Cultura de Colombia – Programa Nacional de Concertación Cultural, damos vida, en una nueva etapa, a este proyecto editorial digital, en el deseo de que ella, al igual que todas las 10 ediciones anteriores realizadas, las primeras 5 con el nombre Revista Redes en Red –Redes de Danza Folclórica de Colombia y las 5 últimas con la nueva marca Cultur.

Este producto editorial, de difusión y construcción de vínculos de amistad, intercambio y asociatividad de actores culturales, artistas, creadores, investigadores, críticos, programadores, entidades de fomento e instituciones públicas y de la sociedad civil relacionados con la cultura y el turismo cultural, aspira a continuar aportando a procesos de fortalecimiento, visibilización y difusión de acciones, emprendimientos y proyectos relacionados con las artes tradiciona les y contemporáneas, el patrimonio material e inmaterial de nuestros pueblos, las expresiones identitarias, de todas las épocas y de todos los territorios para generar, más allá del disfrute colectivo para la construcción de nuevos sentidos de reconocimiento, valoración y apropiación social.

No desconocemos las particulares restricciones que, para los hacedores de arte y cultura, se dan en los actuales momentos. Pero no queremos limitarnos a esta mirada. Por el contrario, concebimos contenidos más allá de la crisis mundial que vivimos, pensando en el futuro, en la nueva época que vendrá “….cuando la tormenta pase”, como tan bellamente nos lo sugiere el poema de Mario Benedetti inserto en esta edición. Cuando hayamos superado la crisis, todos los actores de la cultura, las artes y el turismo cultural auténtico y responsable, habrán de revivir, con más amor y entusiasmo que nunca, sus sueños, sus esperanzas, sus acciones y sus proyectos.

En esta edición incluimos: un artículo informativo sobre el VI Circuito Folclórico Internacional Cioff® que realizaremos de manera virtual, una nota sobre la Folkloriada Mundial Cioff® Rusia 2020 aplazada para julio del año entrante, un artículo sobre las nuevas tendencias del turismo cultural, un homenaje póstumo al gran artista llanero Carlos “Cuco” Rojas, un riguroso ensayo sobre la danza paisa de proyección del maestro Alberto Londoño, temas de Cultura y Sociedad que abordan la problemática originada en la pandemia, un aparte dedicado a la poseía que

se nos había sugerido, un artículo sobre el mismo tema abordado en el cine, reseñas de importantes encuentros literarios en los cuales la mujer es la protagonista, un interesante artículo de difusión sobre las acciones de la Unesco en la actual coyuntura y lecturas recomendadas, entre otros temas.

En este 2020 pondremos en circulación 3 ediciones más: el 1 septiembre, el 1 de noviembre y una edición especial de fin de año, el 1 de diciembre. Invitamos a todos y todas, amables lectores, a sentir como propio este proyecto editorial. Y a enviarnos sus ideas, sugerencias, artículos, información de eventos y cualquier tipo de información documental, en cualquier formato, que aporte al enriquecimiento y cualificación de los contenidos de esta revista digital. Y a ser multiplicadores de su difusión, especialmente a

Nuestro reconocimiento especial al Doctor Juan José Silva, gerente del Instituto de Cultura y Turismo de Manizales, por su apoyo incondicional a este proyecto cultural de ciudad, de región y de país.

EFRAIN GONGORA GIRALDO, Editor

Gobernacion de arquitectura republicana

Programación virtual especial

VI CIRCUITO FOLKLÓRICO INTERNACIONAL CIOFF®

Con el Ballet El Trébol, Provincia de Santa Fe, Argentina

Cuando en el cálido verano de 2012, en el caluroso puerto caldense de La Dorada, tuve oportunidad de compartir el primero de muchos cafés colombianos con la maestra Graciela Pons, directora de esta agrupación argentina, no imaginaba que ese encuentro sería el preámbulo de una bella amistad por demás enriquecedora y que ha perdurado en el tiempo, sino además de una gira que nos permitiría presentar el ballet en Manizales y siete municipios de Caldas.

En atrios de iglesias, en parques, en espacios abiertos y en el magnífico Teatro Bicentenario de Aguadas, 30 bailarines y músicos realizarían presentaciones, inéditas hasta ese entonces, ante públicos de todas las edades y procedencias sociales que aplaudieron, con desbordante alegría y entusiasmo, las músicas y las danzas del país gaucho: chacareras, sambas, malambos, tango antiguo y moderno, jota cordobesa, candombes, valses porteños, danzas de carnaval y bailes cortesanos y de salón.

Foto: vtropea.ph

Y no podía ser de otra manera, tratándose de una agrupación folklórica de alta calidad interpretativa tanto en lo danzario como en lo musical, fundado en el año 1978 en la ciudad de El Trébol, Provincia de Santa Fe, República Argentina, por sus directores Graciela Pons y Víctor Recalde, en cuyas puestas en escena pueden apreciarse alegorías temporales y regionales que cubren el amplio espectro del folklore argentino.

Los programas institucionales, de creación artística y proyección cultural del ballet, son el resultado de rigurosos trabajos de investigación referentes a los carnavales de diferentes culturas latinoamericanas, puestas sobre el itinerario de las danzas en América y componentes de las expresiones musicales y danzarias del folklore argentino y latinoamericano.

Es en ese mismo marco que la maestraa Graciela Pons se ha especializado a través de la investigación y cursos de perfeccionamiento en diferentes países del mundo, lo que le permite a Ballet El Trébol contar dentro de su repertorio con puestas sobre manifestaciones danzarias de diferentes culturas.

Más de 40 giras internacionales ha realizado el Ballet El Trébol desde su creación, las cuales han incluido países de varios continentes, en algunos de los cuales ha realizado circuitos en más de una oportunidad: Estados Unidos, Israel, Italia, Puerto Rico, Ecuador, Inglaterra, Hungría, Polonia, México, Colombia, Brasil, España, Bélgica, Francia, Holanda, Luxemburgo, República Checa, Chile, Qatar, Omán, Emiratos Árabes Unidos, Portugal, Rumania, Serbia, Chipre, Turquía y Paraguay, entre otros.

El Ballet El Trébol no participa de festivales competitivos, sin embargo cuenta con numerosos premios y menciones especiales por trabajos realizados y presentados en diferentes países del mundo, como, entre otros, El Gardel de Oro otorgado en 1992 por la

Foto: vtropea.ph

Ballet él Trébol

VI Circuito Folklórico Internacional CIOFF® Virtual

Con el apoyo del Ministerio de Cultura –Programa Nacional de Concertación Cultural, la Corporación Cultural tenía previsto realizar, en Manizales y 4 municipios del oriente caldense, el sexto circuito folclórico internacional con la participación de la agrupación folclórica que hemos descrito atrás. Por razones obvias, la programación prevista se realizará de manera virtual, del 15 al 24 de julio, a través de nuestras redes sociales y ella incluirá:

* Una presentación virtual del Ballet Folclórico El Trébol, de la Provincia de Santa Fe, Argentina, bajo la dirección de los maestros Víctor Recalde y Graciela Pons.

* Un encuentro virtual, en tiempo real, con la maestra Graciela Pons, sobre el tema “La danza y los procesos creativos durante la crisis”.

* Presentaciones de solistas, parejas y grupos de danza folclórica y otros géneros danzarios de los municipios que habían sido incluidos en la gira presencial inicialmente planeada:

Manizales, Pensilvania, Samaná y La Dorada.

Desde ya estamos invitando a las casas de la Cultura de los municipios; a artistas, creadores, danzantes, agrupaciones folclóricas; a niños, jóvenes, adultos y mayores; a gestores culturales y al público en general, de Manizales, Caldas, Colombia y otros países, acompañarnos en estos interesantes eventos culturales y artísticos, con sus ideas, preguntas, sugerencias y, naturalmente, acompañándo nos, en tiempo real, desde sus computadores, tabletas y celulares. y contacto: Cultural Arte&Ciudad Arte y Ciudad Manizales @arteyciudad +57 (312) 259 05-02 - +57 320 770 4696 – Colombia

Programa Nacional de Concertación Cultural Apoya

Ballet él Trébol

VI FOLKLORIADA MUNDIAL CIOFF® RUSIA 2020

CUANDO LA TORMENTA PASE

Enrique Jatib Thome, Coordinador de Festivales de la Sección Nacional Colombia de Cioff®

Se trata del más importante evento mundial del folclor. También conocida como Juegos Olímpicos del Folclor, es una gran fiesta que se realiza cada 4 años y reúne a delegaciones artísticas en representación de unos 80 países, siendo el más importante encuentro de las culturas populares del mundo, un gran espacio para promover la amistad entre los pueblos, desde la danza y la música tradicionales.

La primera Folkloriada Mundial COFF® - Consejo Internacional de Organizaciones de Festivales de Folklore y Artes Tradicionales, se realizó en los Países Bajos en de 1996. Posteriormente se realiza la segunda edición en Japón en 2000 y la tercera en el año 2004 en Hungría, siendo esta última la primera versión en la que participó una delegación colombiana, integrada por los maestros Ángel María Villafañe, Etelvina Maldonado y Diluvina Muñoz Barriosnuevos, quienes asistieron acompañados por el grupo de danza y música Creadores Eméritos de Bolívar, cuya integración y participación fue promovida y auspiciada por el Fondo Mixto para la Promoción de la Cultura y las Artes de Bolívar, entre otras entidades del orden nacional y departamental.

Como consecuencia de los desastres naturales que se produjeron en China en el año 2008, no pudo efectuarse la Folkloriada prevista para ese año. Debido a ello, en Anseong,

Danzas de México

Corea del Sur, se realizó formalmente la cuarta versión mundial en octubre de 2012, la cual contó con la participación de Colombia, representada por el grupo Amauta de la Fundación Artística del Tundama, seleccionado mediante convocatoria nacional realizada por el Ministerio de Cultura.

La quinta versión del evento mundial, se realizó por primera vez en América, en la ciudad de Zacatecas, México, en 2016 y a ella asistió nuestro país con una nutrida participación de artesanos, representantes del movimiento juvenil CIOFF® y la agrupación folclórica una agrupación folclórica Kaluá, de Bogotá. Para la presencia de nuestras delegaciones en las folkloriadas mundiales ha sido determinante el apoyo del Ministerio de Cultura de Colombia.

DEL 2020 AL 2021

Para el verano de este año estaba prevista la VI Versión de la Folkloriada Mundial Cioff® la cual se realizaría en la ciudad de Ufa, capital de la República de Baskortostán, en Rusia.

El gobierno de la República de Bashkortostán y CIOFF® tomaron esta decisión de aplazar la VI Folkloriada mundial, para preservar la salud de los cerca de 3.000 músicos y bailarines procedentes más de 80 países.

Las delegaciones nacionales que estaba previsto participarían este año este año, se mantendrán para el 2021: una exposición de máscaras de la cultura Kamentzá del valle de Sibundoy, un stand de artesanías autóctonas, una muestra de nuestros juegos tradicionales y la participación de la Agrupación Folclórica Carmen López de la Universidad del Valle.

Grupo Carmen López Universidad del Valle

Foto: arte&ciudad

Turismo cultural EN BUSCA DE DESTINOS QUE CUENTEN HISTORIAS

Wilmar Duque Gómez*

Si algo deberá transformarse y replantearse es la forma en la que viajamos. No serían importantes solo los lugares colmados de turistas buscando belleza estética, sino los destinos que cuenten historias, relatos en donde el factor humano prevalezca sobre cualquiera de los recursos.

En medio de la situación actual la base de datos más importante del mundo del cine en Internet, Movie Database (IMDb), ha reclasificado la película “Contagio” de ciencia ficción a drama. Y es que, sin duda, la ficción es hoy nuestro drama, un drama que deberíamos mirar más allá de las desventuras. Así lo hizo Homero en La Odisea al consignarlas como “desdichas labradas por los dioses para que a las generaciones futuras no les falte que cantar”, convirtiéndose así en fuente inagotable de inspiración de grandes historias que serán contadas a través de la tradición oral, la música, el cine, la literatura. Y también lo deberá hacer el turismo si tenemos en cuenta que una de las más importantes razones del viaje son “las historias que brinda el destino” a través de las cuales los viajeros se hacen más sabios, mejores personas, se hacen más felices.

Foto: Librerío de la plata

Así lo han hecho nuestros más insignes creadores de historias, que sin haberlas vivido fueron capaces de imaginarlas y conjurarlas: Rafael Escalona con la canción “la peste”, Gabriel García Márquez con su adaptación del libro de Daniel Defoe para “El año de la peste”, película del director mexicano Felipe Cazals, “La peste del insomnio”, en Cien años de soledad, “El cólera” en la épica historia de amor de Florentino Ariza y Fermina Daza.

De tal forma descubrimos que gracias al rigor sanitario del Dr. Juvenal Urbino, del cólera propagado por el río Magdalena, allí solo nos quedó una historia de amor universal de la cual no solamente hay libro, sino película del afamado director de cine Mike Newell, y música de la muy popular cantante Shakira; también seremos testigos de cómo en Macondo “se organizó la vida de tal modo que el trabajo recobró su ritmo”, debido al alto sentido de responsabilidad y bondad del patriarca José Arcadio Buendía para con sus semejantes, al mantener “la peste circunscrita al perímetro de la población”, impidiendo “que el flagelo se propagara a otras poblaciones”, control que ejercía por medio de unas celebres “campanitas”.

Si algo deberá transformarse y replantearse es la forma en la que viajamos, donde ya no solo pueden ser importantes los lugares colmados de turistas buscando belleza estética, sino los destinos que cuenten historias, relatos en donde el factor humano prevalezca sobre cualquiera de los recursos que ofrece el territorio que se visita. Y precisamente la obra del Nobel colombiano Gabriel García Márquez es un gran referente que no solo muestra al mundo los lugares más representativos de la geografía nacional, desde ciudades y ecosistemas del Caribe colombiano hasta Bogotá con sus colosales páramos, pasando por el río Magdalena que cruza el país de sur a norte, sino que sobre estos y demás parajes puestos en valor por su obra, crea historias legendarias plasmadas en su realismo mágico.

El turismo podrá entonces gestionarse y potencializarse en un extenso espacio en donde no solo sobresalen los lugares turísticos sino los recorridos entre ellos. Es precisamente esa la evolución del turismo cultural que se sustentaba en lo monumental y museístico y evoluciona hacia un mayor interés por la cultura viva. Ahora los viajeros no solo quieren ver lugares, sino recorrerlos, vivirlos, sentir que

Foto: Festival Nacional del Pasillo Colombiano

forman parte de su propia experiencia, a través de su cultura viva. De esta forma, y para mencionar solo dos ejemplos, si bien es importante una Sierra Nevada de Santa Marta desde una perspectiva ambiental, lo son tam bién cada una de las comunidades indígenas que la habitan y la han conservado para nuestra y futuras generaciones; si lo es el río Magdalena, también lo son las poblaciones rivereñas y la cultura inserta en ellas a lo largo recorrido, desde las alturas del macizo colom biano hasta su llegada al mar caribe.

Los nuevos gestores, promotores y operadores de un turismo más innovador proponen, entonces, nuevas formas de vivir, de disfrutar, de “leer” nuestro país y sus enormes riquezas culturales y naturales, todo ello desde diferentes géneros narrativos correlacionados, como la literatura, la música, las producciones audiovisuales, la tradición oral; disciplinas que recogemos a través del turismo para dar una “lectura” holística a los territorios, dando pleno sentido a la frase de uno de los grandes sabios de la humanidad, San Agustín de Hipona: “….el mundo es un libro, quien no viaja lee solo una página”.

TURISMO Y ARTESANÍAS EN COLOMBIA

La estrecha relación existente entre el turismo y las artesanías se hace evidente en cada una de las razones del viaje, en primer lugar con “las historias que brinda el destino”, por medio de las cuales el turista se hace más sabio, mejor persona, se reconforta, mejora su carácter, se hace más feliz. Los destinos no son simplemente paisajes para contemplar, son territorios llenos de historias, de relatos que el turista va descubriendo a medida que lo transita, bien sea porque historias y relatos le son narrados a través de la palabra o porque los descubre a través de alguna simbología, material o inmaterial. La artesanía se convierte entonces en uno de los más importantes elementos a través de los cuales los territorios murmuran mágicas historias dignas de ser conocidas por los nuevos viajeros que no solo quieren ver lugares sino además recorrerlos, vivirlos, sentir que forman parte de su propia experiencia, a través de su cultura viva, de sus artesanos, de sus manifestaciones culturales identitarias.

“Macondo estaba transformado, la aldea de otro tiempo se convirtió muy pronto en un pueblo activo, con tiendas y talleres de artesanías”: Gabriel García Márquez, Cien años de soledad

Foto: artesanias de colombia

Ahora, teniendo en cuenta la “socialización” por medio de la cual los turistas quieren hacerles saber a sus círculos sociales sobre los lugares que visitan y las experiencias que allí se viven, entendemos la función que la artesanía cumple en dicho rol al testimoniar la visita a un territorio, con la importancia que esto supone, dado que así se estará logrando incidir durante la primer y determinante etapa de “inspiración” del viaje en la que se encontrarán los círculos sociales más cercanos a los cuales se influye, adoptando con ello prácticas de una de las más importantes tendencias en marketing como es el “word of mouth”, táctica de mercadeo, que podría traducirse como “voz a voz”, considerada altamente efectiva en la medida en que se basa en los testimonios que los viajeros que comparten sus experiencias con círculos, familiares, sociales y empresariales.

“Todos eran artesanos hábiles, hombres de su casa, gente de paz”: Cien años de soledad

Más allá de la artesanía misma, en el centro de toda construcción cultural en ella implícita, está el factor humano, el artesano, quien con sus manos y su inspiración convierte sus productos,

sus artesanías, en piezas únicas, a través de las cuales se plasman crónicas inimaginables, con su recursividad, su creatividad e imaginación, sustentadas en las realidades de su transcurrir cotidiano y ancestral vivir. Las artesanías se convierten así, más allá de su belleza visible, en obras impregnadas de historias, de personajes, de mitos y leyendas, de tradición oral, de narrativas populares que estructuran la identidad de un territorio, de una comunidad, de una cultura.

La visión contemplativa y paisajística, de espacios urbanos o de entornos naturales, propician un cierto “éxtasis estético” y ello es, generalmente, una de las motivaciones fundamentales y, de paso, una limitante que en muchos casos priva al turista de una experiencia mayor, más estimulante, más sensorial, en un sentido amplio. Adentrarse en el mundo de los artesanos tradicionales, conocer sus historias, sus técnicas ancestrales, sus motivaciones y sus inspiraciones, se convierte así en una experiencia vivencial única, en un canal que hace posible un enriquecedor vínculo emocional entre el visitante y el destino. Dejemos que los objetos artesanales y sobre todos quienes los labran con sus manos, cuenten historias.

Foto:

Redbus

Foto: ProColombia

Carnaval de Barranquilla de Leyva

Esta renovada visión del viaje, del turismo, bien podría condensarse en la expresión del Premio Nobel de Literatura Derek Walcott en Estocolmo al decir: “…el viajero, a diferencia del turista, es el que entra en contacto con el mundo al que visita, que no busca sólo una presurosa fotografía para su colección, o un recuerdo pintoresco, sino que se atreve a vivir ese mundo, y hasta corre el riesgo de llegar a pertenecerle”.

“Consiguió imponer en Macondo el ambiente de paz rural con que soñaba el coronel Aureliano Buendía para morirse de viejo fabricando pescaditos de oro”: Gabriel García Márquez, Cien años de soledad.

TURISMO LITERARIO Y TURISMO MUSICAL

Las últimas campañas de promoción internacional en turismo de Colombia, “realismo mágico” y “siente el ritmo”, sugieren claramente una referencia a la literatura y a la música, géneros narrativos que guardan una estrecha reciprocidad. No en vano el cantante Bob Dylan se encuentra entre los homenajeados con el Premio Nobel de Literatura. Esa relación vinculante entre literatura y música se hace evidente en nuestro país por los vasos comunicantes existentes entre las obras literarias y los géneros musicales representativos de cada una de las regiones naturales y culturales del país.

Con este referente, las nuevas corrientes de un turismo cultural innovador y moderno, diseñan y promueven “viajes” virtuales de turismo literario y turismo para hacer más “fresca” la experiencia lúdica y enaltecer las expresiones artísticas de narrativas literarias y creaciones musicales. Así, el país no solo es reconocido por su amplia diversidad de bellezas naturales y paisajísticas, sino también por su enorme riqueza literaria y musical. Las “historias que brinda el destino” a través de las nuevas narrativas artísticas ofrecen al viajero experiencias únicas, a través de las cuales los viajeros se hacen más sabios, mejores personas, se reconfortan y en definitiva se hacen más felices.

En esta propuesta, es pertinente hacer claridad de que no se trata de leer textos mientras se viaja sino más bien de ”leer”, con una mirada holística, los territorios a través de obras literarias y musicales que ponen en valor la naturaleza y cultura de las regiones, dando pleno sentido a la frase de uno de los grandes sabios de la humanidad, San Agustín de Hipona: “El mundo es un libro, quien no viaja lee solo una página” Esta modalidad de turismo en Colombia, a diferencia de las más importantes rutas literarias y musicales del mundo que se desarrollan en ciudades principales o capitales, en nuestro país tiene por escenario la

Foto: weebly

Monguí, Colombia

Norcasia - Oriente y magdalena caldense

naturaleza y como protagonista al factor humano, por lo que se convierte en una estrategia para cualificar el producto y mercado turístico a través del patrimonio cultural literario y musical, dando así origen a una singular combinación entre naturaleza, cultura viva, literatura y música.

Es así como al seguirle los pasos a los autores y personajes imaginarios de las obras literarias y musicales más representativas del país, somos testigos de que la exuberante naturaleza y la original cultura de cada una de las regiones de Colombia están exaltadas por su literatura y música autóctona, que paralelamente describen la gastronomía, la artesanía, las tradiciones, las costumbres, los mares, los ríos, las montañas, las aves, y por supuesto el factor humano prevaleciente en cada una de las regiones descritas minuciosa y mágicamente por estos géneros narrativos correlacionados. Gabriel García Márquez afirmaba que “Cien años de soledad es un vallenato” y “El amor en los tiempos del cólera, un bolero”. Y en igual sentido, podemos “viajar” a través de los cantos de trabajo propios de los llanos orientales y el joropo en “La vorágine”, las músicas de marimba y los cantos tradicionales del pacífico sur, la novela “María” de Jorge Isaacs que recrea en entorno de la inmensidad y de la belleza del Valle del Cauca y sus cultivos de caña, y de la música campesina, con sabor a tierra, amor y trabajo, en la obra costumbrista de Rafael Arango

Villegas, inserta hoy en el Paisaje Cultural Cafetero colombiano, patrimonio cultural de la humanidad por declaratoria de la UNESCO.

La invitación es, entonces, a disfrutar estos tiempos de aislamiento y “recorrer”, a través de las nuevas tecnologías, las maravillosas regiones naturales y culturales de Colombia a través de nuestra literatura y música: así lo decía Emily Dickinson cuando afirmaba que “….para viajar lejos, no hay mejor nave que un libro”. Y así también esperamos, en un futuro cercano, que visitantes foráneos y nosotros mismos puedan ellos y podamos nosotros recorrer lugares mágicos para hacer cierto aquello de que “….hay libros que no solo se leen, sino que además se transitan, se habitan, se viven”.

(*)Wilmar Duque Gómez es administrador de empresas, apasionado por la literatura, tema que ha incorporado a su labor profesional en la empresa PAZappORTE Colombia, desde la cual viene impulsando dos líneas empresariales, una en servicios a través del “Turismo Literario” y otra en productos con el proyecto “Artesanos de Macondo”, en las cuales prima el valor simbólico como centro de las nuevas industrias creativas y culturales de Colombia.

EL GRAN ‘CUCO’ ROJAS

‘Cuco’ era muy inquieto, demasiado diría yo. Investigó para crear, y creó para gustar. Fue un músico excepcional; él, que no lo trancaba nada, que no se amilanaba ante los retos y menos cuando de inventar se trataba, y con un poco de atrevimiento, llegaba hasta donde quería, y más.

Así era Carlos ‘Cuco’ Rojas. Sus primeras notas musicales en su natal San Martín fueron el inicio de un grande de la música llanera y quien jamás iba a quedar a gusto con lo que lograba, pues siempre buscaba más. Desde joven decidió ser el mejor en lo que hacía, y sin dudarlo cogió maleta para irse a Bogotá, en donde aparte de estudiar se dedicó a investigar, a inventar y reinventar la música llanera: Hizo de ésta su música, y a partir de allí compuso hasta el cansancio, para deleite de muchos, y en algunas ocasiones para disgusto de otros. ¿Qué le faltó a Carlos en la vida?. Que se le hubiera hecho el homenaje en vida que tanto mereció, que tanto añoró, pues él mismo así lo había manifestado. No importan los premios que se reciben internacionalmente, cuando este trabajo no es reconocido en su propia tierra, donde tiene sus raíces, se siente un vacío inmenso.

Diego Fernando Rojas Parra*

Director Corporación Cultural Danza Arte y Tradición DANZAT

Dicen que “nadie es profeta en su tierra”, y, lamentablemente como muchos otros, ‘Cuco’ se fue sin esta distinción, sin ese reconocimiento a su trabajo que muchos de sus amigos, y aún los que no lo fueron tanto, hubiésemos disfrutado con él. Nos faltó hacerle sentir el enorme aprecio que merecía su trabajo, que el gran sentido y sacrificio con los que asumió su dedicación profunda para dar a conocer mundialmente el joropo, habían valido la pena.

El grupo Cimarrón, su hijo, es el depositario de su legado que, esperamos, sabrá hacer perdurar. Y que en honor del gran maestro

fallecido emprenda su giras y presentacio nes, virtuales ahora, presenciales después, para llevar a todos los rincones del país y del mundo, por todos los medios posibles, los aires de su música, nuestra música llanera, que él creó, que él investigó, que él recreó y que él reinventó solo con el fin de darla a conocer. Y que nosotros los llaneros, sus amigos y paisanos, no se lo supimos reconocer en vida.

Y tuviste razón, ‘Cuco’, cuando una vez nos dijiste: “las verdades musicales, son verdades históricas, pero no inamovibles».

La danza es un cuento que se cuenta con el cuerpo y se vive con el alma: con este documento comienzo a contarles mi cuento de la danza paisa. Es mi aporte a la reconstrucción de la memoria de la danza de proyección folclórica en Antioquia, a partir de los años 50 del siglo pasado. Un aporte que es producto de mi trabajo y de mi memoria, de 60 años de vida artística en el mundo de las expresiones danzarias tradicionales de Colombia. Con estas publicaciones quiero hacer un llamado a bailarines, profesores, maestros y directores de grupos de danza para que publiquen, por estos medios, sus saberes sobre la danza en general y la danza paisa en particular. Compartir conocimiento y memoria aporta, a estudiosos, bailarines, directores y coreógrafos, y a propuestas danzarias fundamentadas en la historia tradicional y proyectiva de los bailes y las danzas paisas, que nace en tiempos de los años 50. PAISA DE PROYECCIÓN

Alberto Londono*

Foto: Alcaldía de Medellín

Comenzando la década de los ochenta, el grupo de proyección de danzas Cosecheros de Antioquia del municipio de Bello, dirigido por el maestro Argiro Ochoa, propuso al mundo del folclor colombiano una danza antioqueña con un estilo muy particular; al lenguaje corporal y los diálogos escénicos de las danzas paisas que se proyectaban por esos tiempos, les inyectó una expresión corporal muy especial, con movimientos exagerados de hombros y caderas, interpretados con mucha fuerza y con un temperamento que se identificó con la idiosincrasia del campesino antioqueño, con aquellos que son parranderos, pendencieros, cañeros, enamorados, aventureros y busca pleitos. Este nuevo cuento de la Danza Paisa nació con la Redova, un baile de origen europeo que Argiro investigó en la vereda de San Félix (Municipio de Bello); su música rápida y sus coplas tradicionales, la convirtieron en la danza más espectacular de la cultura danzaría paisa en los años 80.

Los temas que los Cosecheros ponían en escena fueron: redovas, vueltas, pasillos, cachada, chotis caleño y bailes de sainetes propios de la danza antioqueña. Sus coreografías estaban pensadas para parejas mixtas con esquemas rígidos de corte tradicional; esto porque la filosofía de Argiro era “mostrar todo lo que estaba perdido en los bailes antiguos de la región antioqueña”. El grupo se especializó en la danza paisa la que proyecta con

mucho éxito, convirtiéndolo en el grupo referente o modelo que todos los demás querían copiar. El gran aporte de los Cosecheros fue el “amor y el entusiasmo que despertó por la danza Antioqueña”, que hasta entonces tenían un bajo perfil a excepción de las vueltas antioqueñas con coplas. Esto motivó a otros grupos de Colombia que comenzaron a trabajar las danzas de Antioquia; en Medellín, Danzas Latinas, grupo de la Universidad Autónoma y en Bello, Danzas de mi Tierra.

Antecedentes de la danza paisa de proyección folclórica

La primera persona que trabajó las danzas antioqueñas a nivel de proyección artística, fue el gran maestro sonsoneño Jacinto Jaramillo, en la década de los treinta, cuando investigó las vueltas y los gallinazos en el río Arma (Caldas), creando sus propia versiones coreográficas, que proyectó en Bogotá y en otras ciudades de Colombia. En 1953 en la Casa de la Cultura de Medellín, el negro Beto enseñó a su manera las vueltas, los gallinazos y el pasillo, bailes que le aprendió a su mamá. En 1954, Berta Piedrahita, recreó con el Conjunto Típico Tejicondor unas vueltas que le aprendió a su abuela (80 años). En 1955, Jacinto Jaramillo monta las danzas del pasillo, las vueltas y los gallinazos con el conjunto Tejicondor de Medellín.

“La danza es la más humana de la artes pues en ella se unen el espíritu y el cuerpo, al servicio de la belleza corporal, de la salud, la inteligencia y el conocimiento”

Marcelle Bourgat

“

Este baile de las Vueltas es muy sabroso de ver, la dama se va de huida y el galán la va a coger “

“ El Gallinazo y mi padre se fueron pa’ Santa Fe, el gallinazo a caballo y el pobre de mi padre a pie “

Finalizando los años cincuenta, Marta Mazo con su grupo Estampas Campesinas, se inventó unas vueltas con coplas recitadas por los bailarines en la mitad de la danza, siendo esta la primera versión de vueltas con coplas que se conocieron en el mundo de la danza folclórica en Antioquia. Pero el principal divulgador de esta modalidad de vuelta fue el maestro Pedro Betancourt, con su grupo Danzas Latinas.

“ Vení acá negrita linda, linda como un boquete vení acá te doy un beso para mordete ese cachete”

“ El plátano pa’ comerse ha de ser gordo y pintón, el hombre para quererse no debe ser tan comelón”

En 1965, Marta Herrón con el grupo de danzas del Instituto Popular de Cultura, creó su propia versión de vueltas, propuesta que presentó en el Festival Folclórico de Ibagué, donde por primera vez tiene presencia una danza paisa, aunque su puesta en escena no despertó mayor entusiasmo dentro del público y no fue del interés de los demás grupos participantes.

“Estas muchachas de ahora, son como el palo podrido, no saben lavar un plato y andan buscando marido “

“Donde hay plátanos maduros, abundan los alacranes, donde hay muchachas bonitas abundan los haraganes “

En 1967, Alberto Londoño, con el grupo del Instituto Popular de Cultura retomo las danzas de los gallinazos y las vueltas antioqueñas, dos coreografías que Jacinto Jaramillo trajo al Conjunto Tejicondor en 1955. Pero en las vueltas combinó lo de Jaramillo con la propuesta de Marta Mazo, y esta nueva versión de las vueltas antioqueñas comenzó a ser proyectada en Antioquia y en otras regiones de Colombia; sus coplas picantes con doble sentido y un lenguaje corporal con bastante contenido sensual, convirtieron el baile de las vueltas en un desafío provocativo y ofensivo entre hombre y mujer.

Aquella que está bailando Con las manos en la cintura, Que güeña que tal pa un enfermo Yo ya tengo calentura

“Vos que tenés calentura te vas a quedar con la cana yo no te la puedo quitar Que te la quite tu mama.

Con el correr del tiempo a esta versión de vueltas los bailarines del grupo de danzas del Instituto Popular de Cultura de Medellín le fueron agregando otras coplas, inventadas o recompuestas por ellos, sobre todo las respuestas de la mujer al hombre, que en aquellos tiempos eran muy escasas en la literatura costumbrista. La mayoría de las coplas que se introdujeron en el baile de las vueltas fueron tomadas del Cancionero de Antioquia, de Antonio José Restrepo. Después, otros grupos le inyectaron coplas aún mucho más fuertes y lenguajes más eróticos, y como éstas versiones fueron muy aplaudidas, sus contenidos fueron creciendo cada vez más, tanto que, en muchas versiones, estas coplas llegaron hasta lo obsceno.

En la década de los setenta, Óscar Vahos y Alberto Londoño investigaron el baile de vueltas en veredas del municipio de Girardota y encontraron que en estos lugares las vueltas eran bailadas por una sola pareja y no tenían ni coplas ni trovas: Testimonios de Celsa Castrillón y su hijo, habitantes de la vereda de “Manga Arriba”, también bailaron una danza que ellos llamaban las vueltas del gallinazo. En la vereda de “San Andrés” de este mismo municipio, estos dos maestros pudieron apreciar otras versiones del baile de las vueltas: una para grupo de bailarines y otra para una sola pareja, ambas también sin coplas. Apoyándose en estas investigaciones, en la Escuela Popular de Arte, se comenzó a enseñar las vueltas como una danza sin coplas recitadas por los bailarines.

Cosecheros de Antioquia

Sobre este baile paisa en tiempos de los años cincuenta y los sesenta, fue poco lo que se conoció e investigó; por lo tanto a los maestros, les tocó recurrir a la literatura costumbrista, para complementar sus propuestas coreográficas.

“Vení acá pecho con puntas color de piña madura vení acá te doy un beso pa’ gozar de tu hermosura “

“Si de tu casa saliste gavilán buscando garza, esta garza tiene un dueño gavilán para en tu casa “

Tomás Carrasquilla, en su novela La Marquesa de Yolombó, escribió: “en 1750 los monos ya se conocían en tierras mineras, la guabina y los gallinazos y las vueltas”, esto nos dice que estos cuatro bailes paisas son los más antiguos de Antioquia, pero que hoy sólo quedan las vueltas y los gallinazos; los monos y la guabina se fueron para otras tierras porque los “curitas” de aquellos tiempos consideraron a estos bailes como pecaminosos, ya que en el baile se abrazaban hombre y mujer, por lo tanto, los prohibieron, y como los paisas eran tan “católicos” temieron ser excomulgados

“Allá van los monos por el palo arriba la mona más vieja muestra la barriga “

“Allá van los monos por la travesía a alcanzar el baile de Juana María “

Los autores costumbristas como Antonio José Restrepo, Tomás Carrasquilla, Gregorio Gutiérrez González, Benigno A Gutiérrez y Agustín Jaramillo, en sus obras literarias, cuentan cómo fueron estos bailes en Antioquia, la mayoría de ellos ya desaparecidos, como el capitucé, la pisa, la cartagena, la polka, el sapo, el fandanguillo, la carrumba, las danzas de corpus y de sainete.

“Las mujeres cuando quieren quieren como el gallinazo que comiéndose la carne al hueso no le hacen caso·”

“Cantando a todo pecho Guabina canción sabrosa de jativa y ruda cual las montañas antioqueñas donde tiene su imperio y fue su cuna”

“Guabina le dijo a Bagre que no comiera pescao que en su casa le tenía un plato de arroz asao”

En 1972, Alberto Londoño y Óscar Vahos investigaron el “Chotis de Girardota”. Los hermanos Valencia, músicos tradicionales e integrantes de la chirimía de este municipio por mucho tiempo, les enseñaron un bailecito muy sencillo llamado chotis. Todo se reducía a un juego de choque de palmas de mano acompañado con movimientos de cadera y coqueteos maliciosos, además de un pequeño Valseo muy “tongoneado” y algunos desplazamientos tomados de las manos con brazos extendidos a manera de contradanza. Esta versión de los hermanos Valencia, Oscar y Alberto, la enseñaron a los alumnos de la Escuela Popular de Arte con el lenguaje corporal propio del baile del chotis de Girardota y le crearon una coreografía simple, con juego de palmas de mano, coqueteos, movimientos de cadera, valseos y con desplazamientos laterales, todo muy fácil de aprender. Este baile muy rápidamente se popularizó en todos los grupos de danzas de Antioquia. Con el correr del tiempo y, como siempre, los profesores y directores de grupos de danza le fueron inventando nuevas formas coreográficas, y el lenguaje corporal tradicional lo combinaron con juegos de calle, con mucha destreza corporal en las extremidades superiores, exageraciones de cadera y con juegos de palmas de mano muy variados, que le fueron agradando los niños de las escuelas de ciudad, ejecutados con mucha velocidad. Del contenido “amoroso y el jueguito picaresco” de la forma original que enseñaron los hermanos Valencia, solo quedó la idea y buena parte del lenguaje corporal, al que le fueron cambiando su estilo particular por expresiones más contemporáneas. El contenido amoroso del baile del chotis de Girardota, lo fueron

Danza

Red Danza

transformando hasta convertirlo en una danza de carácter “lúdico,” de competencia de destrezas corporales, que por mucho tiempo se gozaron niños

presentadas. Por esta misma época, Alberto Londoño y Óscar Vahos, Miguel Cuenca y Dagoberto Giraldo, investigaron la danza de la

En la vereda de San Andrés del, municipio de Girardota, Óscar Vahos encontró un grupo de danzas con bailadores campesinos, todos ellos pertenecientes a las familias Foronda, Meneses y Cadavid. Las danzas que bailaban este grupo eran la redova, las vueltas, los gallinazos, danza, marcha, danzón, cachada, pasillo y el ventarrón. Oscar Vahos llevo a estos campesinos a la Escuela Popular de arte, donde hicieron una demostración de sus bailes a los alumnos de esta institución y con ellos realizaron talleres prácticos sobre las danzas

estilo europeo, y su nombre se refiere a las

Andrés tenía una forma más de contradanza garon una corraleja en la parte final.

“Vamos a ver cosas lindas, sigamos la rueda haciendo con los toros envacados y las vacas envistiendo”

“El torito y la carrumba Se fueron a confesar, del camino se devolvieron Porque no sabían rezar”

Danza del Chotis

Foto: Danza en red

En 1974, el grupo de danzas de la Universidad de Antioquia experimentó su propia versión de vueltas con coplas de contenido político. Fue un fracaso total. Esto también se intentó con la danza de los gallinazos, pero en este caso el resultado fue mucho mejor, aunque esta propuesta no se convirtió en un modelo a seguir por otras creaciones similares. Estas fueron las coplas propuestas por el grupo Experimental de Danzas de la U. de A.

1 “ Escúchame gallinazo gallinazo comelón te lo cuento y te lo digo porque vienen por montón

3 “ Decime gallinazo que pasa en la nación no tenemos trabajo vivienda y educación

5 “ Ya se acabaron las fiestas Las fiestas de votación Se fueron los gallinazos Volando en un avión

2 “ Decime gallinazo quien tiene la razón los obreros del pueblo o los que hacen de patrón”

4 “ La carne pa’ los de arriba los que explotan la nación pa’ las gentes del pueblo ni pedazo, ni porción

6 “ Así fue mi gallinazo Gallinazo amigo mío Gallinazo comelón Gallinazo volantón

En la EPA, el grupo coreomusical de proyección, montó un cuadro paisa que llevó a Bogotá, para presentarlo en el programa Noches de Colombia, organizado por Colcultura y transmitido en directo por la televisora nacional a todo el país. Esta fue la primera propuesta concreta de danza paisa, como espectáculo artístico que se le mostró a todo el país.

GRUPO LOS COSECHEROS

Este grupo fue fundado por Argiro Ochoa en 1966, en el municipio de Bello. En 1999 se le otorgó personería jurídica como fundación, y su objeto fue perdurar en el tiempo como un grupo de danza y música tradicional paisa.

En un principio fue un grupo como todos los de la época, participando de eventos culturales de Bello y Medellín, pero sin sobresalir en el mundo de la danza folclórica. Su protagonismo en el arte danzario colombiano comenzó en los años ochenta, cuando, a través de la investigación de campo, lograron un contacto directo con adultos mayores que conservaban en su memoria la tradición de su infancia y juventud. Esto lo llevaron

al escenario con un estilo propio que se convierte en punto de referencia para la danza antioqueña. Así comenzaron a ser invitados a los grandes eventos como festivales, concursos, encuentros, seminarios, conferencias, muestras, eventos artísticos, ferias de tipo local, departamental y nacional.

La danza que más impacto ha causado dentro del folclor colombiano, aparte de otras 28 que tienen en su investigación, fue la “Redova de San Félix”; su baile, su música y sus coplas sobresalen dentro del repertorio coreográfico paisa.

1 “ La redova se baila, bien redovada bien redovada, y el que no la redova, no sabe nada no sabe nada ”

3 “ Yo soy el negro caliente, yo soy el negro formal, yo soy el que me paseo, en el filo de un puñal ”

2 “ Ave María mi señora, vusté si que vive lejos, el camino tan cerrado, y yo que soy tan pendejo ”

4 “ Yo soy el negro que pongo, los blancos a cocinar, los perros a poner huevos, las gallinas a ladrar ”

Estas son algunas de las muchas coplas que se cantan en el baile de San Félix, siendo la única versión de redova con canto de coplas campesinas propias de la cultura paisa. Todas las coreografías de los Cosecheros son temas antioqueños con formatos y esquemas tradicionales que responden a la filosofía de su director, puesto que Argiro no comparte la idea de experimentar, arreglar y fusionar las danzas tradicionales con elementos de otras técnicas danzarías.

Foto: ArtedamPereira

La mayoría de los bailes antioqueños proyectados por los Cosecheros han sido tomados por otros grupos de Antioquia y de Colombia los que reacomodaron a su manera de pensar y actuar, distanciándose de lo que es la esencia y la realidad interpretativa de la danza antioqueña.

BIBLIOGRAFIA

ABADIA MORALES, Guillermo. Compendio General del Folklore Colombiano. Instituto Colombiano de Antropología. Bogotá, Imprenta Nacional, 1973.

CARRASQUILLA, Tomás. Obras Completas. Primer centenario, Medellín, Bedout, 1958.

DAVINSON, Harry C. Diccionario folklórico de Colombia. Bogotá, Banco de la República, 1970. GUTIÉRREZ, Benigno A. De todo el maíz. Medellín 1948.

JARAMILLO LONDOÑO, Jacinto, Danzas nativas colombianas. Bogotá, Liberia voluntad.

JARAMILLO LONDOÑO, Agustín. Testamento del paisa. Medellín, Bedout, 1967.

LONDOÑO, Alberto, Danzas colombianas, Editorial, Universidad de Antioquia, 1996.

OTRAS FUENTES: Investigaciones, entrevistas, talleres, conversatorios con “sabedores” tradicionales de varias veredas del Valle del Ayurá y del Oriente Antioqueño. La memoria personal acumulada de 60 años vividos en el mundo del folclor coreomusical de Colombia.

Cosecheros de Antioquia

Danza del Chotis

Cultura y sociedad Cuando el aislamiento se convierte en arte

Pedro Alberto Cruz Sánchez*

Son tiempos de confinamiento, de encerrarse en casa y de aislamiento social. Medidas obligadas para combatir la propagación del coronavirus. Pero lo que, en este momento y en un contexto global, es una obligación y un acto de responsabilidad, en el terreno artístico no son pocos los autores que, durante el último medio siglo, han decidido llevar a cabo estrategias de confinamiento voluntario, manteniéndose aislados durante varias horas, días, semanas e, incluso, meses.

Pocas cosas teme más el ser humano que el encierro, la pérdida de la movilidad. La artista argentina Graciela Carnevale analizó esta fobia en un experimento sociológico titulado «Acción del encierro» (1968).

La artista invitó a los espectadores a una galería vacía para, una vez dentro, encerrarlos con un candado, tirar las llaves al suelo y marcharse hasta que un transeúnte pasara y los liberase.

Resistencia política o mental extrema, en estos tiempos de encierro recordamos las performances de creadores como Beuys o Techching Hshie

Performance 1 Tehching Hsieh

Su intención fue someter a los asistentes a una situación de violencia en la que se vieran obligados a transformarse de espectadores pasivos en participantes activos y comprometidos en su propia liberación.

La combinación de encierro, ausencia de contacto e higiene adquirió una expresión incomparable en la mítica «I like américa and américa likes me» (1974), de Joseph Beuys. Nada más aterrizar en Nueva York, Beuys fue recogido por una ambulancia y, sin pisar suelo norteamericano y en una manta de fieltro, conducido a la galería René Block, en la que, durante tres días, se encerró con un coyote. Por medio de la convivencia con este animal, el artista alemán quiso abordar frontalmente el exterminio masivo de la población indígena norteamericana, para la que el coyote poseía unas connotaciones simbólicas y sagradas muy elocuentes.

Otro ejercicio de reclusión harto exigente e impregnado con una contundente crítica social, fue «ZL 65 63 95 C» de Stuart Brisley, una pieza ejecutada en 1972 en la Sigi Krauss’s Gallery de Londres, en una de cuyas habitaciones permaneció encerrado durante diecisiete días. A través de una pequeña ventanilla situa da en la puerta de la estancia, los espectadores lo podían contemplar sentado en una silla de ruedas, cubierto de basura y mugre, reducido a un estado repelente, de máxima vulnerabilidad. El título de la obra, que reproduce el número dela seguridad social del autor, así como el hecho de que Brisley cambiase de nombre durante la performance, adquiriendo una nueva identidad elegida mediante referéndum, pone en evidencia sus objetivos discursivos: los límites del yo y el efecto de los rituales sociales sobre lo individual.

Las acciones de confinamiento más extremas son aquellas que persiguen situar el cuerpo del

Chris burden: “el performance comienza en uno mismo”

Foto:culturacolectiva.com

artista en una situación física y mental límite, por medio de la cual el individuo se enfrenta a una prueba vital extenuante. Un ejemplo formidable de este tipo de arte es «Five Day Locker Piece», la primera performance ejecutada por Chris Burden. Durante cinco días, el artista se encerró en el limitado espacio de una taquilla de la Universidad de California, provisto exclusivamente con dos botellas: una llena de agua y otra vacía. Cuatro días antes del inicio de la acción, Burden comenzó a ayunar a fin de ralentizar su sistema digestivo. A lo largo de las cinco jornadas, numerosos estudiantes se congregaron en torno a la taquilla para discutir sobre la pieza y hablar al compañero invisible. Estos momentos de comunicación aliviaban los estragos del aislamiento y concedían a la obra una dimensión social inesperada. Cuando sus amigos abandonaban el campus y el silencio de la noche se cernía, Burden experimentaba un devastador sentimiento de indefensión, del que se derivaban pesadillas nocturnas en torno al posible ataque de un demente.

Lavabo, luces y un cubo

Sin duda alguna, la acción de encierro más prolongada y extrema llevada a cabo por un artista contemporáneo es «One Year Performance 1978-1979 (Cage Piece)», de Techching Hsieh. Realizada en su apartamento de Nueva York desde el 29 de septiembre de 1978 hasta el 30 de septiembre de 1979, Hsieh

permaneció encerrado en una jaula de madera de 3,5 x 2,7 x 2,4 metros, provista únicamente con un lavabo, luces, un cubo y una cama individual. Durante todo este año, el artista no se permitió ninguna actividad que pudiera entretenerle y aliviarle el paso del tiempo: hablar, leer, escribir, ver la televisión o escuchar la radio.

El abogado Robert Peojansky frecuentó el apartamento de Hsieh para levantar acta sobre el cumplimiento de su confinamiento. Y su compañero de piso le proporcionaba todos los días comida, le retiraba la basura y sacaba una fotografía para documentar la performance. Dos veces al mes, Hsieh concedía la oportunidad de ser visitado por cualquier curioso que quisiera constatar su encierro. Este ejercicio extremo de ascetismo supuso una crítica directa hacia el establishment artístico, el cual encerraba y constreñía la libertad de unos creadores que llegaban a sentirse como si se encontraran retenidos en una jaula. En todos los casos el artista convirtió su aisla miento social en un acto doblemente significativo: como gesto de resistencia política y como experiencia de resistencia física y mental extre ma. Nunca ha existido forma de aislamiento que no sea extrema. De ahí el estrés de tantos ciudadanos que hoy nos enfrentamos a la reclusión forzosa.

Sangre y tinta de bolígrafo

El confinamiento voluntario está asociado, en el arte contemporáneo, al intenso y frenético retiro creativo. Uno de los líderes del Accionismo Vienés, Hermann Nitsch, se recluyó en 1962 durante tres días en el estudio del también artista Otto Muehl para realizar la acción pictórica «El órgano sangriento». Tras pintar una enorme tela de 2 x 9 metros con pintura roja, suspendió el cuerpo de un cordero despellejado sobre otra tela blanca. También durante tres días y tres noches, el belga Jan Fabre se encerró en una estancia para realizar su «The Bic Art Room» (1981), en la que la superficie fue cubierta con dibujos realizadosproyecto

POESÍA

Es bien conocida la polémica sobre la autoría del bello poema “Cuando la tormenta pase….” que parece, hoy, un presagio de las crisis pandémica mundial. Que es de Mario Benedetti, el gran poeta y dramaturgo uruguayo (1920-2009); o del comediante Alexis Valdés, actor, cineasta y poeta cubano; o del argentino Luis Landriscina; o incluso de un poeta persa.

No importa, es tan bello y tan actual que vale la pena leerlo una y otra vez. Y luego, otro poema muy actual de Fabio Salazar Hurtado, poeta risaraldense nacido en San Rosa de Cabal, administrador de empresas y contador público, y quien se define a sí mismo como un “humanista renacentista”.

CUANDO LA TORMENTA PASE

Cuando la tormenta pase y se amansen los caminos y seamos sobrevivientes de un naufragio colectivo. Con el corazón lloroso y el destino bendecido nos sentiremos dichosos tan sólo por estar vivos.

Y le daremos un abrazo al primer desconocido y alabaremos la suerte de conservar un amigo. Y entonces recordaremos todo aquello que perdimos y de una vez aprenderemos todo lo que no aprendimos.

Amanecer en manizales

Ya no tendremos envidia pues todos habrán sufrido. ya no tendremos desidia seremos más compasivos.

Valdrá más lo que es de todos que lo jamas conseguido seremos más generosos y mucho más comprometidos

Entenderemos lo frágil que significa estar vivos sudaremos empatía por quien está y quien se ha ido.

Extrañaremos al viejo que pedía un peso en el mercado, que no supimos su nombre y siempre estuvo a tu lado.

Y quizás el viejo pobre era tu Dios disfrazado. nunca preguntaste el nombre porque estabas apurado.

Y todo será un milagro y todo será un legado y se respetará la vida, la vida que hemos ganado.

Cuando la tormenta pase te pido Dios, apenado, que nos devuelvas mejores, como nos habías soñado.

PANDEMIA LLANTO

Mi espíritu en nebulosas cadencias la vida trasegaba con sus ritmos el aire se llenó de ausencias y el corazón presintió abismos.

El cielo de púrpura encendido ritmo frenético y trémulo temor en cadena de ansias expandido el susurro del aire es dolor.

¡Pandemia!, llegaron las parcas ya no hilan el oro de la vida su corte a la muerte abarca en hilo negro, el llanto anida.

La muerte en trinos sibilantes en el éter danza con frenesí se expande con furia abrazante y su ira, en ráfagas carmesí.

Melpómene con su puñal sangrante resucita solo sombras enhiestas la tristeza de la soledad abierta su máscara trágica asfixiante,

Se torna el aliento sin respiro el aire se rasga en crespones negros mudo canto, alegría en retiro la cuerda de la vida sin “allegros”

FABIO SALAZAR HURTADO

Referencias Mitológicas

Parcas: En la mitología romana eran las personificaciones del “fatum” o destino. Controlaban el metafórico hilo de cada mortal e inmortal, desde el nacimiento hasta la muerte.

Melpóneme: En la mitología griega “la melo diosa. Es una de las musas del canto, de la armonía musical, pero pasó a ser la musa de la tragedia. Lleva en una mano un cetro y una corona, en la otra un puñal.

Foto:

Poetas del Pacífico y del Caribe:

María Teresa Ramírez, flor de palenque

Conocí A María Teresa Ramírez en Roldanillo en uno de los Encuentros de Poetas mujeres colombianas que organiza Águeda Pizarro, esposa del maestro Rayo. Fue este encuentro el que descubrió y promovió la poesía afrocolombiana en voz femenina, un aporte de gran importancia a la cultura colombiana que no ha sido reconocido por el país debidamente. La gentileza, respaldo y atención de Águeda Pizarro y el Maestro Rayo fueron definitivos para que mujeres como Elcina Valencia, Mary Grueso, Lucrecia Panchano, María de los Ángeles Popov y, por supuesto, María Teresa Ramírez, se reconocieran como un grupo y fueran ellas conscientes de su fuerza.

María Teresa también fue profesora y se hizo poeta una vez que dejó su ejercicio en la docencia. Ella, como buena lectora, devoró montañas de poemarios, se leyó a todo el Valencia, a todo Julio Flórez, a todo el Carranza y a todo el Neruda, pero no creo que le haya gustado Gonzalo Arango, ella es de gustos clásicos. Caracteriza a Maria Teresa una inmensa curiosidad y es una investigadora profunda y asidua. Me acuerdo de un trabajo que me mostró, en una de las visitas que le hice en Cali, sobre el general y presidente José Maria Obando -que había nacido en Palmira- realizado a partir de búsquedas de documentos que reposan en el archivo municipal de la ciudad vallecaucana.

Pedro Felipe Hoyos Körbel*

Su aproximación al mundo se dio a través del saber y no tanto por la intuición; ella sueña, pero prefiere captar. Me contaba que su interés en la poesía había surgido a raíz de su amistad con el sensacional Sabas Mandinga, con quien reconoció que había una poesía negra en Colombia, fuerte, y que a ella le correspondía seguir cultivándola ya que se veía reflejada en esa forma de tejer palabras. Sabas Mandinga le presentó la obra de Candelario Obeso, la de Hugo Salazar, la de Helcias Martán Góngora, el poeta del Pacífico, y ella pudo captar la diferencia de los temas y estructuras. Leyó a Manuel Zapata y Arnoldo Palacios y visualizó la diferencia cultural entre las dos costas colombianas: el sentir del Pacifico y su historia que lo hacen muy diferente a la Costa Atlántica. Digerir ese legado le ayudó a forjar

Coherentemente, siguiendo su camino inmersa en el estudio de la cultura afrocolombiana, ella finalmente llega al Palenque de San Basilio y a la lengua palenquera. No sólo se admira con esa lengua, sino que, además, la aprende y la interioriza para escribir poesía en ella. Es María Teresa Ramírez una poeta de vanguardia, no es la poeta que se plantea otras rutas desde lo técnico, por no decir lo académico. No, ella innova retomando toda una lengua, rompe parámetros y se regocija en una expresión civilizatoria como lo es una lengua hecha por un pueblo que no se dejó esclavizar, y por ende despojar de todo, excepto su fuerza física. La fuerza de esa lengua la captó María Teresa de inmediato porque vio que la libertad física luchada por los palenqueros no se limitaba a solo eso, sino que ellos trascendieron y a través del tiempo construyeron una lengua nueva. La historia del Palenque de San Basilio da un ejemplo poco entendido hoy en día, el cual recalca que la libertad tiene un fin y es la civilidad, o sea, buscar una expresión cultural; cimentar una economía, defender un tipo de familia, una forma de venerar la justicia; de respetar un sistema político y asi ser un pueblo capaz de articularse con otros pueblos sin perder su identidad y su unión. Pero la tendencia actual de los afrocolombianos es confundir a una defensora de derechos civiles con una líder; rechazan la idea de que una líder es más que eso, que una líder debe tener una visión global y no tanto jurídico-administrativa de su mundo.

Con poetas como María Teresa Ramírez la cultura colombiana crece, se enriquece, descubre otro pliegue de su tersa dermis y continúa la labor del mestizaje iniciado hace más de 500 años. Sólo regiones culturales fuertes harán una Colombia sólida, y Maria Teresa Ramírez y sus amigas representan con sus voces una región valiosa y rica que ostenta otro tipo de historia.

Estuvo María Teresa presentando su poemario palenquero “Flor de Palenque” en el propio San Basilio. Imagino las caras de asombro de los palenqueros al ver a una negra valorando su cotidianidad, y no a un antropólogo gringo. Vivió ella el impacto de un asombro efímero que se

Estatua de Benko Biohó San Basilio de Palenque, Bolivar

convirtió demasiado rápido en indiferencia. Sus fotos al pie de la estatua del guerrero Benkos Biohó muestran una sonrisa cortés, pero nunca profunda. A María Teresa y a sus amigas les sucede que su público usualmente es “blanco”, que su propia gente agradece con distancia estos trascendentales logros. Es tiempo de que la brecha entre la vanguardia y cuerpo principal de la cultura afrocolombiana se cierre. Que los lectores asiduos de Franz Fanon se bajen de sus endebles torres de marfil ubicadas en los rincones de las universidades públicas y miren el tipo de lucha que están adelantando estas maestras; dejen de lado el pormenorizado estudio de Malcolm X y entiendan que en Colombia desde el año 1852 todos, en papel, gozamos de derechos civiles y que las miradas y metodologías difieren completamente; que el

racismo se superará cuando ellos mismos valoren su afro-colombianidad. Fuera que es de dudar que el racismo se extinga por vía administrativa gubernamental, se logra por la acción positiva.

La necia palabrilla invisibilidad, muletilla predilecta de los activistas alternativos, deja de tener aplicación, lógica y vigencia cuando se sabe que la poeta María Teresa Ramírez, la que sueña y escribe en palenquero, es completamente desconocida en Quibdó; que nunca haya sido invitada a un recital en Istmina y se pueda dudar que en Cartagena se sepa de su existencia.

Atardecer en el pacífico chocoano

Cultura y mujer

XXXVI ENCUENTRO DE POETAS COLOMBIANAS DEL MUSEO RAYO - VIRTUAL

Aunque el Encuentro de Poetas Colombianas del Museo Rayo es conocido por la presencia física de poetas de todas las regiones del país y por la alegría con que no sólo recitamos, sino también bailamos, cantamos, aplaudimos, nos abrazamos, esta vez optamos por un encuentro virtual.

Aunque estamos abriendo nuestras puertas a un público limitado y llevamos tapabocas, aplicamos desinfectante, no podemos arriesgar un mujerío de 200 personas y sus acompañantes que nos llegaría de otros departamentos como en las 35 versiones pasadas.

Es muy importante que no muera ni se olvide este evento que, como ningún otro, celebra la palabra y la creatividad de la mujer. Por lo tanto, nos acogimos a la política que están adoptando los demás museos del país que es la de hacer exposiciones, conciertos, conferencias y recitales virtuales. Hemos invitado a las participantes, las Almadres y Almanegras, conferencistas, grupos de teatro, danzas, performance,a enviar sus videos. La respuesta ha sido esperanzadora.

Tenemos la impresión de que esta familia de mujeres en las artes, conscientes de que la poesía se encuentra en todas ellas, artes y mujeres, han dado un ímpeto, más fuerte que nunca, a la viva voz poética capturada en la pantalla.

El Encuentro virtual se podrá ver en las fechas que originalmente habíamos elegido para el certamen en vivo, del 16 al 20 de julio. Se podrá seguir en horarios que anunciaremos oportunamente por los medios.

Daremos el premio Ediciones Embalaje e, instalaremos una nueva Almadre, Beatriz Zuluaga. Los recitales de las Almadres y Almanegras, los grupos indígenas, las obras completas de teatro, los conciertos y conferencias también se anunciarán con antelación. Además de las lecturas de las Almadres y Almanegras se mostrarán videos de entrevistas con ellas, que hacen Martha Patricia Meza y su equipo desde hace más de dos años. Incluyen a algunas mujeres que ya se han ido y que nos traerán su espíritu en sus palabras grabadas.

Como todos los años invitamos a mujeres artistas para exponer en nuestras salas y compartir con las poetas: En esta ocasión acudimos a nuestra colección de obra gráfica donada por mujeres que expusieron en nuestras salas. Mostraremos un buen número de estas creaciones con un comentario de nuestro curador, Miguel González. También mostraremos en video la colección de dibujos sobre papel de Emma Reyes, amiga de Rayo y de otras artistas colombianas de su generación.

Esta mujer, excéntrica y extraordinaria, fue la autora de unas memorias en forma de cartas escritas a Germán Arciniegas. Igualmente tendremos dos exposiciones del maestro Omar Rayo en el marco del Encuentro.

Para el Museo Rayo el Encuentro es un pilar de fuego que nos une tanto entre nosotras, las mujeres luchadoras y creativas, como con el pueblo de Roldanillo y con la gente de toda Colombia. No dudamos que ese fuego encenderá tanto la resistencia, como la esperanza. Invitamos a nuestro público a participar, a mirar y a sentir la poesía del XXXVI Encuentro de Poetas Colombianas del Museo Rayo.

Proyecto apoyado por el Ministerio de Cultura Programa Nacional de Concertación Cultural, la Secretaría de Cultura del Departamento del Valle del Cauca y la Alcaldía de Roldanillo - Secretaria de Cultura y Turismo. Contacto: info@museorayo.co / publicidad@museorayo.co / whatsapp: 312 2708388. En Manizales

PRIMER ENCUENTRO MUNICIPAL Y DEPARTAMENTAL DE ESCRITORAS |

Y desde la capital caldense, los colectivos Poesía del Sur Femenino y Versos del Cumanday, invitan a este encuentro virtual que se realizará del 22 al 24 de julio, “Será un espacio maravilloso de reunión, reconocimiento, aprendizaje, participación y divulgación de nuestra obra”, expresó una de las gestoras del evento. Como toda la programación se hará de forma virtual, las mujeres que lo deseen pueden participar en una o varias de las siguientes actividades:

Presentación de un libro propio, Lectura de poesía propia en recital colectivo, Taller de escritura para las mujeres participantes, Taller de escritura creativa para el público y Lectura de fragmentos en conversatorio.

Contacto: Johana Alexandra Patiño López (celular 3105114126) - Gloriamaría Medina

Cultura y sociedad CONSEJOS DE ARTISTA RUSO QUE ESTUVO BAJO ARRESTO DOMICILIARIO

El director de teatro y cine ruso, Kiril Serébrennikov, quien estuvo casi 20 meses en arresto domiciliario (2017-19), formuló diez mandamientos para soportar el confinamiento debido a la pandemia del coronavirus.

"Vivir aislado en una casa o un apartamento, solo o con familia, no es una maldición divina ni un castigo. De hecho, es el momento de la verdad", dijo al diario digital ‘Meduza’. Serébrennikov, que no pudo salir de su casa entre agosto de 2017 y abril de 2019, se considera un "especialista en aislamiento" y, de hecho, escribió varias piezas y guiones durante ese período de su vida. "Si, dada la situación, eres capaz de extraer solo cosas positivas, tu aislamiento y soledad no serán tan inútiles. Acepta lo que te ha tocado como un regalo del destino", insistió en un primer consejo.

El segundo es borrar de tu vocabulario las palabras "cuarentena" y "aislamiento", e intentar mentalizarse para "empezar de cero" y "reiniciar" tu vida. Serébrennikov recomienda llamar a los padres, amigos,

profesores, al "primer amor" y a gente que fue "importante" en tu vida. "Es una oportunidad para cambiar. Hay que recuperar viejos contactos. Llama y dales las gracias. Cuando acabe el aislamiento, tu número de amigos y conocidos habrá aumentado", señaló.

Regreso a los libros gordos

"Es el momento ideal para leer libros gordos. Todos tenemos en la estantería alguna novela bien gorda. En realidad, nunca los leímos, a lo máximo el prólogo", señaló. En su opinión, el que lea ‘El Quijote’ de Miguel de Cervantes, ‘Guerra y Paz’ de León Tolstoi o ‘Ulises’ de Joyce "saldrá del aislamiento siendo otra persona...ya no será nunca el mismo".

Además de escribir un diario del aislamiento, "no obligatoriamente literario", y unas memorias, aconseja elaborar una lista de cosas que son "realmente importantes en tu vida".

"Esa lista servirá de hoja de ruta sobre cómo vivir" en el futuro, aseguró, recomendación que él mismo consideró muy budista. El artista ruso invita a explorar las dotes artísticas o aprender un nuevo idioma.

Oportunidad para descubrir dotes artísticas

Serébrennikov no ve mejor ocasión para desarrollar los dotes artísticas que un aislamiento, sea voluntario o forzoso. "Todos quisimos en un momento de nuestras vidas hacer cosas que finalmente nunca hicimos. Escribe, dibuja, esculpe. No tengas miedo, felizmente nadie te ve", señala. Habitualmente, el tiempo es tu enemigo, pero en esta ocasión es tu amigo, por ejemplo, para aprender idiomas. "Es ideal para combatir el alzhéimer y desarrollar la memoria. Hay millones de métodos. Cada día haz los deberes, lee, aprende una palabra, diez, veinte verbos. Y darás un gran salto para conocer otra cultura, otra vida, otro mundo", apuntó.

Placer, la palabra clave

No se olvida de la importancia de dejar atrás el desorden cotidiano, planificar una dieta y hacer deporte -yoga y gimnasia diaria-, aunque la palabra clave para el artista es "placer". "Una gran palabra debe ser: placer. Ver nuevas películas, nueva música, practicar sexo cada día, plantar unas flores, coser un nuevo vestido. Y que cada día haya algo que nos alegre la existencia. Empezar de cero con placer", comentó.

Serébrennikov, que siempre ha sido muy crítico con la moral ultraconservadora del Kremlin, se declara inocente de la acusación de malversación de fondos públicos que pesa sobre él y cuyo juicio se reabrió en noviembre pasado.

El director ha sido condecorado durante su odisea judicial con la medalla francesa de la Orden y las Artes y las Letras, mientras los festivales de Cannes y San Sebastián programaron en su ausencia su película "Summer" sobre la vida del legendario rockero soviético Víctor Tsoi.

Fuente: EFE/Moscú

Libros COMO HOMBRES

El mundo de las mujeres en zapatos masculinos

Si los hombres se pusieran por un segundo en los zapatos de las mujeres quizás entenderían de qué se trata el feminismo.

El 3 de marzo de 2020 la periodista y tuitera Ana María Mesa escribió en su Twitter el siguiente texto:

“Por promiscuos

Por no usar condón

Por no hacerse la vasectomía

Por tirar con cualquiera

Por no impedir su erección

Por tener necesidades incontrolables

Por ser incapaces de pensar

Por no saber controlarse

Por acosadores

Por violadores

Ojalá lo tipos se embarazaran”.

Desde ese momento, la idea de poner a los hombres en el lugar de las mujeres se volvió viral. Miles de mujeres y algunos cientos de hombres comenzaron a participar de un ejercicio que, más allá de la anécdota, nos propuso un poderoso acto de imaginación moral en tiempos de feminismo. ¿Cómo sería un mundo en el que los hombres tuvieran que ser sometidos a que los infantilizaran, agredieran, violaran, maltrataran o menospreciaran? ¿Cómo es el mundo de las mujeres profesionales a las que llaman “niñas” algunos colegas? ¿Qué pasaría si no normalizáramos las actitudes con las que crecimos e imagináramos por un momento que somos otra? Este libro, pensado, escrito y recopilado por Ana Mesa, y dibujado con gran belleza por María José Guzmán tiene un inmenso valor: el de intentar ponernos en un lugar distinto al que estamos acostumbrados y hacernos ver frente a un espejo que nos deforma por nuestros prejuicios.

Editorial: Editorial Planeta

Temática: Ciencias humanas y sociales | Sociología

Colección: Fuera de colección

Número de páginas: 160

Formato único Rústica con solapas

Ana María Mesa Villegas

Ojo con el cine VIRUS Y EPIDEMIAS EN PELÍCULAS

Confieso, no es el género cinematográfico que me mata, perdón, que me entusiasme. Como en la vida real, le temo a lo que cuenta. Me da escosor. Pero puede ser un género cinematográfico al final de las cuentas.

Mucho se especula con él. Que son premonitorias esas películas, que lo advierten todo, que se anticipan a los hechos, que hay que ponerles cuidado, etc. Casi que puede decirse -porque eso dicen- que se anticipan días, meses o años a la realidad que va a suceder. Igual, sea verdad o no, se han hecho cosas muy raras. Como lo son los virus y las epidemias.

Los virus y las bacterias, como villanos de películas, han dado buena taquilla a lo largo de la historia. Un tema reiterado y reciclado bajo distintas formas narrativas y estéticas en la historia de la producción cinematográfica global que, no por eso y en cualquier momento, despierta interés, genera morbo o en momentos como éste, potencia un interés escabroso.

Tiene muy altas probabilidades de generar rédito. Según la firma de inversión e investigaciones económicas MKM Partners, en un reciente estudio publicado sobre un índice bautizado “stay at home” (Quédese en casa), plataformas de streaming como Netflix,

Germán A. Ossa E.* Carnaval-de-Barranquilla

Foto: lasdaoalplay.com

Muerte en Venecia, de Luchino Vizconti

Amazon Prime y YouTube, podrían tener una tendencia positiva de sus acciones en bolsa en medio de una caída generalizada. “Intentamos identificar qué productos, servicios o empresas se beneficiarían potencialmente en un mundo de personas en cuarentena.

¿Qué haría la gente si se quedara encerrada todo el día?”, dijo un ejecutivo de la compañía. Y eso los puso a pensar en que, porqué no, poner en la cartelera de esos circuitos, películas como “La peste” y “Ceguera” (2008) de Fernando Meirelles, ese que hiciera “Ciudad de Dios”; “Exterminio” (2003), hecha por Danny Boyle, “Epidemia” (1995) protagonizada magistralmente por Don Dustin Hoffman; “La amenaza de

Andrómeda” (1971), de Michael Crichton, o la de Alfonso Cuarón, autor de “Roma”, su famosa “Los niños del hombre”(2006); o “12 Monos” de Terry Gilliam, con un excelente Brad Pitt de manicomio; o ese “Contagio” hecha (2011), de Steven Soderberg, realizador de las monumentales “Che”, con Benicio del Toro, o “Aislados” (2011) realizada por Carl Tibbetts; o, si se quiere, esa desempolvada cinta de 1950 hecha por el mago de la dirección cinematográfica Elia Kazan -maestro que hiciera a actores como Marlon Brando desde el Actor Studio-, denominada “Pánico en las calles”. Pero si quieren que les recomiende una, amables lectores, no dudaría en proponerles “La peste”(1992) por más de una razón.

Basada en la novela de Albert Camus, publicada en 1947 -y que vive un resurgir de ventas en Europa en este momento-, cuya versión cinematográfica se hizo bajo la dirección del actual Presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa), Luis Puenzo. Protagonizada por William Hurt, Sandrine Bonnaire, Robert Duvall y Raúl Juliá, cuenta la vida del médico Bernard Rieux durante una epidemia de cólera en la entonces colonia francesa Orán, Argelia. Anidaba allí la alegoría de Camus: a partir de las limitaciones impuestas por las autoridades a la gente del pueblo, exponía a los gobiernos autoritarios y sus métodos de opresión. De tono sombrío (y solemne en exceso, según unas cuantas críticas de la época), la película apunta a concretar una metáfora sobre el progresivo estado de sitio en que se encierra, desesperada, la existencia contemporánea.Ustedes verán si se animan a verla.

…Y para los que nacieron –nacimos- en la década de los cincuentas, me encantaría revivirles esa extraordinaria película que invadió las carteleras de los cineclubes de los setentas, hecha por un genio italiano de nombre Luchino Visconti (Dirk Bogarde, Silvana Mangano y Bjo¨rn) y que pareciera inspirada en los tétricos ambientes de la época actual, en muchas de las playas del

mundo: “Muerte en Venecia”, una pelicula que, de verdad y teniendo tanto por dentro, provoca escaramusas, porque ella demuestra que se puede vivir en un mundo fracturado entre la belleza y el miedo.

(*)Germán Ossa, residente en Pereira, es gestor cultural, escritor, artista plástico, cinéfilo, crítico de cine y tallerista. Realiza anualmente, en la capital risaraldenses, el Encuentro Nacional de Críticos y Periodistas de Cine, importante evento del cual se han producido, a la fecha, 20 ediciones.

Fotos: Muerte en Venecia, de Luchino Visconti

La UNESCO ha puesto en marcha diversas iniciativas para apoyar las industrias culturales y promover el patrimonio cultural en un momento en que miles de millones de personas en todo el mundo recurren a la cultura para reconfortarse o superar el aislamiento social durante la crisis sanitaria de la covid19, que está golpeando duramente al sector cultural.

Según Audrey Azoulay, directora general de la UNESCO, “el carácter mundial de la crisis debe llevar a la comunidad internacional a reforzar la apuesta por la cooperación internacional y el diálogo intergubernamental. La UNESCO se ha comprometido a liderar un debate mundial sobre la mejor manera de apoyar a los artistas y las instituciones culturales durante la pandemia y después de ella, y lograr que todas las personas puedan mantenerse en contacto con el patrimonio y la cultura que los conectan con su humanidad”.

Arte, cultura y turismo virtual LA UNESCO PROMUEVE LA CULTURA Y EL PATRIMONIO DURANTE LA CRISIS DE LA COVID-19

Arts & Culture’.

Por otra parte, la Organización proporcionará información actualizada, mediante un mapa disponible en su sitio web y a través de los medios sociales, sobre las repercusiones de la crisis de la Covid-19 y las respuestas frente a ella en los sitios del Patrimonio Mundial, los cuales, debido a la pandemia, se encuentran parcial o totalmente cerrados a los visitantes en el 89% de los países.

Asimismo, la UNESCO difundirá información de primera mano de gestores de sitios del Patrimonio Mundial, que pueden brindar un testimonio excepcional sobre el impacto de la crisis de la Covid-19 en los sitios que administran y en las comunidades circundantes. Tam bién se invitará a los niños de todo el mundo a compartir dibujos de bienes del Patrimonio

En el Día Mundial del Arte (15 de abril), la UNESCO, en colaboración con Jean Michel Jarre, pionero de la música electrónica, Embajador de Buena Voluntad de la UNESCO y Presidente de la CISAC, organizó un debate por Internet y una campaña en las redes sociales, “ResiliArt”, que reunió a artistas e importantes agentes del sector artístico para llamar la atención sobre el impacto de la crisis de la Covid-19 en la economía de los artistas y los profesionales de la cultura.

El debate, organizado en colaboración con la CISAC (Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores), tenía como propósito, entre otros, servir de base para la formulación de políticas y mecanismos financieros que puedan ayudar a los creadores y a la sociedad a superar esta crisis. La

UNESCO anima a los creadores y artistas de todo el mundo a que se unan al debate “ResiliArt” en las redes sociales y a que inviten a su vez a otros artistas a presentar los trabajos que producen durante el confinamiento.

En palabras del Subdirector General de Cultura de la UNESCO, Ernesto Ottone R., “la gente necesita la cultura ahora más que nunca. La cultura nos hace resilientes, nos da esperanza, nos recuerda que no estamos solos.

Por eso, la UNESCO está haciendo todo lo que está en su mano para apoyar la cultura, salva guardar nuestro patrimonio y respaldar a los artistas y creadores, ahora y después de que haya pasado esta crisis”.

El cierre de sitios del Patrimonio Mundial, museos, teatros, cines y otras instituciones culturales pone en peligro la financiación necesaria para los artistas y las industrias creativas. Además, esto también afecta a la conservación de lugares excepcionales y a los

recursos económicos de las comunidades locales y de los profesionales de la cultura.

La pandemia de COVID-19 ha suspendido numerosas prácticas del patrimonio cultural inmaterial, como rituales y ceremonias, algo que afecta a comunidades de todo el mundo. A su vez, esta crisis ha costado muchos puestos de trabajo.

Por ejemplo, artistas de todo el mundo ahora no pueden llegar a fin de mes debido a que en su mayoría dependían de otras actividades auxiliares para complementar los ingresos de su actividad artística.

En la web de la UNESCO se puede encontrar más información sobre la respuesta de la Organización a la crisis de la COVID-19 en el ámbito de la cultura. travelgrafia.co

Coronavirus en españa.la nueva normalidad

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