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Parra… Noble Parra, 2018, técnica mixta sobre tela, 50 x 50 cm.

FRANCISCA www.franciscalohmann.cl LOHMANN


EDITORIAL

/ EDITORIAL

Arte Al Límite (AAL) difunde el trabajo de artistas contemporáneos de todo el mundo, buscando promover la circulación del arte, incentivar el coleccionismo y acercar el arte a la comunidad a través de actividades con foco internacional. Desde hace un par de años el mercado del arte en Perú ha ido creciendo y aumentando tanto en la afluencia de eventos como de agentes del arte que participan cotidianamente. Ambas ferias, tanto Art Lima y PARC son ejemplo de ello, sin embargo, la invitación de ARCO a Perú como país invitado es lo que entraría a ser el punto culmine en su posicionamiento dentro del mercado latinoamericano. La feria madrileña, ARCO, cumplirá 37 ediciones en febrero de este año, desempeñando un importante rol para el rubro latinoamericano del arte visual, ya que junto a Art Basel Miami, es una verdadera ventana del arte que se genera en esta región para el continente europeo. Junto a ella se celebran las ferias Art Madrid y Just Mad, con propuestas más osadas y emergentes que se acercan al arte moderno y contemporáneo de características menos conceptuales. Por otro lado, en marzo comenzará la semana del arte en Nueva York, con The Armory Show, Volta y Scope. Estas son las razones que nos motivan a realizar una edición especial de artistas peruanos, para celebrar la calidad del arte esta nación, mostrar diversidad en las formas de creación y en los contenidos que expresan los diferentes artistas en este país como Ana de Orbegoso y Carmen Reategui, quienes trabajan la idiosincrasia peruana, mientras que Alfredo Márquez hace fuertes críticas hacia la administración estatal y a la violencia que se ejerce. Por otra parte, artistas como Jesús Pedraglio y Michelle Magot trabajan con la abstracción porque sí, en Perú encontramos diversidad y calidad. Por otro lado, se ha comentado mucho últimamente sobre qué pasará el próximo mes de Abril, cuando las ferias, por primera vez se realicen en fechas separadas, con dos semanas de distancia. El mundo del arte ¿tendrá que optar?, ¿viajaremos a ambas? Son las incógnitas que nos presenta este país y que está haciendo ruido en el resto del mundo.

Arte Al Límite (AAL) promotes the work of contemporary artists from all over the globe, aiming to foster art circulation, encouraging art collecting and bringing art closer to the community through worldwide activities. For a couple of years now, the Peruvian art world has been growing and improving in terms of the number of art-related events being held and the art agents that participate in them on a daily basis. Both the Art Lima and the PARC fairs are an example of this. However, the fact that Peru was invited to participate as a guest country at ARCO is a milestone in the consolidation of the country in the Latin American market. ARCO, a Madrid-based art fair, will celebrate is 37th edition in February this year. Alongside Art Basel Miami, the fair plays an important role in the Latin American visual arts market and it provides an opportunity to exhibit Latin American art in the European continent. Art Madrid and Just Mad will be held simultaneously, with bolder proposals and budding art trends showcasing less conceptual modern and contemporary artwork. On the other hand, New York’s art week will start in March with The Armory Show, Volta and Scope. The imminent arrival of these fairs has motivated us to create a special edition with Peruvian artists to celebrate their quality artwork in the country, to demonstrate the diversity of the means of creation and the content of Peruvian artists such as Ana de Orbegoso and Carmen Reategui who work with the concept of Peruvian idiosyncrasy, and Alfredo Marquez who fiercely criticizes government administration and violence. The work of other artists like Jesús Pedraglio and Michelle Magot is of an abstract nature, proof of the diversity and quality of Peruvian art. There has also been a lot of talk about what will happen next April when the fairs are, for the very first time, held at different dates, two weeks apart. So... will the art world have to choose between them? Will we attend both? These are some of the questions that this country, one that is starting to make some noise worldwide, has posed.

ANA MARÍA MATTHEI

RICARDO DUCH


COLABORADORES

/ CONTRIBUTORS

DANIEL G. ALFONSO

LUCÍA REY

ANA MARÍA RODRIGO

Historiador de arte | Art Historian Cuba | Cuba

Magister en Teoría e Historia del Arte | Master in Art theory and history Chile| Chile

Lingüista y Curadora | Linguist and Curator Perú| Peru

Es coordinador editorial y redactor de la Revista ArteCubano del Sello ArteCubano Ediciones. Practica la crítica de arte y fue curador de diversas exposiciones en la duodécima Bienal de La Habana, Cuba y otras.

Docente, teórica y crítica del arte, miembro de CIELA (Cto de investigaciones estéticas latinoamericanas de la Facultad de Arte U. Chile), Artista de performance. Actualmente reside en Santiago de Chile.

Lingüista con formación profesional y doctoral en España. Experiencia en artes visuales y comunicación desde el Doctorado y a través de la coordinación de actividades artísticas y culturales, comisariado de exposiciones y docencia (UPC).

He works as editor and writer from Ar teCubano SelloAr teCubano magazine. He makes art critics in many publications and was curator of many displays on the 12th La Havana Biennial, Cuba.

Teacher, art theorist and critic, member of CIELA (Latin American aesthetics research center of the Facultad de Arte U. Chile), artist of performance. Currently, she lives in Santiago, Chile.

Linguist with undergraduate and doctoral studies in Spain. Experienced in the field of visual arts and communications since her doctorate and through planning cultural and artistic activities, curating exhibitions and teaching (UPC).


DEMETRIO PAPARONI

JULIO SAPOLLNIK

ANDRÉS ISAAC SANTANA

Crítico y Curador de Arte | Art Critic and Curator Italia | Italy

Licenciado en Historia de las Artes | Art History graduate Argentina | Argentina

Historiador de Arte | Art critic and essayist Español y cubano| Spanish and Cuban

Nació en 1954, en Siracusa. Fundó la revista de arte Tema Celeste y la Casa Editorial Homónima. Es curador y crítico de arte. Ha realizado numerosos documentales para Rai Educational. Colabora con ArtChina (Shanghai) y Arte Al Límite.

Nació en Buenos Aires. Es Máster en Cultura Argentina, director del Palais de Glace y Curador de Arte. Crítico en diario Clarín, Página 12, y conduce el programa “Cultura al Día”, en Metro, Argentina.

Crítico, ensayista, y editor de arte. Vive en Madrid y tiene un master en arte cubano. Ha publicado dos libros, además de ser autor de más de trescientos artículos, ensayos y reseñas sobre arte contemporáneo en medios y revistas especializadas.

Born in 1954, Siracusa. He founded the art magazine Tema Celeste and the homonymous publishing house. He has developed several documentaries for Rai Educational. He is a contributor for ArtChina (Shanghai) and Arte Al Límite.

He was born in Buenos Aires. He has an MA in Argentinian Culture, he directs the Palais de Glace and he is an art curator. He writes critics for the Clarín and Page 12 newspapers and hosts the show “Cultura al día” in Metro, Argentina.

He was born in Cuba in 1973. Currently, he lives in Madrid. He is graduated in Art History from the Universidad de La Habana. Author of the books “Nosotros, los más infieles;” “Sin pudor (y penetrados);” “Imágenes del desvío;” and “El Troyano.” Correspondent in Spain for ArtNexus magazine. He collaborates with very diverse mass media specialized in contemporary art.

CATALINA AGUILAR

VICTORIA DE ARVIZU

VERÓNICA JIMENEZ

JUAN PABLO CASADO

Periodista | Journalist Chile | Chile

Máster en Mercado del Arte |

Licenciada en Periodismo | Graduate in journalism Costa Rica | Costa Rica

Periodista | Journalist Chile| Chile

Master in Art Market

España | Spain Ha colaborado como periodista dedicada a temas del ámbito artístico y cultural en medios nacionales como Diario El Mercurio, Revista Arte al Límite, Culto de Diario La Tercera, etc. También ha desarrollado contenidos para redes sociales, sitios web y ha realizado gestión de prensa para instituciones vinculadas a las artes visuales.

Nació en Pamplona en 1981. Licenciada en Derecho por la Universidad de León y magíster en Mercado del Arte por el Sotheby’s Institute of Art y Tsinghua University. Reside en Shanghai desde hace doce años donde trabaja en una agencia de estrategia y comunicación cultural.

Nació en San José, Costa Rica en 1991. Estudió Periodismo en la Universidad de Costa Rica y ha dedicado su carrera a la cobertura artística. Posee un diplomado en ‘Periodismo Cultural, Crítica y Edición de Libros’ de la Universidad de Chile.

Licenciado en Bachillerato en Humanidades y periodista UC especializado en prensa escrita. Hoy preparando la defensa de tesis en Literatura Hispánica en la misma universidad. Amante de las artes y próximo escritor.

She has been working as journalist in culture and art in nationa medias as El Mercurio, Arte Al Límite, Culto from La Tercera, among others. She also make the social media and web site of visual art’s institutions.

She was born in Pamplona in 1981. She has a degree in Laws at the Universidad de León and a master degree in Art Market at the Sotheby’s Institute of Art and Tsinghua University. She has been living in Shangai since twelve years ago, working in an agency of strategy and cultural communication.

She was born in 1991 in San José, Costa Rica. She studied Journalism at Costa Rica’s University and she has dedicated her career to artistic coverage. She possess a degree in “Critical and Cultural Journalism and Text Editing” at University de Chile.

Bachelor of Arts and Journalist of the Catholic University of Chile specialized in print press. In the present, he’s preparing his thesis defense in Spanish Literature in the same university. Art lover and upcoming writer.


SUMARIO

/ SUMMARY DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch DIRECTOR COMERCIAL Cristóbal Duch DIRECTORA DE ARTE Y EDITORIAL LIBROS Catalina Papic PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA Elisa Massardo DISEÑADOR GRÁFICO Wilder Rios MARKETING Catalina Pino TRADUCCIÓN Adriana Cruz CORRECCIÓN DE TEXTOS Gleisy Ríos Isaac Moreno ASESORES Benjamín Duch Jorge Azócar REPRESENTANTES INTERNACIONALES Julio Sapollnik (Argentina) Mahara Martínez (EE.UU.-Miami) mahara@arteallimite.com Angello Melo (Colombia) colombia@arteallimite.com Andrés Isaac Santana (España) artnexus73@yahoo.es REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón SUSCRIPCIONES +56 2 2955 3261 suscripciones@arteallimite.com IMPRESIÓN A Impresores DIRECCIONES Chile / Francisco de Noguera 217. Providencia, Santiago de Chile. www.arteallimite.com VENTA PUBLICIDAD +56 2 2955 3261 info@arteallimite.com marketing@arteallimite.com Derechos reservados Publicaciones Arte Al Límite Ltda.

Portada: Obras de Ana De Orbegoso: Neo-Iconografía #1, 2017, collage, 45 x 60 cm. Intervención de la obra, y dirección de arte: Equipo AAL.

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ANA DE ORBEGOSO

JACQUES CUSTER

¿Y qué hacemos con nuestra historia?

Propuestas revolucionarias

So what do we do with our history?

Revolutionary proposals

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ALFREDO MÁRQUEZ

SERGIO FERNÁNDEZ

El retorno al arte The return to art

Arquitectura, paisaje y producción

Architecture, landscape and production

30

98

MICHELLE MAGOT

MARIÚ PALACIOS

De abstracciones y verdades On abstractions and truths

Héritage Heritage

38

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ELLIOT TUPAC

JOSÉ TOLA

Diálogos en neón Neon conversations

Una vida en monstruos A life in monsters

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ABEL BENTIN

ROSSANA LÓPEZ-GUERRA

Un outsider en el arte contemporáneo An outsider in contemporary art

Fronteras (des)dibujadas (Un)traced limits

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CARMEN REATEGUI

JESÚS PEDRAGLIO

Huellas (Chancay)

La búsqueda del camino

Marks and Traces (Chancay)

In search of a path

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JEAN PAUL ZELADA

ENTES

El error como apertura para un horizonte colectivo Glitches that open up the collective horizon

Hacia una búsqueda de su identidad Towards a search for identity

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140

MARTÍN LÓPEZ DE ROMAÑA

ELLA FONTANALS-CISNEROS

Ciudades múltiples Multiple cities

Coleccionista

Art Collector


Ceramios Huaco Retrato Cultura Mochica. Colección Museo Larco, Lima-Perú


ANA DE ORBEGOSO

LIMA - PERÚ

¿Y QUÉ HACEMOS CON NUESTRA HISTORIA? SO WHAT DO WE DO WITH OUR HISTORY? Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile). Imágenes cortesía de la artista.

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Neo-Huacos, 2017, esculturas en resina enchapadas en oro, plata y cobre, 16 x 16 x 24 cm.


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a iconografía popular, ¿qué se puede venir a nuestro imaginario cuando pensamos en esos conceptos?, ¿de qué manera reconocemos en lo externo/interno algo como “popular” y o qué objetos, visualidades y características tomaríamos de ello? Lo más probable es que un extranjero pueda identificar claramente rasgos característicos de otras tierras, pero ¿qué pasa en las nuestras?

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opular iconography, what comes to mind when we think about this notion? How do we recognize on the inside and out when something is “popular”? What objects, visuals or features do we take into account? A foreigner could probably pinpoint the distinguishing features of other cultures, but what happens when we want to identify our own?

Ana De Orbegoso lleva varios años trabajando con la iconografía popular del Perú, a través de la resignificación de objetos y símbolos propios de la cultura de su país natal. Es así como ha trabajado con las vírgenes en la serie Vírgenes Urbanas, un proyecto de descolonización en el que trabaja con las vírgenes de la Escuela Cusqueña. En ellas modifica el mensaje a transmitir, instaurado por los españoles en el continente, pues cambia el rostro de la virgen hispana con rasgos europeos clásicos por mujeres peruanas actuales. De esta forma fortalece el valor de ellas, a la vez que genera un vínculo potente entre el pasado y el presente para proyectar el futuro. “Las Vírgenes Urbanas son figuras poderosas, orgullosas y contentas que habitan un mundo que incorpora la iconografía y la grandeza de la cultura peruana antigua y moderna”, explica la artista.

Ana de Obregoso has been working with pop Peruvian iconography for years by redefining traditional objects and symbols from her native culture. Following this line, she has come to work with virgins in the series Urban Virgins, a decolonization project where she intervenes Cusco School paintings. In these pieces, she changes the original message established by the Spanish that settled in the continent, since she replaces the traditional European features of the depicted virgins with the faces of present-day Peruvian women. This way, she strengthens the value of the virgins, whilst creating a powerful bond between the past and the present in order to plan the future. “ The Urban Virgins are powerful, proud and joyous figures who inhabit a world that combines iconography and the greatness of ancient and modern Peruvian culture,” the artist explains.

Otra de sus obras es el video arte La Última Princesa Inca, en el que recrea un evento histórico que marca la consolidación de la conquista española sobre el imperio incaico. A través del personaje de la princesa, la artista propone una visión del rol de la mujer en la historia del Perú.

Another one of her pieces, The Last Inca Princess, is a video art piece where she recreates a historic event that marks the consolidation of the Spanish conquest over the Inca empire. Through the character of the princess, the artist provides a perspective on women’s roles in the history of Peru.

Y es dentro de esta serie de investigaciones y trabajos que ha llegado a ¿Y qué hacemos con nuestra historia? Serie que cuestiona cómo vivir con la historia, como adaptarla a nuestra vida contemporánea, a través del trabajo con ceramios huacos retratos de la Cultura Mochica. En palabras de la arqueóloga Ulla Holmquist: “¿Somos estas caras, aquellas, las otras? ¿Hemos abrazado el barro de estos rostros modelados por manos habitantes de estas mismas tierras siglos atrás? ¿O queremos recuperar nuestro reflejo en el brillo de espejo de oros, platas y cobres? … ¿Segui(re)mos construyendo repisas y estantes donde colocaremos nuestra belleza, detenida e incógnita, hasta que sea (des)cubierta por otra mirada autorizada, que nos califique, clasifique, ordene y exponga? ¿Hemos acaso emergido de las tumbas para seguir muertos?”. Son piezas de cerámica delicada, producidas por las culturas prehispánicas del Perú, que se han encontrado en templos, sepulcros y entierros; es también un concepto quechua que se utilizaba para designar a todas las sacralidades, templos, santuarios, ídolos, entre otros, y su característica es que poseían personalidad propia siendo parte de los panteones locales. Al respecto, Ana nos cuenta:

This series of explorations and works has led her to create So what do we do with our history? In this series, she wonders how to reconcile our history and adapt it to our contemporary lives through her work with huaco pottery portraits from the Moche civilization. In the words of the archaeologist Ulla Holmquist: “Are we these faces, those, the others? Have we embraced the clay in these faces crafted by the hand of the ancient people that inhabited these lands centuries back? Or do we want to see our reflection in the mirror-like sheen of gold, silver or copper?... Will we continue building shelves to display our beauty, frozen and incognito until it’s discovered by another eye that would grade, classify, organize and expose us? Have we emerged from the grave to remain dead?” The pieces are delicate pottery produced by Peru’s pre-Hispanic cultures that have been found in temples, tombs and burials. The notion was also used by Quechuas to name all the sanctities, temples, sanctuaries, idols, etc., their main feature being that they had their own personality, although they were part of the local pantheons. In this regard, Ana comments:

¿De qué manera surgió esta serie? Hace más de una década mi campo sensorial se ha venido nutriendo, en gran medida, por los valores culturales tradicionales y estéticos peruanos. Vengo desarrollando obras que exploran el tema de la identidad y la memoria histórica a través del uso de la iconografía popular. La serie inspirada en el huaco retrato mochica, parte de la necesidad de refrescar el pasado, reinterpretándolo a través de un lenguaje vi-

How did this series come to be? My senses have been nurtured for over a decade, namely by traditional Peruvian cultural and aesthetic values. I have been developing pieces that explore the issue of identity and historical memory through the use of popular iconography. The series, inspired by Moche portrait huacos, stemmed from the need to revisit the past and reinvent it through a contem-


Ceramios Huaco Retrato Cultura Mochica. ColecciĂłn Museo Larco, Lima-PerĂş

Neo-Huacos, 2017, esculturas en resina enchapadas en oro, plata y cobre, 16 x 16 x 24 cm.


Neo-Huacos, 2017, esculturas en resina enchapadas en oro, plata y cobre, 16 x 16 x 24 cm.


sual contemporáneo. Es mi forma de buscar respuestas a través de la práctica artística.

porary visual language. It’s my way to seek answers through my artistic practice.

¿Cómo ves la vinculación entre la iconografía peruana y la vida cotidiana en el país? La cultura se expresa y se enriquece a través de nosotros, si queda estática desaparece. Al apropiarnos de nuestra historia, adaptándola a nuestra cotidianeidad, la hacemos nuestra, vive con nosotros y por ende, trasciende y trascendemos. ¿Y qué hacemos con nuestra historia? (2017) nos lleva a la reflexión sobre las distintas funciones que ha cumplido, y viene cumpliendo, la representación humana, siempre muy ligada al concepto de identidad y memoria histórico colectiva.

How does Peruvian iconography relate to daily life in the country? Culture is expressed and enriched through us; if it remains static, it disappears. By owning our own history and adapting it to our daily life, we truly make it ours, we live with it and thus it transcends, and so do we. So what do we do with our history? (2017) forces us to reflect on the different purposes that human representations have had, always intimately linked to the concept of identity and collective historical memory.

¿De qué forma el retrato ayuda a trabajar esta identificación entre una y otra? He explorado diversas modalidades adoptadas por el retrato, género artístico que responde a la natural aspiración del hombre por perennizar su apariencia, por trascender, sea como símbolo de autoridad, memoria familiar, social o seña de identidad, y analiza la relevancia histórica del mismo. La deconstrucción de la imagen icónica del retrato Mochica, la más importante representación del rostro humano en el antiguo Perú, y su posterior reconstrucción usando referencias contemporáneas, genera nuevas iconografías con significados y significantes del peruano actual.

How do portraits aid this identification between one and the other? I have explored different methods of doing portraits, an art genre that responds to humankind’s natural desire to immortalize their appearance, to transcend, regardless if it is as an authority symbol, family or social memory or a symbol of identity. I have also analyzed the historic relevance of these portraits. My work is about deconstructing the iconic image of Moche portraits, the most important representation of human faces in ancient Peru, and reconstructing them using contemporary references. This generates new iconographies with references and concepts from current Peruvian culture.

¿Cuál es la importancia del Huaco, como para ser la figura principal a trabajar? El huaco es una imagen icónica. Mi punto de partida artístico es la fotografía. El huaco retrato me interesó porque es otro soporte para el retrato. Descubrí una gran diversidad de fisonomías, algo parecido a un inventario, a una cápsula del tiempo. Los huacos son representaciones realistas, es fácil encontrar vínculos, tanto en facciones como en expresiones, con rostros que vemos cotidianamente.

How are huacos impor tant and why are they the center of this series? Huacos are iconic images. My artistic starting point is photography. Huaco portraits caught my interest because they were a different sort of support. I discovered a wide range of facial features, something similar to an inventory, a time capsule. Huacos are realistic representations, it’s easy to find connections in both facial features and expressions to the faces we see every day.

Dentro de las temáticas que has trabajado, hay una clara noción sobre la o las identidades latinoamericanas ¿cómo podrías definirlas? Mi video La Última Princesa Inca fue galardonado en el Festival Mundial de Cine Extremo de Veracruz, México. El jurado le otorgó una mención especial “por recuperar de manera estética y plástica un momento histórico de América Latina” La temática que desarrollé en este trabajo representa procesos comunes de conquista y colonización en Latinoamérica. El video nace de una necesidad de traer a la vida contemporánea el rol de la mujer en nuestra historia.

Within the subjects that you have addressed, there is a clear notion on Latin American identity or identities. How would you define them? My video The Last Inca Princess won an award at the FEMCEX festival in Mexico. The jury awarded it a special mention because it “salvages, both aesthetically and visually, a Latin American historic moment”. The theme of this piece depicts common conquest and colonizing practices in Latin America. The video stemmed from a need to bring women’s roles throughout our history to contemporary life.

¿Qué es Latinoamérica? a) una ficción b) un caos c) una esperanza d) todas las anteriores e) ninguna de las anteriores

What is Latin America? a) a fiction b) a chaos c) a hope d) all of the above e) none of the above


Neo-Huacos, 2017, esculturas TÍTULO en resina TÍTULO, enchapadas AÑO, técnica en oro, técnica, plata ydimcm cobre, X16dimcm x 16 xdimcm. 24 cm.


ALFREDO MÁRQUEZ LIMA - PERÚ

EL RETORNO AL ARTE THE RETURN TO ART Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile). Imágenes cortesía del artista.

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Viva el Maoísmo, 1989, serigrafía sobre papel, 76 x 56 cm. Taller NN / Alfredo Márquez, Enrique Wong.


Katay (temblar), 2002, intervenciĂłn de impresiones digitales sobre backlite en soportes publicitarios de paraderos pĂşblicos, medidas variables.


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w

os conocimos en 2015, luego de que él rechazara preguntas que le habíamos enviado para un artículo en la revista. En lo personal, ya me había enamorado de su trabajo, pero me faltaba conocer al creador de aquella obra que me fascinaba, porque en el arte visual muchas veces se ve el contenido donde el artista no lo encuentra, ni lo conoce. Fue así como conversamos durante horas en su taller, sobre política, memoria, historia.

e met in 2015 after he rejected the questions I had sent him for an article in this very magazine. Personally, I had already fallen in love with his work, but I yet didn’t know the creator of that work that I loved so much, since the art world is so often about interpreting meaning where the artist can’t find it or even knows it. This is how we talked in his studio for hours about politics, memory and history.

Cuatro años pasaron desde ese momento y el artículo jamás vio la luz. Fueron también cuatro años en los que llegué a sentirme decepcionada del arte visual. Agotada de ver lo mismo, de ver formas, fondos y tendencias, donde las desilusiones han sido incontables, ya sea por la calidad del trabajo, por las razones de crear o porque las explicaciones son –a veces– demasiado explícitas, demasiado literales. Falta mucho en el arte visual, a pesar de que las tendencias digan que “ya está agotado”. Y fue en 2018 que, por esas casualidades que ocurren en las ferias de arte, llegué a Lima un día antes del presupuestado, justo cuando se inauguraba la muestra de Alfredo Márquez en el ICPNA, una importante y respetada institución cultural limeña. Fui, con el desánimo que me encontraba por el agotamiento de la visualidad, y quedé en shock. Una vez más el arte me asombraba, nuevamente podía sentir la magia de ver una obra que, como señala Theodor Adorno, es capaz de mostrar las imperfecciones del mundo, la realidad dura y cruda en tan solo unos segundos antes de que la industria cultural la agarre y se apropie de ella (situación que aún no ocurre con Alfredo). En su trabajo convive con armonía la materialidad con la visualidad, hay pulsión en las temáticas y pasión en el artista.

Four years have passed since then, and the article was never published. During those four years, I also became disappointed with visual arts. Tired of repeatedly seeing the same thing, seeing similar ways, content and trends, the disappointments had been countless, either for the quality of the work, the creative motivation or –sometimes– because the explanations are too explicit, too literal. There is still a lot that could be addressed in visual arts, despite the tendency of saying “everything has been done.” In 2018, I coincidentally got to Lima a day before I expected to when planning to visit an art fair, just as a sample by Alfredo Marquez opened at ICPNA, an important and respected cultural institution in the city. I went, discouraged by the exhausted trends in visual arts, but I was surprised by what I found. I was amazed by art once more, I could feel the magic again when I saw a work that, in the words of Theodor Adorno, is capable of showcasing the world’s imperfections, of depicting a harsh reality seconds before the cultural industry grabs it and takes it over (though this hasn’t happened to Alfredo yet). In his work, materials and visuals coexist harmoniously, there is a drive behind the subjects and a clear passion within the artist.

La retrospectiva de 35 años de trabajo de Alfredo fue realmente un aliciente para seguir conociendo y viendo arte visual. Es importante aclarar en este punto que la carrera de un artista visual no se explica necesariamente por cantidad de exposiciones que realiza, tampoco –en obligatoriedad– por los espacios donde exhibe. Se explica por la calidad de su trabajo, y es ahí donde algunos comentamos “tiene un trabajo cerradísimo”, es decir, posee contenido de manera potente y esto dialoga de manera armónica (no forzada, no literal, no del todo directa) con la visualidad y materialidad. Es, además, en el caso de Alfredo, una obra que ha costado una vida de trabajo, exponiéndose él como artista al rechazo, a la expulsión, a la cárcel durante 4 años mientras la dictadura peruana estaba activa. Siendo él parte absoluta de su obra visual como artista y persona, este nivel de compromiso se valora, sobre todo en Latinoamérica, donde temas potentes para trabajar sobran, pero pocos saben manejarlos.

This compilation of 35 years of Alfredo’s work was truly an incentive to keep learning about visual arts. I deem it imperative to point out that a visual artist’s career isn’t necessarily explained through the number of exhibitions they’ve held, nor the places where their work is exhibited. It’s explained by the quality of their work, and that’s when we say, “the work is well-rounded”, or in other words, it has a powerful meaning and it interacts (in a natural, non-literal and not entirely straightforward way) with the visuals and materials. In the case of Alfredo’s work, it has taken him a lifetime to get where he is, exposing himself to rejection as an artist, being expelled, and going to prison for 4 years when the Peruvian dictatorship was still ruling. He is intimately part of his visual work as an artist and a person. His level of commitment is appreciated, especially in Latin America where there are boundless powerful subjects to address, but very few can manage them well.

Y su obra…

About his work

Esta es la historia de un país en llamas, de la que el artista visual como figura consciente se hace cargo para expresar, resignificar y exponer realidades que no se quieren ver ni asumir. En su trabajo, Alfredo cuestiona a la política de principio a fin por los problemas, caos y violencia que arremete a Perú.

This is the story of a country in flames, a story that the artist purposefully uses to express himself, finding new meaning and exposing realities that we don’t want to see or accept. In his work, Alfredo questions politics in full for the issues, chaos and violence that overwhelm Peru.

¿Es el comunismo real y se puede llevar a la práctica? ¿Qué ocurre cuando grupos como Sendero Luminoso adoptan la imagen de Mao, pero a la vez esclavizan a sus militantes? Su trabajo no se detiene en estos cuestionamientos, los presenta a la audiencia de manera tácita

Is communism real? Can it be put into practice? What happens when groups such as the Shining Path adopt Mao’s image, but enslave their militants? His work doesn’t just stop there; it presents these issues to the viewers implicitly so they can make their own minds. Is capital-


Gran Paro fue Total, 1988, collage de fotocopias, 42 x 29.7 cm. Taller NN / Alfredo Mรกrquez.


De la serie NN-Perú (Carpeta Negra), 1988, “El Frontón”, 1988, fotocopia intervenida con tinta serigráfica, 29.7 x 42 cm.


para que evalúen por sí mismos, ¿es acaso el capitalismo la respuesta que se busca? ¿Qué hay más allá de la mera política y el partidismo?, y ¿qué pasa con la gente detenida, desaparecida, asesinada?, ¿qué pasa, cuando una vez, el Estado falla a sus ciudadanos? Es ahí donde Alfredo trabaja con la resignificación del símbolo, en sus palabras, por ejemplo: “La imagen de MAO, así como la representación iconográfica de la hoz y el martillo, que ilustra la alianza obrero-campesina fueron proscritas y declaradas heréticas por el Estado en aplicación de su lucha contra-subversiva y por la apropiación retórica que Sendero Luminoso había hecho de esas imágenes. Del mismo modo para Sendero Luminoso esas representaciones tenían un carácter unívoco de sentido y significado. Entonces, ¿cómo no hacer exactamente aquello que desestructurara su sentido unívoco para unos y para otros, y hacer justamente estallar las infinitas posibilidades de significado, sacándolas de la linealidad unívoca pautada por los poderes en pugna? En Perú aún hoy la hoz y martillo son identificados como signos del terrorismo y la representación de MAO sigue siendo considerada como la de un líder terrorista globalizado”, explica el artista.

ism truly the answer we seek? What lies beyond mere politics and parties? What happens to the people who are arrested, disappeared or are murdered? What happens when the State fails its citizens? That’s when Alfredo provides new meaning of certain symbols, as he has stated, for instance: “Mao’s image, much like the iconographic representation of the hammer and sickle that illustrates the working class-peasantry alliance, was deemed heretical by the State in the battle against rebellion because of the rhetoric appropriation that the Shining Path had done with these images. For the Shining Path, these representations had an unequivocal nature in regards to their meaning and concept. So, why not do something that would precisely deconstruct their unequivocal meaning for everyone? Why not do something that would broaden the infinite possibilities of meaning, taking the images beyond their unmistakable linearity ruled by the conflicting powers? Up to this day, the hammer and sickle are still identified as symbols of terrorism in Peru, and Mao’s image is still considered to be that of a globalized terrorist leader,” the artist explains.

Es por eso que el cuerpo de Mao desaparece en su trabajo, quedando solamente el aura. De esta manera apela a la posibilidad de identificación de la imagen mental que tenga el propio espectador. El ícono está, pero en ausencia de contenido; y el aura, se construye por la proyección del sol radiante, “esto sostiene el pensamiento presente en la corporalidad masculinizada de sus seguidoras locales. Un grupo de mujeres en formación marcial que gritan ¡Viva el maoísmo!”, señala. Y esto, a su vez se expresa a través de labios híper sexualizados por el rouge y el rictus militarista de la camisa que igualmente se contradicen y complementan.

Hence, Mao’s image disappears in his work, leaving just his aura behind. This way, he appeals to the possibility of the viewers completing the pieces with their own mental image. The icon is definitely present, but absent in the image. The surrounding aura is built on the image of a radiating sun, “which is backed up by the masculine-like bodies of his local followers. A group of women in military formation shouts Long live Maoism!,” he comments. This is also evident in the overly sexualized, rouge-covered lips and the military nature of a shirt, symbols that complement and contradict themselves.

Son figuras icónicas, ya sea de personajes del siglo XX o de instituciones como la Internacional Comunista, las que se encuentran reinterpretadas en sus trabajos. Son también rostros de mineros de principios del siglo que fueron desaparecidos por la marginación social y económica a través de la historia y de cuyo recuerdo no queda más que estas representaciones. Y es así como muestra en crudas imágenes la violencia tácita del Estado al detener gente, al inmovilizarlos en el suelo con las manos en la cabeza, de seguro, con la intención de mantener el orden. La palabra Perú se sobre escribe en los cuerpos como un slogan de publicidad turística, porque es la realidad que se vivió y se vive en la región del sur del mundo y que muchas veces se intenta opacar. Son cientos de cuerpos amontonados los que yacen bajo el mismo título, porque la muerte no se supera, se mantiene en la retina, en la memoria, en el inconsciente de la población que exigirá –o esperamos hagan– un ¡Nunca más! Es ahí donde Alfredo entra a cuestionar nuevamente, a plantear escenas de las que el siglo pasado abusó y que ahora no se pueden permitir.

Iconic figures, whether they are from the 20th century or institutions such as Communist International, are what he reinterprets in his pieces. They also depict the faces of early-century miners that were forgotten in history due to social and economic isolation, from whose memory nothing remains but these images. This is why the artist presents crude images of the implicit violence by the State when it arrests people, immobilizing them in the ground with their hands behind their back, surely with the intention to reinstate order. The word “Peru” is written over the bodies as a sort of slogan for tourism advertising because it’s the reality in this South American country that is so often tried to be detracted. Hundreds of piled-up bodies lie under the same title because death cannot be overcome, it remains in our minds, memory, in the subconscious of a population that will demand –or at least we hope demands– for it never to happen again. Here, Alfredo comes to question once more, to bring forward scenes that were abused during the previous century and cannot be allowed anymore.

Es José Carlos Mariátegui, junto a otros pensadores socialistas, quienes están presentes en forma y fondo en muchas de sus obras colectivas y personales. Y cómo no sería Mariátegui, González Prada, Edith Lagos, Sarita Colonia, José María Arguedas o Cesar Vallejo, los que están presentes en su obra si lo que moviliza a Alfredo es el restablecimiento de la dignidad perdida por la violencia política en un territorio conquistado, colonizado, violado, asesinado, torturado, demacrado y denostado por el “otro” mundo.

José Carlos Mariátegui and other socialist thinkers are present in both the content and concept of many of his solo and collective exhibitions. How could Mariátegui, González Prada, Edith Lagos, Sarita Colonia, José María Arguedas or Cesar Vallejo not be a part of his work when Alfredo’s motivation is reestablishing the dignity that was lost through political violence in a territory that was conquered, colonized, violated, murdered, tortured, gaunted and reviled by the “other” world?


José Carlos Mariátegui, 2007, serigrafía sobre papel, 70 x 50 cm.


MICHELLE MAGOT

LIMA - PERÚ

DE ABSTRACCIONES Y VERDADES ON ABSTRACTIONS AND TRUTHS Por Catalina Aguilar. Periodista (Chile). Imágenes cortesía de la artista.

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Cuadrado celeste, 2017, รณleo sobre mรกrmol y madera, lรกpiz sobre pared, 45 x 70 cm.


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La obra de Michelle Magot no es difícil de distinguir, su lenguaje es sincero y auténtico, y muchos de sus elementos provienen de la pureza del arte abstracto que evocan el recuerdo de los maestros del género, como por ejemplo, el minimalismo y la simplicidad de la canadiense Agnes Martin, o el suprematismo planteado por Malévich en la primera década del 1900 al reducir los elementos pictóricos al mínimo extremo. Por otro lado, se puede percibir la importancia que le da a la materialidad, Antoni Tapies entre el 50 y el 60, y el aura mística de Rothko que invita al espectador a no mirar la superficie de un cuadro, sino que su propio interior, en sus matices y gradaciones casi imperceptibles.

Michelle Magot’s work isn’t easy to distinguish. Her language is sincere and authentic and many of the elements in it stem from the purity of abstract art reminiscent of the masters of the genre, such as the minimalism and simplicity of Canadian artist Agnes Martin, or Malevich’s suprematism when reducing most pictorial elements on the first decade of the 1900s. We can also appreciate the importance she bestows onto the materials, much like Antoni Tapies did between the 50s and 60s or in Rothko’s mystical aura that urges the viewer not to see just the surface of a painting, but rather its inner world, its almost imperceptible nuances and gradations.

Así, la obra de Magot se caracteriza por la búsqueda de la objetividad, de lo real, de la perfección imperfecta de la naturaleza. Una obra que existe sin ego, sin contenidos idealistas o pretenciosos, en un estado bruto. Estas búsquedas se relacionan con una intención espiritual propias del lenguaje abstracto universal y que lleva a cabo a través de una geometría perfecta (líneas, cuadrados y rectángulos), los que aparecen con colores naturales, sobrios y delicados, muchos con efecto de transparencia, y una mixtura en la técnica que incluye mármol y madera donde los óleos mantienen la silueta de los rastros que dejó la ruptura del bloque.

This way, Magot’s work is marked by seeking objectivity, reality, and the imperfect perfection of nature. Her endeavors are devoid of egotistic motivations, idealist or pretentious contents, they are raw. These searches are related to the traditional spiritual intentions of the universal abstract language, and she carries them out using a perfect geometry (lines, squares and rectangles), which appear in natural, sober an delicate colors, many of them transparent-like, and a combination of techniques that includes marble and wood where oil paint hold the silhouette of the traces the block of stone left behind.

En sus obras los opuestos se reconcilian y los límites se desvanecen, cuestionando lo bello y lo perfecto, liberándose de lo figurativo y generando un lenguaje con una composición donde no falta ni sobra ningún elemento.

In her pieces, opposites reconcile and limits are blurred, questioning notions of beauty and perfection, breaking free from the figurative and generating a language with a composition where no elements are missing or extra.

Magot asegura que su obra no es impersonal ya que busca la verdad y lo objetivo en el inconsciente colectivo, donde según Carl Jung, tenemos una serie de experiencias psíquicas, imaginarios y símbolos, cuya existencia no viene dada por los aprendizajes adquiridos sino

Magot assures her work is not impersonal, since it seeks truthfulness and objectiveness in the collective subconscious. According to Carl Jung, this subconscious stores a series of psychological experiences, imaginaries and symbols whose existence isn’t given our acquired

esde pequeña se interesó en el arte y lo encontraba en todas partes a través de texturas, colores y sensaciones. Fue en esa exploración cuando descubrió la pintura abstracta y se dio cuenta de que se trataba de un espacio abierto, lleno de posibilidades y donde se podía encontrar la verdad. Y desde ese momento cuando ella habla de abstracción, las retóricas conceptuales no existen, sino que solo hay referentes.

ince a young age, she has been interested in art and she found art everywhere through textures, colors and feelings. That exploration led her to abstract painting and she soon realized it was an open space, brimming with possibilities, somewhere she could find the truth. From that moment on, whenever she speaks about abstractions, there isn’t any conceptual rethoric, only referents.


Rectรกngulo rojo, 2017, รณleo sobre madera, lรกpiz sobre pared, 45 x 105 cm.


#29, 2017, รณleo sobre lienzo y ensamblaje en madera, 73 x 130 cm.


que se trata de experiencias que compartimos todos, independientemente de nuestras historias individuales. Como por ejemplo los símbolos, mitos, sueños repetitivos, canciones, cuentos, entre otros.

knowledge, but rather the experiences we all share, regardless of our individual stories. Symbols, myths, recurrent dreams, songs and stories are some examples.

Es así como una obra de la artista nos puede provocar ciertas sensaciones comunes, como cuando observamos el movimiento de las hojas de un árbol, o al ver el color que dura unos segundos en un atardecer. “Creo que el acercamiento que tengo hacia mi trabajo busca sintetizar con materiales la idea concreta de ‘ser’. Presentando las características únicas de cada elemento que me propongo elaborar. Color, formas, densidades y la poesía que existe detrás de estos, siendo en muchos casos piezas encontradas para luego ser intervenidas, en forma de diálogo, o quietas en sí mismas”, dice la artista.

The artist’s work can thus evoke certain common feelings, similarly to when we see the movement of leaves on a tree or the color that lingers for a few seconds during the sunset. “I think the way I approach my work aims to capture the concrete idea of the ‘self’ with materials, presenting the unique features of every element I set out to make. The color, shapes, density and poetry that exist behind these elements, many of them found objects I later intervene, are made to interact with each other or to rest still,” the artist explains.

Su línea de pensamiento también transita por el concepto del acto creativo de Marcel Duchamp, quien afirma que el artista es un medio entre la intuición y la ejecución, por lo que no pueden traducirse en auto-análisis. Allí el espectador pone a la obra en contacto con el mundo exterior descifrando e interpretando sus cualidades y contribuyendo así al acto creativo. De esta forma, Magot considera que la obra no debe ser analizada en mayor medida, las retóricas conceptuales deben las menores, ya que solo existen referentes, y es de esa forma que llega al producto bruto, a la naturaleza de la obra en su esencia más pura.

Her ideas are also linked to Marcel Duchamp’s concept of creative actions, who stated the artist is an intermediary between intuition and execution, which is why they cannot be subjected to a self-analysis. The viewer brings the piece into contact with the outside world, figuring out and interpreting its qualities and thus contributing to the creative action. This way, Magot considers that a piece shouldn’t be analyzed to a greater extent and so conceptual rhetoric should be minor because there are any referents. That is how she gets to the raw product, to the nature of the piece in its purest essence.

Giorgio Agamben, es otro de sus referentes, quien menciona y desarrolla la idea del gesto y el lenguaje como la retórica y problemática de la cultura occidental. Él plantea la siguiente pregunta en el contexto de lo contemporáneo del ready-made, es decir, del llamado por muchos, el fin del arte: “¿Cuál es el lugar del arte en el presente?” Frente a esta pregunta, Magot hace una reflexión basándose en el lugar del arte abstracto en el contexto actual, el mundo digital, la inmediatez y las redes sociales: “El arte abstracto serio, en ese sentido juega un rol muy valioso en el contexto tan repleto y avalanchado de información, ya que propone posibilidades a veces rígidas, expresivas o hasta indefinidas. Es un lenguaje infinito en el que comprendo mejor la información porque en él justamente está sintetizado lo más esencial y de todas las expresiones creo que para mí, es la más natural”.

Giorgio Agamben is another one of her referents, whom she mentions and whose idea of the gesture and language as the rhetoric and issue of the Western culture she builds upon. He poses the following question in the context of the contemporary nature of ready-made, i.e., what many have called the end of art. “What is art’s place in the present?” To answer this question, Magot reflects on the role of abstract art in the context of our current world, the digital world, immediacy and social networks: “In that regard, serious abstract art plays a very important role in a context that is so filled and overwhelmed with information, because it allows for sometimes stiff, expressive or undefined possibilities. This language is infinite and it allows me to better understand information because it summarizes the most essential aspect and I believe that, for me, it’s the most natural”.


Unfit 1, 2017, รณleo sobre mรกrmol y madera, 75 x 88 cm.


ELLIOT TUPAC LIMA - PERÚ

DIÁLOGOS EN NEÓN NEON CONVERSATIONS Por Verónica Jiménez Arguedas. Periodista Cultural (Costa Rica). Imágenes cortesía del artista.

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Letra Capital, 2012, spray, lรกtex satinado, 700 x 400 cm. Muestra individual.


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uestra construcción de mundo se basa en todas las referencias que recibimos constantemente. Referencias visuales, sonoras, espaciales, culturales. Referencias que viven –consciente o inconscientemente– en nuestra mente. Para el artista Elliot Tupac esta referencias son clarísimas y viven mucho más allá de su mente: las lleva en la sangre.

ur construction of the world is founded on all the references we constantly gather, whether they are visual, sound, spatial or cultural. These references inhabit -consciously or unconsciously- our minds. For artist Elliot Tupac, these references are crystal clear and they exist beyond his mind: they are in his blood.

La cultura huancaína y todos los elementos estéticos asociadas a ella fueron el primer contacto que tuvo Elliot con el mundo visual. “El bordado wancaino es sin duda el medio por el cual se rescata la prolijidad en los trazos y en el bordado en sí mismo. El uso de la cromática de color me ha cautivado, ver a mis abuelos, a mis padres. Sin duda le debo mucho a Huancayo”, explica sobre su influencia familiar. Así, en el taller con su padre, empezó a experimentar, a jugar con los carteles chichas, con una visualidad llena de letras y colores. Aprendió también de su madre, que era artesana en bordado wanca –arte textil del centro de Perú–, sobre composición gráfica y sobre el manejo de color.

Huancaina culture and the aesthetic elements linked to it were Elliot’s first approach to the visual world. “Without a doubt, wanka embroidery is the tool through which I salvage the meticulousness of embroidery. The use of its color palette has captivated me, seeing my grandparents, my parents. I owe a great deal to Hancayo,” he explains about his family influence. This way, he started to experiment with his father in his studio by toying with chicha posters, a visual support filled with lettering and colors. From his mother, a wanka embroiderer -a textile art form from central Peru- he learned about graphic composition and handling colors.

Se dio cuenta de que podía ir más allá de los carteles y que tenía mucho que decir. Con su conocimiento en Comunicación Social, su interés por la serigrafía y su inquietud artística quería crear una gráfica popular que no fuera efímera y utilitaria. Quería crear un diálogo permanente. Así combinó su obsesión con las letras y los colores en mensajes de gran impacto. “La temática que aborda mi obra, desde sus inicios ha sido el diálogo en una sociedad como la que tenemos en la actualidad donde las opiniones están polarizadas, donde cada posición, política, religiosa, de género, entre otras., buscan imponer sus criterios desde la canibalización de la razón y el diálogo. Mi temática es puente, es el diálogo abierto a sabernos diferentes, pero unidos por principios básicos de las relaciones humanas, como la unión, el amor, el respeto, la libertad. Ocupo la metáfora como una forma de abordar un tema en su contexto inmediato y una visibilidad atemporal”.

He soon realized he could go beyond the posters and that he had a lot to say. Because of his communication studies, his interest in serigraph and his artistic curiosity, he wanted to create popular graphic artwork that wasn’t so fleeting or utilitarian. He wanted to establish a permanent conversation. Thus, he combined his obsession with lettering and colors in highly impactful messages. “The purpose of my work, since its very start, has been to establish a conversation in a society like ours, where opinions are divided, where every political, religious or gender stance, among others, is seeking to impose its perspective through the cannibalization of reason and dialog. My subject matter is a bridge, it’s an open dialog through which we understand our differences, but feel united through the basic principles of human interactions like love, respect and freedom. I use metaphors as a way to address an issue in its immediate context and timeless relevance.”

Así, empezó a abrir espacios a través de un trabajo público y urbano. En sus obras se puede apreciar claramente la apertura, con intervenciones y aportes de gráficos que empiezan a formar parte de la propia propuesta de Elliot. Este diálogo se encuentra en obras como Equilibrio, donde plasma sus referencias visuales junto a estéticas que parecieran ajenas a su obra pero se complementan de manera integral. Son diálogos interculturales que incluso abordan el uso de los lenguajes para construir un mensaje. Un mensaje tan potente

He then started to open up spaces for dialog through his urban and public work. In his pieces, openness is key, with interventions and graphic artwork that has now become a part of Elliot’s proposal. This space for dialog is represented in pieces such as Equilibrio, where he captures visual references and styles that seem alien to his work, but that complement each other as a whole. His pieces are cross-cultural conversations that even address the use of different languages to convey a message. An example of a very poignant message is illustrated in


Libertad, 2015, spray y acrĂ­licos, 100 x 270 cm. Festival Smithsonian, Washington, EE.UU..


Equilibrio, Elliot Tupac & Decertor, 2015, spray, látex satinado, 900 x 300 cm. Art Lima, Perú.


como Cultura Power. Porque lo suyo no es –únicamente– una declaración visual. Es un mensaje que cala a través de muchos sentidos y que apela a algo mucho más grande que un estilo iconográfico: “la libertad es un valor importante, la libertad solo es funcional si existe responsabilidad, ser consciente de que una opinión debe elaborarse desde la empatía, desde ponerse en el zapato del otro”.

Cultura Power. His work is not solely a visual statement; it’s a message that leaves a mark in many ways and that appeal to something much greater than an iconographic style: “Freedom is an important value; freedom works only if there is also responsibility, if we are aware that opinions should be built from empathy, from walking in somebody else’s shoes.”

Esos otros son los que configuran la variedad que Elliot ha querido buscar a través de su exploración artística. Es una propuesta que queda en manos de otros para ser reconfigurada y transformada a través de la apropiación del espacio público. “Existe algo muy recurrente, es una suerte de paz interior; es importante poder generar en la individualidad de cada ser humano, a partir de ello sentir como trasciende a nivel de la comunidad”, explica.

Representing those other perspectives is what gives Elliot’s artistic explorations such a sense of diversity. It’s truly a proposal that fall into the hands of others to be reconfigured and transformed through the appropriation of the public space. “There is a highly recurrent element, a kind of inner peace; it’s important to create for everyone’s sense of individuality. That way, the work transcends on a community level,” he explains.

En una época en la que el arte urbano en Latinoamérica comienza a trascender la clandestinidad y a ocupar espacios antes destinados únicamente a otras manifestaciones visuales, el espacio público de nuestras ciudades comienza a convertirse en museos a cielo abierto. Museos que lentamente pero de manera constante curan más y más exposiciones espontáneas y planeadas.

In an era where Latin American urban ar t star ted to come out of hiding and fill spaces that were previously devoted to other ar t forms, public spaces in our cities have been transformed into open-air museums. More and more spontaneous and planned exhibitions are slowly but surely being held in these museums.

Ese progreso lo ha percibido Elliot: “La escena urbana ha cambiado mucho y para bien. Cada vez son más conscientes de la responsabilidad que implica ocupar el espacio público, hay una participación más consciente, más elaborada y con un discurso más social”. Y como espacio de exploración, Elliot ha trascendido en varias ocasiones de una pared en blanco, ha navegado por doodles de Google, identidades de marca, estuches de celular, indumentaria y muchos otras plataformas. Ha estado en muchos países, dentro y fuera de Latinoamérica. Ha ganado batallas y también las ha perdido cuando ve murales suyos desaparecer por completo. Es parte del diálogo. Pero para alguien con la necesidad artística de expresar, esa búsqueda nunca culmina.

Elliot has noticed of this progress: “The urban stage has changed a lot for good. We are increasingly more aware of the responsibility using public spaces implies. There is a more conscious, more elaborate and more socially-oriented participation. In terms of his own practices, Elliot has navigated different spaces as his support, including blank walls, Google doodles, brand ads, phone cases, clothing and many other platforms. He was traveled to many countries within Latin America and otherwise. He has won many battles, but he has lost others when his murals completely disappear. That is also part of the conversation. But, for someone like him with a deep artistic need to express himself, the search is never over.

Ahora, Elliot concentra sus esfuerzos en nuevas exploraciones y nuevos formatos. “Estoy trabajando en pasar de las obras en 2D a obras en 3D, es la razón por lo cual ando distanciado de las redes sociales, para seguir cuestionándome y probando nuevas formas que sigan la misma narrativa social”. Así, Elliot Tupac forma parte de un imaginario artístico, que probablemente impregnará de referencias a muchos artistas latinoamericanos por venir.

Nowadays, Elliot is focusing his efforts in new explorations and formats. “I’m working on jumping from 2D to 3D pieces, which is why I’m a bit estranged from social media, to continue questioning myself and experimenting with new things along the same social narrative.” Consequently, Elliot Tupac is part of an artistic imaginary that probably will influence many Latin American artists to come.


Tu indiferencia también contamina, Elliot Tupac & Decertor, 2012, spray y látex satinado, 1.400 x 280 mt. Cerro de Pasco, Perú. Festival AFUERA.


ABEL BENTIN LIMA - PERÚ

UN OUTSIDER EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO AN OUTSIDER IN CONTEMPORARY ART Por Daniel G. Alfonso. Teórico del Arte (Cuba). Imágenes cortesía del artista.

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Good Neighbor – Buen Vecino, 2018, bronce, 35 cm.


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n la sociedad que vivimos, contemporánea y cosmopolita, reconocerse entre la multitud se hace cada vez más difícil; es demasiada la vorágine de la representatividad donde encontrar un producto novedoso constituye el inicio de nuestra existencia. Asimismo, estamos frente a un panorama donde la exquisitez, la delicadeza y el cuidado visual se torna importante en el resultado final de una obra de arte y, su significado y significante adquiere valores de una sensibilidad única.

n the contemporary and cosmopolitan society we live in, finding oneself in the crowd can prove increasingly difficult. The whirlwind of representations trying to distinguish themselves as a novel is the starting point of our existence. We are also inserted in a context where exquisiteness, delicacy and visual care have become important in the final outcome of an art piece, its concept and meaning acquiring the value of a unique sensitivity.

En el contexto del arte peruano, podemos encontrar artistas que han logrado dirigir su discurso creativo hacia el empleo de signos y símbolos universales que dejan de lado todos los localismos posibles. Asimismo, vemos a los artistas expandir su universo de acción e investigar diferentes métodos novedosos que los posibilita a ejecutar buenas obras destinadas a trascender en la memoria colectiva. En esta carrera, no de velocidad sino de resistencia por encontrar la heterogeneidad, resulta notable que muchos apuesten por el aspecto estético como característica que permite emitir un discurso verdaderamente sólido.

In regards to Peruvian art, some artists have managed to guide their creative language towards the use of universal signs and symbols, casting aside all possible regionalisms. Moreover, we see artists expanding their universe and researching different innovative methods that allow them to carry out great pieces bound to transcend in our collective memory. In this race, –not a speed race, but a race of resistance in the search for diversity– it is amazing how many artists bet on an aesthetic aspect, which ultimately allows them to establish a truly purposeful worldview.

Por lo tanto, hablar sobre el quehacer de Abel Bentin deviene un justo y merecido análisis de uno de los creadores contemporáneos con una actividad prolífera y, si se quiere, un poco controversial. En su biografía podemos detectar trabajos que revelan la osadía psicológica con la que él trata de buscar sentido al contradictorio mundo que nos rodea. Abel ha logrado refugiarse en el rescate del arte clásico, ha regresado a Grecia, Roma y el Renacimiento italiano; ahí se encuentra la fuente de inspiración de sus primeros trabajos, que a su vez, marcaran su trayectoria en el contexto del arte peruano.

For this reason, talking about Abel Bentin’s work is a just and worthwhile analysis on one of the contemporary creators with the most prolific activity, and a rather controversial one at that. His body of work demonstrates a psychological boldness that he uses to make sense out of the contradictory world that surrounds us. Abel has managed to find a niche is salvaging classical art; he has revisited art from ancient Greece, Rome and the Italian Renaissance, where he’s found a source of inspiration from the beginning of his career, outlining his path in the context of Peruvian art.

Quién conoce a Abel Bentin sabe que es un artista incansable, está en todo momento sumergido en sus apuntes en búsqueda de algo diferente y sustancioso para proponer; siempre con un resultado que posee una atractiva e inconfundible poética visual, que es impulsada por la constante renovación y por la urgente necesidad de experimentar con nuevos lenguajes. Estas incansables exploraciones se traducen en propuestas que permiten establecer e hilvanar toda su labor bajo temas como la irreverencia, la ironía, el consumismo, la inocencia, entre otros.

Anyone who knows Abel Bentin knows that he is a restless artist. At any given moment, he is submerged in his notes, seeking out a different and substantial proposal, the result always having an appealing and unmistakable visual poetry, driven by a constant renewal and the urgent need to experiment with new languages. These relentless explorations translate into proposals that let him develop and link his entire body of work to subjects such as irreverence, irony, consumerism, and innocence, among others.

Para Abel Bentin, todo es posible. Dicha afirmación la tengo presente desde mi primer encuentro con él en su estudio.. Ese día, todas las ideas y preguntas que rondaban en mi cabeza se materializaron, y confirmé que si no lo conoces a fondo no se puede comprender su trabajo.

For Abel Betin, anything is possible. I have thought this ever since I first met him at his studio. That day, all the ideas and questions circling my mind materialized and I learned that if you don’t know him well, you cannot understand his work. Everything stems from


Naturaleza Muerta, Cacatúa, cangrejo y pasteles – Still Life, cockatoo, crab and pastry, 2014, bronce, 60 cm.


Naturaleza Muerta, Craneo y donuts - Still Life, skull and donuts, 2014, bronce, 45 cm.


Good Neighbor – Buen Vecino, 2018, bronce, 45 cm.


Todo parte de sus intereses, de lo que imagina, de lo que sueña. El imaginario de Bentin deja de ser complaciente y edulcorado desde el momento en que comienza a materializar sus piezas.

his interests, what he imagines and dreams about. When he starts materializing his pieces, Bentin’s imaginary is no longer complacent or sugar-coated.

El presente texto pretende ser un pequeño boceto de su producción, sin embargo, se torna un poco difícil saber por dónde comenzar: si por su labor pictórica o por su trabajo como escultor. Aunque todos lo ubican en esta última faceta, él es graduado de la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú en la especialidad de pintura. Aunque, debo aclarar que ambas manifestaciones se relacionan entre sí. Y, un ejemplo bien claro fue su exposición personal Black Paintings en la galería Ginsberg (Lima, Perú); una muestra que –en mi opinión– resume toda su labor.

This article is intended to draw up a draft of his production, but it becomes a little bit difficult to know where to start: his pictorial work or his work with sculpture. Although he is well-known for the latter, he graduated from the Arts Faculty of the Pontifical Catholic University in Peru, specializing in painting. However, I must clarify that both manifestations are intertwined. A very clear example of this was his solo exhibition Black Paintings at the Ginsberg gallery (Lima, Peru), a sample that –in my opinion– summarizes his entire body of work.

Algo curioso, y de lo que me siento satisfecho, es que Abel Bentín tuvo la amabilidad de mostrar sus piezas antes de ser expuestas. Con mis ojos ávidos de información quedé sorprendido y agradecido por el gesto que él tuvo. En su taller conversamos sobre algunas posibilidades curatoriales, museográficas y sobre mi parecer por el nuevo rumbo que estaba tomando su quehacer. Imagínense, siendo defensor de la pintura apreciar que Abel Bentin en estos momentos tenía su mirada en el óleo, el acrílico y el lienzo. Todo su universo escultórico (explotado y bien explicado en textos anteriores) estaba representado en un soporte bidimensional, todo resuelto con una pincelada gruesa de color negro que en una primera ojeada me recordó a Robert Motherwell.

Interestingly enough, and something that I personally appreciated, Abel Bentin was kind enough to share his pieces before the exhibition. With my eyes brimming with information, I was surprised and grateful for his kind gesture. In his studio, we discussed some curatorial opportunities, museums and my opinion on the new path his work had taken. Imagine, being the painting-lover that I am, learning that Abel Bentin was now leaning towards oil painting, acrylic and canvases. All his sculpture universe (well exploited and previously covered by other articles) was represented in a two-dimensional support, resolved with thick black brush strokes that reminded me of Robert Motherwell at first glance.

Su exhibición, entonces, es una provocación hacia el espectador, es hacer un llamado de atención hacia la cultura de masas y sobre la contemporaneidad. Es una muestra que va con los tiempos que estamos viviendo. Existe una mezcla de antigüedad (toda la representación de inspiración clásica) con elementos más actuales (marcas como Gucci, el happy face, etc.) y, es que son dos momentos que forman parte de su vida, de su diario. Incluso las pequeñas esculturas desplegadas en el espacio de la galería también son el reflejo de estos dos tiempos: cuerpos griegos junto a personajes extraídos del imaginario Disney.

His exhibition is thus about provoking the viewer, it is about calling attention to mass culture and contemporaneity. The sample clearly represents the times we currently live in. There is a mixture of ancient times (all his representation inspired in classical art) and more contemporary elements (brands like Gucci, smileys, etc.), two time periods that are part of his life, his daily life. Even the smallest sculptures exhibited in the gallery space are a reflection of those two periods: Greek bodies next to characters borrowed from the Disney world.

Black Paintings, es sinónimo de rebeldía, de ir contra la corriente. De no estar complaciendo a todos. De hacer lo que más le gusta: estar activo y dedicarse a su gran pasión que es la creatividad. De la pintura nace todo, de ahí –incluso– emergen sus esculturas. Es el origen de toda su producción.

Black Paintings is a synonym of rebellion, of going against the tide, a synonym of not having to please everyone. Of doing what he loves the most: staying active and devoting himself to his greatest passion, i.e. creativity. Painting started the whole thing, even his sculptures stem from them. It’s the origin of his entire production.


รnfora Revรณlver, 2014, bronce, 35 cm.


CARMEN REATEGUI LIMA - PERÚ

HUELLAS (CHANCAY) MARKS AND TRACES (CHANCAY) Ana María Rodrigo Prado. Lingüista y Curadora ( Perú). Imágenes cortesía de la artista.

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Vista de instalaciĂłn, caballito de totora, 240 cm. cada uno, y palos de bambĂş, 140 cm. cada uno.


Chancay, 2018, acrĂ­lico, pan de plata y pan de aluminio, 100 x 100 cm., cada uno.


“…y camina por la piel de otra vida…” - Edward Hirsch

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n esta obra, Carmen Reátegui parece “tocar” conceptos interesantes, sofisticados, no literales, como la imaginación, el residuo, lo dual, la ausencia / la presencia, la luz, el color, el brillo, la ruina, la fantasía y la representación.

n these pieces of art, Carmen Reategui deals with quite interesting , sophisticated and non literal concepts , such as the imagination, the remnants of a culture, the duality of sign and meaning, presence and absence of signs, the light , color, brightness, ruins, fantasies and representation.

Reátegui no quiere hablarnos de una cultura pre-inca como lo haría un arqueólogo o un historiador. Ella se enfoca en los vacíos y la posible polisemia de los signos que podemos leer, en las sombras y dualidades de los significados de ambiguos, descompuestos o fragmentados significantes, de los “restos” que quedan de las culturas ancestrales. La forma de acercarse a las “ruinas” de esta cultura es bastante abstracta y “geometrizante”. La artista “crea” una personal y sugestiva imagen de la posibilidad de la reconstrucción de los vacíos, ausencias, ruinas del pasado, a partir de la imaginación. No funciona con datos científicos sino con una personal fantasía poética. Como sus contemporáneos en el arte de hoy, Reátegui echa mano de la pintura, la instalación siempre indicial, la apropiación y la representación.

The artist does not speak of her topics and the Chancay civilization as either a historian or an archeologist. She focuses on emptiness, space and the ambiguity and dualism of certain signified of rather fragmented and torn signifiers, the remains of an ancient culture. She approaches the ruins of Chancay in a very abstract manner. Reategui “creates” personal and suggestive images in the attempt to re- construct, to fill up absences, the emptiness, the holes, mainly by using her imagination. This would not work with scientific data or methods but rather through this poetic fantasy. As do her peers in today´s art, the artist uses and works with paintings, installations, appropriations and representation.

La artista hace una estupenda instalación de los caballitos de totora, los bambús y el azul Klein, estructurándola como muchas de sus piezas: una obra de tres cuerpos en donde el centro aparece diferenciándose de los lienzos o elementos de los lados. En esta instalación, el color parece dar forma al objeto que aparece y, por momentos, casi desaparece, como en el caso de las embarcaciones o de los troncos o varas de bambú. El centro es una pieza geométrica que puede aludir, como lo hace el color, al estar e interactuar con el espacio y la sensación o idea del vacío, de la figura (los bambús) y el “vacío”. Y todo nos habla del mar y la inmensidad del firmamento.

Reategui´s installation was made with “caballitos de totora”, something like a reed boat without an engine, bamboo, and Klein ´s blue. She composes the syntax of this as she has done in many of her pieces: a work of art of three different parts, in which the center piece is different from the others. Here it is the blue, the color that shapes the objects that we actually see and hardly get to see sometimes as is the case of the boats, the trunks or bamboo sticks. The center is geometric and seems to be referring to space, being in space, and the sensation or idea of the missing, absent areas, the void. All of it refers to the sea, the vast skies, space.

Este poderoso azul aparece en Klein pero mucho tiempo antes también en Giotto y, más adelante, en Vermeer y luego, entre otros, en

This very strong and seductive blue of Klein´s was also used long before by artists such as Giotto, then others as Vermeer and in Modern times,


“…and walk through the skin of another life…” - Edward Hirsch

Kandinsky. Es intenso, elegante y químicamente tóxico. Pero es un azul icónico, bellísimo y muy preciado. Habla sobre todo del espacio. En otras de las piezas de la muestra, se repite la estructura del tríptico. En esta pieza en la que aparece la imaginería de Chancay, básicamente con motivos zoomorfos, relacionados en gran medida a la fauna de la Costa y el mar y que están o son “geometrizados”, como en muchos de los encajes de esta cultura. La estructura del tríptico es plana, bidimensional y nuevamente el centro aparece diferenciado de los lienzos de ambos lados. Las imágenes reproducidas en el “cuerpo” central desaparecen, están borradas y sobre todo resplandece el vacío, la huella, la borradura, creada, “construida” en pan de plata. Este color metálico, luminoso, aquí es la presencia de una ausencia.

Kandinsky, among others. It is quite powerful, elegant, although chemically very toxic. However, it is an iconic blue, a magnificent and precious color. It used to refer to and still refers mainly to space. In other pieces of Chancay, the same structure, the triptych, shows up once again. In this work of art, Chancay´s imagery appears, basically with zoomorphic motifs, related to Coastal and sea fauna, all in geometric shapes as we can see in textiles and fine lace of this culture. The triptych is flat, bidimensional and the central piece is once more basically different from the other two. The images of this central “body” are blurred, they almost disappear and emptiness glows, turn into marks, erasures, “created” with silver color plaques. This metallic color, bright and gleaming here refers to the presence of an absence, that of the hidden imagery.

El azul del espacio, de las aguas y los cielos, de la inmensidad y el vacío se combina con el plata del metal terreno. Juntos producen una fantasía, un producto de la imaginación y la cultura, a partir de los remanentes de una civilización. Sólo la imaginación, la creatividad, pueden recrear la Historia, parece decirnos la artista. Y la mirada y la obra de Reátegui que sugiere y crea o recrea, nos da sólo un atisbo de lo real, pero sobre todo el producto de la percepción y visión de la artista.

The blue we find in space, the skies, the water of oceans and seas, the vastness and emptiness are combined with the metal silver. Together they make the fantasy possible as the product of the imagination and culture. It seems that only the imagination, her creativity, are able to produce this with the remains of a civilization. It is only the imagination, it seems, that can recreate a civilization, History. Reategui seems to suggest, to let us see just a glimpse of the “real”, or rather of her own perception and views.

Reátegui va cada vez más hacia la abstracción. En dos de sus piezas ya no hay sino signos abstractos que aparecen como el negativo uno del otro. Huellas de un tiempo y espacio, de una cultura, de una manera de hacer. Este rastro o vestigio nos hace evocar una estética que hemos aprendido a interiorizar y que nos llega a gustar, a “tocar”, quizás hasta a reflejar.

The artist seems to become more and more abstract. In two of her paintings only abstract signs are shown and each one seems to be the negative of the other. They are marks in time, the remains and traces of a culture, of a worldview. These bring us back to an aesthetic that we have come to like, that can touch us, maybe even reflect us.

Chancay es el vehículo para lograr la recreación de signos, el azul real y simbólico, la geometría y echar mano de la imaginación.

Chancay is the vehicle to recreate the signs, the real and symbolic blue, the geometry and the possibility of getting to use her imagination.


Chancay, díptico, 2018, acrílico y pan de aluminio, 150 x 150 cm. cada uno.


JEAN PAUL ZELADA

TRUJILLO - PERÚ

EL ERROR COMO APERTURA PARA UN HORIZONTE COLECTIVO GLITCHES THAT OPEN UP THE COLLECTIVE HORIZON Por Lucía Rey. Licenciada en artes (Chile). Imágenes cortesía del artista.

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TOTAL INTERFERENCIA, 2017, รณleo sobre tela, 150 x 150 cm.


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En la primera obra titulada Total Interferencia (2017), el autor muestra una vista del malecón de Miraflores en Lima. Si bien la imagen se muestra silenciosa en colores fríos del cristal, en la parte inferior se deja notar el glitch en un color intenso y cálido, horizontalmente atravesando todo el cuadro. La imagen muestra el recorrido visual del borde costero en una saturación de edificios comunes de gran altura, apuntando hacia el hacinamiento habitacional de las ciudades capitales, la particularidad es que esta escena se presenta como recorrido frente a la inmensidad del mar (mar que no aparece en el cuadro). En la parte inferior junto al sofá y sobre el glitch, se deja ver parte de una nueva construcción con una grúa torre, que promete un edificio mucho más cercano que los que se ven en primer plano. La imagen, por lo tanto, muestra el presente, aludiendo a un futuro. Un malecón de cemento. Tal vez de ahí el título de la obra, como una total interferencia en el paisaje.

In the first piece, entitled Total Interferencia (2017), the author presents a view of the Miraflores pier in Lima. Although the image seems quiet, using the cool colors of glass, in the bottom there’s a bright-colored and warm-toned glitch that pierces the whole painting horizontally. The image shows the visual journey of the shore in a collection of common tall buildings, highlighting the overcrowded housing in capital cities. The peculiar thing about this scene is that it’s presented as a journey in contrast to the vastness of the sea (a sea which is not depicted in the painting). At the bottom, next to the couch and over the glitch, there is a new building site with a tower crane, promising a building in closer proximity than the ones in the background. The image thus captures the present, whilst alluding to the future. A cement pier. Perhaps that is the reason behind the title of the piece, like a total interference in the landscape.

La segunda titulada Hyperfocus (2017), es una vista de un edificio en construcción, la fotografía fue tomada el año 2013, lo que quiere decir que el edificio ya está terminado. Nuevamente se presenta acá la grúa torre imponiéndose en altura, marcando la línea horizontal mediante su verticalidad inamovible. La oscuridad del paisaje, creada plásticamente, da cuenta de un frío en el ambiente, metáfora del anochecer del mismo. La mitad de la obra la ocupa el cielo profundo y la parte inferior, la construcción habitacional que comprime la existencia dentro de estas matrices de vida en serie. En la base aparece nuevamente el glitch como

The second piece, entitled Hyperfocus (2017) is a view of a building under construction. The photograph was taken in 2013, meaning the building has already been finished. Once more, a tower truck is presented in this piece, very imposing with its height, tracing a horizontal line with its immovable verticality. The darkness of the landscape, composed visually, evinces the coldness of the environment, a metaphor for dusk itself. The deep sky fills half the piece, and the housing compresses the existence of these mass life matrices. A glitch appears again at the bottom as a disruption of normalcy. This

ean Paul Zelada presenta cuatro obras en donde propone la pintura al óleo como cita crítica a la fotografía digital. Más que una reproducción literal, lo que el artista propone es la transliteración del acto fotográfico en su errar digital. Estas imágenes son recogidas directamente de fotografías digitales, que tras un tratamiento de glitch, se representan realistamente sobre el lienzo. Zelada elabora la imagen desde una mirada crítica a las construcciones habitacionales en serie, trabajando la visualidad urbana desde la misma matriz, vale decir desde ventanales altos que permiten observar esa realidad de manera horizontal. Las dimensiones de su obra se extienden visualmente más allá de su marco, aludiendo al tamaño mismo de los ventanales, a través de los cuales opera la cámara.

ean Paul Zelada presents four oil paintings in which are meant as a criticism for digital photography. More than sticking a literal reproduction, the artist proposes a transliteration of the photographic act in the digital era. The paintings were modelled after real digital photographs, and after inserting “glitches”, the canvas presents very realistic images. Zelada creates his artwork with a critical perspective on mass housing, working with some of the most important visual urban elements: the high windows that allow him to see that reality horizontally. The dimensions of his work extend visually beyond the frame, alluding to the large size of the windows through which he shoots with his camera.


HYPERFOCUS, 2017, รณleo sobre tela, 150 x 150 cm.


GEOMETRIA, díptico, 2017, óleo sobre tela, 140 x 340 cm.


interrupción de la normalidad. Con esta obra le fue otorgado el segundo puesto del Encuentro Nacional de Artes Visuales de Trujillo.

piece awarded Zelada the second place in the National Visual Arts Encounter in Trujillo.

La tercera obra, Geometría (2017), es un díptico que asocia dos imágenes antípodas, una de un edificio ya demolido en Lima (en la zona financiera) y la otra es una vista del Cerro Blanco en Trujillo (desde el complejo arqueológico de la Huaca de la Luna). Esta asociación explícita lleva el ojo directamente al contraste por analogía. A un lado se encuentran construcciones de cemento dedicadas a la bolsa financiera y al otro lado la imagen de un Apu (palabra quechua), un ser viviente materializado en una montaña, territorio ceremonial y muy sagrado para el mundo andino. En el díptico se puede observar que el glitch aparece nuevamente en el lado izquierdo correspondiente al edificio, tapando en la zona inferior una construcción de un piso, que de hecho ya fue demolido. Observando la obra de frente, en el lado derecho donde aparece el Apu, como continuación de esta línea marcada por el glitch en el otro cuadro, está horizontalmente un galpón de metal para la observación arqueológica del lugar. El glitch (error) es desplazado por un observatorio.

The third piece, Geometría (2017), is a diptych that combines two opposite images, one of a demolished building in Lima (in the financial area) and the other a view from Cerro Blanco in Trujillo (from the archaeological complex Huaca de la Luna). By explicitly associating these two images, the eye immediate interprets the contrast by analogy. One side shows the cement buildings dedicated to stock transactions and the other side shows the image of an Apu (a Quechua word), a living being materialized in a mountain, a ceremonial and highly sacred place for the Andean world. The diptych also shows a glitch again on the left side, the one with the building, covering the lower part of a one-story building that has already been demolished. A frontal view of the piece reveals that on the right side, where the Apu is presented as a continuation of the glitch on the other painting, there is a metal shed for the archaeological observation of the site. The glitch (error) is replaced by an observatory.

La cuarta obra titulada Mapa (2015) corresponde a la observación de un paisaje urbano nocturno en Lima, en donde destaca una construcción baja de tres niveles, que en su primer piso parece ser un negocio local, en un ambiente barrial, que mantiene una estética de construcción de los años 60 de altura no invasiva visualmente. Pero, en el horizonte del paisaje se yergue justo en la mitad un gran edificio que toma el protagonismo del cuadro, como una especie de interrupción arquitectónica reforzada en el glitch instalado en el medio horizontal de la imagen (que, por lo demás, borra todas estas construcciones barriales), formando en conjunto con la verticalidad de ese gran edificio (prolongada visualmente) una cruz justo en el centro de la obra.

The fourth piece, entitled Mapa (2015) depicts a night-time urban landscape in Lima, where a small 3-story building is highlighted. The first story seems to be a local business in a neighborly environment that has a 60s aesthetic and the constructions are of a noninvasive height. However, in the horizon of the landscape, a large building is erected in the painting, stealing the spotlight in it as a sort of architectural interruption reinforced in the glitch located horizontally in the middle of the image. In fact, the glitch is erasing all the neighborhood buildings and, along with the verticality of that large building (visually prolonged), it forms a cross right in the middle of the piece.

Estas imágenes aluden a imaginarios contemporáneos de la vida cotidiana en Lima (como varias otras en América Latina). Un cotidiano en gris que pugna por el derecho al espacio del cielo. Un elemento común en las cuatro obras es esta lucha estética entre la horizontalidad y la verticalidad. ¿Qué significa la verticalidad cuando ésta interfiere el horizonte?

These images allude to the contemporary images of daily life in Lima, as well as other Latin American cities. A daily life that is battling for the right of having a space in the heights. These four pieces have a recurrent element: the aesthetic fight between horizontal and vertical. What does verticality even mean when it interferes with the horizon?


MAPA, 2015, รณleo sobre tela, 140 x 170 cm.


MARTÍN LÓPEZ DE ROMAÑA

AREQUIPA - PERÚ CIUDADES MÚLTIPLES MULTIPLE CITIES

Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile). Imágenes cortesía del artista.

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Sin tĂ­tulo, 2017, collage realizado a mano, 120 x 245 cm.


Sin tĂ­tulo, 2017, collage realizado a mano, 125 x 245 cm.


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n el romanticismo la naturaleza era vista como una vastedad infinita para el hombre que se sentía impotente frente a tal magnitud. Dos siglos más tarde, Martín López de Romaña transmite esta idea en relación a las ciudades frente al espectador que se queda atónito contemplando sus obras.

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n romanticism, nature was regarded as an infinite vastness by humans, who felt powerless before such a magnitude. Two centuries later, Martín López de Romaña coveys this idea related to cities, overwhelming the viewers when they see his work.

Cada uno de sus trabajos está realizado con decenas de fotos en vinil, Every one of his pieces is made up of tens of vinyl photographs, miles de edificaciones de pequeño formato son recortadas durante methousands of small-scale buildings that he cuts over the course of ses por el artista, quien luego compone como si armara un rompecabemonths to later compose them as if he were fitting the pieces of a zas pegando una al lado de la otra. “Este trabajo surgió por casualidad puzzle side by side. “This piece originated by chance when I fished cuando rescaté de la basura un libro de ciudades rusas, ahí comencé a a book on Russian cities out of the garbage and I started to explore explorar las múltiples posibilidades del collage”. Sin embargo, sus obras the different possibilities of collage.” However, his pieces look like parecen fotografías digitales interveintervened digital photographs or nidas, o pinturas surrealistas sacadas surrealist paintings extracted from de aquellos sueños de inicios del sidreams in the early 20th century. glo XX, al respecto, Martín comenta: In this regard, Martín comments: “I Normalmente trato de crear “Busco tener similitudes con la pintuwant my work to resemble paintra, con la intención de pintar sin pinings, the intention is to paint withmundos imposibles, imaginaceles. De esta forma, la visualidad de out using any brushes. This way, dos que solo existen dentro las obras se asemeja, a la distancia, the pieces look like paintings from con la pintura. Teniendo como base la afar, using deconstruction and redel universo de mi corpus deconstrucción y reconstrucción de construction as the basis to build artístico y que de algupequeñas imágenes fotográficas”. small photographic images.”

na manera son inalcanza-

Y estas pequeñas edificaciones que These small buildings that come bles y buscan generar, en se unen a través de la intencionalidad t o g e t h e r w i t h t h e a r t i s t ’s i n del artista, se convierten en ciudades te ntion b e c om e p o s sib le citie s el espectador, lo mismo que posibles que están solamente en la t h a t ex i s t o n l y o n t h e a r t i s t ’s siente el artista imaginación de su creador. Ciudades imagination. Floating cities, flotantes, verdaderos ranchos o favetrue ghet tos or slums on top of las, sobre otras ciudades y algunas oth e r flo atin g citie s in th e air. flotando en el aire. La minuciosidad de The thoroughness of his work is su trabajo se refleja en la forma que sus obras adoptan, es así como el refle cted on the shap e his pie ces acquire, and the time he tiempo invertido se hace múltiple en la cantidad de lecturas que puede investe d making them is multiplie d through the numb er of dar el espectador a sus obras. interpretations the viewers can give them. ¿Por qué son ciudades las que representas? Porque me parecen la metáfora más perfecta de la mente humana en toda su complejidad y vastedad. Una ciudad siempre es algo que está en permanente movimiento, de maneras muy distintas, unidas entre todos los puntos, de la misma manera que las neuronas en el cerebro, como los pensamientos en la mente. Una ciudad tiene lugares donde uno no quiere ir, igual que lugares en la mente. Tiene una

Why do you represent cities? Because I believe they are the perfect metaphor for the human mind in all its complexity and vastness. A city is always moving in very different ways and the different points are connected the same way neurons are in the brain, very much like our thoughts. A city has places where we don’t want to go, and the same happens with our minds. It has a complexity that we


complejidad que es inabarcable para uno mismo y eso es precisamente lo que quiero mostrar con mis collage de ciudades. Algunos también tienen una posible lectura social, en cuanto a que esa complejidad urbana es la que vivimos la mayor parte de seres humanos en el planeta, con todos los problemas y beneficios que puede traer la vida en las ciudades y en las megalópolis.

cannot measure and that is precisely what I want to showcase in my city collages. Some of them even have a social interpretation, in the sense that most human beings in the planet live within those urban complexities, with all the issues and benefits that living in cities and metropolis entail.

¿Está la idea o noción de crear mundos o realidades posibles? Is there an idea or notion of creating possible worlds or realities? Mi idea es crear ciudades factibles en el futuro y en otras no, son My idea is to create viable cities for the future and others that simplemente ciudades imaginarias que tienen su referente primoraren’t, some are simply imagined cities that are mainly based dial en el libro “Las ciudades invisibles” de Ítalo Calvino y en muchas on the book “Invisible Cities” by Italo Calvino and many other otras lecturas poéticas sobre el poetic literature on the subject tema de la ciudad. of cities. Normalmente trato de crear mundos I normally try to create impossible, imposibles, imaginados que solo exisimagined worlds that only exist in I normally try to creten dentro del universo de mi corpus the universe of my artistic corpus artístico y que de alguna manera son and that are somehow unattainaate impossible, imagined inalcanzables y buscan generar, en ble and seek to evoke to the viewer worlds that only exist in el espectador, lo mismo que siente the same thing the artist feels. The el artista. La vastedad, la infinitud, vastness, infiniteness, immeasurthe universe of my arla complejidad de inabarcable y mis able complexity and my collages tistic corpus and that collage simplemente son un recordaare merely a reminder that what’s torio de lo imposible que es abarcarse impossible is to encompass yourare somehow unattainable a uno mismo y toda la realidad. Son self and the whole of reality. They and seek to evoke to the símbolos que señalan hacia la infiniare symbols that point to the infitud compleja de la vida. nite complexity of life. viewer the same thing the

artist feels. ¿Hay algo de esta realidad que te gustaría cambiar? En algunas de mis obras hay anhelos de cambiar o de señalar defectos de la vida citadina o de la vida en general. Pero se trata sobre todo de rebelarme contra el mundo que se ve a primera vista. Con la idea de que uno conoce su propia ciudad, o su propia mente. Es señalar la imposibilidad de aprehender los propios pensamientos, sobre todo lo que pensamos sobre las personas o las cosas que están fuera de nosotros, por otro lado parece que mi mente está ligeramente influenciada por el surrealismo y este afán de crear paisajes o situaciones oníricas, complejas, que son difíciles de aprender por la mente racional y que implican, de parte del observador, un esfuerzo de imaginación y de reflejar la complejidad representada en su propia mente, sus propias vidas y crear también él mismo nuevos mundos, o de recrear el cuadro en su mente.

Is there something about this reality that you would like to change? In some of my pieces, there’s a desire to change or pinpoint the failings of city life or life in general. But it’s more about rebelling against the world we see at first glance, rebelling against the idea that we know our own city or mind. It’s about highlighting the impossibility of grasping our own thoughts, especially what we think about the people or the things outside of us. On the other hand, it seems my mind is slightly influenced by surrealism and that eagerness to create complex and dream-like landscapes or situations that are difficult to understand through our rational minds and that imply, on behalf of the viewer, an effort of imagination and reflecting the complexity of their own mind and lives, so they can also create new worlds or recreate the piece in their mind.


Ă“rama, 2014, collage realizado a mano, 130 x 240 cm.


Encaje iluminado | Kylla Piqueras Técnica mixta sobre poliseda y luz interior | 1.69 m. x 1.25m

No es una galería de arte más

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JACQUES CUSTER LIMA - PERÚ

JACQUES CUSTER

PROPUESTAS REVOLUCIONARIAS LIMA - PERÚ REVOLUTIONARY PROPOSALS Por Daniel G. Alfonso. Teórico del Arte (Cuba). Imágenes cortesía del artista.

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Innato, BerlĂ­n, 2018, impresiĂłn en vinil, 66 x 100 cm. Ed. de 3.


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En la actualidad, existen disímiles nombres dentro del Perú que se hacen imprescindible cuando queremos armar el rompecabezas de la fotografía en esta región de Suramérica. En este caso nos detendremos en la figura de Jacques Custer, quién desde su quehacer ha abierto nuevos caminos estéticos y formales en la fotografía contemporánea. Y, es que él, como artista de nuestro tiempo se ve envuelto en una dinámica que lo obliga –como a todos en estos días– a una constante resematización, a una constante revisión de todo su proceso en busca de novedad y exclusividad.

Currently, there are many different names in Peru that have become indispensable when we wish to fit the puzzle pieces of photography in this region of South America. In this case, we will look into the figure of Jacques Custer, an artist that has opened up new aesthetic and formal paths in contemporary photography through his work. As he is part of our era, he is surrounded by dynamics that force him, not unlike like all of us these days, to constantly review his entire process and seek something novel and exclusive.

Para Jacques Custer esto no es un problema. Su pensamiento siempre está en la exploración de algo que decir a través de sus fotografías. Está lleno de obsesiones. Una de ellas, y la más importante, es lograr encontrar el movimiento en sus imágenes estáticas capturadas por el lente. Este aspecto ha devenido espacio de investigación a lo largo de todo su quehacer, desde los comienzos hasta hoy.

For Jacques Custer, this poses no problem. His mind is always exploring some new way to express through his photographs. He is filled with obsessions. One of them, the most important, is how to find movement in the still images he captures with his lens. Throughout his career, he has been seeking out how to portray movement, from the very beginning to this day.

Todo su recorrido visual, en el universo de la fotografía, comienza con la presentación de su serie Deconstrucción en la Galería Trapecio, en ella aborda sus experiencias y construye sus recuerdos más inmediatos. Su producción se encuentra anclada a un imaginario personal en el que reproduce un conjunto de imágenes de diversos formatos que configuran un todo; es su mente la que funciona fragmentada y a través de la fotografía, Custer es capaz de volver a construir todo lo que va observando de un espacio determinado. Son sus viajes, su tránsito por la vida, son los lugares que más le han llamado la atención, son paisajes que le funcionan para narrar historias de su pasado. Él deconstruye y vuelve a armar su rompecabezas, sus recuerdos son como destellos que van llegando a su pensamiento. Deconstrucción, entonces, es el inicio de su carrera fotográfica en el contexto del arte peruano contemporáneo; es un conjunto fotográfico en el que ya vamos conociendo su estética y el modus operandi que lo caracterizará en su labor creativa.

The whole of his visual journey, within the universe of photography, starts with the series Deconstrucción en la Galería Trapecio. In it, he addresses his experiences and constructs his most immediate memories. His production is anchored in a personal imaginary where he reproduces an ensemble of images in different formats that make up a whole. Custer takes the fragmented bits of his memory to rebuild what he observes in a given space through photographs. His travels, his path through life, and the places that caught his attention the most are the landscapes that allow him to narrate stories about his past. He deconstructs and constructs the puzzle; his memories are like glimpses that slowly come to mind. Deconstructing is thus the starting point of his photographic career in the context of Peruvian contemporary art. His photographic production makes his aesthetics and modus operandi truly evident, which has distinguished him in his creative endeavors.

ablar sobre fotografía contemporánea en América Latina es adentrarse a un universo de asimilación, adaptación y originalidad creativa. Es reflexionar sobre el mestizaje de tendencias, estéticas y corrientes foráneas que se adaptaron a un contexto que –aún hoy– está en construcción. Existen diversos enfoques, investigaciones y perspectivas que se han tenido en cuenta para crear una historiografía de la manifestación en este continente; un espacio heterogéneo en el que se debe dirigir la mirada desde una perspectiva teórica, geográfica y estableciendo un arco temporal que nos ayude a ubicarnos en el tiempo y el espacio. Asimismo, la fotografía latinoamericana debemos mirarla y ponerla a dialogar con disciplinas como la antropología, la semiótica, la estética, para establecer temas como el tratamiento del cuerpo, el desnudo, el paisaje, la construcción de un imaginario nacional, entre otros.

alking about contemporary art photography in Latin America involves venturing into a universe of understanding, adapting and creative originality. It’s thinking about the fusion of trends, aesthetics and foreign movements that adapted to a context what is still, even today, under construction. There are several approaches, research and perspectives that have been taken into account to create the historiography of this continent’s manifestation, a heterogeneous space we must address through a theoretical and geographic perspective, establishing a temporal arch to help orient us in time and space. Moreover, Latin American photography must be assessed and made to interact with other disciplines such as anthropology, aesthetics and semiotics to establish issues such as the treatment of the body, nudes, landscapes and the construction of a national imaginary, among others.


Integrado, BerlĂ­n, 2018, impresiĂłn en vinil, 100 x 66 cm. Ed. de 3.


En su tercera individual, Custer se adentra en el panorama visual del Perú con una serie en el que ya se va marcando cada vez más su línea fotográfica; ese viaje al pasado, va quedando atrás para dar paso a una búsqueda de identidad más fuerte. Sus fotografías van dejando la figuración (o la realidad inmediata) de lado, Jacques tiene otros intereses en el campo semántico y semiótico de sus representaciones. Ahora lo abstracto hace su presencia y adquiere más fuerza en sus escenas, son composiciones que siguen su línea temática: el trabajo con los elementos arquitectónico que siempre le han rodeado. Es entonces que, estaremos en presencia de edificaciones que luego el artista interviene para crear nuevas formas y poder hablar de la ductilidad de la arquitectura y así seguir estableciendo su identificación en las prácticas visuales contemporáneas.

In his third solo exhibit, Custer delves into the Peruvian visual scene with a series that increasingly showcases his photographic signature: that journey towards the past from before is left behind to make room for a stronger identity. His photographs cast figuration aside (or rather immediate reality). Jacques now has other interests in the semantic and semiotic field of his representations. Here, the abstract makes its entrance and acquires more strength in his scenes, compositions that follow his thematic line: working with the architectural elements that have always surrounded him. We are thus in the presence of buildings that the artist later intervenes to create new shapes and that speak on the adaptability of architecture to establish his signature in the contemporary visual art world.

Cada serie que aborda Jacques Custer va sorprendiendo al espectador, sus pensamientos no se quedan quietos en una sola idea, al contrario, su lente está en constante movimiento en búsqueda de una nueva realidad. De los detalles captados en trabajos anteriores, ahora se mueve hacia el espacio arquitectónico donde la edificación, en algunos casos, se encuentra contextualizada y, en otras fotografías, el inmueble se manipula para así crear el proceso de la metamorfosis. Su escenario ahora se traslada a su ciudad (Lima), una urbe de contrastes, de transformaciones, de desigualdades; conjunto de elementos que podemos apreciar en Metamorfosis de una Ciudad.

Each series that Jacques Custer tackles surprises the viewer. His thoughts do not rest solely on one idea, on the contrary, his lens is constantly moving in search of a new reality. The details he captured in prior work promptly moves towards an architectural space where buildings are, in some cases, presented in context, whereas in other photographs they are manipulated to undergo a metamorphosis. The scenario is currently transported to his native land (Lima), a metropolis of contrasts, transformations, and inequality, all elements that we can appreciate in Metamorfosis de una Ciudad.

Nuestro artista luego de explorar e investigar aspectos fotográficos en un panorama donde predomina “el todo vale”, con su serie Fragmentar ha encontrado su camino. Lo vemos apegado a los elementos que le puede brindar lo arquitectónico desde el macro universo hacia el micro universo, como la figuración le ha aportado dinamismo a sus composiciones y el uso del color refleja sus estados de ánimos. Sin embargo, en estos momentos, ha logrado proveer a sus creaciones de un aspecto que le faltaba: el movimiento. Con un fuerte basamento teórico dirige su mirada a los artistas del op art, un estilo visual basado en la ilusión visual, para así inspirarse y poder trasladar todos sus aprendizajes hacia el formato de la fotografía. Custer crea un conjunto de cajas donde superpone dos fotogramas iguales que, cortados a modo de tiras en diferentes lugares, logran dotar a su superficie bidimensional de movimiento. Acción que solo puede ser completada con la mirada suspicaz del espectador quien es el encargado de completar toda la lectura fragmentada de la obra.

Our artist, after exploring and researching some photographic aspects in a world where “anything goes”, has found a new path with his series Fragmentar. We see him devoted to the elements that can bestow an architectural quality from a macro universe to a micro one, as figuration has made his compositions dynamic and the use of color reflects his changing moods. However, by now he has managed to provide his creations with an element that was previously missing: movement. With a strong theoretical foundation, he focuses on op art artists, a visual style based on optical illusions, to become inspired and transport this knowledge to photography. Custer creates an ensemble of boxes were he juxtaposes two identical frames cut into strips in different places, which provides the two-dimensional surface with movement. This action can only be completed with the viewer’s wary look, who is charged with completing the fragmented interpretation of the piece.

Jacques Custer es un creador versátil, es un fotógrafo revolucionario. Su ojo dirige su mirada a varios puntos de las ciudades que visita y logra extraer la esencia de cada una de las urbes, de sus espacios más intrínsecos. Primero escenas estáticas y ahora, sorprende a su público con construcciones en movimiento. Y, la verdad, eso no es todo. En nuestras conversaciones siempre me comento que desea ir más allá de lo establecido. Quiere romper la barrera visual a través del lenguaje de la fotografía.

Jacques Custer is a versatile creator and a revolutionary photographer. His eye draws attention to several key points in the cities he visits and he manages to extract the essence of each metropolis, of their most fundamental spaces. First, his work was static, and now he surprises the audience with moving constructions. And truthfully, that is not all. In our conversations he always said he wants to go beyond what has been established. He wants to break through the visual barrier using the language of photography.


Misterio, Suecia, 2018, impresiรณn en vinil, 100 x 66 cm. Ed. de 3.


Consecuencia, 2018, impresiรณn en vinil, 57 x 85 cm. Ed. de 3.


SERGIO FERNÁNDEZ LIMA - PERÚ

ARQUITECTURA, PAISAJE Y PRODUCCIÓN ARCHITECTURE, LANDSCAPE AND PRODUCTION Por Juan Pablo Casado. Licenciado en Literatura Hispánica (Chile). Imágenes cortesía del artista.

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Sin título, 2018, registro análogo en gran formato, impresión a tinta sobre papel algodón a partir de película diapositiva digitalizada, 90 x 160 cm. Pieza única + PA.


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ara los fotógrafos no hay, en definitiva, diferencia alguna – ninguna ventaja estética importante– entre el esfuerzo por embellecer el mundo y el esfuerzo contrario por arrancarle la máscara. Susan Sontag, Sobre la fotografía.

or photographers, there is, finally, no difference - no greater aesthetic advantage-, between the effort to embellish the world and the counter-effort to rip off its mask. Susan Sontag, On Photography.

¿Es la fotografía una reproducción objetiva de la realidad? Esta es una pregunta que se hicieron muchos artistas en el siglo XIX cuando apareció esta técnica que de pronto abrió el mundo de la representación a los ciudadanos comunes. Ahora, el universo imaginario era un paradigma alcanzable a cualquiera que tuviera la inquietud y la curiosidad de introducirse en aquel terreno reservado solo a aquellos que, gracias a su genio, eran capaces de crear obras de arte. Personalidades como Baudelaire ya advertían la amenaza de esta nueva disciplina: “si se le permite invadir el terreno de lo impalpable y de lo imaginario, en particular aquel que sólo vale porque el hombre le añade su alma, entonces ¡ay de nosotros!”.

Is photography an objective representation of reality? This is a question many 19th century artists asked themselves when this technique suddenly appeared, opening up the world of representation to regular citizens. Now, the imaginary universe was attainable by anyone inquisitive enough to penetrate into that realm that was previously reserved for those who, thanks to their genius, were capable of creating works of art. Important figures such as Baudelaire had already warned about the threat of the new discipline: “If it be allowed to encroach upon the domain of the impalpable and the imaginary, upon anything whose value depends solely upon the addition of something of a man’s soul, then it will be so much the worse for us!”

Con el paso del tiempo diversos teóricos comenzaron a investigar In time, many theoreticians started to investigate this branch of esta rama representativa. Algunos de ellos, tales como el francés representation. Some of them, such as the French philosopher Roland Barthes, aseguraron que Roland Barthes, assured that la fotografía no versa sobre lo photography doesn’t deal with que ya no es, sino de lo que ya what it no longer is, but with Explorar el concepto del ha sido. Esta sutileza guarda what it has been. This subtle dentro de sí una idea decisiva, nuance holds a decisive idea, territorio y cuestionar la según la cual, la fotografía poaccording to which photogrelación del hombre con see un valor testimonial, al más raphy has a testimonial value puro estilo de un peritaje pomore similar to a police report su entorno son los pilares licial, por sobre uno alegórico than an allegorical account que estructuran la obra de que rememore lo que ya está a that retraces what is already través a de la nostalgia suscitathere in the nostalgia the imSergio Fernández, artista quien da en la imagen. age evokes.

a través de la arquitectura y

Es así como Barthes habla de fotografía interpela al especuna fotografía que no inventa tador acerca del significado nada, sino que es productiva cuando engaña: “Se trata de de la identidad cultural peruana. una profecía al revés: como Casandra, pero con los ojos mostrando hacia el pasado, la fotografía jamás miente: o mejor, puede mentir sobre el sentido de la cosa er lies: or rather, it can lie as to siendo tendenciosa por naturaleza”. by nature tendentious.”

B ar thes thus spoke about a p h o t o g r a p h y t h a t d o e s n’t create anything, but is rather productive when it deceives: “It is a prophecy in reverse: like Cassandra, but eyes fixed on the past. Photography nevthe meaning of the thing, being

Estas son algunas de las temáticas exploradas por el artista peruano Sergio Fernández, quien luego de haber ejercido profesionalmente como arquitecto y haber experimentado con el manejo del espacio y la luz, sintió una necesidad por aproximarse a la fotografía, medio que, en sus palabras, “me permitía pensar y sentir en una misma dirección, canalizando de forma directa mi lenguaje visual”.

These are some of the themes explored by the Peruvian artist Sergio Fernández, who, after working as a professional architect and experimented with the mastery over space and light, felt the need to approach photography. In his own word, the means “allowed me to think and feel in the same direction, channeling my visual language directly.”

Su propuesta visual se basa en la presencia de elementos que conjugan el paisajismo y la arquitectura, bases desde las que Fernández estructura una mirada crítica a los conceptos de identidad y territorio en Perú. “Mi campo de trabajo e investigación se concentran principalmente en los desiertos periféricos de las ciudades de la costa peruana. Me interesan las arquitecturas anónimas que ocupan territorios en los paisajes áridos que forman las extensiones del desierto costeño. Persigo los elementos arquitectónicos abandonados que parecieran tener vida y que sobreviven a los tiempos y se regeneran al ser apropiados”, asegura Sergio.

His visual proposal is based on the presence of elements that combine landscaping and architecture, the pillars upon which Fernández structures a critical perspective on the concepts of identity and territory in Peru. “My field of work and research is mainly focused on the peripheral deserts of coastal cities in Peru. I’m interested in the anonymous architectures that inhabit territories in the arid landscapes that make up the continuation of the coastal desert. I seek out abandoned architectural elements that seem to be alive and survive the passage of time, regenerating themselves when appropriated,” Sergio comments.


Mecanismo # 12, 2018, registro análogo en gran formato, impresión a tinta sobre papel algodón a partir de película diapositiva digitalizada, 70 x 85 cm. Pieza única + PA.


Mecanismo # 10, 2018, registro análogo en gran formato, impresión a tinta sobre papel fine art canvas a partir de película diapositiva digitalizada + soporte mecánico., 160 x 215 cm. Pieza única + PA.


Mecanismo # 12, 2018, registro análogo en gran formato, impresión a tinta sobre papel algodón a partir de película diapositiva digitalizada + soporte mecánico, 82.5 x 104 x 12 cm. Pieza única + PA.


Artefacto y técnica

Artifact and technique

Aunque la fotografía es una técnica que surge de un aparato-artefacto, detrás de cada imagen o fotografía existe una subjetividad, tal como aseguraba el filósofo francés Pierre Bourdieu: “aun cuando la producción de la imagen sea enteramente adjudicada al automatismo de la máquina, la toma sigue siendo una elección que involucra valores estéticos y éticos”. Aunque los avances tecnológicos y progresos de la técnica fotográfica permiten que todo encuadre sea fotografiable objetivamente, cada individuo termina por realizar una selección consciente del objeto, escenario y composición que desea retratar.

Although photography is a technique that emerges from a deviceartifact, a subjectivity lies behind each image or photograph, much like the French philosopher Pierre Bourdieu stated: “Even when the production of the picture is entirely delivered over to the automatism of the camera, the taking of the picture is still a choice involving aesthetic and ethical values.” Even though technological advances and the advent of photographic techniques allow for everything to be photographable, each individual ends up consciously selecting the subject, stage and the composition they wish to capture.

De esta manera, Fernández juega con el concepto de paisaje y con los eleThis way, Fernández toys with the concept of landscape and the culturmentos del imaginario cultural que forman parte de la historia cultural y anal imaginary elements that are part of the cultural and anthropological tropológica del Perú, los que conjuga a través de una mezcla del lenguaje history of Peru, which he combines with his photographic and archiarquitectónico y fotográfico que termina por cuestionar qué es lo que transtectural language, questioning what truly transforms a territory into a forma un territorio en paisaje. El sentido del territorio y su representación en el landscape. The meaning of territory and its representation in collective colectivo son algunas de las materias explorados por Sergio. Y esto no lo logra are some of the topics explored by Sergio. What he accomplishes is a través de la exposición de fotografías en el sentido llano de la palabra, sino not due to the photograph’s exposure in the strict sense of the word, que a través de mecanismos visuales but rather through mechanisms que llaman a lo fotográfico y que terthat call on photographic aspects minan por interpelar a la audiencia, and appeal to the audience, an Exploring the notion of una audiencia que le da sentido a audience who makes sense of the lo visto a partir de su propia subjeimages with their own subjectiviterritory and questioning the tividad. Finalmente, la creación se ties. Finally, creation overpowers relationship of humankind and sobrepone a la representación. representation. En términos concretos, esta representación sigue una estructura clara: “Recurro muy pocas veces a la improvisación. Influye mi formación académica como arquitecto que me obliga a ser riguroso al momento de establecer los lineamientos del proyecto fotográfico durante el proceso creativo”, explica Fernández, quien actualmente trabaja narrativas sobre el territorio, sus transformaciones y representaciones.

its environment are the pillars that structure Sergio Fernandez’ work, an artist who makes viewers ponder about the true meaning of Peruvian cultural identity through architecture and photography.

In strict terms, the representation follows a clear structure: “I rarely turn to improvisation. My training as an architect influences me and forces me to be more thorough when I establish the criteria for the photography project during the creative process,” Fernández explains, who is currently working with narratives about the territory, its transformations and representations.

Mecanismos del paisaje

Landscape mechanisms

Esta serie es una prolongación de las preocupaciones sobre el territorio, sus transformaciones y sus representaciones, que Sergio Fernández, fotógrafo y arquitecto, ha mostrado desde sus primeros trabajos. En este caso, sus inquietudes lo han llevado más allá de la producción de imágenes, ubicando su investigación en el campo expandido de la fotografía.

This series continues exploring the issue of territory, its transformations and representations that the photographer and architect Sergio Fernández has addressed since he began working. In this case, his inquisitiveness has led him beyond producing images, placing his search in the broadened field of photography.

El proyecto explora los conceptos del paisaje y territorio, cuestionando sus correspondencias y contraposiciones, así como la relación del hombre con su entorno. El concepto es potenciado por la experiencia física y el despliegue de la cámara mecánica como distintivo fotográfico, así como los diversos soportes que sirven de mecanismos visuales con los cuales interactúa el espectador. Estos sistemas de aperturas y cerramientos refuerzan el impulso, motivando en el público una lectura de imagen controlada. La interacción con las piezas –conformadas por elementos arquitectónicos propios del universo de las ventanas– permite que las imágenes aparezcan y desaparezcan, se fragmenten y se oculten detrás de otros elementos materiales.

The project delves into the concepts of landscape and territory, questioning its relationships and contrasts, as well as humankind’s relationship with the environment. The concept is boosted by the physical experience and the deployment of a camera as a photographic feature, whilst using several supports that serve as visual mechanisms that interact with the viewer. These systems of openings and closures strengthen the drive, motivating the audience to interpret a controlled image. The interaction between the pieces -made up of architectural elements filled with windows- allows the images to appear and disappear, become fragmented and hide behind other material elements.


Mecanismo # 8, 2018, registro análogo en gran formato, impresión a tinta sobre papel algodón a partir de película diapositiva digitalizada + soporte mecánico, 205 x 110 x 25 cm. Pieza única + PA.


MARIÚ PALACIOS TACNA - PERÚ

HÉRITAGE HERITAGE Por Daniel G. Alfonso. Teórico del Arte (Cuba). Imágenes cortesía de la artista.

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De la serie Fake Concrete, Sin título, 2018, acrílico sobre impresión digital en papel de algodón, 105 x 116 cm, cada uno. (muralla). Y De la serie Fake Concrete, Sin título, 2018, butacas intervenidas con acrílico, medidas variables.


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Este es un período en el que se perfilan nuevas formas de creación, en la que los artistas se valen –desde sus personalidades y particularidades– de recursos y estrategias conceptuales como la intertextualidad, la metáfora, la hipérbole, entre otros. Del cúmulo de artistas que pertenecen y forman parte de la historiografía del arte peruano, nos acercaremos a la producción actual de Mariú Palacios, quién con su muestra Fake Concrete ha dado una vuelta de tuerca en el pensamiento crítico y filosófico en su panorama actual. Todos los que han seguido su trabajo, conocen el modo en el que se adentra en los acontecimientos más cercanos, íntimos y personales, desde la alegoría, la ficción y/o el simulacro. Para lograr su objetivo se dispone a experimentar con otros artificios para hacer más refrescantes sus comentarios internos y los de sus heterónimos –Pío y Flora Tristán–, con los que establece una profunda analogía y que funcionan como vehículo expresivo de sus reflexiones más imperantes del ambiente personal y de las relaciones humanas de su país.

Nowadays, new ways to create are arising and artists are using –according to their own personalities and singularities– conceptual resources and strategies such as intertextuality, metaphors, hyperboles, among others. Of the many artists that are part of the history of Peruvian art, we will address Mariú Palacios’ current production, an artist who has completely revolutionized the critical and philosophical thinking of the current art scene through her sample Fake Concrete. Anyone who has followed her work knows about the way she ventures into the most intimate and personal events through the use of fiction, allegories and simulations. To accomplish her goals, she experiments with other devices to make her commentary more refreshing, as well the beliefs of her ancestors –Pío and Flora Tristán– with whom she establishes a deep analogy that works as an expressive vessel for her most prominent reflections on her personal environment and the human relationships in her country.

Sueños, misterios, interpretaciones y, por qué no, sus miedos. Son algunos elementos que forman parte de la trama en la nueva historia de Mariú Palacios. Su producción dialoga con su pasado, con un dolor que contuvo por varios años y que ahora lo vuelca a través del arte (presencia de la ausencia). Para Mariú, la omisión es un factor que explora y explota; pide que nos adentremos en su mundo de enigmas. Toda cuenta. Fake Concrete, es un firmamento o soporte falso, no existe el equilibrio perfecto en la vida de nadie.

Dreams, mysteries, interpretations and, even her fears are some of the elements that are part of the plot in Mariú Palacios’ new story. Her production relates to her past, to the pain she endured for several years and that she now channels through art (the presence of absence). For Mariú, omission is a factor that she explores and exploits, she asks us to venture into her enigmatic world. Everything counts. Fake Concrete is a sort of vault or fake support, there is no perfect balance in anyone’s life.

Mariú, con su última exposición, se aleja de todo contenido anecdótico. Nada es muy directo, debemos pensar y analizar antes de emitir nuestros criterios finales. Se ha desnudado ante nosotros, su piel nos habla y logra penetrar en las profundidades antropológicas del ser humano para indagar y colocarnos frente a diversos aprietos que existieron y perduran en torno a sus conflictos internos.

With her latest exhibition, Mariú distances herself from all anecdotal content. Nothing is straight-forward, we must think and analyze before we make up our minds about her work. She has striped before us, her skin speaks to us and penetrates the human anthropological depths to investigate and confront the different issues that existed and that still remain around her inner conflicts.

as artes visuales siempre han estado en constante diálogo con su contexto más inmediato; ideologías utópicas, creencias, evocación del pasado, el intimismo, entendimiento del presente y reflexiones para el futuro, son algunas de los temas frecuentados por la plástica peruana en la contemporaneidad. Este reflejo de la realidad será incorporado en las obras de manera directa o indirecta, siempre bajo el signo de la ironía, la ambigüedad, el subterfugio visual, el doble discurso, etc.

isual arts have always been related to their most immediate context: utopian ideologies, beliefs, reminiscences of the past, intimism, understanding the present and thinking about the future are some of the most recurrent subjects in the work of this Peruvian visual artist. This reflection of reality is integrated into her pieces both directly and indirectly, always with an ironic, ambiguous tone or through the use of a visual pretext or double talk.


De la serie Fake Concrete, Sin título, 2018, acrílico sobre impresión digital en papel de algodón, 158 x 128 cm.


De la serie Fake Concrete, Sin título, 2018, acrílico sobre impresión digital en papel de algodón, 158 x 128 cm.


De la serie Fake Concrete, Sin título, 2018, acrílico sobre impresión digital en papel de algodón, 158 x 128 cm.


Cada una de las piezas funcionan como una alegoría que a través del silencio narran sus historias y las nuestras. La memoria individual y colectiva del sujeto latinoamericano hace presencia en cada signo visual que encontramos, tal es el caso de las palabras chola, zamba y paria colocadas en la pared a modo de huella, de marca o de cicatriz. Toda una simbología que alude al dolor, al sufrimiento, a los insultos, pero también significan identidad, origen. Son testimonios, iniciales (incluso, museográficamente es la obra que inicia el recorrido) que, llevan en sí un significado intrínseco de profunda consistencia existencial que dialoga con la angustia y la difícil situación por la que transitamos día a día.

Each piece serves as an allegory that narrates her stories and ours through silence. The individual and collective memory of Latin Americans are present in every visual symbol we see. Such is the case of the worlds chola, zamba and paria (meaning half-breed and pariah), which she places on a wall as a sort of imprint, mark or scar. All this symbolism alludes to suffering, insults, but it also represents identity and origin. These are preliminary testimonies (even in a museum context it’s the piece that sets out the journey) that carry an inherent meaning within themselves of a profound existential nature, associated with the anguish and the difficult situations we encounter on a daily basis.

Además, ante toda una escenografía bien concebida en la galería, Mariú propone un conjunto de obras fotográficas intervenidas que ayudan al espectador a suavizar la tensión retiniana ante las esculturas instalativas que completan toda la lectura de la exhibición. En estas fotos figurativas y abstractas, todo es parte de todo y demuestra su interés por abordar el pasado, su dominio por la tridimensionalidad y por lograr un extraordinario vínculo con lo bidimensional.

Moreover, with a well-thought-out staging of the gallery space, Mariú proposes an ensemble of intervened photographs that help the viewer ease the visual tension of the installation sculptures that complete the reading of the whole exhibit. In these figurative and abstract photographs, everything is part of a whole, demonstrating her interest in addressing the past, her mastery of three-dimensionality and achieving an extraordinary link with the two-dimensional.

Nuestra artista sabe bien cómo acercase a la realidad sin tener que recurrir a un lenguaje obvio y directo, sus historias llegan a través de la palabra y una simbología que se articula alrededor del pensamiento de Carl Gustav Jung. Fake Concrete, es una muestra, en la que se colocan pistas –cartas en la que se tachan palabras para crear un nuevo discurso– que nos van guiando, símbolos como la langosta (insecto que forma parte del ecosistema de la selva peruana) que alude a una violencia disfrazada que va penetrando, adhiriéndose y asentándose en objetos muy personales de la artista.

Our artist knows how to approach reality very well without having to use an evident and straight-forward language, her stories have an impact through the words and symbolism that she constructs around the ideas of Carl Gustav Jung. Fake Concrete is a sample where the artist provides hints –letters with crossed-out words to create a new text– that guide us. Symbols such as a lobster (an insect that is part of the Peruvian jungle ecosystem) allude to a disguised violence that penetrates, adheres to and penetrates objects that are very personal to her.

Sentados en las silas de cine que coloca la creadora en la galería estaremos cómodos para observar su película, un cuento personal ubicado en su subconsciente que en Fake Concrete se materializa para enaltecer y colocar al espectador en un viaje hacia sus orígenes. Esta serie marca en el quehacer de Mariú Palacios la inquietud investigativa que posee sobre las situaciones más relevantes de la sociedad actual, que le permite dibujar nuevas zonas de creación que dinamizan el pensamiento individual del ser humano. Crea, además, un juego “inocente” sobre la compleja historia que nos compete a todos como parte de nuestros propios dramas y tensiones. Todo se mantiene igual y su praxis artística que transita por un nuevo camino es representativa de reflexiones que se encuentra en su yo interior.

Sitting in the cinema seats that she places in the gallery, we’ll be comfortable to watch her movie, a personal story set in her subconscious, materialized in Fake Concrete to guide the viewer through a journey of their origins. This series truly shows Mariú Palacios’ deep curiosity regarding the most relevant situations of our current society, which allows her to build new areas of creation that make individual thinking more dynamic. She also creates an innocent “game” on the complex history that concerns us all as part of our own dramas and tensions. Everything stays the same and her artistic praxis now takes on a new path to represent the reflections that she finds in her inner self.


De la serie Fake Concrete, Sin título, 2018, acrílico sobre impresión digital en papel de algodón, 158 x 128 cm.


JOSÉ TOLA

LIMA - PERÚ

UNA VIDA EN MONSTRUOS A LIFE IN MONSTERS Por Elisa Massardo. Licenciada en Historia y Estética (Chile). Imágenes cortesía del artista.

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La Conquista, 2014, รณleo sobre tela, 150 x 300 cm.


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olor y formas distorsionadas de monstruos que parecieran ser sacados de pesadillas, es lo primero que se observa en las pinturas, grabados y esculturas de José Tola.

olor and the distorted shape of monsters that seem to be taken out of a nightmare is what can be found in José Tola’s paintings, prints and sculptures.

Buscando entre las entrevistas que se le han hecho, encontré una frase notable: “…se ha hecho mucha literatura en torno a Tola, se ha escrito hasta la saciedad”, decía L. Lama. Y es probable que esto ocurra porque sus obras dan para muchas interpretaciones, para analizar la psiquis humana y la vida de un viajero y vividor apasionado. Ya que tanto se ha escrito, es quizás, mejor leer sus palabras al describir su vida y obra.

Among the interviews that he has given, I found a noteworthy phrase: “... There is a lot of literature about Tola, he has been discussed ad nauseam,” said L. Lama. Perhaps this is due to the many interpretations his work has, providing and analysis of the human psyche and the life of a passionate traveler and bon vivant. Since much has been said about him, it might be better to read his own description of his life and work.

Tu autobiografía suena bastante intensa y entretenida. Dinámica. ¿Cómo ha sido una vida entera llena de subidas y bajadas? Hemos nombrado las palabras con letras pequeñas. Hemos usado términos, apelativos y epítetos para proclamar nuestras acciones. Hoy el sol salió temprano. ¿Qué hay de nuevo para contar? ¿Qué historia narrar ahora mientras empieza el día? Tu pregunta está hecha para llenarla de cuentos, historias y anécdotas. Para inventar entre las subidas y bajadas narraciones. El resumen de ellas es una vida dura, inclemente, de la cual ya no se puede huir ni regresar a ella. Solo hay una actitud frente a ella y es la recorrer la vida sin detenerse y de un solo golpe. Las “subidas” y las “bajadas” son las motivaciones que te llevan a reflexionar sobre las pasadas experiencias. A entender el sentido de la vida y su finalidad. Ahora, en estos tiempos, no hay anales ni anécdotas, nada que no haya contado ya. La pregunta es para qué distorsionar o falsear las mentiras. Lo que se dirá después no se puede decir hoy día, para qué calumniar las realidades. Punto.

Your autobiography seems very intense and fun. Dynamic. What has a life of ups and downs been like? We have named words with small letters. We’ve used terms, adjectives and epithets to narrate our actions. Today the sun rose early. What is there new to tell? What story can we tell now as the day starts? Your question is meant to be answered with stories and anecdotes, to create narratives between the ups and downs. The sum of these narratives is a tough, merciless life, from which we cannot escape or go back to. There is only one way to deal with it, and that is to navigate through life without stopping for a second, all in one fell swoop. The “ups” and “downs” are the motivation that leads you to reflect on past experiences, to understand the meaning of life and its purpose. Nowadays, there are no yearly reports or stories, there is nothing I haven’t told before. The question is why would someone distort or tell lies? What we’ll tell after cannot be told today, so why lie about reality? Period.

¿De qué manera las drogas ayudan o dialogan en tu obra? La cocaína. La morfina. La heroína. Las anfetaminas. El crack... por aquí es donde va la pregunta. Bueno, te diré que no creo que estas drogas u otras aporten o estimulen algo a la creación. Pueden distorsionar tu percepción o crearte estímulos errados y puedes pasártela muy bien a costo de tu integridad mental y física. Ahora si quieres probarlas, experimentar con ellas por tu pobreza de concepción artística, tu falta de inventiva, el costo que pagarás es bien fuerte.

How do drugs help or interact in your work? Cocaine. Morphine. Heroin. Speed. Crack... That’s the question. Well, I’ll don’t believe these drugs, nor any others, contribute to or stimulate creation. They can distort your perception or create misguided stimuli, and you can have a good time to the detriment of your mental and physical integrity. Now, if you want to try and experiment with them because of your lack of artistic ideas, your lack of imagination, the cost is very high.

Los colores, las formas ¿qué relación tienen con una vida tan viajada y vivida? A decir verdad, la vida es para llevarla a los extremos y experimentar. Tratar de saber, conocer dónde estamos habitando. Nadie vivirá dos veces y nadie tendrá la vida comprada. Es un absurdo perder el tiempo o tomar la vida de pasatiempo. De la misma manera, el habitar en lugares que la imaginación no crea, es otra de las maravillas a la cual se está, aunque suene mal, obligado a recorrer y conocer sin límites ni cautela. Que este mundo no te sea una casa vacía.

How do colors and shapes relate to such a well-traveled and enjoyed life? To be honest, life is about extremes and experimentation. It’s about trying to learn about and know the place we inhabit. Nobody will live twice, and nothing is for sure for anyone. It’s absurd to waste time or regard life as a hobby. Likewise, inhabiting places beyond our imagination is another one of the wonders we are, although it sounds bad, forced to navigate without limits or caution. Let this world not be an empty house.


De tantas muertes nacida, 2012, รณleo sobre tela, 150 x 180 cm.


Son estos monstruos, temores o seres benignos los que aun y siempre me han poblado... Y veo en ellos una visiĂłn de sentimientos acuĂąados, distorsionados que tratan de integrarse a una realidad personal y desconocida de mi vida.

El beso, 2016, Ăłleo sobre tela, 150 x 180 cm.


These monsters, fears or benign beings are the ones who have always inhabited within me. And in them, I see a vision of distorted feelings that try to penetrate into a personal and unknown reality of my life.

Digan lo que quieran pero las verdades ocurren, 2011, รณleo sobre tela, 130 x 150 cm.


¿Están estos monstruos, temores o seres benignos aún presentes en tu vida? Son estos monstruos, temores o seres benignos los que aun y siempre me han poblado... Y veo en ellos una visión de sentimientos acuñados, distorsionados que tratan de integrarse a una realidad personal y desconocida de mi vida. Han ido formándose a base de golpes, porrazos, desgracias, tercias adversidades y asaltos a la fantasía. El costo de vivir la vida es fuerte, tan fuerte como retenerla y llegar a entenderla y hacerlo nuestra. Transpirarla y hacer que sude la mente. En esto no hay ninguna magia. Es solo una actitud, una forma de concebirla ante la existencia.

Are these monsters, fears or benign beings still present in your life? These monsters, fears or benign beings are the ones who have always inhabited within me. And in them, I see a vision of distorted feelings that try to penetrate into a personal and unknown reality of my life. They have taken shape through hits, blows, misfortunes, adversity and slams against fantasy. The cost of living is high, so high as to want to keep it, understand it and make it ours. Exuding it and making our minds sweat. There is no magic to that. It’s only an attitude, a way of conceiving it in the face of existence.

¿Frente a qué problemáticas te has enfrentado en la pintura, y cómo las has resuelto? Los colores y las formas deben haberme planteado problemáticas, me deben haber hecho preguntas, pero, en verdad, creo que estos deben tener una relación con la vida... Aunque a estas alturas, cómo ya saberlo cuando todo lo vivido, la experiencia como artista y las situaciones de la vida, las emociones, el enamorarse, lo bueno y lo malo, todo termina siendo ya lo único que es uno. No hay forma de hacer discriminaciones o segregaciones o diferencia alguna entre las problemáticas que te plantea el arte y las que te plantea la vida. Por otro lado, las formas y los colores son una vía complementaria para aquello que quieres decir. En verdad, creo que la problemática más grave ante la que uno se tiene que enfrentar con el arte y lo que conlleva ser artista, es tener una actitud de honestidad, desprendimiento e integridad ante los engaños, embustes y ardides que hay en la sociedad, en el mercado y en el vicio de las mentes especulativas y corruptas que nos tientan desde lo más temprano en nuestras vidas.

What problems have you encountered with painting and how have you solved them? Colors and shapes should have raised a lot of issues, should have posed a lot of questions, but I believe they actually have a connection to life itself... Though at this point, as you must know, when everything that you have lived, the experience you’ve had as an artist and life’s circumstances, the emotions, falling in love, the good and the bad, everything ends up amounting to who we are. There is no way to discriminate or separate the differences among the problems you encounter with art and the one you encounter in life. On the other hand, shapes and colors are a complementary conduit for what you want to express. In fact, I think the most pressing issue with art and what it means to be an artist is having an honest attitude, having integrity and distancing yourself from the deception, lies and schemes in society, in the market and in the vicious minds of speculative and corrupt minds that tempt us from the earliest stages of our lives.

Años después de escribir tu biografía, ¿cómo enfrentas esta idea? “Crear desde lo más hondo: la verdad o nada. Nunca más claro. La angustia, no. Es peor.” Pienso que aún sigue siendo una forma válida y única de enfrentar la creación ante nuestra actitud personal. No hay ni engaños, ni falsedades ni hipocresías ante nuestra existencia y nuestra vida creadora. Uno no está aquí para embustes, infundios con uno mismo ni con nadie. La belleza y la fealdad, ambas tienen una dignidad propia, honorabilidad y su personal decoro. No se crea para nadie. Siendo así el acto de creación solo un atreverse ante el futuro. El dejar un testimonio para las nuevas generaciones. Allí se empieza. Creo que el gran miedo, a aquello que se le teme normalmente, es al fracaso. La idea del fracaso nos invade y nos inmoviliza, no nos deja dar el paso adelante. Este miedo da paso a otros, empieza por engendrar el miedo a la libertad, el miedo a avanzar, a adelantarse, a superar lo conseguido, así se termina anulando nuestra creatividad. El miedo al fracaso nos lleva a reducirnos a lo fácil y conocido, a lo que hemos conseguido con poco esfuerzo... Es esto lo más triste, que queda. El miedo al fracaso es el gran reto a superar... Una pelea abierta sobre la cual se basa la vida del creador.

A year after writing your biography, how do you feel about the following idea? “Creating from your deepest core: it’s either the truth or nothing. It can’t be any clearer than that. There’s no room for angst. That’s worse.” I think it’s still a valid and unique way of dealing with creation in terms of our personal attitude. There isn’t any deception, trickery or hypocrisy in our existence or our creative lives. We are not here to lie, not to ourselves, not to anyone. Beauty and ugliness both have their own dignity, honor and personal decorum. There’s no creating for somebody else. The act of creating is thus daring to leave something for the future. Leaving a testimony behind for future generations. That’s where it starts. I think the greatest fear –or what we normally fear is rejection. The idea of rejection overwhelms us and paralyzes us, it doesn’t let us move forward. This fear makes way for others, it starts by instilling the fear of freedom, the fear advance, to move forward, to better what we have achieved, all of that ultimately quashes our creativity. Fear of rejection leads us to stick to what’s easy and familiar, to what we have achieved with minimal effort. That’s the saddest thing, that it remains. Fear of rejection is the greatest challenge to overcome... It’s an open battle and the basis for a creator’s life.


Jugador del tarot, 2016, รณleo sobre tela, 150 x 180 cm.


ROSSANA LÓPEZ-GUERRA LIMA - PERÚ

FRONTERAS (DES)DIBUJADAS (UN)TRACED LIMITS Daniel G. Alfonso. Teórico del Arte (Cuba). Imágenes cortesía de la artista.

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De la serie Asterismos, 2018, punciones sobre papel de algodรณn, 56 x 41 x 3 cm.


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ugestivas atmósferas, espacios que se nos insinúan ante nuestros ojos, naturaleza que se confronta entre realidad e imaginación, gestos, materialidad y cierta tensión visual son algunos de los aspectos que denota el trabajo de Rossana López-Guerra. Ilustrar el camino recorrido de la creadora nos llevaría a hacer un balance entre sus inicios y el trabajo actual, una ruta que trataré de construir en el presente texto, donde se aborda un discurso logrado por años de producción; un quehacer que puede ser planteado por etapas y así facilitar al lector una mejor comprensión de toda una labor en el contexto de las artes visuales en el Perú.

uggestive atmospheres, spaces that come on to us before our eyes, a nature that wanders between reality and imagination, gestures, materials and a certain visual tension are some of the distinguishing features of Rossana López-Guerra’s work. Describing the path this creator has treaded would lead us to compare and contrast the work from the beginning of her career to her current artwork, a journey that I will try to outline with this article where I will address the language she has built over the course of the years. Her work can be explained through the phases she has gone through, enabling the reader to better understand her work in the context of Peruvian visual arts.

Como la propia vida, el quehacer de esta creadora, nos pide como espectadores que seamos cómplices de todo lo que vamos a observar; todo está entrelazado entre sí, logrando establecer relaciones con el propio ambiente donde se inserta cada pieza. Es entonces que, como público podemos experimentar aproximaciones multisensoriales y percibir el discurso trazado a través del pasado, lo reflexivo, lo familiar, la memoria.

As life itself, this artist’s work demands us as viewers to be engaged with what we see. Everything is intertwined, managing to establish a link with the environment the pieces are inserted in. Then, as the audience, we can experience multi-sensory feelings and perceive the stories she tells through the past, reflections, familiar things and memory.

Rossana va construyendo y deconstruyendo sus experiencias más íntimas utilizando medios como la fotografía, la instalación, los nuevos medios. Son cuestionamientos utópicos sobre el espacio doméstico, en el que se dibuja una nueva perspectiva del espacio. Estos sites specific que López-Guerra crea en sus inicios como artista son proyectos que se enfrentan o se relacionan con el lenguaje arquitectónico y pretende resolver poéticamente la ilusión del paso del tiempo y las decisiones que tomamos a diario, como podemos observar en Fracturas Transversales. Asimismo, el tiempo se convierte en un factor importante y con él se logra un juego perceptivo que transita desde el tiempo que permanecemos en el lugar hasta el tiempo de vida de los objetos que se exhiben. Son huellas dejadas en la galería, es un acto purificador que hacemos en el presente hacia otro espacio nuevo, uno lejano escenificado por Rossana. Son marcas que deja en nuestro imaginario colectivo, son silencios y libertades que se dibujan en el espacio, tal como se refleja en su exposición Coordenadas.

Rossana constructs and deconstructs her most intimate experiences using means such as photography, installation and new media. Her pieces are a utopian questioning about the domestic sphere, where she actually proposes a new perspective on space. The site-specific pieces that López-Guerra created at the beginning of her career are related to an architectural language, trying to solve, in a poetic manner, the illusion of the passage of time and the decisions we make on a daily basis, as is the case of Transversal Fractures. Moreover, time becomes an important factor and through it, she manages to establish a game of perceptions that lingers from our stay in the exhibit until the end of the exhibited object’s life span. They leave a trace behind in the gallery, her endeavors are a purifying act of the present space towards a new one, a faraway one where she sets the stage. They leave a mark in our collective imaginary, they are the silences and freedom that she draws in the space, like in her exhibition Coordinates.

La unión de objetos domésticos entre sí crea todas las identidades posibles, y es que Rossana López-Guerra ha evolucionado de lo figurativo-instalativo hacia lo abstracto-conceptual. De un modo paulatino

Combining domestic objects, she creates all possible identities, evincing how Rossana López-Guerra has evolved from a figurativeinstallation work towards more abstract-conceptual artwork. Her


De la serie Asterismos, 2018, punciones sobre papel de algodรณn, 56 x 41 x 3 cm.


De la serie Asterismos, 2018, punciones sobre papel de algodรณn, 56 x 41 x 3 cm.


De la serie Asterismos, 2018, punciones sobre papel de algodรณn, 63.5 x 83 x 4.5 cm.


su pensamiento fue buscando otras vías de escape y otros lenguajes para representar sus preocupaciones que siguen siendo las mismas, lo diferente es el soporte y la estética.

mind increasingly sought out other outlets and new languages to represent her concerns, which are still the same, but the support and style have changed.

Su muestra Punciones (2016) no puede dejar de mencionarse en todo el camino transitado por Rossana, y es que esta exhibición forma parte de la renovación conceptual y estética en el quehacer de ella. Si bien en la sala de la galería encontramos como protagonista al mueble (alegoría al ambiente familiar), nuestra mirada se desvía hacia las obras que –según el crítico de arte Gustavo Buntinx– se encuentran en clave mitopoética y que son sugerencias estelares por los orificios en los papeles amorosamente agujereados por López-Guerra. Y, este proceso es el que ha cautivado por completo el imaginario de la artista en la actualidad.

We cannot neglect mentioning her sample Punctures (2016) in all her treaded path, because this exhibit is part of a conceptual and aesthetic renewal in Rossana’s work. Although furniture is the main character in the gallery hall (an allegory to family life), our gaze deflects to the pieces that, according to art critic Gustavo Buntinx, are presented in a mythopoetic code and are stellar suggestions through the lovingly cut-out papers by López Guerra. And precisely this process is what has completely captivated the artist’s current imaginary.

En esta nueva etapa de grandes cambios y evoluciones, la artista se aleja de los convencionalismos y se adentra en un universo en el que se inmiscuyen el paisaje geográfico real y subjetivo. Lagunas, montañas, vegetación y ríos fueron los espacios que la estimularon para concebir estas piezas sobre cartulina blanca. Este material es manipulado por la artista hasta el cansancio, ella se apropia, experimenta, explora y explota todas sus posibilidades. Ese soporte no lo puede dejar de lado, ya se ha convertido en su cómplice.

In this new stage of great changes and evolution, the artist moves away from conventions and delves into a universe of geographic landscapes and subjectivity. Ponds, mountains, vegetation and rivers where the spaces that motivated her to conceive these pieces on white cardboard. The material is ceaselessly manipulated by the artist, she owns it, experiments, explores and exploits all its possibilities. She cannot leave the support aside, it has become her accomplice.

Asimismo, podemos percatarnos de que el material empleado no puede existir de manera aislada, sino que el todo se articula con las punzadas que Rossana realiza sobre la cartulina. Punzadas que de un modo magistral indican un espacio geográfico determinado (inspirados en mapas cartográficos) y manifiesta cierta exuberancia de puntos que unidos crean cierto cromatismo e indica un escenario de altos valores sensoriales y expansivos. Todo conlleva a que el espectador genere en su mente nuevos imaginarios territoriales, es todo un pensamiento abstracto que va tomando forma a medida que investigamos y observamos cada detalle de la pieza.

Likewise, we can see how the material she uses cannot exist in an isolated way; the entire work is articulated through the punctures Rossana makes on the cardboard. In a masterful way, these punctures indicate a given geographic space (inspired in cartographic maps) and they manifest a certain exuberance of connected dots that create a sort of chromaticism and presents a stage of a high sensory and expansive value. Everything leads the viewers to create new territorial imaginaries in their minds. Her work is a wholly abstract thought that acquires shape as we observe and delve into the details of each piece.

Rossana López-Guerra expresa toda su cotidianidad (o parte de ella), es decir, vemos cómo cada soporte hace eco de diferentes hechos, recuerdos, ideas, sentimientos, anécdotas y de su historia íntima y colectiva.

Rossana López-Guerra expresses her entire daily life (or part of it), that is, we see how every support echoes with different events, memories, ideas, feelings, stories and her intimate and collective history.


De la serie Asterismos, 2018, punciones sobre papel de algodรณn, 56 x 41 x 3 cm.


JESÚS PEDRAGLIO LIMA - PERÚ

LA BÚSQUEDA DEL CAMINO IN SEARCH OF A PATH Por Victoria de Arvizu. Periodista (España). Imágenes cortesía del artista.

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Somos uno, 2018, tĂŠcnica mixta, ensamble, hilo textil, 140 x 140 cm.


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“Crecí como empresario a pesar de mi alma de artista” dice Pedraglio, de 48 años, recordando cuando, una edad aún muy temprana, empezó a hacerse cargo del negocio familiar. Sus comienzos en la industria ganadera, que le acarrearon grandes responsabilidades y marcaron profundamente su espíritu, sembraron en él la semilla de la inquietud y la búsqueda del sentido de la vida que explora de todas las maneras posibles. Y así empezó a crear hace tan solo 10 años, de manera totalmente autodidacta y gracias al tiempo libre que le permitía su trabajo. Durante los primeros años pintaba cuadros de gran formato con superficies texturizadas donde se podían apreciar además del color, elementos orgánicos de la naturaleza como ramas de árbol que se confundían con el lienzo. Pero enseguida, gracias o a causa de su empresa en el medio textil, descubrió el hilo y a partir de ahí empezó un proceso creativo de gran fuerza que lo ha llevado a exponer en todo el continente americano e incluso en el Fashion and Textile Museum en Londres.

“I grew up as a businessman despite having an artist’s soul,” Pegraglio says at the age of 48, reminiscing about when, at an early age, he took charge of the family business. His beginnings in the livestock industry, where he had large responsibilities that profoundly shaped his spirit, sowed a seed of curiosity and of searching for the meaning of life, which he explores in all imaginable ways. Thus, a mere 10 years ago, he started to create artwork in a completely self-taught manner, thanks to the free time his work allowed him to have. During the very first years of his artistic practices, he made large-scale paintings with textured surfaces where, alongside color, organic elements from nature such as tree branches were featured and merged into the canvas. Immediately after, thanks to or due to his connection to the textile world, he discovered thread and that triggered a whole new and powerful creative process that has led him to exhibit all over the Americas and even at the Fashion and Textile Museum in London.

El hilo sustituye en la obra de este escultor el material para pintar. Fuertemente influenciado por el cinetismo, su investigación y experimentación con los materiales, el volumen y el espacio lo llevan a las es-

In this sculptor’s work, thread replaces paint as the raw material. Strongly influenced by kinetic art, his research and experimentation with materials, volume and space have resulted in his airborne sculptures,

imeño de nacimiento, Jesús Pedraglio materializó sus inquietudes artísticas de manera considerada por algunos, e incluso por él mismo, tardía. Una vida marcada por intensas y muy diversas experiencias personales y profesionales se refleja en su obra, que no es sino una constante búsqueda del Camino. El hilo, como no podía ser otro el medio elegido, es trabajado e interpretado de mil maneras y a través de materiales improbables. El espacio es el marco en el que se asienta esta investigación y su principal inspiración a la hora de transformar elementos como el nylon o el cobre, acogiendo esculturas aéreas con ritmo, movimiento y composición.

orn in Lima, Jesús Pedraglio was, according to both himself and many others, a little late to materialize his artistic interests. A life shaped by very diverse and intense personal experiences is reflected in his work, which is nothing other than a constant search for a path. Thread, his chosen material, is worked and interpreted in thousands of ways with other improbable materials. Space provides the frame for him to carry out his artistic explorations and it is also his main inspiration when transforming elements such as nylon or copper to create airborne sculptures with rhythm, movement and composition.


Vana ilusiĂłn, 2018, tĂŠcnica mixta, ensamblaje, hilo de nylon y cobre, 110 x 110 cm.


Nudo 1, 2018, nudo, hilo, nylon y cobre, 160 x 40 cm.


Seducción del espacio, 2017, técnica ensamblaje, 140 x 140 cm.


culturas aéreas, estructuras colgantes que aparecen como cuadros tridimensionales rebotando a la vista en el espacio. Hilos de algodón, de nylon, de cobre. Su obra presenta siempre una dimensión geométrica que deriva de lo orgánico y se funde en el espacio. La comparación con su compatriota Jorge Eielson (Perú, 1924-2006) es algo que asume y respeta, en muchos aspectos se siente identificado, pero tiene muy clara la diferencia en el enfoque de ambas búsquedas. Pedraglio se considera menos terrenal y su creación una forma de poesía más energética.

hanging structures that seem like three-dimensional paintings jumping out in the space. Using cotton, nylon and copper thread, his work always has a geometrical dimension that stems for the organic and melts into the space. The parallel drawn between his work and his fellow countryman’s Jorge Eielson (Peru 1924-2006) is something he accepts and respects. He relates to him in many ways, but he is fully aware of the differences between their two approaches. Pedraglio regards himself as less earthly and his creation to be more like a sort of energy poetry.

Es imposible para el espectador no conectar con la creación de Jesús. Los volúmenes, los colores y la fuerza del movimiento del hilo en el espacio enseguida atraen y conmueven. Las esculturas están cargadas de simbolismo y translucen la fuerza creadora de cada instante, “me gusta crear algo que no existía” nos dice una noche desde el jardín de su casa en Lima. Sin embargo, cuando nos detenemos a observar y sentir el movimiento del hilo podemos percibir la fuerza de la emoción. Un sentimiento tan fuerte que solo puede plasmar quién ha vivido intensamente momentos de sufrimiento, que ha sabido abrazarlos, examinarlos y dejar que siguieran su curso natural, para después tratar de entenderlos. Lo que sobrevino en su vida de manera casual se convirtió en el punto de partida de una búsqueda filosófica, desde Sócrates o la Biblia a ramas del pensamiento oriental. Perú es un país multicultural con fuertes influencias de Europa o el Sudeste Asiático entre otros, lo que llevó a este artista a viajar extensamente y estudiar con maestros zen e hinduistas, que le proporcionaron las herramientas para avanzar en su búsqueda y la confianza en sí mismo para ser capaz de reconocer cuándo hallaba lo que buscaba. Este proceso que comenzó en los treinta lo ha llevado, 20 años después, a ser uno de los artistas de creación más sólida y reflexionada.

It’s impossible for the viewer not to relate to Jesús’ work. The volumes, colors and the power of the thread’s movement in the space immediately attract and move the audience. The sculptures are charged with symbolism and reveal the creation force of every moment. “I like to create things that didn’t exist before,” he told us one night from his garden in his home in Lima. However, when we stop to see and feel the movement of the thread, we can perceive the strength of the emotion. This strong feeling can only be captured by someone who has lived through intense suffering and has known how to embrace it, examine it and leave it to run its course, to try to understand it later. What came into his life rather casually became the starting point of a philosophical quest, passing through Socrates or the Bible and different branches of Eastern thinking. Peru is a multicultural country with strong European and South East Asian influences, which led the artist to travel extensively and study under Zen and Hindu masters that provided him with the tools to advance in his search and the confidence in himself to recognize when we found what he was looking for. This process that started when he was 30 years old, has been very fruitful: 20 years later, he is now one of the artists with the most substantial and analyzed production.


De la negra 17,000 vueltas, 2018, técnica mixta, ensamblaje hilo textol, 180 x 50 cm.

Solemio, 2018, técnica mixta, ensamblaje, 190 x 50 cm.


JOAN JIMÉNEZ (ENTES)

LIMA - PERÚ

HACIA UNA INTERPRETACIÓN DE LA IDENTIDAD PERUANA TOWARDS A SEARCH FOR IDENTITY Daniel G. Alfonso. Teórico del arte (Cuba). Imágenes cortesía del artista.

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Contemplaciรณn en San Juan de Lurigancho, 2018, collage, acuarela sobre papel, 130 x 235 cm.


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En la actualidad, época de la postmodernidad, donde todo está permitido y existen licencias para que todo sea considerado arte, Perú cuenta con grandes creadores en todas las disciplinas. Sin embargo, el mercado de la pintura sigue reclamando cada vez más la representación de su pasado histórico social y cultural; estamos en un momento en el que se deben generar discusiones en torno a la identidad y el rescate de la misma. En esta búsqueda encontramos en la visión de Joan Jiménez (Entes), una mirada diferente y renovadora; su obra, cual registro antropológico, ha evolucionado desde sus inicios hasta el día de hoy. Él observa a su pueblo, su gente y su pasado desde adentro. No lo hace asomándose a una ventana, sino que se observa en el espejo y aprecia toda una tradición peruana que le antecede.

In our post-modern era where everything goes and the notion of art has become broader, Peru has produced great creators in all disciplines. However, the realm of painting is increasingly trying to salvage its historic socio-cultural past. We are going through a stage where discussions surrounding identity and salvaging it have been put on the table. In this search, we have found Joan Jiménez’ (Entes) vision, a different and refreshing perspective. His work, like an anthropological record, has evolved from the beginning of his career to this day. He makes observations about his people and its past from the inside. But unlike a simple onlooker watching from a window, he looks himself in the mirror and sees all the Peruvian tradition that preceded him.

Joan Jiménez, en su defensa de la pintura y el grafiti, teje sus propios procesos creativos basándose en la mixtura de lenguajes, en la extrapolación de medios, en la yuxtaposición de temáticas (siempre prevaleciendo la figuración) y en una búsqueda incansable de otros soportes para sus intervenciones. Su producción está permeada por el buen acabado y por presentar un resultado final limpio, cada pieza puede ser considerada como una escenografía bien diseñada en la que trabaja para que el espectador posea una mejor comprensión de su proceso creativo. En su haber encontramos collages, obras con luces de neón, grandes instalaciones, dibujos y grabados, es decir, hablamos de una versatilidad que nos hace ver un estilo muy personal y a su vez nos permite revisar un conjunto de obras irrepetibles en cuanto al tratamiento técnico y los soportes abordados.

Joan Jiménez, in his advocacy for painting and graffiti, weaves his own creative processes based on a combination of languages, an extrapolation of the media, a juxtaposition of subjects (figuration always prevailing) and ceaseless exploration of different supports for his interventions. His production is graced with a great finish and a clean final result, each piece can be considered as a well-thought-out stage which he works to help the viewer have a better understanding of his creative process. His body of work encompasses collages, neon light pieces, largescale installations, drawings, and prints. Hence, all this versatility demonstrates a very personal style that simultaneously lets us appreciate an ensemble of unique pieces in regards to techniques and supports.

Entonces, vemos cómo sus intereses giran en torno a problemáticas sobre el ser humano, sus circunstancias y sus propios motivos interiores. Su poesía visual establece y posee puntos de contactos entre el arte clásico, la modernidad y la contemporaneidad; cada una de sus intervenciones

Moreover, we see how he is interested in issues surrounding humankind, their circumstances and his own inner motives. His visual poetry establishes contact points between classic art, modernity and contemporaneity. Every one of his visual interventions, regardless of the

n el Perú la historia es un poco diferente. Desde inicios del siglo XX muchos fueron los artistas que trataron representar en sus obras una consciencia nacionalista, tal es el caso de José Sabogal y su fervorosa defensa de una “pintura de indios” como denominara el crítico de arte Mirko Lauer. Él, junto a otros como Alejandro González (Apurímak), Enrique Camino, Julia Codesido y Sérvulo Gutiérrez, buscan plasmar en sus telas el encuentro del indio con su entorno, con su país. Desde los años 20 hasta mediados de los 70 esta corriente tuvo sus altas y bajas, más bajas pues producir una nueva imagen verosímil del universo andino se tornó complejo para los pintores peruanos.

n Peru, history is a bit different. Since the early 20th century, many artists have tried to represent a nationalist stance in their work. Such is the case of José Sabogal and his fervent advocacy for “indian paintings,” as was coined by the art critic Mirko Lauer. He, together with others such as Alejandro González (Apurímak), Enrique Camino, Julia Codesido and Sérvulo Gutiérrez, have sought to capture natives discovering their environment and their country in their canvases. From the 20s to the mid-70s, this trend had its ups and downs. The lows prevailed, however, since creating a new realistic image of the Andean universe became a complex exercise for Peruvian paintings.


La espera en San Juan de Lurigancho, 2018, collage, acuarela sobre papel, 140 x 140 cm.


plásticas, en cualquier soporte, muestra una cosmogonía única que apela a jugar con los sentimientos y con las vivencias del propio receptor.

support, showcases a unique worldview that appeals to the viewer’s own experiences and feelings.

Revisitar el pasado es como una constante, es un elemento que le permite establecer reflexiones sobre lo que sucede en el presente. El futuro para Entes es un camino fortuito y aleatorio, los sueños nos encauzan y la perseverancia como un aspecto para lograrlos.

Revisiting the past is a recurrent theme, an element that allows him to offer a reflection of what is currently happening. For Entes, the future is a random and fortuitous path, our dreams guide us and perseverance allows us to fulfill them.

La producción de este creador siempre está en constante renovación, experimenta hasta el cansancio al interior de cada una de las series que trabaja. Sus raíces se hallan en el arte y sin este factor se siente un hombre perdido. La esencia principal de sus creaciones se encuentra en su contexto haga lo que haga.

This creator is constantly reinventing himself, he experiments to the verge of exhaustion within every series he works on. His roots lie with art and without it, he’d be lost. The main essence of his creations reflects his contexts, regardless of what he does.

Todo su recorrido en el panorama de las artes visuales le ha permitido llegar hasta sus nuevas representaciones, sus contradicciones, paradojas, obsesiones y conflictos internos que experimenta día a día se manifiestan en cada pieza que asume. Cada una son el reflejo de una misma situación que nos identifica como seres humanos ambivalentes, capaces de amara y odiar, de llorar y reír, de olvidar y recordar durante toda la vida. Son obras de un período pasado que él logra insertar en la actualidad, es su pasado puesto en el presente.

All of his journey in the visual art world has allowed him to get to his new representations, his contradictions, paradoxes, obsessions and the inner conflicts that he experiences on a daily basis and that are manifested in every piece he produces. Each one is a reflection of a situation that relates to us as ambivalent human beings, capable of loving and hating, crying and laughing, forgetting and remembering all throughout life. The pieces belong to a past era, yet he manages to insert them in our current era, his past is brought to the present.

En todo el proceso de actualización, Entes, ahora sale a las calles de Lima y selecciona paredes en edificios abandonados; entra de forma ilegal (gesto de la estética del grafiti) e interviene el espacio seleccionado; usa sus espray y le otorga una visualidad diferente al muro, sin embargo, la obra no queda para decorar el inmueble en deterioro, sino que mediante la técnica del strappo él retira un fragmento (lo que le interesa rescatar) de la superficie creada. Con ello, Entes le otorga nuevos significados y significantes al arte urbano. Estas extracciones –como el las denomina– se muestran en galerías y museos como parte de una memoria personal y colectiva y de un pasado que les pertenece a todos. Acciones que lo ha llevado, también, a construir muros a partir de pancartas y propagandas encontradas en las calles de su ciudad, las que unifica y logra armar una nueva historia de su nación. Historias que son acompañadas de personajes populares de Lima en diversas acciones.

In this process of renewing himself, now Entes goes onto the streets of Lima and selects walls in abandoned buildings. He enters illegally (which is a common practice in the world of graffiti) and he intervenes the selected space using spray paint to make the wall look completely different. However, the piece doesn’t just simply stay there to decorate the neglected building, because he extracts a fragment of it using a technique called strappo. That way, he takes what he really wants to salvage from the piece. Through his gesture, Entes is providing a new meaning to urban art. These extractions –as he calls them– are shown in galleries and museums as part of a personal and collective memory of a past that belongs to everyone. This has also led him to build walls with billboards and advertisements found on the streets of the city, which he combines to narrate a new story about his nation, stories that are filled with popular characters in Lima performing different actions.

Es la nostalgia que se descubre al interior de cada una de sus piezas, es una experiencia vivida por Joan Jiménez pero que puede ser apropiada por nosotros. Es traer a personajes cotidianos, recordar que parte de su historia, a que converse con nosotros, que dialogue, que comparta sus tradiciones, que hablen de su sociedad.

This nostalgia can be found in every piece, it’s an experience lived by Joan Jiménez that can be experienced by all of us. It’s about daily characters, remembering they are part of our history, speaking to them so they can share their traditions and speak about their society.


Abstracto Chicha, 2018, grafiti, collage sobre pared, 115 x 100 cm.


COLECCIONISMO / COLLECTING

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E L L A F O N TA N A L S - C I S N E R O S LA HABANA - CUBA

Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile). Imágenes cortesía de Ella Fontanals-Cisneros.

El año que viene, 2019, tendremos una exhibición durante la feria de ARCO. ARCO presenta como país invitado a Perú. Es por esto que me ha parecido interesante desarrollar este proyecto junto con coleccionistas, como yo, que tienen interés en apoyar a los artistas de su propio país.

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u nombre aparece en las portadas continuamente, genera prensa, ruido y llamaradas entre los artistas y galeristas cuando pasea por las ferias de arte, sobre todo cuando adquiere una nueva pieza. Durante los años 70 comenzó a coleccionar obras de arte, cuando abrió una galería en Caracas, Venezuela. Desde ahí no ha visto descanso apoyando a artistas, comprando, exponiendo y, sobretodo, a través de CIFO (Cisneros Fontanals Arts Foundation). En este momento su colección cuenta con más de 2.500 obras que contemplan trabajos de grandes maestros latinoamericanos como Vik Muniz, Lygia Clark y Jesús Rafael Soto, junto a artistas como Ai Weiwei, Olafur Eliasson y Barbara Kruger.

er name is constantly being featured in magazine covers. She has captured the attention of the media and has made a fuss among artists and gallery owners, especially when she strolls around art fairs and acquires a new piece. In the 70s she started to collect artwork and opened up a gallery afterwards in Caracas, Venezuela. Since then, she has ceaselessly supported artists, buying and exhibiting their work, namely through CIFO (Cisneros Fontanals Arts Foundation). As of today, her collection compiles over 2,500 pieces that include work by great Latin American masters such as Vik Muniz, Lygia Clark and Jesús Rafael Soto, as well as international artists such as Ai Weiwei, Olafur Eliasson and Barbara Kruger.

Su intensa vida no tiene límites, en este momento está preparando una exposición junto a cuatro coleccionistas peruanos en ARCO, para apoyar a artistas de la misma nacionalidad en la feria más importante de España, ya que Perú es el país invitado. A su vez, está

Her intense life knows no boundaries. Currently, she is working on an exhibition with four other Peruvian collectors for ARCO, the most important Spanish fair, to support local artists in because Peru has been invited as a guest country. Simultaneously, she is involved in a


Cortesía Ella Fontanals-Cisneros. Foto: Mauricio Donelli.

Next year, in 2019, we will exhibit at the ARCO art fair. ARCO is showcasing Peru as a guest country. For this reason, I thought it would be interesting to develop this project alongside other collectors, who have an interest in artists from their native country.

involucrada en un proyecto que conjuga arte y arquitectura, “que promete ser muy novedoso y especial, que se desarrollará en Miami”, explica Ella. A continuación nos cuenta un poco más sobre cómo gestiona su colección y los planes que tiene a futuro.

project that merges art and architecture, which “promises to be very novel and special to be developed in Miami,” Ella explains. In the following interview, she tells us more about managing her collection and future plans.

¿Cómo conoces nuevos artistas o nuevas obras de arte? A veces a través de galerías. Muchas veces por las distintas exhibiciones de las que participo y otras veces porque ellos mismos se acercan a mí. Todas estas son diferentes oportunidades para conocer a nuevos y jóvenes artistas.

How do you learn about new artists or artwork? Sometimes through galleries. Many other times through the different exhibits I take part in, and other times the artists themselves approach me. All these are new opportunities to meet new young artists.

¿De qué manera adquieres obras, o en qué lugares? Depende. Voy a ferias y compro mucho en ferias, pero también estoy siempre en contacto con personas de distintas localidades que conocen mucho mi colección; personal, galeristas y dealers que me contactan cuando saben que hay una obra específica que sería importante para la Colección.

How do you acquire pieces and where? It depends. I always go to fairs and purchase a lot of things, but I am also always in touch with people from different places that know my collection well, so sometimes either staff, gallery owners or dealers contact me when they learn about a specific piece that could be important to the collection.


¿Cuántas obras adquieres por año? Depende del año. Algunos años adquiero más obras que otros. Este año, por ejemplo, he comprado menos porque ha habido cambios en la Colección, en la manera de exhibirla e inclusive a nivel de logística. CIFO también ha cambiado de rumbo. Todo esto ha llevado a que me enfoque en el proceso de las donaciones que estoy realizando, al igual que en evaluar lo que ya tengo y hacia dónde voy. Ha sido un año de análisis. Hubo un año en el que compré alrededor de 440 obras cubanas porque estaba enfocada en cerrar una parte de la Colección que era importante en ese momento. Cada año es diferente.

How many pieces do you acquire yearly? It depends on the year. Some years I purchase more pieces than others. This year, for instance, I’ve bought fewer pieces because the collection has undergone some changes, in the way it’s exhibited and even logistically. CIFO has also changed direction. All of this has led me to focus on the donations I’m making and assessing what I already have and where I’m going. It has been an introspective year. There was a year where I bought around 440 Cuban pieces because I was set on rounding up a part of the collection that was important at the time. Every year is different.

¿Cuáles son los criterios que rigen tu colección? Podemos destacar diferentes áreas de la Colección. Una parte es la abstracción geométrica latinoamericana. Se trata de una colección dentro de la colección. Es muy específica e importante porque, además, es mi pasión y gran parte de lo que me interesa muchísimo dentro del arte. Después, existe una gran cantidad de video y fotografía. Sobre todo fotografía arquitectónica, algo que siempre me ha interesado y que exploré por mucho tiempo. También hay una sección de fotografía modernista latinoamericana, que surgió a raíz de una investigación. En un momento dado, tenía muchísimas fotos, pero no tenía fotografías de toda una etapa muy interesante. Entonces se hizo esta investigación, con la cual siento que pude acercar al público una nueva noción y visión de un área interesante. La Colección va tomando sus formas de acuerdo a las diferentes líneas que tiene y yo compro o busco arte dentro de cada nicho que responde a las áreas dentro de la Colección.

What criteria rules your collection? Several parts of the collection have different criteria. One part is devoted to Latin American abstraction, a collection within the collection. It’s very specific and important because it’s what I am passionate about and a great portion of what interests me about art. There is also a large compilation of videos and photography, namely architecture photography, which I have always been interested in and have explored for a long time. Moreover, there’s a section on modernist Latin American photography that came to be after a research process. In a given moment, the collection had many photographs, but it had none of that very interesting movement. That’s why the research was conducted, through which I believe I brought the audience closer to a new notion and vision of an interesting area. The collection is shaped according to its different lines and I look for and purchase art that falls into such areas of the collection.

¿Participas en ferias o bienales de arte? ¿Cuáles? ¡Por supuesto! Participamos constantemente en distintas ferias y bienales, en las que además ayudamos a muchos artistas. No sólo yo como coleccionista, sino también la Fundación CIFO. El año que viene, 2019, tendremos una exhibición durante la feria de ARCO. ARCO presenta como país invitado a Perú. Es por esto que me ha parecido interesante desarrollar este proyecto junto con coleccionistas, como yo, que tienen interés en apoyar a los artistas de su propio país. Será así, una exhibición formada por tres colecciones peruanas y la mía propia, que presente enteramente artistas peruanos durante la feria.

Do you participate in art fairs or biennials? Which ones? Of course! We constantly participate in different art fairs and biennials, and I also support a lot of artists through them, not only as a collector, but also through the CIFO Foundation. Next year, in 2019, we will exhibit at the ARCO art fair. ARCO is showcasing Peru as a guest country. For this reason, I thought it would be interesting to develop this project alongside other collectors, who have an interest in artists from their native country. The exhibit will thus include three different Peruvian collections and my own, which will only feature Peruvian artists in the fair.

¿Compras obras como inversión para luego venderlas? Nunca compro obras para luego venderlas. Muy rara vez hago eso. No es exactamente mi propósito el comprar obras para vender. Cuando vendo una obra es porque no tiene sentido dentro de la colección y no con la motivación de hacer una inversión.

Do you purchase pieces as an investment and sell them afterwards? I never buy artwork to sell it later. I rarely do that. It’s not my intention to purchase artwork to sell it. Whenever I sell a piece, it’s because it doesn’t make sense within the collection, but it is not my intention to make a profit.

¿De qué manera las donaciones de obras han servido a la misión de tu colección? Siempre ha habido donaciones respondiendo a mis principios de filantropía, y con esto, el dar a conocer a los artistas y, por supuesto, apoyar el arte latinoamericano dentro de las instituciones y museos. En este momento, como ya lo sabe el público, estoy enfocada en una gran donación que voy a hacer para un nuevo museo en la ciudad de Madrid. Parte de la colección latinoamericana estará dedicada a ese museo. Yo creo que para nosotros los latinoamericanos, esto es importante. Cuando

How have the pieces you donated served your collection’s mission? I have always donated pieces because it aligns with my philanthropic principles, through which I can make artists known, support Latin American art in institutions and museums. Right now, as the public already knows, I’m focused on making a large donation for a new museum in Madrid. Part of the Latin American collection will be donated to this museum. I think that for us Latin Americans, this is important. When I


Obra de Gustavo Pérez Monzón. Vilos, 1981/2015. Instalación. Hilo elástico. Piedras y alambre. Foto: Cortesía The Ella Fontanals-Cisneros Collection.

yo hago este tipo de donaciones abro una puerta para que haya un ejemplo y que otros como yo hagan esas donaciones que son tan necesarias para que nuestro arte esté presente en cada uno de los museos alrededor del mundo.

make this sort of donation, I’m trying to set an example, so others also make donations, which are so necessary for our art to be present in every museum around the world.

¿Cuál ha sido la recepción del medio frente a las donaciones? Creo que el poder inaugurar un museo Latinoamericano en España abre las puertas a muchos artistas latinoamericanos y colecciones que harán presencia física en Madrid y también abrirá una puerta para que Europa conozca nuestro arte, nuestra cultura.

What has been the reception towards these donations? I think being able to inaugurate a Latin American museum in Spain opens up the door for many Latin American artists and collections that will be featured in Madrid and also for Europe to learn about our art, our culture.

¿Se ha cumplido lo esperado? En este momento estamos todavía en el proceso de firmar los acuerdos con el gobierno español, lo cual hasta ahora no ha sido posible por las diferentes problemáticas políticas que España ha sufrido en los últimos tiempos. Esto ha ido posponiendo poco a poco el acuerdo que se debió firmar hace casi un año. Vamos a ver si se concreta a fin de año y entonces podremos decir que hemos llegado a un acuerdo.

Have you accomplished what you set out to do? We are still in the process of signing agreements with the Spanish government, which hasn’t been possible due to the different political issues that Spain has gone through in recent times. This has slowly delayed the agreement that should have been signed almost a year ago. Hopefully, the papers will go through by the end of the year and we will be able to say we’ve reached an agreement.

¿Qué piensas hacer con tu colección a futuro? Gran parte de la colección latinoamericana no solamente irá al museo que se abrirá en España, sino que también será una contribución hacia otros museos. Esto es algo que actualmente estamos analizando ¿El resto de la colección? Bueno, también tengo una familia e hijas que se harán cargo de la colección que heredarán cuando yo ya no esté aquí.

What do you plan to do with the collection in the future? A large portion of the Latin American collection will go to a museum that will be opened in Spain, and another part will be donated to other museums. It’s something we are currently considering. And the rest of the collection? Well, I have a family and daughters that will inherit and take charge of the collection when I’m no longer here.


GALERÍAS / GALLERIES LA GALERÍA Conde de la Monclova 255, San Isidro L i m a 2 7. P e r ú Tlf: 511 422 109 9 - 511 222 3736 lagaleriadesanisidro@gmail.com lagaleriaperu.com.pe

KLAUS STEINMETZ ARTE CONTEMPORÁNEO F o ur S e a s o n s P ap a g ay o R e s o r t, M ain Lo b b y, Guanacaste, Costa Rica. T l f : ( 5 0 6 ) 2 2 8 9. 5 4 0 3 / ( 5 0 6 ) 2 2 2 8 . 0 5 9 8 w w w. k s t e i n m e t z . n e t / i n f o @ k s t e i n m e t z . n e t

A N I N AT G A L E R I A

Building Bridges Art Exchange

Alonso de Córdova 4355, Vitacura, Santiago, Chile. Tlf: +56 22 4819870 w w w.g a l e r i a i s a b e l a n i n a t .c o m contacto@galeriaisabelaninat.cl

2525 M i c hi g an Ave B uil din g F2 Santa Monica, CA , 90404. T lf: 0 01-3107 701961 w w w.b u i l d i n g b r i d g e s a r t exc h a n g e.o r g buildingbridgeax@gmail.com

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GALER ÍA ARTES PAC I O

C a l l e 9 # 2- 4 0 E s t e , C a n d e l a r i a . Centro Histórico, Bogotá, Colombia. T l f : 57 3 1 0 8 8 0 3 4 67 / 57 3 1 5 3 3 9 0 0 15 w w w.i n d i a n a b o n d g a l l e r y.c o m

Alonso de Córdova 2.600, Pisos 1 y 2, Vitacura, Santiago de Chile Tlf: + 56 2 2206 21 77 w w w.g a l e r i a a r t e s p a c i o.c o m

IK PROJECTS GALERIA

F A C T O R Í A S A N TA R O S A

A v. M a r i s c a l L a M a r 1 2 6 5 M i r a f l o r e s , Lima, Perú. Te l é f o n o : + 5 9 1 3 3 3 9 6 6 2 6 / + 5 9 1 6 5 8 9 8 3 8 6 w w w . i k- p r o j e c t s . c o m

Santa Rosa 2260, Santiago, Chile. Tlf: +56 22 55 68 036 w w w.f a c t o r í a s a nt a r o s a.c l contacto@factoriasantarosa.cl

K I O S KO GA LE R Í A

JACOB K ARPIO GALERÍA

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C a l l e 72 a N º 2 2- 8 0 , Tlf: 3213 8 011 / 3215797 717 ram e sh10.c r @ gm ail.c o m nestorgarciaroa@gmail.com

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Gachi Prieto

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Uriar te 1373, Palermo, Capital Federal, B u e n o s A i r e s , A rg e nt i n a, C P 1414. T l f : + 5 4 1 1 47 7 4 6 6 5 6 w w w.g a c h i p r i e t o.c o m info@gachiprieto.com

PABELLÓN 4 ARTE CONTEMP ORÁNEO

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GALERÍA LU ME

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JEANNETTE CANALE

Dubai 6 - 2 3 F e b re ro 2 019 Andakulova Gallery

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Revista AAL EDICIÓN ESPACIAL 94  

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