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PERIÓDICO N° 122 Diciembre 2015 Santiago de Chile

08. 7 DÍAS DE ARTE EN MIAMI

28. OTRA PAUSA EN NUESTRA HISTORIA

30. EL RETORNO DEL AURA: ENTRE EL OFICIO Y EL TIEMPO

Art Basel, Scope y Art Miami, se llenan de artistas, obras y amantes del arte junto a decenas de otras ferias en la península norteamericana.

El MNBA presenta en Chile una atractiva exposición de Orozco, Rivera y Siqueiros, pensada hace 42 años pero pausada hasta nuestros días.

Conoce las nuevas tendencias en el arte visual de nuestro país. Bordado, collage, plasticina y el retorno a lo figurativo en diversos artistas.

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7 días de arte en

P. 06

Art Basel • Pulse • Scope • Art Miami • Untitled • Pinta • Red Dot • Context • Miami Project Satellite • X Contemporary • Nada Art Fair • Spectrum • Fridge Art Fair • Art On Paper Aqua • Miami River Art Fair • Ink Miami • Design Miami D I S T R I B U C I Ó N G R AT U I TA


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SUMARIO

SU M ARIO 0 5. EDI TO RI A L 0 6 . R E P O RTA J E

2 8 . DESTACA DO DEL M ES

La Exposición Pendiente. Orozco, Rivera. Siqueiros (1973-2015)

3 0. REPO RTAJE

El retorno del aura: Entre el oficio y el tiempo

7 días del arte en Miami 3 4. CO LU M NA 18. ENT R E V I STA

Kristell Pfeifer y Catalina Papic 20 . M I RAR L A HI STO RI A

Abaporu, de Tarsila do Amaral 22. EN E L TA L L E R

Video en latinoamérica: Rodeando la montaña 3 6. A RT E JOV EN

Adrián Villar Rojas 3 8 . L I B RO S A L L Í M I T E

Alejandra Nef 24 . PANORA MAS

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. | INFORMACIONES info@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN suscripciones@arteallimite.com | FONO-FAX (56-2) 2955 3261 (56-9) 84195009 | VENTAS marketing@arteallimite.com WEB www.arteallimite.com | FACEBOOK facebook.com/arteallimite2 | TWITTER @arteallimite | INSTAGRAM @arte_allimite | YOUTUBE www.youtube.com/allimiterevista PORTADA Foto: Christian Haugen. IMPRENTA Maval Editora e Imprenta, Santiago, Chile.

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E D I TO R I A L

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n esta edición hemos hecho un reportaje especial sobre una de las semanas más importantes para el arte a nivel mundial y, sobre todo, para el arte latinoamericano. The Art Week Miami es el tema central, pues se presenta como una ventana hacia el mundo para nuestra parte del continente. Art Basel Miami, Scope, Art Miami, Contex, Aqua, Pulse y Pinta son parte de la gran preparación del mercado del arte, mientras que los museos y centros culturales de esta ciudad se preparan con importantes exposiciones para aprovechar la gran cantidad de viajantes que circulará por las calles de esta hermosa ciudad durante estos siete días.

DIRECTOR Ricardo Duch

PERIODISTA Daniela Sánchez Moncada

ASESOR COMERCIAL Cristóbal Duch

CRÍTICO Ernesto Muñoz

DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic

ASESORES Leo Prieto Benjamín Duch Julio Sapollnik

PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA GENERAL Kristell Pfeifer EDITORA Elisa Massardo DISEÑADORAS Javiera de la Fuente Lía Alvarado

COLABORADORES Lucía Rey Pía Cordero Francesco Scagliola Francisca Castillo Daleysi Moya Paz Vásquez

Pero Miami no lo es todo, también en Chile el arte ha retomado o se ha armado con un nuevo espíritu, al respecto diversos artistas están creando obras con diferentes materiales planteando una escena diferente. Ya sea con bordado, plasticina, collage o con un retorno hacia lo figurativo, artistas como Nora Unda, Jacinta Besa, Mauricio Garrido y Aurora Anita, son parte del reportaje El retorno del aura: entre el oficio y el tiempo, en el cual se abordan estas formas de hacer arte que –nuevas o no– parecen estar sonando cada vez más fuerte en el medio artístico. Junto a las nuevas técnicas, la novedad, el cambio y la forma de expandirse así como ha hecho Latinoamérica en Miami, internet es un soporte esencial para el manejo de la información en la actualidad. Es por esto que en Arte Al Límite estamos en permanente cambio, innovando lo más posible para cumplir nuestra misión, difundir el arte latinoamericano en el resto del mundo. Nuestro portal web, sitio que sirve para que los artistas muestren su portafolio y puedan vender obras de arte a través de nuestra galería online, ha tomado un nuevo rumbo. Con una estética más minimalista, que orienta a nuestros visitantes hacia la compra de arte, pero siempre manteniendo nuestra línea editorial, los artículos, noticias y diversas secciones que enriquecen el contenido y avalan los 15 años de trayectoria, que estamos próximos a cumplir. Este nuevo sitio está pensado para ser más amigable con el usuario y el artista, para poder realizar diversos descuentos, para mostrar imágenes en alta calidad, vender obras de manera sencilla y para reunir toda la información del artista en un solo espacio, su perfil de artista. Y esta plataforma se ha hecho en base a diversas conversaciones con artistas de nuestro sitio, en base a una relación permanente con nuestros compradores y a tecnología de vanguardia internacional, porque el arte no debe limitarse a las fronteras, debe expandirse, mostrarse, disfrutarse y difundirse. Junto a estos mensajes, les deseamos a nuestros lectores una feliz Navidad y próspero año nuevo.

Ana María Matthei Directora

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Difundiendo el arte latinoamericano

TODO EL ARTE EN UN MISMO LUGAR El arte nos ayuda a dar vida a nuestro entorno, entregando en cada rincón emociones, expresiones y armonía. Así, las razones para adquirir una obra de arte pueden ser muchas y todas válidas. Desde la satisfacción personal, la estética, la moda y las sensaciones; hasta el coleccionismo, la apuesta por un artista, la inversión y el lujo de conseguir lo deseado, son motivos por los que se compra una obra de arte. Adquirir una obra es algo único e inolvidable.

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Venta de obras online Revista de colecci贸n Peri贸dico mensual Libros de arte Galer铆a de artistas Ranking de artistas latinoamericanos


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FERIAS PERÚ

SIETE DÍAS DE ARTE EN

Miami e

n una interesante nota de Time Magazine, fechada junio de 2001, sobre la renovada y fructuosa multiculturalidad de Miami se podía leer que: “los barcos navegan desde Biscane Bay a cualquier puerto alrededor del mundo, desde Bombay a Barranquilla”. Un año después, precisamente en diciembre de 2002 debutaría en Miami Beach Art Basel (MBAB), arrimándose a la ya afirmada Art Miami, y acabando de impulsar una imparable centrífuga cultural que, más de una década después, permite aplicar aquella romántica imagen marinera al universo del mercado de las artes figurativas. Miami, de hecho, se ha convertido en una encrucijada entre las influencias creativas europeas y asiáticas, norteamericanas y sudamericanas, proponiéndose como exclusiva puerta de enlace entre estas diferentes culturas, cuyas propuestas artísticas se subliman en un revolcón osmótico durante la primera semana de diciembre –este año desde el día 2 hasta el día 6– a través de eventos y ferias a lo largo de toda la ciudad. “Desde hace algún tiempo Miami se ha convertido en un

polo importante de intercambio artístico –explica la artista de la galería chilena XS, Magdalena Atria– sobre todo para el arte latinoamericano, que encuentra ahí un espacio de confluencia que no existe en otros países de la región. Es un lugar privilegiado, donde los artistas y galeristas latinoamericanos pueden encontrarse en un plano de igualdad con sus pares de Norteamérica y Europa. LATINOAMÉRICA APROVECHA DE MIAMI: UNA PREMISA Hay quienes opinan que, pese a un incremento productivo y al atractivo de las propuestas, los artistas latinoamericanos siguen siendo subestimados fuera de las fronteras continentales, frente a los grandes escenarios del mercado artístico internacional. Un universo en donde Estados Unidos, Europa y Asia siguen jugando el papel del “león”. Y aunque es cierto que, desde hace tiempo, muchos de los mayores museos del planeta han empezado a colmar aquel vacío que “ocupaban” las polvo-

rientas vitrinas dedicadas a la producción artística latinoamericana, esta lamentable condición de segundo plano afectaba tanto los artistas –obligados a lidiar con menores posibilidades de ventas– como los compradores –por obvias razones de poder adquisitivo– y, por último, los galeristas –confinados en un nicho del comercio. Pues si la conformación geográfica del continente latinoamericano reflejase su condición de exportador/importador de arte, se vería como un repleto morral desde el cual los beneficios de la cosecha se pueden sacar, o guardar, únicamente a través de un apretado embudo que a través de México lo conecta con EE.UU. Sin embargo aquel claroscuro escenario –en términos de compraventa de obras– está fisiológicamente evolucionando hacia una condición más apta, al fin iluminada por los rayos de un ardiente sol, tanto abajo como arriba del ecuador. Pues es, de hecho, exactamente el mismo sol que, pese a que se organice en pleno otoño, besa las blancas playas atlánticas rodeadas de palmeras de la ciudad de Miami durante su célebre Semana del Arte. “Eso


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Llega diciembre y uno de los momentos más anhelados respecto a los acontecimientos feriales: la exaltante Semana del Arte de Miami. Nuevamente, alrededor de Art Basel, Scope y Art Miami, se armarán decenas de otras ferias para brindar al público una atmósfera absolutamente única en su género. Pues, como es lógico, el movimiento artístico latinoamericano quiere aprovechar de esta gran ocasión. Por Francesco Scagliola / Italia. Imágenes cortesía de Art basel, Pulse, Scope, Art Miami, Pinta Miami, Untitled.

es lo que los artistas y las galerías buscan”, cuenta muy sencillamente Cecilia González, galerista peruana, en su primera participación en Miami Art Week: “Todos desean mostrarse en un circuito que será mirado por muchísimo público, así como por coleccionistas, curadores, museos”. EL “RENACIMIENTO” DE UNA CIUDAD: MIAMI ART WEEK Gracias a dos de las ferias que tienen más tiempo en esta península: Art Basel Miami y Art Miami y, a alrededor, de unas veinte otras ferias, la Semana del Arte de Miami, se viene estableciendo desde hace más de una década como un acontecimiento de absoluta magnitud internacional para cualquiera que participe. “La energía vibrante de Miami –afirma Noah Horowitz, director de MBAB–, su carácter singular y una apasionada comunidad han contribuido en gran medida a este éxito durante los años. Al mismo tiempo, Miami ha desarrollado un fascinante paisaje cultural que existe más allá de la semana de la feria: con los grandes museos

presentando exposiciones importantes junto a los fantásticos espectáculos organizados por las colecciones privadas. Miami –continúa– ha pasado realmente a través de un renacimiento cultural”. Interesante como Horowitz ocupa la refinada palabra “renacimiento” para describir este largo proceso

Miami se ha convertido en un polo de intercambio artístico, sobre todo para el arte latinoamericano. Magdalena Atria, artista de la galería XS.

de renovación artístico-cultural que acabó finalmente convirtiendo Miami, por largo tiempo etiquetada como lugar de retiro para ricos jubilados, fiestas descontroladas y narcotráfico, en una verdadera meca por lo que concierne el arte y los negocios relacionados con ello. “Miami era básicamente una comunidad de retiro –comenta Nicholas Korniloff, director de Art Miami– y los pocos coleccionistas serios adquirían sus obras en Manhattan o en otro

lugar. Luego el área experimentó un crecimiento sin precedentes, con muchos coleccionistas entusiastas arrimando el hombro para ‘construir’ una comunidad artística más robusta. Impulsados, en parte, por ambiciosos desarrolladores como Tony Goldman, Jorge Pérez y, también, por colecciones privadas que se abrieron al público, tales como las de Martin Z. Margulies y la de la Familia Rubell; además de numerosos nuevos museos, como el excéntrico Wolfsonian. La gente empezó a tomar nota seriamente”. Tan seriamente que con esta edición de 2015, ya habrán pasado veintiséis años desde que se inauguró Art Miami y catorce desde que la suiza Art Basel fundó su rama americana en Miami y no sería exagerado afirmar que, durante los cinco deslumbrantes días de Miami Art Week, la chispeante red de ferias que estarán en las zonas del Wynwood Art District, de Miami Beach y de Downtown Miami, alcanzará nuevamente a proporcionar toda, pero verdaderamente toda, clase de propuesta artística para satisfacer los paladares de coleccionistas tanto navegados como novatos.


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FERIAS PERÚ

Miami ha pasado por un renacimiento cultural que va mucho más allá de la semana del arte." Noah Horowitz, director de Art Basel.

RÁPIDAMENTE: UN PANORAMA DE LAS FERIAS. En efecto, es un multifacético circo 24/7 rebosante de vivacidad creativa y que aglomera a miles de millares de visitante, centenares y centenares, entre las más de 1.200 galerías de todas partes del mundo que se dividirán en las diversas ferias, cuyas especialidades y focos –centradas en el arte visual– abarcan desde la música hasta las bellas artes. Además, miles de artistas llevarán más de 7 mil obras de arte, las cuales estarán a disposición de todos los visitantes, curadores y cientos de coleccionistas, que según comenta Helen Toomer, directora de Pulse, son cruciales en este destino dado que muchos de ellos “tienen aquí sus casas y, más recientemente, museos privados”, además de todos aquellos que viajan desde de cada rincón del mundo para establecerse en Miami por 7 días. Así es como diversas ferias como Scope, que junto a Art Basel Miami, se ha constituido como una de las ferias más importantes de la ciudad, se une a Art Miami –y sus satélites Aqua y Context–, Pulse,

Untitled, NADA, Art On Paper, INK, Pinta, Red Dot, Fridge y Spectrum –en la cual participarán las artistas chilenas Pauline Cristi, Alejandra Delfau y Patricia Astorga–, es más, se podría seguir con el listado, pues estos son solamente algunos de los nombres detrás de los cuales, dependiendo de cada feria y de su específica orientación, se abrirán de par en par los escenarios perfectos para toda clase de profesionales del arte: clásicos, atrevidos, jóvenes, afirmados, antiguos, modernos, contemporáneos. LATINOAMÉRICA APROVECHA DE MIAMI: AHORA SÍ.

Ninguna sorpresa entonces si una feria como Pinta –totalmente dedicada al arte latinoamericano– se haya mudado desde Nueva York a la costa atlántica de la Florida; lugar donde no solamente tiene la oportunidad de florecer por las razones arriba definidas, sino que también –y sobre todo– por la especificidad del producto que ofrece: “Desde el comienzo, sentimos que Pinta podía funcionar al tener un perfil específico y delineado –opina Diego Costa-Peuser, director de la feria– como una plataforma que diese visibilidad al arte latinoamericano, dentro de la vorágine de la semana del arte de Miami”.

“Creo –afirma Nicholas Korniloff de Art Miami– que es bastante obvio que los visitantes y residentes provenientes de América Latina se encuentren muy cómodos aquí. Fragmentos de su patrimonio cultural son inmediatamente visibles, no solamente en restaurantes, tiendas y entretenimiento, sino que, desde luego, en el lenguaje visual de la ciudad”. Así que a la base del siempre mayor éxito del arte latinoamericano en la Semana del Arte en Miami estaría un factor étnico y, más bien, de cercanía.

Claro, aquella palabra “vorágine” parece aún mantener de pie la duda planteada en los comienzos de este texto sobre el real reconocimiento recibido por el arte latinoamericano frente a las grandes ferias internacionales afuera del continente. Es cierto, habrá todavía camino por recorrer; pero es verdad también que Pinta, con su propuesta refinada y única, se inserta en una atmósfera más general, que ofrece al público variados eventos feriales que sí, hoy en día, tienen


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Creo que en esas plataformas el arte se vuelve uno; no importa de donde venga, importa la calidad y la capacidad de movilizar al espectador." Cecilia González, galerista peruana.

en seria consideración las galerías y los artistas procedentes del sur del mundo. MBAB, por ejemplo, propondrá en la sección Nova (para jóvenes galerías) a la galería de Buenos Aires, Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo, que presentará los trabajos de Nicolás Bacal, Tomás Espina y Jorge Pedro Nuñez. También mirará hacia la inquieta escena colombiana a través de Instituto de Visión y los artistas Felipe Arturo y Wilson Diaz. Pero habrá mucho más: desde las galerías mexicanas Labor y Arredondo/Arozarena, a la peruana Revolver Galería y a las numerosas brasileñas como Galeria Leme, Silvia Cinta + Box 4, SIM Galeria y Bergamin & Comide. Justamente de Brasil, cabe destacar la Galeria La Cometa que llevará obras de grandes maestros como Botero, Matta, Joaquín Torres García y Picasso a la próxima edición de a Art Miami. Así, el movimiento sudamericano va ganando, edición tras edición, su propio e importante mercado; tanto por la calidad y la novedad de sus creaciones, como por tener la oportunidad de cosechar

sobre un terreno ya históricamente fértil para todo lo que concierne las culturas y las tradiciones procedentes desde debajo del ecuador. Una combinación perfecta para que a esta multitud de artistas y galeristas capaces y apasionados, se les reconozca finalmente el derecho de conversar al mismo nivel que sus colegas occidentales. “Para los artistas chilenos –afirma Magdalena Atria, que en expondrá Art-Untitled, una muestra personal que incluye obras en distintos medios (pintura, cerámica, dibujo)– es fundamental acceder a este tipo de encuentros globales. Pues es una oportunidad única y escasa de poner su obra en circulación, entablar diálogos con sus pares y con otros actores del mundo del arte: generar o fortalecer redes de intercambio y, en definitiva, salir un poco del aislamiento en que pese a todo seguimos estando”. Y de la misma forma piensa Cecilia González cuando se le pregunta en relación a la importancia de la semana de Art Basel para todo aquel universo artístico latinoamericano anhelante de salir a la luz: “Hemos sido aceptadas en Pulse, Solo

Show –cuenta– con la obra de Mariu Palacios: fotógrafa peruana quien presentará obras de la serie Heroína en construcción, donde la artista crea un personaje y lo inserta en una historia real personificándolo y tornándolo dramático. Es la primera vez que participamos en una de las ferias que se llevan a cabo en esa semana de diciembre en Miami, y estar en ella significa ingresar a un circuito que permite mostrarnos y, sobre todo, posicionarnos”. El “fenómeno Miami” es aprovechado como si fuese un trampolín ideal hacia todos los otros grandes y afirmados mercados de Norteamérica y, desde luego, hacia Europa y Asia. Como fuese, retomando la imagen del morral estrangulado por el embudo, un corte que se va abriendo, en cada momento más profundo, derramando así las semillas que lo hincaban. Como fuese, esta vez en términos telemáticos, uno entre los más privilegiado motor de búsqueda de la red. Como fuese, en fin, un puerto a partir del cual los barcos pueden navegar a cualquier lugar alrededor del mundo; desde Bombay a Barranquilla.


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FERIAS PERÚ

• Del 3 al 6 de diciembre • 12:00 - 20:00 hrs | Jueves 3, 15:00 - 20:00 hrs. • 1901 Convention Center Drive, Miami Beach, USA • www.artbasel.com/miami-beach

¿Cómo ayudan a aumentar el mercado del arte, y el interés general del público? Un ejemplo es la iniciativa de Crowdfunding, plataforma digital única destinada a apoyar organizaciones sin fines de lucro, atrayendo la atención de las comunidades artísticas de todo el mundo y que permanece comprometida con el público los 365 días del año. Otro es el aclamado programa de conferencias, Salon and Conversation, que reúne voces del mundo del arte y es siempre muy popular. ¿Qué pasa con los artistas y galerías emergentes? Hay excelentes galerías emergentes en Positions, nuestro otro sector joven que se centra en presentaciones individuales. Destacan Dan Bayles y Francois Ghebaly, con base en Los Ángeles; el fascinante colectivo de artistas GCC (Gulf Cooperation Council) en Project Native Informant, Londres; y, en White Space Beijing, el joven y talentuoso artista He Xiangyu. … y este 2015? Para este año me gustaría mantener la vista en Survey, que se dedica a las exposiciones históricas que iluminan a un artista o movimiento. Este año cuenta con nueve expositores totalmente nuevos, incluyendo dos galerías de Asia que han exhibido previamente con nosotros en Hong Kong. Además de Castelli Galería, esculturas icónicas de la década de 1960 del artista estadounidense Keith Sonnier, y el artista brasileño Roberto Burle Marx en la Galería Bergamín.

Noah Horowitz | Director Art Basel Miami

Tokyo Gallery + BTAP | Shinjiro Okamoto, Wooden Clog Memorial Service, 1997.

Stevenson | Pieter Hugo, detalle de Mallam Galadima Ahmadu with Jamis, Abuja Nigeria, 2005, fotografía, medidas variables.


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• Del 1 al 5 de diciembre • 10:00 - 19:00 hrs | Miércoles 2, 16:00 - 19:00 hrs. • Indian Beach Park, 4601 Collins Avenue, Miami • pulse-art.com/miami

¿Cómo se inserta PULSE en el panorama de la Semana del Arte en Miami? Esto es el undécimo año de PULSE Contemporary Art Fair en Miami y el segundo en Miami Beach. Estamos orgullosos de ofrecer una visión apasionante del mercado del arte contemporáneo cultivando una comunidad de galerías y artistas locales e internacionales ¿Por qué Miami ha crecido tanto con respecto al mercado artístico? Miami ha sido siempre una encrucijada para muchas culturas y, como tal, existe una rica diversidad. Los coleccionistas de todo el mundo tienen aquí sus casas y, más recientemente, museos privados; lo cual está acoplado con una fuerte dedicación a la filantropía y con un espíritu empresarial. Creo que esta atmósfera crea el cóctel perfecto para la exploración y el riesgo. ¿Qué ha logrado PULSE hoy en día? PULSE siempre ha evolucionando. El cambio es bueno, y el mundo del arte está en constante cambio. Por lo tanto, nos gusta no solo mantener el ritmo sino que mantenernos a la vanguardia. Este año estamos trabajando con un grupo de artistas en proyectos especiales, incluyendo performance y la presentación de una instalación de realidad aumentada interactiva por Amir Baradaran que es uno de los primeros artistas que trabaja con la tecnología RA. Además, este año habrá un trasfondo de música en PULSE, que añade otra dimensión a la experiencia.

Helen Toomer | Directora Pulse

Beers London | Andrew Salgado, W, 2015, óleo, spray, pastel y gliter sobre tela, 170 X 170 cm.

Gregory Lind Gallery | Christian Maychack, Compound Flat #42, 2015, arcilla epoxy, pigmento y madera, 76 x 63,5 x 13 cm.

Wagner+Partner | Eckart Hahn, Cocoon, 2015, acrílico sobre tela 70 x 50 cm.


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FERIAS PERÚ

• Del 1 al 6 de diciembre • 11:00 - 20:00 hrs. • 801 Ocean Drive, Miami Beach, USA. • scope-art.com/shows/miami-beach-2015

¿Cuál es el papel de SCOPE Art Show durante Miami Art Week? Art Show celebrará su edición número 15. Como pionera del mercado del arte en Miami, el enfoque de SCOPE sobre las nuevas obras contemporáneas se distingue de otras ferias, convirtiéndola en un destino para los nuevos descubrimientos. Juntando artistas emergentes y de mediana carrera. Hoy en día, a donde ha llegado SCOPE? Mientras que el negocio del arte está en constante cambio, SCOPE Art Show se ha mantenido inquebrantable en su misión de introducir nuevas galerías en el mercado. En los últimos años, hemos ampliado nuestro Programa VIP para dar cabida a una base de coleccionistas con mayor interés en el arte contemporáneo. …Y durante SCOPE 2015? Para dar cabida a un Programa VIP ampliado, SCOPE ha construido una Atrium, una entrada monumental que muestra la belleza de Miami Beach y sirve como espacio para alojar a una oferta diaria de eventos exclusivos. Además nos complacemos de presentar Juxtapoz | SCOPE Print Series, en colaboración con 1xRUN, el cual contará con una portfolio de 10 artistas participantes y con ediciones firmadas a mano para coleccionistas y aficionados en una serie de eventos que tendrán lugar en el ámbito del Miami Beach Pavilion.

Daria Brit Green | Vice Presidenta Scope Art Show

NG Art & Gallery | Jorge Otero, Untitled(2), 2015.

MLB Gallery | Mustafa Sabbagh, de la serie Onore al Nero, 2014, fotografía.


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• Del 2 al 6 de diciembre • 11:00 - 20:00 hrs. • Wynwood Arts District 3101 NE 1st Av., Miami, USA. • www.artmiamifair.com

¿Cómo se inserta Art Miami en el panorama de la semana del arte en Miami? Art Miami, que llega a su edición número 26, es la feria con una trayectoria continuada más larga de América. El año pasado la feria atrajo a más de 82.000 coleccionistas, curadores, profesionales de museos y aficionados al arte de todo el mundo. Estos impresionantes números no ocurren por accidente, sino que con un trabajo a lo largo de todo el año que garantiza que sigan aumentando. ¿Cuál es la relación entre Art Miami y las ferias Context y Aqua? Estas ferias son hermanas de Art Miami, siendo el objetivo de Context, tener una feria independiente que atiende a galerías internacionales que representan el mercado primario sólo con talentosos artistas emergentes y de mediana carrera; en cambio, AQUA se creó porque queríamos tener un puesto de avanzada gestionable en South Beach donde nuestros coleccionistas y seguidores de Art Miami y Context pudiesen experimentar una atmósfera ferial muy íntima y centrada en exhibir galerías emergentes y artistas que querían ampliar su alcance. En fin, ¿qué números espera la próxima edición? Este año esperamos superar nuestras cifras de asistencia anteriores, casi 90.000 visitantes. Una vez más: hemos recibido muchas más solicitudes de las que podemos aceptar.

Nick Korniloff R. | Director Art Miami

Alfredo Ginocchio | Hugo Lugo, Prolongar una señal, 2013, acrílico sobre tela, 150 x 115 cm.

La Cometa |Rafael Gomezbarros, No todo lo que brilla es oro, 2015, 1919 cucharas de bronce, 1 cuchara de acero, 200 x 150 cm.

Vertes |Gerhard Richter, Fall (521-2), 1983, óleo sobre tela, 100 × 70 cm.


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FERIAS PERÚ

• Del 2 al 6 de diciembre • 11:00 - 20:00 hrs. • Mana Wynwood, 318 NW 23 rd Street, Miami, USA. • www.pintamiami.com

¿Cómo se inserta Pinta en la Semana del Arte en Miami? Pinta busca suplir la necesidad de tener una plataforma para el arte latinoamericano, en el panorama de las ferias en Miami. Con el objetivo de mostrar artistas emergentes y redescubrir a aquellos que tienen una larga trayectoria, pero que aún no han sido encontrados por coleccionistas. ¿Por qué Miami es un lugar apto para la difusión del arte latinoamericano? Miami es un lugar más que apto, porque recibe gran cantidad de turistas latinoamericanos, muchos de los cuales tienen residencia o casas en la ciudad, siendo un puente que une Latinoamérica con Estados Unidos y el resto del mundo. ¿Cuántas y cuáles secciones compondrán la feria este año? A través de cinco secciónes: Pinta Contemporáneo, que crea un diálogo entre artistas establecidos y emergentes; Pinta Modern, que muestra un continente más allá del estereotipo, explorando artistas menos conocidos; Pinta Photography, dedicada a la fotografía latinoamericana de los ‘20, ‘30 y ‘70; Pinta Drawing, que familiariza al público con prácticas dibujo que se han desarrollado en la región; y Pinta Project, donde se presentarán propuestas que exploran la incorporación del tiempo en las obras de arte.

Diego Costa-Peuser | Director Pinta Miami

Il Chiostro Arte Contemporanea | Jorge Eielson, Nodo, 1971, tejido anudado, 25 x 16 x 17 cm.

KaBe Contemporary | Carla Arocha + Stéphane Schraenen, Landscape, 2015, plexiglas, pintura acrílica y acero inoxidable, medidas variables.


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• Del 2 al 6 de diciembre • 11:00 - 19:00 hrs. | Miércoles 2, 15:00 - 19:00 hrs. • Ocean Drive and 12th Street, Miami Beach, USA. • www.art-untitled.com

¿Cómo ha ido cambiando Untitled año tras año? La primera edición de Untitled contaba con sólo 50 galerías participantes. Este año para nuestro cuarto año serán 130 procedentes de 22 países diferentes, por lo que nos hemos convertido en una plataforma internacional para el arte contemporáneo facilitando un diálogo entre las obras históricas y los artistas emergentes. ¿Quisieras destacar algo en particular acerca de la futura edición? Este año se presentará Radio Untitled, que transmitirá en vivo y consistirá en una serie de interesantes conversaciones, obras sonoras y performances tanto para los visitantes de la feria como para los que se encuentren en otras partes. También habrá un buen número de proyectos especiales así como, por ejemplo, la serie de sillas de Lawrence Weiner firmadas con sus frases poéticas, pues funcionarán como asientos para los visitantes. ¿En qué medida Miami es un lugar adecuado para la difusión del arte latinoamericano? Entendemos el contexto en dónde estamos. Miami es llamada la capital de América Latina. De hecho Untitled incluye galerías de México, Panamá, Colombia, Brasil, Argentina... Y estamos muy interesados en la colocación de estas galerías de América Latina en una conversación global.

Omar López Chahoud | Director Untitled

XS | Magdalena Atria, Septaria V, 2015, 80 x 100 cm.

Espacio Mínimo | Liliana Porter, detalle de The Attempt (triangle), 2014, obra sobre papel, 158 x 23 cm.


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E N T R E V I S TA

Kristell Pfeifer y Catalina Papic, de Editorial AAL

“HEMOS TENIDO UN GRAN CRECIMIENTO, INCLUSO MÁS DE LO ESPERADO” En poco años, Editorial AAL ha alcanzado objetivos importantes: posicionarse dentro del sector editorial, proporcionar un punto de vista particular, privilegiado y calificado e impulsar la difusión del arte latinoamericano dentro y fuera del continente. Conversamos con Kristell Pfeifer y Catalina Papic, responsables de este ambicioso proyecto. Por Francesco Scagliola / Italia.

h

ace tan solo tres años a Ana María Matthei y Kristell Pfeifer, directora de Arte Al Límite (AAL) y editora respectivamente, se le ocurrió celebrar la primera década de la plataforma publicando un tomo exclusivo, armado gracias a los mejores reportajes que habían visto la luz en las hojas patinadas de la conocida revista: salía así Arte Al Límite: 10 años de Arte Contemporáneo. El punto es que el volumen fue todo un éxito y, por esta razón, la iniciativa editorial pudo fisiológicamente tomar vigor y espacio, convirtiéndose –a partir de una excepción celebrativa– en una importante sección del proyecto Arte Al Límite. Hoy en día, la editorial AAL puede presumir en su catálogo de varios títulos: 100 miradas al arte contemporáneo, Latinoamérica Al Límite, Chile arte joven, Perú Arte Contemporáneo y Artistas chilenas del Siglo XXI, que se ha presentado en la sede del Museo de Bellas Artes de Santiago; siendo el último Arte Latinoamericano. La ocasión dio entonces para conversar con Kristell Pfeifer y Catalina Papic –respectivamente Editora General y Directora de Arte– en el intento de hacer el punto de la situación sobre esta desafiante aventura que, pese a su joven edad, se ha ganado un significativo espacio en el panorama editorial –tanto chileno como continental– dedicado al arte visual contemporáneo. ¿Cómo nació la idea de la editorial AAL y, sobre todo, por qué se manifestó la necesidad de unas

publicaciones completamente dedicadas al arte latinoamericano? Kristell Pfeifer (KP): Editorial AAL nació como una forma de celebrar los 10 años de Arte Al Límite. La idea era reunir los mejores reportajes publicados en la revista y así surgió el primer libro, un tomo de más de 500 páginas que reunía el trabajo de artistas como David LaChapelle, Robert Longo, Alex Katz, Yayoi Kusama y Christo & Jeanne-Claude, entre muchos otros. El libro fue un éxito y al año siguiente decidimos hacer tres libros más, esta vez con mayor foco en Latinoamérica y las nuevas tendencias porque esta ha sido una gran área de interés y desarrollo dentro de Arte Al Límite. ¿Cómo se compagina este trabajo, con la continua labor periodística y de galería que caracteriza a la plataforma AAL? KP: Muchos de los artistas que publicamos en nuestros libros han sido publicados en la revista y viceversa. En este sentido, hay una continua colaboración entre nuestros distintos soportes, entendiendo siempre que la obra que publicamos en los libros tiene una permanencia especial en el tiempo y que permite al artista estar presente en los principales lugares de encuentro del arte. ¿Cómo se insertó el proyecto en el panorama artístico chileno y continental? Catalina Papic (CP): Una de las principales diferencias de Editorial AAL es que cada uno de nuestros libros es distribuido de manera nacional e internacional, asegu-

rándonos de llegar a los lugares clave del mundo del arte para poder, de esta forma, dar visibilidad a los artistas en el circuito. Cada una de nuestras publicaciones es enviada a los principales museos de Latinoamérica y también es entregada en grandes ferias de arte como Art Basel, Scope, Pinta, ArteBA, Art Lima, entre muchas otras. En estas instancias tenemos la oportunidad de que nuestros libros sean recibidos por galeristas, curadores y coleccionistas, aportando de esta forma a la difusión del trabajo de los artistas que publicamos. Y, actualmente, ¿cómo se posiciona? KP: Hemos tenido un gran crecimiento, incluso más de lo esperado. En 2013 partimos con un libro, en 2014 hicimos tres, y este año lo terminaremos con seis. Es un crecimiento exponencial que ha sido posible gracias a la calidad y trabajo que hemos puesto en cada publicación, y también gracias a quienes han creído en nosotros y nuestros libros como una forma de contribuir a la permanencia del arte en el tiempo. Para terminar: ¿Cuáles son los futuros proyectos/ objetivos de la Editorial AAL? CP: Actualmente estamos trabajando en una serie muy interesante centrada en Latinoamérica, se llama Colección Al Límite y la idea es ir publicando libro de los distintos países del continente para armar una serie completa. Estamos ahora trabajando en Perú Al Límite y pronto vendrán Chile Al Límite y Colombia Al Límite, entre otros.


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M I R A R L A H I S TO R I A

ABAPORU, de TARSILA DO AMARAL

CONECTÁNDOSE CON LO PRIMITIVO Társila do Amaral es una artista que redefinió el arte brasileño, su posición frente al modernismo, su relación directa con el movimiento Pau Brasil y Antropofágico la convirtieron en un referente para el arte local. Reivindicando lo local, rescatando y valorando las condiciones únicas del mestizaje que se desarrollaron en Brasil. Por Francisca Castillo / Chile. Imagen cortesía de Colección MALBA, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires.

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acida en 1886, dentro de una familia acomodada de Sao Paulo, Társila do Amaral estuvo en contacto desde temprana edad con el arte. Tuvo la oportunidad de estudiar en Europa y relacionarse con artistas de las vanguardias, trabajando en sus talleres, participando de salones y clases en prestigiosas academias.

En estos viajes por Europa aprendió y se interesó por los estilos que se estaban desarrollando allá, pero su interés por el paisaje y la gente de su natal Brasil se convirtieron en un anhelo que la llevó a su regreso a Sao Paulo. El retorno a las raíces de lo que significaba ser brasileño, el paisaje, la situación del mestizaje que existía, hacía de su contexto algo que valía la pena explorar. La relación con su entorno la llevó a direccionar su arte hacia lo que convertía a Brasil un espacio único históricamente, pero que había vuelto su mirada hacia Europa adoptando costumbres y estilos que no les pertenecían. Por otro lado, su relación con Oswald de Andrade le permitió contactarse con diversos artistas de la escena local, quienes formaron un movimiento vanguardista y artístico llamado Antropofágico, que desarrollaría un lenguaje único y que incluía una declaración de principios aunados en el Manifiesto Antropófago (1928), escrito por Andrade, que reivindicaba el sentido de

lo brasileño tomando en cuenta las raíces culturales y naturales de Brasil, como es el caso del mestizaje entre indígenas, portugueses y negros. Para los antropófagos, Brasil tenía identidad propia antes de haber sido colonizada. La modernidad debía tomarse como un arma de doble filo: por un lado aplastaba las tradiciones locales, pero a su vez incrementaba la posibilidad de gestar un movimiento propio utilizando el lenguaje artístico de las vanguardias europeas. El título de la obra Abaporu, proviene del tupí guaraní, lengua hablada por la etnia guaraní en gran parte de Sudamérica y en el sur de Brasil. Su significado es “el hombre que come”, marcando como precedente la terminología de lo que sería el movimiento Antropofágico. El rechazo de estos artistas por el rol cumplido por los colonizadores en América, significó el fin de una cultura rica en tradiciones y para nada retrasada con respecto a los europeos, en donde cualquier conducta o moda, que llegaba desde el viejo continente eran los cánones que nos regían. El intento para modificar esta visión eurocéntrica se convirtió en el objetivo principal de estos artistas. El significado de Abaporu, aún se relaciona con la idea expresada en el manifiesto: deglutir la cultura europea y transformarla en algo brasileño. Abaporu se presenta como una composición sencilla, pero que transmite una simpleza de formas que

resaltan la intencionalidad de retornar a un estado primitivo y natural, que se conecta con las raíces y orígenes del indígena brasilero. Los colores le brindan a la pintura una sensación de originalidad que se puede ligar a las vanguardias europeas expresionistas, que tiene mucho que ver con la idea del grupo antropófago de retornar al origen. Un hombre que se encuentra representado a través de una perspectiva poco realista, permite adentrarse en el mensaje más que en la imagen. La simpleza permite conectarse con la idea de un estado de reflexión sobre lo que somos: la desnudez refleja lo primitivo de la condición humana, nuestro vínculo con la tierra. Lo cierto es que esta búsqueda, por rescatar las características que hacen de Brasil un espacio único de confluencias culturales, convierte a Abaporu en una imagen icónica del arte latinoamericano. La relación que tuvo con artistas brasileños fue crucial para Társila do Amaral en su trayectoria artística. La intención de obras como Abaporu es la de exaltar la cultura única de Brasil, su historia de mestizaje, de colonización y la intención de la artista de presentar una declaración de principios sobre la importancia de preservar la identidad nacional. El valor de esta obra reside en su condición de piedra fundacional para el movimiento Antropofágico, del arte brasileño y latinoamericano.


Abaporu, 1928, 贸leo sobre lienzo, 73 x 85 cm. MALBA, Buenos Aires, Argentina.

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E N E L TA L L E R

ALEJANDRA NEF El anhelo de lo ideal Por Lucía Rey / Chile. Imágenes cortesía de la artista.

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l taller de Neef se desarrolla dentro de la escuela de arte de Martín Soria. Alejandra llega a este lugar en una búsqueda de tradición, disciplina y universalidad. Hay un trabajo diario que es arduo, que se desplaza en la extensión física de esta casa roja. La conversación con Alejandra y con Martín aparece como una cita a los pintores europeos postgótico, que buscaban la perfección no sólo en la técnica, sino que también en la intención más profunda de la imagen representada, aquella que da cuenta de inquietudes de una época, trasladando a su vez el formato y el dogma sensible de los artistas renacentistas. Dicho énfasis técnico, inevitablemente se descubre en una cierta solemnidad para trabajar al interior del taller, en el ejercicio pictórico de evocar la praxis artística europea más clásica, donde la técnica y la temática alcanzaban una tensión artística que contemporáneamente vemos disuelta. Ahí dentro, hay momentos de estudio de cultura y estética desarrolladas


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por medio de sistemáticas charlas diarias y un trabajo metódico, en lo concerniente a las gamas cromáticas dadas, por ejemplo, en la representación de un modelo determinado en las paletas fría, neutra, alta, media, baja, como un estudio constante de destreza y autocorrección. Dinámica seguida por más de 15 personas integrantes de cada escena de aprendizaje. Al llegar a la dirección geográfica, reconocer la casa es bastante fácil por su fachada en rojo, su ante jardín verde y su presentación como escuela de arte. Al entrar se encuentra inmediatamente un camino trazado por la distribución de los atriles frente a los cuales hay una pizarra con indicaciones técnicas y recordatorios éticos- estéticos. Se puede apreciar en un cuarto especial el acopio de pinturas realizadas por el maestro de la escuela, coherente con la línea impartida: retratos, paisajes, ejercicios cromáticos de gran oficio. Luego, en el patio existe un espacio de distracción con una mesa de pin pon, ocupada

en los intervalos de estudio y otra mesa en donde suelen almorzar colectivamente.

llegar a ser un canal para una perfección que viene de un mundo ideal.

Los elementos fundamentales que una obra artística debe tener según la escuela a la que adhiere Alejandra son: comunicación, originalidad, universalidad, motivación, intelectualidad, composición, temática, destreza gráfica, tono, matiz, oficio y armonía. Claramente una concepción de belleza clásica, donde el error solo tiene lugar a modo de ejercicio, entonces el objeto artístico se aprecia como el momento culmine de una serie de ensayos y horas de trabajo absoluto.

Los proyectos personales de Alejandra tienen lugar aquí, en medio de un trabajo meticuloso desarrollado como un estudio fragmentario, donde a través de un zoom pictórico elabora los detalles del proyecto final en otras telas. Lleva 5 años de voluntad y disciplina en este espacio, que parecen ser el inicio de un aprendizaje que no termina nunca. Además realiza trabajos en carboncillo y en acuarela, que le permiten encontrarse con las sorpresas de un material impredecible. Un ejercicio cromático que para la práctica de Neef funciona complementariamente, ya que por una parte, el mundo material del óleo demanda tiempo de espera en el secado, mediante precisión cromática a voluntad, otorgando la posibilidad de manejar el flujo de la pasta; y, por otra parte, en el mundo de la acuarela el agua permite encontrar, en su fluir, la propia intuición del pintor y también la espontaneidad del discurrir del mismo material.

En un convencimiento de lo que es el arte, Alejandra se entrega vigorosamente a dicha disciplina. Camino que demanda mucha humildad y calma. Los productos estéticos vienen como auto-recompensas, que deben ser buscadas en cada pincelada y esfuerzo con soltura y desinterés material, en el anhelo de


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PA N O R A M A S

EXPOSICIONES SANTIAGO

Esta muestra fotográfica da a conocer cómo las memorias individuales reflejan sentimientos colectivos de esperanza y acogida. A través de 32 retratos de sobrevivientes del Holocausto, que tienen entre 80 y 100 años, y que viven en Chile, Shats invita a conocer su realidad.

En el Umbral del Olvido Samuel Shats

Centro Cultural Gabriela Mistral Hasta el 27 de diciembre Av. Libertador Bernardo O'Higgins 227 www.gam.cl

matucana 100

MAC Parque Forestal

De madonna a Madonna. Varios Artistas

The Harmonic Series Manuela Donoso y Luisa Pereira

Hasta el 3 de enero

Hasta el 22 de enero

Más de 40 artistas chilenos y extranjeros participan en esta muestra colectiva con

Inspiradas por el trabajo del matemático y físico francés Jules Lissajous, las artistas

variados formatos, que van desde el dibujo a lo audiovisual, reflexionando en torno

Manuela Donoso y Luisa Pereira exploran la relación entre la armonía musical y la

a la construcción de la mujer, su lugar y condición en una sociedad que cambia.

visual, a través de dispositivos mecánicos, softwares, grabados y esculturas.

Av. Matucana N° 100 Estación Central www.m100.cl

Ismael Valdés Vergara 506, Santiago www.mac.uchile.cl


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Museo Nacional de Bellas Artes

Museo de la solidaridad salvador allende

Introspectiva Iván Vial Williams

Ausencia encarnada Varios Artistas

Hasta el 24 de enero

Hasta el 24 de enero

Curada por Ramón Castillo y Angélica Quintana, la exposición da a conocer la

La exposición revisa trabajos de los años 70 a través de videos, instalaciones, grabados,

investigación creativa y los distintos contextos en los que este artista chileno desplegó

collages, fotografías y documentos, junto a obras y performances de diferentes artistas

su trabajo a partir de 1950

nacionales recreadas especialmente para esta ocasión.

José Miguel de la Barra 650, Santiago www.mnba.cl

República 475, Santiago www.mssa.cl

Centro de Extensión UC

D21 Proyectos de Arte

Negroesteka Varios Artistas

Double Headed South: Bicéfalo Peter Bonde y Javier Tapia

Hasta el 23 de enero

Hasta el 31 de diciembre

Son 140 artistas que respondieron a la convocatoria de la Revista de Cerámica Esteka

Este proyecto expositivo se divide entre el Museo Nacional de Bellas Artes y D21,

para trabajar piezas de color negro, con diversidad de temáticas, técnicas y temperaturas

y que presenta una instalación, un film construido con diapositivas y dibujos sobre

de quema que dan cuenta de la versatilidad de la arcilla.

elementos conceptuales y visuales que dan cuenta de su proceso creativo.

Alameda 390, Santiago www.extension.uc.cl

Nueva de Lyon 19, departamento 21, Providencia www.d21.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.


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PA N O R A M A S

EXPOSICIONES REGIONES PINACOTECA UNIVERSIDAD DE CONCEPCIÓN

Casa E

Pintura y Representación en Chile Varios Artistas

Arquitectonas Nemesio Orellana Hasta el 3 de enero

Hasta el 20 de diciembre

Continúa el programa de itinerancia del Museo Nacional de Bellas Artes y Fundación

Este trabajo mezcla la fotografía y la arquitectura sobre edificios emblemáticos como

Itaú, y que traslada 26 obras de la colección del MNBA, de artistas como Roser Bru,

Quinta Claude y Siete Hermanas, entre otros, para hacerlos aparecer bajo una mirada

Nemesio Antúnez, entre otros, a diferentes regiones del país.

“telúrica, disectada, catastrofiada e híbrida”.

Chacabuco esquina Paicaví s/n, Concepción extensionudec.cl/pinacoteca

Calle Lautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre, Valparaíso www.casae.cl

galería de arte modigliani

Galería de Arte Casa Verde

Roberto Matta Roberto Matta

Ombligos de las ciudades: grabados iluminados Pilar Domínguez

Hasta el 12 de enero

Hasta el 31 de enero

La exposición aborda los grabados del destacado artista chileno Roberto Matta, quien

Esta exposición se acompaña de una intervención de arte por las calles de Recreo, en

basa su obra gráfica de una serie litográfica en sus propios poemas, que nos pueden

los llamados “obligos de las ciudades” que son aquellos lugares a través de los cuales

parecer extraños y penetrantes.

se accede a los servicios básicos que corren subterráneamente.

5 Norte 168, Viña del Mar www.galeriamodigliani.cl

Camino Real 1783, Recreo, Viña del Mar www.galeriaasaverde.cl


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TALLERES / WEB AAL Palafito Patagonia

Nueva Galería de Arte, Hotel Grand Hyatt STGO.

Texturas visuales de Chiloé Matías Aylwin Márquez

4 Miradas Australes Varios Artistas

Hasta el 31 de diciembre

Hasta el 29 de diciembre

La muestra está compuesta por una serie de imágenes del proyecto de fotomontaje, las

En esta muestra participan los artistas Loreto Sanhueza, Constanza Sierralta, Víctor

cuales están hechas con fragmentos de fotografías originales registradas en reiterados

Paz, Luis Alberto López Cruz, y las escultoras Luz María Soriano, Sofía Rosenzweig,

viajes a la isla de Chiloé.

quienes reflejan en esta muestra un colorido y distintas texturas.

Pedro Montt 651, Castro, Chiloé www.arteallimite.com/galeria/artistas/matias-aylwin-marquez

Avda. Kennedy 4601, Santiago www.arteallimite.com/galeria/artistas/loreto-sanhueza-vergara

Taller de la artista

Galería Oops

Workshop: Eco-Tetrapack Marcela Carvajal

Elevándose Flavia Andrade

12 y 19 de diciembre

Hasta el 16 de diciembre

Una oportunidad única para aprender la técnica del grabado ecológico a partir del

En esta exposición colectiva participan 23 artistas, emergentes y con trayectoria, que

material reciclado tetrapack, en cuatro pasos secuenciales. No se requiere experiencia

se reúnen bajo el tema "Metafísica y el Surrealismo". Además, en la inauguración se

previa e incluye materiales. Contacto: carvajalarte@gmail.com, +56992335984.

contará con la participación de tres artistas que interpretarán canciones de Cat Stevens.

Camino a Huallalolén 20415-B, El Arrayán, Lo Barnechea www.arteallimite.com/galeria/artistas/marcela-carvajal-52

Av. Italia 1194, Providencia www.arteallimite.com/galeria/artistas/loreto-sanhueza-vergara

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.


Diego María Rivera Barrientos El arquitecto, 1915-16, óleo sobre tela, 144 x 113,5 cm. Colección Museo de Arte Carrillo Gil. Reproducción autorizada por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura de México, 2015.


destacado del mes

La Exposición Pendiente. Orozco, Rivera. Siqueiros (1973-2015)

OTRA PAUSA EN NUESTRA HISTORIA La muestra presenta las obras de los principales exponentes del muralismo mexicano, además de un detallado trabajo museográfico y de archivo que narra la historia fallida de la exposición que, en 1973, no pudo ser realizada debido al golpe de estado en Chile. Por Pía Cordero / Chile. Imágenes cortesía del Museo Nacional de Bellas Artes.

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ace 42 años tendría lugar en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), una exposición itinerante proveniente de México con obras de los principales exponentes del muralismo mexicano Orozco, Rivera y Siqueiros. La muestra era organizada por Nemesio Antúnez, quien fuera en aquel entonces director del MNBA. El conjunto de obras, donadas por el coleccionista Alvar Carrillo Gil al estado mexicano en 1972, comenzaba una serie de itinerancias por el mundo y Chile sería su primer destino. La inauguración de la exhibición estaba prevista para el día 13 de septiembre de 1973. Sin embargo, dos días antes, el 11 de septiembre, las fuerzas militares de Chile bombardeaban el palacio de gobierno dando inicio a una extensa dictadura militar. La exposición de los muralistas mexicanos –como muchas cosas más–, quedaría pendiente. Este año, después de más de cuatro décadas, se retoma aquella exposición, bajo el título La Exposición Pendiente. Orozco, Rivera. Siqueiros (19732015)¹. La muestra presenta las principales obras de los artistas mexicanos, además de un detallado trabajo museográfico y de archivo que narra la historia de la exposición fallida. Desde el 19 de noviembre hasta fines de febrero del 2016 se expone un capítulo de la historia de Latinoamérica,

que narra sus sometimientos y resistencias. Sobre la muestra y su relación con la historia de Chile, comenta Roberto Farriol, actual director del MNBA: “Indudablemente, la obra e influencia de estos tres artistas es parte del patrimonio artístico de América Latina. Claro que han pasado más de cuarenta años y, por lo mismo, no podemos pretender hacer una puesta en escena de lo mismo que se exhibiría en el ‘73. Es por ello que la exposición presenta también un ejercicio de relectura, revisión y puesta al día de la obra de Orozco, Rivera y Siqueiros, pero también del contexto histórico. Se ha trabajado mucho en la investigación y en la recopilación de material documental y gráfico de indudable valor, que hace que se trate de una exposición distinta y quizá mucho más profunda en sus implicancias”. La colección del Museo de Arte Carrillo Gil, la más grande colección de arte mexicano moderno, posee dibujos, estampas y pinturas de José Clemente Orozco (1883-1949), David Alfaro Siqueiros (1896-1974) y Diego Rivera (1886-1957). La obra de estos artistas perteneciente al movimiento del Muralismo Mexicano, surge de los encargos de José Vasconcellos, intelectual y secretario de educación, quien en el año 1921 pidió realizar distintos murales en edificios y escuelas públicas de México.

A través del monumentalismo de los murales se expresaban los principales tópicos políticos de aquel momento como la revolución, la identidad mexicana, la lucha de clases y el indigenismo. En este contexto, influenciados por el cubismo, el surrealismo y el expresionismo, los muralistas mexicanos realizaban uno de los trabajos pictóricos más representativos de Latinoamérica. Entre las obras que trae la muestra La Exposición Pendiente. Orozco. Rivera. Siqueiros (1973-2015), se encuentran: de Orozco los óleos sobre tela El muerto (1925-28) y Zapata (1930), retrato de Emiliano Zapata, uno de los principales protagonistas de la revolución mexicana; y, de Diego Rivera los óleos sobre tela cubistas El arquitecto (1915), retrato del amigo del pintor, Jesús Tito Acevedo, y Mujer sentada en una butaca (1917), retrato de Marievna, una mujer rusa que conoció en su estadía en Montparnasse, Francia. OROZCO, RIVERA Y SIQUEIROS: LA EXPOSICIÓN PENDIENTE 1973 - 2015 FECHA: Del 19 de noviembre hasta febrero LUGAR: Museo Nacional de Bellas Artes DIRECCIÓN: José Miguel de la Barra 650, Santiago, Chile ENTRADA: Liberada

¹ Organizada por la Dibam, a través del MNBA, la Embajada de México en Chile, el Museo de Arte Carrillo Gil y Hoja Blanca; gracias al auspicio de Claro y el Fondo Conjunto de Cooperación México–Chile; con el patrocinio de Aeroméxico, Axa Seguros y el CNCA.

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R E P O R TA J E

EL RETORNO DEL AURA: ENTRE EL OFICIO Y EL TIEMPO No hay duda de que el bordado se ha tomado la escena del arte local, pero también hay nuevas técnicas irrumpiendo en este escenario, como el collage y lo figurativo –que nunca pasa de moda. La plasticina, por otro lado, refuerza la idea de factura y dedicación, conceptos clave que despiertan y recuperan la capacidad de asombro del espectador. Por Paz Vásquez Gibson / Chile. Imágenes cortesía de los artistas.

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o primero es vencer el pudor. Es desnudarse para imprimir en la tela el propio cuerpo. Luego, ir recorriéndolo punto por punto –literalmente– con hilo y bastidor. Es ir haciendo visible lo que parece olvidado: venas, arterias, el sistema linfático, el sistema nervioso. Se trata de repetir un patrón de comportamiento de optimización de recursos que se manifiesta en las raíces, en las ramas de los árboles, en las conexiones neuronales, pero también en los sistemas inorgánicos, como en el tráfico de las ciudades y en internet, y cuya “esencia radica en la manera en que las cosas fluyen por el camino de menor resistencia”, declara Juana Gómez, artista visual que desde hace un tiempo trabaja el bordado como medio de expresión.

La artista, además, percibe que hay muchos que están haciendo bordados o interesados en aprenderlo, y sugiere, como hipótesis, que esto tiene que ver con volver a las raíces de las culturas, a todo lo que es manual, a todo lo que es conectarse con el tiempo, siempre pen-

“Este patrón está tan adherido a lo que somos que, nosotros, correspondemos para afuera lo que está en el interior”, dice la artista, y explica que se trata de patrones de comportamientos heredados genéticamente y que, al bordar ella su cuerpo desnudo, se cubre de algo universal, ancestral, que la vuelve parte de un todo. Su trabajo es minucioso, con libros de anatomía como referencia. Su trabajo es lento, con el ritmo acompasado de lo hecho a mano. Y el espectador, dice ella, es capaz de empatizar con la cantidad de trabajo que hay tras su obra.

sando que estamos insertos en una era de la inmediatez, lo digital, lo touch, “lo hecho en China” y en donde, finalmente, lo hecho a mano cautiva por contraste.

Otra artista que utiliza el bordado es Aurora Anita y concuerda con Gómez sobre lo que provoca en el público: “A la gente le gusta, se conecta con esto. Les gusta mirar el detalle, los colores combinados, los tipos de punto”.

Volver a las raíces de las culturas, a todo lo que es manual, a conectarse con el tiempo, siempre pensando que estamos insertos en una era de la inmediatez (…), lo hecho a mano cautiva por contraste. Aurora Anita, artista visual.

Aurora Anita es sistemática, rigurosa. Profundiza en la técnica hasta la perfección, utilizando con frecuencia el dorado sobre un fondo negro o el blanco como sobre relieve. Ha estudiado todos los puntos y ha logrado dominarlos. Sus obras se revisten de una sacralidad tal que al verlas sólo queda callar. De ahí que el nombre de su exposición en la galería Madhaus se haya titulado Silencio. Felipe Valdivia es todo lo contrario. Su aproximación al bordado es más bien amateur y se centra más en el proceso, en dejar un espacio para la improvisación y el

equívoco. Mezcla de collage con bordados, retazos de tela cosidos a máquina, acuarela, pintura, textos, texturas, teñidos y el resultado que surge tras el ensayo y error de la experimentación misma, el fluir. Es un bordado masculino, dice él, con la aguja de la máquina que penetra en la tela con un pulso constante, sin avasallar pero firme. Para él, el bordado se dio de forma natural, nunca fue una tendencia sino que siempre quiso rescatar algo que fuera muy chileno, que tuviera que ver con la identidad, con lo latinoamericano. Pero se dio cuenta de que el bordado era algo más bien universal; que diferentes culturas llegaban a resultados textiles muy similares. Hoy piensa que el auge que ha tenido esta técnica tiene que ver con recuperar las cosas que se hacían antes. “Probamos todo en lo que se podía innovar y ahora volvemos a lo artesanal”, afirma el artista. MANIFESTACIÓN IRREPETIBLE Pareciera ser que la obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, tal como lo viera Walter Benjamin, está llegando al final de su ciclo. Pareciera ser que los artistas y espectadores se han dado cuenta de lo que Benjamin dijo el siglo pasado, que “incluso en la reproducción mejor acabada falta algo: el aquí y ahora de la obra de arte, su existencia irrepetible en el lugar en que se encuentra”. Al respecto, Mauricio Garrido –quien trabaja el collage como técnica– coincide en que no solo hay mucha gente explorando el bordado como una “revalorización del vínculo”, sino


Nora Unda, Ecosistema de un fragmento sin vida, 2013-14, relieve de plasticina sobre madera pintada, 60 x 82 x 5 cm.


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Juana Gómez, Constructual 4, 2015, bordado a mano sobre fotografía impresa en tela, díptico, 160 x 55 cm.

que además, dice él, “hay un reconocimiento a la identidad, una revalorización de lo precario frente a toda la maquinaria digital. Es lo artístico a la antigua”. En términos benjaminianos, se podría pensar que hay una especie de retorno a la dimensión “aurática” de la obra de arte, entendiendo el aura como “manifestación irrepetible” del aquí y el ahora de la obra de arte. En ese sentido, el trabajo de Garrido, si bien parte de imágenes preexistentes reproducidas técnicamente, éstas son reordenadas para componer una situación completamente nueva, irrepetible. “Es como el mito de Frankenstein, del ser humano ideal hecho de fragmentos de otros seres humanos y que finalmente es un monstruo”. Sin embargo, para él esta técnica no tiene nada de especial. “Es algo tan fácil, tan básico y tan cercano que todo el mundo lo ha hecho alguna vez”, asegura. La clave está, entonces, en cómo se rearticula el lenguaje a través de la colocación de “eslabones de una cadena de ADN a la que se le han caído los dientes, en cómo se van llenando los espacios”, dice. En resumen, el collage “es una técnica de discernimiento organizativo de la mente”, explica, y esa técnica dice más de la identidad y de la representación de uno mismo que de cualquier otra cosa.

Para la artista visual Constanza Ragal, el collage rearma imágenes ya mediatizadas, mientras que el bordado es “técnicamente único, hecho por el artista”. Y reconoce en el bordado más que una tendencia, una moda. “Quisiera pensar que hay un retorno al oficio, a la factura de la obra. Quisiera pensar que una obra tiene mucho

misma explica, que son luego el boceto de su obra, es decir, el proceso previo a la pintura. La artista dedica horas al collage sin que sea éste una obra de arte en sí mismo. Es más bien una maqueta hecha a mano, coincidiendo con el espíritu de época al cual aluden los artistas aquí mencionados.

Cada artista es el relator de su época, independiente de la técnica que se utilice, sea ésta bordado, collage o plasticina.

Y no sólo ella. Al parecer, también el espectador se siente cautivado por ese espíritu. Es lo que ocurre, por ejemplo, cuando alguien ve la obra de Francisca Correa. Su producción más reciente consta de una imagen central, generalmente en blanco y negro, envuelta en un escenario de elementos descontextualizados. Todo es papel por papel recortado a mano. “Parte de mi técnica –explica la artista– consiste en borrar los límites de la técnica misma, recortar todo minuciosamente para que se vea unido y no se note”. Y cuando el espectador descubre el engaño y se asombra al ver que no se trata de una impresión, de un grabado o de un collage digital, Francisca Correa se complace: el objetivo se ha logrado y su trabajo tiene su paga.

Jacinta Besa, artista visual.

valor cuando hay horas de trabajo, cuando está esa poética del hacer, que tiene la pintura –que siempre lo ha tenido– y que tiene el collage, con el tema del recorte”, explica. Ragal percibe también que, en la actualidad, más gente está haciendo collages por la razón de que hay una saturación de imágenes que genera una necesidad de “apropiarse de todo ese imaginario que circula”. En su caso, por ejemplo, crea –a través del collage– un “laboratorio de imágenes”, como ella

Eso es lo que provoca lo hecho a mano: el asombro, la sorpresa, la admiración. En esa línea se sitúa Francisca del Río, artista visual que trabaja el dibujo a lápiz de


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Mauricio Garrido, detalle de Tríptico de la Serenidad (panel central), 2014, collage, 72 x 220 cm. Foto: Roberto Garrido Cordero.

personajes de la cultura pop. Twiggy, Jack Nicholson, Sophia Loren, Cerati, Mick Jagger, Elvis Presley, entre muchos otros retratos que circulan en internet pero que en su obra llevan el sello de la manualidad; retratos a los que se les notan las arrugas, el brillo de los ojos o la textura de la ropa, y todo esto logrado con lápiz grafito y posca. Son imágenes reproducidas, sí, pero reproducidas a mano, únicas e irrepetibles, algo que –asegura Francisca del Río– la gente apetece. EL AQUÍ Y EL AHORA “No quiero hacer más reproducciones, no quiero copiar nada que se parezca a la realidad. Quiero un lenguaje absolutamente mío”. Ese fue el reclamo de Nora Unda tras una cirugía en el hemisferio derecho de su cerebro que, precisamente, se relaciona con el ámbito creativo, y luego del cual se produjo un quiebre en su técnica y en los materiales que empleaba. En esa búsqueda, comenzó a hacer dibujos inconscientes para salir de sus propios prejuicios. Luego, se preguntó en cómo darle volumen a eso que emergía de su ser más íntimo, en cómo hacerlo tangible, casi orgánico. Y entonces vio la luz, dice ella. En realidad siempre estuvo ahí: la plasticina.

Con ella solía moldear las esculturas que luego fundía en bronce y que ahora, de manera casi intuitiva, le permitía una nueva forma de expresión. Jacinta Besa, en tanto, no solo modela la plasticina sino que verdaderamente pinta con ella, retomando

De la misma manera en que lo visual pasó a ser un adorno del concepto, la recuperación de lo visual a través de lo manual parece ser parte de los signos de los últimos tiempos. Guillermo Lorca, artista visual.

el uso de la teoría del color a la usanza de los impresionista de fines del siglo XIX. “La plasticina se usa para otra cosa, es para niños... los niños juegan con plasticina. Yo la saco de ahí para hacer pintura y uso temáticas que tampoco tienen que ver los niños”, cuenta la artista. Su obra, destaca además, por la dedicación y la paciencia, el trabajo y el estudio que hay detrás. Para ella, cada artista es el “relator de su época”, independiente de la técnica que se utilice, sea ésta bordado, collage o plasticina. Más aún, agrega

que no se usan estas técnicas porque sean bellas, sino porque se han convertido en un medio idóneo para expresar algo que esta época quiere expresar. Para el artista Cristián Vargas, dicha cuestión es clara: “Hay un rescate del oficio, del quehacer. Recuperar las bases, los orígenes”, dice. Y agrega que se trata de ciclos que van recorriendo la historia. “Uno siempre va un poco más atrás para poder avanzar”, afirma. También lo ve así el artista Guillermo Lorca, quien asegura que lo figurativo ha cobrado una nueva fuerza. “No me refiero necesariamente a la pintura con las técnicas tradicionales, sino al auge de la ilustración y al street art que es legitimado en el mercado del arte contemporáneo y que se ha cruzado con la pintura figurativa”, explica. Y todo esto es cíclico. “En Occidente todo a tiende a renovarse. El academicismo no dura para siempre”, dice. Y de la misma manera en que lo visual pasó a ser un adorno del concepto, la recuperación de lo visual a través de lo manual parece ser parte de los signos de los últimos tiempos, el retorno al detalle, al lento transitar para completar una obra, a detener los segundos en una puntada de hilo. Más aún, a deleitarse con el oficio para encontrar la fluidez en la lentitud. Estos parecen ser los códigos de los artistas de hoy.


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C O LU M N A

VIDEO EN LATINOAMÉRICA: RODEANDO LA MONTAÑA ¿Cómo funciona el videoarte en Latinoamérica bajo a la contaminación cultural de los procesos globalizadores?, el tema –complejo en todas sus artistas– se hace aún más confuso cuando consideramos la carencia de recursos, tanto tecnológicos como económicos, y la falta de interés del coleccionista local. Por Daleysi Moya / Cuba. Imágenes cortesía de Diego Lama y Raúl Marroquín.

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l intento por definir invariantes en el amplio corpus creativo de la videocreación latinoamericana actual podría conducirnos a un callejón sin salida. La amplísima variedad de la región, en términos sociopolíticos, económicos y culturales, unida a la manera dispar en que ha evolucionado el género en cada país, hace que sean de mayor valía los análisis generacionales, de movimientos o grupos y los acercamientos a los exponentes más significativos del área. A dicha diversidad territorial es imprescindible agregar la contaminación cultural de los procesos globalizadores. Los niveles de asimilación e incorporación de elementos y modelos provenientes de los más disímiles espacios de producción de sentidos, se vuelven más elevados e impiden la clara demarcación de un presunto quehacer latinoamericano. El tránsito desde lo local al de lo global y viceversa, se realiza con total organicidad e impone constantes replanteamientos de nuestros mapas identitarios. La diversidad que comprende nuestra creación videoartística más contemporánea está atravesada por elementos que, si bien no determinan la homogenización del quehacer regional, constituyen espacios conflictivos con los cuales el género tiene que lidiar. En este sentido, serán reveladores los planteos de Rodrigo Alonso, curador y estudioso del tema, respecto a la producción latinoamericana: “podría decirse, sin demasiada ironía, que si hay algo que une a la América Latina es la constancia de sus obstáculos y dificultades”, señala en un blog web.

Por un lado, comenta el Rodrigo Alonso que, se encuentra la carencia de recursos tecnológicos o la inaccesibilidad a los más actualizados (aun cuando la era digital ha ido permitiendo una especie de “democratización” de la tecnología), esto ha marcado una tendencia hacia el trabajo con los lenguajes en baja resolución. En contraposición a los patrones cinematográficos y televisivos –incluso a los del videoarte en sus primeros momentos– la videocreación ha establecido, a partir de estas nuevas particularidades tecnológicas, sus propias normativas estéticas. De ahí que se haya producido un fenómeno de exploración y explotación de las precariedades típicas de la baja definición. Por otra parte, está el hecho de la generalizada falta de interés y apoyo institucional por el desarrollo del medio, entendido sobre todo en términos económicos. Con respecto a décadas anteriores se detecta la creciente articulación de un sistema enfocado en la circulación del género, la realidad es que aún hoy escasean fuentes financieras y sistemas de producción necesarios para impulsar de manera sólida el avance de la videocreación en el área. El grueso de las realizaciones se sustenta en el trabajo particular de creadores no necesariamente formados en el manejo de las nuevas tecnologías y en el empleo de recursos y materiales de naturaleza doméstica (Augusto Zanela, artista, acuñó una frase que ilustra este fenómeno tercermundista: Hi Fi Low Tech, aludiendo a la resolución de premisas conceptuales con tecnología de bajo presupuesto). Entonces los resultados

se vuelven incompatibles con los estándares de medios como el televisivo, e idóneos para nuevos canales como redes sociales, los espacios de video online –como Youtube– y celulares. Este fenómeno se encuentra estrechamente vinculado con la indiferencia mostrada por los medios de comunicación que trabajan con una imagen de “calidad” –cine y televisión–, así como por espacios comerciales más convencionales respecto al producto videocreativo, que encuentra acogida fundamentalmente en el interés foráneo . Todos estos elementos, unidos a las particularidades socioculturales de cada uno de los países que integran Latinoamérica constituyen retos a afrontar. Son, además, detonantes para el surgimiento de obras que proponen variantes locales a las grandes producciones de América del Norte y Europa; brechas de resistencia, “a partir de las cuales nacen nuevas visiones críticas de lo social, mediante el uso desprejuiciado de los nuevos medios”, como señalan José Villacorta y José Carlos Mariátegui. Quizá este carácter alternativo y marcadamente crítico sea uno de los aspectos constantes a lo largo de la producción de toda la zona. El posicionamiento periférico de la región, en relación con las grandes sedes de los medias globales, la situación postcolonial, heredera de siglos de dominación europea y la inestabilidad política, han sido gestores de una vocación beligerante en el campo de la creación videoartística, que con frecuencia vuelve al terreno de lo histórico y las realidades sociales más urgentes de nuestros pueblos.


Diego Lama (Perú), Informal/Ilegal, 2013, video, medidas variables, 3 minutos de duración.

Raúl Marroquín (Colombia), Detección de un objeto volador no identificado, Gassin cote d’azur, 2013, video instalación. Foto: Marieke van Miltemburg.


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A R T E J OV E N | A R G E N T I N A

ADRIÁN VILLAR ROJAS Creación, consciencia y tiempo Más allá de los materiales o la técnica, Villar Rojas trabaja su obra desde el concepto, desde su propia percepción del mundo en el lugar que lo rodea. Una obra que puede ser una escultura monumental o una performance, que se realiza tras meses de investigación junto a un equipo de colaboradores, como una obra site specific. Por Elisa Massardo / Chile. Imágenes cortesía dedel artista, Marian Goodman Gallery, New York / Paris / London.

C

on 35 años, el argentino Adrián Villar Rojas, ha recorrido gran parte del mundo con sus exposiciones, las cuales van desde el Louvre hasta el MoMA, y todo desde una posición externa al mundo que le rodea; posición que a su vez es interina y consciente del lugar, de la forma, del concepto, del estudio y de la temporalidad. “El planeta, su costra y fondos, sus eventos naturales y humanos, los que en mi visión forman una unidad indistinguible, sus energías y geografías, son la materialidad de mi práctica”, explica el artista, quien se sitúa como un alienígena en la Tierra para poder aproximarse al planeta con una mirada ajena, desprovista de cualquier jerarquía o taxonomía humana, y así “horizontalizar la totalidad de los constructos sedimentados por juegos de lenguaje anteriores: el David de Miguel Ángel tiene el mismo peso axiológico, formal o semiótico que un IPhone, los desechos de una cena o un hormiguero. Esto me permite jugar a la resemantización total de lo ‘humano’, desde una mirada ingenua”, puntualiza Adrián. En este agujero comunicacional, en el que los constructos conceptuales adquieren diferentes connotaciones temporales, Villar Rojas sitúa su trabajo, en sus palabras, “es en el carácter fallido, abismal, agrietado y palpitante del lenguaje donde aparece la posibilidad del símbolo, la metáfora, la sinécdoque. En esta última instancia, es la poesía como un intento

de nombrar lo innombrable [desde su posición metafórica] de un modo radicalmente original, donde reside el carácter humano de lo humano”. RESIDUOS COMUNICACIONALES, RESIDUOS TEMPORALES Estos conceptos, residuos y espacios que van más allá de la mera reflexión y que se materializan en una obra completa y compleja, que juega a un armado lento, y que es pensado por un equipo que incluye tanto a artistas como a artesanos, se realiza como una obra de teatro, cuyo director señala a cada actor el papel a desempeñar. El residuo, aquello que dejamos, que sobra, que queda como margen entre los bordes, aquello que le confiere a la lengua y los lenguajes humanos un carácter retórico, simbólico y no meramente informativo o codificado, es el centro de su trabajo y se crea también con consideraciones hacia la temporalidad. Sus trabajos desaparecen luego de ser exhibidos, la imposibilidad de trasladar sus obras monumentales, o de registrar lo creado, no da abasto. Y este residuo, lo que queda de sus obras es parte de lo que re-utiliza para las nuevas creaciones. “Una vez decantada la experiencia en una ‘exhibición’, la energía fluida y viva, vuelve a reflejarse sobre el grupo de trabajo, dejando una huella residual que es reconducida, en forma de ‘estado energético’”, señala. Y así, sin

un afán de reciclaje de lo que se queda atrás y menos aún de una exposición pornográfica sobre lo que hay “detrás de escena”, hay en su trabajo “un deseo de intercambio erótico con la materia que ha constituido el soporte físico de nuestros juegos de lenguaje y que el tiempo continúa reprocesando permanentemente –explica Adrián–. No hay un afán documentalista, sino un redescubrimiento permanente de nuevas dimensiones de la materialidad, que constituye nuestro entorno móvil”. Y es en estos puntos donde está el hombre, la producción de materia y su existencia. Además, el sistema que reina en las críticas. “Esta idea que ha circulado tanto sobre el carácter ‘suicida’ de las piezas que produzco, se vincula con la decisión ético-política de limitar muchísimo la posibilidad de su transformación en commodity. Sin dudas, hay un deliberado control de la producción material y de su re-inscripción en juegos de lenguaje mercantiles. Sin dudas, creo que una ‘obra’ tiene que dar cuenta de esta innegable dimensión política y, en este sentido, es importante que la práctica de estas experiencias tenga un correlato político consciente que resulte en un conjunto de premisas bajo las cuales la ‘obra’ será arrojada a la existencia. ¿Cómo me acerco a la ‘obra’? ¿Cómo ésta se mueve en el mundo? ¿Cómo se conserva esa experiencia? ¿Cuánto de ella será transable en otros juegos de lenguaje?”, finaliza.


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Two Suns (II), 2015, instalación site-specific, medidas variables. Foto: © Jörg Baumann.


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LIBROS AL LÍMITE

RECOMENDADOS AAL Este libro compila el trabajo de más de 70 fotógrafos de diferentes nacionalidades, los cuales han impactado al mundo por su forma de trabajar, por su creatividad, e ingenio proveniente de amplias experiencias visuales en otras artes y campos de trabajo como la publicidad, el periodismo o las ciencias sociales, y que –por sobretodo– tienen gran dominio de la tecnología fotográfica. Mary Warner Marien, quien ha escrito diversos libros sobre fotografía, fue la seleccionadora y presentadora de cada uno de los artistas. El orden cronológico, por orden de nacimiento de los fotógrafos, permite una mirada desde mediados del siglo XIX hasta los días de hoy, considerando a artistas tan importantes y de gran trayectoria como Atget, Lewins, Sander, Man Ray, Rodchenko, Brassai, Ansel Adams, Dickey Chapelle, Nam Goldin, Sherman y Gursky y muchos más.

fos visionarios a aquellos que “trabajan con múltiples fuentes de referencia, en un contexto de fluidez y cambio”. En palabras de Mary Warner Marien, un visionario es “un experimentador totalmente entregado cuyas ideas y fotografías engrandecen al medio al tiempo que expanden el alcance de la comprensión humana”. De esta forma, entre retratos en blanco y negro y a color, paisajes, urbanismo y fotografía documental, este libro de 312 páginas muestra el trabajo de todo un siglo con una increíble calidad visual. Elisa Massardo / Chile

VISIONARIOS DE LA FOTOGRAFÍA AUTOR: Mary Warner Marien EDITORIAL: Blume

El filtro para seleccionar a cada uno de estos artistas se basa en el título del libro, considerándose como fotógra-

Desinventario presenta una reflexión sobre la labor de archivo y documentación en base a la colección de material de Graciela Carnevale. Buscando reinterpretar su definición, e investigar de manera consciente al fenómeno artístico, cultural y político que significó la época de los ‘60 y ‘70, con la formación Tucumán Arde. El libro presenta una estructura cronológica de los procesos que se evidenciaron y revolucionaron la manera de pensar y actuar del arte desde principios de los años 60, partiendo con el contexto social de la época, incluyendo el cómo se gestaron las condiciones para esta revolución cultural. Posteriormente se investigan las repercusiones que tuvo mayo del ‘68 en el pensamiento de los jóvenes artistas y teóricos latinoamericanos, que vieron con admiración a este movimiento, el que –al mismo tiempo– los impulsó a pensar en una renovación cultural que cambiaría las condiciones políticas. Las consecuencias de estos cambios y la entrada de un

período complejo de la geopolítica latinoamericana se analizan a continuación, comprendiendo la delicada situación a la que debieron enfrentarse estos artistas. Se adjuntan una variedad de imágenes de archivo que permiten comprender mejor la producción de este grupo, así como también ensayos de diversos autores latinoamericanos que ayudan a posicionar la influencia de Tucumán Arde y otras expresiones artísticas de la época en el imaginario cultural. Francisca Castillo / Chile DESINVENTARIO AUTOR: Graciela Carnevale, Marcelo Exposito EDITORIAL: Ocho Libros AÑO: 2015 PRECIO: $ 19.830

AÑO: 2015 PRECIO: $ 33.800


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Periódico Arte Al Límite | Edición 122, diciembre 2015  
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