Periódico Arte al Límite_MAYO 2013_ed_92

Nº 92 MAYO 2013

SANTIAGO DE CHILE

DISTRIBUCIÓN GRATUITA

La fotografía: un arte Panorama de la fotografía contemporánea chilena: análisis, debates y miradas de un campo en creciente desarrollo en nuestro país.

Cecilia Avendaño

Atelier Mendini

La artista nacional está pronta a inaugurar en España. Conocimos su taller y los procesos de creación de sus enigmáticas fotografías.

Interesante retrospectiva del trabajo de los hermanos Alessandro y Francesco se presenta por primera vez en Sudamérica.

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Ana María Matthei directora • Ricardo Duch director • Cristóbal Duch asesor comercial • Catalina Papic directora de arte Camila Duch proyectos culturales • Kristell Pfeifer editora general • Paulina Sepúlveda encargada de prensa Juan Yolin periodista • Yael Vaisbuch diseñadora gráfica • Josefa Parada diseñadora • Ángela Basch practicante de periodismo Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos • Ennio Bucci crítico • Enrique Solanich crítico • Pedro Labowitz crítico Benjamín Duch asesor • Jorge Azócar asesor • Ignacio del Solar asesor • Julio Sapollnik asesor Bernardita Garib escritora y artista • Valentina Acuña periodista • Sara España periodista Lucía Rey profesora de artes plásticas, magíster en teoría del arte • Mireya Guzman periodista

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EDITORIAL

El Valor de una copia

S

i bien la noción de matriz y copia está presente en la historia

En este número quisimos ahondar en la fotografía como arte en Chile,

de la humanidad desde hace más de tres mil años, es recién

conociendo cuáles han sido las dificultades por las que ha atravesado

durante el Renacimiento que esta técnica comienza a

esta técnica, que recién comienza a vislumbrarse y establecerse como

considerarse como una forma artística en sí misma por sobre un

arte en sí misma, a punta de esfuerzo y trabajo de artistas que muchas

mero medio de comunicación. La posibilidad de hacer varias copias

veces son reconocidos en el exterior antes que en su propio país.

de un mismo original se vio infinitamente ampliada durante el

Vemos el caso de quienes han encontrado en el extranjero el apoyo

siglo XIX, al desarrollarse la técnica fotográfica, lo que permitía

que en Chile no tuvieron y han decido que para desarrollar sus carreras

tener cuantas copias se desearan y a una velocidad relativamente

como artistas es necesario hacerlo desde afuera. Averiguamos cómo

aceptable. Es durante esta misma época que ambas comienzan

el campo fotográfico se ha ampliado en los últimos años, abriendo

a experimentar un acelerado crecimiento, con grabadores que

pequeñas ventanas, pero donde todavía quedan bastantes que están

llegaron a imprimir tirajes de miles de ejemplares de sus obras,

cerradas. Es el lento surgimiento y despertar de un campo hasta hace

lo que sucedería años más tarde con la fotografía.

algunos años casi inexistente en nuestro país.

Es esta reproducción mecánica lo que a ojos de algunos ha restado

Para continuar con nuestra temática principal y como una forma de

valor a este tipo de técnicas, incluida incluso la escultura, que

salirnos de los pensamientos preestablecidos, dedicamos esta vez

también en algunos casos permite sacar varias copias a partir de

nuestra sección En el taller también a la fotografía. Queremos ampliar

un original. Esto le ha valido críticas a reconocidos artistas, como

el concepto de “taller de artista” y mostrar cómo existen hoy también

al discutido Salvador Dalí, quien ha sido tildado de “comerciante”

talleres digitales, espacios que se alejan de la noción clásica pero que son

producto de sus decenas de grabados con cientos de copias cada

igualmente primordiales para el resultado final de una obra. También en

uno. El valor de una pintura es entonces muchas veces entendido

este número revisamos a destacados fotógrafos nacionales, cerrando así

como superior, al saberse que quien la tiene posee algo único e

una edición íntimamente ligada al desarrollo de nuestro arte fotográfico.

irrepetible. Pero, ¿es la unicidad lo que le da valor a una obra? ¿Por qué a algunas técnicas artísticas les ha sido más difícil ser

Esperamos que disfruten esta nueva edición de Arte Al Límite

consideradas como tal en relación a otras?

tanto como nosotros.

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SUMARIO 6. Fotografía: Un Arte I 14. "Vivo del Mecenazgo" I 16. Empresas en el Arte I 20. Perfil Arte I 22. Críticas I 26. Panoramas I 30. Rodrigo Arteaga I 32. Atelier Mendini I 34. Carla Monforte I 35. Alfred Exss I 36. Perfil Arte I 38. 10 Años Arte Al Límite 40. En el taller I 42. arteBA I 46. Perfil Arte I 47. Frente a Frente

Empresas en el arte Distintas marcas en Chile y en el extranjero se atreven a innovar de forma diferente.

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“Vivo del mecenazgo” 14

Pocos artistas pueden decir esta frase.

Conocimos a uno que sí.

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REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. • VENTAS info@arteallimite.com, ventas@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN marketing@arteallimite.com • FONO - FAX 2 955 32 61 • WEB www.arteallimite.com FACEBOOK facebook.com/arteallimite • TWITTER @Arte_Al_Limite PORTADA Margarita Dittborn, detalle de Latente 1, 2013, fotomontaje digital, 110 x 110 cm. Fotografía expuesta próximamente en la muestra Alegorías de dolor propio, Centro de Extensión de la Universidad de Los Andes..

IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile.

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Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

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REPORTAJE

Panorama de la fotografía contemporánea en Chile

fotografía

un arte Si bien la fotografía en nuestro país ha logrado instalarse en la escena artística con todos sus meritos, aún persisten ciertos vacíos de campo que obstaculizan su desarrollo. El reciente cierre de Galería 64 es un ejemplo tristemente célebre que demuestra la inexistencia de un circuito de coleccionistas y la preocupante falta de cultura en torno a la obra fotográfica nacional.

Por Juan Yolin.

Imágenes cortesía de los artistas, Galería NegPos y Productora Plaza Espectáculos.

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• Denise Lira-Ratinoff, detalle de "Ice 05", de la serie Glaciers, impresión cromogénica, dimensión variable.

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N

o cabe la menor duda de que en nuestro país hay excelentes fotógrafos que han logrado traspasar las fronteras, como es el caso de Jorge Brantmayer, Paz Errázuriz, entre otros.

También hay escuelas de fotografía que cuentan con profesores que la proponen desde una discusión más relacionada con los aspectos y complejidad de la imagen que con su capacidad técnica. Pero así y todo queda la sensación de que la fotografía aún se encuentra un paso más atrás que el resto de las ramas del arte.

Ya van dos semanas desde que Galería 64 cerró sus puertas.

Esta sincronía de acontecimientos es un buen punto de partida para reflejar los problemas por los que atraviesa la fotografía en el contexto nacional: dificultad para generar espacios de exposición y venta de obras que perduren en el tiempo; carencia de una cultura transversal sobre los aspectos de la fotografía nacional y la inexistencia de un circuito de coleccionistas.

Brevísima historia de la fotografía chilena en el s. XX La historia de la fotografía contemporánea empieza en los años 50’ de la mano de fotógrafos como Antonio Quintana y Sergio Larraín. El primero fue un autor que dejó atrás los años de fotografía costumbrista y pintoresca para dar paso a los retratos del campesinado chileno, poniendo en valor al hombre trabajador y otorgándole dignidad. El segundo, quien fuera representante de la prestigiosa agencia Magnum en Chile y que falleció hace poco más de un año, fue el primer fotógrafo en internacionalizar una obra que aportaba una profunda mirada sobre los niños en situación de calle.

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considerada en el ámbito de los museos y las galerías, lo que hace que su práctica genere resonancia en la escena internacional.

Y ya en los años 80’, fotógrafos entre los que se cuenta a Paz Errázuriz crean la Asociación de Fotógrafos Independientes de Chile (AFI). Dada las condiciones políticas y sociales de la dictadura, la fotografía documental adquiere una relevancia crucial en la denuncia de la represión militar, determinado la producción fotográfica de las generaciones siguientes y consolidando a la fotografía dentro de otros medios de expresión visual.

La visibilidad Andrea Josch es fotógrafa, directora de la escuela de Artes Visuales de la UNIACC y ha participado en diversas instancias que buscaron promover la fotografía en el ámbito nacional e internacional.

Galería AFA, en sus comienzos, se especializó en fotografía y ella fue la curadora de las muestras. En 2005 formó parte de las mesas de trabajo constituidas por Carlos Ramsey en el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, iniciativa dio pie a la primera investigación sobre el estado de la fotografía en Chile y que posteriormente decantó en la creación del área de fotografía del CNCA, uno de los esfuerzos estatales más relevantes de apoyo a la fotografía nacional. Otro proyecto a destacar es la revista Sueño de la Razón, de la que es editora en jefe junto a Luis Weinstein y que ha generado una red de fotógrafos sudamericanos.

Para el fotógrafo Jorge Aceituno, es durante la década de los 60’ y a través de estos dos autores que se marca un hito fundamental en la historia de la fotografía: “En esos años se constituye la primera gran exposición fotográfica en el país llamada El rostro de Chile.

Organizada por Antonio Quintana, esta muestra logra hacer visibles el trabajo de los fotógrafos y otorga una dimensión del país que somos desde las distintas reflexiones de sus autores”, explica.

Para Josch, la desinformación y falta de visibilidad en torno a la fotografía es un problema cultural, donde no se han dado las condiciones para su valorización: “Esta es una técnica que revolucionó la manera que tenemos de comunicarnos con el mundo. Lászlo Moholy-Nagy lo dijo en los años 20’: quien no sepa leer las imágenes será un analfabeto del futuro. Aquí falta pensar la imagen de forma interdisciplinaria, considerando que no solo la leen los artistas, sino también los sociólogos, psicólogos, periodistas; y dado que tantos la ocupan, se puede ampliar como capital cultural”, explica.

A partir de la década del 70’ el escenario fotográfico se desarrolla a partir de diferentes renovaciones artísticas. Como explican Vera Carneiro y Patricia Novoa en su investigación En torno a la fotografía contemporánea en Chile, en esos años se dio un contexto marcado por los cambios culturales, sociales y políticos que hacen que la fotografía logre una legitimidad teórica y artística de carácter internacional. Así, comienza a ser

Desde el CNCA la consigna era la internacionalización. Sin duda, se hizo un buen trabajo que dio sus frutos, pero pronto se toparon con un obstáculo: de poco sirve internacionalizar la fotografía si en el propio país no existe una cultura en relación a la misma. Así, se vuelve necesario partir por los públicos: no basta solo con exportar las obras sino que hay que desarrollarlas adecuadamente en su contexto para que su recepción en otros países sea la esperada.

โ ข Jorge Aceituno, detalle de "Las Meninas", de la serie Con agua de cielo, 2000, emulsiรณn fotogrรกfica, 50 x 50 cm.

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• Paz Errazuriz, de la serie Cuerpos, 2003, fotografía B/N, gelatina de plata, 58 x 72cm.

Otra iniciativa que buscó generar cultura en relación a la fotografía y promover el coleccionismo fue la recientemente cerrada, aunque no acabada, Galería 64. En diez meses de funcionamiento la galería realizó cinco exposiciones con una convocatoria de 17.250 personas. Un resultado exitoso, pero dado su cierre, pareciera que no lo suficiente.

Hoy Galería 64 sigue vendiendo obras a través de su plataforma web y planea su programación en centros culturales mientras busca otra locación para establecerse. Para su directora, la fotógrafa y gestora cultural María José Merino, el proyecto representa una apuesta valiente ya que trabaja con un mercado o nicho específico más vinculado con las artes visuales. “Lamentablemente, con la cantidad de dinero que manejan las clases medias y altas de Chile, no se ha dado la cultura del coleccionismo en la fotografía. Esto es netamente falta de educación, pero es cosa de tiempo y más trabajo que tenemos que hacer con las audiencias, instituciones estatales, privadas y los fotógrafos”, cuenta.

Interesante resulta el caso de Patrice Loubon, investigador, curador y galerista francés que se ha dedicado a exponer fotografía chilena en su país y otros lugares del mundo. Recientemente curó la exposición La historia de una foto en la Biblioteca Nacional de Santiago, muestra que reunió a 20 autores de diversas épocas de la fotografía nacional. Para

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• Jorge Brantmayer, "Mauricio Zúñiga, estudiante", de la serie Muchedumbre, 2011, fotografía digital, 120 x 180 cm.

Loubon, la fotografía de nuestro país tiene varias identidades. “No es una fotografía vernácula que tenga solo una tendencia. Hay cosas que son más latinoamericanas, más relacionadas a la cultura antigua como es el trabajo de Zaida González, que tiene que ver con la religión. En general, es una fotografía que considero de nivel internacional”, dice.

Loubon cuenta que la recepción de la fotografía chilena en Europa es positiva, ya que es más conocida allí que en nuestro país. Sin embargo, le parece impactante la falta de conocimiento y lo reducido de los medios disponibles: que no exista una escuela estatal de fotografía, museos especializados ni una diversidad de medios que aborden la práctica fotográfica. Para remediar esta situación, Loubon plantea que el Estado debe introducirse en la justa medida: crear museos que ayuden a la presencia nacional e internacional, generar centros fotográficos regionales e introducir la venta de subastas en la fotografía. “Si Antonio Quintana no es conocido en Chile como fotógrafo de una época, va a ser difícil construir un mercado para lo que viene después. Hay que ver qué es lo que sucede desde el inicio, y así los coleccionistas tendrán que aparecer algún día”, argumenta.

Para María José Merino, fomentar el coleccionismo en torno a la fotografía es equivalente a normar la práctica de compra/venta

• Cristóbal Traslaviña, detalle de Hogar, dulce hogar, 2011, fotografía color, 120 mm.

•Zaida González, detalle de "El merengue", de la serie Le Bagette, fotografía B/N, película de 35 mm. coloreada a mano con lápices acuarelables, 10 x 15 cm.

de imágenes, donde un sistema de certificación (que aún no existe) es clave para asegurar la unicidad y baja reproductibilidad de una obra. “Para que este sistema cultural resulte, el Estado tiene que adquirir y coleccionar mediante sus instituciones el trabajo de los fotógrafos, resguardando la obra y dándola a conocer mediante fichas técnicas serias. ¿Cómo voy a adquirir algo si no lo conozco? ¿Cómo pongo en valor una obra si las instituciones no las adquieren seriamente?”, explica.

Mientras que Zaida González hace carrera en otras latitudes (y no consigue un lugar para lanzar su libro en Chile), otros fotógrafos jóvenes como Cecilia Avendaño viajan a ferias y promocionan su obra. Asimismo, el trabajo de Jorge Aceituno se caracteriza por su excelente factura en el retrato y sus colaboraciones con el artista visual Antonio Becerro. Obras como las de Jorge Gronemeyer, Andrea Josch, Álvaro Hoppe, Tomás Munita, Luis Poirot y tantos otros, demuestran la vigencia de la fotografía.

El diagnóstico

Para Patricia Novoa, fotógrafa y docente de la Pontifica Universidad Católica de Chile, el panorama es alentador: cada vez está más posicionada la fotografía en el mercado del arte, hay una gran cantidad de exposiciones y se invitan fotógrafos consagrados a nuestro país.

“Hay muchos buenos elementos: fotógrafos importantísimos como Luis González Palma han venido a Chile, y los artistas emergentes están muy involucrados con lo que pasa en el exterior. Creo que hay que tener una perspectiva optimista, ya que va muy bien”, cuenta. De la misma forma, Andrea Josch ve con buenos ojos la evolución que ha tenido la fotografía, en especial el auge del foto-libro en el mercado editorial como posibilidad narrativa y poética de mayor alcance. Pero hace la salvedad de señalar que aún no están dadas las condiciones

Por gris que parezca este reportaje, no se puede negar que la fotografía en Chile va en alza, donde ya no tiene sentido hablar de la fotografía al margen de otras expresiones de las artes visuales.

Tomando en cuenta la complejidad de la imagen en cuanto su espesor y democratización, no sería exagerado decir que la fotografía paulatinamente comienza a considerarse en Chile como una forma de arte que tiene tanto mérito como otras expresiones creativas. Un ejemplo de esto es el Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso que ofrece exposiciones, publicaciones, residencias y conversatorios de gran nivel.

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• Jorge Aceituno, detalle de "Sin título", de la serie Aceituno/Becerro, 1997, diapositiva color, impresión digital, 40 x 60 cm.

para generar espacios especializados en la exposición fotográfica: “Aún no es el momento, pero no creo que falte mucho. Habría que levantar autores importantes contemporáneos a nivel internacional para que en nuestro país se tenga en cuenta que eso tiene valor. Hay mucha gente que debe trabajar para que espacios de esa naturaleza puedan autosustentarse.”

A pesar de esto, la fotógrafa Margarita Dittborn apunta a un problema que atañe no tan solo a la fotografía sino a las artes visuales en su conjunto. En su opinión, no se puede pretender que la adquisición de una obra sea una necesidad en sí misma, sino una inquietud por consumir capitales culturales que enriquezcan a la audiencia en un nivel profundo: “El arte está muy sectorizado y los únicos que van a las exposiciones son los amigos artistas, críticos y, en el mejor de los casos, un periodista. El arte debe ser más generoso, seductor, y los textos que se escriben sobre una obra deben ser entendibles para todos. Así se haría un contexto inclusivo donde no se encierre a la obra en una nube de elitismo intelectual”, propone.

Denise Lira-Ratinoff, fotógrafa radicada en Nueva York y que ha logrado posicionar su obra en la escena internacional y el

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mercado de subastas, estima que el foto-libro es un formato sumamente valioso ya que se plantea como un documento histórico que queda en los museos, en tanto son el material bibliográfico de los artistas. “Quiero invitar a todos los artistas a que realicen donaciones al MoMA, International Center of Photography, Guggenheim, Pompidou, etc. Ese es el inicio de una internacionalización de sus obras”, explica.

Y desde una reflexión crítica destaca el texto La imposibilidad de la fotografía en las galerías, escrito por el fotógrafo Luis Salvatierra. En dicho escrito, Salvatierra desnuda una serie de problemáticas en torno a la fotografía y acusa las deficiencias del campo. En su opinión, lo primero que debiera considerarse es impulsar una educación de propiedad estatal, lo más cercano a la gratuidad posible y que se inserte en los niveles más tempranos de la escuela primaria. “Hay que entender que la función del estado es extender la difusión de las artes teniendo en cuenta que no son tan solo una mercancía por la que hay que recibir dinero a cambio de exponerlas. Las calles son un espacio de exposición, y en una nación sin cultura, hay que sacar el arte a la calle”, concluye.

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REPORTAJE

“Vivo del mecenazgo” Si bien los artistas poseen una sensibilidad especial para enfrentarse al mundo, muchas veces carecen de recursos para financiar sus obras. Ante este escenario surgieron hace ya varios siglos los mecenas, pero con el tiempo fueron disolviéndose al aparecer nuevos capitales. De todos modos, aún es posible encontrar algunos vestigios de esta antigua práctica. Aquí un relato de ello.

Por Ángela Basch Q. Imagen cortesía del artista.

h

éctor (Tito) Calderón tiene 52 años y dice que ha sobrevivido toda su vida gracias a sus mecenas; millonarios magnates que, enamorados de sus grabados, le han prestado dinero para que viva, viaje y sobre todo, siga creando. “Los mecenas son como ángeles de la guarda que caen del cielo. Eso, o alguien te lo mandó”, afirma Calderón frente a la extrañeza de ser financiado por un mecenas en la actualidad.

Su primer patrocinador importante fue Harry Recanati: griego, millonario, dueño de varios bancos y fundador de los museos Ralli. Y efectivamente, Recanati lo contactó a él. “Me compró un cuadro, anónimamente. Tiempo después, él mismo me ubicó y siguió financiándome por varios años”, recuerda. Así comenzó una larga relación de cariño entre ambos. Incluso, Calderón recuerda que el empresario le prestó una casa en Candelaria Goyenechea con Alonso de Sotomayor para que pudiera usarla de taller. “Siempre que venía a Chile yo lo visitaba. Él bajaba en bata del segundo piso y mandaba a pedir café y chocolates para que simplemente conversáramos de arte y otras cosas”. El día que su mecenas murió, el grabadista recibió la orden que Recanati había dejado en su museo: debían sacar todos los cuadros de Tito de Chile, pues según él, en este país no entendían su arte.

Calderón se siente igual respecto a la valoración cultural que hay en Chile. Asegura que todos sus mecenas han sido extranjeros por eso mismo. Dice que el arte no le da para sobrevivir ya que el sistema no ampara a los artistas. “Postulé una vez a un Fondart y fue un fracaso. Llené los formularios tres o cuatro veces porque son muy burócratas. Hay que ingresar claves como si

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fuera un banco. Finalmente me rechazaron”, afirma y recuerda las palabras de Eduardo Vilches, maestro suyo en la facultad de arte de la Universidad Católica, durante una revisión de grabado.

“Dijo que en el mundo existen dos tipos de artistas; unos que son especialistas en llenar formularios y ganarse becas y auspicios y otros que no saben –ni sabrán nunca- cómo llenar uno”, cuenta. Él admite ser del último grupo.

El término "mecenas" se remonta al año 70 a.C, en memoria del romano amante de las letras e impulsor de las artes, Cayo Cilnio Mecenas. Justamente en dedicación a su nombre es que se les llama así a los promotores de las actividades artísticas.

Luego, durante el Renacimiento, el término se asentó debido al interés monárquico por las artes. Entre los más destacados de la historia se encuentra la familia Medici, quienes apoyaron a Miguel Ángel, Masaccio, Donatello y Fra Angelino, entre otros. Lo mismo sucedió con Leonardo Da Vinci, apoyado por Francisco I y Diego Velázquez por Felipe IV. Sin embargo, este paradigma con el tiempo cambió; el arte salió de los castillos, se democratizó y también se burocratizó, lo suficiente al menos como para transformar el mecenazgo en uno contemporáneo, conformado por el aparato estatal, múltiples galeristas y el mundo de los privados a través de empresas.

El caso de Tito es de los pocos que quedan de aquel mecenazgo puro en su especie. “El mecenas individual que existía antiguamente, ha sido reemplazado por el mecenas empresarial, que se interesa más bien en proyectos amplios y no por un solo

•Tito Calderón, detalle de Cis-Tema, 2011, lápiz sobre tela, 35 x 52,5 cm.

artista, ya que eso es más riesgoso”, explica el ex Director del Museo Nacional de Bellas Artes y actual profesor del Instituto de Estética UC, Milan Ivelic. “Si entendemos por mecenas una empresa que coloca parte de sus utilidades al desarrollo de la cultura, ese es un mecenazgo para mí. Hay también un incentivo con el tema de la Ley de Donaciones Culturales y el asunto tributario, que no me parece mal”, agrega. Por otro lado, Cristián Antoine, profesor de la Universidad de Santiago de Chile e investigador especializado en temas de patrocinio cultural, habla de un “mecenazgo corporativo”, que contiene intereses en su trasfondo. “Hoy es más habitual ver esto, que está vaciado de la filantropía del modelo del mecenazgo original”, dice.

Calderón, además de Recanati, ha tenido otros. Cuenta que un día, el año 2002, de la noche a la mañana, lo llamó un catalán diciendo que había visto sus cuadros en el Museo Ralli de Santiago y que estaba interesado en visitarlo. “Estaban todas mis obras metidas en tubos. Se paró alrededor de mi cama y yo empecé a sacarlas, una por una, como un árabe que muestra sus tapices”, recuerda Tito.

En ese entonces, el artista no sabía que a quien recibía era a Ángel Simon, Presidente Ejecutivo de Agbar, que controla Aguas Andinas en Chile y varias otras empresas alrededor del mundo. Con él, Tito entabló una nueva relación mecenástica. Un año después de la visita, Simon le preguntó si quería ir a España con él. “Me pasó su casa en el balneario de Sitges donde estuve como rey. Luego me arrendó un departamento en Barcelona”, dice el artista y recuerda que esa fue una época de mucho dinero. “Un par de años después caí en la pobreza absoluta. Desapareció Recanati, Simon y todos”. En 2007, el

grabadista afirma que se vio obligado a vender libros y pan integral en la calle. Que ha pasado altos y bajos, viajado por el mundo y enfrentado a la pobreza de frente. Todo en una misma vida, pues argumenta que el arte es el pariente pobre de Chile y que hay un abandono por parte del Estado de fomentar la cultura.

El ex director del MNBA, Milan Ivelic, admite que siempre se ha sentido muy agradecido hacia el sector privado ya que gracias a esos aportes es que el museo pudo mantenerse. No por los estatales. “Siempre ha sido precario el desarrollo artístico en Chile, justamente por el poco apoyo gubernamental”. Para los artistas individuales la situación es más difícil ya que la Ley de Donaciones Culturales no los acoge directamente. Solo contempla museos, fundaciones, universidades y bibliotecas, entre otros. Como solución a ello, los galeristas y las fundaciones hacen un trabajo similar al de los mecenas en la actualidad. Un caso es el del chileno, Carlos Vega Faúndez, pintor realista, quien ganó una beca de perfeccionamiento en la Fundación Arauco de España. “Las galerías, si bien son un medio comercial, juegan un papel importante en el desarrollo de los artistas pues apuestan, patrocinan y divulgan obras”, dice. Y es que de los modelos que existen respecto a mecenazgo, los países europeos tienen leyes específicas, a diferencia de lo que sucede en Chile, que no se reconoce como experiencia jurídica, explica Antoine. “Lo que se hace en Chile es estimular las donaciones monetarias de las empresas a cambio de descuentos tributarios, sin leyes de mecenazgo constituidas”, señala.

Desde 2010 que Tito no tiene ningún mecenas, pero admite que espera que aparezca uno pronto. Lo que está claro es que a los originales mecenas se les echa de menos.

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REPORTAJE

empresas en el ARTE La responsabilidad social es un tema que causa cada vez más interés, tanto para las grandes marcas como para sus públicos. En este sentido, expertos acuerdan lo mismo: hoy en día los consumidores exigen más. Ya no basta con vender productos, sino que también deben entregarse experiencias. Una vía: el arte.

Por Ángela Basch Q. Imágenes cortesía de Vodka Absolut, Estanpintando, Chivas Regal, Adidas y Puma.

A

unque muchos lo tildan de insuficiente, actualmente es el Estado el mayor financista de la cultura chilena. Si bien la situación pretende revertirse al integrar al sector privado con mejoras en la Ley de Donaciones Culturales, las grandes empresas ya demuestran interés por participar en el mundo de las artes. Pero no se trata de donaciones ni tampoco de filantropía.

De acuerdo a las nuevas políticas empresariales, la responsabilidad social empresarial se ha instalado como un elemento esencial.

En este sentido, el arte ha demostrado ser un método creativo y valorado. “Las empresas se están metiendo más en profundidad en el tema de la responsabilidad social empresarial porque es una forma de acercarse a las comunidades”, dice el Director de Publicidad UDP y miembro del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Cristián Leporati. Sin embargo, también opina que en Chile aún falta mucho para acercar el sector empresarial y el artístico: “Por un lado a la cultura le cuesta vender ideas y por el otro, las empresas tampoco tienen formación cultural como para entenderlas. Hace falta un desarrollo mutuo y comunicación entre ambos mundos”. Sin embargo, algunas empresas ya han construido ese puente.

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Intervenciones urbanas En noviembre del 2011, United Colors Of Benetton contactó a Trinidad Guzmán y Constanza Larenas (www. estanpintando.com), dos jóvenes artistas que se dedicaban a pintar murales en hospitales y cárceles. “Nos llamaron porque querían hacer un proyecto que tuviera que ver con el arte. Era la primera vez que hacíamos algo con una marca”, recuerdan las autoras de los murales que actualmente están en Presidente Riesco con Manquehue y en el Metro Escuela Militar. Para la empresa, también esto era nuevo. “La idea era loca. Las chicas improvisan sus obras por lo que no teníamos ningún tipo de bosquejo. Podría haber sido un desastre, pero igual queríamos participar. Por eso financiamos el proyecto”, afirma Soledad Malacchini, Representante de Benetton Chile.

Tras la intervención y el éxito de ésta, Guzmán y Larenas continuaron trabajando con otras marcas. “Creemos que es un intento por humanizar el marketing. Hacer cosas con artistas da un toque personal”, dicen.

• Puente Escuela Militar pintado por Benetton y Estanpintando.

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•Botella de Vodka Absolut diseñada por Nicolás Radic.

Otra empresa que ha seguido este rumbo es Motorola. En octubre del 2012, la marca lanzó a través de las redes sociales un prometedor evento: Chile Full Screen. El llamado, gratuito y abierto a todo público, convocó a casi 10 mil personas en el Parque de las Esculturas, donde se pudo ver un show de luces y proyecciones de imágenes en la ribera del río Mapocho. Además, incluyó un espectáculo de trapecistas en cintas y mezclas de sonido de fondo, algo totalmente nuevo para Santiago. “Hoy en día las marcas deben entregar un valor agregado y conectar con los consumidores en un contexto cultural”, explica Felipe Herrera, líder del proyecto, quien también ha trabajado con Vanguardia Mistral (Pisco Mistral) en actividades similares.

El producto como lienzo Considerando el espectro internacional, que evidencia el atraso chileno respecto al uso de las herramientas artísticas en las empresas, la prestigiosa marca de autos Mini realizó una innovadora propuesta. En su aniversario número cincuenta, reunió a diez

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•Cuerda y piso armados con zapatillas Puma.

La tercera edición de la alianza de Chivas Regal con Pininfarina, reconocida marca de diseño automotriz, hace alusión a una escultura inspirada en mascarones que antiguamente se utilizaban para darle forma a autos de lujo, de manera totalmente artesanal. connotados artistas para que utilizaran los propios coches de la marca como soporte de sus pinturas, convirtiéndolos en verdaderas obras andantes, tapizadas por los estilos de cada uno de ellos. Y es que el arte no se agota en un lienzo. Las empresas han entendido esto para incorporarlo a sus estrategias de responsabilidad social y relaciones públicas. En Chile, un caso similar es el de Vodka Absolut, que refleja nuevamente que el arte puede ir al producto, como algo

• "Combis" expuestas por Adidas en Lollapalooza 2013.

• Chivas 18 años por Pininfarina, nivel3.

más que diseño. Absolut reunió a cuatro artistas chilenos para introducir el concepto Blank, que consistió en utilizar la botella como una tela en blanco. “Las obras fueron in situ. Fue la primera vez que trabajé mezclando el arte y la publicidad”, dice Nicolás Radic, uno de los artistas del proyecto. “Estas instancias permiten a las marcas la posibilidad de no ser vistas como algo comercial, sino también como un aporte cultural”, dice.

partes del mundo. Nuestro país espera la llegada de este innovador trabajo.

Por su parte, Chivas Regal 18 años realizó una alianza con Pininfarina, reconocida marca de diseño automotriz que alcanzó su fama mundial con Ferrari. El propósito fue redefinir las botellas tanto en su forma como en sus materiales, para crear modelos más afines al arte y al diseño. El trabajo consistió en tres ediciones especiales expresadas en diferentes niveles. El primero de ellos, inspirado en una gota, arribará a Chile, mientras que el tercero corresponde a una escultura realizada en el extranjero, inspirada en mascarones que antiguamente se utilizaban para darle forma a autos de lujo, de manera totalmente artesanal.

Solo se construyeron cinco piezas para ser exhibidas en distintas

Otras marcas como Adidas y Puma también han incorporado a sus planes el arte y el diseño. Adidas Originals, a través de una inédita intervención urbana a propósito de Lollapalooza Chile 2013, contactó a tres artistas chilenos para que pintaran “combis” de manera in situ y luego fueran presentadas en el evento musical. Puma, en cambio, se ha acercado al área del diseño por una necesidad de la marca. ¿Qué hacer con las zapatillas de un solo pie que estaban sueltas y acumulándose en las bodegas sin tener ningún uso? Puma no quiso desecharlas y en vez de eso creó un proyecto sustentable junto a la Escuela de Diseño UC para darle segundas vidas a los materiales de los calzados. A partir del cuero y los cordones de las zapatillas, los alumnos de diseño debían crear productos comerciales. Entre los resultados se configuró una cinta de slackline, una cuerda elástica de entrenamiento, un piso y una correa de guitarra adaptable, entre otros. Finalmente se realizó una exposición con los productos ganadores en Puma Lab, ubicado en el GAM.

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PERFIL A R T E

Paula Vergara Recolectando memorias Por Bernardita Garib.

Imagen cortesía de la artista.

Para esta artista nacional, el arte siempre ha estado presente en su vida. Desde pequeña fue impulsada y atraída por el dibujo y la pintura, con especial influencia de su abuela, dedicada al grabado. Luego de estudiar diseño gráfico en la Universidad del Pacífico y un diplomado en pintura en la UC, Paula decidió que la pintura era el camino a seguir.

De alma nostálgica y melancólica, son los sentimientos los que le dan sentido a su obra. A través de ellos, plasma su vida y muestra sus propios procesos internos, recopilando recuerdos para inmortalizarlos en sus trabajos.

En estas imágenes destacan la observación de la naturaleza, principalmente de los árboles y sus cambios de color, forma y estructura. “El árbol lo tomé como simbología, me gusta lo misterioso detrás de los árboles. En esa parte de la naturaleza me siento representada. El árbol soy yo finalmente”, explica.

Hoy Paula, quien ya cuenta con tres exposiciones individuales realizadas, se define como una acuarelista acérrima, por la libertad y rapidez que exige el trabajo con el agua. Lo anterior le significó obtener el premio al mejor valor joven en el concurso Ricardo Andwanter. Su proceso creativo es espontáneo, impulsivo. No hay bocetos, construye sus árboles desde la mancha y el color. “En general soy bien expresionista, soy colorista, algo de fovismo en algunas cosas. La acuarela no permite corrección, así que es un desafío”, concluye.

•Detalle de Árbol invernal, 2012, acuarela y tintas, 70 x 90 cm.

Artfacts Data Series _ #137 _ Data generated: 9.4.2013

ArtFacts.Net : 26,068 exhibitors worldwide

500,487 exhibitions worldwide

302,799 ranked artists

The Artist Ranking is the leading research tool for tracking artist careers and trends in the art market.

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PERFIL ARTE

Huwaida ALARJA Arte como proyección del ser Por Ángela Basch Q. Imagen cortesía de la artista.

• Detalle de Abstracto, 2010, técnica mixta sobre tela, 190 x 70 cm.

“El motivo por el cual se dice que el alma existe, se oculta en su propia esencia; ninguno puede pintarla o retratar la sustancia que la conforma”. (Khalil Gibran) Desde su infancia, la artista ha sentido una inquietud especial por las artes, pero que sin embargo, demoró en presentársele como una opción de vida. Huwaida Alarja nació en Palestina, llegó a Chile a los 28 años y estudió una carrera de turismo. Recién luego de esto, entendió que el arte es la manera que tiene para expresarse. Así, decidió desarrollar su conocimiento y su técnica a través de cursos de arte, arreglos florales, pintura en cerámica, “un poco de todo”, como ella misma cuenta. “A veces la inspiración viene sola y otras veces no hay cómo sacarla”, dice. Para eso, ha trabajado el realismo, arte figurativo e incluso temáticas árabes, impulsada por su círculo de cercanos. Pero Huwaida admite que solo se siente cómoda en lo abstracto.

Tras varias colecciones de pinturas, ahora la artista se prepara para hacer lo que realmente le gusta. Una colección abstracta y de colores fuertes y alegres, como ella. “Cuando uno pinta la realidad, está copiando cosas. Yo prefiero que haya libertad, tanto para mí como para los espectadores de mis obras”, dice. “Mi mano y mi alma fluyen en mis cuadros. Por eso pinto, para encontrarme en una especie de búsqueda continua y para dar alegría. De ahí luego salen cosas que la imaginación de otro puede crear nuevamente y eso me gusta”. La artista utiliza grandes formatos, colores acrílicos vibrantes y variadas texturas para lograr los efectos que quiere y así proyectar de la mejor manera lo que siente en su interior. Es por eso que no tiene ideas preconcebidas, simplemente deja que fluya su pincel, apartándose de la realidad y adentrándose en su alma.

www.arteallimite.com/artistas/huwaida-alarja

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Crí ti ca

Por Pedro Labowitz.

Crítico de arte .

Miembro de AICA.

CONCURSO MARCO BONTÁ 2013 Grabados en el MAC » Imagen cortesía del MAC.

• Detalle de Venus in Paradise, de Guillermo Frommer, xilografía.

M

arco Bontá (1898-1974) fue un artista muy influyente, especialmente por sus actividades académicas en la Escuela de Artes Aplicadas y, ante todo, como fundador y primer director del Museo de Arte Contemporáneo. Después de su muerte su viuda instituyó una Fundación que en su memoria organiza con intervalos regulares concursos de artes visuales.

una Plaza Constitución llena de mugre, enfocada por dos altos y delgados fotógrafos. Pero muchos visitantes preferirán sin duda por ejemplo la Naturaleza de la mancha AM de Mariana Vicencio, una serigrafía que fue distinguida con el tercer premio; o bien, en la misma técnica, Punctum de Andrés Navarro, una composición abstracta de puntos oscilantes multicolores.

El concurso, realizado desde 1992, organizó este año otra versión dedicada a la gráfica. Entre más de 300 envíos el jurado eligió 127, que llenan todas las salas del segundo piso del Museo de Arte Contemporáneo en el Parque Forestal (de muchos artistas se aceptó más de una obra). El gran número de envíos es comprensible, ya que en nuestras escuelas de arte universitarias la gráfica se enseña desde el primer año. A pesar de las muchas obras en exhibición, el término medio cualitativo es sorprendentemente alto.

También Nicolás Frommer, Victor Maturana o Monique Verdu se distinguen entre no pocos artistas de semejante nivel. Por supuesto que no pudo faltar un tema de alta actualidad: Claudio Parede no es el único que con su trabajo limpio y realista se opone a la idea de “lucro” en nuestro sistema educacional.

Prácticamente todas las técnicas del arte de imprimir están representadas y entre ellas diversas serigrafías en colores se distinguen especialmente. Así, por ejemplo, Floridos de Alejandro (“Mono”) González, donde formas pequeñas no figurativas en fuertes colores se encuentran en una confluencia alegre y fuerte, enclaustradas por una especie de marco impreso.

El primer premio del concurso fue otorgado a Guillermo Frommer por Venus in Paradise, un desnudo femenino sobre un colchón en

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En total, un concurso que satisface. Lamentablemente el número de semejantes concursos ha disminuido bastante en los últimos años, a pesar de que siguen siendo una excelente oportunidad para muchos artistas para presentarse a sí mismos y su obra.

EXPOSICIÓN CONCURSO DE GRABADO MARCO BONTÁ LUGAR: MAC Parque Forestal DIRECCIÓN: Parque Forestal s/n FECHA: Hasta el 26 de mayo

Por Ernesto Muñoz.

Crítico de Arte.

Miembro de AICA.

Crí ti ca

María José MIR En galería Artespacio » Imágen cortesía de la artista.

• Detalle de Pelos automáticos n°3, pelos y costura sobre tela, 54 x 54 cm.

E

l arte de María José Mir viajó el año pasado a exponerse en la galería Enlace de Lima con excelente recepción de la crítica, situación que se replicó en la Bienal Internacional de Santa Cruz y en la exposición Candelaria este año, muestra singular que trató sobre la presencia de género en el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad cruceña.

Ahora la artista presenta una exposición que resume un trabajo ejemplar. Mediante obras bidimensionales y con un estricto uso de un no-color, muestra degradaciones que, alternándose, construyen una salida al arte de génesis geométricas.

Estas estructuras se nutren con elegantes aplicaciones o intervenciones de un material inusual: pelo humano extendido con dejos abstractos y colocados en forma beligerante con formas circulares, produciendo así juegos de belleza, palabra que recupero como basamento de la estética.

Las obras de la artista tienen un periplo que va desde sus estudios en Europa a un libro clave para la historia de la moda, una obra que se establece en el estudio de esta disciplina junto a Ronald Barthes con El sistema de la moda. En esta ocasión, ambas se unen conformando un mundo pleno de imágenes que se unen ahora en esta exposición que cumple el deseo de ver talento de ese mundo en extensiones jamás vistas. Imperdible.

EXPOSICIÓN VESTIGIOS LUGAR: Galería Artespacio DIRECCIÓN: Alonso de Córdova 2600, Vitacura FECHA: Del 10 de mayo al 14 de junio

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Crí ti ca

Por Ennio Bucci Abalos.

Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética .

Miembro de AICA.

HILOS DE AMÉRICA TEXTILES ORIGINARIOS EN EL CCPLM » Imagen cortesía del CCPLM.

L

a presente exposición muestra más de 350 piezas procedentes de siete países cuyos pueblos originarios han desarrollado una tradición textil de gran valor estético y artístico. Estos textiles sobresalen por su simbología y nos muestran la cosmovisión de mundo de cada uno de ellos.

Los materiales con que trabajan estos textiles son de fibra vegetal, provenientes de lugares como el chaco argentino, tenangos mexicanos, huipiles guatemaltecos, textiles aymara, fajas ecuatorianas y los milenarios textiles Paracas de Perú. Además, destacan en la muestra textiles cusqueños del siglo XIX pertenecientes al museo Chileno de la Merced, nunca antes exhibidos.

En la presentación del catálogo, Carlos Aldunate señala respecto a la funcionalidad de estos textiles: “En una sociedad que no conocía el dinero ni otro bien común de cambio, el trabajo era el bien más preciado.

Los miembros de la comunidad ofrecían al curaca o jefe étnico parte de su trabajo como signo de su posición jerárquica. El trabajo de los pastores de los rebaños de camélidos de los cosechadores de algodón y sobretodo de hilanderas y tejedoras era altamente valorado. El valor de los textiles escalaba tan alto que algunas de estas prendas eran quemadas como ofrenda a las divinidades y otras eran tejidas especialmente para ser enterradas en las tumbas, junto a los cuerpos de los muertos”.

Los motivos de los textiles son múltiples. Es impresionante apreciar en la muestra los diversos diseños y dibujos que presentan estas prendas que van de las simples formas geométricas a representaciones zoomorfas y antropomorfas de gran calidad en su ejecución artística. También es valioso señalar el cromatismo en los textiles, la variedad de colores que presentan que van de los ocres del desierto a los rojos intensos.

La muestra se va a complementar con una serie de conferencias dada por especialistas en el tema, que tiene como objetivo explicar el arte textil de nuestros pueblos precolombinos para acercar su cosmovisión antropológica y estética al grueso público interesado en estas disciplinas.

EXPOSICIÓN HILOS DE AMÉRICA • Detalle de Huipil, Guatemala.

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LUGAR: Centro Cultural Palacio La Moneda DIRECCIÓN: Plaza de la Ciudadanía 26, Santiago FECHA: Hasta el 31 de julio de 2013

Crí ti ca

Por Enrique Solanich S. Magíster en Teoría e Historia del Arte.

Miembro de AICA.

Orient EXPRESS DENISE BLANCHARD » Imagen cortesía de Galería Isabel Aninat.

D

enise Blanchard Fernández del Río (1954) cumple estudios de Pedagogía Básica, Mención Artes Plásticas, en la Pontificia Universidad Católica de Chile, prosiguiendo de inmediato cursos complementarios en la Escuela de Arte de la misma institución.

Todo ello lleva implícito la adquisición de habilidades ventajosas para el manejo de materialidades y técnicas varias, signadas por el ejercicio del reciclaje y las apropiaciones de restos y sobras.

La vetusta ceremonia oriental del té se dispersa en el devenir de los tiempos por muchas latitudes y culturas. En sus orígenes, siempre asociada con la hospitalidad fraterna, se funde y confunde con otras manifestaciones de arte, como por ejemplo, vestuarios, utensilios cerámicos, arreglos florales y la misma caligrafía. Las hojas secas y tostadas del arbusto de la familia de cameliáceas, abundante en China, Japón e India, sirven con sus infusiones medicinales y relajantes para rituales que asientan hábitos y costumbres de contenidos culturales.

La iconografía que la historia del arte suministra sobre tan incomparable ritual es vasta y permanente al paso de las centurias.

Casi no hay escuela o momento que no exhiba un artista visual que la aborde como tema prioritario o mera escenografía y, ni que decir tiene, como trama en el cine. Mas, utilizar como soporte de una práctica de arte los empaques del té en bolsa de papel con los cuales se expende y comercializa de manera masiva hoy, resulta una rara novedad. Es el caso de Denise Blanchard.

Acostumbrada a la manipulación plástica de distintos materiales, las hebras y cosidos no le son extrañas atendida sus certeras maniobras anteriores de urdir e hilar, al extremo que ahora afronta una exhibición pública en la que propicia una re-semántica a los envoltorios de las hojas de té. Lisa y llana, sin titubeos ni contemplaciones primorosas, las menudas bolsitas son sometidas por la artista visual a un proceso que las cataloga, ordena y adosa -tras ser usadas- a soportes bidimensionales y/o circulares, aprovechando sus tinturas, arrugas y malformaciones fortuitas devenidas por su condición de despreciables.

•Té negro circular, ténica mixta, 90 cm.

Lo anterior queda de manifiesto en su exposiciones individuales emprendidas desde 1999 al momento, en soportes diversos entre las que caben los ensayes multidimensionales expuestos en pintura, resinas, textiles y escultura, predominando el empleo de los desechos, pero re-significados en operaciones de complejas manualidades y propósitos estéticos ambiciosos.

Puesta en cuadrículas, amontonadas azarosas, rasgadas y en ocasiones hasta de-construidas, esta faena de collage alcanza cotas comunicativas que permiten el fluir diáfano del mensaje propuesto, exhortando una lectura abierta distanciada del ruido o la interferencia que impide descifrar.

Sin modelos ni referentes, nada de parámetros de semejanza de por medio, su proyecto se instala en la creación pura al rescatar y poner de relieve fragmentos de la vida moderna, ampliando el territorio plástico de lo visible en pluralidad de significados accesibles. Materiales pobres, de cotidiano y transversal consumo, a la mano de muchos, le facilitan entablar una apuesta que interpreta e interpela a la sociedad por igual, participándole su ideario de arte comunitario y democrático, sin alardes o resaltes programáticos abstrusos.

Domina así, con estos centelleos oculares, el aserto de la modernidad: menos es más. Harto simple.

EXPOSICIÓN ORIENT EXPRESS LUGAR: Galería Isabel Aninat Parque Arauco DIRECCIÓN:Boulevard del Parque L. 467 FECHA: Del 25 de mayo al 30 de junio

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Panoramas del mes EXPOSICIONES Esta exposición surge a partir de la experiencia de un taller de tejido colaborativo NetWorkShop que Bauer realizó a fines del 2012 en la residencia para artistas de Gasworks en Londres, Inglaterra. Ahí la artista experimentó con técnicas básicas de tejido, las que luego fueron desplazadas hacía una acción grupal en el espacio, utilizando ya todo el cuerpo.

En la exposición se presentarán también una serie de collages y obras textiles que catalina ha desarrollado en paralelo a esta investigación.

Hasta el 18 de mayo GALERÍA DIE ECKE José Manuel Infante 1208, Santiago www.dieecke.cl

Exposición Ronda, de catalina Bauer.

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Del 17 de mayo al 13 de junio GALERÍA BALMACEDA ARTE JOVEN

Hasta el 18 de mayo Galeria AFA

Hasta el 16 de junio Estación Mapocho

"cita uno: Desde lo Oculto" de Sergio Acevedo & Tárix Sepúlveda

"Barroco Desierto" de Phillippe Gruenberg

"Perro, Gallo, Zorro" de Andrea Spoerer y Francisco Navarrete

En esta muestra, los artistas presentan obras que fueron relacionadas por la curatoría de la sala y un ejercicio inédito. Acevedo y Sepúlveda convergen en una muestra que, como su nombre lo sugiere, se refiere a una dimensión de silencio y austeridad.

Esta exposición se presenta como una narrativa fragmentada y heterogénea en torno a la construcción cultural del paisaje. Una mirada puesta sobre el énfasis particular en lo espontáneo, lo fortuito y lo arbitrario en la edificación del espacio público de la ciudad de Lima.

Ambos artistas desarrollan una obra conjunta que encara sin tabúes la cartografía socioeconómica, profundamente estratificada, de la ciudad de Santiago. Chocan ambas realidades, trasladadas a la sala por medio de la fotografía y la convivencia de dos estéticas diferenciadas.

Av. Presidente Balmaceda 1215, segundo Piso www.balmacedartejoven.cl

Pasaje Phillips 16, Of.16-A, Santiago Centro www.galeriaafa.com

Plaza de la Cultura s/n, ex Estación de Trenes www.estacionmapocho.cl

Santiago

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

panoramas del mes

Hasta el 30 de mayo Montecatini.cl

Hasta el 9 de junio Matucana 100

De mayo a diciembre Museo Ralli

"Exposición Colectiva"

"Minimalismo Made in Chile"

Exposición colectiva de los artistas Ignacio Lobo, Paulina Beyer, Vilma Penrroz, Fernando Toledo, Fernanda Saldivia, Carmen Gloria Machuca, Laura Quezada, Francisco Ríos Araya entre otros, quienes presentan sus últimas creaciones en pintura.

Este proyecto se formula como una investigación de Matucana 100 en torno al arte chileno producido en los últimos veinte años, postulando no solo una hipótesis visual a través de la exhibición, sino también conjugando voces y perspectivas en un seminario a celebrarse en el mes de mayo.

"Una Mirada al Surrealismo" Colección Ralli

www.montecatini.cl

Matucana N° 100, Estación Central www.m100.cl

Alonso de Sotomayor 4110, Vitacura www.museoralli.cl

Del 9 al 23 de mayo Galeria ARTIUM y Latin American Art

DEL 10 de mayo al 2 de junio Centro Cultural de Las Condes

Hasta el 16 de Mayo Galería Patricia Ready "Los Tíos del Diablo" de Demian Schopf

"Travelling 2012" de Antonia Daiber

Se trata de una serie de trabajos fotográficos de bailarines de la fiesta de La Tirana (Chile) y de los carnavales de Oruro y El Alto (Bolivia); los que retrata en lo que él llama una ‘ciudad posterior’: los basurales que se han formado en los suburbios de estas tres ciudades.

Una muestra con más de veinte obras recorre los múltiples viajes que Antonia Daiber ha realizado al sur de Chile. Óleos, dibujos en lápices de color y un video, representan fragmentos de la ciudad o de espacios rurales, dejando deliberadamente fuera la línea del horizonte

Espoz 3125, Vitacura www.galeriapready.cl

Avenida Nueva Costanera 4349, Vitacura www.artium.cl

Como una manera de homenajear los 100 años del natalicio de Roberto Matta y los recientes fallecimientos de Paul Wunderlich y Leonora Carrington, Museo Ralli realiza esta selección entre las obras de su colección, con más de cincuenta trabajos de artistas de principios de siglo XX, como Braque, Modigliani y De Chirico, entre otros.

"Rainscapes" de Samuel Silva Silva presenta una interesante serie de fotografías de corte urbano, impresas en tela y enmarcadas en bastidor como pinturas, cuyo foco es la capacidad difusora de la lluvia. Estas fotografías fueron tomadas mayoritariamente en Santiago y Washington D.C., ciudades en las cuales el autor vivió en los últimos años.

Av. Apoquindo 6570, Las Condes www.culturallascondes.cl

www.twitter.com/ARTE_AL_LIMITE

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panoramas del mes

TALLERES Y WEB Exposición PIANO VIVACE, DE PAULA CERONI. Esta muestra individual de Paula Ceroni rescata recuerdos, experiencias y vivencias del mundo de la música, para realizar una representación visual de la misma.

Su trabajo utiliza diferentes formatos y técnicas para abordar la temática del piano, su composición e interpretación.

"Subjects of Splendor", de Ruby Yunis

Del 7 al 30 de mayo Centro Cultural Gabriela Mistral, sala de exposiciones BiblioGAM

Exposición que presenta el panorama del arte contemporáneo en más de 23 países, mediante una selección de obras que van desde Australia a Norteamérica, Sudáfrica, Europa y Sudamérica. Chile es representado por la artista nacional Ruby Yunis

Av. Libertador Bernardo O'Higgins 227, Santiago. www.gam.cl

3550 North Miami Avenue, EE.UU www.arteallimite.com/artistas/ruby-yunis

Hasta el 30 de mayo Galería Cultural Codelco

5 y 6 de mayo Hotel W Santiago

Hasta el 1 de junio Biblioteca de Santiago

"Mujeres Arcoíris"

"Venta de arte, Noche de Ayudarte 2014"

"Del Salitre a Iquique", de Roxana Werner

La Asociación Internacional de Chile es una entidad sin fines de lucro que está abocada a la recaudación de fondos a fin de mejorar las condiciones de vida y educación para los más necesitados en este país. En esta venta participará, entre otros artistas, Pauline Cristi.

Exposición basada en las salitreras del norte, tratando el tema de la memoria y cómo ésta nos sustenta en base a nuestro pasado. Cómo nuestras raíces nos confieren identidad y comprensión en cuanto a nuestros orígenes, tanto como personas individuales como para integrantes de una determinada sociedad, son algunas de las temáticas que se tocan en esta muestra.

Isidora Goyenechea 3000, Las Condes www.arteallimite.com/artistas/pauline-cristi

Matucana 151, Santiago www.arteallimite.com/artistas/roxana-werner

Esta muestra está conformada por la obra de las artistas plásticas Evelyn Ritcher, Marcela Iglesias, entre otras, pertenecientes al Taller de Creación de Concepción Balmes. Éste es un encuentro de múltiples expresiones y formas visuales, siendo la herramienta principal la mancha y el color sobre el soporte dimensional.

Huérfanos 1270, Santiago www.arteallimite.com/artistas/marcela-iglesias

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Hasta el 17 de junio Art Fusion Galleries

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

panoramas del mes

Del 15 de mayo al 7 de junio de Jardines de Chile

Durante todo el año Taller Aleph-artetextil

Hasta el 31 de mayo Taller Andrés Hermosilla

"Paisaje Urbano", de Yuki Yamamoto

"Clases y venta de arte textil", de Raquel Yuhaniak

"Venta de Taller"

Exposición de las últimas obras la artista Yuki Yamamoto se exhibirán desde mediados de este mes en el Club de Jardines de Chile.

Pinturas que entremezclan lugares reales con lo imaginario.

Av. Bicentenario 3774, Vitacura. www.arteallimite.com/artistas/yuki-yamamoto

Durante todo el año la artista Raquel Yuhaniak realiza clases de arte textil, además de venta de sus propias creaciones. Para mayor información comunicarse al celular 9-2297378.

Venta de taller durante todo el mes de mayo con motivo del viaje del artista, quien ha clasificado para las Olimpíadas de Arte de Croacia, WAG – World Art Games Croacia – 2013. Se podrán encontrar pinturas y dibujos de variados formatos.

www.arteallimite.com/artistas/raquel-yuhaniak

Sector Los Domínicos. Concertar cita previa al mail andreshermosilla@andreshermosilla.cl www.andreshermosilla.cl

EXPOSICIONES

Hasta el 6 de mayo Torún Twin Cities Association

Hasta el 31 de mayo Galería Casa Verde

Del 9 al 31 de mayo Dreams, Punta Arenas

"Land of Olive Tree", de Carolina Busquets Sanhueza

"Lira y Cienfuegos"

"Vientos Mágicos", de Nicole Reiss y Claudia Raymant

Artistas de todo el mundo forman parte de esta muestra itinerante de arte postal en relación al árbol del olivo y su importancia, su mitología, historia y literatura.

87-100 Torun, ul. Podmurna 4-6, Torún, Polonia http://land-of-olive-trees.blogspot.com/

La exposición reúne a dos grandes exponentes del arte nacional, Benjamin Lira y Gonzalo Cienfuegos, con más de treinta obras gráficas y grabados de factura reciente.

Camino Real 1783, Recreo, Viña del Mar www.galeriacasaverde.cl

www.facebook.com/ar teallimite

Reiss y Raymant expondrán en el hotel del Casino de Punta Arenas pinturas y grabados en aguafuerte y aguatinta, donde el tema desarrollado son las etnias australes y magallánicas.

Bernardo O`Higgins 1235, Punta Arenas www.mundodreams.com

Regiones

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artista EMERGENTE

Rodrigo Arteaga Corpus de obra

De la carne al intelecto. De la tierra a las estrellas. La obra de Rodrigo Arteaga (24) trabaja el concepto de organismo desde el afán investigativo y el detalle clínico, buscando las rutas del cuerpo y el misterio de los sistemas que lo rigen.

Por Juan Yolin.

Imágenes cortesía del artista.

F

ue Roland Barthes quien postuló que es en el estilo donde se instalan los grandes temas verbales de la existencia y se fundan los automatismos del arte. Así, el autor da muestras “de una mitología personal y secreta”, de un pasado que mantiene una estrecha relación con la biología, o dicho de otra manera, la carne. Esta noción resulta un buen punto de partida para hablar sobre el trabajo de Rodrigo Arteaga, donde la obra consiste en crear, desde y para el cuerpo, interviniendo libros de anatomía, elaborando collages que establecen un vínculo entre la cartografía y las rutas del organismo. Es, en definitiva, un ejercicio que busca repensar el cuerpo, hacerlo propio, con una inclinación más ligada a la fascinación que al conocimiento. ¿Cuáles son los tópicos presentes en tu obra?

Los cruces entre distintas ciencias y áreas del pensamiento.

A través de eso busco establecer relaciones entre la biología, la anatomía, la geografía y la botánica. Estas relaciones se distinguen como una representación de diferentes formas de pensar, del movimiento de las ideas, lo que puede ser lógico o no serlo: el funcionamiento de la cabeza.

En estos cruces se van originando ramificaciones que de alguna forma te proponen a ti como un observador al margen de los objetos que investigas. Lo que me lleva a pensar en el concepto de solipsismo, en tanto la obra emana de un yo que busca ordenar el cosmos.

En lo personal, creo que una de las teorías más bellas que existe es la del micro y el macrocosmos, en tanto unifica todas las escalas de materia, de la vida, la organización de la sociedad y sus ciudades, el universo, en fin. En base a eso comienzo a percibir patrones que atraviesan toda la vida; es un caos ordenado, y de ahí otra relación: el orden y el caos. Tiendo a ver mi trabajo de forma similar a lo que sucede cuando se mira las estrellas, lo que se siente cuando se las contempla. Es importante recordarse cosas trascendentales como el misterio, al que no hay que perder de vista.

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¿Qué papel juegan la figura de la madre y el padre en tu trabajo?

Es algo de lo que me he venido dando cuenta con el tiempo.

Mi madre es infectóloga, ha escrito libros sobre microbiología, trabaja con bacterias, prepara vacunas; es decir, ella vendría a ser el nivel micro. Mi padre trabaja en el servicio público de salud, se relaciona con la sociedad, vale decir el nivel macro.

Entonces mi trabajo apunta a tratar una serie de dicotomías elementales sobre una forma de moverse en el mundo que busca conciliar polos opuestos. ¿Cómo es tu relación con el libro-objeto?

La tomo desde varios lugares distintos. Hay libros que ya existen y vienen configurados, entonces el trabajo consiste en modificar su forma, cuestionar su constitución, jugar con los límites de la autoría. Hay otros libros que construyo desde el proceso, como lo serían las bitácoras. Todas estas son formas de abordar el libro, de intervenirlo con el fin de explorar otra forma de adquirir conocimiento. Se deben hacer preguntas y ver si existe otra forma de conocer. Toma por ejemplo la visualidad de los libros de biología, que es sumamente explicativa y te habla sobre la enfermedad y la cura. Yo creo que en realidad hablan de cosas algo más profundas, como la mortalidad y la fragilidad de la vida. ¿En qué estás trabajando actualmente?

Por un lado, preparo una muestra individual para Galería Temporal en conjunto con el laboratorio de Microbiología del Centro Médico San Joaquín, haciendo un cultivo de hongos.

Es un dibujo orgánico, vivo, del mapamundi. También trabajo en mi participación en una muestra colectiva en Galería AFA. Con la editorial Elefante Blanco estamos prontos a lanzar nuestra tercera publicación en el marco de la exposición La Ruta Trasnochada en el MNBA y también me encuentro desarrollando una monografía sobre mi trabajo a publicarse el próximo año.

• Sin título, 2011, libro de artista, 195 páginas en total, dibujo y collage. 14 x 19 cm.

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exposición destacada

Atelier Mendini

Ícono del diseño y la arquitectura contemporánea Hasta el 26 de este mes estarán en exhibición más de 80 piezas del reconocido estudio Atelier Mendini, en una retrospectiva que presenta el trabajo de los hermanos Alessandro y Francesco por primera vez en Sudamérica.

Por Equipo Arte Al Límite.

Imagen cortesía de RioLab.

E

s difícil resumir una trayectoria tan vasta como la de Alessandro Mendini y abarcar, en una sola muestra, la versatilidad e infinidad de producción de un hombre incasable que hasta el día de hoy, con 81 años a cuestas, continúa marcando pauta y sorprendiendo con sus creaciones.

último, se encuentra una recopilación de más de setenta piezas editoriales que complementan la muestra y dan cuenta de la amplitud del trabajo de Alessandro Mendini como creador de objetos que van desde la poesía al diseño, todo relacionado siempre al Arte.

Parte de la producción de este arquitecto, artista, diseñador y escritor podrá verse en esta exposición, que exhibe su trabajo para distintas marcas como también las creaciones que ha realizado en el estudio que formó junto a su hermano Francesco en 1989.

Las creaciones de Mendini fluctúan en una delicada línea entre arte, arquitectura y diseño. Cada una de ellas complementa su funcionalidad –a veces, forzadamente baja- con elementos propios del arte, basados en la representatividad del objeto y en su tridimensionalidad. Es que, como ambos explican en su manifiesto, “La arquitectura no es con el cemento, no es con la madera, no es con la piedra, no es con el acero, no es con el vidrio, no son éstos los elementos más resistentes. El material más resistente no puede construir una obra sin el Arte”. Basadas en lo cotidiano, las obras de Mendini enaltecen lo sencillo y lo simple y lo convierten en un objeto artístico y sublime.

Aunque la creación de ambos hermanos, Alessandro especialmente, es muy extensa y variada, el curador de la muestra, Hernán Garfias, ha logrado concentrar una interesante selección de piezas de coleccionistas locales que muestran las diferentes facetas y áreas en que los Mendini han desarrollado su trabajo. Es así como se pueden apreciar distintas versiones de sacacorchos que el reconocido milanés creó para la marca Alessi y otros aparatos domésticos como cafeteras, jarros y vasos de cristal. También está La poltrona de Proust, ícono del diseño contemporáneo creada por Alessandro en 1978, junto a otros mobiliarios como un closet de espejo en forma de U invertida y sillas y mesas de madera. Por otro lado, hay también un espacio dedicado a la arquitectura, con fotografías y bocetos de los diseños que el Atelier Mendini ha llevado a cabo en distintos lugares del mundo como Alemania, Holanda o Japón. Por

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EXPOSICIÓN ATELIER MENDINI LUGAR: Centro Cultural Gabriela Mistral.

DIRECCIÓN: Av. Libertador Bernardo O’Higgins 227, Santiago. Metro U. Católica.

FECHA: Hasta el 26 de mayo.

• Poltrona de Proust, 1978.

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aRTISTA dESTACADO

caRLA MONFORTE Sustraerse del paisaje Por Juan Yolin, periodista.

Imágenes cortesía de la artista.

• Pequeños desiertos, serie de 30 fotografías de 7 x 7 cm. cada una.

Cuando Raúl Zurita escribe “Quién podría con la enorme dignidad del desierto de Atacama”, puede que se refiera a personas como Carla Monforte. La fotógrafa, que nació en España y luego pasó parte de su infancia en la ciudad de Antofagasta, comenzó a interesarse por la fotografía a temprana edad: “Dicen que lo que se hereda no se hurta. Mi padre era fotógrafo autodidacta y me regaló una Pentax Análoga a los catorce años.

Desde ese entonces no he parado de tomar fotos”, cuenta.

En su obra podemos apreciar una inquietud por redescubrir el desierto de Atacama, situando la perspectiva en detalles como la tierra, sus formas, los pliegues, el color y la luz. Su actual serie, Pequeños Desiertos, consiste en treinta fotografías en blanco y negro, de pequeño formato, que se ex-

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ponen como una totalidad de fragmentos o historias que, como ella misma explica, “atrapan en diversas lecturas de luz, texturas, flora y fauna”.

Actualmente, Carla vive en la ciudad de Antofagasta, como si esa vastedad la impulsara a seguir buscando los misterios que lo circundan. Pequeños Desiertos será expuesta en Nódomo Tienda de Diseño y también forma parte de la Feria Internacional del Libro Zicosur, realizada en Antofagasta del 25 de abril al 5 de mayo.

www.arteallimite.com/artistas/carla-monforte

Artista destacado

ALFRED EXSS La ciencia y el cuerpo Por Equipo Arte al Límite.

Imagen cortesía del artista.

Podría pensarse que debatirse entre las responsabilidades de ser gerente de un banco y dedicarse a la fotografía puede resultar difícil. Pero para Alfred Exss, es justamente su profesión la que le permite desarrollar su obra con tranquilidad. “Cuando tenía 17 años conversé con un fotógrafo de National Geographic que me dio el siguiente consejo: Si a ti te gusta el lado artístico de la fotografía nunca trabajes como fotógrafo. Tendrás que hacer lo que tu jefe te diga o lo que el cliente te pida. La parte artística la vas a ir olvidando y cada día tendrás menos tiempo. Así que si quieres dedicarte al arte, mantén tu libertad mental y fináncialo con otra cosa, me aconsejó. Y aquí estoy, haciendo exactamente lo que dijo. Ya son casi treinta años los que llevo en esto”, cuenta.

En su trabajo destacan las diferentes aproximaciones que hace del cuerpo humano, haciendo uso de la multiexposición, expandiendo los volúmenes y jugando con la temporalidad, todas iniciativas alimentadas por un diverso acervo teórico que va desde los postulados de la física moderna y la estética a la teoría de los fractales. “El cuerpo humano es como una plasticina, dúctil y manipulable. Estudiando estética y física teórica comencé a notar que había una inconsistencia entre ambas conceptualizaciones, en tanto se basan en lo que perciben los sentidos. Hay que salirse de los sentidos, irse a los espacios de luz, de color en el espaciotiempo. Los volúmenes se expanden y tienden a curvarse, las cosas se mueven relacionadas a otras y tienen una probabilidad, no una certeza. Este tipo de aspectos, cuando tú los tratas de interpretar en dos o tres dimensiones, hacen que las cosas tradicionales se vean absurdas”, explica.

En el presente, Exss se encuentra trabajando en una serie de retratos en “híper-alta resolución” que muestran rostros de personas que han tenido una vida difícil pero que así y todo son felices: retratos que dan cuenta sobre la historia del rostro, su huella. Sumado a lo anterior, junto a otros dos fotógrafos formaron la organización Trimagen, un centro creativo sin fines de lucro que tiene por objetivo desarrollar y promocionar agentes que quieran dedicarse en forma seria a la fotografía en Chile.

• Pudor, 2002, multiexposición revelada al cianotipo, virado al hierro y parcialmente solarizada en el revelado, 24 x 36 cm.

www.arteallimite.com/artistas/alfred-exss

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PERFIL A R T E

LORETO FOELDES La emoción del arte Por Valentina Acuña.

Imagen cortesía de la artista.

Hace cinco años esta escultora comenzó su camino forjando vidrio, fierro y arcilla. Cada obra denota un sentimiento y brillo único. Sus trabajos son como hijos que dice le apasionan y cuesta dejar ir, incluso se preocupa de asesorar al comprador para encontrarle un punto especial, donde pueda ser aprovechado y luzca su belleza.

“Cada pieza es una aventura a la que dedico mucho tiempo, donde el vidrio se transforma y los colores se funden en algo maravilloso”, explica.

La artista se dedica principalmente al vitrotermomoldeado ya que considera que esta técnica permite dar forma al material, además de su luz y transparencia única.

Loreto piensa que cada momento tiene su grado de emoción y expectación, la sorpresa cuando se abre el horno al ver el resultado de la mezcla de colores y la forma final. También anhela la adrenalina de las presentaciones y recibir el feedback del público.

Tras su exposición de noviembre en el Hotel Radisson, se encuentra trabajando en su siguiente muestra. En esta ocasión, además de lo abstracto, incluirá formas que evocan el cuerpo femenino, continuando con una paleta de colores vivos entremezclando tonos cálidos y fríos como verde y azul.

www.arteallimite.com/artistas/loreto-foeldes • Visión, vitrotermomoldeado con incrustación de metal en base de fierro, 52 x 49 x 14 cm, 2013

Si se comenta que la artista Soledad Reyes aprendió a pintar en Brasil, de inmediato se viene a la mente la imagen de colores fuertes y vivos.

Pero este no ha sido el único resultado, pues si bien en un comienzo era un hobby, pronto se transformó en una pasión: “Yo pintaba para aprovechar el tiempo y entretenerme, pero me empecé a dar cuenta de que me gustaba lo que hacía y me fue dando energía para ir mejorando y pintando cada vez más”, comenta.

Soledad Reyes Color y fuerza Por Mireya Guzmán.

Imagen cortesía de la artista.

Asimismo, no son solo los tonos y matices le brindan brío, sino también la técnica. Pintar con óleo y espátula significa para ella colores más puros y fuertes, además le provocan la sensación de “libertad de crear siempre”.

Además, las favelas, con sus únicas características, también son su inspiración. Respecto a su significado, la artista explica: “Aunque sea un mismo tema siempre una pintura es diferente a otra. En algunos casos más realista y en otros totalmente abstractos”.

Soledad Reyes participará en la Noche de Ayuda Arte 2013, que se realizará en el Hotel W, Santiago, el domingo 5 de mayo. En la ocasión, los artistas expondrán y donarán parte de sus ganancias para recaudar fondos en pos de mejorar la vida y la educación de los más necesitados.

www.arteallimite.com/artistas/soledad-reyes

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• Detalle de Las favelas, óleo sobre tela, 100 x 200 cm, 2012

PERFIL ARTE

Marcela vicuña Pintura en la música Por Sara España.

Imagen cortesía de la artista.

• Detalle de Música fluye en la naturaleza, 2012, técnica mixta sobre tela, 60 x 30 cm.

A Marcela Vicuña no le intimida un lienzo en blanco. Al contrario, le apasiona. “Es el momento más emocionante, está todo por venir y sorprenderme, es como una interesante aventura”, explica esta artista chilena concentrada en la pintura, la fotografía y la música. Aunque estudió en la Universidad de Chile en Valparaíso y en el Instituto Profesional de Ciencias y Artes (Incacea) de Viña del Mar, la inspiración le llega de su contacto con la naturaleza, de la música y de de su mundo interior, como ella misma afirma. Todo en coherencia y sin olvidar la influencia de sus maestras de arte, Matilde Pérez y Concepción Balmes.

Las fotografías de Marcela transmiten al observador un aire de nostalgia y serenidad, mientras que las pinturas inundan de energía. “Las instantáneas son capturas de recorridos pausados, son observaciones serenas y miradas que se detienen en la belleza

de un detalle, son memorias que se guardan para ser compartidas”, explica. “En mi pintura en cambio hay más energía y se reflejan los sentimientos y estados de ánimo”, añade la artista.

La música le ayuda a transmitir lo que siente. Incluso cuando no está tocando. Pintar la guitarra de Magdalena Matthey fue una de sus obras más recientes. “Fue muy hermoso asistir en enero pasado al concierto en el que ella estrenó su guitarra pintada por mi”, recuerda. En junio participará en las primeras Olimpiadas del Arte y la Cultura en Croacia, World Art Games, junto a otros artistas que representarán a Chile. Las fechas de otras exposiciones se pueden consultar en www.marcelavicuna.com.

www.arteallimite.com/artistas/marcela-vicuna

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SO CIALES

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años arte al límite

El pasado jueves 4 de abril se celebró en Rosen The Store el décimo aniversario de Arte Al Límite. Artistas, galeristas, críticos, curadores y amigos de Arte Al Límite celebraron con nosotros las 92 ediciones del periódico, 60 de la revista y un renovado sitio web. En la ocasión se pudo apreciar una proyección audiovisual de la artista Catalina Rojas y el lanzamiento de “Sueños ilustrados” de Rosen, una colección exclusiva de sábanas diseñadas por reconocidos ilustradores nacionales.

• Diana Coñeñuir, Antonio De Santos, Joe Lemat, Cristina Arancibia.

• Fernando Moro, Elisa Moro, Tono Iturrate.

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• Maya Castro de Wescott y Eliana Simonetti.

• Jorge Urzúa, Isabel Aninat, Felipe Forteza, Dalila Aguilera.

• Francisco Sánchez, Ana María Matthei y Christian Verchere.

• Proyección audiovisual de la artista Catalina Rojas

• Marcelo Barjovic, Catalina Rojas, Patricia Le Clerc, Mauricio Rosemberg, Marcelo Salas.

• EQUIPO ARTE AL LíMITE Yael Vaisbuch, Paulina Sepúlveda, Andrea Rodríguez y Kristell Pfeifer.

• Julio Sapollnik y Óscar Barra.

•Catalina Papic, Isabel Gómez Benjamín Duch y Camila Duch.

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en el taller

CECILIA AVENDAÑO Expansión y síntesis: la plasticidad de un lugar creativo Por Lucía Rey. Imágenes cortesía de la artista y de Not.a / Omar Van De Wyngard.

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U

n taller móvil es el de Avendaño, que se cristaliza en un espacio dentro de su departamento habitacional. Para la artista, es importante que la ubicación física del taller sea en un entorno social que alimente su actividad creativa. Estando a pocos días de la inauguración de su exposición individual en el extranjero en la Galería Sicart, España, explica los procesos de producción de su trabajo artístico, permitiendo al receptor comprender la composición de su taller, que resulta fundamental para su trabajo. El ojo fotográfico encuentra lugares que permiten una obturación expedita en un traslado constante de enfoque. Encontramos inicialmente este taller en espacios de tránsito, donde circulan fragmentos de rostros buscados. Aquí la autora desarrolla la mirada acuciosa de la búsqueda del retrato desperdigado en la urbe.

Luego, contactados los sujetos portadores de los fragmentos, se implementa en el taller un estudio fotográfico, donde en compañía de varios amantes del arte que preparan visualmente el lugar y el rostro a retratar, logran construir un banco de imágenes fragmentarias, dando paso al siguiente formato del taller.

Así se entiende este taller cual collage móvil, donde el ojo de la artista existe en el ejercicio perceptual de capturar-arrebatar a los rostros algo que solo ella puede ver. Se observa un cuarto iluminado que se oscurece, un cuarto poblado de soportes y de colaboradores técnicos que se deshabita y silencia, pero también un cuarto de unos pocos metros cuadrados que se prolonga a la ciudad entera por medio de la mirada. Como si se conformara en fragmentos de realidades del mismo, cual retrato anómalo y prolijo, andrógeno y “bello”, compuesto de partes que se desconocen entre sí, pero que sin embargo abrazan una no-realidad materializada en la tela.

Posteriormente, se despeja el espacio y se transforma en una oficina, en donde los agentes más importantes son la gran pantalla del computador, el banco de imágenes y el ojo de la fotógrafa, sin requerir para configurar la escena más que un mesón y un par de sillas. El lugar, que antes se percibía copado de personas en constante movimiento y traslado de equipos, ahora se presenta en silencio y vacío. Esta fase productiva requiere del creador el ejercicio solitario de la selección y ensamblaje de imágenes. Muchas horas frente a la pantalla durante un par de meses o más dejan libre el taller para comenzar la fase de postproducción, en donde ya unidos los fragmentos en retratos, se ocupa del “perfecto” engranaje pictórico digital, y evalúa hasta qué punto detenerse o seguir trabajando, momento similar al vaciado de la imagen como en una exhalación, donde el artista se desprende de cualquier certeza racional y se apega a su intuición estética.

Más información sobre la artista en www. ceciliavendano.cl

Cada fase de trabajo permite a su vez que la circulación de la imagen cobre sentido en los formatos adquiridos. Al tiempo que el ruido y el silencio producido aquí conforman una especie de aparato pulmonar, como un engranaje de acciones vitales que simulan el ejercicio respiratorio de las obras expuestas. Éstas, provistas de un mecanismo electrónico para representar un cierto pulso vital, sugieren la posibilidad de realidad en medio de lo ficticio, en una metáfora que respira a través del movimiento y la visualidad sonora.

EXPOSICIÓN BLOW CECILIA AVENDAÑO LUGAR: Galería Sicart.

DIRECCIÓN: Vilafranca del Penedès, 08720, Barcelona, España.

FECHA: Hasta el 1 de junio.

www.arteallimite.com/artistas/cecilia-avendano • Respiración 16, 2010, fotografía y montaje digital impreso sobre tela, 240 x 140 cm.

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ferias

Arteba La feria de arte contemporáneo más importante de Sudamérica.

La feria prepara este año su edición número 22, paralelo al desarrollo de otro gran evento: Art Basel Hong Kong. Ambos encuentros marcan pauta y son un referente respecto a lo que sucede en artes visuales en los distintos puntos en que se desarrollan.

Por Paulina Sepúlveda.

Imágenes cortesía de arteBA y Galería Isabel Aninat.

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43 • Mónica Rojas, detalle de Serie del olvido 3, 2012, fotografía digital.

A

rteBA se celebra desde el año 1991 en la ciudad de Buenos Aires y es la feria de arte más distinguida del país, considerándose uno de los principales eventos culturales y comerciales que se llevan a cabo en Argentina en el ámbito del arte. Este año, su versión número 22 se realizará entre el 24 y 27 de mayo en la mítica La Rural. En la exposición se exhiben obras de consagradas galerías de arte y algunas muestras de las últimas tendencias, atrayendo a museos y coleccionistas en la adquisición de los trabajos expuestos.

En los últimos años se ha podido observar un creciente interés en la difusión del arte a través de arteBA, lo que ha supuesto una muy buena recepción tanto del público asistente como de los expositores, quienes cada vez en mayor número acercan sus propuestas para exhibir en la feria. Durante la exposición se celebra también el premio “arteBA Petrobas”, un reconocimiento con un tinte muy conceptual y vanguardista; y que sigue el estilo mayoritario de las exposiciones de la feria.

La ciudad de Buenos Aires ofrece al visitante, al mismo tiempo, la belleza arquitectónica de su pasado suntuoso, la excitante vida nocturna de una ciudad cosmopolita y la sensualidad y cadencia de sus raíces latinoamericanas. Estas características se deslizan y fluyen en una intensa producción artística en el circuito de museos, centros y galerías de arte establecidas y alternativas, donde mucho está pasando. ArteBA, el evento cultural más concurrido de la ciudad de Buenos Aires y el más importante de Sudamérica, condensa esa energía, convirtiéndose en un polo turístico y un importante centro de negocios.

Es aquí donde transitan los más destacados coleccionistas y personalidades de la cultura, ansiosos por descubrir propuestas diferentes y por inspirar nuevos aires.

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Murillo, Camila Ramirez, Sebastián Maquieira, Juan Martínez y Víctor García. También estará presente la destacada Galería Isabel Aninat, que participará junto a Manuela Viera-Gallo, Iván Navarro, Pedro Pulido, Mónica Bengoa, Iván Contreras Brunet y Pedro Tyler, entre otros (más información ver recuadro).

Paralelo a este gran evento se desarrollarán otras ferias en diferentes partes del mundo, como Pulse (9 al 12 de mayo), Frieze (10 al 13 de mayo) y Red Dot (10 al 12 de mayo). Todas se llevan a cabo en la “Gran Manzana”, Nueva York. También será el turno de Loop, en Barcelona (23 al 25 de mayo). Todas reunirán a grandes coleccionistas, curadores y amantes del arte contemporáneo.

A su vez se lleva a cabo Art Basel Hong Kong, la versión más reciente de las reconocidas ferias Art Basel, que se desarrollará entre el 23 y 26 de mayo. La mitad de las galerías provenientes a esta feria son de Asia y Asia-Pacífico, por lo que alcanza un papel importante en el mundo del arte internacional, proporcionando un portal para los artistas de la región. Conocida como la puerta de entrada entre oriente y occidente, Hong Kong se encuentra entre las capitales internacionales más dinámicas del mundo. Además de los numerosos museos, salas de conciertos y espacios de actuación, una mezcla excitante de culturas hacen de Hong Kong un lugar de exploración sin fin.

GALERÍAS CHILENAS PARTICIPANTES EN ARTEBA GALERÍA TEMPORAL

GALERÍA ISABEL ANINAT

Sector Barrio Joven Stand BJ3 Artistas Exhibidos:

Sector Cuerpo Principal Stand C27 Artistas Exhibidos:

Es en este encuentro donde las galerías exhiben sus mejores obras de arte latinoamericano, ofreciendo al público un encuentro con piezas de colección. Por otro lado, también está la posibilidad de descubrir nuevos nombres, a través de artistas jóvenes enmarcados en las últimas tendencias, aquellos que no es posible hallar en otras ferias.

• Raimundo Edwards

• Mónica Bengoa

• Claudia Gutiérrez

• Marcelo Boullosa

• Martín La Roche

• Colectivo Aninat

Arte al Límite no podía estar ausente de este importante encuentro cultural. Este medio especializado participará dando a conocer el trabajo de artistas y creadores en la nueva sección de editoriales PROA, sector especialmente habilitado y curado para las publicaciones de arte contemporáneo. Chile también estará presente a través de diversas galerías, como Galería Temporal -que asiste por primera vez en el sector Barrio Joven con el colectivo Cuadernos de Movilización, Martín la Roche, Raimundo Edwards y Claudia Gutiérrez- XS Galería de Arte, que por segundo año consecutivo acude a la feria junto a las artistas Paula Dittborn, Nicolás Radic, Sachiyo Nishimura, María Luisa

GALERÍA XS

• Colectivo Cuadernos

de movilización.

Sector Cuerpo Prinicipal Stand G78 Artistas Exhibidos: • María Luisa Murillo • Paula Dittborn • Nicolás Radic • Camila Ramírez • Sachiyo Nishimura

& Swinburn • Carlos Edwards • Catalina Mena • Iván Navarro y Pedro Pulido • Pedro Tyler • Manuela Viera-Gallo

• Rogelio Polesello, detalle de Sin título, 2009, acrílico sobre tela.

• Dino Bruzzone, detalle de Love 1, 2013, inkjet print.

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PERFIL A R T E

Dominique Salles Evocando el pasado Por Paulina Sepúlveda.

Imagen cortesía de la artista.

Licenciada en Arte de la Universidad Finis Terrae, Dominique produce su obra a través de la nostalgia en lo antiguo, en objetos que evocan el pasado. Su imaginería proviene de experiencias familiares, el relato o imágenes que quedaron en su memoria, en fotografías y muñecas. Estas últimas simbolizan un objeto que sustituye carencias de la adultez, que proyecta anhelos y evoca nostalgia. Las muñecas se han presentado como vehículos para representar lo femenino, no siempre apelando necesariamente a lo inocente ni a lo bueno. Por ello, para Dominique existe una doble lectura en cuanto a la ingenuidad o calidez que ella busca representar.

Salles se preocupa desde la creación de la muñeca.

La confecciona y luego la inserta en el entorno “ideal”.

Posteriormente, la fotografía para llevarla a la tela. Con los bordados y fotografías sucede lo mismo, selecciona, elije el fondo que identifique, así como la frase que defina el carácter de la persona, para luego llegar a la interpretación.

La artista acaba de participar en el proyecto Huellas, donde trabajó con pacientes de la Fundación Arturo López Pérez. Esto significó una experiencia muy gratificante y emotiva, especialmente porque paralelo a este trabajo su abuelo comenzó la fase terminal de su cáncer, falleciendo en el transcurso. De esta manera, la pintura posterior fue inspirada y dedicada a él. Ahora se encuentra trabajando en la segunda versión, titulada Móviles, en la cual está experimentando con nuevos materiales.

PRONTO LA NUEVA

FORMA DE VER LOS NEGOCIOS

• Sin título, 2012, óleo sobre tela, 35 cm. de diámetro.

www.arteallimite.com/artistas/dominique-salles

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Benjamín lira Siendo la figura humana el núcleo de su trabajo, sus obras se trasladan a través de diversas técnicas y tamaños que dan cuenta de una visión evolutiva. El trabajo manual, la intuición y el proceso de creación libre son constituyentes de una labor que apunta a conquistar el color, la línea y el volumen para así lograr que las piezas vibren y sean capaces de comunicar. Entre sus proyectos destacan las numerosas cabezas que han sido representadas tanto en escultura como pintura y grabado.

Por Equipo Arte Al Límite.

Imagen cortesía de Tomás Rodríguez.

El arte como trabajo es…

No es un trabajo, es una visión y un modo de vida: una pasión que vale la pena vivirla y jugársela, hasta el final.

El arte como pasión es…

Plenamente recomendable.

El arte en Chile hace 30 años…

Muy distinto: era un Chile más íntimo donde existían menos medios, materiales y lugares de exposición. Sin embargo, había un grupo de artistas notables, muy entusiastas y trabajadores.

El estado actual de las artes en Chile…

Creo que los artistas visuales nacionales son de un excelente nivel. Pero aún la cultura no es prioridad para los políticos en Chile. Faltan fondos para poder armar museos profesionales como corresponde, sacar y mostrar el arte nacional en certámenes internacionales y, obvio, falta un Museo de Arte Contemporáneo como le correspondería al Chile de hoy, inserto en un mundo globalizado en que la cultura es parte importante de la sociedad. ¿Qué ideas foráneas traerías al campo del arte nacional?

Que los museos tengan recursos para generar y recibir exposiciones a nivel internacional y poder estar conectados con otras visiones culturales. La instalación de galerías de arte con gestión y responsabilidades de carácter profesional. Lo mismo va para los artistas que deben cumplir con sus deberes creativos y mantener responsablemente la exclusividad de la representación que tiene la galería de su trabajo. Y por último, importaría la pasión por el coleccionismo. Estamos en un minuto de nuestra historia nacional en que los posibles coleccionistas de arte aún están en una etapa muy primaria: están comprando autos y otros juguetes. El arte se considera un elemento decorativo.

Tu opinión sobre la crítica de arte en Chile En Chile es un tema que falta, prácticamente no hay crítica ni críticos.

Falta interés de los medios de comunicación para abrir espacios culturales profesionales y que existan diferentes voces.

Iniciativas positivas en el campo del arte chileno El Fondart y algunas becas para estudiar y perfeccionarse en el extranjero.

Iniciativas negativas para el campo del arte chileno La confusión entre arte y decoración que se ha producido en este último tiempo. El periodismo en general informa todo al mismo nivel y también las galerías comerciales, exponiendo obras que no corresponden, produciendo mucha confusión. ¿Quiénes son tus referentes?

Mi referente en cuanto a la gestión del arte es Nueva York, donde viví mucho tiempo. El sistema de cómo trabajan los museos y la galerías de arte es sorprendente, su vitalidad y el entusiasmo. Mis referentes artísticos son múltiples y provienen de otros ámbitos como la etnografía o la arqueología, por nombrar algunos.

Artistas emergentes nacionales que llamen tu atención En pintura, José Benmayor, Pascuala Lira, Martín La Roche. En fotografía, Francisca Eluchans, Antonia Cruz y Tomás Rodríguez.

Exposición reciente que hayas encontrado interesante Difícil superar la exposición de la Peggy Guggenheim en el Centro Cultural Palacio La Moneda; pésimamente montada, pero hay obras notables. ¿En qué proyecto estás trabajando actualmente?

Estoy sumergido en el periodo post exposición; revisando con cautela las impresiones y descifrando las huellas que me dejó el ver mi obra reunida en la Sala Matta el año pasado.

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