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ARTCLUB Arte Contemporรกneo magazine - Issue 5 - Junio - Julio 2014

Issue 5 - Junio - Julio 2014

EF F A R G O T I T SY IU N E B A Z H Z P I P E G R JOSE O J OL L E O U N P O A O I K O Y CLAUD N A M D L Z O E G L O E D V N O M I RICAR S Z E R R E I e T e d U i G s R e g n i EDGA Y A AR D N U M ISMAEL

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Revista cultural digital dedicada a la difusión y promoción del arte internacional

Colaboradores:

Jorge Guzmán Caroline Tisdall Tharnes y Hudson Andreina Martínez Santiso Tito Graffe Madatac 06 - España Quadrant gallery DOCfield Photobook Jaime Gili Ruth Auerbach Photographs without borders Arturo Carrión Yudith Garcia Mila Abadía Cristina Ortiz Luis Farias MOCA - Museo de Arte Los Ángeles Stefan Altenburger Urs Fisher

ArtClub magazine, no se responsabiliza por los textos, comentarios e imágenes contenidos en sus paginas. Ello corresponde a cada autor o colaboradores. Director:

Cromos revista

Fotógrafos: Pascal Mannaerts

Arturo Carrión

Tito Graffe

Gerente de Publicaciones:

Abel Naim

Martha Farías Oldemburg

James Carrión D. Google images

Diseño & Maquetación: AC53 Digital Studio Imagen de Portada: Obra “Plegables” de arturoCarrión

Arturo Carrión

Producido y editado en Quadrant editorial España /Venezuela - 2014 - Edición bimensual

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Contenido

Joseph Beuys Todo ser humano es un artista Ricardo Goldman, Traspasa fronteras con Ultravioleta Tito Graffe Fotografo por naturaleza Jorge Pizzani Soy un Pintor religioso contemporáneo

Premios MADATAC Claudia Puello La Pintura como pretexto comunicador

Edgar Gutiérrez Un Soñador que cree y crea DonostiArtean I Feria de arte contemporáneo Yoko Ono 25 razones por las que Yoko Ono es mucho mas que la viuda de John Lennon Simon Velez Me canse de diseñarle casas a los ricos La “Gota” que colmo el vaso ¿Creadores o Farsantes? ArturoCarrión Photographs without Borders

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La mejor información en el acontecer del arte internacional, Exposiciones, Ferias de arte, Concursos, Arte emergente, Artistas consagrados, Entrevistas, Biografías, Escritores, Curadores, Galeristas, Museógrafos, Fotógrafos, Videastas.

Publicación bimensual

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Arte Contemporรกneo

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Joseph

Beuys 8


Todo ser humano es un artista Por: Jorge

Guzmán

En 1943, un avión llamado Stuka se estrelló en Crimea, Ukrania, durante la Segunda Guerra Mundial. Al mando iba el piloto Joseph Beuys, quien sobrevivió a la catástrofe. Fue encontrado inconsciente por un grupo de nómadas, quienes curaron sus heridas con grasa y fieltro, incubando así la semilla de una obra que revolucionaría el mundo artístico en su momento. Después de esta experiencia su vida daría un vuelco, y Beuys se conectó con lo que consideraba primigenio en su espíritu y en el de todos los hombres: el arte. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düseldorff, donde llegaría a impartir clases. También se convertiría en el integrante más reconocido del movimiento neodadaísta Fluxus, que iba en contra de la obra de arte como mercancía, cuya influencia es considerada capital en los sectores del performance y el videoarte.

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Una de las ideas más conocidas de Beuys expone que “todo ser humano es un artista, un ser libre, llamado a participar en la transformación y reorganización de las condiciones, el pensamiento y las estructuras que dan forma e informan a nuestras vidas”. Con esto no quería decir que cada persona fuera un escritor o un pintor, sino que “existe una creatividad latente en todas las esferas del trabajo humano”. Así, Beuys confrontó el estatus quo del arte internacional de la época, desmitificó a la “Galería de Arte” y llevó sus happenings y performances a la calle, al encuentro con la gente normal, lejos de circuitos intelectuales, en zonas desfavorecidas o de “incertidumbre social”. ¿Has sentido en algún momento, por más privado que haya sido, una voluntad expresiva o alguna sensibilidad artística? Partiendo de la premisa de Beuys, nunca es tarde para atender a ese llamado, incluso si no deseas convertirte en Artista Plástico. Esas categorías y definiciones alejan del hecho artístico a muchos que no se consideran capaces. “Liberar a las personas es el objetivo del arte, por lo tanto el arte para mí es una especie de ciencia de la libertad”, dijo el hombre que hizo de la grasa y el fieltro parte esencial en su obra artística. No te cortes ni te sabotees. Si sientes el llamado en algún momento (de la poesía, la pintura, la música, etc) no dejes de explorarlo. Puede ser renovador, liberador, transformador.

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Ricardo

Goldman traspasa fronteras con

Ultravioleta

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El artista expone su obra más reciente en la galería G Siete del Centro de Arte Los Galpones - Caracas ANDREÍNA MARTÍNEZ SANTISO

Inspirado en la música de los años sesenta y en una época que recuerda con mucho gusto, el artista Ricardo Goldman creó las pinturas de su muestra más reciente, Ultravioleta, que exhibe en la galería G Siete del Centro de Arte Los Galpones. Los guiños no son pocos: algunas piezas tienen nombres relacionados con la psicodelia y hay una que llamó El anillo de Scott McKenzie, en honor al cantante estadounidense que se hizo conocido por el tema “San Francisco”. El creador, formado en el Instituto de Diseño Neumann, dice que las obras de la exposición representan una frontera entre dos realidades. “Una es la que normalmente vivimos y la otra es la que no percibimos constantemente, pero ahí está. Con Ultravioleta la intención es traspasar ese límite y abrirse a esa nueva realidad”, expresa. Esa otra realidad se refleja en 31 pinturas de pequeño y mediano formato, en las que sobresalen rombos, poliedros, esferas y obeliscos, todos llenos de color: incluso pareciera que algunos tuvieran en su interior un arco iris. “Tiene ese aroma psicodélico de una época llena de colorido, en la que estaba la idea de la luz negra, de ese instrumento que nos permite ver qué es lo que hay más allá”, señala.

Ultravioleta Galería G Siete, Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con octava transversal de Los Chorros Horario: martes a sábado, de 10:00 am a 6:00 pm; y domingos, de 11:00 am a 4:00 pm Entrada libre

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TITO

GRAFFE

Fotografo por naturaleza

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Tito Graffe

(1942) es un fotógrafo profesional con más de 40 años de actividad. Es residente canadiense, nacido en Venezuela, vive en Montreal desde 1993. Ha vivido en Suecia, Francia e Italia. Ha trabajado en proyectos cinematográficos y fotográficos internacionales para la televisión italiana y alemana y ha sido profesor de cine y fotografía en la Universidad Central de Venezuela y en él Ateneo de Caracas. Sus exposiciones se han visto en la Escuela de Arquitectura de Caracas, en el Faubourg St. Catherine de Montreal, en el Comensal en Cote des Neiges y en la Biblioteca de la Universidad de Fredonia en el estado de New York. Sus publicaciones han aparecido en varios formatos (Google-Knol, Lulú Publicaciones, revistas, diarios y calendarios). Sus proyectos más recientes y presentaciones han sido realizadas en el Columbia College de Chicago. Estas fotografías que presentamos, son parte de un proyecto de 2013 que retrata paisajes y bosques de Montreal. TITO GRAFFE

TITO GRAFFE

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JORGE

P

se nos revela com 32


PIZZANI

mo un acto de fe

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Entrevista de Jaime Gili a

Jorge Pizzani. JG :En algunas de tus pinturas recientes aparecen figuras que parecen mirar hacia un cielo nocturno, no se bien si implorando o embelesados, pero en todo caso el gesto es muy sugestivo, me recordaron a las pinturas negras de Goya, donde los personajes se mueven siempre cómodos y con la protección de la noche, no así el espectador.¿ Se puede aclarar cual es la relación entre tus sujetos pintados y el cielo nocturno ? JP :"La noche para mí es una circunstancia...noche total, la selva con su particular silencio animado, el miedo invisible, la cúpula celeste, la fé, la verdadera intención de nuestro intento, y yo, en el centro del misterio." JG :Hace tiempo que te interesa Wittgenstein de una manera especial, yo creo que porque une un análisis de la fé e incluso de la religión con una comprensión de la obra de arte que también se acerca a la que tú tienes. Me habías comentado y enviado una cita en la que habla de " La paja con la que se llenan los huecos que hay en las obras de arte". ¿Crees que lo que dice la obra de arte no se puede traducir ni se debe intentar traducir a ningún otro lenguaje? ¡ La poesía puede acercarse a la pintura?¿Puede la arquitectura? JP :Para mí lo más sutil y trascendente de la obra de Wittgenstein reside en como fusiona poesía y filosofía, conceptos de una enorme exigencia, su lucidez y desparpajo, ese pensamiento siempre vinculado a la obra de arte como un ente totalizador, Con relación a sí se debe explicar la obra de arte, pienso que todo le es inherente, la palabra y los medios con la cual se constituye, la unidad de la obra reside en la especificidad del contenido, Al hablar de Wittgenstein y de su particular manera de fusionar la palabra como expresión poética y filosófica esta no se puede disociar de otras formas de expresión como la música y la pintura. 34


JG :Aunque parezca contradictorio con respecto a la primera pregunta, en que mencionábamos a Goya, que era un "ateo débil", aunque pintó muchas escenas religiosas en su vida, ahora se me antoja considerarte un pintor religioso, de una manera poco común hoy en día. ¿Estoy errado o podríamos denominarte un pintor religioso contemporáneo? ¿ Cuando mencionas el miedo y la fe en estas pinturas, existe en ellas- en cualquiera de ellas-un ser trascendente externo y responsable juzgador de esa noche, o será que" el yo en el centro de todo el misterio" está realmente solo? JP: Te voy a responder con una frase de mi querido Mario Merz " No hay más que misterio en el universo, y la pintura es uno de los misterios más"... Esa Noche Escura, a la cual se refería San Juan de la Cruz, esa frontera entre lo sagrado y lo profano, esa redención frente al misterio, esa profundidad del pensamiento frente a la contemplación y el silencio, ubica a la condición humana frente al espejo con sus miserias y su pretensión redentora y por supuesto que es un estado de fe, Si a eso se le puede llamar un pintor religioso contemporáneo, entonces sí lo soy.

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Jorge Pizzani by Ruth Auerbach "El cuerpo de obras recientes de Jorge Pizzani se nos revela como un acto de fe y de profunda convicción al situar la imagen figurativa, abierta a los vastos dominios de la subjetividad, en el centro de las prácticas artísticas contemporáneas. Con una vitalidad expresionista y el signo gestual de su vigoroso trazo, cada una de las obras que conforma esta puesta en escena afianza el potencial fenomenológico de la pintura y recupera su validez ante la diversidad de los nuevos medios. Más de tres décadas de entrega absoluta al oficio le acreditan una trayectoria que se inicia con la destreza de un excepcional dibujante de la figura humana que, en resonancia con toda una generación, abordó con urgencia la experiencia pictórica en los desenfrenados años 80. La suya, se formalizó en una estructura compositiva enérgica y delirante expandida en el espacio telúrico para fundar la cartografía de un paisaje colosal y libérrimo de horizontes curvos y dimensiones cósmicas, que planteaba nuevas alternativas a la tradición paisajista local. Pizzani produce desde el inconsciente, ubicándose al borde entre la vigilia y el sueño, entre lo sagrado y lo profano. Sin recurrir a una imaginería preconcebida, construye cada rasgo de sus enigmáticos personajes a través de la yema de sus dedos en una estrecha relación cerebro-soporte que irrumpe y se materializa sobre el lienzo desde la acción pictórica y la destreza del dibujante."

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CLAUDIA

PUELLO

Mi pintura solamente es un pretexto que utilizo para conectar al espectador con sensaciones visuales y tรกctiles que le permitan encontrar en su memoria colectiva las huellas de su identidad 40


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La Artista Cordobesa Claudia Puello, basa su obra en los elementos que le proporciona la naturaleza, sus colores, sus formas y las costumbres de nuestro entorno. Es profesional en Mercadeo y Publicidad, con diplomado en Comercio Exterior y Negocios Internacionales, pero su pasión es el arte fue más fuerte y gracias a sus obras se ha dado a conocer en Sur-América como artista decorativa con altos conocimientos en el manejo de las artes plásticas y manuales. Fue profesora del taller de óxidos en la XI convención Argentina de pintura decorativa en el año 2009, en la III y IV cuarta convención internacional de pintura y manualidades en Colombia, en el año 2009 y 2010 respectivamente. Obtuvo la certificación profesional en artes decorativas por parte de la Fundación Pintura Decorativa Argentina en el año 2008. Desde el año 2003 creó su taller C.Puello Arte y Decoración en la ciudad de Cereté desde donde crea sus proyectos y los comercializa en Colombia y el exterior. Su talento y profesionalismo le dio la oportunidad de ganarse un espacio para mostrar sus obras en toda la Región Caribe Colombiana a través de una página del periódico Al Día de la casa editorial El Heraldo, donde brinda pasos a pasos de proyectos reciclables y fáciles de hacer en casa, así como consejos y tips de decoración. 42


Claudia Puello Desde un Trópico Caribe y Ecológico Por

Arturo Carrión

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ACM: Al ver tu trabajo, siento la fuerza luminosa del trópico y el caribe a través de tus colores, una cierta sensación mítico – religiosa mezclada con latencias de la selva y memorias atávicas, es un discurso muy sereno, conectado a la naturaleza misma de las cosas. Se siente mucha pasión, desenfreno y amor en tus elaboraciones. ¿Cómo y cuándo decidiste expresarte a través del arte? CP: El amor por el arte viene desde niña, siempre me intereso este mundo, todo lo que tenga que ver con la pintura y el arte me apasiona. Mi padre Osterman, influyo mucho en este camino que decidí tomar, me compraba muchos libros para dibujar y hacer los collages, me inscribía en todo concurso de pintura; y de mi madre Blasina, influyo mucho crecer con esa dedicación que siempre le tiene a las plantas, las matas de croto que nunca faltaban en el patio, su espíritu reciclador e innovador por la reutilización de las cosas esto de una u otra manera tomo fuerza en lo que hoy día me dedico. ACM: ¿Estudiaste alguna especialidad de arte o desarrollas tu trabajo de manera autodidacta? CP: Estudie mercadeo y publicidad y al mismo tiempo tomaba talleres, seminarios de técnicas de pintura, en lo cual me especialice con la fundación de pintura Argentina en el año 2009. ACM: ¿Cuando decidiste incursionar y dedicarte a tus propuestas artísticas? CP: Me he dedicado al arte y a mi taller desde el año 2003 hasta el día de hoy, soy una persona convencida de que este es el camino que dios me ha dado, es difícil formar una empresa y más en un medio donde siempre existen comentarios negativos respecto a cómo ven este tipo de oficios, la voluntad de dios me ha soportado siempre y aunque, no lo niego, hay muchas tempestades y desiertos que pasar cuando decides hacer lo que te gusta, esos desiertos y tempestades nos van haciendo más fuertes, si no fuera por ello, no aprenderíamos nunca a valernos por nuestros propios medios. Esto me ha enseñado a saber esperar y que todo llega a su tiempo!

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ACM: ¿Es vital e importante el entorno para desarrollar y madurar tu obra? CP: El vivir la mayoría de mi tempo en una casa finca o casa de campo ha sido parte vital para ir descubriendo lo que hoy en día es mi paleta de colores, en mis creaciones no pueden faltar los colores llamativos, los colores vivos de la naturaleza y sus texturas, madurando un poco la idea me llevo a realizar mi primera exposición individual con más de 50 obras y tres instalaciones llamada “EL PATIO DE MI CASA” realizada en una galería de montería en enero de 2013; una muestra donde mostré ese color con el que crecí, los juegos de infancia realizados en la tierra como el trompo, las canicas, el avioncito o la golosa, el viejo rincón de trastos y chécheres viejos, troncos de madera, puertas y ventanas viejas restauradas, arte en botellas, raíces de árboles, las frutas; en fin, mostrando lo hermoso de intervenir elementos de la naturaleza.

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ACM: ¿Veo que transitas tu obra entre la pintura, ready made e instalaciones, logras interactuar con el espectador en estos medios? CP: Las personas que entraban y hacían su recorrido, coincidían todas en la misma percepción decían: “apenas entre, viaje en el tiempo a mi niñez, a la casa de mis padres o abuelos, cuando aun se jugaba en la tierra” muchos de ellos se les asomaba una lagrima al recurrir esos recuerdos, al jugar el trompo o al avioncito; es acá donde me dije a mi misma “El objetivo está cumplido, tocar esas sensaciones en cada uno fue maravilloso”. ACM: Es muy común y para mí, desacertado, el hecho que “los nuevos artistas contemporáneos”, en flagrante asociación con “Curadores”, solo se dedican a explicar o hablar pendejadas del porqué de su “obra”, creyendo que con ello podrán convencer o en última instancia comunicar su lenguaje plástico al espectador. ¿Qué opinas de estas prácticas o nuevas costumbres? CP: Esto lo resumo así: “Mi pintura solamente es un pretexto que utilizo para conectar al espectador con sensaciones visuales y táctiles que le permitan encontrar en su memoria colectiva las huellas de su identidad”

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ACM: ¿Cómo visualizas o presientes el desarrollo de tu lenguaje plástico? CP: Mi pintura está encaminada en estos momentos a ir descubriendo nuevas formas de expresión, salirme un poco del lienzo, abarcar nuevas superficies, lo que te provea la naturaleza, transformar y reutilizar las cosas, el reciclado, las intervenciónes de espacios públicos; el rescate de esas puertas y ventanas antiguas que en su mayoría están desechando para y por construir nuevas cosas, apartando a un lado estas bellezas que encierran tantas historias y han sido parte de nuestro entorno arquitectónico. ACM: Por lo que me comentas, respecto a tu entorno, tu sensibilidad social y los aportes que puedes compartir, tanto artísticos como docentes ¿Qué proyectos tiene a futuro? CP: Mis proyectos actuales gracias a dios son muchos he tenido que aplazar varios para el año 2015, por ahora estoy centrada en la capacitación de mujeres cabeza de hogar, en su mayoría personas víctimas del desplazamiento forzoso en nuestro país, y personas discapacitadas, dictando talleres de emprendimiento y técnicas de pintura, muchas de ellas ya están organizadas, tienen sus asociaciones legalmente inscritas, estos talleres se les llevan gracias a la fundación Fundseres de acá de la ciudad de montería córdoba, fundación en la cual trabajo actualmente, tengo la realización del III salón de arte regional, en mi pueblo natal San Pelayo , durante la realización del festival del porro los próximos días desde el 25 al 30 de junio del presente año , la idea con esta exposición colectiva es reunir el talento de nuestra región y mostrarlo al mundo, apoyar sobremanera a los artistas que estamos empezando, a los artesanos, a los músicos, estoy a cargo de la convocatoria para este evento.

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ACM: ¿Te gusta realizar esta labor que conjunta tu expresión creativa con tu entorno social y cultural? CP: Para mí esto es mi deber como ciudadana y personalmente me llena de mucha alegría poder ayudar a otros , aportar con un granito de arena en los proyectos de vida , de aquellos que puedan necesitar mi colaboración, no ser egoístas con el conocimiento ni con los talentos que dios nos dio! ACM: Podrías describirme un autorretrato de Claudia Puello? CP: “Amo pintar, pinto sin ninguna pretensión de ser mas o menos, solo pinto porque es mi pasión y con mi ejemplo poder decirle a mi hijo juan camilo “ Que si se pueden lograr los sueños con dedicación, perseverancia y sobre todo, dejándose guiar por la voluntad de dios en nuestras vidas”

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Claudia Puello - Artista emergente Colombiana

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Obra de Claudia Puello - Imagen by Arturo Carri贸n 49


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"Plegables" by Arturo Carri贸n - 1985

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Edgar Gutiérrez Un Soñador que cree y crea 52


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Edgar Gutiérrez Un Soñador que cree y crea Por Yudith Garcia

Dios sobre todas las cosas, la familia, la belleza, la poesía, la música, las vivencias, y el amor motivan su arte. Dice que un artista no puede trabajar condicionado al momento de la inspiración, ni auto-encasillarse; cree al igual que Picasso “La inspiración existe, pero tiene que encontrarme trabajando” Y considera también que un artista debe ser integral, de allí que ha procurado desarrollarse tanto en Pintura, Escultura, Grabado y por su puesto en Dibujo. Ha tenido una carrera meteórica, según algunos de sus colegas, ha ganado 6 primeros premios y ha sido condecorado con la orden Armando Reverón. La trayectoria artística de Edgar Gutiérrez ha estado marcada por la búsqueda constante, por ese continuo encontrar y encontrase en cada obra, en cada pintura, en cada gesto, con una permanente fluctuación temática que tiene su propio sello: calidad y éxito.

a los 6 años de edad ya daba muestras de su habilidad por el dibujo. Tenia 7 años cuando su madre le hace el regalo que cambiaría su vida para siempre, “una caja de óleos marca Guitar y una guitarra también Oriental”,cuenta el artista. De su paso por la escuela primaria tiene varias anécdotas, entre la que se destaca el hecho de que para la clase de manualidades, presentó dos paisajes al óleo, los cuales fueron rechazados, argumentando que esos paisajes no los había pintado él. “Este hecho hace que mi madre se presentara en el colegio con los materiales y me hiciera pintar un nuevo paisaje delante de la directora de la escuela y cuando lo terminé, nos felicitaron y quedaron atónitos ante la habilidad demostrada. Luego, me escogieron para pintar todos los meses la cartelera cultural y al finalizar la escuela, pintó un inmenso mural, ordenado por la maestra quien me educó, llamada Carmen Morán y recuerdo que me pagó con el libro “Confesiones Inconfesables” de Salvador Dalí”, “Mi querida madre canalizó mis inquietudes artísticas a temprana edad y me defendió ante todos los que se opusieron a mi desarrollo, inclusive mi padre, quien quería que me dedicara a la mecánica” comenta.

El artista nos recibe en su bella casa en la ciudad de Kendall, en Miami, USA donde también tiene su taller, el cual abarca casi todos los espacios, escuchando su música preferida . Entre melodías de alabanzas y los clásicos de Tchaikovsky, compartiendo un rico café, hecho por su amada esposa María Eleuteria, comenzamos el viaje por la vida y obra de este excelente artista, poeta, medio músico y sobre todo un ser humano especial, lleno de luz. Edgar Gutiérrez nació en Maracaibo, Estado Zulia, Venezuela. Residenciado en Estados Unidos desde 1994. Su infancia y adolescencia estuvieron marcadas por el dibujo, la pintura y la música,

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En el año 1972 viaja a la Ciudad de Cabimas a estudiar construcción civil en la escuela técnica, pero el hecho que se destaca de ese viaje es el encuentro con el grupo de artistas Komuna 2000, un grupo de artistas, entre los cuales se destacaba Lucidio González, entre otros, quienes lo invitan a participar en sus exposiciones. Termina con los estudios de construcción civil, se regresa a Maracaibo y por sugerencia de un gran amigo (su padre "putativo") llamado Rafael Vera y su esposa, quienes viendo su talento, le aconsejan que estudie arte, ingresa a la escuela de arte Neptalí Rincón en 1976 y comienza a interesarse por las técnicas del grabado y la escultura. A partir de ese año comienza a trabajar en el campo del diseño gráfico, obteniendo bastante éxito y reconocimiento al punto de ser el director de arte de varias agencias de publicidad y de revistas como Petroleum y Texturas Arte Contemporáneo, ilustró la vida de varios personajes venezolanos como Juán Pablo Pérez Alfonzo, Raúl Leoni y el General Rafael Urdaneta y también edita y realiza los dibujos para el poemario “Entre Grillos y Soledades” de Nelson González. En 1983 es aceptado en la Universidad Cecilio Acosta, donde cursa estudios de Licenciatura en Artes Visuales. Según el artista “Hay varios hechos bien importantes que catapultan mi carrera como fueron el ganar el primer premio del primer Salón de Jóvenes Artistas "Filiberto Cuevas" en 1981, ganar el primer premio en pintura de la primera Bienal de Arte “Ciudad de Maracaibo” 1984 y el ser invitado para ilustrar la edición 75 aniversario del Diario Panorama, el diario más importante de la ciudad de Maracaibo. "La obra de un artista puede ser muy buena, pero si no llega a los medios, si no se muestra constantemente, nadie la ve, por lo tanto no existe”,señala

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Cuáles artistas han influenciado en su obra? Desde el momento que inicié mi lenguaje plástico, profesionalmente, con la utilización de un elemento marino, orgánico llamado Bellota de Mar, que es una forma crustásica que se le adhiere a la madera y el concreto de los muelles, serie esta que titulé “Seres Metamórficos” 1977-1983; “Aveflora” 1984-1987;“Signos de Vida” 1987-1990; “Seres Anecdóticos” 19911992; hasta esta serie se puede observar en mis trabajos que hay una influencia de artistas como: Salvador Dalí. Ives Tanguy, Rene Magritte y Henry Bermúdez. En las siguientes series, a partir de “Seres Anecdóticos” 19911992; “Polictikus” 1993; “Index” 1994; “Looking at Glances”(Mirada a las Miradas) 1995-1997; “The Spirit’s Garden”(El Jardín del Espíritu) 1998; “The Messengers”; “From The Kingdom’s Horses” 2004 y “Kingdom’s Textures” se comienza a gestar un cambio y siento que mi obra fue influenciada por Francis Bacon, Willem de Kooning, Torres García, Antoni Tapies, Millares, Pollock. Con una técnica diferente, la textura se convierte en algo bien importante y característico en mis obras.

Por qué dejaste a Venezuela para venir a USA? Creo que había estado en mi mente toda la vida, pero fue a partir de una exposición llamada “Diez del Zulia” en el Museo de Arte Moderno de Cartagena, Colombia, 1991, en la cual participé y ayudé a organizar, cuando tomé la decisión de emigrar a Estados Unidos, uno porque en Colombia me di cuenta de muchas cosas que sucedían allí, dije que luego sucederían en Venezuela a pasos agigantados y el tiempo me ha dado la razón, paso al siguiente punto, porque no me gusta la política. Dos, porque en Caracas conocí a un gran amigo llamado Matías Bernaez quien me invitó a su casa en New jersey y atendí ese llamado para comenzar a dar mis primeros pasos en esta gran nación, como él muy bien me decía. Y tercero, porque siempre he analizado el mover de algunos artistas y los he seguido, como es el caso de un excelente artista y amigo, llamado Henry Bermúdez, vine a este país con el sueño de mejorar la calidad de mi trabajo, de proyectar, a la vez, la obra de por lo menos 23 artistas venezolanos más y promocionar la Revista Texturas Arte Contemporáneo de la que era su director de arte, además de socio y con el deseo de internacionalizar el arte venezolano ya que Venezuela no tenía una política cultural acorde con la magnitud de sus artistas y lo que existía era muy elitesco, sin hablar de las roscas. Y una de las razones más importantes por las cuales dejé a Venezuela, sencillamente es, porque yo soy un soñador que cree y crea!

"Signalxtures" by Edgar Gutiérrez

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Cómo fueron tus primeros tiempos en Norte América? Visité New York por primera vez en el 1981, para esa fecha ya me había ganado el primer premio en pintura del Salón de Jóvenes Artistas “Filiberto Cuevas”, viaje este que realicé con motivo de las primeras vacaciones que tomaba de la empresa SAVE publicidad exterior, para la cual trabajaba como director de arte y también porque quería visitar a mis amigos Henry Bermúdez e Irma Parra quienes vivían en Queens, quedo totalmente enamorado de Manhattan y diez años después regreso con las ganas de contactar galerías y museos para exhibir y es allí cuando comienzo esta odisea en búsqueda de nuevos horizontes. En New York conozco al marchand de arte José Antonio Hands, a través del artista Henry Bermúdez , quien me recomienda con unas honorables personas, Erick Markus y su distinguida esposa Libia Markus que estaban por abrir una galería en la Florida, y es así como vengo a Miami, primero estoy solo por espacio de un año y luego viene mi esposa María Eleuteria y mis tres hijos Edmariz, Maximiliano y Victoria. Llego con todas las intenciones de quedarme para trabajar en la promoción del arte venezolano, la revista Texturas Arte Contemporáneo y la proyección de mi obra. Así que comienzo a organizar varias exposiciones en la Galería del Consulado de Venezuela y luego realizo mi primera exposición individual con la Galería Arquideco, lo que continúa en poco más de 20 años es muy largo de contar y sería tema para otras entrevistas, ya que nunca he dejado de trabajar.

"Signalxtures" by Edgar Gutiérrez

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Cuáles han sido tus series más importantes? Para mi todas son importantes porque cada serie es el resultado de una búsqueda constante, de un trabajo riguroso, de estar atento a lo que sucede en la obra misma, porque cada una es consecuencia de la otra. Pero sí te puedo mencionar cuales me han dado más satisfacciones. En primer lugar está la serie “Seres Anecdóticos”que eran una suerte de personajes etéreos con sombreros y grandes bigotes, alusivos a seres con historia, con trascendencia y con la cual comienza a definirse la originalidad de mi propuesta y motiva mi partida para los Estados Unidos de Norte América con el propósito que antes mencioné y además para continuar la investigación sobre la tecnología de los materiales a utilizar en las siguientes obras. En 1993 desarrollo dos series bien importantes en mi carrera artística, “Polictikus” (obras de varios elementos) e “Index” (obras inspiradas en las páginas de contenido de las revistas), un tanto influenciado por mi paso como dibujante y director de agencias de publicidad. En ellas fusiono los personajes de la serie anterior con divisiones y extensiones más abstractas, cósmicas donde siempre se destaca el detalle de un solo ojo con características surrealista y el que aparece en mi obra por causa de la lectura bíblica en Mateo 6:22 “La lámpara del cuerpo es el ojo; así que, si tu ojo es bueno, todo tu cuerpo estará lleno de luz”, logrando con estas nuevas expresiones, lo que el crítico de arte Vicente de Percia ( Brasil), acertadamente definiera como “Miradas a las Miradas” Desde 1997 comienzo una nueva serie llamada “ Desde el Jardín de el Espíritu” producto de la búsqueda evolutiva no tan solo para el desarrollo de mi obra si no para mi ser interior, mi ser espiritual. Siento que la obra va adquiriendo una madurez más definida con un fluctuar temático propio de la búsqueda, una técnica más depurada con una mayor riqueza cromática y textural. En el 2004 comienzo una serie llamada “The Kingdom’s Horses” conozco a Francisco Hevia, quien al momento de visitar mi taller me compra las últimas 20 obras de la serie “Desde el Jaríin del Espíritu” y me encarga 40 trabajos de la serie “Los Caballos del Reino” , desde ese momento se convierte en mi representante hasta su muerte en el 2010, A Francisco lo quise como a un hermano, como Van Gogh quiso a su hermano Theo. Con la desaparición física de Francisco los caballos se van a galopar a otra parte, ya que no me sentía emocionalmente bien para continuar con el proyecto que juntos comenzamos con grandes expectativas. Sin apoyo financiero comienzo desde cero una nueva etapa en mi proceso creador, este es un acto de despedida para los que me dieron tantas satisfacciones, los caballos del reino y mi hermano Francisco, sean todos bendecidos! 58


Cuál es ese cambio en tu obra? En una reciente conversación con un gran amigo, el coleccionista Ricardo Rosales, aprendí que lo más seguro que tenemos en la vida es el cambio y a ese cambio va mi propuesta actual. Porque la palabra de Dios dice en Romanos 8:28 “ Y sabemos que a los que aman a Dios, todas las cosas les ayudan a bien…. Como yo soy un creyente sé que estamos en un gran tablero de ajedrez y es Dios el que dirige todos nuestros movimientos. No fue casualidad esa conversación y cuando llego a mi taller a estudiar todo mi proceso creador desde el inicio hasta donde estaba en ese momento , observo que en casi todo mi trabajo el expresionismo abstracto estaba como encerrado y es por eso que presento en esta oportunidad una nueva serie de trabajos, la cual decido llamar "Signalxtures" (Signal+Textures) Y en la cual disfruto el uso de la pintura libre, gestual, espontánea sin ataduras, prestando más atención a las cualidades superficiales, es decir, las cualidades de la pincelada, del trazo agresivo y la textura como tal, la utilización de enormes lienzos, la adopción de un enfoque de espacio en el que todas las partes de la tela formen un elemento vital en la totalidad de la obra , el aprovechamiento de los accidentes que ocurrieron durante el proceso de la imprimatura, la exaltación del propio acto de pintar como un medio de comunicación visual, y el intento de transferir la emoción pura directamente sobre el lienzo, como características de este maravilloso y productivo movimiento, el cual ha tenido una gran influencia en mi proceso creativo Con respecto a este cambio, el escultor Jorge Seguí me comenta “Creo que si éste es el resultado de las incomprensiones ,altibajos y decepciones por las que solemos pasar los artistas, creo que has canalizado bien toda esa energía que hay en tu obra, por eso dicen; "que lo que sucede conviene”, a veces las malas se convierten (con talento) en buenas. Es una abstracción diferente ,rica en textura y color, siendo yo de un "bando" diferente encuentro en esta obra mucha fuerza y enfoques diferentes pero con la misma carga, con la misma impronta. Si tuviera que decirte algo más te diría que has encontrado como una suerte de veta de oro, que bien vale la pena el abandono de otras manifestaciones anteriores por este nuevo lenguaje”

Judith García

"Signalxtures"

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"Signalxtures" by Edgar GutiĂŠrrez

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"Signalxtures" by Edgar GutiĂŠrrez

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DonostiArtean I Feria de Arte Contemporáneo de San Sebastián. Del 7 al 11 de agosto de 2014 DonostiArtean, la I Feria Internacional de Arte Contemporáneo de San Sebastián nace con la pretensión de promocionar y difundir el Arte Contemporáneo nacional e internacional y con la intención de convertirse en un referente dentro del circuito de ferias internacionales.

En este primer año tendrá lugar del 7 al 11 de agosto de 2014 en el Kursaal, Palacio de Congresos de San Sebastián. Concebida bajo criterios de rigor, profesionalidad, calidad y cercanía, DonostiArtean busca ser una feria de arte nueva e independiente, cercana y dinámica, lugar de encuentro e intercambio donde el coleccionista experto y el más novel van a encontrar valores seguros y propuestas emergentes, con la calidad como denominador común. Se presentarán galerías y artistas de diversas líneas tanto estéticas como conceptuales en un evento original, fresco y dinámico, acorde con los tiempos actuales y un programa de actuación perfectamente definido, con un claro compromiso en cuanto a impulsar el coleccionismo y dinamizar el mercado del arte actual, a través de profesionales del sector y del público general. DonostiArtean es un proyecto promovido por Scarpellini Proyectos, S.L., empresa dedicada a la gestión cultural que colabora con galerías de arte, fundaciones y organismos oficiales. Junto a Juan Martínez Descalzo, Director de la Galería Cervantes6; Susana Herrero, Directora Ejecutiva; José María Cernuda, Director de Comunicación; Tino Faltoyano, Responsable de Marketing; David Hwang y Kuniaki Orii, conforman un equipo profesional con una trayectoria avalada.

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Yoko Ono 25 razones por las que Yoko Ono es mucho más que la viuda de Lennon Con motivo de la retrospectiva que le dedica el Guggenheim Bilbao repasamos algunos de los hitos de la carrera artística de 'la mujer que acabó con The Beatles'.

Por:

Cristina Ortiz

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Tal día como hoy hace 45 años, John Lennon y Yoko Ono se encerraban en la suite presidencial del Amsterdam Hilton Hotel para escenificar la primera de sus dos 'semanas de cama'. Era su forma de protestar contra la guerra de Vietnam (contra cualquier guerra, en realidad) y promover la paz. A la manera de una extraña luna de miel, John y Yoko abrieron las puertas del hotel a la prensa y respondieron a sus preguntas sin mover el culo del colchón. El acontecimiento, que quedó marcado a fuego en la memoria colectiva como uno de los hitos del pacifismo 'post-hippie', llevó a la filmación del documental “Bed Peace”, dirigido por Nic Knowland durante el segundo 'bed-in for peace' en Montreal. El año pasado, la propia Yoko comentaba así la filmación: “En 1969, John y yo éramos tan ingenuos como para pensar que haciendo un 'bedin' íbamos a ayudar a cambiar el mundo. Bueno, puede que lo hayamos cambiado. Pero por aquel entonces, no lo sabíamos. Pero estuvo bien que lo filmáramos. El filme es poderoso ahora. Lo que dijimos entonces podría haberse dicho hoy. De hecho, hay cosas que dijimos en el filme, que podrían servir de inspiración y ánimo a los activistas de hoy. Buena suerte a todos nosotros”. Mucho más que la viuda negra de Lennon La leyenda popular siempre pintará a Yoko Ono como la mujer que provocó la ruptura de The Beatles (algo que el propio McCartney ha desmentido en más de una ocasión), la arpía que secuestró la sensibilidad de un John Lennon llamado a convertirse en el gran mártir de toda una generación. Pero Yoko es más que eso. 66


Yoko Ono, Vivió de primera mano el furor experimental de la escena artística neoyorquina de los primeros años sesenta, una de las épocas más radicalmente creativas de la historia moderna. Fue pionera en la práctica de la performance y el arte conceptual, experimentó con el medio cinematográfico, grabó canciones y discos clásicos. Y sí, también se casó con aquel hombre 'más famoso que Jesucristo'. El legado artístico de Yoko tiene peso propio, es un juego irresistible, como bien demuestra la retrospectiva que estos días le dedica el Guggenheim Bilbao y que se podrá visitar hasta el próximo 1 de septiembre. 'Yoko Ono. Half-A-Wind Show - Retrospectiva' reúne cerca de 200 obras entre instalaciones, objetos, películas, dibujos, fotografías, texto, audios y documentación sobre performances realizadas en el pasado. Como bien indica el texto que presenta la exposición, son las ideas, y no los materiales, el principal componente de su obra. “Muchas de esas ideas son poéticas, absurdas y utópicas, aunque otras son específicas y factibles. Algunas se convierten en objetos, otras permanecen inmateriales. Su obra refleja a menudo el sentido del humor de la artista y su pronunciada actitud crítica y social”.

25 razones para apreciar a Yoko Ono Aprovechando la efeméride y la cita en el Guggenheim, hemos querido confeccionar una lista caprichosa de motivos que sostienen nuestro aprecio por la figura de esta octogenaria artista. Al final son 25, pero podrían ser más. 1. El hecho de haber sido la primera mujer admitida en la Gakushūin University como estudiante de filosofía a principios de los años cincuenta. 2. Su colaboración con John Cage. 3. Su colaboración con Ornette Coleman. 4. Su relación con titanes de la nueva música, la danza moderna y el cine experimental como Morton Feldman, Richard Maxfield, David Tudor, Merce Cunningham y Jonas Mekas. 67


5. Su composición “Lighting Piece” (1955, interpretada por primera vez en 1961), con la que Ono se convirtió en uno de los primeros artistas en crear “event scores”, o partituras para eventos, una idea que tendría un gran impacto en la escena del arte de performance de la época. 6. Los eventos y conciertos que organizó con La Monte Young en su loft de Chambers Street a principios de los 60s. 7. Haber contado con invitados como Marcel Duchamp, Peggy Guggenheim y George Maciunas en esos mismos eventos. 8. Su adscripción al grupo Fluxus, aquella “confederación anarcoartística” fundada en 1961 por Maciunas. 9. Sus “Instructions for Paintings”. 10. Su pieza “Morning Piece” (1964), en la que celebraba todas las mañanas del pasado y del futuro.

11. Su libro “Grapefruit”, un volumen de 'instructions', directrices orales o escritas para el público, que asignan al espectador un papel mucho más activo del habitual en el mundo del arte, hasta el punto de ser necesaria su acción para completar la obra.

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Yoko Ono

12. Su performance “Cut Piece”, con la que pretendía llamar a la reflexión en torno al papel del cuerpo femenino y su representación en la sociedad de la época.

13. Su “Draw Circle Event”, o “Evento para dibujar un círculo”.

14. “Unfinished Music No. 1: Two Virgins”. 15. Su acción “Acorns for Peace” junto a Lennon, consistente en envíar bellotas a 96 jefes de estado y figuras políticas internacionales.

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16. Su “Museum of Modern (F)art”, un “evento imaginario” en el Museum of Modern Art de Nueva York que llegó a ser anunciado en los medios y para el que se llegó a publicar un catálogo.

17. Sus "Pinturas para pisar", trozos de lienzo sin tensar, pintados con tinta japonesa y dispuestos sobre el suelo como obra inacabada. 18. “Walking on Thin Ice” 19. "Season of Glass". 20. Su apoyo a la la causa de los Panteras Negras. 21. Su defensa convencida de los derechos de gays y lesbianas. 22. Su simpatía hacia #Occupy. 23. Su activismo político en general.

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24. Su rechazo del lujo y la comodidad burguesa. O en sus propias palabras: “Let’s not join those despicable upper-middle-class people”. 25. Su extraña e inimitable forma de cantar y gritar. La leyenda popular siempre la pintará como la mujer que provocó la ruptura de The Beatles, pero Yoko es mucho más que eso. Aquí te damos 25 razones para amarla.

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Arte Contemporáneo

CURVATARES - serie - # 15 - mixed media on Canvas - 100 x 100 cm.—Arturo Carrión

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“Me canse de diseñarle casas a los ricos” No hace mucho llegó de China y ya se va de nuevo, pero esta vez para India, y todo por culpa de la guadua, material con el que este manizaleño se construyó un prestigio en Colombia y el mundo

SIMÓN

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No hace mucho llegó de China y ya se va de nuevo, pero esta vez para India, y todo por culpa de la guadua, material con el que este manizaleño se construyó un prestigio en Colombia y el mundo. Una tanda larga de tinto con el arquitecto que siempre carga un lápiz y se burla de los arquitectos que no piensan con las manos, sino con el computador. Simón al desnudo. A su edad y con su prestigio se ufana de darse el lujo de vestirse mal. No se preocupa por su ropa. Tampoco la compra, ni le interesa saber cómo aparece de pronto en su armario, si es por arte de magia o de una de sus hijas. Él solo sabe que ahí están siempre los mismos pantalones beiges o grises, las mismas camisetas de algodón blancas y las mismas camisas azules o grises con que todos los días se viste. Lo único seguro y cierto, porque le interesa, es que su sombrero de siempre, blanco de palma de iraca, se lo manda un amigo de Sandoná, Nariño. Llega con parsimonia, con cierto recelo, con su dosis de desconfianza, con la nariz por delante olfateando el ambiente.

Parece que nunca tiene ganas de quedarse, pero basta una buena compañía, un buen tema, una provocación auténtica para que él ponga su primera piedra y se plante y se abra como una plaza. No sabe qué es la diplomacia. Si lo comparan por su empaque campeche con Uribe, dice con sorna que al expresidente sí es idéntico, pero cuando habla en inglés. Y si le pican la lengua sobre su futuro, contesta sin tapujos: "Yo lo que quiero es hacer arquitectura lejos de las señoras y sus caprichos. ¿Acaso yo soy ginecólogo o estilista para darles gusto? Está bien, son sus casas y tienen razón, pero eso ya me cansa". Y si espera a que deje de reír y dé más detalles, termina diciendo que quiere hacer "menos casas para los ricos y más puentes y viviendas de interés social". Y para rematar, sentencia que su gran proyecto es "la construcción con madera compacta hecha con astillas de guadua". Hasta ya es socio en Manizales de una fábrica que hace pruebas con esterilla prensada. Él ya superó su propia importancia. Ya viene de regreso de la cuesta y ya ninguna altura lo descresta.

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Ya dejó de amontonar orden, mesura y prudencia. Lo que vive por dentro se puede ver paso a paso internándose en su vasta propiedad. Una isla deforme de cosas, como un tubérculo, que no cesa de crecer. Una nube de matas de plátano, árboles, bareque, cemento, ventanas de madera, enredaderas, columnas de guadua, camas, sofás y sillas de guadua, gatos y pájaros, hierro forjado, cuadros y objetos viejos que ha ido acumulando, como en un tornado, desde hace 46 años, cuando comenzó a juntar lotes para armar su casa, sobre las faldas de esa Bogotá antigua. Vive en una comarca de la Edad Media, con cuatro casas para sus cuatro hijos en las laderas, con fuentes, escaleras flotantes, monos de la pila, ángeles y restos de demoliciones antiguas. Y en lo alto, su propia torre o cubierta de un barco encallado en los tejados de La Candelaria, de donde no zarpa sino a sus viajes por el mundo, construyendo obras en guadua o a su campo de golf a tres horas en carro, donde juega religiosamente 32 hoyos al día. Con él funciona el efecto matrioska. Entrar en su vida es lo mismo que ir destapando Simones que guardan a su vez más Simones. Dentro del universitario que disolvió desde una terraza una manifestación de mamertos de Los Andes, a punta de voladores cargados de pólvora, también está un manizalita que posó a los 30 años empeloto para un desnudo de Luis Caballero. Y más adentro hay un querendón desbocado que tuvo cuatro hijos con tres mujeres distintas. Y si destapamos otro Simón más, hay un arquitecto que construyó su prestigio en Colombia y el mundo a punta de guadua. Y si seguimos abriendo, aparece un abuelo que construye hasta sofisticados carros de balineras, obviamente en guadua, si eso es lo que quieren sus cinco nietos, reyes soberanos de su afecto. En Google puse Simón, y me salieron Simón Bolívar, Simón Gaviria, Simón Brand, Simón el bobito y Simón Trinidad, antes de dar con Simón Vélez. ¿Cuál fue la explicación de su papá para ponerle ese nombre? Por un tío que se llamaba Victoriano Arango. Era medio poeta, escribió un verso que decía: “Simón en el pueblo el único enterrador, él mismo a su propia hija al cementerio llevó”. Incluso fue la primera canción grabada en Colombia, aunque inicialmente no fue escrita como canción.

A pesar de ser un verso triste, los viejos se lo sabían de memoria. El origen de mi nombre no fue por Simón el bobito, ni por Simón Bolívar, sino por culpa de un tío. ¿Qué le enseñó Manizales? Su ciudad natal. Me pareció importantísimo aprender a no ser liberal. De haber nacido en tierra caliente sería como Álvaro Uribe. Gracias a Dios soy de Manizales, de madre conservadora, Gloria Jaramillo, y padre liberal, Roberto Vélez, aunque todo el mundo le decía Rober, sin la t. ¿De dónde viene su decisión de ser arquitecto? No me acuerdo de haber tomado la decisión de decir: quiero ser arquitecto. Desde niño ya estaba encarretado con eso. Siempre quise ser arquitecto. Uno aprende a pensar con las manos. Esos jóvenes que andan ahora con computadores van a quedar hechos unos retrasados mentales. Yo viajo mucho por el mundo y me invitan a universidades realmente importantes y, cuanto más importante es la universidad, menos les dejan usar computadores. Los obligan a usar las manos.

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Pero el buen ejemplo viene de su papá. Sí. Mi papá fue arquitecto. Estudió primero Ingeniería en Bogotá porque no existía la carrera de arquitectura y, en época de la guerra, se fue para Estados Unidos a estudiar Arquitectura. Pasó por la Universidad Católica de Washington; en esa institución le enseñaron profesores alemanes exiliados de Hitler, profesores especializados en Bauhaus. No fueron los famosos, pero tuvo formación académica enfocada en la modernidad. En Manizales a mi papá le iba bien siendo arquitecto, hasta que se quebró. Y el papá de mi papá era empresario de construcción y la crisis de los 30 también lo quebró. ¿Esas quiebras cómo lo afectaron? Tengo un hermano mayor llamado Marcelo y una hermana menor, que es Gloria Lucía. Ella estudió en Inglaterra y en Bélgica, y mi hermano se fue a estudiar Zootecnia a Estados Unidos. Mi familia era relativamente rica, pero en la época en que me tocaba estudiar mi papá se quebró, por eso estudié en Bogotá en la Universidad de los Andes. ¿Y dónde quería estudiar? Creo que en Estados Unidos. Pero, como ya le dije, tocó aquí porque mi papá se quebró. Y me tocó estudiar en una época muy convulsionada con la vaina subversiva hacia finales de los años 60. Los mismos Andes estaban con el cuento. Cuanto más oligarca era el que estaba ahí, más se las daba de comunista. Por el tono, ¿eso le molestaba? Una vez hubo una manifestación grande en el Edificio Franco y yo la disolví a punta de voladores que eché desde la terraza. Subieron a lincharme. La gente pensó que yo estaba celebrando y, cuando vi que me aplaudían, se los tiré sobre las cabezas. Mi idea era hacer un acto de protesta contra la actitud de esos niños ricos jugando a ser comunistas. Por suerte no me apuñalaron ni nada, solo me cascaron. Siempre fui anticomunista, y lo sigo siendo. A los escritores un libro los lanza a la fama. En su caso ¿cuál fue la obra que le abrió el camino? La sede del Club Puerto Peñalisa fue el primer encargo importante que tuve trabajando con guadua. Le debo mi aparición en la luz pública a esa obra.

¿Cómo llegó a hacer una obra tan grande en guadua en Peñalisa? Hace 30 años descubrí que si le ponía cemento a los caños vacíos de la guadua, eso me permitía hacer uniones estructurales. A nadie se le había ocurrido eso en el planeta. La limitación de la guadua para hacer estructuras es que es hueca, pero con una pendejada tan elemental como abrir un roto y llenarlo de cemento, hice una conexión extraordinaria que da importantes resultados. A partir de ese descubrimiento, la guadua se volvió para mí un acero de origen vegetal. Su resistencia es impresionante. ¿Cómo llega a ese descubrimiento? Un cliente en Quindío me obligó a que hiciera un establo para caballos en guadua con techo pesado. Nunca había trabajado con ese material. ¿Nunca había mirado la guadua como material para construir? No, porque era la madera de los pobres. Aún tiene ese estigma de que no luce muy bonita en el paisaje y, además, como este es un país con maderas extraordinarias, no se le para bolas a la guadua. Y en Peñalisa sí le pararon bolas? Hubo un tipo llamado Galaor Carbonell que fue profesor mío de historia del arte. Él conoció ese establo que hice en guadua y otras cositas muy modestas en el eje cafetero. Hizo un artículo en una revista llamada Habitar. Publicó mis estructuras de guadua y eso generó conocimiento sobre un material alternativo que nadie había usado en construcción. Luego de ese artículo publicado, me contactaron para hacer lo de Peñalisa. No me cansaré de agradecer a los que confiaron en mí para hacer una cosa tan atrevida. ¿Usted no es un artista frustrado? No. La arquitectura afortunadamente no es como los deportes, que uno muy temprano se queda obsoleto; antes al contrario, en la arquitectura uno muy joven no sirve para nada. Es un oficio de experiencia, de viejos. Ahora miro lo que hice hace 10 años y me parece muy primitivo. Un arquitecto joven no sirve para nada y lo digo yo, que fui joven y que critico mis obras.

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¿Hoy quién es Simón Vélez? Alguien que lo que más hace son casas para gente rica, pero me estoy fatigando de eso. Me quiero dedicar a la ingeniería, quiero hacer grandes estructuras. Estoy encarretado con proyectos de interés social, implementando una técnica mixta de concreto, acero y guadua laminada. Ya montamos una fábrica en Manizales, y esa es una opción a la crisis del café. Los productos forestales, como la guadua, serán más importantes que cualquier grano. ¿Hacia eso apunta esa zona? Eso tiene grandes enemigos, que son las corporaciones regionales que piensan que la guadua se va a extinguir si uno la corta. Una guadua es un bambú perezoso y crece doce centímetros en promedio; quiere decir que en 100 días hay 12 metros. En 200 días hay 25 metros, que es lo que crece, y hay que esperar tres años para que no crezca más. ¿Los ambientalistas no van con Simón? Yo les vivo diciendo que prohíban comer huevos porque se van a extinguir los pollitos. A mí me invitan a dar conferencias por el tema ambiental y cuando veo que están muy excitados

con ese tema, les digo que los ambientalistas son una partida de charlatanes, incluido yo. Estamos abusando de ese cuento del planeta en extinción. Tengo muy claro que eso es una religión y yo no soy religioso. Ni me gustan los fundamentalismos. ¿Cuál es su autor de cabecera? Yo fui muy lector pero nunca más volví a leer. Me gustaba mucho García Márquez, hasta sus dos últimos libros que me parecieron malísimos. De Vivir para contarla me pareció más interesante la biografía de un cajero de un banco o de un presidente de un club Rotario que la de él. No me gustó. Si le tocara comenzar de nuevo, Simón, ¿qué cambiaría de lo que hizo en su juventud? Hubiera aprendido a bailar. Y como nunca supe, no pude tener sexo gratis. ¿Tronco para bailar? En serio es una frustración enorme no poder tener sexo gratis. En mi familia tenemos genética de montañeros que no nos deja bailar. Nos faltó la sangre africana. 82


¿Qué es lo más importante hoy en día para usted? La salud y la familia. ¿La de sus tres hijas y su hijo? La de las nietas más que la de los demás... porque fui mal marido y mal papá. Pero la vida me ha dado la oportunidad de poder ser buen abuelo. Vivo con mis cuatro nietas y un nieto. ¿Cómo se llaman las nietas? Matilde es la mayor; tiene 8 años. Hay dos mellicitas, Antonia y Lorenza, que tienen 5. Y hay niño y niña, mellizos, que se llaman Salomón y Alicia, de 4 años. ¿Qué queda de los hijos? Fui muy mal papá. Mis hijas viven acá, una es la que me maneja la plata. Las otras estudian, pero mi vínculo con ellas es más por los nietos que por ellas mismas. Pienso que soy un papá frío, pero con las nietas no lo soy tanto. ¿Cuántas mamás? Son varias mamás, yo nunca viví con mis tres hijas ni con mi hijo. Es ahora de viejo que vivo con ellos. ¿Cada hijo es de una mamá diferente? Las dos de Manizales tienen la misma mamá, pero hay una que es de Pereira y otra de Medellín. ¿Con estas mamás usted se casó? No, no. Yo fui un desastre como marido, es la primera vez que no hago infeliz a ninguna mujer. ¿Y con cuál fue con la que más vivió? Hubo una con la que convivimos casi 10 años intermitentes, pero con ella no tuve hijos. ¿Y qué queda de esa experiencia? Que afortunadamente ya salí de eso, y estoy feliz. Fue una esclavitud muy absurda. ¿La de las mujeres? La del sexo. ¿Es un vicio? Es una vaina instintiva, eso no es un vicio. Es un mandato de la naturaleza, que en mi caso creo que fue demasiado intenso. ¿Usted fue un donjuán? No porque nunca supe bailar y ni tuve el tamaño. Me tocó enamorarlas con esfuerzo y plata. ¿Se habla con ellas? No hay mayores vínculos. Lo único que queda de esas relaciones son mis nietos. El camino entre la cabeza y las manos tiene que ser el corazón, eso dice Fritz Lang en Metrópolis.

No, yo no pienso así. Ahora que estoy viejo y que ya no soy tan arrecho, tengo mucho tiempo para coger el papel y el lápiz y concentrarme mejor. No se imagina el lastre que yo tenía con el tema sexual. Yo no pensaba sino en sexo, y la maravilla de envejecerse es que todavía me gustan mucho las mujeres bonitas, pero para qué...ya no me acuerdo. Usted ha construido obras en guadua en Alemania, Francia, Estados Unidos, Brasil, México, China, Jamaica, Colombia, Panamá, Ecuador, India... Y lleva más de 150 proyectos. Después de todo esto, ¿qué queda por hacer? ¡No tener que viajar más! Estoy mamado de esta viajadera, y cada año me juro no volver a viajar y cada año tengo que hacerlo. Llegué hace una semana de la China. Y ya me voy para la India a hacer un centro cultural en Nueva Delhi. Es un encargo del gobierno y acabo de venir de la China, también por un encargo del gobierno, para hacer un hotel en un complejo que quiere generar una cultura del uso del bambú. ¿En qué ciudad de China? No tengo idea. Yo ya en estos viajes ni miro un mapa, no me importa dónde estoy… ¿Usted es consciente de que en todos esos viajes está sembrando prestigio? Digamos que la primera vez que tengo noción de que tengo prestigio fue hace 15 días en la China, en esta universidad que no me acuerdo cómo se llama ni dónde queda, pero es una universidad importante, el auditorio estaba totalmente lleno para mi conferencia y la gente tenía información de mi trabajo. Me llamó mucho la atención ver un auditorio tan grande y lleno. 83


Digamos que tengo cierto prestigio en China porque un hotel que hice allá se ha vuelto importante. (El Crosswaters Ecolodge & Spa está ubicado en la reserva natural Montaña de Nankun, en la provincia de Guangdong). ¿Y ese hotel cuándo lo construyó? Hace 8 años. Con él me gané un premio muy importante, que no sé cómo se llama, pero por ahí anda. En ese hotel hice mi primera estructura de un puente parecido a uno que hay aquí en la calle 80. Esa obra en China fue pionera en bambú como material estructural permanente. ¿Alguna vez pensó Simón Vélez que su segundo apellido iba a ser "el de la guadua"? Cuando un cliente me dice: “hágame una casa sin guadua”, ¡usted no se imagina la gratitud que le tengo! Eso me pasó con el pintor Carlos Jacanamijoy, y se lo agradezco. Él me dijo: "yo nací en la selva y no quiero ver más raíces ni juncos", y le hice una casa en La Macarena en concreto y acero. Definitivamente, está mamado de la guadua. Estoy mamado de la guadua, pero ya estoy condenado a seguirla usando y hasta me gusta. La guadua es uno de los muchos materiales de construcción y, cuando uno es del trópico, uno tiene que ser biodiverso. Los arquitectos no pueden ser tan mineralistas; la arquitectura colombiana de prestigio, la de Rogelio Salmona y sus seguidores, es solamente concreto y ladrillo. Eso es arquitectura de las cavernas, y el hombre no viene de las cavernas. El hombre es arborícola, y nuestra mano es prensil para poder agarrarnos de las ramas de los árboles. Siempre cuando doy conferencias digo que la arquitectura tiene que ser un poquito más vegetariana. ¿Usted se identifica con la guadua? ¿Las virtudes de la guadua podrían ser sus virtudes? Las culturas orientales siempre tienen una descripción del carácter del ser humano. Ellos dicen que hay que ser resistente y flexible como el bambú. ¿Hay algo de eso en usted? Nunca lo he pensado así porque soy psicorrígido. ¿Qué madera sería usted sino fuera guadua? Sería un guayacán. Sería un guayacán.

Cuándo usted era un arquitecto que nadie conocía, ¿qué era lo más jodido de esa época? Lo mismo de ahora: la parte más complicada del oficio es que a uno le paguen. El problema es que no soy cobrador. Usted es un hombre nacido en una ciudad de pocas reformas arquitectónicas, ¿en ese sentido no tiene un reto con Manizales? Quiero mucho a Manizales y soy de allá. Un prototipo que monté en Alemania, a modo de prueba, se realizó primero en Manizales. Ese pabellón está allá y la gente lo usa para actividades culturales. Lo administra el comité de cafeteros de Caldas. Ahora les diseñé una pequeña torre para observar pájaros. ¿Y con Bogotá qué hacemos? Con 46 años viviendo en la capital, debe tener su propia teoría para salvarla. Es muy sencillo: cualquier policía de tráfico sabe cuál es la solución de Bogotá, que es un metro. Que lo hagan donde les dé la gana porque eso no necesita ningún estudio. Por donde usted diga que tiene que haber una línea de metro, finalmente, hay que hacerla. Esta ciudad es muy lineal; es como hacer una gran herradura, por ejemplo, que conecte a Soacha con Suba, pasando por los cerros. 84


¿Y con la arquitectura qué hay que hacer? Con la arquitectura hay que tener presente que hay terremotos y tenemos una cultura del uso del concreto muy peligrosa. La gente pobre no tiene cómo construir de manera sismorresistente en concreto. ¡Ojo con el abuso del concreto! Tenemos que crear una cultura de autoconstrucción en la que haya una técnica mixta entre madera y cemento. Esta casa es un ejemplo del uso mixto de materiales, de no ser tan carnívoro ni tan vegetariano. Ahora, si uno solo construye con madera, los incendios son peores que los terremotos. Manizales fue toda de madera y se incendió. De su papá y su abuelo, ambos arquitectos, ¿qué aprendió? Mi papá era buen diseñador, lo recuerdo como un buen dibujante. A mi abuelo no lo conocí; más que arquitecto era constructor. Y se hizo muy rico cuando hacía vivienda para pobres. Y creo que era muy perro, no solo hacía las casas, sino que las poblaba.

¿Usted con esa vida creativa ha pensado un final para Simón Vélez? Me gustaría trabajar hasta el último día. ¿Dónde quiere terminar sus últimos días? Aquí en Bogotá. Es que ya no soy manizaleño, soy bogotano, aunque mi mamá, que tiene 86 años y muy buena salud, viva allá. Ella todavía viaja por el mundo y rumbea. ¿Usted quiere vivir muchos años como su mamá? Yo no pienso en eso. Quiero vivir hasta que tenga salud, y les vivo diciendo a mis hijas que cuando me empiece un Alzheimer o alguna vaina de esas me ayuden a morir rápido. ¿Cree en la reencarnación? Los nietos son la reencarnación. La verdadera reencarnación es esa. ¿Cuál es su virtud favorita a los 64 años? Ser buen abuelo. ¿Y su defecto? No ser rico. Pero todavía hay tiempo.

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Se levanta de la mesa y posa por iniciativa del fotógrafo frente al cuadro pintado por Luis Caballero, en donde aparece sentado en una silla como Dios lo trajo al mundo. Cuenta que fueron tres bocetos y tres sesiones largas frente al pintor, pero que él, francamente, no se ve ahí. De pronto se acuerda de algo y va por su iPad para mostrarme una foto de la famosa Martha Stewart en este mismo lugar, en esta misma sala, con una mano tapándole lo que exhibe entre las piernas en el cuadro. Así es Simón.

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La Gota que colmo el vaso “Gotas de Lluvia caen en el copismo o el Apropiacionismo” Por Luis Farías

Al parecer, cada día que pasa, la actividad humana conocida y manipulada bajo el concepto de “Arte”, se esta deslizando a gran velocidad hacia el retrete de la ignorancia, desinformación cultural-Artística, la estafa creadora, la inopia legal y la falta de ética profesional. La vida se hace historia y como tal recopila los hechos y andanzas de los seres humanos. Como decían mis ancestros “ Nada se oculta bajo la luz del sol”, ahora que hemos sido tocados y rebautizados por la “ Diosa Tecnología”, podemos decir que “ Nada se oculta en Internet, sus redes sociales y el nuevo “Dios Comunicador”, llámese Google, Ask, Yahoo, Bing y toda una pléyade de arcángeles comunicadores que transitan en la red o en eso que como humanos, convertimos en nuestra nueva religión y llamamos Nube o “Cloud”. La nueva “Santísima Trinidad” de la fe humana se representa como (El Yo, El comunicador y la “Santísima Nube”), ahora le rezamos a los vivos, no a los muertos. Haciendo un pequeño análisis sobre las bondades de esta novedosa fe en las redes sociales y comunicacionales, me pregunto: ¿En que carajo piensa un individuo, que se cree tocado por la flama de la creación (Estos son los seudo– artistas), al exponer ante sus semejantes, vender, mostrar o presentar; Un proyecto o imagen de algo que conceptualmente ha robado, presentándolo como su creación o ideario propio? Aquí les presentaremos ejemplos con imágenes y textos que implican a “Supuestos Artistas”, acostumbrados a estos menesteres. ¿Podrá Usted encontrar la verdad del creador? “Fragmento de lluvia para Caracas”.– Conjunto de esculturas en metal policromado, autopista Francisco Fajardo de Caracas -

La Gota de Agua - escultura en metal policromado - Centro de convenciones de Vancouver - Canadá - Creación del gru-

“Creación” de Carlos

po alemán Inges

Medina - 2014

Idee - 2009

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Desde hace unas semanas, se están montando frente al Ccct en la autopista Francisco Fajardo, unas estructuras metálicas, que han sido descritas por usuarios en Twitter de varias formas: una brujería, unos espermatozoides…pues no, es una obra del escultor barquisimetano Carlos Medina, titulada “Fragmento de lluvia para Caracas”.- Hoy Ya están montadas todas las gotas del Fragmento de Lluvia para Caracas de Carlos Medina - Mayo 12 de 2014

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"La Gota", escultura del grupo alemรกn Inges Idee, 2009 - Un grupo de cuatro escultores de Alemania y Suiza: Hans Hemmert, Thomas A. Schmidt, Georg Zey, and Axel Lieber. La obra de $800,000 "recuerda los conocidos elementos de Vancouver, agua y lluvia, y es un homenaje al poder de la naturaleza". 94


El grupo Inges Idee de artistas, creadores de “La Gota”, fue fundada en 1992 por Hans Hemmert (* 1960 en Hollstadt), Axel Lieber (* 1960 en Düsseldorf), Thomas A. Schmidt (* 1960 en Nuremberg) y Georg Zey (* 1962 en Limburg an der Lahn) en Berlín.

Inges Idee consta de los artistas Hans Hemmert , Axel Lieber , Thomas A. Schmidt y Georg Zey , que han trabajado de forma conjunta en proyectos para espacios públicos desde que el grupo se fundó en Berlín en 1992. Junto con las obras llevadas a cabo en el grupo, todos los miembros son activos en su propia práctica artística individual. Inges Idee funciona como un colectivo artístico en el espacio público. Por tanto, lo que importa es el desarrollo de una intuición de las posibilidades y características específicas de un sitio y para explorar el efecto de una intervención concreta podría tener. Esto se hace en diálogo con el sitio determinado, que, a diferencia del "cubo blanco"-referencia libre de museos y galerías, no es estático y atemporal, pero sujeto a un constante proceso de cambio. Para comprender adecuadamente un sitio, sus cualidades espaciales, sociales e históricos deben ser examinados. El arte público puede cambiar de un contexto determinado con el fin de abrir la mirada hacia otros aspectos de la realidad. Si esto tiene éxito, entonces el sitio se vuelve más interesante y más rico. El curso acostumbrado de la vida pública se interrumpió por un momento y el espectador tiene la oportunidad de reflexionar sobre algo que él se enfrenta inesperadamente. Esto puede suceder de forma muy directa y no necesita ser de carácter teórico. Esta inmediatez es una experiencia democrática que la ingestión idee trata de poner en práctica. El objetivo es una nueva caracterización del sitio y la relación del espectador a lo que percibe y experiencias allí. Intervenciones artísticas exitosas enriquecen no sólo el sitio en general, sino también a las personas, que pueden experimentarlo como una extensión de su esfera privada.

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Gotas de lluvia cinética en Singapur Si viajas a Singapur este verano seguramente pasarás por el aeropuerto de Changi, la principal puerta de entrada de turistas al país. Si es así no olvides llevarte un paraguas para resguardarte de las gotas de lluvia cique cuelgan del techo de la terminal. Se trata de una transgresora obra firmada por el grupo Inges Idee, conformado por

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Se trata de un ejemplo del llamado

y consiste en 1.216 gotas de bronce capaces de cambiar

escultura salida de la Terminal 1, las gotas de ligero aluminio recubiertas de su broncínea capa, están unidas por un cable de acero a unos motores instalados en el techo, que las coordina y mueve armoniosamente como si de una especie de ballet metálico se tratara. Las gotas se mueven con precisión y en su gracioso baile adquieren diversas formas, ca de 15 minutos das puestas en el techo. Una razón más para usar las instalaciones de Changi, uno de los mejores aeropuertos de Asia sin discusión que año tras año aparece en todas las listas de los mejores aeropuertos del mundo.

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Gigantescas gotas de lluvia en una habitación Urs Fischer

Horses Dream of Horses (Caballos sueñan en

Cada una de las gotas varía ligeramente en forma y algo en tamaño, las gotas más grandes miden 17 x 7 x7

La exposición fue creada en el 2004, y desde entonces ha sido exhibida en distintos museos alrededor del mundo. Horses Dream of Horses, es una de las exposiciones actualmente en exhibición en el Museo de arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA), y estará aquí hasta el 19 de agosto de 2014. Fotografía por Stefan Altenburger. Trabajo por Urs Fischer. Fuente: MOCA.

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Urs Fischer

Horses Dream of Horses (Caballos sueĂąan en caballos) 2004

Carlos Medina,

OrĂ­genes (Fragmentos de lluvia) 2012 100


Urs Fischer

Horses Dream of Horses (Caballos sueĂąan en caballos) 2004

Carlos Medina,

OrĂ­genes (Fragmentos de lluvia) 2012 101


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Arte Contemporรกneo

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Arte Contemporáneo

CURVATARES - serie - # 25 - mixed media on Canvas - 100 x 100 cm.—Arturo Carrión

ARTCLUB magazine - Issue 5 107


5 ARTCLUB magazine - Issue 5 - page 108


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Curvatares by Arturo Carri贸n - 1996 110

Artclub magazine nº 5  

Revista internacional dedicada al arte contemporáneo