INTERSECTIONS | Texture & Surface

INTERSECTIONS

Texture & Surface | 2022

INTERSECTIONS

Texture & Surface 2022

EXPOSITION : 10.03 - 30.04.2022

Bernard Aubertin

Alberto Burri

Pier Paolo Calzolari

Claudine Drai

Sam Francis

Simon Hantaï

Hans Hartung

Yves Klein

Alicia Penalba

Jean-Paul Riopelle

Pierre Soulages

Antoni Tàpies

Bernar Venet

Claude Viallat

“ L’artiste doit tout inventer, ildoitselanceràcorpsperdudans l’inconnu, rejetant tout préjugé, ycomprisl’étudedestechniqueset l’emploidesmatériauxconsidérés comme traditionnels

Tàpies

Couverture / Cover

Pierre Soulages, Peinture 35 x 55 cm, 29 mai 1987, huille sur toile. (détail)

Pierre Soulages, Peinture 35 x 55 cm, 29 mai 1987, oil on canvas. (detail)

© Galerie A&R Fleury © Pierre Soulages

Double-page / Double page ( pp. 4-5 )

Jean Paul Riopelle, Des marais, 1973, huile sur toile. (détail)

Jean Paul Riopelle, Des marais, 1973, oil on canvas. (detail)

© Galerie A&R Fleury © Fondation Riopelle

Page 6/ Page 6

Pier Paolo Calzolari, Untitled, 1989, sel, bois brulé et plomb sur fibre de verre. (détail)

Pier Paolo Calzolari, Untitled, 1989, salt, burnt wood and lead on fibreglass. (detail)

© Galerie A&R Fleury © Pier Paolo Calzolari

Double-page précédente / Previous double page

Antoni Tàpies, Four red crosses, 1962, technique mixte sur toile. (détail)

Antoni Tàpies, Four red crosses, 1962, mixed medium on canvas. (detail)

© Galerie A&R Fleury © Fundació Antoni Tàpies

Double page suivante / Following double page

Vue de l’exposition INTERSECTION | Texture & Surface, in situ à la galerie A&R Fleury.

View of the INTERSECTION | Texture & Surface exhibition, in situ at the Galerie A&R Fleury

© Galerie A&R Fleury

EXPOSITION : 10 . 03 . 2022 / 30 . 04 . 2022

Texture & Surface INTERSECTIONS

INTERSECTIONS | Texture & Surface

Texture et Surface. À leur intersection se concentrent les grandes innovations de la peinture abstraite d’après-guerre. Matériaux atypiques, gestualité expressive, surfaces maltraitées … Rien ne limite les artistes qui ont défini leur singularité en inventant un nouveau langage artistique.

Du 10 mars au 30 avril 2022, la galerie A&R Fleury présente Intersections, une exposition construite comme un dialogue entre les techniques développées par les artistes défendus par la galerie. Elle se concentre sur leurs recherches constantes d’innovations à travers la matérialité, par des effets de texture ou de surface.

Texture and Surface The great innovations of post-war abstract painting are concentrated at their intersection. Atypical materials, expressive gestures, mistreated surfaces, etc. The artists who defined their singularity by inventing a new artistic language knew no limits.

From March 10th to April 30th, 2022, the Galerie A&R Fleury presents Intersections, an exhibition designed as a dialogue between the techniques developed by the gallery’s artists. It focuses on their constant search for innovation through materiality, by means of textural or surface effects.

Ci-contre : détail de l’œuvre 1986/156, 1986, Claude Viallat.

Opposite: detail of 1986/156, 1986, Claude Viallat

© Galerie A&R Fleury

© Claude Viallat

CATALOGUE

Pier Paolo Calzolari est l’un des pionniers de l’emploi de matériaux inhabituels. Il utilise le feu, le froid, les métaux, les végétaux ou le sel, dans le cas de l’œuvre que nous exposons, pour mieux aborder l’idée du temps, du passage, de la transformation. Ses créations laissent entrevoir certaines évolutions des matériaux hétéroclites empruntés à la réalité quotidienne vers un nouvel état de la surface et de la matière. Dans le cas de l’œuvre exposé, Calzolari détourne le sel, associé au bois calciné, pour le faire renaître suivant de nouveaux arrangements.

Pier Paolo Calzolari is one of the pioneers in the use of unusual materials. He used fire, cold, metals, plants or salt, in the case of the piece on display, to better approach the idea of time, of passage, of transformation. His creations reveal certain evolutions of the heterogeneous materials borrowed from everyday reality towards a new state of surface and matter. In the exhibited work, Calzolari used salt, associated with charred wood, and gave it new life according to new arrangements.

Pier Paolo CALZOLARI

( 1943 )

Untitled, 1989

Sel, bois brûlé et plomb sur fibre de verre Salt, burnt wood and lead on fibreglass 140 x 90 x 8 cm | 551/8 x 353/8 x 31/8 in

Œuvres de Claudine Drai exposées sur le stand de la galerie A&R Fleury, Art Paris 2019 © Galerie A&R Fleury © Claudine Drai Works by Claudine Drai exhibited on the booth of the Galerie A&R Fleury, Art Paris 2019

Claudine

DRAI ( 1951 )

Sans titre, 2015

Papier de soie sur toile Silk paper on canvas 80 x 80 x 30 cm | 311/2 x 311/2 x 113/4 in

Claudine Drai crée un univers poétique et sensible à base d’une matière unique, à la texture fragile et délicate, le papier. À partir de ce matériau brut, Claudine Drai réalise des tableaux en reliefs où le blanc pur prédomine : elle le froisse, le plie, le déchire, le colle, et fait naître des silhouettes, des paysages, des mondes où la lumière pénètre et joue de la transparence, un monde qui semble animé de forces spirituelles, une source d’émotions ouverte à la contemplation.

Claudine Drai creates a poetic and sensitive universe based on a unique material, with a fragile and delicate texture: paper. From this raw material, Claudine Drai creates relief paintings where pure white predominates: she crumples it, folds it, tears it, glues it, giving rise to silhouettes, landscapes, and worlds where light penetrates and plays with transparency, worlds that seem animated by spiritual forces, a source of emotions open to contemplation.

L’œuvre de Sam Francis que nous présentons frappe immédiatement par sa puissance chromatique, en opposition à l’espace central laissé blanc. La matière éclatante module l’espace pour créer une fusion entre le fond et les bords. Elle témoigne de l’importance que Sam Francis accorde au vide, dimension clef de son langage pictural. Influencé par la philosophie orientale, à laquelle il s’est initié lors de ses nombreux voyages en Asie, il accorde à ce « vide » une dimension spirituelle.

The work of Sam Francis in this exhibition is immediately striking, thanks to its chromatic power, in opposition to the central space, which is left white. Radiant matter modulates the space to create a fusion between the background and the edges. It bears witness to the importance that Sam Francis attaches to emptiness, a key dimension of his pictorial language. Influenced by Eastern philosophy, to which he was introduced over the course of his many trips to Asia, he gave this “void” a spiritual dimension.

( 1923 - 1994 )

SFP67-20, 1967

Acrylique sur toile

Acrylic on canvas

237.5 x 177.8 cm | 931/2 x 70 in

Chez Simon Hantaï, l’utilisation de la surface est révolutionnaire : plier, nouer, froisser, imbiber de peinture et déplier la toile pour répandre le pigment en formes plus ou moins accidentelles est une nouvelle approche qui lui permet de dépersonnaliser l’acte de peindre. Les surfaces non peintes soulignent les interactions entre le fond, la couleur et la forme.

Simon Hantaï, fidèle à ce procédé, crée l’ultime série des « Tabulas » à laquelle appartient l’œuvre exposée, rare par sa polychromie éclatante.

Simon Hantaï’s use of the surface was revolutionary: folding, knotting, crumpling, soaking and unfolding the canvas to spread the pigment in more or less accidental shapes was a new approach which enabled him to depersonalise the act of painting. Unpainted surfaces emphasise the interactions between background, colour and form. Faithful to this process, Simon Hantaï created the final series of “Tabulas” to which the exhibited work, a rare example of brilliant polychromy, belongs.

Simon HANTAÏ

( 1922 - 2008 )

Tabula, 1980

Acrylique sur toile marouflée sur toile

Acrylic on canvas mounted on canvas 149,5 x 117 cm | 587/8 x 461/8 in

Atelier d’Hans Hartung, Antibes. © Galerie A&R Fleury © Fondation Hartung Bergman Hans Hartung's studio, Antibes. © Galerie A&R Fleury © Fondation Hartung Bergman

Hans Hartung a consacré sa vie d’artiste à la recherche de nouveaux médiums, outils et techniques qui, au fil du temps, lui ont permis de traduire sa vision de la vitesse et du geste. De 1980 à 1986, il utilise des branches cueillies sur les oliviers et les genêts de son jardin qu’il réunit comme une brosse à balai. Le processus créatif suit un déroulé précis. Le tableau est préalablement recouvert d’une première couche de peinture colorée, appliquée de manière uniforme, atmosphérique, ou pulvérisée pour créer des nuances de matière. Hartung plonge les branches dans un pot de peinture noire, profonde et intense, l’une de ses couleurs préférées, puis vient frapper, écorcher, ou lacérer la surface de la toile.

Hans Hartung devoted his life as an artist to the search for new media, tools and techniques that, over time, enabled him to translate his vision of speed and gestures. From 1980 to 1986, he used branches picked from the olive trees and broom shrubs in his garden to make paintbrush-brooms. The creative process followed a precise sequence. The painting was covered with a first layer of coloured paint, applied uniformly and atmospherically, or sprayed to create nuances of matter. Hartung then plunged the branches into a pot of deep, intense black paint, one of his favourite colours, before striking, grazing, or lacerating the surface of the canvas.

Hans HARTUNG

( 1904 - 1989 )

T1983-H41, 1983

Acrylique sur toile

Acrylic on canvas

100 x 73 cm | 393/8 x 283/4 in

Dépassant la matérialité de l’œuvre d’art, Yves Klein s’aventure dans l’expérience de la monochromie, ouvrant le champ des possibles à l’infini. Klein crée le bleu IKB ( International Klein Blue ) et marque les mémoires par sa pratique monochrome. Il peint au rouleau cette couleur unie sans pathos sur une surface qui devient, ditil : « la plus parfaite expression du bleu ». À l’intersection de la texture du pigment et de la surface naît l’expression de la sensibilité plutôt que de la forme.

Going beyond the materiality of the work of art, Yves Klein experimented with the monochrome, opening up a realm of infinite possibilities. Klein created IKB (International Klein Blue) and made a lasting impression with his monochrome practice. He used a roller to paint this plain colour, devoid of pathos, on a surface which became, as he said, «the most perfect expression of blue.» The intersection of the texture of the pigment and the surface gives rise to the expression of sensitivity rather than of form.

Yves KLEIN

( 1928 - 1962 )

Monochrome bleu, IKB 280, 1957

Pigment sec, résine synthétique sur bois Dry pigment and synthetic resin on wood 18 x 12 cm | 71/8 x 43/4 in

L’huile sur toile de Pierre Soulages que nous avons sélectionnée est l’une des premières œuvres où l’Outrenoir est associé au bleu dans l’objectif d’intensifier la réflexion de la lumière. Au travers d’un large vocabulaire de matérialité - aplats, striures, rayures, reliefs - Soulages structure un espace à la dimension indéniablement sculpturale. Ce jeu de textures et de couleurs entre les différentes zones de la toile a pour objectif la transmutation de la lumière par le noir.

The selected oil on canvas by Pierre Soulages is one of the first works where the Outrenoir is associated with blue in order to intensify the reflection of light. By means of an extensive vocabulary of materiality – flat planes, streaks, stripes, reliefs - Soulages structured spaces with undeniably sculptural dimensions. This interplay of textures and colours between the different areas of the canvas creates a transmutation of light by means of black.

Pierre SOULAGES

( 1919 )

Peinture 35 x 55 cm, 29 mai 1987

Huile sur toile

Oil on canvas

35 x 55 cm | 13 3/4 x 215/8 in

Pour Antoni Tàpies, l’œuvre est un « champ de bataille où les blessures se multiplient à l’infini ». Four Red Crosses de 1962 est certainement l’œuvre la plus significative de l’exposition par ses effets de texture obtenus en griffant, entaillant et marquant profondément les matériaux bruts recouvrant la surface de la toile. Elle s’inscrit dans ses compositions matiéristes des années 1960, marquées d’idéogrammes, d’une croix ou d’un «T», pouvant être perçus comme une signature. L’art de Tàpies explore un langage qui témoigne de la présence des mondes physiques et métaphysiques.

or Antoni Tàpies, the artwork is a “battlefield where wounds multiply to infinity.” Four Red Crosses from 1962 is certainly the most significant work of the exhibition, thanks to its textural effects obtained by scratching, notching and deeply marking the raw materials covering the surface of the canvas. It is part of his Matterist compositions, created in the 1960s, marked with ideograms, a cross or a “T,” which can be read as a signature. Tàpies’ art explores a language that bears witness to the presence of the physical and metaphysical worlds.

Antoni TÀPIES

( 1923 - 2012 )

Four Red Crosses, 1962

Technique mixte sur toile

Mixed media on canvas

62 x 51 cm | 243/8 x 201/8 in

Venet exécute ses premières œuvres au tout début des années 1960 : des coulures de goudron, comme les deux œuvres que nous présentons, qui annoncent déjà le refus du médium traditionnel et le goût pour les matières sobres, sombres et monochromes. Dans toute son évolution, la force de la matière se conjugue à l’élégance du trait et tel qu’il le conçoit, « l’activité sur le matériau est en soi un acte artistique. »

Venet created his first artworks at the very beginning of the 1960s: tar drips, like the two works on display, which already announced his rejection of traditional media and his taste for dark, sober, and monochromatic materials. Throughout his body of work, the strength of matter is combined with the elegance of the line. As he conceives it, «acting on matter is an artistic act in itself.»

Bernar VENET

( 1941 )

Goudron, 1961

Goudron sur carton fin

Tar on thin cardboard

14,5 x 9 cm | 53/4 x 31/2 in

Catalogue publié par la galerie A&R Fleury à l’occasion de l’exposition Catalogue published by the Galerie A&R Fleury for the exhibition

INTERSECTIONS

TEXTURE & SURFACE

10 mars - 30 avril 2022 / March 10th - April 30th, 2022

Remerciements / Acknowledgements

Nous tenons à exprimer nos sincères remerciements aux collectionneurs qui ont contribué à cette exposition, à nos amis et confrères pour leur confiance.

Nous remercions également Jessica Bargman, Juliet Powys, ainsi que tous ceux qui ont participé au bon déroulement de cet évènement.

We would like to express our sincerest thanks to the collectors who contributed to this exhibition, to our friends and colleagues for their trust.

We would also like to thank Jessica Bargman, Juliet Powys, and all those who contributed to the organisation of this event.

Droits / Rights

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Crédits / Credits

Édition / Publishing

Les éditions Kimara

Coordination et mise en page du catalogue Catalogue coordination and layout

Galerie A&R Fleury

Copyrights pour les visuels des œuvres

Copyrights for artwork visuals

© Thomas Hennocque

© Erik Lasalle © Galerie A&R Fleury

Copyrights pour les visuels des artistes et vues d’ateliers

Copyrights for artists’ visuals and studio views © Fondazione Palazzo Albizzini « Collezione Burri », Città di Castello - by SIAE 2021 © Fondation Hartung Bergman

© Archives Simon Hantaï / Adagp © Claudine Drai

Texte / Text

Galerie A&R FLEURY

Impression / Printing

Bruno Cigoï

Traduction / Translation

Juliet Powys

© Galerie A&R Fleury, 2022 © Adagp, Paris, 2022