ARTE GRIEGO
1 HISTORIA DEL ARTE 2º DE BACHILLERATO
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ARTE GRIEGO 1.- CONTEXTO HISTÓRICO DE GRECIA EN LA ANTIGUEDAD 1.1.-LOCALIZACIÓN GEOGRÁFICA 1.2.-ORGANIZACIÓN TERRITORIAL 1.3.-PERÍODOS HISTÓRICOS 1.4.-LA SOCIEDAD 1.5.-ECONOMÍA 1.6.-RELIGIÓN
2.- CULTURA Y ARTE EN LA ANTIGUA GRECIA 3.- ARQUITECTURA 3.1.-LOS ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS. 3.2.-EL TEMPLO 3.3.-LA ACRÓPOLIS DE ATENAS
4.- ESCULTURA 4.1.-ETAPAS 4.2.-CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA GRIEGA 4.2.1.-PERIODO ARCAICO (s. VIII-VI a.C.) 4.2.2.-PERÍODO DE TRANSICIÓN DEL ARCAISMO AL CLASICISMO 4.2.3.-PERIODO CLASICO (S. V-IV a.C.) 4.2.4.-PERÍODO HELENÍSTICO (S. III-II a.C.)
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1.-CONTEXTO HISTÓRICO DE GRECIA EN LA ANTIGUEDAD 1.1.-LOCALIZACIÓN GEOGRÁFICA La civilización Griega, localizada en la península de los Balcanes, fue una floreciente cultura que tuvo su origen unos 3.000 años a.C. y llegó a su pleno apogeo en la ciudadestado de Atenas, durante el siglo V a.C., donde además de haber logrado una sistema de gobierno democrático, se gestó un floreciente desarrollo cultural, que sentó una de las bases de la civilización occidental. RASGOS GEOGRÁFICOS: - superficie montañosa que dificulta las comunicaciones. - Proximidad al mar (entre el mar Egeo y el Jónico) que hizo de Grecia un pueblo marítimo y comercial.
1.2.-ORGANIZACIÓN TERRITORIAL Grecia estaba formada por una serie de ciudades estado independientes, -las polisLas dos polis más importantes fueron Atenas y Esparta. La polis es una comunidad jurídicamente autónoma y soberana de carácter agrario, dotada de un lugar central que actúa como núcleo económico, político, social, administrativo y religioso.
1.3.-PERÍODOS HISTÓRICOS La civilización griega tiene su origen en las culturas cretense y micénica. Hacia el 2700 a.C. se desarrolló en la isla de Creta una rica y floreciente cultura comercial perteneciente a la Edad del Bronce. Esta cultura recibe el nombre de minoica o cretense. En torno al año 1600 a.C., los aqueos, un pueblo de habla griega y de origen indoeuropeo, irrumpieron en el territorio de la Grecia continental, estableciéndose en el extremo noreste de la península del Peloponeso. Este pueblo llegó a dominar a los cretenses. Su ciudad más importante fue Micenas. Con ellos se crea la cultura micénica.
EDAD OSCURA Hacia el año 1200 a.C., otro pueblo de origen griego, los dorios, que utilizaban armas de hierro, se apoderaron de Grecia derrotando a los micénicos. Esparta y Corinto se transformaron en las principales ciudades dóricas. Con los dorios empezó un período de retroceso cultural que se conoce con el nombre de Edad oscura.
PERÍODO ARCAICO (s. VIII-VI a.C.) En este período Grecia desarrolló y culminó una gran recuperación política, económica y cultural. A comienzos de la época arcaica (siglo VIII a. C.). La recuperación fue posible gracias a la organización en ciudades Estado (polis) y a la fundación de colonias en las costas mediterráneas. Estas colonias fueron uno de los factores del desarrollo económico de Grecia en este período. SISTEMAS POLÍTICOS: primero, MONARQUÍA y más tarde la OLIGARQUÍA.
PERÍODO CLÁSICO (siglos V y IV a. C) 3 HISTORIA DEL ARTE 2º DE BACHILLERATO
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Período clásico: siglos V y IV a.C. corresponden al apogeo de las grandes ciudades estado independientes, entre las que destacan las polis de Atenas y Esparta. Esparta cuido por encima de todo su poderío militar descuidando el arte y las actividades económicas, redujeron a los vencidos a la esclavitud. La guerra era el único móvil de la educación, Esparta quiso imponer su fuerza desde un principio. Los ciudadanos espartanos gozaban de enormes privilegios sobre los indígenas sometidos. Estaban gobernados por reyes de familias diferentes, que se transmitían el cargo por herencia, la monarquía se mantuvo en Esparta hasta la total decadencia de la polis. Atenas, careciendo de militarismo se convirtió en el motor del mundo griego. Desarrolló el modelo más perfeccionado de democracia limitada y sentó las bases de la sociedad Occidental. Sus habitantes proclamaron la independencia, la libertad y la igualdad. Llegó a su máximo apogeo con Pericles (siglo V a. C.). Este periodo es denominado “Siglo de Pericles” en honor al gobernante que llevó a Atenas a su máximo esplendor. El desarrollo de objetivos culturales comunes a todas las ciudades helénicas y la lengua griega fueron factores que dieron cierta cohesión a la antigua Grecia a pesar de la división política existente. Durante el mandato de Pericles se construyeron el Partenón, el Erecteion y otros grandes edificios. En la Atenas de Pericles destacaron filósofos, historiadores, las actividades teatrales, etc, que hicieron de la ciudad un centro artístico y cultural sin rival.
PERÍODO HELENÍSTICO (s. III-II a.C.) MONARQUÍA establecida por el rey Filipo II de Macedonia que conquistó Grecia y convirtió su reino en la nueva potencia de la Hélade. Tras la muerte de Filipo II, su hijo Alejandro Magno, conquistó Persia y dirigió sus ejércitos hacia Egipto y la India, formando un gran imperio.
1.4.-LA SOCIEDAD Gran desigualdad social. En las ciudades-estado clásicas la primera distinción social se establece entre hombres libres y esclavos. <entre los hombres libres se distinguen una minoría: los ciudadanos. La mayoría estaba compuesta por los no ciudadanos «metecos» (extranjeros)-, los esclavos y las mujeres.
1.5.-ECONOMÍA La base económica era la agricultura siendo la propiedad de la tierra la base del poder. pero la insuficiente producción agrícola obliga a buscar alternativas económicas que surgen con las colonias. Se desarrolló también el comercio y la artesanía. Se avanza en la construcción de naves y en la navegación La agricultura se completaba con la ganadería. Actividades depredadoras (caza, recolección, pesca) Conocían la metalurgia y las minas proporcionaron las materias primas con las que comercian. Eran excelentes orfebres y fabricantes de armas, La cerámica era muy importante para el transporte y el almacenamiento.
1.6.-RELIGIÓN La civilización griega creó un sistema mitológico que, asimilado y transmitido por el Imperio Romano a todo occidente, ha ejercido una gran influencia en el arte y la cultura occidentales. La religión griega, de carácter politeísta, se distingue por su antropomorfismo o representación de los dioses bajo aspecto humano. Para complacer a
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la divinidad y gozar de su protección, griegos y romanos ofrecían a los dioses sacrificios de animales y productos del campo. Entre los santuarios destaca el Santuario de Delfos fue el mayor y más respetado. En torno a la religión, los griegos también tenían cuatro festivales nacionales, llamados juegos (los olímpicos, los ístmicos, los pitios y nemeos). Los Juegos Olímpicos eran tan importantes que muchos griegos remontan sus cálculos históricos a la Primera Olimpiada (el periodo de cuatro años entre la celebración de los Juegos Olímpicos) celebrada en el año 776 a. C. LOS PRINCIPALES DIOSES DEL PANTEÓN GRIEGO, que los romanos asimilaron muy pronto al entrar en contacto con la cultura griega, son los siguientes
EL PANTEÓN GRECORROMANO Nombre griego Nombre latino Identidad y atribuciones ZEUS
JÚPITER
HERA
JUNO
ATENEA
MINERVA
APOLO
APOLO
ÁRTEMIS
DIANA
HERMES
MERCURIO
HEFESTO
VULCANO
ARES
MARTE
AFRODITA
VENUS
DEMÉTER
CERES
POSIDÓN
NEPTUNO
HADES
PLUTÓN
HESTIA
VESTA
PERSÉFONE
PROSÉRPINA
DIONISO
BACO
Poder supremo sobre los dioses y los hombres. Esposa de Zeus. Cuida los matrimonios. Diosa de la sabiduría, artes y oficios, y de la victoria en la guerra. Hermano gemelo de Artemis. Dios de la belleza física y las bellas artes. Diosa de la castidad y la caza. Mensajero de los dioses. Dios del comercio y la elocuencia. Esposo de Afrodita. Dios del fuego y los metales. Amante de Afrodita. Dios de la guerra. Diosa del amor y la belleza. Diosa de la agricultura, la fecundidad y el amor maternal. Dios del mar y los terremotos Dios del reino de los muertos. Diosa del hogar. Hija de Deméter y esposa de Hades. Diosa de la muerte y la renovación. Dios del vino y del desenfreno.
Símbolos Águila, cetro y rayo. Pavo real y diadema. Lechuza, olivo casco y escudo. Lira, flechas, laurel y sol. Arco, carcaj y luna creciente. Sandalias, sombrero alado y caduceo. Martillo, tenazas y yunque. Casco y armas. Concha, paloma y manzana. Espigas de trigo y hoz. Tridente y caballo. Can Cerbero y trono. Llama. Plantas. Viñas, tirso y pantera.
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2.-CULTURA Y ARTE EN LA ANTIGUA GRECIA Se inicia en el s. VIII a.C., alcanza su apogeo en el s. V a.C. y decae en el s. II a.C. por la conquista romana. Su cultura se halla en la base de la cultura occidental. De ellos arranca la fijación de conceptos y principios que fundamentan el arte, la filosofía y el saber general posterior. El arte griego es una síntesis de elementos orientales (persas), como las columnas estriadas, y egipcios (vía Creta), como la columna dórica o la postura de las primeras estatuas (Kuroi). En su evolución, a lo largo de los siglos, sigue un camino que lo conduce de lo táctil a lo visual, de un arte duro y rígido (el de la época arcaica) cercano al egipcio, a otro "blando" en el que la principal preocupación de los artistas es la corrección óptica y el efecto que la obra produce en el espectador. El arte griego intenta representar la realidad no como es, o como creemos que es, sino como parece ser; como la vemos, es un arte que se dirige tanto a la razón como a los sentidos. Supone una renovación conceptual respecto a las artes anteriores pues para los griegos, al contrario de lo que ocurría en los pueblos de Egipto y Mesopotamia, lo más importante es el hombre. Grecia lo pone como centro de todas las cosas y tratará de comprender y analizar racionalmente el mundo que le rodea. En las culturas anteriores el centro del mundo eran los dioses (culturas teocéntricas), pero ahora los griegos conciben a los dioses con todos los defectos y virtudes humanas, los humanizan. Esta cultura antropocéntrica, humanista se refleja en el arte porque para el arte griego la principal preocupación es crear un arte a la medida del hombre. De ahí su interés por la proporción, el predominio de lo racional y el amor por la belleza entendida como suprema armonía entre las cosas. Buscan la belleza del conjunto. Esto nos demuestra que aparece por primera vez la conciencia de la obra del arte, es decir, que el hombre griego hacía una pintura, escultura o arquitectura sabiendo que estaba creando arte, aparece, por tanto, por primera vez la estética. El conocimiento de las partes y su relación con el todo está en la raíz de la belleza y de la virtud para los helenos. La belleza se define intelectualmente como la armonía de las partes en el todo. Estas ideas se plasman en la arquitectura y en la escultura con la aplicación de los conceptos de orden arquitectónico y canon de belleza, en ambos casos la armonía, la belleza, se entiende como la proporción numérica entre las partes (de un edificio o del cuerpo) con el todo.
3.-ARQUITECTURA Deriva de las construcciones en madera que traen los dorios y que es pasada enseguida por los griegos a la piedra. -Material: utilizan la piedra y entre sus variedades, el mármol, materiales nobles. -Elementos sustentantes: Como soportes utilizan los muros y columnas. -Elementos sustentados: Utilizan como cubierta el arquitrabe, no usaron el arco ni la bóveda porque buscaban la utilización de un sistema único de construcción y que éste fuera sencillo Como reflejo de su cultura antropocéntrica, las construcciones están hechas a la medida del hombre. Los arquitectos buscan ante todo la belleza, los valores plásticos da los edificios dentro de un conjunto. Para ello realizan un estudio racional y matemático de las proporciones, todo está calculado matemáticamente para que el hombre se sienta en su marco y no empequeñecido como ocurría en las colosales construcciones orientales, Por tanto, el colosalismo oriental y su lujosa y fantástica decoración desaparecen.
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Además estudian su funcionalidad, su relación con la topografía, las perspectiva, su relación con los demás edificios. El resultado es la creación de edificios de gran belleza, serena y perfecta, conseguida por la armonía, proporción y equilibrio entre las partes del edificio y el conjunto, entre el edificio y el hombre, entre el edificio y todos los demás que le rodean y entre el edificio y la naturaleza. De esta forma las ciudades no son resultado de una yuxtaposición de edificios sino que tienen un orden deliberado preconcebido, y así, satisfacen las funciones múltiples que tienen por ser ciudades-estado (polis). La arquitectura griega es, en buena medida, de carácter religioso y se desarrolla básicamente en torno a los santuarios. Entre los numerosos conjuntos arquitectónicos existentes destacan los santuarios de Olimpia y Delfos y la Acrópolis de Atenas. En ellos se encuentran los templos más representativos del arte griego en cualquiera de sus etapas. Las construcciones más antiguas de Grecia, correspondientes al siglo X a.C. se han excavado en Tirinto, Thermos y Samos donde se puede apreciar la evolución del templo griego desde el megarón prehelénico. En la época arcaica, a partir de comienzos del siglo VII a.C. la piedra sustituye a la madera y al adobe como materiales de construcción, diferenciándose claramente, ya desde entonces, los distintos órdenes en sus rasgos básicos. Ya entrado el siglo V a.C., se desarrolla el período Clásico (450-405 a.C.) en el que se levantan los edificios más representativos, sobre todo los de la Acrópolis de Atenas Entre ellos el más grandioso es el Partenón, templo dórico construido entre el 447 y el 438 a. C. por los arquitectos Actinios y Calícrates bajo la supervisión de Fidias. El Erecteión, de orden jónico, con la famosa Tribuna de las cariátides, y el templo de la Victoria áptera o Atenea Niké. Además existen otras construcciones del período clásico, situados fuera de la Acrópolis de Atenas. Son, por ejemplo, la Linterna de Lisícrates, primer modelo de orden corintio, pequeño monumento de planta circular levantado como recuerdo de un certamen poético ganado por Lisícrates, y el Teatro de Epidauro, uno de los mejores ejemplos de teatro griego. Durante el período helenístico las construcciones griegas se difunden por Pérgamo, Mileto, Rodas y Alejandría donde se crean grandes edificios de carácter civil, como el Faro de Alejandría, otros de finalidad religiosa o funeraria, como el Altar de Zeus en Pérgamo y el Mausoleo de Halicarnaso dedicado a conservar los restos funerarios de Mausolo, sátrapa de Caria. En Atenas, en este momento, se levantó el grandioso Templo de Zeus Olímpico. Les interesaba más el aspecto estético que el constructivo y, de hecho, el edificio está más trabajado en el exterior que en el interior; así, el edificio habría que considerarlo más una gran escultura hecha para verse desde fuera que un espacio interior arquitectónico. A su vez el edificio tendrá unas dimensiones a escala humana, evitando las enormes moles de civilizaciones antiguas, acordes al humanismo imperante en su cultura. Los edificios que más llaman la atención de la cultura griega por su abundancia y originalidad son el templo y el teatro. Éste último es un edificio que aparece por primera vez en la historia de la humanidad para acoger al público y a los actores que representan escenas dramáticas Los templos no fueron los únicos edificios públicos conocidos existieron espacios dedicados al deporte y a los espectáculos, como estadios, salas de conciertos. La vida cotidiana de los griegos se centraba en el mercado, plaza pública -el ágora-, donde se adosaron baños, patios y columnatas. Fueron importantes las construcciones funerarias, los cementerios públicos y privados. Y no olvidemos que la sociedad griega no se caracterizó por su pacifismo, evidentemente, aparecieron las fortificaciones, cuyo desarrollo dio paso a una ciencia la poliorcética.
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3.1.-LOS ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS GRIEGOS En la arquitectura, debido al espíritu matemático y racional del hombre griego, los elementos sustentantes y sustentados se han codificado dando lugar a 3 órdenes arquitectónicos: dórico, jónico y corintio, que son 3 soluciones artísticas distintas al problema de sostener una cubierta sobre columnas. Por tanto el sistema constructivo se ajusta a unas reglas que fijan la forma, tamaño y decoración de las partes del edificio. Cada uno de ellos tiene para los arquitectos griegos un “carácter” diferente y casi diríamos que un “sexo”. El dórico, recio, sin basa y sin adornos, es un orden masculino y será necesario emplearlo si, por ejemplo, queremos levantar un templo a Zeus o Poseidón. El jónico y el corintio, por el contrario, más esbeltos y decorativos, son órdenes femeninos adecuados para templos dedicados a divinidades femeninas.
ORDEN DORICO Recibe este nombre por haberse formado entre las tribus dorias asentadas en el Peloponeso en el s. VII a. de Cristo. Se caracteriza por ser robusto y sencillo. Consta de:
A- BASAMENTO Llamado 'krepis" consiste en una especie de plataforma con gradas en todos sus lados llamadas "estereobatos" y la superior "estilobato". Tiene su origen en las construcciones de madera, servía para aislar la madera de la humedad de la tierra.
B- ELEMENTO SUSTENTANTE: LA COLUMNA Arranca del basamento. No tiene basa, solo fuste y capitel. - Fuste: se apoya directamente en el basamento. Es acanalado con estrías de arista viva, que subrayan la verticalidad del edificio. Esta verticalidad no es absoluta, pues, es más ancho en su parte inferior que en la superior. Este ensanchamiento recibe el nombre de “éntasis”. - Capitel: colocado encima del fuste. Entre estos dos elementos, el collarino, serie de molduras convexas sobre las que descansa el capitel. Está formado por: -Equino: pieza redondeada y convexa, en forma de almohadilla. -Abaco: pieza cuadrangular, encima del equino que recibe directamente la carga.
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C- ELEMENTO SOSTENIDO: EL ENTABLAMENTO Es el gran elemento horizontal sostenido por las columnas. Formado por: Arquitrabe: un listón de piedra que descansa sobre el ábaco. Es liso, sin ningún tipo de decoración. Es un recuerdo de las antiguas vigas transversales de las construcciones de madera. Friso: es un recuerdo de las vigas longitudinales de las construcciones en madera. Está dividido en dos partes. -Triglifos: son un recuerdo de las cabezas de las vigas longitudinales decorados con bandas. -Metopas: espacios vacíos entre triglifo y triglifo, recubiertos con placas, que en un principio se decoraron con pinturas y más tarde con esculturas. Cornisa: parte más elevada del entablamento, saliente que protege las fachadas. Formada por: -Géison: alero. -Sima: moldura saliente y delgada. D- CUBIERTA Sobre el entablamento se coloca una techumbre a dos vertientes. Entre la línea horizontal de la cornisa y el ángulo que forma el tejado: -EL FRONTÓN, un plano triangular debido a la cubierta a dos aguas. Este elemento culmina y da armonía con su forma al conjunto de líneas verticales y horizontales de las columnas y el entablamento. El espacio interior recibe el nombre de TIMPANO, lugar más importante de la decoración. Se decora con esculturas. Los vértices del frontón están decorados con figuras que reciben el nombre de acróteras. Para ocultar el extremo de cada hilera de tejas se coloca un elemento decorativo en vertical al borde del alero del tejado, recibe el nombre de antefija
ÓRDENES CLÁSICOS
JÓNICO DÓRICO CORINTIO
ORDEN DÓRICO Proveniente de los dorios, es el orden más simple y geométrico de los tres. El pedestal es el propio estilobato y la columna carece de basa. (Todas las columnas se componen de basa, fuste y capitel). Su fuste es estriado en arista viva y en sentido longitudinal. El capitel está formado por una moldura fina o collarino que sirve de transición entre fuste y capitel, un
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núcleo curvo en forma de plato llamado equino y sobre él un prisma cuadrangular llamado ábaco. El entablamento dórico empieza por el arquitrabe, una gran pieza lisa que descansa sobre el ábaco. Encima va el friso, separado del arquitrabe por una cinta o tenia. El friso consta de triglifos, dos estrías en el centro y dos medias estrías en los lados, y metopas, placas cuadrangulares alternadas entre los triglifos y que solían ir adornadas con relieves. Más arriba está la cornisa compuesta por dos cuerpos, un alero liso o goterón y una moldura lisa o cimacio.
ORDEN JONICO Nace más tarde que el dórico, en el s. VI a. de Cristo. Su nombre deriva de los jonios asentados en Asia Menor que fueron los primeros en utilizarlo. Se caracteriza por ser más ligero y esbelto que el dórico. En el desaparecen los recuerdos de las construcciones en madera. Consta de: A- BASAMENTO: igual al dórico. B- COLUMNA: consta de basa, fuste y capitel. - Basa: adornada con molduras: una cóncava -escocia- y dos convexas -toro- Fuste: más esbelto que el dórico, sin éntasis y con estrías de arista muerta. - Capitel: formado por "volutas" molduras en forma de espiral, rodean el equino que va decorado. Encima el ábaco, de menores proporciones que en el orden dórico, también va decorado. C- ENTABLAMENTO: formado por. - Arquitrabe: dividido en tres planos que reciben el nombre de "fasciae" - Friso: es continuo sin metopas ni triglifos, decorado con relieves escultóricos. - Cornisa: igual al dórico. A veces aparece decorada con figuras geométricas. EJEMPLOS DE ORDEN JÓNICO: Templo de la Victoria Áptera y El Erecteión. D-CUBIERTA: igual al dórico.
ORDEN CORINTIO No aparece hasta el s. V a. C Debe su nombre el escultor Calímaco de Corinto, al que se le considera su inventor. Origen legendario. Es el mas lujoso y rico de los tres órdenes. También el más ligero. En realidad es una variedad del orden jónico. Se diferencia de él en el capitel de las columnas, éste está formado por hojas de acanto estilizadas, dando la impresión de ser una canastilla de hojas. Entre ellas brotan unos tallos que se enroscan en los extremos formando pequeñas espirales llamadas ”caulículos". Este orden se utilizó sobre todo en la época helenística. Los órdenes arquitectónicos griegos fueron recogidos por estilos artísticos posteriores: Romano, Renacimiento y Neoclásico. Ej. Linterna de Lisícrates (Atenas)
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3.2.-EL TEMPLO La historia de la arquitectura es ante todo la historia de las concepciones espaciales. El juicio arquitectónico es fundamentalmente un juicio acerca del espacio interno de los edificios...dicho esto si consideramos a la arquitectura griega como una concepción interior del espacio, esta tendría un papel secundario en la Historia, sobre todo porque el templo griego está hecho para ser visto desde fuera. Se trata de una arquitectura concebida como volumen externo. A pesar de ello la arquitectura griega ofrece creaciones formidables, sin olvidar la influencia que los órdenes que crearon ejercerá posteriormente. Aunque en el periodo geométrico existen las primeras edificaciones religiosas de madera y adobe, es a partir del s. VII cuando se generaliza la construcción del edificio más representativo “el templo”. CARACTERISTICAS GENERALES: Es el edificio principal de la arquitectura griega. Esta concebido como la casa del “dios” al que está dedicado y de sus tesoros. No esta pensado para realizar reuniones colectivas de fieles, por eso es, generalmente, de proporciones reducidas. Las grandes ESTILOBATO ceremonias religiosas se realizaban delante del templo. Allí estaba el altar para los OPISTODOMOS NAOS PRONAOS sacrificios de animales. Las grandes puertas del templo permanecían abiertas mientras duraban las ceremonias para simbolizar que el dios ESTEREOBATO contemplaba desde su estancia los festejos que se realizaban en su honor. Los griegos podían entrar en él, pero sólo lo hacían para orar individualmente y ofrecer a su dios exvotos y ofrendas. El templo griego deriva del “Megarón” de los palacios micénicos. A éste se le añadieron otros elementos añadidos por los dorios. Al principio se hicieron de madera pero muy pronto empezaron a utilizar el mármol y la piedra. -El templo griego se define por su armonía constructiva, donde el número, la proporción y equilibrio son los ideales que se intentan alcanzar. -Para armonizar los elementos surgen los tres órdenes clásicos (jónico, dórico y corintio). Estos son soluciones armónicas que marcan el módulo de proporcionalidad y la evolución de la arquitectura. -Una obsesión de la arquitectura griega es la perfección técnica de sus obras, manifestada en el perfecto acabado de sus muros, ajustados sin argamasa. La construcción tiene en cuenta además una serie de efectos ópticos, con el fin de alcanzar un encuadramiento de la obra en su conjunto igualmente perfecto (se arquean ligeramente hacia abajo tanto los arquitrabes como el estilóbato, ya que el ojo humano tiende a combar ligeramente las líneas horizontales hacia arriba). -Los primeros templos eran de ladrillo, madera o adobe, más tarde se generalizó el mármol blanco. -La concepción del templo gira en torno a la figura del sacerdote, que era el único que penetraba en su interior.
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PARTES DEL TEMPLO: Destacan los siguientes aspectos formales: -Planta rectangular y uniforme poco evolucionada en el tiempo. Excepcionalmente aparece una planta circular, como el templo de Apolo en Delfos de dibujo circular ( monóptero). -El templo se localiza en un lugar aislado al que se accede por unas puertas monumentales (Propileos) EL INTERIOR se divide en tres salas: A -Pronaos: Primera estancia. Vestíbulo de entrada en la fachada principal desde el que se accede a la naos B -Naos o cella: Sala principal donde se venera la divinidad. Allí estaba colocada la estatua de la divinidad a la que estaba dedicado el templo. Puede estar dividido en naves por columnas. El único vano que tiene es la puerta de entrada. Así se crea en la estancia un espacio cerrado y poco iluminado, condiciones propicias para crear un ambiente recogido y misterioso. C -Opistodomos: Estancia trasera hace las veces de pórtico opuesto a la pronaos. Atrio simétrico a la pronaos. Es posible que fuera un depósito para guardar los tesoros del templo.
TIPOS DE PLANTAS: El templo en el exterior tiene una estructura formada por columnas. Según dónde estén situadas y el número de las mismas en la fachada, pueden clasificarse en diferentes tipos: -In Antis: Presenta dos columnas en la fachada principal, entre las “antas” (pilastras que rematan y refuerzan la prolongación de los muros de la naos). -Próstilo: Sólo presenta columnas en la fachada principal, y los muros laterales no se prolongan. Las columnas forman un pórtico. -Anfipróstilo: Con columnas en los dos frentes, formando sendos pórticos. -Períptero: Cuando la columnata rodea todo el templo formando un peristilo. -Díptero: Cuando la columnata rodea todo el templo en doble fila de columnas. -Pseudoperíptero: con una fila de columnas alrededor pero adosadas al muro de la naos, por tanto sin peristilo. Por otro lado, según el número de columnas que contenga la fachada del edificio podremos hablar de templos -Dístilos (2) -Tetrástilos (4) -Hexástilos (6) -Octáctilos (8)
-Decástilos (10) 3.3.-LA ACRÓPOLIS DE ATENAS La Acrópolis de Atenas se sitúa sobre una colina, donde anteriormente se encontraba un palacio micénico. En ella se levantan el Partenón, el Erecteion, los Propíleos, el templo de Atenea Niké. Además, también se encontraban algunas de las más célebres estatuas del arte griego como
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Atenea Lemnia y Atenea Promacos, realizadas por Fidias. Anualmente se celebraban las llamadas fiestas Panatenaicas, en las que una procesión de las hijas de las mejores familias áticas, entregaban a la diosa Atenea un nuevo peplo. El lugar había sido desde la época arcaica un sitio sagrado (allí estaban las reliquias míticas de la ciudad, la roca hendida por el tridente de Poseidón y el olivo y la fuente que Atenea había hecho brotar de ella en su disputa con el dios del mar) y al tiempo un recinto fortificado al que los atenienses recurrían en busca de refugio en los casos en que la ciudad se encontraba en peligro. Durante la primera guerra médica, los ejércitos persas saquearon la Acrópolis destruyendo su templos por lo que, una vez conjurado definitivamente el peligro persa en la batalla de Maratón, los atenienses decidieron emplear el dinero del botín en la reconstrucción de los santuarios derruidos y en la construcción de otros nuevos convirtiendo a la acrópolis en el más impresionante conjunto arquitectónico que nos ha legado la antigua Grecia. La entrada a la Acrópolis se realiza por una puerta monumental llamada Propileos. En el lado derecho y frontal de la Propileos se encuentra el Templo de Atenea Niké. Una gran estatua de bronce de Atenea, construida por Fidias, se encontraba originalmente en el centro. A la derecha de donde se erguía esta estatua se encuentra el Partenón o Templo de Atenea Partenos (Atenea, la Virgen). A la izquierda y al final de la Acrópolis está el Erecteión, con su celebre pórtico o tribuna sustentado por seis cariátides. También se encuentran allí los restos de un teatro al aire libre llamado Teatro de Dionisios, donde estrenaron sus tragedias Sófocles, Aristófanes y Esquilo.
EL PARTENÓN I- Localización: en el punto más elevado de la Acrópolis de Atenas. Dedicado a Atenea Parthenos, diosa protectora de la ciudad. Es el monumento más importante de la civilización griega antigua y se le considera como una de las más bellas construcciones arquitectónicas de la humanidad. Reemplazó un templo anterior en el mismo emplazamiento, conocido como el Pre-Partenón, construido antes de las Guerras Médicas, y destruido por los persas hacia el año 480-479 a.C. II-Cronología: Época Clásica, 2ª mitad del S. V antes de Cristo. La construcción del monumento, realizada casi exclusivamente en mármol blanco del Pentélico, fue iniciada por Pericles y se desarrolló entre los años 447 y 432 a.C. III-Función: religiosa. Se construyó para albergar en él la estatua de Atenea Partenos (Atenea Virgen), diosa protectora de la ciudad. El patrocinio lo consiguió, según la mitología griega, porque en su lucha contra Poseidón (Neptuno), hizo brotar de la tierra un olivo, riqueza del Ática, en cambio Poseidón con su tridente hizo una hendidura en la tierra de la que surgió un caballo, En su honor se celebran las Fiestas Panateneas. Por tanto el edificio se concibe como habitación de la representación divina y no para reuniones colectivas de fieles. Las ceremonias religiosas se realizaban en la explanada que hay delante del templo. El Partenón conservó su carácter religioso en los siglos siguientes y fue convertido en una iglesia bizantina, una iglesia cristiana y una mezquita musulmana.
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Pero en 1687, los turcos utilizaron el Partenón como depósito de pólvora durante el sitio veneciano. Una de las bombas venecianas cayó en el Partenón y causó una enorme explosión que destruyó gran parte de la edificación preservada en buenas condiciones hasta entonces.
Lamentablemente, su destrucción no culminó allí, sino a principios de siglo XIX cuando el embajador británico en Constantinopla decidió quitar la mayor parte de la decoración escultórica del monumento (frisos, metopas, pedimentos), trasladarlas a Inglaterra y venderlas al Museo Británico, en donde todavía se exhiben, siendo una de las colecciones más significativas del museo en la actualidad. Sólo a partir de la independencia de Grecia, en el siglo XIX, se inicia la preocupación por su conservación. IV-Arquitectos: mandado construir por Pericles a los arquitectos ICTINOS Y CALÍCRATES que dirigieron las obras con la colaboración de FIDIAS, famoso escultor ateniense autor de la decoración escultórica y de la gran estatua de Atenea en oro y marfil (situada como pieza central del templo que medía 12 metros de altura y para su elaboración se necesitaron 1.200 kilogramos de oro). Lo construyeron en el lugar donde habla otro templo, dedicado a la misma diosa, que fue destruido por los persas durante las Guerras Médicas. V-Planta: rectangular. Partes: -Pronaos: pórtico de entrada. -Naos (cella): dividida en tres naves por dos filas de columnas dóricas. Estas forman una galería al fondo. En la nave central se encontraba la estatua de Atenea Partenos, obra de Fidias, sobre un basamento. La nave central tiene doble anchura que las laterales. Los muros de la naos no tienen vanos excepto el de la puerta, se crea así un espacio cerrado y poco iluminado con el fin de crear un ambiente recogido y misterioso. -Sala de las vírgenes: no se comunica con la naos. Es una estancia amplia con 4 columnas centrales. Era utilizada por las jóvenes atenienses que permanecían por un tiempo el servicio de la diosa. Además servía para guardar el tesoro y las ofrendas del templo. -Pórtico: igual que el situado en el otra extremo del edificio. -Opistodomos: Pórtico. igual que el situado en el otra extremo del edificio. El templo, está rodeado por una fila de columnas y tiene 8 en la fachada principal por tanto, es PERÍPTERO Y OCTÁSTILO.
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Esta construcción es uno de los ejemplos mas claros del saber en geometría por parte de los matemáticos y arquitectos griegos. La concepción general de la planta responde a una simetría: -Hay una simetría longitudinal: el eje divide la construcción en dos partes iguales pues en torno a él se ordena simétricamente todo el espacio. -También hay una simetría antero-posterior en las fachadas pues tienen la misma disposición, número de columnas y distribución de la decoración VI-Materiales de construcción: se utilizó el material más rico que disponía Atenas: el mármol rosado. Una vez construido el edificio, los muros y columnas fueron cincelados como si se trataran de esculturas para hacer desaparecer cualquier imperfección o señales producidas en el mármol por el transporte o la construcción, así consiguieron unas superficies totalmente alisadas. Por último el templo fue Pintado dando lugar a una imagen más viva que la que tiene ahora. VIl- Elementos constructivos y sus características. -Es una arquitectura arquitrabada, por tanto estática y de líneas rectas horizontales y verticales. Elementos sustentantes: las columnas de orden dórico. Elemento sustentado: el entablamento característico de este orden arquitectónico, con su arquitrabe, friso y cornisa. -Es un gran templo, pero sus dimensiones no están motivadas por las necesidades del culto sino por el deseo de los atenienses de ofrecer un gran monumento a su diosa protectora y de plasmar en él el momento histórico de grandeza de su polis. Sin embargo a pesar de sus grandes dimensiones, el edificio se diseñó con tal grado de proporción y armonía entre las partes del edificio y del conjunto de éste con el hombre que no resulta desmesurado ni pesado sino que produce una sensación de equilibrio y grandiosa naturalidad. Ello se logró mediante un estudio racional y matemático de las proporciones, ya que todo está calculado numéricamente para que el hombre se sienta en su marco (reflejo de su cultura antropocéntrica) y no empequeñecido como ocurría en las colosales construcciones orientales. Por tanto es un espacio abarcable para el hombre. Está hecho a la medida del hombre. -El racionalismo y afán de belleza perfecta que guiaba a los arquitectos les llevó a realizar en esta obra correcciones: ópticas para evitar que se crearan en la retina del espectador defectos inexistentes. Buscando la armonía visual, los arquitectos anularán con precisión matemática las distorsiones que sufre el ojo humano al percibir un edificio de verticales y horizontales, en perspectiva, para ello deformaron intencionadamente la construcción con un efecto contrario. Los arquitectos consiguieron que el efecto visual que produjera el Partenón no permitiera la deformación que se produce al situarse debajo de grandes monumentos: con certeras alteraciones (columnas no equidistantes, levemente arqueadas hacia el centro, frontón arqueado y base deformada hacia arriba) en su construcción lograron obtener el efecto visual perfecto. -Entablamento y estilobato están curvados hacia arriba para evitar el efecto de vencimiento en el centro. -La fachada está inclinada hacia adelante para impedir la sensación de caída hacia atrás. -Las columnas de los extremos son más altas y. anchas que las demás porque sino, al recibir más luz por su emplazamiento, las veríamos más bajas y estrechas. -El éntasis de las columnas es para corregir la sensación de estrechamiento en la parte
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central que producen dos líneas paralelas en vertical -En los intercolumnios hay desigual distancia pues sino nos darla la sensación de que unas están mas juntas que otras. VIII-.Elementos decorativos: Las diversas partes del templo estaban pintadas de colores vivos. Se combinan dos clases de decoración: la geométrica y la figurada escultórica, realizadas por Fidias y su escuela. Se conserva muy poca en su lugar, pues, parte se perdió y parte se encuentra en diferentes museos (Museo Británico de Londres). La decoración escultórica del Partenón es una combinación única de las metopas (esculpidas en bajorrelieve extendiéndose por los cuatro lados externos del templo), los tímpanos (rellenando los espacios triangulares de cada frontón) y el friso (esculpido en alto relieve abarcando los cuatro laterales interiores). Las metopas representaban la gigantomaquia en el lado del este, la amazonomaquia en el oeste, la centauromaquia en el sur, y escenas de la guerra de Troya en el norte. Cada tímpano del templo tenía una escena mitológica: al este, sobre la entrada principal del edificio, el nacimiento de Atenea, y al oeste, la lucha entre Atenea y Poseidón por el patrocinio de la ciudad de Atenas. El friso constituía la representación de la procesión de las Panateneas, el festival religioso más importante de Atenas antigua. La escena se desarrolla a lo largo de los cuatro lados del edificio e incluye figuras de dioses, bestias y de unos 360 seres humanos.
LOS PROPILEOS: MNESIKLES: época clásica, S. V a. C. Entre los años 437 y 432 el único acceso de la Acrópolis, en su flanco occidental. fue recubierto por un gigantesco doble pórtico de mármol pentélico bajo la dirección del arquitecto Mnesikles. Aunque la obra no llegó a terminarse, entre otras causas por la oposición de los sacerdotes que custodiaban el recinto de Artemis Brauronia, que no quisieron ceder un solo palmo de su terreno, la parte construida fue suficiente para que en el siglo II d. C. Pausanias pudiera decir que no había en el mundo otro pórtico que igualase la magnificencia de aquél. Sus dos frentes, el que daba al exterior de la Acrópolis y el que se encontraba dentro del recinto, tenían forma de fachada dórica hexástila, con el intercolumnio central más ancho que los restantes para dar paso holgado a la calzada que ascendía por la ladera. El pórtico exterior presentaba a los lados de ésta dos plataformas, como aceras muy altas, cada una con tres columnas jónicas, orientadas en sentido perpendicular a la fachada, que contribuían a sostener el suntuoso techo de mármol, decorado con estrellas sobre fondo azul. A continuación de esto, se encontraba el muro, atravesado por cinco puertas: una central, ancha, correspondiente a la calzada, y dos pequeñas sobre cada una de las plataformas laterales. Aparte de los pórticos propiamente dichos, Mnesikles había proyectado dos edificios adosados a ambos lados, de estos solo llegó a constituirse uno, el llamado «pinacoteca». La idea en la realización de los Propileos (“puertas de entrada”), consistía en crear un edificio monumental, visible desde cualquier punto de la Acrópolis.
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EL ERECTEION Al borde de la ladera septentrional, donde habían quedado las huellas de la disputa de Atenea y Poseidón (el olivo y la brecha abierta en la roca por el tridente un magnífico templo dedicado a Atenea Polias y a PoseidónErechtheus vino a sustituir a varios santuarios antiguos arruinados durante la ocupación de los persas. Las tradiciones religiosas que estaban vinculadas a aquel lugar obligaron al arquitecto a mantener las grandes desigualdades del terreno y a respetar todo aquello que los atenienses tenían como sagrado. Por estas causas, el edificio presenta numerosas irregularidades, tanto en su planta como en su alzado, irregularidades que no podrían nacer de la fantasía de un arquitecto y algunas de las cuales todavía hoy no se explican satisfactoriamente. Por la imposibilidad en que se vieron los constructores de nivelar el suelo, los varios recintos que el templo se divide, se encuentran en niveles distintos. Visto en el plano, el conjunto se nos presenta como un rectángulo orientado de Este a Oeste, con una sección oriental, correspondiente a la cella de Atenea Polias, precedida por un pórtico de seis columnas jónicas, y una sección occidental que a su vez comprende tres recintos: una estancia rectangular (Erechtheion propiamente dicho), con un pórtico en cada uno de sus extremos norte y sur, y dos cámaras interiores. Su entrada septentrional está cubierta por un espacioso pórtico de seis columnas jónicas, no dispuestas en una sola línea, como en la fachada oriental, sino cuatro delante y dos detrás de las de los ángulos. Como este pórtico se encuentra a un nivel tres metros más bajo que los otros dos, sus frisos y su cornisa no enlazan con los que recorren el perímetro del edificio, sino que se unen al muro por debajo de aquellos. Los arquitectos del Erecthion procuraron compensar todas estas faltas de regularidad extremando la belleza de los elementos constructivos; es decir, frente a la elegante sencillez del Partenón, levantaron un conjunto que llamaba la atención por su riqueza y variedad así como por el acabado de sus detalles. En el lado sur del edificio se levanta el PÓRTICO DE LAS CARIÁTIDES, en el que el arte clásico nos ofrece su versión de aquellas estatuas arcaicas puestas al servicio de la arquitectura. Todas ellas visten peplo con cinturón y se apoyan en una pierna flexionando la otra según el conocido esquema clásico. Aunque siguen un modelo
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común que proporciona armonía al conjunto, son todas diferentes en los detalles del peinado y el drapeado en un afortunado recurso de variatio. Su autor es desconocido aunque determinados detalles (paños mojados etc.) las relacionan con el círculo de Fidias por lo que se ha pensado en uno de sus discípulos, Alcámenes, como posible autor.
EL TEMPLO DE LA VICTORIA APTERA: CALÍCRATES (época clásica, S, V a.C.) Se acordó construirlo en el año 449 para conmemorar el ventajoso tratado de paz recién firmado por los persas. Calícrates, uno de los arquitectos del Partenón, hizo los planos. A pesar de estos preparativos, en una resolución posterior, los mismos que habían tomado el primer acuerdo decidieron reconstruir los monumentos existentes antes de emprender otro nuevo y, como consecuencia, el templo de Átenea Nike quedó en proyecto durante veintidós años. Por fin, entre 427 y 424 llegó su turno al templo de Atenea Nike, vulgarmente conocido con el nombre de templo de la Nike Aptera, o Victoria sin alas, por la estatua de Atenea que en él tenía asilo. Se hallaba emplazado en el rincón de la Acrópolis que se adelantaba a los Propíleos, dominando el camino que subía desde la ciudad: la estrechez del espacio disponible obligó a encoger el edificio proyectado por Calícrates: la cella hubo de reducirse y amalgamarse con el pronaos, dando lugar a un templo jónico en miniatura (8,27 metros de longitud, 5,44 metros de anchura, 4 metros de altura las columnas de los pórticos), tetrástilo, anfipróstilo, con columnas de fuste monolítico, dos pilastras entre las antae y ninguna pared intermedia, de suerte que el edificio se cerraba, como hoy en día, por medio de una reja de bronce. Este templo se conservó intacto hasta fines del siglo XVII, cuando los turcos lo desmontaron para aprovechar sus materiales en una obra de fortificación; ha sido reconstruido con mínimos errores. El friso escultórico fue erigido hacia 421; en su porción oriental figura una asamblea de dioses, Atenea entre ellos, y en las restantes, luchas de griegos contra persas de griegos contra griegos, todo ellos en violentísimo movimiento. Bastantes años más tarde, probablemente a finales del siglo (408-7), la plataforma que servía de asiento al templo fue rodeada de un pretil con relieves: Atenea sentada en una roca, en medio de una multitud de Nikes ocupadas en diversos menesteres, como el adorno de trofeos, el sacrificio de reses etc. Entre todas ellas destaca una Nike representada en la anecdótica postura de atarse una sandalia, que ha llegado a ser en nuestro tiempo uno de los relieves clásicos más famosos, Aunque no son todos de la misma mano, siguen las directrices de un maestro que es, sin duda, el mismo que dirigió el friso y que ahora nos ofrece aquí en el pretil su estilo más evolucionado, tal vez bajo la influencia de Calímaco. Entre sus características es digna de ser notada su incapacidad para diferenciar los tejidos de las diversas prendas, como puede observarse comparando la túnica y el manto de la Nike atándose la sandalia. En el conjunto abundan las figuras vistas de frente, sin que por ello se descuide el estudio de contornos y perfiles. La agitación de los personajes y de sus vestiduras se acomoda perfectamente a la naturaleza del lugar que los relieves decoraban, aquel vértice de la Acrópolis tan a menudo azotado por el viento.
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4.-ESCULTURA 4.1.-ETAPAS
ARCAÍSMO PLENO: SIGLOS VIII-V a.C.
PERÍODO ARCAICO
TRANSICIÓN TAL CLASICISMO ESTILO SEVERO: PRICIPIOS DEL SIGLO V a.C.
PRIMER CLASICISMO SIGLO: V a.C. -MIRÓN -POLICLETO -FIDIAS
PERÍODO CLÁSICO SEGUNDO CLASICISMO SIGLO IV a.C.
-PRAXÍTELES -LISIPO -ESCOPAS
PERÍODO HELENÍSTICO: SIGLO III-II a. C ESCUELAS
RODAS PÉRGAMO NEOÁTICA ANTIOQUIA ALEJANDRÍA
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4.2.-CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA GRIEGA -
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La escultura se humaniza. Al principio surgen interpretaciones rígidas (igual que en Egipto), pero progresivamente van adquiriendo flexibilidad natural. Se busca la simetría en función de la armonía de las proporciones del equilibrio de las figuras. Para ello se partió de la aplicación de las Matemáticas. Un filósofo griego -Crisipo- decía: "la belleza consiste en la simetría no de los elementos sino de los números" Materiales: calizas amarillentas, grisáceas, mármol blanco y bronce. Creación de prototipos de belleza ideal (se huye de lo individual y accesorio). Esta tendencia comenzará a desdibujarse a partir del s. IV a. C con Lisipo (primer retratista griego) Aplicación de policromía a la escultura con más sentido decorativo que naturalista. Exteriorización de sentimientos a través de la expresión. Se trata de representar la belleza física y el equilibrio espiritual. Los artistas griegos siempre se preocupaban por encontrar un equilibrio entre la belleza del diseño y la apariencia de naturalidad aunque algunas veces optaron por lo abstracto y formal (arcaísmo) y otras por el realismo (clasicismo). Temas: atletas, dioses humanizados, doncellas y en época helenística tipos humanos variados.
4.2.1.-PERIODO ARCAICO (s. VIII-VI a.C.) En este período la escultura griega se inspira en el arte egipcio tanto en el tipo de figuras como en la técnica aunque se va alejando del colosalismo oriental acercando el arte a la medida humana. Como en Egipto se realizan estatuas plurifaciales, estatuas-bloque con 4 vistas diferenciadas, 4 planos que confluyen unos con otros en ángulos rectos. Se parte de un dibujo de la figura en cada una de las caras del bloque. Una obra de esas características está lejos de ser una obra realista pero pese a ello estas esculturas poseen una extraordinaria vitalidad Los escultores de este momento consiguieron dar a sus obras unas superficies suaves y aterciopeladas gracias a la utilización de un mármol poroso y cálido y al proceso de trabajo utilizando punteros (se aplicaban en ángulo recto lo cual provocaba un rápido desgaste del mismo. Este problema se paliará con la utilización del hierro en los punteros).y abrasivos (alisaban las superficies). Hasta el s. V a. C. la labor escultórica se limitaba a la utilización del puntero. A partir de esta fecha se emplean además cinceles planos y curvos, cinceles dentados y trépanos. Entre lo egipcio y lo griego arcaico había muchos puntos en común pero el egipcio hacia una figura naturalista del hombre bastante convincente y el griego la realizaba de modo más abstracto. Los griegos creían que una estatua de esta clase no solamente debía parecer un hombre, sino ser también un objeto bello por si mismo (además de la intención de imitar la naturaleza está la de buscar una finalidad estética), lo cual conseguían mediante la introducción de tres elementos de diseño en la representación de la forma humana: - la simetría. - la repetición exacta de las formas (las cejas son líneas paralelas a los párpados repetición de protuberancias en el pelo). - el uso de las mismas formas en distintas escalas (la W que dibujan los músculos pectorales se repite a menor escala en las rótulas y la V del torso se repite en menor tamaño en el codo). Para no estropear la simetría evitaban cualquier postura con torsiones, giros o inclinaciones. Las estatuas son frontales y rígidas. Estas formas también estaban
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condicionadas por la técnica: la fragilidad del material de mármol cuyo peso, impide que las distintas partes de la escultura se separen del bloque. Frente al conservadurismo egipcio, los griegos tienen una mentalidad progresista en relación con el modo de pensar de la Antigüedad (el cambio del orden natural de las cosas se consideraba peligroso y atrevido. La repetición exacta de un modelo era una garantía de éxito y buscaron nuevos métodos de realización que les llevaron a hacer “kuroi” cada vez más naturalistas: -De la estatua-bloque se va pasando a la tridimensional. -De la frontalidad se pasa a presentar posturas más relajadas mediante el giro de la cabeza y el apoyo del peso del cuerpo en una pierna elevando la cadera. Estas innovaciones hacen que las estatuas cobren vida. Los artistas griegos buscando continuamente soluciones ante los problemas que se les van presentando, comienzan a utilizar el bronce en sus obras lo cual supone un avance pues les permite hacer estatuas con poses distintas: PROCEDIMIENTO DE LA ESCULTURA EN BRONCE: MÉTODO DE LA CERA PERDIDA Pasa por distintas fases de realización: -Se hacia la figura en arcilla. -Se le aplicaba una capa de cera. -Se introducía en un molde de arcilla atravesando la figura con barras de metal. -Se fundía la cera y se la hacia salir -Se vertía el bronce fundido en el hueco dejado por la cera. -Una vez frío el bronce y solidificado se sacaba el molde con un cincel y se pulía el bronce. FIGURAS REPRESENTADAS: “Kuroi”: esta figura se puede interpretar de tres modos: -representación de un dios. -objeto bello dedicado a un dios: joven atleta. -figura realizada en memoria de un hombre muerto. "Korai": figura femenina vestida con características semejantes a los “kuroi”.
LOS RASGOS DE LA ESCULTURA ARCAICA - Predominio de la figura humana sobre las representaciones de animales (muy importantes en el arte oriental) - La mayoría de las esculturas son de tamaño natural. - Se representa el desnudo masculino como exaltación de la belleza física mientras que no aparece el desnudo femenino. - La escultura se somete a los convencionalismos del arte oriental: frontalidad, hieratismo, estatismo, formas cerradas, etc., pero con una tendencia progresiva hacia el naturalismo. - Presentación anatómica simplificada a base de líneas geométricas.
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- Rostro estereotipado, con grandes ojos almendrados y la llamada sonrisa arcaica cabeza tratada de forma convencional, con larga cabellera hecha a base mide protuberancias geométricas repetidas.
.2.2.-PERÍODO DE TRANSICIÓN DEL ARCAISMO AL CLASICISMO (principios del siglo V a. C.) Los ejemplos más significativos de este período de transición los encontramos en los frontones de los templos de AFAlA EN EGINA Y DE ZEUS EN OLIMPIA. En ambos podemos apreciar ciertos avances que nos van anticipando el clasicismo:
-Se da un mayor estudio anatómico de las figuras. -Mayor movimiento y flexibilidad en las figuras. -Composición más cuidada. Como consecuencia de la adaptación al marco arquitectónico y para conservar el naturalismo de las proporciones, las figuras de las esquinas se colocan en posiciones sedentes o tumbadas. -Frente a estas novedades persisten rasgos arcaizantes en el rostro que lo hacen inexpresivo: geometrización del cabello y sonrisa arcaica.
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Además de los frontones, podemos advertir el camino hacia el clasicismo en obras exentas como EL AURIGA DE DELFOS escultura en bronce que se puede fechar alrededor del año 475 a. C. y que nos ha llegado en su versión original (no hay que olvidar que la mayoría de las esculturas griegas han desaparecido y que las conocemos gracias a las copias romanas). Su rostro está como abstraído para ser alguien que está imponiendo su voluntad a los caballos; el pelo todavía está demasiado estilizado así como la túnica, con sus pliegues regulares. Pero el brazo sostiene nerviosamente las riendas, los pies se arquean para mantener el equilibrio a causa del traqueteo del carruaje durante la carrera. El prototipo desciende del "kuroi" pero el resultado es mucho más realista.
4.2.3.-PERIODO CLASICO (S. V-IV a.C.) El clasicismo griego supone la culminación de la escultura de este pueblo. Sus obras serán modelos de belleza y perfección plástica en la Historia del Arte. CARACTERÍSTICAS GENERALES - Los escultores intentan plasmar la belleza física ideal. Para ello realizan estudios matemáticos de las proporciones. Así se conseguirá un naturalismo progresivo, por medio de la observación y de la reflexión. - Se intenta plasmar la belleza interior y la belleza interior. - Temas representados: dioses y héroes.
PRIMER CLASICISMO La simetría y repetición de formas dejan de ser recursos válidos para buscar la belleza. Los escultores clásicos tratan de evitar la simetría. Buscan la armonía de las proporciones. El artista que abre el camino en este sentido es:
MIRÓN A través de su obra más conocida, EL DISCOBOLO muestra su rechazo por lo simétrico: -El lado derecho de la figura está regido por una curva casi continua. -El lado el izquierdo por un zig-zag. -El lado derecho es liso y cerrado. -El izquierdo es angular y abierto. La sencillez de las formas principales, el gran arco y las 4 rectas que hacen ángulos de 90º infunden armonía a la figura agitada.
POLICLETO Junto con Fidias fue uno de los grandes nombres de la escultura del s. V. a. C. Policleto era un artista intelectual, con una gran fe en las Matemáticas, disciplina de tanta importancia para el pensamiento griego. Intentó establecer un sistema de proporciones ideales para el cuerpo humano Incluso escribió un tratado sobre el tema (hoy desaparecido): "El Cánon" ("de dedo a dedo, y de todos ellos en relación con la mano y la muñeca, y de estas con
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respecto al antebrazo, del antebrazo con respecto al brazo y de todas las partes con respecto al todos”...). Fue en esencia un artista del bronce, y especialista en estatuas de Atletas victoriosos,. EL DORÍFORO La estatua más famosa de Policleto representaba a un joven portador de una lanza, "El Doríforo", también se ha denominado «El Cánon. El sentimiento de que una estatua debe poseer ritmo manifiestamente controlado y nunca alejarse demasiado de la simetría absoluta tiene aquí todavía mucha fuerza. "El Doríforo” era una pieza programática, era la aplicación de las pautas establecidas por Policleto para conseguir las proporciones ideales: .Es necesario que la cabeza sea la séptima parte de la altura total de la figura, el pie tres veces la longitud de la palma de la mano; mientras la pierna, desde el pie a la rodilla, deberá medir seis palmos, y la misma medida habrá también entre la rodilla y el centro del abdomen.Esta obra resume todas las aportaciones de su autor al arte de la escultura resolviendo definitivamente los problemas de la representación escultórica del cuerpo masculino desnudo con lo que la estatua se convirtió en un modelo, un cánon de belleza muy imitado con posterioridad. Policleto de Argos debió de trabajar en la pieza entre los años 450 y 440 ac. y aunque el original en bronce (fundido en hueco con la técnica de la "cera perdida") no se ha conservado, disponemos de numerosas copias romanas en mármol (la mejor la del museo de Nápoles) que salvando los matices reproducen con fidelidad el original. Estamos todavía ante un "kuros" pero ahora real de los pies a la cabeza, en el que la postura primitiva de soldado en marcha ha sido sustituida por un calculadísimo movimiento "en potencia”. El joven está quieto, pero se intuye que va a moverse. El lancero (Doríforo significa "el que lleva la lanza"), que representa probablemente a Aquiles, presenta importantes novedades: -En primer lugar, la diferencia de función entre las piernas, una de las cuales sostiene al cuerpo mientras la otra descansa, recurso que había comenzado a aparecer en el Estilo Severo, pero que Policleto desarrolla llevando muy atrás la pierna libre que sólo toca el suelo con los dedos del pie, con lo que la figura gana profundidad en el espacio y da una impresión más viva de movimiento al tiempo que una cadera se eleva más que la otra provocando sutiles disimetrías que animan la figura rompiendo definitivamente con la rigidez arcaica. -Los brazos muestran un ritmo cambiado en relación con la posición de las piernas, ahora el brazo tenso que soporta la lanza es el izquierdo mientras que el derecho no realiza ningún esfuerzo. El brazo que lleva la lanza, se adelanta penetrando en un plano del espacio distinto al del cuerpo quedando como enlace entre ambos la línea oblicua de la jabalina (falta en algunas de las copias). A este ritmo cruzado y compensado del cuerpo es a lo que se llama "contraposto” y contribuye a lograr el equilibrio de la figura. La anatomía artificialmente simplificada y exagerada evoca al “kuros” especialmente en lo que se refiere a las formas muy acentuadas de los pectorales y los músculos de las caderas. -A pesar de todas esta innovaciones, Policleto mantiene la concepción tradicional de un punto de vista privilegiado desde el cual el contorno de la estatua pueda ser observado en toda su belleza , punto de vista que, como en la estatuaria arcaica y en el estilo severo, sigue siendo rigurosamente frontal. Junto a un misterioso modulo aritmético que los estudios actuales aún no han conseguido explicar satisfactoriamente (las copias
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difieren en sus proporciones aunque suele hablarse de un canon de 6'5 cabezas), aparecen rasgos geométricos (pliegue inguinal, arco torácico, forma de la cabeza....), así como la observancia rigurosa del "principio de articulación" o diartrosis en virtud del cual se acentúan claramente las uniones entre los miembros. Rasgos similares presentan otras estatuas del autor como el Diadúmenos.
FIDIAS Es la figura en que culmina el clasicismo del s. V a.C..Sus obras son una fusión en pleno equilibrio del idealismo y el naturalismo del arte griego Crea seres plásticamente perfectos, verdaderos prototipos. En ellas se produce un equilibrio expresivo entre la belleza física y la espiritual. Sus obras se agrupan en dos capítulos: -Estatuas de bulto redondo, representando a diversos dioses y cuyos originales se han perdido "Atenea Parthenos" (estatua criselefantina). -Decoración escultórica del Partenón frontones, frisos Y metopas.
ESCULTURAS DEL PARTENÓN (FIDIAS, SIGLO V A. C.) La mayor parte de la obra escultórica de Fidias no ha llegado a nuestros días por tratarse de estatuas criselefantinas (de oro y marfil) como el Zeus de Olimpia o la Atenea Parthenos. Sin pruebas que lo demuestren se le han atribuido las esculturas del Partenón ya que sabemos que actuó como director de las obras de remodelación de la Acrópolis cumpliendo un encargo de Pericles. Es sin embargo evidente que la magnitud del proyecto hace inviable que la escultura del templo hubiera sido realizada por una sola persona. Hay que pensar por tanto en la intervención de un taller con varios maestros actuando bajo la dirección de Fidias el cual quizá habría ejecutado alguna de las obras. En todo caso, el espíritu clasicista de Fidias y algunos rasgos de su estilo, como los "paños mojados", impregnan todo el conjunto. Aunque ya hacia el año 460, bajo el gobierno de Cimón, tenemos noticias de la actividad de Fidias, en concreto la ejecución de la monumental Atenea Prómachos, su gran hora llega cuando Pericles lo nombra para dirigir las obras de la Acrópolis El Partenón albergará la estatua criselefantina de la diosa Atenea, asombro de la Hélade, y que dio lugar a una tradición de esculturas con esta técnica. Su coste ascendió a 700 talentos, el equivalente a lo que costaría una flota de 230 trirremes; era, por otra parte, una forma de atesorar la riqueza (al modo de los tesoros de las iglesias medievales). Sostenía en su mano derecha la figura alada de una Victoria (todo el programa edilicio de Pericles está enfocado en una doble dirección: cantar la Victoria contra el bárbaro persa y celebrar al demos ático). En el anverso de su gran escudo se representa una Amazonomaquia, en su reverso una Centauromaquia, y en los bordes de sus sandalias una Gigantomaquia, variaciones sobre un mismo tema: el conflicto entre la sophrosyne (inteligencia, prudencia, mesura) y la hibrys (soberbia, desmesura, orgullo), entre civilización y barbarie. Este será también el leit motiv de las esculturas que decoraban el exterior del templo. La estatua fue presentada en el año 438, con ocasión de las fiestas Panatenaicas; ese mismo año fue inaugurado el templo, que debía estar completo hasta el techado. EL PROGRAMA ESCULTÓRICO DEL PARTENÓN (15 años de duración: 447-42 ). FRONTONES DEL PARTENÓN (438-32) Conocidos por las descripciones de Pausanias y los dibujos que John Carrey realizó en 1674, hoy se conservan escasos y mutilados restos (British Museum) algunos de los cuales han sido atribuidos al propio Fidias. A partir de estos testimonios se puede intentar una reconstrucción del tema y la composición de estas partes del templo.
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-ORIENTAL: Se representa el nacimiento de la diosa Atenea, surgida de la cabeza de Zeus. Zeus desposa a Metis (la Sabiduría) con la que engendra un hijo. Advertido por una profecía de que este le derrocaría, devora a su esposa, y nace Atenea de la cabeza hendida a tal propósito por Hefesto. La escena está enmarcada por dos carros que avanzaban hacia la derecha del espectador -carro de Helios-y por la izquierda la representación de Selene(la luna). En uno de los extremos del frontón aparecen tres figuras femeninas de diosas. De izquierda a derecha encontramos las siguientes figuras: Cuadriga de Helios, Dionisos, Demeter y Coré, Artemisa, Hera y su sirviente Iris, Hermes, Zeus, Atenea coronada por una Niké, Poseidón, Apolo, Hestia, Dione y Afrodita (?), carro de Selene. Importante la inclusión de los carros “cósmicos” ya que suponen una novedad frente a las típicas figuras acostadas de los vértices del frontón. -OCCIDENTAL se representaba la disputa entre Atenea y Poseidón por el dominio del Ática De izquierda a derecha: Ilissos (?), Cécrops y su familia, carro de Atenea, Atenea, Poseidón, carro de Poseidón, Familia de Erechteo, - Metopas: Originalmente eran 92 aunque sólo han llegado a nuestros días 19 repartidas entre el Museo Británico y el propio templo. Se realizaron entre 447 y 442. Todas las figuras del Partenón fueron plenamente concebidas y realizadas como figuras de bulto redondo, a pesar de que algunas se tuvieron que limar por detrás para facilitar su acomodación definitiva dentro del estrecho espacio de la cornisa,
METOPAS -Occidentales: Amazonomaquia, alternándose una metopa con una amazona victoriosa con otra donde el vencedor es el griego. -Orientales: Gigantomaquia. -Norte: Escenas de la destrucción de Troya
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-Sur: Centauromaquia. Es la serie mejor conservada. Desde el punto de vista estilístico, se puede decir que es una síntesis de las corrientes que circularon durante el siglo V. Se ha observado que si las metopas se hubieran encontrado separadamente y descontextualizadas, se podrían haber datado, partiendo únicamente de datos estilísticos, entre 460 y 430. De hecho, en algunas se detecta el estilo severo, o incluso la “mano” de Mirón, mientras que otras parecen delatar la intervención del propio Fidias. La mayoría de las conservadas pertenecen a la serie de la Centauromaquia (la batalla entre los lapitas y los Centauros) entendida como una alegoría de la lucha entre griegos y persas, una victoria de la razón contra la fuerza, del orden frente al caos. En su elaboración se han distinguido tres manos: una probablemente del propio Fidias, otra de su discípulo Alcámenes y otra del llamado "maestro barroco del Partenón". Realizadas en alto relieve. Gran parte de ellas fueron deliberadamente mutiladas, quizá por cristianos o musulmanes. Se ha sugerido que la supervivencia de las metopas del lado sur se debe al tema representado -centauros- pues a veces aparecen también en la iconografía cristiana
FRISO Es la novedad más espectacular del Partenón ya que hasta su construcción, en ningún templo griego se había decorado con escultura el muro exterior de la naos. El tema representado es LA PROCESIÓN DE LAS PANATENEAS que cada cuatro años se dirigía a la Acrópolis para hacer entrega a la diosa Atenea del peplo que las jóvenes doncellas atenienses habían bordado para ella. El friso arranca desde el ángulo sudoeste en dos direcciones: hacia un lado el cortejo de las Panateneas y hacia el otro el de los jinetes. Ambos confluyen en la fachada oriental donde se encuentra la asamblea de dioses. Son en total más de 150 metros de friso de 1'02 mts. de alto que en la actualidad se encuentra repartido entre el Museo de la Acrópolis, el Museo Británico y el Louvre parisino. A pesar de haberse escogido un tema de la vida real y cotidiana (frente a la costumbre griega de recurrir a la mitología como metáfora de la realidad), el tratamiento de la obra no tiene nada de costumbrista. No son seres concretos los que allí se representan sino arquetipos, no es la procesión de un año determinado sino cualquiera de ellas, son seres intemporales, eternos, es, como decía Goethe, "un instante que dura toda la eternidad". [“el arte griego huía del caso concreto, de la persona individualizada, del momento preciso. Evitaba el tiempo, el espacio y el sujeto. Era un símbolo. Para el romano era una página de la Historia” García y Bellido] Es el Único caso de la historia. de la arquitectura griega en el que observamos el desarrollo de un tema único en los 4 lados del edificio con un diseño unificado. -En el friso occidental: La procesión comenzaba en el friso oeste (Preparativos), para luego
dividirse en dos ramas, que caminaban por los frisos norte y sur. Allí se ven los caballeros y los carros; ya casi llegando a la zona este, se agolpan las figuras de los ancianos, los oferentes y los animales. Se representaban jinetes jóvenes junto a sus caballos, muchos aún no se han subido a sus monturas, los caballos miran en direcciones diferentes, en algunos casos se desmandan. La composición tiene un carácter más episódico que las de los otros tres lados.
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-En el friso norte la mayoría de sus jinetes se encuentran sobre sus monturas, avanzando para unirse a la procesión. No existe la representación femenina en los lados oeste, norte y sur. Por el contrario cuando la procesión dobla la cara este la ausencia de figuras masculinas es total. -Friso este: En el friso este la procesión finaliza: allí se encuentran los dioses, repartidos en dos grupos de seis -a la derecha Atenea, Hefastos, Poseidón, Apolo, Artemis y Afrodita con Eros; a la izquierda Zeus y Hera (acompañada de su mensajera Iris) Ares, Deméter, Dionisos y Hermes junto a los dioses un posible grupo de héroes. Algo más allá las muchachas atenienses que avanzan. Entre los dos grupos de dioses una muchacha y un niño portan el peplo. Aunque la unidad estilística es mayor que en las metopas, los expertos detectan hasta cincuenta maestros con sus respectivos talleres, existiendo, por lo tanto, una yuxtaposición de estilos, aunque todo ello sabiamente coordinado por las directrices de Fidias. Lo más importante es la novedad del tema, con la participación democrática y comunal de la polis en la fiesta de la diosa.. Se ha dicho que este friso, situado a 12 metros de altura, sería de dificultosa visión, ya que lo taparía el peristilo, por no hablar de la escasa luz. Sin embargo, se ha demostrado en los últimos tiempos que un espectador situado a unos 18 metros de los muros de la cella, podría verlo perfectamente; la brillante luz de Grecia compensaría la falta de luz directa. Fidias, además, realizó correcciones ópticas, haciendo la parte superior de las figuras en un relieve más pronunciado, previendo el punto de vista del espectador. El friso del Partenón es la obra maestra de la escultura griega, y la que cautivó, desde que en el siglo XVIII comenzó a recuperarse el legado fidíaco, la estética europea; en él pensaba Winckelmann cuando hablaba de “la noble sencillez y la serena grandeza” del arte griego. El movimiento se caracteriza por su gran variedad. Las doncellas que abren la composición, aparecen en actitudes calmadas. La escena se desarrolla en un solo plano, sobre un fondo liso. El plegado de las vestiduras es muy naturalista y permite el reflejo de la anatomía de las figuras (técnica de los paños mojados). Se lo ha calificado como “el más largo y solemne relieve votivo de la historia” (L. Beschi). Representa, en un bajorrelieve de apenas 5 cm. de profundidad., la procesión de las Fiestas Panatenaicas, a finales de verano, coincidiendo con el cumpleaños de la diosa. Cada cuatro años, además, había una serie de certámenes atléticos y ecuestres, además de la ofrenda de un nuevo peplo a Atenea. la procesión de jinetes, carros, músicos, oferentes y animales que serían inmolados avanzaba hasta la Acrópolis.
ESTILO En la composición dominan las verticales y un ritmo pausado que sólo se anima ligeramente en el cortejo de los jinetes. Aparecen recursos de variatio para romper la monotonía de la procesión sin destruir su unidad. La muchachas avanzan en fila pero sutiles variaciones en la postura y en el plegado de sus vestidos animan el conjunto. A pesar de la escasa profundidad real del bajorrelieve (5 cm), los artistas han conseguido plenamente la sensación de tercera dimensión por medio de composiciones en diagonal (asamblea de dioses), escorzos, y una adecuada disposición de las figuras. La técnica de los “paños
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mojados” que se pegan al cuerpo y dejan traslucir la anatomía aparece en la mayoría de las figuras y es la principal aportación estilística de Fidias. La conquista del clasicismo, proclamada por la obra de Fidias en la Acrópolis, debió parecer de tal envergadura que creó una especie de vacío a su alrededor. La visión formal de Fidias, la nitidez y autoridad de su lenguaje debieron ser reconocidas inmediatamente como definitivas existiendo la sensación de que se había llegado al punto final del camino y de que todo estaba ya dicho, como sucedió en el Renacimiento tras Leonardo, Miguel Angel o Ticiano.
SEGUNDO CLASICISMO (s. IV a. C.) En este siglo surgen nuevas tendencias en las artes figurativas: -Fuerte empuje hacia el naturalismo. Se intentan representar los estados emocionales. Los megarios (de Megara) animaron a los escultores a producir imágenes emocionales poco explotadas hasta el momento por las artes visuales. -Especialización en el tratamiento de ciertos temas: pasiones, estados de ánimo... -Conceptos de tipo universal son temas del arte plasmados mediante la personificación ("la paz", "la sabiduría” ). El hecho de dar a los conceptos una forma visible y humana fue la respuesta artística al pensamiento filosófico contemporáneo que intentaba clarificar ideas analíticas similares. -Tratamiento más cotidiano de los temas religiosos. Los dioses se representan de un modo más humanizado. Esto puede estar en relación con un creciente escepticismo. -Junto a estas características perdura el idealismo clásico. Se buscarán nuevos prototipos de belleza ideal. Los escultores más representativos de este períodos son: PRAXITELES, LISIPO Y SCOPAS.
PRAXITELES -Utiliza como material el mármol y el bronce. -Representa a los dioses en actitudes cotidianas, como hermosos seres humanos desprovistos de la majestad y seriedad anteriores. -Fue conocido por las estatuas que transmitían emociones líricas -En sus obras puede apreciarse la continuación de la técnica del "contraposto" que da lugar a un eje en S que se ha llamado “curva praxiteliana". -Empleo del "Sfumato", modelado suave que da lugar a forma blandas. No utiliza líneas rectas. La luz contribuye a la suavización de formas. -Sus obras nos transmiten estados de ánimo melancólicos, como de ensueño, en los que están sumidos sus dioses. -Crea un prototipo de desnudo femenino que hasta el momento no se habla representado. La obra maestra más famosa de Praxiteles es la VENUS DE CNIDO, realizada en mármol y cuyo original se ha perdido. Aunque el desnudo masculino había sido aceptado desde antiguo como un desafío temático por los artistas, Praxíteles revolucionó el arte cuando creó la estatua de !a VENUS DE CNIDO. Es una figura muy naturalista no solo en la forma y en los detalles sino también en la acción, ya que sostiene sus ropas sencillamente, habiéndoselas sacado para tomar un baño. La caída inerte de las ropas y la rigidez de la hidria contrastan con las suaves formas vivas del cuerpo. Este prototipo femenino fue copiado numerosas veces. Otra de las obras fundamentales de Praxiteles es el grupo de HERMES CON DIONISOS, el dios Hermes se cree que enseñaba a Dionisos un racimo de uvas.
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-Frente al planismo del s. V a. C. el cabello se representa más abultado con más claroscuro. -Suele utilizar un soporte disimulado. -Hay ya una conquista del espacio circundante (espacio medio).
LISIPO La más clara formulación de un cambio de carácter en la escultura griega, paralelo a la cambiante situación del mundo griego, podemos hallarla en la obra de Lisipo y de sus discípulos. Parece que comenzó su actividad escultórica haciendo retratos de Alejandro. Lisipo sustituye la imagen ideal por el retrato. Fue el primer retratista griego Su obra más notable es el APOXIOMENO, joven atleta representado después de la realización del ejercicio físico. limpiándose la grasa de los brazos. Al igual que el Doríforo de Policleto, el Apoxiomeno es una figura programática en la que Lisipo crea un nuevo cánon de belleza masculina. La cabeza es ahora una. octava parte del cuerpo. Se ha alargado el cánon, sobre todo en las piernas y se ha realizado la cabeza más pequeña. El tema se ha modificado ya no se retrata al atleta triunfador sino que se elige un momento posterior a la competición. En el APOXIOMENO, Lisipo crea una nueva dimensión espacial. Al avanzar los dos brazos, estos abarcan un espacio que se incorpora también a la obra de arte. La frontalidad ha desaparecido totalmente y la escultura parece invitar al espectador a girar en torno suyo, para verla desde distintos puntos de vista (estereometría). Se subraya así lo relativo e incompleto de la visión, alejándose la escultura de ese modo único y fundamental de ver las cosas que imperaba en el primer clasicismo.
SCOPAS Representa figuras atormentadas, con movimientos nerviosos. Para ello recurre a una serie de procedimientos: -Hunde los ojos, inclinándolos hacia arriba (mirada visionaria); entreabre la boca. -Los ropajes que usan sus figuras aparecen movidos por el viento. -Las figuras siguen un esquema en ese. -Fuerte claroscuro. Obras: MENADE, MELEAGRO, esculturas para el MAUSOLEO DE HALICARNASO.
PERÍODO HELENÍSTICO (III-Il a.C.) Características generales -Con la expansión territorial aparecen transformaciones en la cultura y el arte helenos: así, junto al carácter griego permanente con su tradición clásica, surge el orientalismo y una nueva concepción de la vida -Desaparecen las grandes individualidades artísticas de tiempos anteriores y en su lugar cobran personalidad las escuelas artísticas.
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-El progresivo realismo paralelo a una mentalidad más escéptica. -Se toma la naturaleza como modelo para el arte. -Temas: junto a temas patéticos y crueles en los que se representa Ia degeneración de costumbres y de pensamiento, se realizan temas íntimos y delicados; junto a representaciones grandiosas se hacen escenas triviales. -Actitudes más dramáticas en las figuras de los dioses tradicionales. -Se multiplican las alegorías siguiendo la tendencia al antropomorfismo: ríos, ciudades representados en forma humana.. -Amplio desarrollo del retrato, de gran penetración psicológica (se traslucen estados de ánimo, -No hay inconveniente en representar lo feo y lo grotesco. -En cuanto a la técnica, destaca el perfecto estudio anatómico de las figuras. El ropaje cobra valor por si mismo, se hace expresivo.
ESCUELAS Y OBRAS PRINCIPALES ESCUELA DE RODAS
VICTORIA DE SAMOTRACIA
LAOCOONTE
AFRODITA
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ESCUELA NEOÁTICA
EL NIÑO DE LA ESPINA
ESCUELA DE MILO
VENUS DE MILO
ESCUELA DE PERGAMO GALO HERIDO
ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO
ESCUELA DE ANTIOQUIA
ESCUELA DE ALEJANDRIA
EROS Y PSIQUE
ALEGORÍA DEL NILO
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