GEOMETRIAS Y ABSTRACCIONES - HOMENAJE A NEGRET

Sobre Galería Elvira Moreno : Galería Elvira Moreno es un espacio que representa artistas nacionales e internacionales establecidos y con carrera intermedia, cultivando un programa interdisciplinario y destacando el arte contemporáneo, se enfoca en artistas con amplia trayectoria igualmente dispone de espacios para los más jóvenes, para aportar al desarrollo de la escena artística local.

Es un lugar diseñado para facilitar los diálogos entre el espectador, la obra de arte y los artistas, desde las distintas vertientes del arte contemporáneo y la inclusión de referentes nacionales e internacionales del arte moderno, que brindan un contexto fundamental a la producción artística contemporánea. Nuestros visitantes tendrán la oportunidad de interactuar de manera directa con los procesos creativos de los artistas, participando en charlas, conferencias, talleres educativos y visitas a sus espacios de trabajo.

Geometrías y abstracciones. Homenaje a Negret es una curaduría que parte de la revisión de una serie de ocho exposiciones con cuarenta artistas que el artista Edgar Negret realizó durante en 1990, año que denominó de Los Concretos. El propósito de Negret con estas exhibiciones era apoyar y difundir el lenguaje de la abstracción en nuestro país y darle un carácter singular a su galería.

Geometrías y abstracciones. Homenaje a Negret reúne las obras de veinticinco artistas que expusieron hace 30 años bajo el ojo del escultor. Son ellos: Alberto Riaño, Armando Londoño, Arturo Serrano, Carlos Enrique Rodríguez, Carlos Rojas, Carlos Torres, Consuelo Gómez, Edgar Negret, Edelmira Boller, Hermann Angarita, Hugo Zapata, John Castles, Jorge Riveros, Juan Jaramillo, León Trujillo, Luis Fernando Roldán, Mónica Negret, Manuel Hernández, Margarita Gutiérrez, Omar Rayo, Pilar Caballero, Rafael Echeverri, Ronny Vayda y Santiago Uribe Holguín.

En esta muestra se encuentra el artista y curador quien visualizó la solidez del arte abstracto en Colombia y que construyó un puente entre las culturas mesoamericanas y la modernidad, por medio de una gramática propia, lúcida, y por el empleo de un material como el aluminio que transformó en cientos de esculturas. En su obra fusionó la razón, lo orgánico, su espíritu y la herencia prehispánica por medio de un lenguaje abstracto que, en su momento, desafió el academicismo imperante en la escultura, en Colombia a finales de los años 50. Con sus obras le dio nuevos significados a los mitos ancestrales indígenas, preservó los enigmas bajo las metamorfosis incesantes del material. Con la aplicación de colores monocromáticos sobre ese material creó superficies planas y unificadas con una apariencia de liviandad e independencia. Al moldearlo y entroncarlo con tuercas y tornillos, ubicados de manera alterna y ordenada generó estructuras firmes que flotan en el espacio.

Es importante subrayar que al inicio de la década de los 90, cuando se da la exposición, nuestro país se hallaba en medio del terrorismo generado por el Cartel de Medellín, el país estaba en manos de los narcos y los colombianos estábamos desmoralizados. 1989 fue uno de los años más sangrientos en nuestra historia con el estallido de bombas en lugares públicos, en el edificio del DAS, en el diario El Espectador, las bombas explotaban en las calles y hubo una masacre de dirigentes, periodistas, policías y población civil. A pesar de este contexto, o tal vez a causa de él, es posible pensar que Negret quería poner un grano de arena para alivianar lo que estaba ocurriendo en el país por medio de los universos abstractos que se encontraban en estas exposiciones. Al apoyar y promover a ese grupo de artistas, a lo mejor podría también pensar que, como señaló Paul Klee: “cuanto más horrible el mundo más abstracto el arte”.

También, la nueva década trajo una ruptura generacional, el advenimiento de las prácticas artísticas en la que surgen preguntas y vectores conceptuales en torno al cuerpo, la geografía, las regiones, la memoria, a lo inmaterial, lo local, la violencia, la abstracción, etc. Así, que se puede intuir que otra de las intenciones de Negret con las exposiciones del año de Los Concretos fue la de enraizar y visibilizar los diferentes procesos y obras de cuarenta artistas abstractos en nuestro país. Al igual, apoyar a estos artistas con sus lenguajes implicó darles un espacio tangible, ya que para algunos espectadores lo abstracto era ininteligible por no tener referentes figurativos, a pesar que la abstracción había navegado por 50 años en el país, desde su inicio con el artista Marco Ospina.

Edgar Negret fue un demiurgo, un creador sin igual, un curador, un ser humano que escuchaba y asesoraba y promovía a otros artistas en su galería en Bogotá. En aquella casa ubicada en la calle 81 con carrera 8, con techos bajos, sin luces profesionales y con un jardín selvático, el artista disfrutaba realizar los montajes con los artistas.

La pregunta que surge es por qué Negret denominó a su curaduría con el nombre de Los Concretos, cuando percibimos que los artistas convocados para conformar las exposiciones parten de diferentes postulados y lenguajes que se adhieren a la abstracción. Sus obras van desde la abstracción de la naturaleza, el interés por el material. Incluso algunos creadores se acercan a corrientes como la informalista y lo matérico. Otros tienen un interés por plasmar el lirismo y lo espiritual en sus obras; o se nutren del expresionismo abstracto, o exploran caligrafías orientales donde el gesto prima, o en lógicas de la construcción que juegan con las propiedades físicas del equilibrio y en sistemas modulares que ahondan en la geometría y lo concreto.

Infiero que el nombre de los Concretos surge de una denominación que nos lleva a lo preciso y que corresponde históricamente a un tipo de abstracción en la que lo principal es la geometría racionalista. Esta aproximación es cercana a las posturas neo plasticistas que procedían de la corriente De Stijl, que retomó y definió como Concreta Theo Van Doesburg en su manifiesto “concretista”, en Suiza en 1930. Allí Van Doesburg consigna principios como: Los materiales no simulan nada que no sean ellos mismos y donde el racionalismo prima. Luego Max Bill va acuñar y popularizar la denominación de arte concreto y van a popularizar un slogan: “materiales reales, espacio real”. Estos principios, se observan en algunas obras que se presentan en el denominado año de Los Concretos de Negret, pero no en todas. Y Negret difiere también de la concepción del arte concreto que se dio en los años 40 en Brasil o en Argentina, pues los derroteros que se dieron fueron diferentes para que los artistas producirán sus obras y como lo explica Gabriel Pérez Barreiro en su libro La Geometría de la esperanza, “La abstracción se estructura a la ciudad como unidad de contexto. La ciudad es donde circulan las ideas, donde chocan distintas voces e intenciones en el mismo espacio físico.”

Negret se apropia de la nominación y le da un nuevo significado a la palabra concreto, y lo hace desde su experiencia y conocimientos. En esta palabra acentúa su manera de ver el mundo. Negret aclara su postura en torno a lo Concreto en una entrevista que le hizo el periodista José Hernández: “No soy abstracto, soy concreto creo que quien ha estado en lo abstracto puede hablar de todo. Está armado de un vocabulario. Lo abstracto es lo abstraído, lo simplificado de la realidad. Son formas que equivalen a la naturaleza. Pero cuando esas formas tienen su vida propia y nada tiene que ver con lo figurativo, se convierten en otra cosa: son el vocabulario concreto del artista que se expresa en formas y colores. Es de ahí que estoy hablando desde la filosofía y la cosmogonía andina. Estoy hablando de temas universales y lejanos en el tiempo, pero muy cercanos a mí. Sí los precolombinos no hubieran sido seres extraordinarios nadie los recordaría.”

En su momento, el término causó confusión hasta para los artistas participantes en la exposición, como es el caso de Manuel Hernández quien entendió el término de Concreto de acuerdo con la significación de la historiografía occidental y afirmó que Negret tomó el nombre de movimientos ya empleados en música, poesía, pintura…”. Ellos lo asumen conscientes de que no parten de la naturaleza y de que sus lenguajes son mundos de investigaciones concretas.”

Como he anotado Negret, al igual que Carlos Rojas veían el mundo de lo concreto en América, en lo precolombino, sus tejidos, su cosmogonía, en el paisaje. Por supuesto comprendían que el arte abstracto en nuestro país es la continuidad de un proceso y no un encuentro de una forma como puede ser en Europa. Negret pensaba en lo cinestésico en ese “sabor de lo que se llama hoy América”, que se podría sintetizar en naturaleza y geometría que se funden de manera natural en las arquitecturas, mitos, fenómenos celestes que encontramos en la América precolombina. Solo falta caminar por San Agustín, Tierradentro en Colombia, Machu Pichù en el Perú o el complejo de pirámides de Tikal en Guatemala para entender cómo se fusiona la geometría con la naturaleza selvática y exuberante.

Negret integró su conocimiento de América, sus saberes que trasladó a una filosofía de vida y a su trabajo. Propuso gramáticas que se ligan a la vida misma, a su fascinación por las culturas ancestrales del continente, a los fenómenos celestes. Todo esto le permitió realizar el año de Los Concretos y hoy nos permite realizar Geometrías y abstracciones. El espectador puede realizar diferentes trayectos, explorar los universos de los veinticuatro artistas con sus diversos devenires y recordar al Maestro Negret en sus cien años de nacimiento y reflexionar sobre el espíritu vigente de la abstracción.

María Elvira Ardila Curadora

Artistas participantes de la exposición Geometrías y Abstracciones: Alberto Riaño Armando Londoño Arturo Serrano Carlos Enrique Rodríguez Arango Carlos Rojas Carlos Torres Consuelo Gómez Edgar Negret Edelmira Boller Herman Angarita Hugo Zapata John Castles Jorge Riveros Juan Jaramillo León Trujillo Luis Fernando Roldán Mónica Negret Manuel Hernández Margarita Gutiérrez Omar Rayo Pilar Caballero Rafael Echeverri Ronny Vayda Santiago Uribe Holguín

Alberto Riaño 1958 Bogotá, Colombia - 2006

Se destaca por su trabajo en lámina de hierro, inclinándose por la escultura abstracta, aunque le atraían temas ecológicos, la naturaleza y el bosque nativo, plantea sus composiciones con un sentido estético basado en la problemática de la simbiosis entre lo rural y lo urbano.

Alberto RiaĂąo

En guardia Escultura en hierro 125 x 68 x 45 cm 1992

Armando Londoño 1947 Florida Valle, Colombia

Su práctica con grabador se ve reflejada en esta obra, especialmente en la manera como el pigmento negro predomina en la tela,su interés por la textura, los contrastes haciendo que la luz se refleje o absorba, muestra su interés por crear en el espectador una sensación visual, donde el espectador percibe formas, espacio, atmósfera, temperatura o movimiento de carácter abstracto que se hace manifiesta en la medida que el observador se acerca o se aleja de obra.

Armando Londoño Sin título Óleo sobre canvas 132 x 86,5 cm 2002

Arturo Serrano 1957 Bogotá, Colombia

Me interesan las relaciones entre forma y espacio, la forma puede ser una figura que suele aparecer y desaparecer simultáneamente.

También el paisaje suele ser muy importante para mí, no como un pintor naturalista de paisajes tradicional, sino como una especie de fuerza inusual que impulsa el significado.

CaligrafĂ­as Mixta sobre madera 40 x 57 cm 2020

Arturo Serrano

CaligrafĂ­as Mixta sobre madera 30 x 45 cm 2020

Carlos Enrique Rodriguez Arango 1949 Bogotá, Colombia

¨Es un apasionado del material, que emplea en sus trabajos el mármol y el bronce.

De allí que su propia producción, el artista se haya convertido en un verdadero promotor de esta roca metamórfica de historia artística milenaria, tanto en el campo de la docencia, como con la presentación de un bello audio-visual sobre Carrara y la vigencia del mármol en la escultura moderna”.

Germán Rubiano

Carlos Rodriguez Arango

Escaleras a La Serendipsis Escultura en Bronce, cera perdida 63 x 44 x 4cm 2017

Carlos Rojas 1923 Facatativá, Colombia – 1997

Carlos Rojas fue un pensador, un esteta y un artista prolífico; su obra siempre vital. Un artista que hizo parte de la consolidación de la Modernidad en nuestro país.

De la serie América realizadas por el artista entre 1985-1986, pinturas que nacen a partir de sus constantes reflexiones, de su estancia en Europa, y de las comparaciones que hace entre América y el viejo continente Su estancia en Europa en los años sesenta lo acercó al arte moderno, del cual se apropia y lo invita a seguir investigando sobre la geometría y el cubismo, pero bajo una reflexión y postura latinoamericana y el deseo de estudiar nuestras culturas.

Esta experiencia se verá reflejada en su serie denominada el Dorado (1988) compuesta de exquisitas pinturas de este color y de color plateado que fueron realizadas a partir de pigmentos metálicos que simulan el oro y la plata de nuestro continente. A partir de la creación de esta obra Rojas configuró todo un planteamiento filosófico y hasta espiritual alrededor de América, le molestaba el término precolombino, pues como Latinoamericano pensaba que era un término que despedazaba, fragmentaba, arrebataba y hasta negaba nuestra cultura.

Carlos Rojas

De la serie amĂŠricas Mixta sobre lienzo 100 x 100 cm 1975

Carlos Torres 1955 Bogotá, Colombia.

Desde sus primeras obras, encontró y se identificó hacia lo que siempre ha trabajado, el “informalismo abstracto”.

De manera especial, el encuentro con materiales orgánicos y de desecho como un polvo de mármol, arena, o un metal oxidado.

La manera de componer con esos materiales en la pintura, armonizada con elementos de forma protagonistas como la geometría, la composición misma y el equilibrio de cada obra

Carlos Torres

Del blanco al negro gris Mixta sobre madera yute, mallas metรกlicas, cartรณn, polvo de mรกrmol y otros 200 x 200 cm 1992

Consuelo Gómez 1956 Bogotá, Colombia

Las esculturas de Consuelo Gómez nos muestran un gran refinamiento industrial de sus investigaciones con materiales tradicionales de construcción como madera, vidrio, aluminio y hierro, aludiendo también a estructuras arquitectónicas como las columnas.

Consuelo Gรณmez

Malagana Madera tallada 102 x 45 cm de diametro aprox.

1989

Edgar Negret 1920 Popayán, Colombia - 2012

La obra de Negret se caracteriza por la abstracción geométrica, predominante sobre cualquier alusión figurativa, su estadía en Estados Unidos (1955 a 1963) afectó sus esculturas en términos formales y también conceptuales, debido a la posibilidad que tuvo de entrar en contacto con comunidades indígenas de allí. Este intercambio cultural lo llevó a pensar en la forma como nos relacionamos con los objetos urbanos, concluyendo que estos últimos tienen también un componente mágico.

Fue por esos años cuando ejecutó la serie denominada Aparatos mágicos, en la que, por primera vez, empleó el aluminio. Negret, junto con otros jóvenes de la época, fue protagonista de cambios fundamentales en la vida política, social y cotidiana del país; sus aportes sembraron la simiente de grandes cambios y las preocupaciones que plantearon continúan vigentes en la producción plástica de las nuevas generaciones desde 1950 En la exposición presentamos dos obras. una de la serie aparato mágico del año 59 que en la que, por primera vez, empleó el aluminio (que desde entonces será su material exclusivo) la otra obra es una escalera del año 71, que surge de la lámina de aluminio doblada, enfrentada y repetidamente a otra similar.

Edgar Negret

Aparato MĂĄgico Objeto artĂ­stico, madera y aluminio pintado 125 x 80 x 12 cm 1959

Edgar Negret Escalera Escultura en Aluminio Pintado 77 x 111 x 82 cm 1971

Edelmira Boller 1938 Bogotá, Colombia

Boller se reafirma el valor de la intuición, el momento, la presencia, el aquí y ahora. Se reivindica el tiempo y disposición necesarios para observar, seleccionar, coleccionar, organizar y configurar fragmentos. En la cotidianidad, Boller ha constituido una manera de aproximarse al mundo que la rodea, generando conocimiento y pensamiento. Cómo características de la producción de la artista, se pueden enunciar la adición y el ensamblaje de materiales con historia, que recuerdan máquinas y funciones determinadas que ya no pueden cumplir, ya que han perdido su condición de objetos utilitarios. Bajo una contingencia cargada de tensión y pulsión, Boller busca el equilibrio de los fragmentos, hasta que se configuran nuevas relaciones entre las partes, surgiendo unos poemas visuales, sensibles, sostenidos con humor.

Edelmira Boller

Costurera Fragmento de maquina 56 x 40 x 37 cm 2020

Herman Angarita 1959 Colombia

Se define por la manera poética y peculiar de asumir el espacio. Es una serie de elementos suspendidos que crean muchas sensaciones en el observador. Herman parte de un dibujo con soldadura con palos de metal. Las piezas que apoyan el color están hechos de lona, seda y vidrio respectivamente. Hilos o fibras industriales hacen que el tejido y la tensión sean muy resistentes. Este trabajo rompe los límites existentes entre pintura y escultura utilizando métodos vistos en arte de hoy.

Herman Angarita Sin tĂ­tulo Objetos escultĂłricos varias 2018

Hugo Zapata 1945 Quindío, Colombia.

Hugo Zapata nació en La Tebaida (Quindío), en 1945. Estudió arquitectura y complementó su educación con viajes por todo el continente asiático. Espacio Continuo presenta un riguroso trabajo escultórico que parte de materiales el cristal de cobalto y la pizarra como punto de partida de una exploración formal , respetando y exaltando características plásticas propias a cada una de las piedras como la superficie, la textura y el color.

Su obra se inscribe dentro de una búsqueda espiritual, destacándolas como elementos simbólicos significativos, testigos perennes de la vida en este planeta que nos remiten a la huella del tiempo y la memoria. Una vuelta a los elementos básicos y a los puntos cardinales por medio de obras de gran elocuencia restauran sentidos ancestrales, ceremoniales y rituales.

Una mirada que integra el arte y la naturaleza. Una visión del universo que habla del hombre, del tiempo y de la materia.

Hugo Zapata

Cordillera Ensamble roca tallada y cristal 212 x 22 cm 2015

John Castles 1946 Barranquilla, Colombia

John Castles pertenece a la tradición escultórica en la que prima la abstracción geométrica. Inició su carrera artística en la Tercera Bienal de Medellín en 1972, donde presentó una obra con tubos prefabricados que fue señalada por la crítica como una de las obras que da cabida al minimalismo en Colombia.

En el XXV Salón Nacional de Artistas recibe el primer premio con Modulación vertical, una escultura arquitectónica simétrica e ilusoria, en metal y de color amarillo. Su trabajo en esta década y en los años 80, en la que acude al aluminio para sus estructuras, se caracterizó por una geometría inscrita en los ejes de un hexaedro, y la repetición rítmica de un módulo; un ejemplo de esto es la escultura ubicada en el centro de Bogotá en la plazoleta triangular del Banco de Crédito, realizada en 1984 Sus esculturas tituladas Ondulantes, siguen siendo geométricas, el espectador las percibe como si estuvieran curvadas por sí solas, como si el acero de 3 milímetros de espesor no pusiera ningún tipo de resistencia al doblez, lo que permite que las obras se compenetren con el espacio donde están inscritas; tal es el caso de Américas, ubicada en la caja de compensación Compensar en Bogotá, que le da la oportunidad al transeúnte de penetrar, caminar o recorrerla por sus ondulaciones, por esa doble curva que juguetea con el lugar.

De los cánones constructivos, Castles pasa a lo que podríamos llamar una geometría más “orgánica”, que logra en sus últimos trabajos por medio de los planos que se modelan geométricamente a través de cilindros invertidos, generando la sensación de un total movimiento en una estructura ascética que recurre a la formulación minimalista.

John Castles

Arco toral Acero doblado y soldado 57 x 40 x 309 cm.

1989

Jorge Riveros 1934 Norte de Santander, Colombia

Es una obra cuyo boceto inicial fue realizado en Alemania en el año 1970 en acrílico sobre papel, y fue trasladado al lienzo en 2015, en su taller en Bogotá.

Esta particularidad en el trabajo de Riveros, se genera porque a partir de 1997, y con más rigor después de 2010, el artista retoma sus bocetos realizados en Alemania casi cuatro décadas atrás, para continuar explorando la forma y el color.

Durante su estadía en el continente europeo, Riveros recoge los vestigios de la cultura ancestral y expresa el carácter suramericano.

Los símbolos, los colores y la geometría ofrecen los valores propios de ese lenguaje, que nace de adentro, arraigado a la tierra de origen, unido con la seriedad, la disciplina y el entorno que se respiraba en la Alemania de aquella época.

Jorge Riveros

Vestigio Ancestral II Acrílico sobre Lienzo 150 x 315 cm 1970 – 2015

Juan Jaramillo 1955 Bogotá, Colombia.

Su propuesta pictórica se halla centrada en la abstracción gestual espontánea, realizada sin bocetos previos y basada en la intuición. Podría decirse que todo su trabajo hace parte de un gran experimento en el cual la mancha y el gesto son fundamentales como elementos expresivos, en tanto que el color es más sensitivo que mimético; las marcas, huellas, texturas, y transparencias le otorgan un manifiesto atractivo visual y despiertan un vehemente deseo de seguir, tras las pinceladas.

Su propósito era comunicar, a través del logro estético, el ánimo que lo imbuía, y la fuerza interior que lo habían llevado a plasmarlos pictóricamente.

Juan Jaramillo

Llama del amor AcrĂ­lico sobre lienzo 110 x 110 cm 2002

León Trujillo 1952 Medellín, Colombia

Ha explorado ampliamente la materia desde la pintura y la escultura, inmerso en la abstracción ha sido una de las piezas claves en el desarrollo de esta línea en Colombia, su trabajo ha sido reconocido por su minimalismo e informalismo, técnicamente sus obras se encuentran en medio de la materia sumergidas en paletas negras y tierras, muy cercanas a la naturaleza pues utiliza pigmentos vegetales y minerales en sus composiciones, su relación con el territorio es importante y la materia que lo rodea se imprime en cada obra, sus formatos adquieren la escala de la naturaleza, Los conceptos que más maneja en su obra son orígenes de la creación, los elementos y la materia.

Leรณn Trujillo

Escudo de bronce Varilla, tela y masilla 114 x 114 cm 2012

Luis Fernando Roldán 1955 Cali, Colombia

En su obra hay virtuosismo, obsesión, entrenamiento, rutina, memoria y rito que, como en la música, hacen manifiesta una dimensión de lo intangible. Una característica notable de la obra de Luis Roldán es su ambigüedad entre la experimentación y el rigor, la improvisación y el método y la belleza y el desprecio, o como lo observó José Hernán Aguilar “entre el humor y la seriedad” o Jesús Fuenmayor “entre la duda y el riesgo”.

Luis Fernando Roldán Sin título Óleo sobre lino 122 x 97 cm 1987

Mónica Negret 1957 Bogotá, Colombia

La manera en que combina material, textura, volumen y color, es una mezcla de escultura y pintura que obliga al espectador a relacionarse más visualmente con la obra y su espacio. Las formas geométricas sencillas, zonas con sutiles variaciones de color. Son 13 piezas trabajadas en conjunto, pero cada una se mantiene independiente en su volumen, forma y color

MĂłnica Negret

Amarillo Madera contrachapada con pintura acrĂ­lic 30 x 30 x 8 cm 2020

Manuel Hernández 1928 Bogotá, Colombia - 2014

Surge como pintor abstracto en los primeros años sesenta. Previamente había sido figurativo en la iniciación de su carrera, Su vinculación al arte abstracto en 1961 con el primer premio en Pintura en el XIII Salón Nacional. Su inclinación es precisa: ni geometrismo, ni expresionismo. Su estilo se establecerá en el justo medio: aquel en el que el intelecto no domina totalmente a la emoción y en el que las formas y las composiciones resultan libres, aunque nunca incontroladas. La pintura de signos y la pintura de campos cromáticos, es abstracción pura; es decir, se instala deliberadamente en un campo formal ajeno a cualquier referencia naturalista. El fondo de sus cuadros es neutro y sólo alude a un espacio más o menos en profundidad. Los signos que aparecen en él carecen de referencias y sólo por prejuicio naturalista alguien puede asociarlos a formas conocidas; los colores son producto de innumerables mezclas y evitan los tonos más frecuentes en el mundo material

Manuel HernĂĄndez Forma desdoblada AcrĂ­lico sobre lienzo 170 x 250 cm 1984

Margarita Gutierrez 1951 Bogotá, Colombia.

Su temática el jardín y la naturaleza que surgen de un estilo de vida coherente con su generación. Desde su pasión por el jardín hace una exploración de las formas de las plantas, hojas, flores, semillas, etc., que construye con formas geométricas.

Margarita Gutierrez ArlequĂ­n Ă“leo sobre tela 120 x 120 cm 1989

Omar Rayo 1928 Roldadillo ,Colombia – 2010

Omar Rayo se inscribe en un curso por correspondencia en la Academia Zier de Buenos Aires-Argentina en los años cuarenta, graduándose como caricaturista, profesión con la que se gana la vida realizando caricaturas en diarios de Bogotá.

Viaja por los países de América Latina, un recorrido acompañado con toda clase de estudios. Luego, se traslada a México a través de una beca de la OEA, con la cual termina sus estudios de grabado entre 1959 y 1960. En el taller de grabado de José Luis Cuevas y Francisco Toledo perfecciona sus técnicas de grabado, allí realiza los intaglios gracias al azar y a la experimentación, una cabuya queda enredada en la plancha y sin querer la imprime. Luego toma algunos objetos como puntillas, tijeras, ganchos, compases y el resultado fue la exquisita serie de objetos cotidianos, máquinas domésticas, grabados con relieve sobre papel blanco.

En 1977 recibe una beca de la Fundación Guggenheim para investigar y profundizar la técnica del intaglio.

Por otro lado, pintura de Omar Rayo logra configurar juegos tridimensionales en espacios planos, su pintura se inscribe en un lenguaje cinético que engaña el ojo del espectador al pintar laberintos, dobleces que se pliegan y se despliegan creando falsos volúmenes, la sombra de las líneas se definen lo que crea un juego de planos.

Omar Rayo

Tebet AcrĂ­lico sobre lienzo 100 x 100 cm 1982

Pilar Caballero 1940 Bogotá , Colombia - 2016

“El trabajo de Pilar no se reducía al aspecto visual de la obra, sino que involucraba todos los apartados de la producción y sus observaciones sobre cualquier elemento que eran siempre atinadas y certeras” Camacho.

Pilar Caballero sin titulo Escultura en acero 51 x 51 x 13 cm AĂąos 90

Rafael Echeverri 1952 Santa Rosa de Cabal, Colombia - 1996

Su obra tiene la clara intención de reducir la pintura a su esencia, limitando su cromatismo, encerrándola dentro del cuadrado y restringiendo sus planteamientos a composiciones simétricas. Sus lienzos recompensan visualmente al observador con superficies impecables, de colores puros, donde se produce un singular diálogo entre bidimensionalidad y tridimensionalidad, pues al tiempo que enfatizan el plano, se proyectan sutilmente en el espacio

Rafael Echeverri Sin título Acrílico sobre lienzo 120 X 120 cm 1988

Ronny Vayda 1954 Medellín, Colombia

Sus obras suelen partir del cubo que a veces cruza con un vidrio o con el vacío en medio del metal. “Me ha intrigado trabajar con los ángulos rectos. Muchas de mis, tienen torsiones y forman figuras, pero, todas están dictadas por la geometría euclidiana. así: tienen unos planos constructivos a partir del ángulo recto. El cubo, por ser hecho de rectas, se vuelve algo sagrado”

Ronny Vayda

Serie cรณdigos Diรกfanos Ensamble en cristal 12 x 12 x 12 cm 2005

Santiago Uribe Holguín 1957 Bogotá, Colombia

Uno de los primeros artistas colombianos en incursionar en la pintura matérica, su obra, abstracta y expresionista, influenciada por la gestualidad del informalismo español, las texturas de los frescos grecorromanos y el sobrio misticismo del expresionismo abstracto americano, es una exploración perpetua sobre las diferentes relaciones entre la forma, el color y la materia

Santiago Uribe HolguĂ­n

Diagonal Mixta sobre lona y polvo de mĂĄrmol 150 x 180 cm 2011

Credits ARTWORKS. A los artistas Texto curatorial María Elvira Ardila Graphic Design. Ángela Lozano Special thanks to Elvira Moreno Gallery

Carrera 23 # 72a 61 San Felipe Bogotá, Colombia (+57) 3144098032 galeriaelviramoreno@gmail.com GALERIA_ELVIRAMORENO DISCLAIMER COPYRIGHT © 2019 No part of this book may be reprinted or reproduced or utilized in any form or by any electronic, mechanical, or other means, now known or hereafter invented, including photocopying and recording, or in any information storage or retrieval system without permission in writing from the publishers.