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Directora / Director Ana María Matthei Curador invitado / Guest curator Jimena Peña Bennett Edición / Editor Elisa Massardo Corrección español / Spanish correction Gleisy Ríos Producción y Dirección de Arte / Production and Art direction Catalina Papic Textos / Texts Natalia Vidal Kristell Pfeifer Diseño y diagramación / Design and Layout Catalina Garcés Traducción / Translation Jonathan Anthony Andrea Rojo Este libro se terminó de imprimir en abril 2017 Impreso en Santiago de Chile. A Impresores Primera Edición 2017 Todos los derechos reservados ©Arte Al Limite, 2017 Código ISBN 978-956-9765-07-0 3


Editorial

Editorial

Colombia ha experimentado un auge en el crecimiento de las

Los artistas de esta edición abordan diversas temáticas,

Colombia has experienced an increase in the growth of visual

The artists of this edition tackle different issues, which some

artes visuales tanto a nivel de mercado como en su exposición

algunas polémicas por las circunstancias históricas propias

arts in both the market as in its international exposure and the

of them are controversial due to the historic circumstances

internacional y la afluencia de público al mismo país. Lo que se

de Colombia (droga, guerrillas y violencia); otras centradas

influx of audiences in the country itself. This is reflected in

of Colombia (drugs, guerrillas and violence); others focused

refleja en la gran cantidad de ferias de arte que se están armando

en la realidad de las mujeres y la opresión del género, la

the large number of art fairs that are being set up each year,

on the reality of women and gender oppression, the latest

cada año, en la importancia que ha cobrado la semana del arte en

reivindicación del último tiempo y una puesta en escena de

as well as in the importance that art week has taken on in

demand and the staging of this reality. On the other hand,

Bogotá y las gestiones de Cali y Medellín. La calidad, visualidad

esta realidad. Por otro lado, la creatividad de lo abstracto no

Bogota and the operations in Cali and Medellin. The quality,

creativity of the abstract isn’t left out and different artists

y contenido de las obras, sin lugar a dudas, son la base de

se deja de lado y diversos artistas trabajan con geometría,

display and content of the work, undoubtedly, are the basis

work with geometr y, colors or shapes that remind us

esta situación, pues el arte colombiano se ha posicionado en el

colores o formas que recuerdan los mensajes del arte por el

of this situation, since Colombian art has positioned itself on

of the messages of art for art’s sake, the universe and

mundo y seguirá haciéndolo de manera cada vez más potente.

arte, el universo y las diversas formas de crear que tiene el ser

the world stage and will continue to become more powerful.

the diverse ways of creating at humankind’s disposal.

Con la intención de hacer una presentación de lujo que se mantenga en el tiempo, presente en museos, galerías y el hogar de aquellos amantes del arte interesados por la realidad contemporánea de Colombia. Este libro posee una selección

humano. Las técnicas, así como las temáticas, comprenden pintura, fotografía, instalación y escultura. Lo figurativo marca una gran tendencia siendo los retratos y el cuerpo uno de los medios predilectos para tratar diversos temas.

W ith the aim of making a luxurious presentation that withstands the test of time, it is exhibited in museums, galleries and the homes of art lovers who are interested in the contemporary reality of Colombia. This book has an

The techniques, as well as the subject matters, include painting, photography, installation and sculpture. Figurative work sets a trend with portraits and the body being one of the preferred mediums to deal with different issues.

importante del arte nacional, con artistas de diversa trayectoria,

Un libro de arte contemporáneo colombiano es enseñar

important selection of national art, with artists from different

A Colombian contemporar y ar t book is a way to show

de experiencia en bienales o en ferias internacionales de arte,

una escena, una muestra de la creatividad, trabajo e

paths, with experience in biennials or international art fairs,

a stage, a sample of creativit y, work and investigation

con exposiciones colectivas e individuales. Es una selección

investigación de diferentes artistas reconocidos a través

with group and solo shows. It is a thorough and thought out

o f d i f fe re n t a r t i s t s w h o a re a c k n o w l e d g e d t h r o u g h

rigurosa y pensada sobre lo que la gente debe conocer y apreciar

de estas páginas. Incita el conocimiento, aprendizaje e

selection about what people should know and see in order to

these pages. It incites knowledge, learning and

para saber qué pasa actualmente en el arte visual de este país.

investigación sobre cada uno de los artistas seleccionados.

know what is currently going on in visual arts in this country.

investig ation ab out each one of the selected ar tists.

Ana María Matthei

Directora AAL

Ana María Matthei

Director AAL 7


COLOMBIA ARTE ACTUAL Sin pretender hacer una visión unificadora que defina en su

conceptualización de las obras contiene varios significados que

buscando reflexionar sobre la cotidianidad, donde los objetos en

obras presentan un halo de acto performático y ritualista,

totalidad el arte contemporáneo colombiano, lo que se realiza con

no están aislados y derivan de una investigación, los artistas han

el entorno y las inquietudes existenciales están a la par; donde

brindando al espectador una sensación que atraviesa más

la selección de Al Límite Colombia, es lanzar una multiplicidad de

generado un caldo de cultivo para los continuos golpes de opinión

además se cuestiona lo religioso, se evidencia el coletazo de las

allá del espacio y el tiempo. Pero en cuanto a su estructura

matices sobre el panorama de la plástica actual, mostrando un

acerca de la capacidad o la incapacidad de co-existir entre los

crisis materiales, morales, espirituales que sentencian la fragilidad

metafórica, se torna inminente observar la agudeza de los

compendio de obras cargadas de valores simbólicos que reviven

continuos contrastes morales y materiales para así poder comprender

de la vida ante el poderío y la vanidad.

artistas para resaltar mensajes en un doble sentido, tal vez

temáticas variopintas, hijas del pasado nacional y al tiempo génesis

la vida a partir de lo que es, de lo que debería ser y de lo que se

de discursos sobre la intimidad y nuevas visiones de una diáspora

percibe podría llegar a ser. El compendio de las obras se vincula a

latinoamericana que observa tanto al mundo de hoy como a su

tres ejes temáticos principales como la identidad, la paradoja y la

historia universal.

fuerza de la raíz, dentro de los cuales se observa una amalgama

A los artistas de Al Límite Colombia los une la interpretación de la coexistencia entre opuestos y complementarios. A partir de la re-

de situaciones entre polos opuestos como son la vida y la muerte, lo real con lo irreal, de lo bueno a lo malo, de lo rudo a lo frágil.

por tener ancestros con olfato, o lo que llamamos “malicia Se observa un contenido que escarba en la fuerza de la raíz, en lo

indígena”, su arte va un paso adelante, no se queda en la

que se considera tabú, en lo que no es científico, lo desconocido,

crudeza de la realidad sino que emite un segundo mensaje que

lo que se asoma pero que aún no se ve, incluso propone acerca de

con ingenio logra penetrar en el espectador pidiendo algo a

lo inexplicable del cosmos y de la multidimensionalidad del espacio.

cambio. Tal vez por vivir realidades escabrosas al tiempo de ser

Obras que elevan el poder de la naturaleza, de su grandeza, no sólo

un país de fantasía y de “realismo mágico”, se ha sido capaz

por su connotación de vida, sino también por su virtud femenina;

de tocar fondo y salir de las situaciones a través de la ironía,

significación del objeto e incluso del ser humano, se pronuncian con

Bajo esta óptica, la identidad del territorio colombiano se deja ver

obras que contrastan la sabiduría ancestral y orgánica con la falta

con un sentido pícaro, también con un guiño o con un sabor

un fuerte señalamiento hacia los contrastes, exteriorizan los reflejos

desde el desequilibrio. Desde la bandera de los conflictos bélicos,

de empoderamiento, la violencia y el desgarro de la mujer.

sutil en los labios, en definitiva con un hábil señalamiento de

del interior y buscan el equilibrio persiguiendo un orden simétrico

de lo sembrado por la desigualdad económica y social, así es como

que organiza las situaciones y hasta a la misma naturaleza. Veo en

en las obras se oyen gritos buscando la paz no sólo de un territorio

estos actos de reflexión, conceptos que se licuan y permean con

sino también la del alma y la de las comunidades silenciadas.

el fin de expresar un fuerte mensaje al espectador para cambiar

También se observa la identidad ante lo universal a partir de una

su status quo, así su nuevo estado de pensamiento y condición

evolución de las ciudades en transformación y los contrastes que

emocional genera una explosión de connotaciones que no dejan

hay en ellas. Es un arte que describe lo arquitectónico y el imaginario

tranquilo al observador.

de sus habitantes, los efectos de la hibridación de las culturas, el

Esta selección de obras pertenecientes a la última década, abordan realidades con huellas inalterables que invitan desde la intención de una propuesta y no desde la rigidez de un dogma. La

cambio en sus tejidos sociales, por consiguiente el reencuentro con lo aborigen y con la iconografía de sus tradiciones. Las obras hacen un señalamiento a las paradojas del ser humano

algún elemento; así, los artistas de ésta muestra han sabido El proceso de los artistas de Al Límite Colombia, deja claro que no

interpretar su identidad cultural.

solo respeta una estructura conceptual y formal sino metafórica. Por un lado, su factura es impecable, hay rigor en la destreza artística,

El arte emergente colombiano, joven y fresco, es un cúmulo de

en la apropiación de los materiales, en lo múltiple de lo matérico, en

disensos, de opiniones dispares que se ensanchan y ramifican

el manejo de las técnicas mixtas, en el uso de la tecnología, en la

cada vez más, pero que al observarlo desde un áurea de libertad

idea de la sustentabilidad. Es evidente que los artistas dominan el

y desparpajo, refleja un mundo por explorar, recorre una historia

oficio, ya sean hiperrealistas, figurativos, abstractos, instaladores,

que se está construyendo al margen de las ataduras de un

fotógrafos, video artistas, escultores, pintores o dibujantes, todos

rigor clásico, retomando eso sí, la escuela de sus maestros

guardan el equilibrio y la armonía en su artisticidad. Por otro lado,

modernos, pero buscando su propio canon para dignificar su

se encuentra dentro de su proceso un aspecto relevante pues las

inherente contemporaneidad.

Jimena Peña Bennett

Curadora Invitada Febrero 2017 9


Current colombian art Without the intention of making a unifying vision that absolutely

conceptualization of the artworks contains several meanings that

The artworks point out the paradoxes of the human being, seeking

aspect in their process because the artworks present a halo of

defines the contemporary Colombian art, Al Límite Colombia group

are not isolated and derive from an investigation. Artists have

to reflect on everyday life, where the objects in the environment

performance and ritualistic act, giving the observer a sensation

has the intention of creating a multiplicity of nuances regarding

generated a breeding ground for the constant criticism about the

and the existential uneasiness are on a par. In addition, the religious

that goes beyond time and space. However, in relation to the

the outlook of the current plastic art, showing a compendium of

capacity or the inability in relation to the coexistence between

is also questioned there and the struggle with the material, the

metaphorical structure, it is imminent to observe the sharpness

artworks loaded with symbolic values that revive diverse themes

the continuous moral and material contrasts in order to be able to

moral, and the spiritual is clear, which at the same time sentence

that artists have for highlighting messages with double meaning,

–daughters of the national past– and at the same time the genesis

understand life from what it is, of what it should be, and of what

the fragility of life before power and vanity.

maybe it is due to their ancestors, who have a sense of what is

of speeches about intimacy and new visions of a Latin American

can be perceived about what might become. The compendium

diaspora that observes both the world of today and its universal

of artworks is linked to three main thematic axes such as identity,

history.

paradox, and the force of the root, from which an amalgam of

The artists of Al Límite Colombia are connected by the interpretation of coexistence between opposites and complementary. From the resignification of the object and even of the human being, they refer to themselves by means of a strong indication in relation to contrasts; they express outwardly the reflections of the inner part and seek the balance by pursuing a symmetrical order that

situations can be perceived between opposing poles: life and death, the real and the unreal, the good and the bad, the rude and the fragile, and so on. According to this perspective, the identity of the Colombian territory can be seen from the imbalance. The symbols related to

There's a content that pries into the force of the root, into what is considered taboo, what is not scientific, what is unknown, what comes out but is not yet seen; it even proposes about the inexplicable of the cosmos and the multidimensionality of space. These are artworks that increase the power of nature, of its greatness, not only for its connotation of life, but also for its feminine virtue; artworks that contrast the ancestral and organic wisdom with the lack of empowerment, violence, and the hardship of women.

known as "indigenous malice." Their art is one step ahead: it's not stationary in the crudity of reality but emits a second message that, with ingenuity, manages to penetrate the observer, expecting something in return. Perhaps the fact of living difficult realities and being a country of fantasy and "magical realism" means there is the ability of hitting rock bottom and escaping from situations through irony, with a naughty sense and also with a wink or with a subtle taste in the lips. In short, it's about using a clever indication of some element. Thereby, the artists of this exhibition have been able to interpret their cultural identity.

war conflicts, what is sown by the economic and social inequality

The process of the artists of Al Límite Colombia makes clear that

are linked to a way in which the screaming of the artworks are

it does not only respect a conceptual and formal structure but also

looking for the peace not only of a territory, but also of the soul and

a metaphorical one. On one hand, its debt is faultless and there

The emerging Colombian art, which is young and fresh, is an

that of the silenced communities. It is also observed the identity

is rigor in the artistic skill, in the appropriation of materials, in the

accumulation of dissensions, of dissimilar opinions that widen

regarding the universal from the perspective of the evolution of

multiple of the material, in the management of mixed techniques,

and ramify more and more, but when it is viewed from a golden

the cities that are in transformation and the contrasts within them.

in the use of technology, in the idea of sustainability. It's obvious

age of freedom and self-confidence, it reflects a world that is

It's an art that describes the architectural and the imaginary of its

that artists dominate the trade even if they are hyperrealistic,

about to be explored. It also deals with a story that is being built

This selection of artworks from the last decade deal with realities

inhabitants, the effects of the hybridization of cultures, the change

figurative, abstract, installers, photographers, video artists,

in relation to the limitations of a classic rigor, but taking into

through unchanging vestiges, that invite from the intention

in their social fabrics. Therefore, it means the reunion with the

sculptors, painters or draftsmen; they preserve the balance and

consideration the school of modern masters and looking for its

of a proposal and not from the inflexibility of a dogma. The

aboriginal and the iconography of its traditions.

harmony in their artisticity. On the other hand, there's a relevant

own canon to dignify its inherent contemporaneity.

organizes the situations and even the same nature. In these acts of reflection there are concepts that are blended and permeated in order to express a strong message to the observers to change their status quo. Thereby, their new state of thinking and emotional condition generates an explosion of connotations that annoy the observer all the time.

Jimena Peña Bennett Guest Curator February 2017

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15 | Maquiamelo 21 | Evelyn Tovar

111 | Johanna Arenas

27 | Carlos Saavedra

117 | Piedad Tarazona

33 | Diana Drews

123 | Andrés Moreno

39 | Pablo Guzmán

129 | Cecilia Moreno-Yaghoubi

45 | Bibiana Martínez

135 | Aira Henao

51 | Natalia Arias

141 | Carlos Carmona

57 | Ceci Arango

147 | Adriana Ramirez

63 | Rossina Bossio

153 | Hernán Marín

69 | José Sanchez "Felox"

159 | José Fernando Muñoz

75 | Gloria Llano

165 | María Lucía Díaz

81 | Juan Camilo Álvarez

171 | Darío Ortíz

87 | Yosman Botero

177 | María Eugenia Trujillo

93 | Patricia Glauser

183 | Camilo Parra

99 | Liliana Merizalde

189 | Alejandro Tobón

105 | Olivia Miranda

195 | Milena Arango

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Controversial y conceptual. Así se define el trabajo de este artista plástico que ha encontrado en la milenaria práctica cultural Tzantza la inspiración o base de su trabajo escultórico. Son cabezas reducidas, que citan a los indios jíbaros del Amazonas, las que revelan el rostro de personajes reconocidos de las esferas sociales y políticas. Partió trabajando con lino y pinceles, practicó también las técnicas de escultura, grabados y más. Su mirada artística no cambiaría hasta volver de un viaje que lo internó en la Amazonía y le hizo pensar en lo efímero de la existencia y el triunfo de la muerte por sobre vicios como el poder o la vanidad. Ahí nacen sus construcciones con base en pieles de carteras de renombre, pelucas de pelo sintético o donado y pigmentos. Siempre con un espíritu crítico, cada modelación de cabeza y su identidad fue pensada para acabar con los conceptos de poder y vanidad. Sus trabajos más recientes de fotografía lenticular de grandes dimensiones se enmarcan dentro del concepto de postproducción y se asemejan al trabajo de un dj, pero en lugar de música, sus mezclas son con imágenes.

MAQUIAMELO ARTISTA MULTIDISCIPLINAR | MULTIDISCIPLINARY ARTIST

Controversial and conceptual. That is how they would define the work of this visual artist, who found the inspiration or basis for his sculptural work in the thousand-year-old cultural practice of tzantza (shrunken heads). They are shrunken heads, which go back to the Amazonian Jivaro tribe, that reveal the faces of famous people from political and social circles. He began working with linen and brushes. He also did sculpture, prints and more. His artistic vision wouldn’t change until he returned from a trip that sent him deep in the Amazon and made him think about the ephemeralness of existence and death’s triumph in regard to vices like power or vanity. That is where his constructions appeared, based on skins of famous purses, wigs made of synthetic or donated hair and pigments. While always having a critical spirit, each model head and its identity was intended to eradicate concepts of power and vanity. His most recent work in large-scale lenticular photography belong within the postproduction concept and they resemble the work of a DJ, but instead of music, his mixes are with images.

www.maquiamelo.com 1972. N a c i ó e n B o g o t á , C o l o m b i a . E s t u d i ó D iseño de Interiores y se graduó de técnic o en Ashwor th College, USA . Durante su carrera c omo ar tist a p lástic o ha sid o distinguid o en innumerables ocasiones, tales como el premio X VIII Bienal de Santa Cruz de la Sierra en 2012, nominado a la Beca Guggenheim en 2016 y con el premio Bacatá II en Colombia, entre otros. A la fecha el ar tista ha expuesto en Argentina, B o l i v i a , C h i l e , C o l o m b i a , E c u a d o r, E s p a ñ a , Estados Unidos, Italia, Panamá y Puer to Rico. Actualmente vive y trabaja entre Bogotá y Miami.

1972. Born in Bogota, Colombia. He studied interior design and graduated with an associate’s degree at Ashworth College, USA . During his career as a visual artist, he has been distinguished many times with awards like the X VIII Bienal de Santa Cruz de la Sierra in 2012, he was nominated for the Guggenheim Fellowship in 2016 and was awarded the Bacata II award in Colombia, among others. To date, the artist has exhibited work in Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador, Spain, United States, Italy, Panama and Puerto Rico. Currently he lives and works between Bogota and Miami. 15


Pag. izq. De la serie Kintsugi "Skull Kitty", 2016, fotografía lenticular, 140 x 140 cm. Edición de tres firmadas y numeradas. Fotografía: Oscar Monsalve. Left From the series Kintsugi"Skull Kitty", 2016, lenticular photography, 55 x 55 in. Three signed and numbered Edition. Photography: Oscar Monsalve. Pag. der. De la serie Kintsugi "Kitty", 2016, escultura de piel de cartera Prada, alambre, óleo, laminilla de oro, sarcillo de zafiro, 12 x 12 x 14 cm. Fotografía: Oscar Monsalve. Right. From the series Kintsugi "Kitty" , 2016, Prada wallet leather sculpture, wire, oil paint, golden lamella, sapphire earring, 4.7 x 4.7 x 5.5 in. Photography: Oscar Monsalve.


Pág. izq. De la serie Kintsugi "Pinocho", 2016, esfera de madera y mango de pincel. Fotografía: Oscar Monsalve. Left. From the series Kintsugi "Pinocchio", 2016, wooden sphere and brush handle. Photography: Oscar Monsalve. Pág. der. "Andy Wathol", 2014, escultura pelo humano, piel de badana, pasta de modelado, pigmentos naturales, hilo amarillo, 14x14x14 cm. Fotografía: Oscar Monsalve. Right. "Andy Wathol", 2014, human hair sculpture, sheepskin, modeling paste, natural pigments, yellow thread, 5.5x5.5x5.5 in. Photography: Oscar Monsalve.


Un viaje, un recorrido por los objetos cotidianos y la forma en que integran la rutina, componen una interpretación de las interacciones que el ser humano establece en su diario vivir. Evelyn Tovar trabaja con la más diversa gama de materiales, extraídos directamente del uso diario y toma provecho de las ventajas de su flexibilidad. Por medio de ellos crea un trabajo conceptual de reconocimiento y comprensión del entorno, teniendo en cuenta el aprovechamiento que consigue sobre los significantes que se construyen de manera colectiva, resultado de una interacción con el espacio público. Tópicos como la sustentabilidad y el bienestar se acoplan a la capacidad de materiales como papel moneda, polvo de ladrillo y de carbón, asfalto, concreto o plantas, de reinventarse para extraer la esencia que los liga al imaginario cultural. De esta manera, la artista atiende las necesidades simbólicas que le demanda su trabajo.

EVELYN TOVAR ARTISTA MULTIDISCIPLINAR | MULTIDISCIPLINARY ARTIST

A journey, a tour on everyday objects and how they are incorporated into our routines, make an interpretation of the interactions that human beings establish in their everyday lives. Evelyn Tovar works with a wide range of materials, taken directly from everyday use and she makes the most of their flexibility. Through these objects, she creates conceptual work about awareness and understanding of environment, while keeping in mind the utilization that is achieved in addition to the meanings that are built collectively, which is a result of an interaction with public space. Subjects, such as sustainability and well-being, are paired with the potential of materials like paper money, charcoal and brick dust, asphalt, concrete or plants, the ability to reinvent themselves in order to extract the essence that links them to cultural imagery. Through this, the artist addresses the symbolic necessities that her work demands of her.

www.evelyntovartoro.blogspot.com.co 1985. Nació en Bogotá, Colombia. Estudió en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas Facultad de Artes ASAB en Colombia, para convertirse en Maestra en Artes Plásticas y Visuales. Sus primeras incursiones en el arte, y las exhibiciones que de ellas derivaron, la han llevado a exponer en diferentes espacios de su natal Bogotá y otros importantes lugares en Colombia. En febrero de 2015 viajó por primera vez al extranjero con una obra bajo el brazo. La feria madrileña JustMad6 exhibió su trabajo y dio inicio a la internacionalización de su carrera artística que luego llegó a países como Italia y Perú. Actualmente vive y trabaja en Bogotá. Su desempeño artístico la ha llevado a trabajar una atractiva técnica experimental que la posiciona como una figura clave del arte contemporáneo colombiano.

1985. Born in Bogota, Colombia. She studied at the Universidad Distrital Francisco Jose de Caldas School of Arts ASAB in Colombia, to get a master’s in visual arts. Her first ventures in art, and the exhibitions that derived from them, have led her to exhibit in different spaces of her hometown of Bogota and other important places in Colombia. In February of 2015, she travelled abroad for the first time carrying one of her works with her. The Madrid art fair, JustMad6 exhibited her work and sparked the internationalization of her artistic career, which later reached countries like Italy and Peru. Currently, she lives and works in Bogota and her artistic career has led her to work with an appealing experimental technique that positions her as a key figure in contemporary Colombian art.

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Pág. izq. De la serie Paisajismo, "Plein air #3", 2016, intervención con polvo de carbón sobre reproducción litográfica, 66 x 102 cms. Left From the Paisajismo series, “Plein air #3”, 2016, intervention with charcoal dust on a lithograph print, 25.9x40.15 in. Pág. der. De la serie Paisajismo, "Propiedad", 2016, intervención con polvo de ladrillo y hojilla de oro sobre reproducción litográfica, 51x66,5 cms. Right. From the Paisajismo series, “Property”, 2016, intervention with brick dust and gold leaf on a lithograph print, 20x26.18 in.

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Pág. izq. De la serie Paisajismo, "Sin título", 2016, intervención con polvo de carbón sobre reproducción litográfica, 51x66,5 cms. Left From the Paisajismo series, "Untitled", 2016, intervention with charcoal dust on a lithograph print, 20x26.18 in. Pág. der. De la serie Paisajismo, "Bienestar", 2016, intervención con polvo de carbón y hojilla de plata sobre reproducción litográfica, 51x66,5 cms. Right. From the Paisajismo series, "Wellness", 2016, intervention with charcoal dust and silver leaf on lithographic reproduction, 20x26.18 in.

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La obra de carácter documental busca, a través del retrato, abrir un espacio que une lo real con lo interpretativamente personal. Carlos Saavedra ha dicho que la fotografía es un momento surreal en la que se puede crear un mundo duplicado: la experiencia propia, narrada a través de la experiencia de otros. Así sus fotografías y retratos narran momentos de la historia que une sus vivencias, a las que se replican en su país natal y que tienen su versión en el mundo entero. De esta forma relatos de género, como la femineidad, violencia y guerra, como el fenómeno “desplazados” en Colombia o la religión, a través de cultos y mitos, cargan su trabajo de una empatía afectivo-universal que humaniza la experiencia. Es una obra que estrecha su vínculo con el individuo y la manera en que éste interactúa con su entorno. La representan historias locales, pero aquellas que el fotógrafo escoge plasmar, por lo que tienen un carácter global y otro autobiográfico.

CARLOS SAAVEDRA

A documentary style looks for, through portraiture, a space that unites reality with what is interpretatively personal. Carlos Saavedra has said that photography is a surreal moment in which you can create a duplicated world: a personal experience, narrated through the experience of others. Thus, Saavedra’s photographs and portraits narrate moments of history that unite his experiences to those which are repeated in his native country and which have a version everywhere in the world. Through this, stories of gender, such as femininity, violence and war, as well as the “displaced” phenomenon in Colombia or religion, through cults and myths, fill his work with a universal affective empathy that humanizes the experience. It is a work that strengthens his ties with the person and how it interacts with its environment. He depicts local stories, but only those which the photographer chooses to display, because they have both a global and autobiographical nature.

www.saavedravisual.com/

FOTOGRAFÍA | PHOTOGRAPHY

1987. Nació en Colombia. Entró a estudiar Fotografía en la Escuela La Salle de Bogotá. Su primer gran proyecto como fotógrafo fue la serie Las hijas de Huitaca. Para culminarla el artista realizó un viaje por todo Colombia retratando mujeres. Carlos ha trabajado en una suma de revistas en Colombia y sus fotografías han sido reconocidas internacionalmente por editores tan importantes como los del concurso National Geographic. Sus obras han sido expuestas en la galería de Getty Images en Londres y sus trabajos fueron seleccionados por el Banco Interamericano de Desarrollo para exponer en Washington. A la fecha, el fotógrafo ha expuesto en ciudades como Nueva York, Los Ángeles, Londres, Washington, Ciudad de México y Dhaka.

1987. Born in Colombia. He studied photography at the La Salle College in Bogota. His first big project as a photographer was the Las Hijas de Huitaca (The Daughters of Huitaca) series. To culminate the series, the artist made a trip across Colombia doing portraits of women. Carlos has worked in a series of magazines in Colombia and his photographs have been recognized internationally by important editors such as the editors of the National Geographic contest. His artworks have been exhibited in the Getty Images Gallery in London and his works were chosen by the Inter-American Development Bank to be shown in Washington. To date, the photographer has exhibited in cities such as New York, Los Angeles, London, Washington, Mexico City and Dhaka.

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De la serie Las hijas de Huitaca, "Salomé Ramos", 2012, fotografía análoga, 12 cm. From the series Huitaca's daughters, "Salomé Ramos", 2012, analog photography,4.7 in.

De la serie Las hijas de Huitaca, "Aminta Tique", 2012, fotografía análoga, 12 cm From the series Huitaca's daughters, "Aminta Tique", 2012, analog photography,4.7 in.

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Pág. izq. De la serie Las hijas de Huitaca "Maryuris Ipuana Uriana", 2012, fotografía análoga, 12 cm. Left. From the series Huitaca's daughters "Maryuris Ipuana Uriana", 2012, analog photography,4.7 in. Pag. der. De la serie Madres Tierra "Flor Hilda Hernández", 2014, fotografía análoga,12 cm. Right. From the series Mother Earth "Flor Hilda Hernández", 2014, analog photography,4.7 in.


Un trabajo que se define conceptualista desde sus inicios, ha cruzado por tópicos que van desde la intimidad del hogar y las pertenencias, hasta el entramado social-político que aqueja a la sociedad colombiana del s.XXI. Temas como los desplazados en Colombia o la soledad y la tristeza han dado vida a instalaciones y pinturas que narran sus historias a través de objetos y palabras. Desde la sencillez y, al tiempo, complejidad de un solo concepto, la artista trae al espectador connotaciones y significantes que, al mezclar con la presencia de objetos iconográficos, dan forma a escenas que conservan el imaginario social-cultural. Su vínculo con los objetos cotidianos se gesta en la oportunidad que tiene de encontrarlos y enfatizar su significado, que muchas veces pasa por alto. Por ello, tomando ayuda del lenguaje, extrae lo sustancial para ceder al espectador un momento de reflexión en torno a sus obras.

DIANA DREWS

ARTISTA MULTIDISCIPLINAR | MULTIDISCIPLINARY ARTIST

Work that has been defined as conceptual since its beginnings. The artist has spanned topics that range from the intimacy of home and belongings to the social-political web that has afflicted 21st century Colombian society. Issues like the displacement in Colombia or solitude and sadness have given life to installations and paintings that narrate her stories with objects and words. Through the simplicity and, at the same time, complexity of a single concept, the artist gives the viewer connotations and meanings which, upon mixing with the presence of iconographic objects, give shape to scenes that preserve social-cultural imagery. Her connection with everyday objects appears in her opportunity to find them and emphasize their meaning, which is often overlooked. Because of this, using language as an aid, she extracts the substance in order to give the viewer a moment of reflection on her work.

www.didrews.wix.com/arte#!__vita 1971. Nació en Bogotá, Colombia. Creció bajo el concepto de una formación colombo -alemana y estudió en el Colegio Andino en su ciudad natal. Intercaló su paso por la Escuela, con viajes a Alemania que redundan en una formación multicultural. Se graduó como Maestra en Artes Plásticas en la Universidad de los Andes, donde también estudió Antropología. En 2000, y de la mano del artista Guillermo Londoño, se fue a vivir a Berlín hasta finales de 2004. Allí, estudió en el Institut für Kunst im Kontext de la Universität der Künste donde obtuvo el título de Master of Arts in Art in Context. En su regreso a Bogotá continuó su trabajo artístico expandiendo su obra multidisciplinaria que va desde la pintura, fotografía, instalaciones, objetos y dibujos.

1971. Born in Bogota, Colombia. She grew up under the concept of German-Colombian schooling and studied in the Colegio Andino in her hometown. She alternated her time in school with trips to Germany which resulted in a multicultural education. She graduated with a master’s in visual arts from Los Andes University, where she also studied Anthropolgy. In 2000, with the artist Guillermo Londoño, she went to live in Berlin until the end of 2004. There, she studied at the Institut für Kunst im Kontext of the Universität der Künste, where she obtained a Master of Arts in art in context. After returning to Bogota, she continued her artistic work and expanded her multidisciplinary work that ranges from painting, photography, installations, objects and drawings.

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Pág. izq. De la serie Jardín, "Silencio", 2014, fotografía digital, 50 x 37 cm. Left. From the series Garden, "Silence", 2014, digital photography, 20 x 15 in. Pág. der. De la serie Jardín "Sequía", 2014, fotografía digital, 50 x 37 cm. Right. From the series Garden, "Drought", 2014, digital photography, 20 x 15 in.


Pág. izq. "Lluvia", 2014, detalle de instalación de 365 palabras impresas sobre lágrimas de vidrio, cinta de tela negra, dimensiones variables. Left. "Rain", 2014, detail. Installation of 365 words printed on glass tears, black cloth tape, variable dimensions. Pág. der. "Lluvia", 2014, instalación de 365 palabras impresas sobre lágrimas de vidrio, cinta de tela negra, dimensiones variables. Fotografía: Patricia Bravo. Right. "Rain", 2014, installation of 365 words printed on glass tears, black cloth tape, variable dimensions. Photography: Patricia Bravo.


A escala natural se reproducen, en un trabajo pictórico, las composiciones que el artista Pablo Guzmán diseña igual como hace para una instalación. El manejo de la perspectiva y su conexión con el espacio consiguen un acabado que flirtea con la tridimensionalidad y juega con los emplazamientos. Su trabajo está en parte ligado a la arquitectura, sobre todo, en el uso de sus elementos fundamentales. La imagen de puertas, balcones, escaleras o ventanas, y más recientemente, el apilamiento de materiales de obra y los cerramientos de construcción, son el marco de acción donde sus protagonistas, individuos de la vida real, o los mismos objetos representados, toman forma caracterizando la pintura del artista. Figurativo y perspectivista, es dueño de un trabajo de realismo que agudiza hasta crear una interacción con el espectador: la luz, la sombra y la proporcionalidad estructuran obras que invitan a darle una segunda mirada a lo aparentemente simple.

PABLO GUZMÁN

Artist Pablo Guzman creates full-scale pictorial compositions which he designs just as he does art installations. The way he handles perspective and his connection with space allow him to achieve finished work that plays with being three-dimensional and placements. In part, his work is tied to architecture, especially in the use of its core elements. Images of doors, balconies, stairs or windows, and more recently, piles of work materials and construction walls. These are the framework where his protagonists, real-life individuals, or the same depicted objects, take shape and characterize the artist’s paintings. Figurative and perspectivist, his realism hones in until creating an interaction with the viewer: light, shadow and proportionality create work that invites us to take a second look at the seemingly simple.

PINTURA | PAINTING

www.behance.net/PabloGuzman 1987. Nació en San Agustín, Colombia. Estudió para maestro en Artes Plásticas, en la Universidad de Antioquia, Medellín y coincidió con una generación de jóvenes artistas de destacada formación en Colombia. Obtuvo su título en 2008 y comenzó una carrera artística que lo ha llevado a exponer, hasta la fecha, en países como China, Colombia, Corea, España, Panamá, Singapur y Venezuela. Se ha destacado en la escena artística colombiana por su distintiva habilidad y rigor aplicados al realismo. Por ello, ha sido premiado con una mención de honor en el V Salón de Arte Joven Colsanitas en 2012 y con el segundo premio en el VI Salón de Arte Binacional, en 2014.

1987. Born in San Agustin, Colombia. He went to school for a master’s in visual arts, at the Universidad de Antioquia in Medellin and overlapped with a generation of young Colombian artist with outstanding backgrounds. He got his degree in 2008 and began an artistic career that has led him to exhibit, to date, in countries such as China, Colombia, Korea, Spain, Panama, Singapore and Venezuela. He has stood out in the Colombian art scene for his distinguished ability and precision that he applies to realism. Because of this, he has been awarded with an honorable mention in the V Salón de Arte Joven Colsanitas in 2012 and with a second prize in the VI Salon de Arte Binacional, in 2014.

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Pág. izq. “Reserva”, óleo sobre tela, 200 x 300 cm. Left. “Reserva”, oil on canvas, 78.7 x 118 in. Pág. der. “Temporal", acrílico sobre tela, 200 x 170 cm. Right. “Temporal", acrylic on canvas, 78.7 x 67 in.

"Sin título", de la serie Paisajes Intermedios, 2015, registro análogo, impresión a tinta sobre papel de algodón a partir de película diapositiva digitalizada, 100 x 100 cm. "Untitled", from the series Paisajes Intermedios, 2015, analogue photography, inkjet print on cotton paper based on digitized slide film, 39.3 x 39.3 in.


Pág. izq. “Cúmulo”, óleo sobre tela, 250 x 100 cm. Left. “Cúmulo”, oil on canvas, 98.4 x 39.3 in. Pág. der. “Modular”, óleo sobre tela, 120 x 120 cm. Right. “Modular”, oil on canvas, 47.2 x 47.2 in.


La estética que flirtea con la iconografía y el conceptualismo del s.XXI dan origen a una obra que se construye en el cruce entre la pintura y el collage. Haciendo uso de una afición por el coleccionismo, Bibiana Martínez vincula los objetos que colecta a lo largo de su vida para construir retratos de animales, personas u objetos iconográficos. Es un proceso de resignificación. La carga simbólica que trae consigo cada elemento que constituye la obra suscribe el resultado final a una escenificación del imaginario cultural y colectivo que contextualiza su entorno. Así, sobre la base de materiales como miniaturas, metales, joyas, lentejuelas, pedrería y un sinfín de elementos en desuso, da origen a su discurso plástico-visual. Argumentos históricos y escenas de violencia como la guerra y paz en su natal Colombia, la globalización, la influencia de la tecnología en el hombre, adquieren cuerpo, volumen y dinamismo a través de las composiciones que dan vida a sus obras.

BIBIANA MARTÍNEZ FOTOGRAFÍA | PHOTOGRAPHY

Aesthetics which jump between iconography and the conceptualism of the 21st century give rise to work that is built on the crux between painting and collage. Making use of a love for collecting, Bibiana Martinez connects objects that she has collected throughout her life to construct tales of animals, people or iconographic objects. It is a process of giving new meaning to things. The symbolic weight, which brings every element that makes up the work with it, commits the final result to a reproduction of cultural and collective imagery which contextualizes her environment. Thus, in regards to her materials such as miniatures, metals, jewelry, sequins, precious stones and an endless number of elements in disuse, they give way to her visual discourse. Historical arguments, scenes of violence like war and peace in her native Colombia, globalization, and technology’s influence on man, take shape, volume and dynamism through the compositions that give life to her work.

www.artebibianamartinez.com 1971. Nació en Barranquilla, Colombia. Desde muy pequeña estuvo atraída por la idea de construir figuras con diferentes elementos y unirlos a través de la pintura. Su interés por las artes plásticas inició su auge en los años 90. Ingresó a estudiar Ciencias Políticas en la Universidad de los Andes en Bogotá donde se graduó. Viajó a Nueva York para conseguir la especialidad en producción y edición de video en la Universidad de New York. Entonces comenzó a vincular su afición por el arte y la historia. Cursó talleres de arte digital, escultura tridimensional, arte ecológico y otros en SCAD Savannah College of Art and Design. En 2014 asistió a Sothebys Institute of Art en Londres para conseguir un minor en Arte Contemporáneo. Ha participado en espacios feriales en Colombia y en el extranjero. Se destacan las participaciones en Madrid y Florida, donde trabaja y reside actualmente.

1971. Born in Barranquilla, Colombia. From a young age she was drawn to the idea of constructing figures with different elements and bringing them together through painting. Her interests in visual arts started her growth in the 90s. She began to study political science at the Universidad de los Andes in Bogota where she graduated from. She travelled to New York to get a specialization in video editing and production at New York University. Then, she started to connect her passion for art with history. She took some workshops such as digital art, three-dimensional sculpture, ecological art and others at Savannah College of Art and Design (SCAD). In 2014, she attended Sotheby’s Institute of Art in London in order to get a minor in contemporary art. She has participated in fairs in Colombia and abroad. Among these, we can highlight Madrid and Florida, where she currently resides and works.

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Pág. izq. De la serie Entrega de armas, "Metra", técnica mixta, 51 x 71 cm. Fotografía: Juan Fernando Ayora. Left. From the series Weapon delivery, "Metra", mixed technique, 20 x 28 in. Photography: Juan Fernando Ayora.

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Pág. izq. De la serie Escenarios, "The Web", 2016, técnica mixta, 20 x 20 x 6 cm. Left. From the series Scenarios, "The Web", 2016, mixed media, 8 x 8 x 2,2 in. Pág. der. De la serie Escenarios, "Heavy Head", 2016, técnica mixta, 20 x 20 x 10 cm. Right. From the series Scenarios, "Heavy Head", 2016, mixed media, 8 x 8 x 4 in.

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Una ficción controlada y custodiada desde sus entrañas por la figura de la mujer y el rol que juega en la sociedad, dan forma a la obra de Natalia Arias, quien es al mismo tiempo fotógrafa e instaladora. Sus fotografías dan cuenta de composiciones artísticas que revelan a través del cuerpo humano, pose, postura y estilización de una proyección del poder de la femineidad, la empoderación del género femenino y una sensibilidad del discurso que relata la evolución del proceso en que la mujer se va liberando en la medida en que pasa el tiempo y sus generaciones. Sus fotografías nacen de una composición artística que ella estructura y construye a modo de instalación. Elementos como la iluminación, composición y color refuerzan la idea que contrapone lo onírico a la realidad, creando una amalgama que se integra y complementa.

NATALIA ARIAS

Illusions, grounded in the reality of the female form and women’s role in society, give shape to the work of Natalia Arias, the photographer and installation artist. Her photographs capture artistic renderings of the human body, through distinctive poses, postures and stylings that combine to project a powerful vision of feminism with sensitivity to the debate over the evolution of women’s position in society and their gradual liberation that has occurred across years and generations. Her photographs are born of an artistic composition that the artist designs, structures and develops as an art installation. Elements such as lighting, composition and color reinforce the original idea, contrasting dreamlike elements with reality, thereby creating a striking amalgam that completes and complements her work.

www.nataliaariasphoto.com

FOTOGRAFÍA | PHOTOGRAPHY

1977. Nació en Brighton, Inglaterra. Al cumplir un año de edad su familia regresó a Bogotá, donde la artista fue criada y formada. Realizó sus estudios en Savannah College of Art y obtuvo un BFA en Fotografía. Las influencias y el desarrollo académico de su profesión la llevaron a mezclar la fotografía con diferentes técnicas y así llegó a combinar esta disciplina con la instalación. En 2003 la artista viajó a Miami, ciudad donde trabaja y reside actualmente. Es representada por Nohra Haime Gallery en Nueva York y a la fecha ha expuesto en Chile, Colombia, España, Estados Unidos, Guatemala, Inglaterra, Puerto Rico y Venezuela.

1977. Born in Brighton, England. At the age of one, her family returned to Bogota, where the artist was raised. She studied in the Savannah College of Art and obtained a BFA in photography. Influences and the academic development of her profession led her to mix photography with different techniques and ultimately to combine photography with art installation. In 2003, the artist travelled to Miami, the city where she currently works and resides. She is represented by the Nohra Haime Gallery in New York and to date she has exhibited work in Chile, Colombia, Spain, United States, Guatemala, England, Puerto Rico and Venezuela.

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Pág. izq. "Madonna with Child", 2006, c-print, 152.4 x 121.92 cm. Left. "Madonna with Child", 2006, c-print, 60 x 48 in. Pág. der. "Dancing Queen", 2010, c-print, 152.4 x 121.92 cm, cortesía de Ms. Nicole Haime. Right. "Dancing Queen", 2010, c-print, 60 x 48 in., courtesy of Ms. Nicole Haime.


Pรกg. izq. "Reincarnation of Quetzalcoatl", 2005, c-print, 152.4 x 121.92 cm. Left. "Reincarnation of Quetzalcoatl", 2005, c-print, 60 x 48 in. Pรกg. der. "Beauty", 2004, c-print, 60.96 x 76.2 cm. Right. "Beauty", 2004, c-print, 24 x 30 in.


La obra de María Cecilia Arango presenta una defensa férrea de las culturas ancestrales del mundo frente al pensamiento eurocentrista, encontrando un paralelo teórico de su obra en la filosofía de la liberación. Se abre espacio en el arte para materializar un puente que vincula a la cultura –que describe conceptualmente occidental–, con aquella que proviene de la tradición y las costumbres originarias. Teje ambos paradigmas culturales como proyecto de paz, mediante un entramaje plástico que construye con elementos tan dispares como la cestería y el metal. Así propone una sociedad donde se entrelazan las diferencias para retornar al concepto original de sociedad. Influida por la tradición indígena, afrodescendiente y campesina, convierte en armonía el cruce cultural y lo presenta como argumento central de la construcción del umbral de la interculturalidad.

CECI ARANGO ARTISTA MULTIDISCIPLINAR | MULTIDISCIPLINARY ARTIST

Maria Cecilia Arango’s work presents a strong defense of the world’s ancient cultures against the Eurocentric thought, while finding a theoretic parallel in the philosophy of liberation. Art leaves room to create a bridge that connects culture (which is conceptually described as western) with the one that comes from tradition and native customs. She weaves together both, cultural paradigms as a peace project through an artistic structure that is made with elements as dissimilar as wickerwork and metal. Through this, she suggests a society where differences are intertwined in order to return to the original concept of society. Influenced by indigenous, African and rural traditions, she converts the cultural mix into harmony, and introduces it as the main argument for the construction of the threshold of interculturality.

www.ceciarango.com 1967. Nació en Manizales, Colombia. Por el marcado impacto cultural de su cabello rizado, creció con la inquietud por develar el misterioso cruce étnico en su cuerpo. Su interés por el tejido llega a temprana edad, comenzado a tejer a crochet, agujas, macramé, punto cruz, frivolité y costurería cuando apenas era una niña. En 1985 estudió Diseño Industrial en la Universidad Javierana de Bogotá. Luego, instada por el interés en el arte, viajó a Milán, donde obtuvo un Master en Design Direction. En 2001 ganó la Primera Mención en la Bienal de Venecia y un año después decidió estudiar la Maestría en Artes Plásticas y Visuales en la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá. A la fecha, la artista ha expuesto en países como Colombia, España, Ecuador, Estados Unidos e Italia.

1967. 1967. Born in Manizales, Colombia. Because of the strong cultural impact of her curly hair, she grew up with the curiosity to reveal the mysterious ethnic mix in her body. Her interest in weaving started at an early age, she began to crochet, knit, macramé, cross stitch, make tatting and sew when she was barely a child. In 1985, she studied industrial design at the Universidad Javierana in Bogota. Later, pushed by her interest in art, she traveled to Milan, where she obtained a master’s in design direction. In 2001, she won an honorable mention at the Venice Biennale and a year later she decided to study a master’s in visual arts at the National University of Colombia in Bogota. To date, the artist has exhibited work in countries such as Colombia, Spain, Ecuador, United States and Italy.

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"Entrelazadas", Bandera colombiana de paz", 2006 - actual. Cintas de satín y madera, acción. Dimensiones variables. Esta obra trasciende las fronteras del arte como obra plástica. Se ha convertido en un proyecto de paz que nace en la elaboración de la obra por personas humildes y vulnerables, reinsertados y víctimas del conflicto armado de Colombia. La obra ha llegado a convertirse en un símbolo de paz, a partir de gestos de la artista como el envío de banderas a cada uno de los guerrilleros, negociadores del gobierno y representantes de países garantes en la mesa de diálogos de paz de La Habana, Cuba, en el año 2013. Por este gesto, la artista recibió una carta firmada de puño y letra por cada uno de los miembros de la comisión de paz de las FARC, en la que con un lenguaje cariñoso y respetuoso manifestaron su deseo de "tejer las ideas" para la paz de Colombia. “Interlaced, Colombian Flag of Peace,” 2006 – now. Satin ribbons and wood, intervention. Varying sizes. This work transcends the borders of art as a visual work. It has become a peace project that starts with humble and vulnerable people creating work, who have been victims of armed conflict in Colombia. The work has become a symbol of peace, starting with the artist’s own actions such as sending flags to all of the guerillas, government negotiators and representatives of guarantor countries at the table for peace talks in Havana, Cuba in 2013. Because of her actions, the artist received a personally signed letter from each one of the members of the FARC peace commission, where they lovingly and respectfully expressed their wish to “knit ideas” for peace in Colombia.


Pág. izq. "Mujer judía", cestería en bronce y aluminio, 100 x 100 x 5 cm. Left. "Jewish woman", wickerwork in bronze and aluminum, 39 x 39 x 2 in. Pág. der. "Oratorio", cestería en bronce y aluminio, 600 x 27 x 0.5 cm. Right. "Oratory", wickerwork in bronze and aluminum, 236 x 10.6 x 0.2 in..


Ambigüedad, incertidumbre y contradicción son las palabras que mejor definen la obra de Rossina Bossio. Sus creaciones reflejan una búsqueda permanente en torno a las paradojas de la condición humana. Sin embargo, la mujer –su cuerpo como símbolo de belleza y referente de seducción en la sociedad– es su sujeto predilecto. Su obra artística, compleja, intensa, muchas veces visceral, busca subvertir tabúes y estereotipos a través de imágenes estáticas y en movimiento que incluyen pintura, video, danza y música. Según la artista, el deseo de articular sus pinturas con otros medios responde a la convicción de que el arte debe ser corporeidad ante todo, capaz de sumergir al espectador en una experiencia altamente emocional y estética. Haciendo eco de sus orígenes latinoamericanos, Bossio también ha explorado temas como la influencia de la iconografía religiosa y la publicidad en la construcción de identidades. Con su práctica multidisciplinar, la artista construye un puente entre medios tradicionales y nuevos medios, dando importancia tanto al aspecto conceptual del arte como a lo estrictamente estético.

ROSSINA BOSSIO ARTISTA MULTIDISCIPLINAR | MULTIDISCIPLINARY ARTIST

Ambiguity, uncertainty and contradiction are the words that best define the art of Rossina Bossio. With the human figure as the main theme in her work, her portraits reflect an ongoing quest around the paradoxes of the human condition. However, women —their body as a symbol of beauty and seduction in society— are her preferred subjects. Her intense, complex and often visceral artworks seek to subvert taboos and stereotypes through static and moving images that include painting, video, dance and music. According to the artist, the desire to articulate her paintings with other disciplines is rooted in the conviction that art must be corporeal above all, capable of immersing the viewer in a highly emotional and aesthetic experience. Echoing her Latin American origins, Bossio also explores subjects such as the influence of religious iconography and advertising in the construction of identities. Her multidisciplinary work creates a bridge between traditional and new media, prioritizing both the conceptual aspect of art as well as the strictly aesthetical.

www.rossinabossio.com 1986. Nació en Bogotá, Colombia. Realizó sus estudios de Artes Visuales en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá y obtuvo su diploma de Bellas Artes en L’École des Beaux-Arts de Rennes, en Francia. Sus obras más tempranas se centran en su historia personal, abordando temas como la influencia de la religión católica en Colombia y los tabúes alrededor de los roles de género y la sexualidad. A inicios del 2008 viajó a Francia, en donde residió y trabajó durante casi cuatro años. Desde entonces, su trabajo artístico ha explorado temáticas que no sólo atañen a la situación de la mujer, sino a toda la condición humana. Sus obras han sido expuestas, entre otros, en el Museo de Arte Contemporáneo de Taipei (MoCA), el Museo de Arte de la Ciudad Imperial de Beijing (BAMOIC), el Grand Palais de París, el Centro Cultural del México Contemporáneo (CDMX), y el Museo Iglesia Santa Clara en Bogotá.

1986. Born in Bogota, Colombia. She studied Visual Arts at Pontificia Universidad Javeriana in Bogota and obtained her Fine Arts degree at L’École des Beaux-Arts de Rennes, in France. Her early work focuses on her personal story, tackling issues like the influence of Catholic religion in Colombia and taboos surrounding gender roles and sexuality. In 2008 she travelled to France, where she lived and worked for almost four years. Since then, her artwork has explored issues not only related to the situation of women, but also to the entire human condition. Her art has been exhibited at the Museum of Contemporary Art of Taipei (MoCA), the Beijing Art Museum of the Imperial City (BAMOIC), the Grand Palais in Paris, the Contemporary Cultural Center of Mexico, and the Museo Iglesia Santa Clara in Bogota. 63


Pág. izq. "The Holy Beauty Project" volumen III, 2012, video 06:32. Left "The Holy Beauty Project" volume III, 2012, video 06:32. Pág. der. "La Peregrina II", 2012, acrílico sobre tela, 130 x 108 cm. Right "La Peregrina II", 2012, acrylic on canvas, 51 x 42.5 in.


Pág. izq. "The Holy Beauty Project" volumen III, 2012, video 06:32. Left "The Holy Beauty Project" volume III, 2012, video 06:32. Pág. der. "Carnívora II", 2011, acrílico sobre tela, 116 x 89 cm. Right "Carnívora II", 2011, acrylic on canvas, 46 x 35 in.


Felox ha explorado las diversas disciplinas artísticas, llegando finalmente a la escultura y descubriendo en ésta la técnica perfecta para desarrollar sus inquietudes plásticas y conceptuales. Su trabajo busca llegar a un concepto a través de los objetos, donde la tridimensionalidad le permite reflexionar sobre aquellas ideas que ocupan sus pensamientos. Comenzó como un pintor y luego derivó hacia la escultura y el ensamblaje, logrando sorprendentes efectos mediante la yuxtaposición de objetos. En su obra juegan texturas, estilos y colores de manera provocativa. Los materiales de sus piezas abarcan una amplia gama, trabajando desde vidrio, telas, muebles, madera y plumas. En un atrayente equilibrio de imágenes icónicas de diversas religiones, el artista entrega a cada pieza un aura de espiritualidad para hablar de lo eterno a partir de las fuerzas de un mundo físico.

JOSÉ SÁNCHEZ "FELOX" ESCULTURA | SCULPTURE

Felox has explored diverse artistic techniques, finally exploring sculpture and discovering in it the perfect technique to develop his plastic and conceptual concerns. His artworks look for a concept through objects, where three-dimensionality allows him to reflect about the ideas that occupy his thoughts. He began as a painter and then he arrived to sculpture and assembly, achieving surprising effects through the juxtaposition of objects. In his work, textures, styles, and colors play a provocative game. The wide variety of materials he uses in his artworks includes glass, fabric, furniture, wood, and feathers. In an attractive balance of iconic images from diverse religions, the artist gives each piece a spirituality aura to talk about the eternal from the forces of a physical world.

www.feloxs.blogspot.com 1965. El vínculo de Felox con las artes viene desde temprana edad. Esta inclinación lo llevó a iniciar estudios en el instituto de Bellas Artes con apenas doce años. Comenzó trabajando la pintura para después explorar la escultura y fotografía, y luego con el tiempo evolucionó hacia la escultura en busca de un concepto a través de los objetos. Continuó su formación en el taller del Maestro Leo Vid Silva en Bogotá y en la academia de Escultura Sócrates en Medellín. Ha participado en más de sesenta exposiciones entre individuales, colectivas y ferias. En Colombia, Panamá, República Dominicana, Estados Unidos, Italia y China. Su trabajo ha ganado premios internacionales como Manifest Creative Research Gallery - INPA 4 y Chelsea International Fine Art Competition - Agora Gallery.

1965. Felox’s link with arts comes from when he was a child. This tendency carried him to begin his studies at the Institute of Fine Arts when he was barely twelve years old. He began working with painting and after, he explored sculpture and photography. Then, with the pass of time, he evolved to a sculpture that looks for a concept through objects. He continued his training in the studio of Master Leo Vid Silva in Bogotá, and in the Sculpture Academy Socrates in Medellín. He has participated in more than sixty exhibitions among individuals, collectives, and art fairs in Colombia, Panamá, Dominican Republic, United States, Italy, and China. His artworks have won international prizes as the Manifest Creative Research Gallery –INPA 4 and Chelsea International Fine Art Competition– Agora Gallery.

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Pag. Izq. "Serie Dominus ",2012, objeto encontrado, plรกstico, plumas, alambre, vidrio, รณleo, etc., 70 x 25 x 26 cm. Left. "Dominus series ",2012, found object, plastic, feathers, wire, glass, oil, etc. 27.55 x 9.84 x10.23 in. Pag. der. "Serie Dominus ",2010, objeto encontrado, clay, plรกstico, plumas, insectos, vidrio, รณleo, etc., 61 x 28 x 13 cm. Right. "Dominus series",2010, found object, clay, plastic, feathers, insects, glass, oil,etc., 24.01 x 11.02 x 5.11 in.


Pag. Izq. "Serie Dominus ", 2012, resina, cristal, plรกstico, metal, piel, รณleo,etc., 38 x 26 x 11 cm. Left. "Dominus series", 2012, resin, glass, plastic, metal, leather, oil, etc., 14.96 x 10.23 x 4.33 in. Pag. der. "Serie Dominus ", 2013, madera, plรกstico, alas, piel, yeso, vidrio, รณleo, etc., 85 x 60 x 40 cm. Right "Dominus series ", 2013, wood, plastic, wings, skin, plaster, glass, oil, etc., 33.46 x 23.62 x 15.74 in.


Desde pequeña la vida de Gloria Llano ha estado marcada por un constante transitar en diversos lugares. Primero por motivos del trabajo de su padre, luego por temas políticos, y más adelante por estudios y situaciones de la vida personal; la artista se ha establecido en distintas ciudades de su natal Colombia y del mundo. Este sentimiento de desarraigo, propio de quienes tienen sus raíces dispersas por diferentes puntos del globo, le ha servido como base investigativa y teórica para el desarrollo de su ejercicio pictórico. Es así como empieza a gestar la potente idea de que el Universo se extiende mucho más allá de lo que abarca la mirada. Esta noción, influenciada también por la frase de Carl Sagan, “El Cosmos es todo lo que es, alguna vez fue o alguna vez será”, la ha llevado a experimentar el conocimiento de lo micro y macro, y unir sus cuestionamientos a través de la pintura. A raíz de esto, crea composiciones ligadas al expresionismo abstracto con toques cósmicos, basadas en la utilización de diversas tintas y técnicas sobre papel, consiguiendo de esta forma mundos cautivantes y enigmáticos a la vez.

GLORIA LLANO

Since Gloria Llano was a child, her life has been characterized by been in touch with different cities of her native Colombia and the world, as a result of her father´s work, political issues, studies and personal life situations; Due to her dispersed roots around the world, she has not developed the feeling of belong to any place which has been useful for the development of her pictorial exercise as a theoretical and investigative base. This was the beginning of her perceptive about the universe as something extended beyond what we can see. She was also influenced by Carl Sagan’s phrase: “The cosmos is all that is or was or ever will be,” the following has carried her to experiment the ideas of micro and macro, and join her questionings through painting. That is how she creates composition linked to the abstract expressionism with cosmic touches, based on the use of varied inks and techniques on the paper, reaching this way, seductive and enigmatic worlds at the same time.

PINTURA | PAINTING

yoya150@hotmail.com 1969. Abogada de la Universidad Santo Tomás de Aquino y graduada como Especialista en Banca de la Universidad de los Andes, posteriormente decidió dar un vuelco en su carrera profesional para dedicarse por entero al arte y la pintura, su verdadera pasión. Es así que cursó un Diplomado de Experta en Mercadeo de Arte en la Universidad Antonio de Nebrija, en Madrid, España. Participó en diversos talleres de arte en Colombia, junto a Pascual Ruiz, Gustavo Vélez, Dorian Flórez y Jeison Sierra, y en Costa Rica con Giselt Arias. Ha expuesto individualmente en la Villa Orsini en Venecia, Italia y en diversos lugares de Medellín como el Metro, el Casino Caribe y el Hotel Dann Carlton Belfort, entre otros. Además, ha participado en una decena de muestras colectivas tanto en Colombia como en el extranjero.

1969. Attorney of the Santo Tomás de Aquino University and Bank Specialist graduated from Los Andes University. Later on, she decided to turn around her professional career and completely dedicate to art and painting, her real passion. Then she took a Diploma Course of Expert in Art Marketing from the Antonio de Nebrija University in Madrid, Spain. She has participated in diverse art workshops in Colombia, with Pascual Ruiz, Gustavo Vélez, Dorian Flórez, and Jeison Sierra, and also in Costa Rica with Giselt Arias. She has individually exhibited in Venetia’s Villa Orsini, Italy, and in different places of Medellin (Colombia) such as the subway, the Caribe Casino, and the Dann Carlton Belfort Hotel, among others; In addition, she has participated in a dozen of collective exhibitions in Colombia and abroad.

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"Big bang IV", 2015,tinta sobre papel, 99,32 x 115,6 cm. "Big bang IV", 2015,ink on paper, 39.1 x 45.51 in.

"Big bang I", 2015, tinta sobre papel, 220 x 140 cm. "Big bang I", 2015, ink on paper, 86.61 x 55.11 in. .


"Luz II", 2016, tinta sobre papel, 186 x 119 cm. "Light II", 2016, ink on paper, 73.22 x 46.85 in.

"Luz I", 2016, tinta sobre papel, 186 x 119 cm. "Light I", 2016, ink on paper, 73.22 x 46.85 in.


Todo comienza con un lápiz grafito. Un sencillo portaminas se convierte en la herramienta con que Camilo Álvarez construye, mediante trazos finos e incluso obsesivos, los dibujos que entrelazan las capas de cada uno de sus seres. Tras las distintas densidades de gris y los espacios remarcados con pintura se deja entrever el alma de aquello que el impecable oficio entrega. Un imaginario de tintes geométricos surge del lápiz para crear figuras que transitan entre lo figurativo y lo abstracto. No es necesario comprender a cabalidad, lo importante más bien es dejarse llevar por el espíritu de cada una de las obras y trasladarse a los estados anímicos y sorprendentes que éstos proponen. Álvarez ha explorado su relación con el papel al punto de que éste se ha convertido en el lienzo con que dibuja su vida y transmite sus cuestionamientos más profundos.

JUAN CAMILO ÁLVAREZ PINTURA | PAINTING

Everything begins with a pencil. A simple mechanical pencil is transformed into a tool that Camilo Álvarez uses to build, through fine and even obsessive lines, the draws that interweave the layers of each one of his beings. After different gray densities and spaces re-marked with paint, the soul of what the flawless profession gives can be seen. An imaginary on geometric dyeing appears from the pencil to create figures that go between the figurative and the abstract. It’s not necessary to fully understand; the important thing rather is to be carried along by the spirit of each of his artworks and be moved to the surprising moods they propose. Álvarez has explored his relationship with paper to the point of this has transformed into the canvas he uses to draw his life; and it transmit his deepest questions.

www.behance.net/camiloalvarezartista 1974. Posee estudios de Escultura en la Academia de Escultura Rozo, Pintura en el taller de Ana Kerpel, Escuela Manzur, Música en la Escuela de Música Chopin y Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes de Medellín. Entre sus exposiciones individuales destacan Evento Privado, Gestora Cristina Herrman, Basilea, Suiza; Mémoires, Galería Monod, París, Francia y Seducción del Espíritu con lo Irreal. Ha participado en más de una docena de muestras colectivas en Alemania, Bélgica, Colombia, Costa Rica, España, Estados Unidos y Suiza. Paralelamente, ha trabajado como Director de Marca Grupo Divino, Director de Imagen Grupo EA Lingerie y Director de Imagen y Fotografía Grupo ROMO.

1974. He studied Sculpture in the Academia de Escultura Rozo; Painting in the Ana Kerpel studio, Manzur school; Music in the Escuela de Música Chopin; and Plastic Arts in the School of Fine Arts of Medellin. Among his individual exhibitions, it stands out Evento Privado, managed by Cristina Herrman, Basilea, Switzerland; Mémoires, Monod Gallery, Paris, France; and Seducción del Espíritu con lo Irreal, Casa Imago Gallery, in Medellin, Colombia. He has participated in more than a dozen of collective exhibitions in Germany, Belgium, Colombia, Costa Rica, Spain, United Stated, and Switzerland. Concurrently, he has worked as Chief Brand Officer for Divino Group, Director of image for EA Lingerie Group, Director of image and photography for ROMO Group.

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Pág. izq. "Cuerpo en alma", 2010, portaminas y acrílico sobre tela, 140 x 200 cm. Left. "Body in soul",2010, pencil and acrylic on canvas, 55.11 x 78.74 in. Pág. der. "Contemple", 2016, portaminas y acrílico sobre tela, 140 x 140 cm. Right. "Contemplate", 2016, pencil and acrylic on canvas, 55.11 x 55.11 in.


Pág. izq. "Fuera del agua", 2015, portaminas sobre tela, 180 x 140 cm. Left. "Out of water",2015, pencil on canvas, 70.86 x 55.11 in. Pág. der. "Lluvia", 2015, portaminas y acrílico sobre tela, 140 x 100 cm. Right. "Rain", 2015, pencil and acrylic on canvas, 55.11 x 39.37 in.


Yosmán Botero trabaja una filigrana de elementos que cautiva el ojo del espectador el cual, al acercarse a ellos, descubre el espejismo de un objeto ficticio. El artista, por una parte, trabaja en trasladar la noción de valor cultural a las nuevas representaciones subrayando su carácter artesanal. Por otra, la reinterpretación de objetos icónicos históricos a partir de un arma de fuego, lo que le permite enlazar el pasado precolonial con el conflicto armado de las últimas décadas y el periodo actual de post-conflicto en Colombia. La propuesta de Yosman se enmarca en la tendencia artística que participa en el proceso de reflexión que se ha iniciado en su país para superarlo. Partiendo de una situación concreta que conoce bien, el artista propone obras que adquieren un interés universal, gracias a la riqueza de asociaciones y a los niveles de lectura que proporciona y que destacan por su minuciosa realización.

YOSMAN BOTERO ESCULTURA | SCULPTURE

Yosmán Botero works a filigree of elements that captivates the eye of the observer who, when approaching them, discovers the mirage of a fictitious object. The artist, on one hand, works in transferring the notion of cultural value to the new representations, emphasizing his handicraft character. On the other hand, the reinterpretation of historical and iconic objects from a firearm, which allows him to link the pre-colonial past with the armed conflict of the last decades and the present post-conflict period in Colombia. The proposal of Yosmán is part of the artistic trend that participates in the process of reflection, which has begun in his country and has become a way to overcome it. Starting from a specific situation that he knows well, the artist proposes artworks that acquire a universal interest, due to the wealth of associations and the levels he provides and which stand out for their meticulous achievement.

www.yosmanbotero.com 1983. Nació en Cucuta, Colombia en 1983. Se graduó como artista plástico de la Universidad de Antioquia en la ciudad de Medellín, en 2010, desde entonces trabaja el arte por medio del dibujo, la pintura instalación y video. Su obra lo ha llevado a exponer en diferentes países como Alemania, Suiza, España, Rusia, Brasil, México y ha recibido los siguientes reconocimientos: primer puesto en Premios Nacionales de Cultura de la Universidad de Antioquia, la Beca Residencia de artística Terra UNA en Brasil, la Mención honorífica en la Segunda Bienal de Artes Plásticas de Comfenalco Antioquia, entre otras. Hoy se encuentra radicado en la ciudad de Barcelona, España, país en el que se le ha reconocido por su destacada labor artística en ART > 35 y también como artista finalista en el Congreso “Madrid, Escenario mundial de Creatividad”.

1983. Born in Cucuta, Colombia in 1983. He studied visual arts in the Universidad de Antioquia in the city of Medellín, in 2010, since then he works the visual art by draws, paint, installation and video. He has different exhibitions in Germany, Switzerland, Spain, Russia, Brazil and Mexico. He has been awarded different honors and awards throughout his career, such as first place in the National Culture Awards at Universidad de Antioquia, the Terra UNA Brazil artist residency grant and an honorable mention in the Comfenalco Second Biennale of Visual Arts in Antioquia. He is currently living in the city of Barcelona, Spain. This artist has been recognized in this country by his renowned artistic work in Art>35 and also as the finalist in the Congress “World Scenario of Creativity.”

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Pág. izq. "Lineamientos", tablas de pupitre convertidos en fusiles, 2015, dimensiones variables. Left. “Guidelines”, desks converted into firearms, 2015, sizes vary. Pág. der. "Paisaje", 2015, poliestireno expandido y acrílico negro, dimensiones variables. Right. “Landscape”, 2015, expanded polystyrene and black acrylic paint, sizes vary.


Pág. izq. De la serie Lineamientos, "Amd 65", 2015, hojilla dorada sobre acrílico, 101 x 31 x 5 cm.| De la serie Lineamientos, "Amd 65", 2015, hilo rojo sobre acrílico perforado, 101 x 31 x 5 cm. Left. From the series Guidelines, "Amd 65", 2015, gold leaf on acrylic, 39.76 x 12.20 x 1.96 in. | From the series Guidelines, "Amd 65", 2015, red thread on perforated acrylic, 39.76 x 12.20 x 1.96 in. Pág. der. "Postcolombino 7", 2016, hojilla dorada sobre laminas de acrílico, 62 x 62 x 10 cm. Right. “Post-Colombus 7”, 2016, gold thread on acrylic sheets, 24.40 x 24.40 x 3.93 in.


Por medio de un agudo trabajo escultórico, Patricia Glauser denuncia la violencia física y psicológica a la mujer. La silueta del cuerpo femenino contrasta, gracias al recurso del color, y expresa la sensibilidad que circunda al tópico. Los conceptos a los que alude describen el maltrato, la brutalidad y el desgarro. El desarrollo de su trabajo plástico flirtea con elementos como la estética del blanco: pulcro, limpio y símbolo de la belleza, que enaltece el concepto de lo femenino; los detalles en color crean una interrupción a la mirada y un énfasis en los rasgos de la femineidad y finalmente, un compromiso con la ética de denuncia de un fenómeno social que se repite en el s. XXI. El objetivo es sensibilizar al observador, relatar a través del esculpido una historia real que devela patrones en la conducta social que exponen al individuo a su interioridad, espíritu y esencia.

PATRICIA GLAUSER ESCULTURA | SCULPTURE

Through clever sculptural work, Patricia Glauser shows physical and psychological violence against women. The silhouette of the female body stands out, thanks to her use of color, and expresses the sensitivity that surrounds this issue. The concepts that she alludes to describe mistreatment, brutality and heartache. The development of her visual work flirts with elements such as the aesthetic of whiteness, neatness, cleanliness and symbol of beauty, which elevates the concept of femininity; the details in color interrupt the viewing and emphasize the features of femininity and finally, a commitment to the ethics of reporting a social phenomenon that is repeated in the 21st century. The goal is to sensibilize the viewer and, through sculpture, relate a real story that develops patterns in social behavior that expose people to their inner selves, spirit and essence.

www.patriciaglauser.com 1967. Nació en Colombia. Ingresó a la Universidad a estudiar Odontología inicialmente, pero decidió abandonar su trabajo para dedicar tiempo a la pintura en 1998. Viajó a Florencia, Italia e ingresó a estudiar pintura en la escuela Lorenzo de Medici Art School por dos años. Entonces comenzó a profundizar en la técnica y hacia el año 2000 tomó una serie de cursos de dibujo y pintura en la escuela de diseño Art’E /Florencia. La ciudad de la cuna del arte transformó su vida y la condujo a crear y producir en el arte, acompañada siempre de una formación académica que culminó en 2009 con un Máster en Artes Visuales en la Libera Academia di Belle Arti, (LABA) en Florencia. Hasta la fecha la artista ha expuesto en Alemania, Austria, Bélgica, Colombia e Italia.

1967. Born in Colombia. She entered college to study dentistry in the beginning, but later decided to abandon her work to devote time to painting in 1998. She travelled to Florence, Italy and began studying painting at the Lorenzo de Medici Art School for two years. There, she started to delve into technique and around 2000 she took a series of drawing and painting courses in the Art.E in Florence. The birthplace of art transformed her life and led her to create and produce art, alongside the academic training that she completed in 2009 with a master’s in visual arts at the Libera Academia di Belle Arti, (L ABA) in Florence. To date, the artist has shown work in Germany, Austria, Belgium, Colombia and Italy.

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"Me vestí de Libertad", 2010, técnica mixta, 167 x 65 x 50 cm. "I dressed in freedom", 2010, mixted technique, 66 x 26 x 20 in.

"Un Homenaje para tu ausencia", 2013, técnica mixta, 167 x 65 x 60 cm. "A homage to your absence", 2013, mixted technique, 66 x 26 x 24 in.

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"Esposas", 2012, técnica mixta, 180 x 80 x 30 cm. "Handcuffs", 2012, mixted technique, 71 x 31.5 x 12 in.

"Io Abito", 2011, acrílico y yeso sobre tela, 70 x 180 cm. "Io Abito", 2011, acrilic and plaster on canvas, 28 x 71 in.

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Constructora de experiencias a través de la imagen. Trabaja la amalgama de significación y resignificación del objeto y el ser humano a través del video y la fotografía. Sobre la base de situaciones e historias reales, interviene con prótesis y puestas en escena, para dotar de sentido su obra y llevarla desde un mero registro a un relato en imagen. Aborda la fotografía desde la nostalgia. Trae de vuelta al ojo crítico la tradición y el imaginario cultural perdido. El argumento lo protagoniza una memoria colectiva que exige erradicar la trivialización de la experiencia y resucitar la conciencia de que todo está conectado. Su trabajo artístico es parte de un ejercicio ritual que mezcla la integridad del ser humano y su relación con la colectividad. Así, coherente con el arraigo a lo original, su trabajo se describe afectivo, un flirteo en el limbo que separa lo documental de la ficción.

LILIANA MERIZALDE FOTOGRAFÍA | PHOTOGRAPHY

A creator of experiences through image. She works with a combination of giving meaning and giving new meanings to objects and human beings through video and photography. Based on real situations and stories, she intervenes with prosthesis and staging, in order to give meaning to her work and take it from a mere record to a story in an image. She tackles photography based on nostalgia. She brings back the critical eye to tradition and lost cultural imagery. The argument is represented by a collective memory that manages to eradicate the trivialization of experiences and revives the awareness that everything is connected. Her artistic work is part of a ritualistic exercise that mixes the integrity of human beings and their relationship with community. Thus, consistent with the entrenchment to the ancestral, her work can be described as affective, as a flirtation with the limbo that separates documentary from fiction.

www.lilianamerizalde.com 1984. Nació en Bogotá, Colombia. Estudió Literatura en la Universidad de los Andes entre 2006 y 2009. Paralelamente obtuvo un "minor" en Artes, con énfasis en Medios electrónicos y Artes del tiempo en la misma institución. Entonces inició la senda del perfeccionamiento de sus aficiones: la fotografía y el video. Entró a estudiar un posgrado en edición de libros, que la motivó luego a continuar con una maestría en Dirección de Cine que culminó en 2011 en la ciudad de Barcelona, España. Se ha instruido y ha trabajado en la profundización de sus conocimientos, obteniendo una serie de diplomados y cursos en Dirección de Cine y Fotografía, lo que materializa un trabajo artístico que a la fecha se ha expuesto en países como Colombia, España, Perú y Estados Unidos.

1984. Born in Bogota, Colombia. She studied literature at the Universidad de los Andes from 2006 to 2009. At the same time, she obtained a minor in art, with an emphasis on electronic media and time based arts at the same institution. This initiated the path of refinement of her passions: photography and video. She began her postgraduate studies in book publishing, which later inspired her to continue with a master’s in cinema direction that finished in 2011, in Barcelona, Spain. She has taught herself and worked in deepening her knowledge obtaining a series of diplomas and courses in cinema direction and photography, which materialises an artistic work that, to date has been shown in countries like Colombia, Spain, Peru and United States.

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"Doris Gómez", 2015, fotografía digital con prótesis. "Doris Gómez", 2015, digital photography with prosthetics.

"María Magdalena Reyes", 2015, fotografía digital con prótesis "María Magdalena Reyes", 2015, digital photography with prosthetics


"Doris Gómez", 2015, fotografía digital con prótesis. "Doris Gómez", 2015, digital photography with prosthetics.

"María Magdalena Reyes", 2015, fotografía digital con prótesis "María Magdalena Reyes", 2015, digital photography with prosthetics.


Con obras de gran dimensión que mezclan lo escultórico con lo pictórico, Olivia Miranda logra crear un espacio íntimo. Soporte y obra se mezclan en textiles que evocan una memoria personal y colectiva por medio de rugosidades, transparencias y dobleces que exhiben cualidades inexploradas en esa nueva materialidad. Se vale para ello de telas, tierras, fibras, pigmentos y un sinnúmero de materiales en sus piezas que convocan al espectador desde esa nueva realidad. Con este trabajo experimental consigue revestir elementos de historias compartidas por el ser humano, para dar forma a narraciones sensibles que convocan la esencia del ser. Se trata de un trabajo que exige dominio del oficio, aunque a simple vista se perciba como formas de una espontaneidad absoluta. Así, la expresión de espiritualidades, conductas e historias toman vida en el arte.

OLIVIA MIRANDA ESCULTURA BIDIMENSIONAL | BIDIMENSIONAL SCULPTURE

With large-scale artworks that mix sculptural work with pictorial work, Olivia Miranda manages to create an intimate space. Frame and work are intertwined on textiles that evoke personal and collective memories through ridges, transparencies and folds that display unexplored qualities in that new materiality. She does this through fabrics, dirt, fibers, pigments and an endless number of materials in her pieces that calls the viewer’s attention from that new reality. With this experimental work, she is able to renew elements of stories shared by humans in order to give shape to sensible narratives that invoke the essence of humans. It is about work demaning mastery of the craft; although at first sight it is seen as forms of absolute spontaneity. Through this, the expression of spiritual beliefs, behaviors and stories take life in the art.

oliviamiranda@gmail.com 1974. Nació en Barranquilla, Colombia. A muy temprana edad se trasladó a Bogotá. En 1974 comenzó estudios en Bellas Artes en la Universidad Nacional de Colombia que complementó con Filosofía y Letras en la Universidad de La Salle. En 1978, la artista recibió la Beca Unesco “Restauración del Patrimonio Cultural”. En un principio trabajaba con soportes de telas estampadas industrialmente, con flores y colores intensos y, en la medida que su obra y técnica han evolucionado, trabaja el soporte mismo como imagen. Ha participado en importantes espacios de arte como la Segunda Bienal de La Habana, Cuba; Inhtergráficas en Berlín, Alemania; la Bienal de Artes Gráficas en Venezuela; 2015 Bienal de la Habana Universidad San Alejandro, entre otros. A la fecha ha expuesto en Alemania, Colombia, Cuba, España, Estados Unidos, Rusia y Venezuela.

1974. Born in Barranquilla, Colombia. At a very young age, she moved to Bogota. In 1974, she started studying Fine Arts at the National University of Colombia, which she complemented with philosophy and writing at the Universidad de La Salle. In 1978, the artist received the UNESCO scholarship “Restauración del Patrimonio Cultural” (Restoration of Cultural Heritage). In the beginning, she worked on fabrics industrially stamped with flowers and bright colors and, as her work and technique have evolved, she uses the medium as an image. She has participated in important art venues such as the second edition of the Havana Biennial, in Cuba; Inhtergraficas in Berlin, Germany; the Graphic Art Biennial in Venezuela; 2015 Biennial of Havana University San Alejandro, among others. To date, she has exhibited in Germany, Colombia, Cuba, Spain, United States, Russia and Venezuela.

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"Boca de Fuego", tríptico técnica mixta, 200 x 65 cm. "Fire Mouth", mixted technique triptych, 78.7 x 26 in.

"Aleteo", telón técnica mixta, 250 x 170 cm. "Flutter", mixted technique telon, 98.4 x 67 in,

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Pág. izq. "Espiral de tiempo", técnica mixta, 136 x 95 cm. Left "Spiral of time", mixted technique, 54 x 37.4 in. Pág.der "En memoria", telón técnica mixta, 400 x 1000 cm. Right "In memory", mixted technique, 157.5 x 394 in.


Un trabajo artístico de múltiples soportes y multimedial es el producto de una ardua labor de investigación y estudio que Johanna Arenas ha emprendido atraída por la naturaleza, sus procesos y la observación experimental. A través de estudios de comportamiento, que conservan su orden cronológico, descubre transformaciones que traslada a dibujos, videos, fotografía o instalaciones para crear nexos entre el comportamiento del ecosistema y del ser humano. Son asociaciones que se extraen de eventos particulares y que la artista vincula a algunas conductas que se replican en la cotidianeidad. Así, ha llegado a derivar del comportamiento del movimiento, el espacio y las estructuras, rutinas o procesos que se extrapolan a diferentes organismos y seres, creando patrones y un tejido armónico entre el hombre y la naturaleza.

JOHANNA ARENAS FOTOGRAFÍA | PHOTOGRAPHY

Artistic work in multiple mediums is the product of an arduous reasearch labor and studying that Johanna Arenas has carried out as a result of her interest in nature, its processes and experimental observation. Through behavior studies, which retain their chronological order, she discovers transformations which result in drawings, videos, photography or installations in order to create connections between the behavior of the ecosystem and human beings. They are associations that are from certain events and which the artist links to some behaviors which are replicated in everyday life. Thus, it has derived from the behavior of movement, space and structures, routines or processes which are extrapolated to different organisms and beings, creating patterns and a harmonic weave between man and nature.

arenasjohanna@hotmail.com 1974. Nació en Bogotá, Colombia en 1974. Dió sus primeros pasos en las artes plásticas, cuando ingresa a la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Obtiene su título en Bellas Artes en 1994 e inmediatamente después se dedicó a apoyar el arte joven desde la Dirección y Curatoría de la Galería Sala de Espera. Queriendo ampliar fronteras, abandonó su vocación social para iniciar un trabajo de taller en el que se dedicó tanto al trabajo artístico plástico desde múltiples plataformas y disciplinas y a la investigación del comportamiento de micro y macroorganismos que componen el ecosistema. Uno de sus proyectos más importantes es Rhizopus, un estudio de cultivo de hongos, cuyo registro pictórico consigue asociar patrones de movimiento de seres humanos y organismos de la naturaleza. A la fecha la artista ha expuesto en Colombia, México, Perú, Venezuela y España.

1974. Born in Bogota, Colombia. Before getting involved in visual arts, she took private music lessons in her hometown between 1987 and 1990. After this, she took her first steps in visual arts, when she started at Universidad Jorge Tadeo Lozano. She got her degree in fine arts in 1994 and right after this, she devoted herself to supporting youth art from the direction and curation of the Galeria Sala de Espera. Wanting to broaden her boundaries, she gave up her social calling to begin a studio work in which she devoted time to both visual artistic and plastic work, from multiple platforms and disciplines, and behavior research of micro and macro-organisms that are part of the ecosystem. One of her most important projects is Rhizopus, a mushroom cultivation studio, whose pictorial record manages to associate patterns of movement in human beings and organisms in nature. To date, the artist has exhibited in Colombia, Mexico, Peru and Venezuela.

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"Nebulosa" (Cultivo Nº7, tiempo del registro: un año), 2013, caja de luz, backlight, luz led, 42 x 82 x 4 cm. "Nebula" (Cultivation Nº.7, registration time: one year), 2013, light box, backlight, led light, 16.53 x 32.28 x 1.56 in.


Pág. izq. "Cartografías de una papaya", 2013, Impresión digital, tintas eco, papel Hahnemühle Rag 300, dimensiones variables. Left. "Cartographies of a papaya", 2013, Digital printing, eco inks, paper Hahnemühle Rag 300, variable dimensions. Pág. der. Fotograma del video, paisajes prestados, universos infinitos, video animación, 137 cuadros de dibujos, 2013, campo de proyección: 4 mtrs x 6 mtrs., audio: registro NASA - sonido del sol y la tierra. Right Video frame, rendered landscapes, infinite universes, video animation, 137 frames of drawings, 2013, projection field: 4 mtrs x 6 mtrs., Audio: NASA record - sound of the sun and the earth.


Dueña de un trabajo al tiempo crítico y romántico, la artista esboza –a través de la figura de la flor– el rol que juega el género femenino en la sociedad y cómo éste, frente a diversas circunstancias o épocas, se ha visto mermado y obstaculizado por los agentes que le rodean. Pendiente de una estética en la que predominan los colores, la metáfora y la multiplicidad matérica y técnica, su atención y foco exceden los límites visuales y físicos que emanan de la flor, para abrirse un espacio, a través de ella, en el tópico de la reproducción. Igualmente ha usado el clítoris a modo de símbolo y conceptualización de la mujer y ha trabajado en él técnicas tan disímiles como cerámica, textil, óleo, poliuretano y otros. La delicadeza se vuelve orgánica cuando, en su intención de obtener un trabajo sutil, toma forma de flores de múltiples colores el discurso que identifica el papel de la mujer en esta sociedad, como un individuo constructor de cultura, vida y sociedad.

PIEDAD TARAZONA ESCULTURA | SCULPTURE

Her work is both critical and romantic. Through the figure of the flower, the artist suggests the role that women play in society and the way, in light of different circumstances and times, has been reduced and obstructed by surrounding agents. While looking for an aesthetic in which colors, metaphor and the variety of material and technique prevail, her attention and focus surpass the visual and physical limits that radiate from the flower, in order to open up a space through the flower, for reproduction. In the same way, she has used the clitoris as a symbol and conceptualization of women and has worked on it with several techniques such as:ceramic, textile, oil, polyurethane and others. Softness becomes organic when the discourse, while trying to obtain a more subtle work, takes the shape of multi-colored flowers which identifies the role of women in society, like an individual creator of culture, life and society.

www.piedadtarazona.com 1974. Estudió Artes Plásticas en la Universidad de los Andes para luego incursionar en Publicidad en la Universidad Jorge Tadeo Lozano, de Bogotá. Posteriormente continuó su formación complementando sus conocimientos con Postgrados en Procesos Gráficos y Logística Comercial Nacional e Internacional y Teología. Estudió las técnicas del yeso y el vidrio, experimentó en textil y cerámica y adquirió conocimientos en teoría de color. Ha expuesto individualmente en más de una decena de oportunidades, destacando Subliminales en el Museo Casa Grau, Oportunidades en Galería San Lucas Agosto y Muerde la Manzana en Galería Más Arte Contemporáneo, entre otras. Colectivamente ha expuesto en China, Colombia, Estados Unidos, Inglaterra y Venezuela, y participado en ferias como ArtBo, FIA, Just Mad y Art Beijing, entre otras.

1974. She studied visual arts at the Universidad de los Andes and later got into publicity at the Universidad Jorge Tadeo Lozano, in Bogota. Afterwards, she continued her studies by fulfilling her knowledge with post-graduate studies in graphic processes, international and national commercial logistics and theology. She studied techniques in plaster and glass as well as experiment in textile and ceramic. She has also learned color theory. She has had solo show on more than a dozen occasions, such as Subliminals at Museo Casa Grau, Opportunities in Galeria San Lucas Agosto and Bite the Apple in Galeria Mas Arte Contemporaneo, among others. Collectively she has exhibited her artworks in China, Colombia, United States, England and Venezuela, and has participated in fairs such as ArtBo, FIA, Just Mad and Art Beijing, among others.

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Pag. izq."Makatraka", 2010, escultura de madera, 65 x 150 x 150 cm. Left. "Makatraka", 2010, wood sculpture, 26 x 59 x 59 in. Pรกg. der. "Ablaciรณn", รณleo sobre tela, 165 cm. Right. "Ablacion", oil in canvas, 65 in.


Pág. izq. "Hechizos de amor", 2016, cerámica al frío, 45 x 35 cm. Left. "Love spells", 2016, cold ceramic, 18 x 14 in. Pág. der. "El club de las 50",2010, 50 rosas en cerámica, 45 x 35 x 35 cm c/u. Right. "50 Club",2010, 50 roses in cold ceramic, 18 x 14 x 14 in. each one.


En la historia del arte el estudio del espacio ha sido esencial. Se han alcanzado grandes revoluciones como la perspectiva, la cual permitió la representación en tres dimensiones lineales, superando una visión medieval de tan solo dos. En el momento en que el arte abandona la mímesis por la naturaleza, los físicos concibieron al universo curvo y las vanguardias introdujeron el concepto de la cuarta dimensión: espacio–tiempo, en el arte moderno. La teoría de las cuerdas presume que el espacio puede ser diez, once o veintiséis dimensiones adicionales. Ante esta conjetura, imaginar la inclusión de otras dimensiones en un medio bidimensional representa un reto fascinante. Observando las ciudades, el cubo se manifiesta como su matriz. Ante la línea recta, la curva adquiere un significado relevante: es la esencia mínima de la vibración, estado natural del universo. La propuesta de Andrés Moreno nace desde el ejercicio de la pintura y reflexiona sobre el equilibrio de la geometría en un espacio multidimensional conciliando estructuras lineales con formas orgánicas.

ANDRÉS MORENO

The study of space has been essential throughout the history of art. Great revolutions have taken place such as perspective, which allowed representation in three linear dimensions, surpassing a medieval vision of just two. At the same time that art abandoned mimesis for nature, physicists learned that the universe is curved and those at the forefront introduced the concept of the fourth dimension, space-time, into modern art. String theory presumes that space can be ten, eleven or twenty-six additional dimensions. In face of this conjecture, imagining the inclusion of other dimensions in a two-dimensional medium represents a fascinating challenge. Observing cities, the cube appears as the artist’s mold. On straight lines, curves take on an important meaning: it is the minimum essence of vibration, the natural state of the universe. Andrés Moreno’s work comes from the act of painting and reflects on the balance of geometry in a multidimensional space creating a balance between linear structures and organic shapes.

www.morenohoffmann.com

PINTURA | PAINTING

1977. Andrés Moreno Hoffmann inició sus estudios en Artes Plásticas en la Universidad de los Andes en Bogotá. Muy joven se trasladó a Barcelona y se graduó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Allí, obtuvo el Diploma de Estudios Avanzados dentro del Programa de Doctorado en Pintura en la Era Digital. Luego, continuó sus estudios orientados hacia una Maestría en Dirección de Arte y Estrategias de Comunicación, en Elisava - Escuela Universitaria de Diseño e Ingeniería de Barcelona. Asistió a clases de Digital Media en Westminster College y Fine Art and Photography en Kensington and Chelsea College en Londres. El 2 de marzo de 2017, Moreno Hoffmann inauguro la exhibición individual Espacio en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC. A la fecha ha expuesto en Colombia, España y Estados Unidos.

1977. Andrés Moreno Hoffmann began his studies in visual arts at Universidad de los Andes in Bogota. At a young age he moved to Barcelona and graduated from the School of Fine Arts of Universidad de Barcelona. There, he got an advanced studies degree within the doctorate program in painting in the digital age. Later, he continued his studies in a master’s degree in art direction and communication strategies at Elisava – Barcelona School of Design and Engineering. He took classes in digital media at Westminster College and took fine art and photography at Kensington and Chelsea College in London. On March 2, 2017, Moreno Hoffmann inaugurated the solo exhibition Espacio at the Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá - MAC. To date, he has exhibited his work in Colombia, Spain and the United States.

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Pรกg. izq. "Mitosis 02", 2016, รณleo sobre tela, 130 x 89 cm. Left. "Mitosis 02", 2016, oil on canvas, 51 x 35 in. Pรกg. der. "Oeste", 2015, รณleo sobre tela, 146 x 114 cm. Right. "West", 2015, oil on canvas, 57 x 45 in.


Pรกg. izq. "Mitosis 01", 2016, รณleo sobre tela, 97 x 146 cm. Left. "Mitosis 01", 2016, oil on canvas, 38 x 57.4 in. Pรกg. der. "Sur", 2014, รณleo sobre tela, 146 x 114 cm. Right. "South", 2014, oil on canvas, 57 x 45 in.


Un interés por preservar el valor de la memoria y el apego a las raíces y la tradición, han llevado a la artista Cecilia Moreno-Yaghoubi a explorar con la más diversa gama de materiales en el arte. Telas, muñecas, madera, objetos en desuso, óleo y mucho más dan origen a una obra que ha pasado por los formatos más diferentes del arte persiguiendo un mensaje: el apego y la conexión inexorable de la mujer y su identidad cultural. Una poética que se compone de sensibilidad, reflexión y re-interpretación pone ante el espectador temas como la mujer, la memoria, la migración y el estrecho vínculo que une al ser humano con su sentido nostálgico. Así, por medio de instalaciones, pinturas, esculturas y multimedia la artista propone un discurso que flirtea con el acontecer político, religioso y social.

CECILIA MORENO YAGHOUBI PINTURA | PAINTING

Her interest to preserve the value of memory and her fondness for roots and tradition have led the artist Cecilia Moreno-Yaghoubi to explore with the most diverse range of materials in art. Fabrics, dolls, wood, obsolete objects, oil, and among others can originate an artwork that has gone through the most different formats of art pursuing a message: the fondness and inexorable connection of women and their cultural identity. An art of poetry that is composed of sensitivity, reflection, and reinterpretation and presents to the observer topics such as women, memory, migration, and the strong bond that unifies the human being with his nostalgic sense. Therefore, by means of installations, paintings, sculptures, and multimedia, the artist poses a discourse that flirts with political, religious, and social events.

www.ceciliamyart.com 1964. Nació en Cali, Colombia y a muy temprana edad se mudó a vivir a Nueva York. Recibió su título de Administración de Empresas en la Universidad Pace de Nueva York, pero su pasión por el arte la hizo decidir dedicarse a tiempo completo a desarrollarse como artista profesional. Cecilia estudió arte en National Academy of Fine Arts y también en la Art Students League, de Nueva York. A la fecha, ha participado extensamente en ferias y bienales de arte nacionales e internacionales tan importantes como Scope Miami y Spectrum Art Fair durante la feria Art Basel Miami, Art Medellín en Colombia, Tokyo International Art Fair en Japón, Bienal Internacional de Arte Contemporáneo en Argentina y la Bienal de Florencia, Italia. Además ha expuesto en diferentes galerías como Opera Gallery Miami, donde compartió espacios con otros artistas de la talla de Botero, Wilfredo Lam y Roberto Matta.

1964. She was born in Cali, Colombia, and from a very young age she moved to New York. She received her Bachelor degree of Business Administration from Pace University in New York, but her passion for art made her to devote her full time in becoming a professional artist. Cecilia studied art at the National Academy of Fine Arts and also at the Art Students League in New York. Nowadays, she has participated extensively in important national and international art fairs and biennials such as Scope Miami and Spectrum Art Fair during Art Basel Miami, Art Medellín in Colombia, Tokyo International Art Fair in Japan, International Biennial of Contemporary Art in Argentina, and the Biennale of Florence in Italy. Moreover, she has exhibited her work in different galleries like Opera Gallery Miami, where she has shown with other artists of considerable stature like Botero, Wilfredo Lam, and Roberto Matta.

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Pág. izq. De la serie Mujeres nº2, 2016, técnica mixta, 208 x 112 cm. Left. From the series Women nº2, 2016, mixed media, 82 x 44 in. Pág. der. De la serie Mujeres nº19, 2016, técnica mixta, 208 x 107 cm. Right. From the series Women nº19, 2016, mixed media, 82 x 42 in.


Pág. izq. "Honeymoon in Tehran", 2010 tecnica mixta, 358 x 182 cm. Left. "Honeymoon in Tehran, 2010, mixed media, 140.94 x 71.65 in. Pág. der. De la serie Mujeres Nº19, 2016, técnica mixta, 208 x 107 cm. Right. From the Women series, 2016, mixed media, 81.88 x 42.12 in.


La femineidad se deja ver en sus múltiples facetas metafóricas explorando un nuevo planteamiento matérico en su obra. Su trabajo experimental e indagatorio la han llevado a interactuar, por medio de la escultura, con materiales como resina, fibra de vidrio, espuma de poliuretano, caucho y mucho más. Un discurso experiencial y sensible, exhibe una estética que revela los tópicos que circundan al rol de la mujer en la sociedad actual, cuya indagación interior revela un trabajo afectivo que vincula sus experiencias personales con una visión colectiva que atiende a la violencia, el dolor, la esencia y la belleza de la mujer a través de técnicas nuevas que cambien la forma de ver el arte y el modo de experimentarlo. La obra se dirige a la esencia del ser sin importar las polaridades que puedan distinguirse en la narrativa artística, es una invitación a mirar el todo, a reflexionar sobre lo global.

AIRA HENAO ESCULTURA | SCULPTURE

Femininity can be seen in all its metaphorical forms as the artist explores a new material-based approach in her work. Her experimental and investigative work has led her to interact, through sculpture, with materials such as resin, fiberglass, polyurethane foam, rubber and much more. It is an experiential and sensitive discourse. It displays an aesthetic style which reveals issues regarding the role of women in today’s society, whose inner search reveals affective work that links its personal experiences with a collective view that addresses violence and pain as well as the essence and beauty of women through new techniques that change the way we see art and how we experience it. The work is directed to the essence of human being no matter the polarities which may differ in the artistic narrative. It entices you to see everything, to think about the big picture.

www.airahenao.com 1973. Nació en Pereira, Colombia. Estudió Artes Plásticas en la Academia Superior de Artes de Bogotá en 1998, donde obtuvo el título de Maestra en Artes Plásticas, con énfasis en Cerámica y Escultura. Una vez que empezó a ejercer, descubrió una nueva afición complementaria que la llevó a cursar talleres de tallado en madera en la Fundación de Artes y Oficios Santo Domingo y, luego, el que sería su segundo oficio, Diseño Gráfico, Animación y Multimedia en La Salle College. En un principio la artista combinó ambas profesiones y ambientó una serie de obras dramáticas en teatro y televisión. Hacia 2008 aprendió a manejar las técnicas de trabajo con espuma, fibra de vidrio y resina y decidió abocarse por completo a la escultura. A la fecha, la artista ha expuesto en Colombia, España, Estados Unidos y Japón.

1973. Born in Pereira, Colombia. She studied visual arts in the Academia Superior de Artes de Bogotá in 1998, where she received a master’s in visual arts, with an emphasis on ceramics and sculpture. Once she started to work, she discovered another passion that led her to take workshops in woodcarving at the Fundación de Artes y Oficios Santo Domingo and, later, what would be her second profession, graphic design, animation and multimedia at the La Salle College. Initially, she combined both professions and created a series of television and theater dramas. Towards 2008, she learned how to use work techniques with foam, fiberglass and resin and decided to focus solely on sculpture. To date, the artist has exhibited her work in Colombia, Spain, United States and Japan.

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Pág. izq. "Ácido", 2015, talla en resina, 32 x 63 x 65 cm. Left. "Acid", 2015, carved in resin, 13 x 25 x 26 in. Pág. der. "Atrapasueños", 2015, pelo y resina, 77 x 28 x 13 cm. Right. "Dream catcher", 2015, hair and resin, 30 x 11 x 5 in.

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Pág. izq. De la serie Una por cada día que me hiciste sufrir, "Gancho", 2015, acero y resina, 110 x 10 x 10 cm. Left. From the series One for each day you made me suffer, "Hook", 2015, steel and resin, 43.3 x 3.93 x 3.93 in. Pág. der. "Tengo el derecho", 2011, acero, placas electrónicas y resina, 25 x 25 x 25 cm. Right. "I have the right", 2011, steel, electronic boards and resin, 10 x 10 x 10 in.

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La obra de Carlos Carmona es una constante exploración en torno al paisaje y la ciudad, sus formas de representación y crecimiento. Valiéndose de una técnica mixta que le ha permitido experimentar con pintura, cemento, tierra, el collage, serigrafía, papel y químicos fotográficos, construye composiciones que cuestionan la relación de la arquitectura con aquello natural y espiritual del hombre. Hay algo de crítica y temor en lo que plantea. La incertidumbre del futuro y un llamado de atención frente al sistema de construcción de hoy en día que, bajo sus distintas metodologías, aleja cada vez más al hombre de su entorno inmediato. A ojos de Carmona, el espíritu constructivo actual debiera orientarse a la armonía y la convivencia sana entre seres humanos, tomando así como referente una mirada holística de la arquitectura. Mediante fotografías intervenidas experimentalmente con pintura, el artista reflexiona sobre su propia visión de la arquitectura y el paisaje vigente.

CARLOS CARMONA PINTURA | PAINTING

Carlos Carmona’s artwork is a constant exploration about the landscape and the city, their manners of representation, and their development. Taking advantage of a mixed technique that has allowed him to experiment with painting, cement, soil, collage, serigraphy, paper, and photographic chemicals, he builds compositions that question the relation between architecture with that natural and spiritual of men. There is a little bit about critic and fear in what he proposes. The uncertainty about future and a warning against the construction system that nowadays, under different methodologies, distances more and more the man form his immediate surrounding. In Carmona’s eyes, the current constructive spirit should be directed to the harmony and the healthy cohabitation between human beings, taking as a referent a holistic point of view of the architecture. Through photographs experimentally modified with paint, the artist reflects about his own vision of the prevailing architecture and landscape.

www.cargocollective.com/CarlosCarmonaDissidenxia 1976. Estudios de Artes Plásticas en el Instituto de Bellas Artes de Medellín. Ha cursado diversos talleres en torno al cine, el arte y las industrias creativas. Ha realizado seis exposiciones individuales entre las que destacan Nuevos Horizontes en Compacta Galería, Bogotá; Cosmopolis en el Parque Biblioteca Pública de Belén. Medellín y Revelaciones en Julietta Álvarez Galería, Medellín. Ha participados en decenas de exposiciones colectivas en Brasil, Colombia, Francia y Estados Unidos. Ganador X Convocatoria de Becas para la Creación Artística y Cultural Medellín, Mención de Honor en la Tercera Bienal de Artes Plásticas Comfenalco y en los Premios Nacionales Artes Visuales a Nuevas Prácticas Artísticas del Programa de Estímulos del Ministerio de Cultura. En 2010 realizó una residencia artística en LDF Galería, Buenos Aires, Argentina.

1976. Studies in Plastic Arts in the Instituto de Bellas Artes, in Medellin. He has taken diverse workshops about cinema, art, and creative industries. Among the six individual exhibitions he has carried out, it stands out Nuevos Horizontes, Compacta Gallery, Bogota; Cosmopolis, Biblioteca Pública de Belén Park, Medellin; and Revelaciones, Julietta Álvarez Gallery, Medellin. He has been part of dozens of collective exhibitions in Brazil, Colombia, France, and the United States. Award winner of the Medellin 10th Scholarship Call for Artistic and Cultural Creation, Honorable Mention of the Third Biennale of Plastic Arts Comfenalco and in the National Prizes Visual Arts for New Artistc Practices, part of the Stimulus Program of the Ministry of Culture. In 2010, he did an artistic residence in LDG Gallery, Buenos Aires, Argentina.

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Pág. izq. De la serie revelaciones, 2011, químicos fotográficos sobre papel fotográfico, 50 x 60 cm. Left. From the revelations series, 2011, photographic chemicals on photographic paper, 19.68 x 23.62 in. Pag. der. "Cosmopolis", 2013, químicos fotográficos, cemento, serigrafía y tinta sobre papel fotográfico, 110 x 130 cm. Right. "Cosmopolis", 2013, photographic chemicals, cement, silkscreen and ink on photographic paper, 43.30 x 51.18 in.


Pág. izq. "Nuevos Horizontes" (calendario lunar), 2016, químicos fotográficos sobre papel fotográfico, 150 x 210 cm. Left. "New Horizons" (moon calendar), 2016, photographic chemicals on photographic paper, 59.05 x 82.67 in. Pag. der. "Revelaciones", 2011, químicos fotográficos sobre papel fotográfico, 50 x 60 cm. Right. "Revelations", 2011, photographic chemicals on photographic paper, 19.68 x 23.62 in.


"Los conceptos dependen de las circunstancias", convencida de ello, Adriana Ramírez señala, cuestiona y promueve las relaciones humanas por medio de obras y plataformas donde el público puede participar y convertirse en co-autor de su propuesta. Según ella, además de ser una artista que hace cosas, es una artista que hace que las cosas pasen. Es dibujante en su manera de concebir las obras y escultora a la hora de traerlas a la realidad. Desde la plástica, plantea reflexiones a partir de inquietudes y necesidades fundamentales que compartimos y no desde la manera en la que cada uno responde a ellas, que al final es lo que divide a los pueblos. Para ella, hablar desde las intenciones, y no desde las posiciones, multiplica las posibilidades de acción e interpretación. Su trabajo es la amalgama entre lo propio y lo colectivo.

ADRIANA RAMÍREZ

“Concepts depend on circumstances,” convinced of this, Adriana Ramirez points out, questions and promotes human relations through artwork and platforms where the public can participate and become co-author in her work. According to her, besides being an artist who does things, she is an artist who makes things happen. She draws when it comes to make up the work and sculpts when it is time to bring it to life. Through visual art, she brings up questions based on concerns and basic needs that we share and not from the way in which each person responds to them, which, in the end, is what divides peoples. For her, speaking based on intentions and not positions, multiplies the chances for action and interpretation. Her work is a hodgepodge between personal and collective cornerstones.

ESCULTURA | SCULPTURE

www.adrianaramirez.com 1974. Nació en Bogotá, Colombia. Estudió Diseño Industrial en la Pontificia Universidad Javeriana y Artes Plásticas en la Universidad de Los Andes, ambas en su ciudad natal. En el 2013 obtuvo la Maestría en Fine Arts en la Escuela de Artes de Utrecht, Holanda (MaHKU). Sus obras son parte de diferentes colecciones de arte y han estado presentes en destacados espacios y galerías colombianas. Por ejemplo, en el 2015 tuvo la oportunidad abrir una de sus plataformas en el atrio del Museo Nacional de Colombia con el proyecto “Yo voy a ser”. Sus propuestas se han exhibido en Venezuela, Estados Unidos, Noruega, Holanda, Cuba y Perú.

1974. Born in Bogota, Colombia. She studied industrial design at the Pontificia Universidad Javeriana and visual arts at the Universidad de Los Andes, both in her hometown. In 2013, she got her Master of Fine Arts at the Utrecht School of Art, Holland (MaHKU). Her artworks are part of different art collections and have been exhibited in renowned spaces and galleries in Colombia, for example, in 2015 she had the chance to open one of her platforms in the atrium of the National Museum of Colombia with the “I am going to be” project. Her works have been exhibited in Venezuela, United Sates, Norway, Holland, Cuba and Peru.

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Pag- Izq. "We must all start to act", 2009, dibujo espacial, escala 1.1 Left. "We must all start to act", 2009, space drawing, scale 1.1 Pag. Der. De la serie Contenibles "Coffee time", 2011, escala 1:1 Right. From the series Contenibles "Coffee time", 2011, scale 1:1


Plataforma "Yo voy a ser _ _ _ _ _". Abierta desde el 2015. Intervenciรณn del atrio del Museo Nacional de Colombia, 23 de septiembre del 2015. Platform "I am going to _ _ _ _ _" Open since 2015. Intervention of the atrium of the National Museum of Colombia, September 23rd, 2015.

Plataforma (R)evoluciรณn del un Himno Patrio: Usted estรก autorizado a cambiar todo lo que desee, mientras rime. Abierta desde 2015. Platform (R)evolution of a National Anthem: You are allowed to change everything you want, while you rhyme. Open since 2015.


El dibujo es la base del trabajo de Hernán Marín, técnica que desarrolla con el uso de diversos soportes como acero, vidrio, hielo y papel. Con una técnica depurada y un trazo detallista ha explorado el paisaje y la figura humana para generar composiciones que rondan lo metafísico a través de la creación de atmósferas y el manejo del vacío. En su trabajo se aprecia aquel instante detenido: es la captura de un momento único que plasma a través de su lápiz, cual fotografía no instantánea, donde el tiempo y el oficio son necesarios para llegar al resultado final. Aquellos espacios vacíos no son ausencia si no presencia. Es el paisaje escondido lo que no podemos ver y que se camufla con el blanco; la niebla, lo indefinido, la nada, es aquello que rodea a sus personajes y que permite comprender la escala en que está configurado el espacio. Aún en sus representaciones humanas, Marín cuestiona el paisaje en un ámbito que va más allá de lo físico y palpable.

HERNÁN MARÍN

Drawing is the basis of Hernán Marín’s artwork, technique developed with the use of different support, as steel, glass, ice, and paper. With a refined technique and a meticulous line, he has explored landscapes and the human figure to create compositions that loiters metaphysical through the creation of atmospheres and the use of emptiness. In his work can be appreciated this stopped moment; is the capture of a unique moment that expresses through his pencil, as in a no-instant picture, where time and office are not necessary to reach the final result. Those empty spaces are not absence, but presence. It’s the hidden landscape that we cannot see and that is occult with white; the fog, the indefinite, the nothingness, is what surrounds the characters and allow understanding the scale in which space is shaped. Even in his human representations, Marín questions the landscape in a field beyond the physical and touchable.

DIBUJO | DRAWING

hermarin@gmail.com 1983. Maestro en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia con estudios de Artes Plásticas en la Escuela Popular de Arte de Medellín. Entre sus exposiciones individuales destacan Anónimo, Comfenalco, y Nieblas, Galería Claustro, San Ignacio, ambas en Medellín. Su trabajo ha formado parte de más de 30 exposiciones colectivas en Colombia, Estados Unidos, Singapur, Suiza y Venezuela, entre las que sobresalen A Colombian art Project, Galerie Katapult, Basilea, Suiza; Dibujo y pintura en pequeño formato, Museo el Castillo, Medellín; Melgart Arte de Paseo, Museo de Arte Moderno, Bogotá y Be(come) a collector, Fernando Luis Alvarez Gallery, Stamford, Estados Unidos entre otras.

1983. Master in Visual Arts at the University of Antioquia with studies in Visual Arts in the Popular Art School in Medellin. Among his individual exhibitions, it stands out Anónimo, Comfenalco, and Nieblas, Claustro Gallery, San Ignacio, both in Medellin. His artworks have been part of more than 30 collective exhibitions in Colombia, United States, Singapore, Switzerland, and Venezuela. It stands out A Colombian Art Project, Galerie Katapult, Basel, Switzerland; Drawing and painting in small format, El Castillo Museum, Medellin; Melgart Arte de Paseo, Museum of Modern Art, Bogotá; and Be(come) a collector, Fernando Luis Álvarez Gallery, Stamford, USA, among others.

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Pรกg. izq. "Exposiciรณn", 2016, grafito sobre papel, 28,5 x 38,5 cm. Left. "Exposition", 2016, graphite on paper, 11.22 x 15.15 in. Pรกg. der. "Equilibrista", 2016, grafito sobre papel, 28,5 x 38,5 cm. Right. "Equilibrist", 2016, graphite on paper, 11.22 x 15.15 in.


"La MontaĂąa", 2015, Ăłleo y grafito sobre tela, 94 x 170 cm. "The Mountain", 2015, oil and graphite on canvas, 37 x 66.92 in.


La pintura de José Fernando Muñoz funciona como medio de conocimiento de sí mismo y de aquello que lo rodea. En su obra existe un constante vínculo con lo urbano: son ciudades, sus edificios y construcciones las que se toman el espacio de la tela, lugares donde el ser humano es uno más de los elementos que lo conforman. Aquella urbe indefinida, que es todas y ninguna a la vez, permite múltiples lecturas y es testigo de los encuentros y desencuentros que en ella ocurren. Son ciudades compuestas por detalles, tramas y texturas. Lugares que escuchan el caminar de sus habitantes y que son reproducidas por el pincel de Muñoz en ángulos aéreos y horizontales, permitiendo al observador adentrarse en aquellos paisajes con quienes todos se identifican de alguna u otra manera. El artista manifiesta su imaginario de la ciudad como aquel espacio común, el gran lugar de la confluencia en todas sus aristas.

JOSÉ FERNANDO MUÑOZ PINTURA | PAINTING

José Fernando Muñoz’s painting works as a manner of knowledge of himself and of what surrounds him. In his work, there is a continuous link with the urban; are cities, their buildings, and their constructions which use the space in the fabric; places where the human is one of the elements that shape it. This indefinite metropolis, that is everything and nothing at the same time, allows multiple readings and is witness of the agreement and disagreement that take place in it. They are cities compound by details, plot, and textures. Cities that listen to the walking of its inhabitants and that are reproduced by Muñoz’s paint brush in aerial and horizontal angles, allowing the observer to penetrate those landscapes that everyone identify with somehow. The artist expresses his imaginary of the city as this common space, the big place where all the edges converge.

josefmusyc@gmail.com 1974. Maestro en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia, con cursos de Dibujo y Perspectiva en el Instituto de Bellas Artes de Medellín. Entre sus muestras individuales destacan La Piel de la Ciudad, en Galería La Plataforma, Barcelona, España y Galería Monod, París, Francia; Zona Gris y Focos, ambas en Julietta Álvarez Galería, Medellín. Ha participado en decenas de exposiciones colectivas en Colombia, China, Estados Unidos, Francia y Suiza, entre otros lugares. Ha sido distinguido con el premio Mango al Artista Joven en Swab Barcelona, España (2012) y el Primer Puesto en el Encuentro de Artes Plásticas de Medellín, Palacio de la Cultura Rafael Uribe Uribe, Colección Museo Universitario, del que también forma parte de su colección. Su trabajo ha sido publicado en diversos libros y revistas especializadas como Libro de Artista, Punto Seguido, Artes La Revista y como portada del libro Democracia y Ciudadanías, entre otros.

1974. Master in Plastic Arts of the Universidad de Antioquia, with studies in Drawing and Perspective at the Institute of Fine Arts in Medellín. Among his individual exhibitions are La Piel de la Ciudad, in La Plataforma Gallery, Barcelona, Spain, and Monod Gallery, Paris, France; Zona Gris y Focos, both in Julietta Álvarez Gallery, Medellín. He has participated in dozens of collective exhibitions in Colombia, China, United States, France and Switzerland, among other places. He has been honored with the Mango Young Artist Award at Swab Barcelona, Spain (2012) and the First Place at the Plastic Arts’ Meeting in Rafael Uribe Uribe Culture Palace, Museo Universitario Collection, Where also his collections form part of it.His work has been published in various books and specialized magazines such as Libro de Artista, Punto Seguido, Artes La Revista and the cover of the book Democracia y Ciudadanías, among others.

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"The Ceiling", 2014, acrílico sobre tela, 200 x 120 cm. "The Ceiling", 2014, acrylic on canvas, 78.74 x 47.24 in.

"Utópicos", 2016, acrílico sobre tela, 150 x 100 cm. "Utopians", 2016, acrylic on canvas, 59.05 x 39.37 in.


"The Gap", 2011, acrílico sobre tela, 198 x 205 cm. "The Gap", 2011, acrylic on canvas, 77.95 x 80.70 in.

"Grope", 2016, acrílico sobre tela, 160 x 160 cm. "Grope", 2016, acrylic on canvas, 62.99 x 62.99 in.


El árbol, aquella figura icónica presente en centenares de mitos y leyendas, poseedor de una profunda trascendencia en las visiones cosmogónicas, es el punto de partida y fin de la obra de María Lucía Díaz. Uniendo su forma mediante delicados hilos, puntadas, cortes y retazos, entrelaza esta figura con el mundo humano, definiendo como un todo aquella simbiosis entre la naturaleza y el microcosmos. La metáfora del árbol es interminable. Vida, génesis, ramificación, frutos, germen. Donde nace y termina la vida, lo que fuimos, somos y seremos. Con color y soltura, construye árboles que obtienen vida propia para buscar esa incesante luz que los alimenta. La obra de Díaz es un diálogo de sutilezas bien representadas, una búsqueda espiritual y material que la artista sitúa frente al observador como una manera de mostrar las mil y una caras de un árbol y, al mismo tiempo, del hombre.

MARÍA LUCÍA DÍAZ ARTISTA MULTIDISCIPLINAR | MULTIDISCIPLINARY ARTIST

A tree, this iconic figure present in hundreds of myths and legends, possessor of a deep transcendence in the cosmogonic visions; is the starting and ending point of María Lucía Díaz’s work. Joining her form through fine threads, stitches, lengths, and remnants, she interweaves this figure with the human world, defining this symbiosis between nature and the microcosm as a whole. Tree’s metaphor is endless. Life, genesis, ramification, fruits, germ. Where life begins and ends; what we were, what we are, and what we will be. With color and skill, she builds trees that have a life of their own, that find the incessant light that feeds them. Díaz’s work is a well-represented dialogue of subtleties; a spiritual and material search that the artist puts in front of the observer as a way to show the one and thousand faces of a tree, and at the same time, of humankind.

www.marialuciadiaz.com 1976. Estudios de Artes escénicas en el Instituto August Strindberg, Colombia. Posteriormente obtuvo el Grado en Educación en Newport University, Estados Unidos. Ha tomado cursos de diseño, moda, teatro, interiorismo y dibujo en Nueva York y Houston, Estados Unidos, y Nantes en Francia. Destaca su muestra individual Suspendidos en Galería Lalocalidad, Bogotá, y la llevada a cabo en RACSO Fine Arts Gallery, Philadelphia. Entre sus colectivas destaca su exhibición en Movimiento Art Gallery en los Cabos, México, además de las ferias de arte JustMad en Madrid, Artchico y Odeon en Colombia. Participó en la XX Bienal de Arte Contemporáneo de Santa Cruz y en la II Bienal de Arte Contemporáneo de Argentina, donde fue reconocida con el segundo lugar. Su proyecto Abrahadabra-MAC fue instalado en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá y Entrelazando fue emplazado en Montelíbano, Córdoba.

1976. Studies in Performing Arts in the August Strindberg Institute, Colombia. After that, she obtained a degree in Education from Newport University, United States. She has taken design, fashion, drama, interiorism, and drawing lessons in New York, Houston, United States, and Nantes, France. Her individual show “Suspendidos” exhibited in Lalocalidad Gallery in Bogota and in RACSO fine Arts Gallery in Philadelphia has been outstanding. Among her collective exhibitions in Movimiento Art Gallery in Los Cabos, Mexico, besides the art fairs JustMad in Madrid; Artchico and Odeon in Colombia. She participated in the Santa Cruz’s 20th Biennale of Contemporary Art and in the Argentina’s 2nd Biennale of Contemporary Art, where she was recognized with the second place. Her project Abrahadabra-MAC was assembled in the Bogota’s Museum of Contemporary Art and Entrelazando was sited in Montelíbano, Córdoba.

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Pรกg. izq. De la serie Suspendidos, "Lluvia de mar", 2015, ensamble en hilo, tela y agujas, 70 x 30 cm. Left. From the series Suspended, "Sea rain", 2015, assembly in thread, cloth and needles, 27.55 x 11.81 in. Pรกg. der. De la serie รbacos, "Florecido frutal", 2013, ensamble en hilo y tela, 98 x 98 x 13 cm. Right. From the series Abacus, "Flowered fruity" 2013, assembly in thread and cloth, 38.58 x 38.58 x 5.11 in.


De la serie Ă bacos, "SimbiĂłsis", 2016, ensamble en hilo y tela, 80 x 197 x 14 cm. From the series Abacus, "Symbiosis", 2016, assembly in thread and cloth, 31.49 x 77.55 x 5.51 in.


Un trabajo pictórico que indaga en la figuración y los arquetipos clásicos la existencialidad del ser. Las obras de Darío Ortíz entrelazan formas del renacimiento y barroco con una mirada contemporánea que cuestiona los dogmas históricos, indaga en la memoria colectiva y consigue visualizar, a través del arte, los tintes de la civilización moderna. Trabaja un figurativismo narrativo que explora la condición humana. Para materializar el argumento el pintor, ha hecho uso de una depurada técnica que flirtea con el surrealismo y la teatralidad de la antigüedad clásica, uniendo las legendarias prácticas del hombre con aquellas propias de la actualidad, para poner de manifiesto una crítica a la paradójica situación del hombre contemporáneo y su existencia. El cruce de prendas, acciones y costumbres entre siglos, vuelve inciertas las certezas y apela a una profunda reflexión respecto de las estrictas leyes de lo terrenal.

DARÍO ORTÍZ PINTURA | PAINTING

A Pictorial work that investigates the imagery and traditional archetypes of the existence of the self. The work of Darío Ortíz mixes forms from the Renaissance and Baroque with a contemporary view that questions the historical dogmas, delves into collective memory and is able to display, through art, the shades of modern civilization. He works in narrative figure work that explores the human condition. In order to show his argument, the painter has made use of a refined technique that flirts with Surrealism and the theatricality of classic antiquity, thus joining together man’s legendary practices with those from today’s time, in order to critique the paradoxical situation of contemporary man and his existence. The cross of clothing, actions and customs between centuries, makes the certainties uncertain and appeals to a deep reflection regarding the strict laws of everything earthly.

zitrooirad@hotmail.com 1968. Nació en Ibagué, Colombia. Descubrió su talento artístico cuando apenas tenía 11 años siendo premiado en un concurso mundial de pintura infantil realizado en Tokio, 1979. Guiado por su padre, pintor aficionado, inició en la técnica del óleo e hizo su primera exposición a los 16 años. Concluyó su formación en Bachillerato en la ciudad de Bogotá para luego iniciar sus estudios universitarios en Química y Derecho, que abandonó en 1989 para dedicarse por completo a las artes plásticas. Tras un corto periodo abstracto y luego de estancias en España e Italia, hacia 1992 se definió dentro del arte figurativo. Desde 1989 ha ganado un sinnúmero de premios por su trabajo. A la fecha, ha publicado 7 libros y ha expuesto en países como Argentina, Austria, China, Colombia, Corea, Ecuador, España, Eslovaquia, Estados Unidos, Francia, Italia, Japón, México, Panamá, Perú, Portugal, República Dominicana, Tailandia y Venezuela. En la actualidad pinta entre Madrid y Ciudad de México.

1968 Born in Ibague, Colombia. He discovered his artistic talent when he was just barely 11 years old, when he was awarded in a worldwide children’s painting contest held in Tokyo in 1979. Guided by his father, who dabbled in painting, he began with oils and had his first exhibition at 16 years old. He finished his education with a high school diploma in the city of Bogota to later begin university studies in chemistry and law, which he abandoned in 1989 in order to completely devote himself to visual arts. After a brief abstract period and after staying in Spain and Italy, around 1992 he settled within figurative art. Since 1989, he has won endless awards for his work. To date, he has published 7 books and has exhibited in countries such as Argentina, Austria, China, Colombia, Korea, Ecuador, Spain, Slovakia, United States, France, Italy, Japan, Mexico, Panama, Peru, Portugal, Dominican Republic, Thailand and Venezuela. Currently, he works between Madrid and Mexico City.

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Pág. izq. "Cara y envés", 2004, óleo sobre tabla, 25 x 32 cm. Left. "Front and back", 2004, oil in canvas, 10 x 12.6 in. Pág.der. "El triunfo de Baco", 2010, óleo sobre tela, 200 x 170 cm. Right. "The triumph of Bacchus", 2010, oil in canvas, 78.7 x 67 in.


Pรกg. izq. "Mujeres para una madrugada", 2006, รณleo sobre tabla, 170 x 110 cm. Left. "Woman for a morning", 2006, oil in canvas, 67 x 43 in. Pรกg.der. "Disputa de la Trinidad" - variaciones a un tema florentino, 2007, รณleo sobre tela, 200 x 170 cm. Right. "Dispute of the Trinity" - variations to a Florentine subject, 2007, oil in canvas, 78.7 x 67 in


El pluralismo y la figura femenina emergen sobre el discurso visual de María Eugenia Trujillo a través de técnicas que pasan por fotografía, orfebrería, joyería, bordado y escultura. Su obra convoca a la tolerancia junto a convivencia de las ideas y creencias, planteando un discurso crítico que opone la contemporaneidad a la tradición y lo sagrado. Así, en sus trabajos exhibe un cuestionamiento reflexivo que circunda la condición femenina, pasando por aspectos como su devenir histórico, social y personal, recorriendo los refugios simbólicos y religiosos del ser humano y manifestando cómo ellos mismos redunda, muchas veces, en crisis, violencia o incomprensión. Es una obra interdisciplinar en toda su expresión. Debe su recorrido a las múltiples formas de manifestación que ha hallado su ejecutora para exhibir un descontento y rebeldía contra instituciones o fuerzas que han oprimido a la mujer de todos los tiempos.

MARÍA EUGENIA TRUJILLO OBJETOS DE ARTE | ART OBJECTS

Pluralism and the female figure emerge in the visual work of Maria Eugenia Trujillo, through techniques that range from photography, working with precious metals, jewelry making, embroidery and sculpture. Her work evokes the tolerance with a coexistence of ideas and beliefs, which poses a critical discourse that places contemporaneity against tradition and the sacred. Thus, in her work she exhibits a reflexive questioning that surrounds the female condition by going through aspects such as their personal, social and historical evolution, by covering humankind’s religious and symbolic refuges and shows how they often end up, in crisis, violence or with a lack of understanding. It is an interdisciplinary work in all its forms. It owes its journey to the multiple forms of exhibiting which its creator has discovered in order to exhibit discontent and rebellion against institutions or forces that have oppressed women throughout the ages.

maritru53@hotmail.com 1953. Nació en Pereira, Colombia. A los 19 años entró a estudiar Dibujo y Diseño en la Academia de Artes Visuales de Bogotá de donde obtuvo el título. En 1976 se graduó de la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bellas Artes. Una vez inmersa en el trabajo experimental y conceptual del arte, su afición por el conocimiento la llevó, en 1989, a acercarse al área de las Humanidades. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad Santo Tomás Aquino. Luego, realizó una especialización en Gerencia y Gestión Cultural en la Universidad del Rosario. Ha presentado y expuesto sus obras a lo largo y ancho de todo Colombia, cruzando problemas de censura con el poder de turno, en su exposición de 2014 Mujeres Ocultas, hecho que no consiguió detener su libre expresión. A la fecha, la artista ha expuesto en Canadá, Colombia, Francia y España.

1953. Born in Pereira, Colombia. At 19 years of age, she began studying drawing and design at the Visual Arts Academy of Bogota, where she obtained her degree. In 1976, she graduated from Universidad Jorge Tadeo Lozano in fine arts. Once she was immersed in the experimental and conceptual work of arts, her passion for knowledge led her, in 1989, to get into the area of humanities. She studied philosophy and writing at the Universidad Santo Tomas Aquino. Later, she did a specialization in management and cultural management at Universidad del Rosario. She has displayed and exhibited her work all throughout Colombia, and ran into problems with censorship with authorities in her 2014 exhibition Hidden Women, which didn’t stop her freedom of expression. To date, the artist has exhibited work in Canada, Colombia, France and Spain.

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Pรกg. izq. "Soy virgen", 2014, bronce, lino, bordado,tinta, 73 x 18 cm. Left "I am a virgin", 2014, bronze, linen, embroidery and ink, 29 x 7 in. Pรกg. der. "Soy virgen" detalle, 2014, bronce, lino, bordado,tinta, 73 x 18 cm. Right. "I am a virgin", detail, 2014, bronze, linen, embroidery and ink, 29 x 7 in.


Pรกg. izq. "La rosita", 2012, bronce, bordado en mostacillas y piedras incrustadas, 48 x 30 cm. Left. "The little rose", 2012, bronze, embroidered on beads and inlaid stones, 19 x 12 in. Pรกg. der. "La morena", 2012, bronce, bordado en hilo y piedras incrustadas, 69 x 18 cm. Right. "The brunette", 2012, bronze, embroidered on beads and inlaid stones, 27 x 8 in.


Interesado en las representaciones del “más allá” generadas en ámbitos como las ciencias, las religiones o las paraciencias, su obra pone de manifiesto aquellos tópicos que exceden las capacidades físicas de lo mundano. A través de diversas estrategias de intervención de estos sistemas visuales, en su trabajo aparecen formas abstractas que surgen de una deconstrucción intuitiva de la imagen. Diferentes tipos de impresión sobre papeles y superficies sintéticas son la materia prima de una exploración plástica que desde una base pictórica transita otras disciplinas como el dibujo, la fotografía, la escultura o la instalación. Entre el experimento científico y la experiencia simbólica, lo visible y lo invisible, lo digital y lo análogo, lo virtual y lo real, las imágenes que usa constituyen una materia que acerca de algún modo dimensiones inaccesibles. Una materia tangible que se encuentra en constante transformación.

CAMILO PARRA PINTURA | PAINTING

Interested in representations of the “beyond” generated in scientific, religious or parascientific fields, his work reveals those topics which surpass the physical capacities of the mundane. Abstract shapes appear in his work through different strategies of modifying these visual systems, which arise from an intuitive deconstruction of the image. Different types of prints on paper and synthetic surfaces are the raw material for a visual exploration which, on a pictorial basis, passes through other disciplines such as drawing, photography, sculpture or installation. Among the scientific experiment and the symbolic experience, the visible and the invisible, the digital and the analogue, the virtual world and the real world, the images that he uses make up a material that somehow nears inaccessible dimensions. A tangible material that is constantly transforming.

camilop.2089@gmail.com | camilop2089.wixsite.com/camilo-parra 1989. Estudió Pintura en la Escuela de Artes Guerrero y luego Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Colombia. Su obra ha sido exhibida en diferentes espacios en Colombia y el exterior, como Lugar a Dudas en Cali, la Galería El Museo en Bogotá, el EAC en Montevideo o el Eastern Bloc en Montreal, entre muchos otros. En 2013 gana la beca de creación del IDARTES y expone en la Galería Santa Fé de Bogotá. En 2015 es seleccionado en el Salón Regional de Artistas Zona Centro y obtiene la mención especial del Premio Flora - Prodigy Networks en la feria de arte ARTBO. Para 2016 hace parte de un programa de educación experimental llamado el Validadero Artístico y obtiene dos becas del Ministerio de Cultura y del IDARTES, para desarrollar residencias artísticas en los centros Eastern Bloc en Montreal y Dos Mares, en París y Marsella.

1989. He studied painting at Artes Guerrero School and fine arts at the National University of Colombia. His work has been exhibited in different places in Colombia and abroad, such as Lugar a Dudas which is located in Cali, El Museo Gallery in Bogotá, the Contemporary Art Space in Montevideo, the Eastern Bloc in Montreal, among many others. In 2013 he was awarded a creative scholarship from IDARTES to exhibit at the Santa Fe Gallery in Bogotá. In 2015 he was selected in the Regional Salon of Artists - Central Zone and won the honorary mention of the Flora - Prodigy Networks Award at the art fair ARTBO. In 2016 he became part of an experimental education program called El Validadero Artístico and obtained two scholarships from the Ministry of Culture and IDARTES for the development of artistic residencies at the Eastern Bloc center in Montreal and Dos Mares in Paris and Marseille.

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Pag. izq. De la serie In-Finitos (detalle), 2013, intervención con técnica mixta sobre impresiones láser sobre papel, 120 x 180 cm. Left. From the In-Finitos series (detail), 2013, intervention with mixed technique on laser printing on paper, 47.24 x 70.86 in. Pag. der. De la serie In-Finitos (detalle), 2013, intervención con técnica mixta sobre impresiones láser sobre papel, 120 x 180 cm. Right. From the In-Finitos series (detail), 2013, intervention with mixed technique on laser printing on paper, 47.24 x 70.86 in.


De la serie In-Finitos, 2013, intervención con técnica mixta sobre impresiones láser sobre papel, 350 x 700 cm. From the In-Finitos series, 2013, intervention with mixed technique on laser printing on paper, 137.79 x 275.59 in.


La obra de Alejandro Tobón pone en evidencia situaciones entre la naturaleza y lo humano, reflejando relaciones y acciones de rupturas propias de la fragilidad de la vida. Interesado por la búsqueda de un lugar propio y su significado, explora el valor de la tierra, su distribución y las formas de poder que la mantienen. Su obra posee vínculos relacionados a la construcción y arquitectura, destacando procesos artesanales para crear las formas y situaciones que mejor se adapten al objetivo que tenga en mente desarrollar. Mediante una técnica multidisciplinaria que incluye el dibujo, técnicas tradicionales de manufactura, el uso de software y tecnologías, Tobón relaciona ideas y configura objetos elaborados con materiales reutilizables como la madera, hierro y polímeros. El resultado son instalaciones que intervienen lugares de las más variadas formas, para reflexionar sobre la presencia humana en los distintos territorios.

ALEJANDRO TOBÓN ARTISTA MULTIDISCIPLINAR | MULTIDISCIPLINARY ARTIST

Alejandro Tobón’s artwork evinces situations between nature and the human, evincing showing relationships and controversial typical of life’s delicacy. Interested in the search of anhis own place and its meaning, he explores the land’s value, its distribution, and the forms of power that maintains it. His artworks has bonds related to construction and architecture, highlighting handcraft processes to create forms and situations that better adapt to the aim he wants to develop. Through a multidisciplinary technique that includes drawing, traditional techniques of manufacture, and the use of software and technologies, Tobón relates ideas and shapes objects made with reusable materials as wood, iron, and polymers. The result is installations that intervenes places in the widest ways to reflect about human presence in different territories.

migraralejo@hotmail.com 1978. Maestro en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia, con estudios de Artes en la Escuela Popular de Arte de Medellín. Entre sus exposiciones individuales destacan Fuera abajo, Galería la Cometa, Bogotá; Fuerza Extraña, Sala Universidad Nacional de Colombia, Medellín; El Objeto del Taller, Comfenalco, Medellín y Noción de Lugar, Biblioteca Universidad Nacional de Colombia, Medellín. Ha participado en una treintena de exposiciones colectivas en Alemania, Colombia, España, Francia, Inglaterra y Suiza. Parte de su trabajo se encuentra en espacios públicos de Colombia y Brasil, como el mural Lugares de Paso para Antioquia Se Pinta de Vida, Medellín, y los proyectos Noite Branca y Cinema Terrado, en colaboración con el Laboratorio de Arquitectura y paisaje (Brasil). Su obra forma parte de las colecciones Argos, Leo Burnett y del Museo de Antioquia, entre otras.

1978. Plastic Arts’ professorteacher at the Universidad Nacional de Colombia, with studies in arts in the Escuela Popular de Arte de Medellín. Among his individual exhibitios, it stands out Fuera Abajo, La Cometa Gallery, Bogota; Fuerza Extraña, Universidad Nacional de Colombia Room, Medellín; El Objeto del Taller, Confenalco, Medellín; and Noción de Lugar, Universidad Nacional de Colombia’s Library, Medellín. He has been part of thirty of collective exhibitions in Germany, Colombia, Spain, France, England, and Switzerland. Part of his artworks are in public spaces of Colombia and Brazil, as the mural Lugares de Paso, for Antioquía; Se Pinta la Vida, Medellín; and the projects Noite Branca and Cinema Terrado, in collaboration with the Architecture and Landscape Laboratory (Brazil.) His work is part of the collections Argos, Leo Burnett, and the Antioquia’s Museum, among others.

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Pág. izq. Estudio para el proyecto "Construcciones frágiles para un final de mundo" (14 Salón Regional de Artistas. Medellín) 2012, Instalación ensambles de madera reutilizables, dimensiones variables. Left Study for project "Fragile constructions for a world end" (14 Artists Regional Salon, Medellin), 2012, Installation reusable wood assemblies, variable dimensions. Pág. der. "Gulungo" (segundo puesto, obra pública, área metropolitana), ensamble de maderas, 270 x 50 cm. (diámetro). Right. "Gulungo", (second place, public work, metropolitan area), wood assembly, 106.29 x 19.68 in.(diameter).


Pág. izq. "Ley-1-68" (Timebag - Art Show.Plaza Mayor. Medellín), 2016, instalación, 230 x 320 x 220 cm. Left. "Law-1-68", (Timebag - Art Show.Plaza Mayor. Medellín), 2016, installation,90.55 x 125.98 x 86.61 in. Pág. der. Sin título (proyecto fuerza extraña, Sala U. Universidad Nacional de Colombia) 2010, ensamble de objetos sobre metal, 140 x 140 cm. Right. Untitled, (foreign strength project, U Room. National University of Colombia) 2010, assembly of objects on metal, 55.11 x 55.11 in.


Dueña de un trabajo afectivo estrechamente relacionado a la naturaleza y su flora, Milena Arango trabaja sintonizando sus emociones con la materialidad experimental que le admiten pigmentos, raíces y hojas. Enfocada en el arte y la naturaleza, su trabajo se ha nutrido de su afán por viajar y por descubrir, en nuevas experiencias, una emoción vivencial que le sea al tiempo intensa y representativa. Sin una técnica estrictamente definida, la artista pasea por múltiples disciplinas explorando nuevas formas de plasmar su argumento pictórico. Así, pintura, video, arte digital y más se cruzan en una mixtura que vuelve su trabajo un canal mediante el cual la reinvención y reinterpretación del paisaje se hace posible. Ha definido que la aventura es su pasión y las emociones fuertes, ellas nutren una proyección de la sucesión de la vida en granjas, estancias o haciendas norteamericanas, no sólo a nivel afectivo, sino también natural.

MILENA ARANGO

The creator of an emotional work that is closely related to nature and flowers, Milena Arango works by tuning in her emotions with experimental materials which give her pigments, roots and leaves. Focused on art and nature, her work has fed off of her love for travelling and discovering, on new experiences, emotional experiences which are both intense and representative. Without a strictly defined technique, the artist goes through multiple disciplines by exploring new ways to display her pictorial argument. Thus, painting, video, digital art and more are combined in a mixture which makes her work a channel in which the reinvention and reinterpretation of the landscape becomes possible. She has said that adventure is her passion and her strong emotions nourish a projection of the succession of life on farms, ranches or properties in North America, not only on an emotional level, but also a natural one.

www.arangomilena.com

FOTOGRAFÍA | PHOTOGRAPHY

1980. Nació en Cali, Colombia. En 1995 ingresó a estudiar Artes Visuales a la Pontificia Universidad Javeriana de donde se graduó en 2001. Adicionalmente la artista descrubrió un especial apego por las artes escénicas, por ello ingresó a estudiarlas en la Escuela de Actuación de la Caja de Herramientas de Alfonso Ortiz y la Casa de Teatro, con la influencia de César Badillo y John Bolívar. Con más de dos decenas de exposiciones sobre sus hombros, la artista se ha caracterizado por crear un trabajo artístico que retrate en su manufactura, la multiculturalidad a la que le han enfrentado sus múltiples viajes a lo largo del mundo explorando paisajes y vivencias distintas. Así se le puede ver viviendo en estancias, haciendas y llevando una vida de carácter aventurero por pueblos de los Estados Unidos y más.

1980. Born in Cali, Colombia. In 1995 she began to study visual arts at the Pontificia Universidad Javeriana where she graduated from in 2001. Additionally, the artist discovered a special love for the performing arts, which is why she began to study them at the Toolbox Acting School of Alfonso Ortiz and House of Theater, with influences from Cesar Badillo and John Bolivar. With more than two dozen exhibitions under her belt, the artist has been characterized by creating artistic work that portrays the multiculturalism that she has come across in her multiple trips throughout the world exploring landscapes and different experiences. That is how she can be seen living on ranches or farms and taking an adventurous life through towns in the United States and more.

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"It was very cold, but it was amazing", 2017, impresiรณn digital sobre plexyglass, 80 x 110 cm. "It was very cold, but it was amazing", 2017, digital printing on plexyglass, 203.2 x 279.4 in.

"Yosemite National Park", 2017, impresiรณn digital sobre plexyglass, 80 x 110 cm. "Yosemite National Park", 2017, digital printing on plexyglass, 203.2 x 279.4 in.


"Yosemite National Park", 2017, impresiรณn digital sobre plexyglass, 80 x 110 cm. "Yosemite National Park", 2017, digital printing on plexyglass, 203.2 x 279.4 in.

"On the Road", 2017, impresiรณn digital sobre plexyglass, 80 x 110 cm. "On the Road", 2017, digital printing on plexyglass, 203.2 x 279.4 in.


Colombia Arte Actual  
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