Dutch and Indonesian Art

D u t c h

a n d

I n d o n e s i a

I n d o n e s i a n

d a n

B e l a n d a

1

2

D u t c h

a n d

I n d o n e s i a

I n d o n e s i a n

d a n

B e l a n d a

3

4

Art and design at the Embassy of the Kingdom of the Netherlands in Jakarta

Seni dan desain di dalam Kedutaan Besar Kerayaan Belanda di Jakarta

5

6

Table of contents Daftar isi Preface - Pendahuluan 7 Introduction - Introduksi 8 Artists from A to Z - Seniman dari A hingga Z 12 1. Philip Akkerman 14 2. Marijn Akkermans 16 3. Woody van Amen 18 4. Danielle van Ark 20 5. Jasper de Beijer 22 6. Eva Besnyö 24 7. Pieter Bijwaard 26 8. Leendert Blok 28 9. Marinus Boezem 30 10. Eelco Brand 32 11. Rinke Nijburg and Remco Campert 34 12. Hans Dukkers 36 13. Marlene Dumas 38 14. Hadassah Emmerich 40 15. Ad Gerritsen 46 16. Marnix Goossens 48 17. Norbert Gawronski 50 18. Klaas Gubbels 52 19. Jacqueline Hassink 54 20. Piet van Heerden 56 21. Henk Helmantel 58 22. Jeroen Henneman 60 23. Heringa/Van Kalsbeek 62 24. Jeroen Hermkens 64 25. Willem van den Hoed 66 26. Hillebrand van Kampen 68 27. Bert Keller 70 28. Johan van der Keuken 72 29. Jaap Kroneman 74 30. Wilma Kuil 76 31. Kadir van Lohuizen 78 32. Peter Martens 80 33. Dorothée Meijer 82 34. Arthur Mulder 84 35. Jeroen Oerlemans 86 36. Cas Oorthuys 88

37. Pim van Os 92 38. Willem den Ouden 94 39. Sanne Peper 96 40. Sem Presser 98 41. Jolanda Prinsen 100 42. Zeger Reyers 102 43. Jan Rothuizen 104 44. Raden Saleh 106 45. Viviane Sassen 112 46. Mark Schalken 114 47. Tomas Schats 116 48. Scheltens and Abbenes 118 49. Marleen Sleeuwits 120 50. Otto Snoek 122 51. Esther Stasse 124 52. Anoek Steketee 126 53. Rudi Struik 128 54. Shinkichi Tajiri 130 55. Hanneke van Velzen 132 56. Koen Vermeule 134 57. Carel Visser 136 58. Philippe Vogelenzang 138 59. Anton Vrede 140 60. Christoffel Steitz de Wilde 142 61. Raimond Wouda 144 62. Steef Zoetmulder 146 63. Ronald Zuurmond 148 Interior design and murals at the ground floor and Erasmus Huis Library 150 Interior design and murals first floor 152 Interior design and murals second floor 154 Interior design and murals third floor 156 Sustainable Design: Darina Maulana 158 Philippien Noordam’s favorites 162 Miniature index 168 7

8 6

Preface

Pendahuluan

The world around us changes rapidly. To keep track of all the developments, the Ministry of Foreign Affairs and our diplomatic missions abroad need to constantly change in the same pace. Only then we will be able to successfully serve the Netherlands’ interests 24/7, worldwide, now and in the future.

Dunia di sekitar kita berubah begitu cepat. Untuk mengikuti segala perkembangan, Kementerian Luar Negeri Belanda dan perwakilan diplomatik di seluruh dunia harus berubah seiring dengan perkembangan zaman. Pada saat itulah, kami dapat melayani kepentingan Belanda 24/7, di seluruh dunia, saat ini dan di masa depan.

In the past four years the Embassy in Jakarta has made tremendous steps in keeping up with this pace, and has undergone quite a transformation. A contemporary mission and vision statement has been made and the management philosophy has been adjusted accordingly. Together with all staff members the requirements of the new Embassy have been plotted. A huge investment has been made in modern technology, varying from providing location independent working to investing in the climate control of the building.

Dalam empat tahun terakhir, Kedutaan di Jakarta telah membuat terobosan dalam mengikuti perkembangan zaman dan telah melewati transformasi yang berarti. Misi dan visi yang kontemporer telah dibuat dan filosofi manajemen telah disesuaikan.

Kriteria untuk Kedutaan yang baru telah direncanakan bersama semua staf. Investasi yang besar telah dirancang untuk teknologi modern, mulai dari menyediakan lokasi untuk bekerja secara independen hingga mengendalikan iklim bangunan.

Recently, the last part of the transformation process and the biggest renovation in the history of the building of both the Embassy and the neighboring Erasmus Huis has been finalized.

Belum lama ini, bagian terakhir dari proses transformasi dan renovasi terbesar dalam sejarah pada gedung Kedutaan dan Erasmus Huis telah dirampungkan.

Thus the renovation is the physical culmination of a broader transformation process of the Embassy: more open, transparent and accountable. An innovative place that is flexible, light and inspiring. A place to welcome the exchange of knowledge and ideas.

A place to meet and greet. A place to connect. A place that is ready for the future.

Renovasi merupakan penyempurnaan bentuk dari proses transformasi yang menyeluruh di Kedutaan: lebih terbuka, transparan dan akuntabel. Tempat inovatif yang fleksibel, terang, dan menginspirasi. Sebuah tempat yang terbuka untuk bertukar pengetahuan dan gagasan. Tempat pertemuan. Tempat untuk berkenalan. Tempat yang siap untuk masa depan.

During the renovation, new dimensions have been created in the architectural structure of the building, thus revealing the interaction between sober lines and daylight. The interior, in which only Dutch Design furniture and lighting have been applied, is a show case of the best the Netherlands has to offer at the moment. Since cultural connection plays an important role in the bilateral relationship between Indonesia and the Netherlands, art and artists have always been in the heart of the Embassy’s work.

The modern and Dutch image has been perfected by putting more than 80 works of art on display.

Selama renovasi, dimensi-dimensi baru telah diciptakan pada struktur arsitektur bangunan, menguak interaksi antara garis-garis yang tegas dan pencahayaan natural.

Pada bagian dalam, di mana hanya furnitur dan pencahayaan dari Dutch Design yang diterapkan, menampilkan yang terbaik yang Belanda miliki saat ini. Karena hubungan kebudayaan mempunyai peran yang penting dalam hubungan bilateral antara Indonesia dan Belanda, seni dan seniman selalu menjadi sentral dari pekerjaan yang dilakukan oleh kedutaan.

In this book, assembled and designed by Annemarijn de Boer, these art works will be presented to you, both depicting the work of art and the background of the artist.

Pada buku yang disusun dan didesain oleh Annemarijn de Boer ini, karya-karya tersebut akan diperlihatkan kepada Anda, mulai dari karya seni hingga latar belakang dari senimannya.

We have invested in both the Embassy and the renewed Erasmus Huis because The Netherlands deeply believes in our relationship with Indonesia. Not only today, or tomorrow, but for many, many years to come.

Yoka Brandt Secretary General Ministry of Foreign Affairs

Kami telah berinvestasi pada Kedutaan dan Erasmus Huis yang baru, karena Belanda menaruh kepercayaan yang penuh dalam relasinya dengan Indonesia. Tidak hanya hari ini, atau besok, tetapi juga untuk tahun-tahun mendatang.

Yoka Brandt Sekretaris Jenderal Kementerian Luar Negeri Belanda

9

Introduction

Art has been an important and integral part of constructions and renovations of Dutch Embassies for years. For larger construction projects, it is customary to commission a Dutch artist to create an artwork that expresses, visibly and artistically, the presence of the Dutch Embassy in a country.

Because of the renovation of the Embassy in Jakarta in 2018 and 2019, new dimensions have been created within the architecture of the building and the art scene comprising of Dutch and Indonesian artists. More than eighty artworks, carefully curated by art advisor Philippien Noordam of WorldWide Working (3W, a Central Government Shared Service Organization from the Ministry of Foreign Affairs), are currently on display.

Noordam: ‘We have chosen for restraint in color for the artworks in the Embassy, as this is in direct dialogue with the colorful wall painting of Hadassah Emmerich. An even greater color addition through art with more color, would result in a cacophony and would probably also be unable to compete with the work of Emmerich. The main idea for the current selection is art with little color and lots of black and white.’

‘The artworks often express something about the Netherlands, for example street scenes from the past and the present, the Dutch people or nature. Photography is most prominent in the Embassy, but is occasionally combined with paintings, prints, and illustrations. The large walls are used for collages of artworks, so while there is not too much color, there is plenty to see. This is occasionally mixed with independent artworks that create a monumental appearance.’

10

Three themes can be distinguished on the first floor. These are 1) urban landscapes with a lot of Dutch scenery in black and white, 2) portraits, and 3) historical photos of the Netherlands and daily urban life. For enclosed spaces, the themes are not always used so that the effect of surprise arises. A series of portraits by Ad Gerritsen are selected for the corridor on the first floor.

Flowers are the main theme on the second floor. The selected works are generally restrained in the use of color so that they do not compete with the work of Emmerich.

The third floor houses the two centerpieces of Raden Saleh, combined with an old Dutch cupboard. In response to the beautiful Indonesian landscapes, there are two black and white photos of the Dutch landscape. Old Dutch illustrations and maps are displayed together with maps made by Joan Blaeu on which Marinus Boezem has added weather maps.

Finally, one of the meeting rooms features photos of a flower that is printed on the outside of a lorry. These lorries transport flowers to Schiphol and other places in Europe for export. The images have been carefully selected by the owner of the truck. If you look closely, the damaged coating is visible. In the waiting room and the adjacent room, one can admire a digitally changing fantasy flower field by Eelco Brand, combined with a contemporary tulip vase by Esther Stasse.

All the artworks in this catalog belong to the Ministry of Foreign Affairs or to the Collection of the Cultural Heritage Agency of the Netherlands.

Seni telah menjadi bagian penting dan tak terpisahkan dalam pembangunan dan rekonstruksi Kedutaan Belanda selama bertahun-tahun. Untuk proyek konstruksi yang lebih besar, merupakan suatu kebiasaan untuk menugaskan seorang seniman Belanda guna menciptakan sebuah karya seni yang mengekspresikan, secara kasat mata dan artistik, kehadiran Kedutaan Belanda di sebuah negara.

Disebabkan renovasi Kedutaan Belanda di Jakarta pada tahun 2018 dan 2019, dimensi baru telah diciptakan di dalam arsitektur bangunan dan instalasi seni yang terdiri dari seniman-seniman Belanda dan Indonesia. Lebih dari delapan puluh karya seni dikurasi dengan cermat oleh penasihat seni Philippien Noordam dari WorldWide Working (3W, sebuah Organisasi Layanan Bersama Pemerintah Pusat dari Kementerian Luar Negeri), sekarang sedang ditampilkan.

Noordam: ‘Kami telah memilih pembatasan warna untuk karya-karya seni di Kedutaan ini, dikarenakan karya-karya ini berinteraksi langsung dengan lukisan dinding Hadassah Emmerich. Penambahan warna yang lebih besar melalui seni dengan warna yang lebih banyak, akan menghasilkan hiruk-pikuk dan mungkin juga tidak akan mampu untuk bersaing dengan karya dari Emmerich. Gagasan utama dari pilihan saat ini adalah seni dengan sedikit warna dan banyak karya hitam-putih.’ ‘Karya-karya seni ini seringkali mengekspresikan sesuatu tentang Belanda, seperti suasana jalanan dari masa lampau dan masa kini, orang-orang Belanda maupun alam. Fotografi merupakan hal yang paling menonjol di Kedutaan ini, tetapi ada kalanya digabungkan dengan lukisan-lukisan, cetakan-cetakan, dan ilustrasi-ilustrasi.

Tembok-tembok besar digunakan untuk kolase karya-karya seni, jadi meskipun tak terlalu banyak warna, masih ada cukup banyak yang bisa dilihat.’

Adakalanya karya-karya ini dipadukan dengan karya-karya seni independen yang menciptakan sebuah penampilan monumental.

Di lantai pertama dapat ditemukan tiga tema. Ada 1) lanskap perkotaan dengan banyak pemandangan Belanda dalam hitam-putih, 2) potret, dan 3) foto-foto bersejarah dari Belanda serta kehidupan perkotaan sehari-hari. Untuk ruang-ruang tertutup, tema-tema tersebut tak selalu diterapkan sehingga menjadi sebuah kejutan. Sebuah seri potret oleh Ad Gerritsen dipilih untuk koridor di lantai pertama.

Bunga-bunga adalah tema utama di lantai kedua. Karya-karya yang dipilih secara umum dibatasi dalam penggunaan warna sehingga karya-karya tersebut tidak bersaing dengan karya dari Emmerich. Lantai ketiga menjadi rumah bagi dua karya utama milik Raden Saleh yang digabungkan dengan sebuah lemari tua Belanda. Sebagai respons dari lanskap Indonesia yang indah, ada dua foto lanskap Belanda dalam hitam-putih.

Serangkaian ilustrasi dan peta kuno Belanda ditampilkan bersama dengan peta yang dibuat oleh Joan Blaeu di mana Marinus Boezem telah menambahkan peta cuaca.

Akhirnya, tampak di salah satu ruang rapat, foto-foto bunga yang dicetak di luar sebuah truk. Truk-truk ini membawa bunga-bunga tersebut ke Schiphol dan tempat-tempat lain di Eropa untuk diekspor. Gambar-gambar ini telah dengan cermat dipilih oleh pemilik truk. Jika Anda melihat dari dekat, terlihat lapisan yang rusak. Di ruang tunggu dan ruang yang berdekatan, anda dapat mengagumi sebuah lapangan bunga fantasi digital yang berubah-ubah oleh Eelco Brand, digabungkan dengan vas tulip kontemporer oleh Esther Stassen.

Semua karya seni dalam katalog ini milik Kementerian Luar Negeri atau Koleksi Badan Warisan Budaya Belanda.

11

"The artworks often tell something about the Netherlands, the street scene from the past and the present, the people, and the nature."

- Philippien Noordam

12

13

Artists from A to Z Seniman dari A hingga Z

14 12

15 13

14 16

Title/judul: Tekening nr. 99

Title/judul: Tekening nr. 127

Title/judul: Tekening nr. 41

Jaar/tahun: 1996

Year/tahun: 1992

Year/tahun: 1996

Dimensions/dimensi: 50 x 32 cm

Dimensions/dimensi: 50 x 43 cm

Dimensions/dimensi: 40 x 34 cm

Technique/teknik: mixed techniques on paper/

Technique/teknik: mixed techniques on paper/

Technique/teknik: mixed techniques on paper/

teknik campuran di atas kertas

teknik campuran di atas kertas

teknik campuran di atas kertas

Philip Akkerman Year of birth: 1957 Painter Philip Akkerman lives and works in The Hague. Since 1981, he built up an immense collection that consists of more than three thousand self-portraits. These are generally made with oil colors, but sometimes combined with tempera. Tempera is paint based on the mixture of natural pigments and egg yolk. Akkerman has a traditional way of composing a scene: he starts with a composition, then uses light and dark elements, and after that he adds more color.

It is characteristic that Akkerman once stated that he is increasingly narrowing himself down in his work, which he regards “as pure profit”. He limits himself to just paint with oil colors, use three standard formats, and only the theme of self-portraits.

His work only really stands out when you see multiple paintings. Only then the possibilities offered by painting within his self-established limits will become clear.

His research into the expressive, formal, technical, and stylistic aspects then fully emerges and it might even approach the essence of what painting is.

The self-portrait is one of the most well-known expressions in art history. Therefore, it also serves as an inexhaustible source of inspiration. Akkerman finds this in renaissance painters such as Van Scorel and Rubens, but also in modern painters such as Van Gogh or Otto Dix. Since 2000, in most of his more recent works, the color palette has become leaner and the classic Dutch gray and brown tones are increasingly used. Ever since the 15th and 16th century, these have been the colors that dominated works by Dutch painters. Only gradually and influenced by the impressionism, the use of color was increased.

Akkerman is a true painter and yet, in 2003, he translated one of his self-portraits into graphic art. He chose screen printing and based himself on an older work of his own. “The invisible man” was released with a circulation of fifty copies. This work provides the observer the opportunity to see a representative translation of his oeuvre. The repetitive effect, the small dimensions, and the various styles provide a rhythmic and interesting picture. This is further enhanced through the contrast between the brown surface and the silver-gray linings of the work.

Pelukis Philip Akkerman tinggal dan bekerja di Den Haag. Sejak 1981, ia membangun koleksi besar yang terdiri dari lebih dari tiga ribu potret diri. Koleksi tersebut umumnya dibuat dengan cat minyak yang sesekali dikombinasikan dengan tempera. Tempera adalah medium lukisan yang berbahan dasar campuran pigmen alami dan kuning telur. Akkerman memiliki cara tradisional dalam membangun suasana: ia memulai dengan suatu komposisi, kemudian menggunakan elemen terang dan gelap, setelah itu ia menambahkan lebih banyak warna.

Ini adalah karakteristik yang pernah dikatakan Akkerman bahwa ia semakin membatasi dirinya dalam karyanya, yang ia anggap sebagai “keuntungan yang murni”. Akkerman membatasi dirinya hanya untuk melukis dengan cat minyak, menggunakan tiga format standar, dan hanya melukis tema potret diri. Karyanya baru benar-benar dapat dikenali setelah Anda melihat beberapa lukisan. Hanya dengan begitu kemungkinan-kemungkinan yang ditawarkan oleh lukisan menjadi jelas dalam batas-batas yang ditetapkannya sendiri. Penelitiannya mengenai aspek ekspresif, formal, teknis, dan gaya kemudian sepenuhnya muncul dan mungkin mendekati esensi dari apa itu melukis.

Potret diri adalah salah satu ekspresi yang paling terkenal dalam sejarah seni. Oleh karena itu, potret diri juga berfungsi sebagai sumber inspirasi yang tidak ada habisnya.

Akkerman menemukan hal tersebut pada pelukis renaisans seperti Van Scorel dan Rubens, begitu juga pada pelukis modern seperti Van Gogh atau Otto Dix. Sejak tahun 2000, dalam sebagian besar karya terbarunya, palet warnanya menjadi lebih ramping, dimana warna abu-abu dan cokelat khas Belanda klasik semakin banyak digunakan.

Sejak abad ke-15 dan 16, warna-warna inilah yang mendominasi karya-karya pelukis Belanda. Hanya secara bertahap dan dipengaruhi oleh impresionisme, penggunaan warna pun semakin meningkat.

Akkerman adalah seorang pelukis sejati, namun pada tahun 2003 ia menerjemahkan salah satu potret dirinya menjadi sebuah seni grafis. Dia memilih teknik sablon dan membuat dirinya berdasarkan pada karyanya yang terdahulu. “The invisible man” dirilis dengan sirkulasi lima puluh eksemplar. Karya ini memberikan pengamat kesempatan untuk melihat terjemahan representatif dari karya-karya Akkerman. Efek berulang, dimensi kecil, dan berbagai gaya memberikan hasil gambar yang berirama dan menarik. Hal tersebut lebih ditingkatkan melalui kontras antara permukaan cokelat dan lapisan perak-abu-abu.

17

Marijn Akkermans Year of birth: 1975

18

Marijn Akkermans creates intriguing large and small portraits, drawings with pencil, ink and gouache on paper. With the use of transparent gray colors, he manages to evoke a special and slightly undefined world. A world where the people portrayed seem to be aware that they are being watched. We are particularly touched and convinced by these enigmatic figures.

Marijn Akkermans menciptakan potret besar dan kecil yang menarik, gambar dengan pensil, tinta, dan guas di atas kertas. Dengan menggunakan warna abu-abu transparan, ia berhasil membangkitkan dunia yang spesial dan sedikit tidak terdefinisi.

Dunia di mana orang-orang yang digambarkan tampaknya sadar bahwa mereka sedang diawasi. Kami sangat tersentuh dan diyakinkan oleh tokoh-tokoh misterius ini.

In his carefully composed drawings, Akkermans explores the nature of psychological themes. The figures are larger than life size. Figuration and abstraction intersect.

A central question that these drawings evoke is whether we can fully see and understand ourselves? Or is our perception subjected to change and therefore elusive?

Dalam gambar-gambarnya yang tersusun dengan cermat, Akkermans mengeksplorasi sifat tema-tema psikologis. Karyanya berukuran sangat besar. Bentuk dan abstraksi saling bersinggungan. Inti pertanyaan yang ditimbulkan oleh gambar-gambar ini adalah apakah kita dapat sepenuhnya melihat dan memahami diri kita sendiri? Atau apakah persepsi kita dapat berubah dan karenanya sulit dipahami?

Title/judul: Blindfold Year/tahun: 2007 Technique/teknik: ink, gouache, and coloured pencil on paper/tinta, guas, dan pensil warna di atas kertas Dimensions/dimensi: 150 x 119,5 cm

19 17

Woody van Amen Year of birth: 1936

Wilhelmus Josephus van Amen adalah seorang pematung, pelukis, dan seniman kolase Belanda. Ia belajar di Akademi Seni di Rotterdam dan merupakan murid Louis van Roode. Pada tahun 1959, van Amen menciptakan lukisan terpanjang di dunia dengan melukis buku musik organ secara abstrak.

Pada awal 1960-an, van Amen pergi ke Amerika Serikat di mana ia bertemu Andy Warhol dan Robert Rauschenberg, keduanya merupakan perintis seni pop. Benda sehari-hari dari masyarakat konsumen dimasukkan ke dalam karya seniman ini. Van Amen terinspirasi oleh ini dan membuat sejumlah lukisan di mana ia memasukkan nama-nama merek Belanda.

Ketika van Amen kembali ke Belanda setelah dua tahun, ia mengembangkan gayanya sendiri dan beralih ke teknik lain. Dia fokus pada seni perakitan dan menciptakan karya seninya dari semua jenis benda yang ada dalam kehidupan sehari-hari.

Wilhelmus Josephus van Amen is a Dutch sculptor, painter, and collage artist. He studied at the Art Academy in Rotterdam and was a student of Louis van Roode. In 1959, van Amen created the longest painting in the world by painting organ music books abstractly.

In the early 60’s, van Amen went to the United States where he met Andy Warhol and Robert Rauschenberg, both pop art pioneers.

Everyday objects from the consumer society were incorporated into the work of these artists. Van Amen was inspired by this and made a number of paintings in which he incorporated Dutch brand names.

Sejak 1970-an dan seterusnya, van Amen sering bepergian ke Asia Tenggara. Hal tersebut menghasilkan pengaruh oriental dalam karyanya, begitu juga kaitannya dengan Indonesia. Pada tahun 2003, Museum “Het Valkhof” di Belanda menyelenggarakan pameran retrospektif karya van Amen. Untuk pameran ini, sebuah katalog yang berisi karya-karyanya diterbitkan.

Pada 2007, van Amen membuat film berjudul “Sources of Inspiration”.

Film ini adalah kumpulan rekaman perjalanannya di Asia Tenggara, seperti melalui Vietnam, Myanmar, dan Indonesia. Masyarakat, agama, dan keindahan alam memainkan peran utama.

When van Amen returned to the Netherlands after two years, he developed his own style and switched also to other techniques. He focused on assembly art and created his artworks from all kinds of ordinary everyday objects.

From the 70’s onwards, van Amen traveled frequently to Southeast Asia. This resulted in an oriental influence in his work, as well as the connection with Indonesia. In 2003, Museum “Het Valkhof” in the Netherlands organized a retrospective exhibition of his work. For this exhibition, an oeuvre catalog was published.

In 2007, van Amen created a movie called “Sources of Inspiration”. This movie is a collection of recordings of his travels through Southeast Asia, for example through Vietnam, Myanmar, and Indonesia. People, religion, and the beauty of nature play leading roles.

20

Title/judul: Volendam Year/tahun: 1981 Technique/teknik: collage/ kolase Dimensions/dimensi: 70 x 56 cm

21

Danielle van Ark Year of birth: 1974

Title/judul: Untitled/Tanpa Judul Year/tahun: 2011 Technique/teknik: inkjet print/cetak inkjet Dimensions/dimensi: 38 x 48,7 cm

22

DaniĂŤlle van Ark majored in photography at the Royal Academy of Visual Art in The Hague. In 2005, after graduating, she left for New York to work as an assistant to photographer Dana Lixenberg.

DaniĂŤlle van Ark mengambil jurusan fotografi di Royal Academy of Visual Art di Den Haag. Pada 2005, setelah lulus, ia berangkat ke New York untuk bekerja sebagai asisten fotografer Dana Lixenberg.

Van Ark now lives in both New York and Amsterdam and participates in various group exhibitions at leading national and international art museums. She had her first major exhibition in Brooklyn. In her work, one is able to identify a fascination with status, power, and transience. All this arises from the emotional and unnatural relationship she creates with her subject.

Van Ark saat ini tinggal di New York dan Amsterdam dan berpartisipasi dalam berbagai pameran kelompok di museum seni nasional dan internasional terkemuka. Pameran besar pertamanya diselenggarakan di Brooklyn. Dalam karyanya, seseorang dapat mengidentifikasi daya tarik dengan status, kekuatan, dan kefanaan. Semua ini muncul dari hubungan emosional dan hubungan tidak alami yang ia ciptakan dengan subjeknya.

Title/judul: Lot 16 + Lot 17 Year/tahun: 2018 Technique/teknik: inkjet print/cetak inkjet Dimensions/dimensi: 42 x 32,5 cm 23

From top left to bottom right Dari kiri atas ke kanan bawah Title/judul: Buitenpost 1 Year/tahun: 2004 Technique/teknik: drawing/menggambar Dimensions/dimensi: 12 x 16 cm Title/judul: Buitenpost 18 Year/tahun: 2004 Technique/teknik: drawing/menggambar Dimensions/dimensi: 12 x 16 cm Title/judul: Buitenpost 15 Year/tahun: 2004 Technique/teknik: drawing/menggambar Dimensions/dimensi: 12 x 16 cm Title/judul: Buitenpost 7 Year/tahun: 2004 Technique/teknik: drawing/menggambar Dimensions/dimensi: 12 x 16 cm 24

Jasper de Beijer Year of birth: 1973

Sometimes, Jasper de Beijer works on just one photo for months. He makes detailed dioramas in his studio, which he then again photographs and processes on his computer. De Beijer entered the art scene a few years ago with his ‘Buitenpost’ photo series that was exhibited at Art Amsterdam. For this series, de Beijer was inspired by the colonial history of the Indonesian city Bogor.

The mix of scale models that are drawn together as well as cut-out, and masks and dolls of colonial officials bathed in tropical light immediately set the tone for the series that followed. With scale models, sketches, engravings, and the computer, de Beijer evokes an aggravated world that stands next to the historical subjects that he deals with. Especially the mix of rigidity and virtuosity makes the staging of portraits very strong.

Terkadang, Jasper de Beijer bekerja hanya pada satu foto selama berbulan-bulan.

Dia membuat diorama terperinci di studionya, yang kemudian dia foto dan proses di komputernya. De Beijer memasuki dunia seni beberapa tahun lalu dengan seri foto ‘Buitenpost’ yang dipamerkan di Art Amsterdam. Untuk seri ini, de Beijer terinspirasi oleh sejarah kolonial Kota Bogor di Indonesia.

Campuran model skala yang digabungkan bersama serta cut-out, dan topeng dan boneka pejabat kolonial bermandikan cahaya tropis segera mengatur nada untuk seri yang diikuti. Dengan model-model berskala, sketsa, ukiran, dan komputer, de Beijer membangkitkan dunia yang semakin buruk yang berdiri di samping subyek sejarah yang ia tangani. Terutama campuran kekakuan dan keahlian membuat pementasan potret-potret menjadi sangat kuat.

25

Eva Besnyö Lived from 1910 to 2003 Left/kiri Title/judul: Zeeland Year/tahun: 1980 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 15 x 15 cm Below/bawah

Eva Besnyö was a half-Dutch, half-Hungarian photographer that participated in the new photography movement in the beginning of the twentieth century. Besnyö was born in Budapest and went on to study there with the famous photographer Jozsef Pecsi. In 1930, she left for Berlin and met her husband John Fernhout. He introduced her to the famous painter Charley Toorop. Besnyö often captured urban environments.

In the 30’s, Besnyö photographed a lot of commissioned architecture. After the war, she shifted her attention to documentary series. In the 70’s, Besnyö was very much involved with the Dolle Mina’s and captured much of this Dutch feminist movement that was rallying for equal rights for women.

Eva Besnyö adalah fotografer setengah Belanda, setengah Hungaria yang berpartisipasi dalam gerakan fotografi baru di awal abad kedua puluh. Besnyö lahir di Budapest dan belajar di sana bersama fotografer terkenal Jozsef Pecsi. Pada tahun 1930, ia pergi ke Berlin dan bertemu dengan suaminya John Fernhout. John Fernhout memperkenalkannya pada pelukis terkenal Charley Toorop. Besnyö sering memotret lingkungan perkotaan.

Pada 1930-an, Besnyö memotret banyak arsitektur yang ditugaskan. Setelah perang, ia mengalihkan perhatiannya ke serial dokumenter. Pada tahun 1970-an, Besnyö sangat terlibat dengan Dolle Mina dan memotret banyak gerakan feminis Belanda yang berjuang untuk persamaan hak bagi perempuan.

26

Title/judul: Scheepswerf Alkmaar Year/tahun: 1950 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 31,5 x 30 cm

27

Pieter Bijwaard Year of birth: 1955 Defining Pieter Bijwaard’s work is not easy, as he uses many styles and techniques: loose, sleek, colourful, black and white, as well as figurative, and abstract. Yet every image is unmistakably from the same artist.

Regardless of the technique he uses, there is always an almost tangible world behind the artwork.

What his works are about always remains a mystery, but they bring their audiences to places where it is mysterious and intense. The work can be gloomy, but also complex. Experimentation and skill go hand in hand, and by that the work is and remains a vivid piece of craftsmanship.

Bijwaard preserves his freedom to investigate and change his work at all times. All his works have something in common: their size of 100 x 90 cm. Exceptions are the drawings he made for various books he created in collaboration with writers and poets. Bijwaard’s works are located at the third floor of the Embassy.

Mendefinisikan karya Pieter Bijwaard tidaklah mudah, karena ia menggunakan banyak gaya dan teknik: bebas, halus, penuh warna, hitam dan putih, serta figuratif, dan abstrak. Namun setiap gambar terlihat jelas dari seniman yang sama. Terlepas dari teknik yang ia gunakan, selalu ada dunia yang hampir nyata di balik karya seni Bijwaard.

Arti dari karya-karya Bijwaard selalu menjadi misteri, tetapi karya-karyanya membawa audiens mereka ke tempat-tempat yang misterius dan intens. Karya Bijwaard dapat terlihat suram, tetapi juga rumit. Eksperimen dan keterampilan berjalan beriringan, dan dengan cara tersebut, karyanya tetap menjadi hasil karya keterampilan yang jelas.

Title/judul: De schaker Year/tahun: 2000 Technique/teknik: black and white drawing of a lithograph/

Bijwaard mempertahankan kebebasannya untuk menyelidiki dan mengubah karyanya setiap saat. Semua karyanya memiliki kesamaan: ukurannya 100 x 90 cm. Kecuali gambar yang ia buat untuk berbagai buku yang ia buat bekerja sama dengan penulis dan penyair. Karya Bijwaard terletak di lantai tiga Kantor Kedutaan Besar.

28

gambar hitam dan putih dari litograf Dimensions/dimensi: 100 x 90 cm

Title/judul: De dromer

Title/judul: De jager

Year/tahun: 2000

Year/tahun: 2000

Technique/teknik: black and white drawing of a lithograph

Technique/teknik: black and white drawing of a lithograph

/gambar hitam dan putih dari litograf

/gambar hitam dan putih dari litograf

Dimensions/dimensi: 100 x 90 cm

Dimensions/dimensi: 100 x 90 cm

29

Leendert Blok Lived from 1895 to 1986 Leendert Blok was an innovative photographer who lived during the twentieth century. He was able to capture the natural beauty of flowers like no other. Early on, Blok experimented with colour photography and developed his own technique making close-up shots of tulips, dahlias, hyacinths, and daffodils. He managed to make a living from his passion by working with flower wholesalers that wanted to present their assortment in a catalogue. However, if we look at these photos individually, they are no longer a product but an artwork itself.

Everyone knows the phenomena of advertisements: displaying products that promise their new owner to be elevated beyond everyday life. The same is true for other merchandise, it can go beyond its usage status based on how it is depicted. The superior quality of Blok’s photos does not suggest that these are ‘just’ pages from a product catalogue.

At the beginning of the twentieth century, Blok studied journalism in South Africa. Afterwards, he returned to Lisse, in the middle of the so called Bollenstreek (‘Flower-bulb region’) in the Netherlands, to become fascinated with these flowers.

Since that moment, his photos have become part of the botanical photography canon. With his publication of “Silent Beauties”, Blok’s photos became known to a larger audience.

Although his attention to detail almost made him a botanist, he was nevertheless a botanical photographer because of an important difference. His approach to his subjects was not one of a botanist, but of a portrait photographer. For example, he brought blossoms to life and chose to capture the essence of each and every flower as an individual sculptural form or as part of a composition.

30 28

Leendert Blok adalah seorang fotografer inovatif yang hidup pada abad kedua puluh. Kemampuannya mengabadikan keindahan alami bunga tidak tertandingi.

Awalnya, Blok bereksperimen dengan fotografi warna dan mengembangkan tekniknya sendiri membuat bidikan tulip, dahlia, hyacinth, dan bakung dari jarak dekat. Dia berkomitmen untuk hidup dari hasratnya dengan bekerja dengan pedagang grosir bunga yang ingin menyajikan bermacam-macam bunga dalam katalog. Namun, jika kita melihat foto-foto ini satu per satu, mereka bukan lagi produk tetapi karya seni itu sendiri.

Semua orang tahu fenomena iklan: menampilkan produk yang menjanjikan pemilik baru dari produk tersebut meningkat lebih tinggi dari kehidupan sehari-hari.

Hal yang sama berlaku untuk barang dagangan lain, dapat melampaui status penggunaannya berdasarkan pada bagaimana barang tersebut digambarkan.

Kualitas superior foto Blok tidak menunjukkan bahwa ini hanya halaman dari katalog produk.

Pada awal abad kedua puluh, Blok belajar jurnalisme di Afrika Selatan. Setelah itu, ia kembali ke Lisse, di tengah-tengah kawasan umbi bunga di Belanda, untuk menjadi terpesona dengan bunga-bunga ini. Sejak saat itu, foto-fotonya telah menjadi bagian dari kanon fotografi. Dengan publikasi “Silent Beauties”, foto-foto Blok dikenal oleh khalayak luas.

Meskipun perhatiannya terhadap detail hampir menjadikannya seorang ahli botani, namun ia tetap seorang fotografer botani karena satu perbedaan penting.

Pendekatannya pada subjek bukanlah seorang ahli botani, tetapi seorang fotografer potret. Sebagai contoh, ia menghidupkan bunga dan memilih esensi dari setiap bunga sebagai bentuk pahatan individu atau sebagai bagian dari komposisi.

Title/judul: Flowers/Bunga Year/tahun: 1920 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: unknown/ tidak diketahui 31 29

Title/judul: Cartografia 1572 - 1997 Year/tahun: 1991 Technique/teknik: ink, lithograph, embossed print /tinta, litograf, cetak timbul Dimensions/dimensi: 45,9 x 58 cm 32 30

Marinus Boezem Year of birth: 1934

Marinus Boezem is a Dutch sculptor who lives and works in Middelburg. He studied for a year at the Art Academy in Utrecht and continued his art education at the Vrije Academie in The Hague. Until the end of the 50’s, Boezem was mainly focused on drawing and painting. However, he eventually decided to work in a more spatial way. In the second half of the 60’s, together with artists Jan Dibbets and Ger van Elk, Boezem was one of the most important representatives of conceptual art and Arte Povera. This was an influential art movement in the seventies with similarities to international phenomena such as land art and conceptual art. Installations that are part of this movement consist mainly of simple materials, hence the name “povera”, Italian for “poor”.

The art of Boezem at the Embassy in Jakarta are not spatial works. Street and weather maps are a major influence to his oeuvre. Therefore, for the three works located in the Embassy, Boezem combined old city maps with documentation about today’s weather conditions in various cities. He projected these contemporary weather maps on top of the old maps.

Boezem was inspired by the first urban atlas of Europe: the “Civitates Orbis terrarum” from 1572. This is also the first published world atlas. In addition, the cards of Joan Blaeu, a well-known Dutch seventeenth-century printer, publisher and cartographer, also inspired Boezem. For example, he uses various human figures next to the maps, a recognizable element that Blaeu also utilized in his cards. Boezem interprets the city maps as “quotes from the past” and re-edits them based on the personal experiences he has with these different cities. This way, he breaks cities out of their literal history and gives them meaning again. The works feature an overview of the world and therefore fit well into the theme.

Marinus Boezem adalah pematung Belanda yang tinggal dan bekerja di Middelburg.

Dia belajar selama satu tahun di Akademi Seni di Utrecht dan melanjutkan pendidikan seni di Akademi Vrije di Den Haag. Sampai akhir 50-an, Boezem terutama berfokus pada menggambar dan melukis. Namun, ia akhirnya memutuskan untuk bekerja dengan cara yang lebih spasial. Pada paruh kedua tahun 60-an, bersama dengan seniman Jan Dibbets dan Ger van Elk, Boezem adalah salah satu perwakilan paling penting dari seni konseptual dan Arte Povera. Ini adalah gerakan seni yang berpengaruh pada tahun tujuh puluhan dengan kemiripan dengan fenomena internasional seperti seni pertanahan dan seni konseptual. Instalasi yang merupakan bagian dari gerakan ini terutama terdiri dari bahan-bahan sederhana, maka nama “povera”, bahasa Italia untuk “miskin”.

Karya seni Boezem di Kanselir di Jakarta bukanlah karya spasial. Peta jalan dan cuaca merupakan pengaruh besar bagi karya-karyanya. Karenanya, untuk tiga karya yang berlokasi di Kedutaan Belanda, Boezem menggabungkan peta kota tua dengan dokumentasi tentang kondisi cuaca saat ini di berbagai kota. Dia memproyeksikan peta cuaca kontemporer ini di atas peta lama.

Boezem terinspirasi oleh atlas perkotaan pertama di Eropa: “Civitates Orbis terrarum” dari tahun 1572. Ini juga merupakan atlas dunia pertama yang diterbitkan. Selain itu, kartu Joan Blaeu, pencetak, penerbit, dan kartografer terkenal Belanda abad ketujuh belas, juga menginspirasi Boezem. Misalnya, ia menggunakan berbagai figur manusia di sebelah peta, elemen yang dapat dikenali yang juga digunakan Blaeu dalam kartunya. Boezem menafsirkan peta kota sebagai “kutipan dari masa lalu” dan mengeditnya kembali berdasarkan pengalaman pribadi yang ia miliki dengan kota-kota yang berbeda ini. Dengan cara ini, ia memecah kota dari sejarah harfiah mereka dan memberi mereka makna lagi. Karya-karya menampilkan gambaran dunia dan karenanya cocok dengan tema.

33 31

Eelco Brand Year of birth: 1969

The animations, prints, and sculptures that Eelco Brand constructs are created virtually and are handmade. Brand does not use any photographic material or scanned images: just his own imagination.

Before he started working with these digital techniques, Brand was a painter.

There are many similarities between a digital 3D animation and a painting. Unlike a painting, a 3D image can include movements, as the construction works as a virtual cinematic decor. The similarity is that both are handmade and start with an empty frame. A work is constructed layer by layer, and has the aim of creating the suggestion of a spatiality that extends inside and outside the frame edge.

Brand’s animations are presented as independent works, they have no beginning or end and there is no narrative development. In a digital animation, the last frame can be connected with arithmetic precision to the first one, providing no clear ending.

The animation is therefore like a perpetuum mobile, a continuous movement of a still image that was set in motion.

34

Title/judul: ZS. movi Year/tahun: 2014 Technique/teknik: digital 3D animation/animasi 3D digital Dimensions/dimensi: 65 x 109 cm

Animasi, cetakan, dan pahatan yang dibangun oleh Eelco Brand dibuat secara virtual dan buatan tangan. Brand tidak menggunakan bahan fotografi atau gambar yang dipindai: hanya imajinasinya sendiri.

Sebelum ia mulai bekerja dengan teknik-teknik digital ini, Brand adalah seorang pelukis. Ada banyak kesamaan antara animasi 3D digital dan lukisan. Tidak seperti lukisan, gambar 3D dapat menyertakan gerakan, karena konstruksinya berfungsi sebagai dekorasi sinematik virtual. Kesamaannya adalah keduanya buatan tangan dan mulai dengan bingkai kosong. Sebuah karya dibangun lapis demi lapis, dan memiliki tujuan untuk menciptakan kesan spasial yang meluas di dalam dan di luar tepi bingkai.

Animasi Brand disajikan sebagai karya independen, mereka tidak memiliki awal atau akhir dan tidak ada pengembangan naratif. Dalam animasi digital, frame terakhir dapat dihubungkan dengan presisi aritmatika ke yang pertama, tanpa memberikan akhir yang jelas. Oleh karena itu animasi seperti gerakan perpetuum, gerakan terus menerus dari gambar diam yang digerakkan.

35

Rinke Nijburg & Remco Campert Year of birth Rinke Nijburg: 1964 Year of birth Remco Campert: 1929

Rinke Nijburg was educated at the Academy of Visual Arts in Arnhem, the Ateliers in Arnhem, and the Royal Academy of Visual Arts in Amsterdam. In his visual work he connects religion, mythology, comics, fairy tales, and current social affairs to a dazzling cosmology. Nijburg’s work can be found in numerous public, private, and corporate collections, as well as museums. Furthermore, he is often active as a curator.

In 1998, a number of well-known Dutch artists were linked to well-known Dutch poets. Sometimes the poet was more famous, sometimes the artist. In this specific case, the poet was much more famous than the artist. Remco Campert, a well-known poet, was linked to Nijburg. The latter had just become one of the winners of the Prix de Rome for graphics in 1998 and still had to prove himself.

It was the idea that Campert would write two poems and that Nijburg would create two prints. But Campert would rather do it the other way around; Nijburg first had to fabricate two prints and then he would write two poems. Nijburg remembers that the poet was afraid he would “illustrate” his poems, an idea he did not like.

Whatever the case, Nijburg felt honoured that he could make two prints for which Campert would write two poems. One of the prints became a sort of “serial suicide”.

Three boys, looking very similar, shoot their guns in their own mouth exactly at the same time. Nijburg gave the print the title “Het Slotakkoord”. Campert made a short poem with the title “Schietgebed” (a Dutch saying for a quick prayer).

36

Rinke Nijburg menempuh pendidikan di Akademi Seni Visual di Arnhem, Ateliers di Arnhem, dan Royal Academy of Visual Arts di Amsterdam. Dalam karya visualnya ia menghubungkan agama, mitologi, komik, dongeng, dan urusan sosial saat ini dengan kosmologi yang memukau. Karya Nijburg dapat ditemukan di banyak koleksi publik, pribadi, dan perusahaan, serta museum. Selain itu, ia sering aktif sebagai kurator.

Pada tahun 1998, sejumlah seniman Belanda yang terkenal dihubungkan dengan penyair Belanda yang terkenal. Terkadang penyairnya yang lebih terkenal, terkadang senimannya. Dalam kasus khusus ini, penyair jauh lebih terkenal daripada seniman.

Remco Campert, seorang penyair terkenal, dikaitkan dengan Nijburg. Yang terakhir baru saja menjadi salah satu pemenang Prix de Rome untuk grafis pada tahun 1998 dan masih harus membuktikan diri.

Gagasan awalnya adalah Campert akan menulis dua puisi dan Nijburg akan membuat dua cetakan. Tetapi Campert lebih suka melakukan sebaliknya; Nijburg pertama-tama harus membuat dua cetakan dan kemudian dia akan menulis dua puisi. Nijburg ingat bahwa sang penyair takut dia akan “menggambarkan” puisinya, sebuah ide yang tidak dia sukai.

Apa pun masalahnya, Nijburg merasa tersanjung bahwa dia bisa membuat dua cetakan untuk mana Campert akan menuliskan dua puisi. Salah satu cetakan menjadi semacam “bunuh diri berantai”. Tiga bocah lelaki, terlihat sangat mirip, menembakkan senjata mereka di mulut mereka sendiri tepat pada saat yang sama. Nijburg memberi cetak judul “Het Slotakkoord”. Campert membuat puisi pendek dengan judul “Schietgebed” (bahasa Belanda untuk doa singkat).

Illustration/Ilustrasi Name/nama: Rinke Nijburg Title:/judul: Het slotakkoord Year/tahun: 1998 Technique/teknik: hand coloured drypoint on etching paper/ drypoint berwarna tangan pada kertas etsa Dimensions/dimensi: 56,5 x 40 cm

Poem/Sajak Name/nama: Remco Campert Title/judul: Schietgebed Year/tahun: 1998 Technique/teknik: handwritten on etching paper/ tulisan tangan di atas kertas etsa Dimensions/dimensi: 21 x 30 cm

37

Title/judul: Ajax en Feyenoord Subtitle: Rinus Israel, Tonny Pronk, Eddy Pieters Graafland, Gert Bals, Ove Kindvall and Johan Cruyff Year/tahun: 1968 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 60 x 70 cm

38

Hans Dukkers Lived from 1920 to 1985

From the 50’s until the second half of the sixties, Hans Dukkers was the most influential fashion photographer in the Netherlands. He can be regarded as the “founder” of the profession of model, at least in the Netherlands. Dukkers was skilled at finding the right women that were able to portray the couture of the first post-war generation of fashion designers.

Dari tahun 1950 hingga paruh kedua tahun enam puluhan, Hans Dukkers adalah fotografer fesyen paling berpengaruh di Belanda. Ia dapat dianggap sebagai “pendiri” profesi model, setidaknya di Belanda. Dukkers terampil dalam menemukan wanita yang tepat yang mampu menggambarkan couture dari perancang busana gernerasi pertama pasca-perang.

In 1939, Dukkers was called for military service. During his service, he regularly wrote to his mother, a widow and hotel keeper in the Dutch city of Zandvoort. He told her in great detail how he was doing. The continued optimistic tone in his letters and postcards is striking, as the circumstances gave less and less cause for it.

Pada tahun 1939, Dukkers direkrut untuk dinas militer. Selama dinasnya, ia secara teratur menulis surat kepada ibunya, seorang janda dan penjaga hotel di kota Zandvoort, Belanda. Dia memberitahunya dengan sangat rinci bagaimana kabarnya. Nada optimis yang terus-menerus dalam surat-surat dan kartu posnya mencolok, sementara situasinya semakin sedikit menyebabkannya.

As a fashion photographer, Dukkers developed the model profession, as this was hardly an independent profession before. He sometimes considered himself more of a female photographer than a fashion photographer. With the rise of post-war couture and couturiers in the Netherlands, the triangular relationship of fashion, models, and fashion photography emerged. In January 1958, Dukkers published his first photo book in ring binder. The circulation was limited and the book entailed his “best specimens over the last ten years”. In his introduction, Dukkers situated himself in the history of Dutch photography with the following description. “The concept of Dutch fashion photography did not exist ten years ago. It was created.’’

However, that is not my merit. It is the merit of the Dutch fashion industry and the Dutch haute couture. I have tried to capture the changing expressions of the industry over the last ten years’ time - in my own way. I had to find the right balance between the glamor of foreign countries and Dutch common sense. If I have become a faithful servant of fashion, I am thankful to the Dutch industry itself and to the Dutch girls that learned the difficulties of the usually underrated fashion model profession in front of my camera.” The rise of couture and fashion photography in post-war Netherlands is often associated with Paul Huf. But Dukkers was already there in 1948 – a real pioneer. Years later, in 1996, author Pauline Terreehorst described the meaning of his photography with: “With Dukkers, it felt like a part of you was abroad.“

Sebagai seorang fotografer fesyen, Dukkers mengembangkan profesi model, karena ini bukan profesi independen sebelumnya. Dia kadang-kadang menganggap dirinya lebih sebagai fotografer wanita daripada fotografer mode. Dengan munculnya couture pasca-perang dan couturiers di Belanda, hubungan segitiga mode, model, dan fotografi mode muncul. Pada Januari 1958, Dukkers menerbitkan buku foto pertamanya di binder ring. Sirkulasi terbatas dan buku itu memuat “spesimen terbaiknya selama sepuluh tahun terakhir”. Dalam pengantarnya, Dukkers menempatkan dirinya dalam sejarah fotografi Belanda dengan deskripsi berikut. Konsep fotografi mode Belanda tidak ada sepuluh tahun yang lalu. Itu telah dibuat.

Namun, itu bukan jasa saya. Ini adalah kelebihan industri fashion Belanda dan adibusana Belanda. Saya telah mencoba memotret ekspresi industri yang berubah selama sepuluh tahun terakhir - dengan cara saya sendiri. Saya harus menemukan keseimbangan yang tepat antara kemewahan negara asing dan akal sehat Belanda. Saya menjadi pelayan fesyen yang setia berkat industri Belanda. Juga saya berterima kasih kepada para gadis Belanda, yang di depan kamera saya belajar tentang kesulitan-kesulitan profesi model fesyen yang seringkali dipandang rendah. “Munculnya couture dan fotografi mode di Belanda pasca-perang sering dikaitkan dengan Paul Huf. Tetapi Dukkers sudah ada di sana pada tahun 1948 - seorang perintis sejati. Bertahun-tahun kemudian, pada tahun 1996, penulis Pauline Terreehorst menggambarkan makna fotografinya dengan: “Dengan Dukkers, rasanya seperti bagian dari diri Anda. berada di luar negeri.“ 39

Marlene Dumas Year of birth: 1953

Marlene Dumas was born and raised on a vineyard of her family in Cape Town, South Africa. She studied painting at the Michaelis School of Fine Art at the University of Cape Town. It was there that she got acquainted with art theory and conceptual art.

At that time, she was also influenced by photography and received a scholarship to study at the Dutch artists’ institute Ateliers ’63. After her studies, Dumas moved to Amsterdam where she still resides and works.

Marlene Dumas lahir dan dibesarkan di kebun anggur keluarganya di Cape Town, Afrika Selatan. Dia belajar melukis di Sekolah Seni Rupa Michaelis di Universitas Cape Town.

Di sanalah ia berkenalan dengan teori seni dan seni konseptual. Pada saat itu, ia juga dipengaruhi oleh fotografi dan menerima beasiswa untuk belajar di institut seniman Belanda Ateliers ‘63. Setelah studinya, Dumas pindah ke Amsterdam di mana dia masih tinggal dan bekerja.

Over the years, her style has developed to combining cut-off photos, text, and drawings. Her work is influenced by the theme of contrast, with which she had a lot to do during her life in South Africa because of the apartheid. For example, skin color, cultural differences, and confrontation of the sexes influence her work. According to the Dutch magazine Quote in 2012, Dumas was the richest artist in The Netherlands since the death of Karel Appel in 2006.

Selama bertahun-tahun, gayanya telah berkembang untuk menggabungkan foto, teks, dan gambar yang terpotong. Karyanya dipengaruhi oleh tema kontras, yang banyak dia alami selama hidupnya di Afrika Selatan karena apartheid. Misalnya, warna kulit, perbedaan budaya, dan konfrontasi jenis kelamin memengaruhi pekerjaannya. Menurut majalah Belanda, Quote pada tahun 2012, Dumas adalah artis terkaya di Belanda sejak kematian Karel Appel pada 2006.

Her work is closely related to expressionism and conceptual art. Her paintings and watercolors are often erotic and some even call them pornographic. Dumas often uses self-shot snapshots, polaroid photos, and thousands of photos torn from magazines and newspapers. Her paintings are never a literal representation of the photos: she cuts the image and uses a detail of the photo or she uses a color palette other than gray, blue and red.

This double portrait of the Dutch football hero Johan Cruijff was made on the occasion of his 50th birthday. She took existing photos from newspapers and magazines as a starting point and removed their context. By isolating just the image of Cruijff, the focus is entirely on his face. With her characteristic style, Dumas portrays a striking portrait of one young and one older Cruijff in just a few lines. While it is a simplified face made up of grayscale, it is almost impossible not to recognize the Dutch football legend.

40

Karyanya terkait erat dengan ekspresionisme dan seni konseptual. Lukisan dan cat airnya sering erotis dan beberapa bahkan menyebutnya pornografi. Dumas sering menggunakan snapshot yang diambil sendiri, foto polaroid, dan ribuan foto yang diambil dari majalah dan koran. Lukisan-lukisannya tidak pernah merupakan representasi harfiah dari foto-foto: dia memotong gambar dan menggunakan detail foto atau dia menggunakan palet warna selain abu-abu, biru dan merah.

Potret ganda pahlawan sepak bola Belanda Johan Cruijff ini dibuat pada saat ulang tahunnya yang ke-50. Dia mengambil foto yang ada dari koran dan majalah sebagai titik awal dan menghapus konteksnya. Dengan mengisolasi hanya gambar Cruijff, fokus sepenuhnya pada wajahnya. Dengan gaya khasnya, Dumas menggambarkan potret yang mencolok dari seorang Cruijff muda dan yang lebih tua hanya dalam beberapa garis. Walaupun portret ini menampilkan wajah yang disederhanakan dalam skala abu-abu, hampir tidak mungkin untuk tidak mengenali legenda sepakbola Belanda.

Title/judul: Johan Cruijff Year/tahun: 1997 Technique/teknik: lithograph on BFK rives off white paper Dimensions/dimensi: 66 x 40 cm (double/ganda) 44 x 66 cm (original/asli)

41

Hadassah Emmerich Year of birth: 1974

Hadassah Damaris Emmerich, or Hadassah Emmerich, is a Dutch painter, installation artist, illustrator, and graphic artist. She is known for her large murals with colorful and organic motifs. In 2005, she graduated as a “Master in Fine Arts” at Goldsmiths College in London. During the KunstRAI of 2005, Emmerich presented on behalf of the Frisian Museum. This is how she made a name for herself. Currently, she works and resides in Brussels, Belgium.

The giclee is also called piezography or e-print. Although this latter term is less frequently used, it refers best to this new technique, invented in the late 90’s. It is not a traditional graphic craft technique: a high-resolution scan is made of an original artwork or a work created on a computer. The printers are able to print at such a fine quality that no grid structure can be seen. Therefore, the prints are very detailed and have a lifespan of about 50 to 70 years if preserved correctly.

In earlier work, one can see that she used to work with modern contemporary media and art, such as installations and video films. However, she eventually chose for classical art forms such as painting and drawing. Emmerich’s work bears witness to a certain kind of exoticism and ambiguity. This exoticism comes partly from her travels to Indonesia.

Her father is in fact Indonesian and her visits to Bali, Java, and other islands fueled her interest to her origins. In Emmerich’s art, references to her Indonesian background are found sporadically. Working this way, Emmerich has developed her own vision on Indonesia. Her self-proclamation as “Batik Babe” also refers to the culture of batik paintings on Bali.

“It is an act of double play. The theme of exoticism, sexuality, and the standard image of women from advertising, but also from art itself, I transform, I deconstruct and reconstruct, dissect and merge. Raised knees, folded legs, buttocks, and the space between them can start repeating as independent fragments. They become templates such as in advertising and Pop Art. Obscene abstraction, someone called it once. That correlates nicely with my work, at least with the addition that I always have a painter’s intimacy in mind. I sometimes wonder: how can a painterly space evoke physical proximity and depth; touch an idea of desire? Printing templates directly on the wall, in an institutional environment, is a technical adventure.”

Her work primarily exists of different materials and techniques and is often of monumental size. Floral motifs play a major role in both her paintings and drawings. Flowers, plants, sometimes also fictitious ones, are frequently used. Blended into this one can find faces, body parts, and other things. These are, however, somewhat concealed in the image.

Furthermore, Emmerich regularly uses gracefully displayed text. This way of working, with both image and technique, she distinguishes herself in an original way.

The mural covers three floors, each 15 meters wide, a scale that could be a bit risky.

What is special about this work, is that it has an old and a new component. Back in 2005, Emmerich created the first mural with spray paint and other techniques. In 2018-2019, she added new murals. Through this, old and new work come together at the Embassy in Jakarta. This showcases the results of public investment at the right moment.

She likes to work with acrylic paint and tempera, alternately applied opaque or transparent. Emmerich is inspired by Frida Kahlo, Shahzia Sikander, Wangechi Mutu, and Jean-Jacques Rousseau. For the Embassy in Jakarta, Emmerich worked in phases on murals covering the three floors. She used a technique she recently developed, called a “giclee”, in which templates cut from floor vinyl are used as “stamps”.

42

In 2017, Emmerich wrote that she “considered the walls to be long strips, which I subsequently folded into the existing architectural form. I also made a spatial version for one wall per floor in Photoshop for clarification. This shows clearly how the designs relate to the typical folded walls of the architecture.”

Title/judul: Jakarta Murals

“Each floor has its own color palette, design series, and atmosphere. On each floor, the motif is mirrored on both sides of the folded wall, viewed from the window that looks onto the “old” painting. I believe it is important that the motifs contain both abstract and figurative elements, whereby the creation of interesting painting spaces is prioritized.”

On the ground floor, the mural consists of two parts: in addition to the folded wall, there is also a painting on a separate wall in the visitor area. For this separate wall, Emmerich designed a repeating motif based on a stylized tulip shape, with a reference to the “wild” tulips floor that appear on the older walldesign painting, andand also to floral batik patterns.

“Each has its own color palette, series, atmosphere.

On each floor, The the tulips are painted on a layer of ocher yellow.

The tulips are fantasy tulips, representing motif is mirrored on both sides of the folded wall, viewed from the window that looks a type which both stylization wild invasive nature come together. motifand for onto thein“old” painting.

I believe itand is important that the motifs contain bothThe abstract the foldedelements, walls on whereby the floorsthe consists of of a braid of spherical and pointed shapes that figurative creation interesting painting spaces is prioritized.” repeat itself diagonally across the walls as a “parang rusak” (‘broken machete’) motif.

Thethe color of thefloor, underlayer is aconsists soft pastel gray-pink.

On ground the mural of two parts: in addition to the folded wall, there is also a painting on a separate wall in the visitor area. For this separate wall, Emmerich The design for the first floorbased is also on atulip parang rusak motif, in which designed a repeating motif onbased a stylized shape, with a reference tosword-like the “wild” forms are stylized into abstract physical forms, such as a folded arm or leg.

This creates tulips that appear on the older wall painting, and also to floral batik patterns.

The both a highlight as well as a shadow space.

The color of the underlayer is soft Naples tulips are painted on a layer of ocher yellow. The tulips are fantasy tulips, representing yellow. a type in which both stylization and wild invasive nature come together. The motif for the folded walls on the floors consists of a braid of spherical and pointed shapes that The design the second floorthe is based Nigerianrusak” batik motif, in which a pointed repeat itselffor diagonally across walls on as aa “parang (‘broken machete’) motif. interlocking shape is flanked by smaller spherical elements.

The color of the underlayer The color of the underlayer is a soft pastel gray-pink. is Prussian blue.

The design for the first floor is also based on a parang rusak motif, in which sword-like Emmerich made ainto design in which sheforms, contrasts of the forms are stylized abstract physical suchthe as acompelling folded armarchitecture or leg. This creates Embassy building with a painting, in which color, form, and movement combine into both a highlight as well as a shadow space. The color of the underlayer is soft Naples a flowing line. She refers to the design of the painting as “fusion cooking”: a mixture of yellow.

Indonesian and Dutch characteristics. For example, there is a line spanning the entire surface, painted in second the colors of is Delfts-Blauw.

The Dutch flagmotif, is translated into a heart The design for the floor based on a Nigerian batik in which a pointed interlocking shape is flanked by smaller spherical elements. The color of the underlayer is Prussian blue.

Emmerich made a design in which she contrasts the compelling architecture of the Embassy building with a painting, in which color, form, and movement combine into a flowing line. She refers to the design of the painting as “fusion cooking”: a mixture of Indonesian and Dutch characteristics. For example, there is a line spanning the entire surface, painted in the colors of Delfts-Blauw. The Dutch flag is translated into a heart

Year/tahun: 2018-2019

shape and displayed in batik technique, and there are countless lianas that end up in wild Technique/teknik: mural tulips. The heads that pop up here and there are fantasy figures that do not constitute a Dimensions/dimensi: 30 x 2.70 meter on each floor/ direct reference to something or someone. Their identity is difficult to establish, perhaps 30 x 2,70 meter di setiap lantai a symbol for the artist herself, half Indonesian, half Dutch. It is also special that she incorporates the stairwell in her design. Here too, motifs return from the mural.

The work of Emmerich distinguishes itself by its personal interpretation of Indonesian and Dutch culture. She started using old Dutch symbols and knows how to convert them in a contemporary waytechnique, with a friendly nod are to Indonesian culture, a sort shape and displayed in batik and there countless lianas that end of upreverse in wild colonization.

The fact that she traverses the entire surface on all levels by the use of tulips. The heads that pop up here and there are fantasy figures that do not constitute a swirling lines, also makes your eye wander over the whole. direct reference to something or someone. Their identity is difficult to establish, perhaps a symbol for the artist herself, half Indonesian, half Dutch. It is also special that she A strong additional point is the stairwell is part of the overall Originally, incorporates the stairwell inthat her design.

Here too, motifs return frompainting. the mural. this was part of a corridor and there were no functional uses of this space. However, afterwork opening up this space during the renovation, the wall became very prominent The of Emmerich distinguishes itself by its personal interpretation of Indonesian within the Embassy.

Thisstarted is a painting of Dutch Emmerich in which can be and Dutch culture. She using old symbols and something knows hownew to convert discovered every day, something involves thetocomplete architecture theofbuilding them in a contemporary way withthat a friendly nod Indonesian culture, aof sort reverse and adds value. colonization. The fact that she traverses the entire surface on all levels by the use of swirling lines, also makes your eye wander over the whole.

The mural in the staircase is still subject of discussion, but also encompasses an enormous colorful in the work.

Her paintings hadistopart fit in somewhat formal, working A strongpower additional point is that the stairwell of the, the overall painting.

Originally, environment of the Dutch Embassy.

The murals respect cultural sensitivities of the host this was part of a corridor and there were no functional uses of this space. However, country Indonesia andspace contain no political references. walls are invery direct contact after opening up this during the renovation, theThe wall became prominent with thethe open workspaces and connect to existing painting a certain way. within Embassy.

This is a painting ofthe Emmerich in whichinsomething new can be discovered every day, something that involves the complete architecture of the building The adds murals do not always provide obvious walking directions in the Embassy. When and value. people walk to their workspace, most of them question themselves whether they are walking or staircase right to istheir Does thebut painting

by Emmerich offer any The muralleft in the still workplace. subject of discussion, also encompasses an enormous directionpower for thisinissue? colorful the work. Her paintings had to fit in the, somewhat formal, working environment of the Dutch Embassy. The murals respect cultural sensitivities of the host country Indonesia and contain no political references. The walls are in direct contact 41 with the open workspaces and connect to the existing painting in a certain way.

The murals do not always provide obvious walking directions in the Embassy. When people walk to their workspace, most of them question themselves whether they are walking left or right to their workplace. Does the painting by Emmerich offer any direction for this issue?

43

Hadassah Damaris Emmerich, atau Hadassah Emmerich, adalah seorang pelukis Belanda, seniman instalasi, ilustrator, dan seniman grafis. Ia dikenal dengan mural-mural besarnya dengan motif warna-warni dan organik. Pada 2005, ia lulus sebagai “Magister Seni Rupa” di Goldsmiths College di London. Selama KunstRAI tahun 2005, Emmerich mewakili Museum Frisian. Inilah bagaimana dia membuat nama untuk dirinya sendiri.

Saat ini, ia bekerja dan tinggal di Brussels.

Dalam karya sebelumnya, terlihat bahwa ia dulu bekerja dengan media dan seni kontemporer modern, seperti instalasi dan film video. Namun, ia akhirnya memilih bentuk seni klasik seperti melukis dan menggambar. Karya Emmerich menjadi saksi bagi jenis eksotisme dan ambiguitas tertentu. Eksotisme ini sebagian berasal dari perjalanannya ke Indonesia. Ayahnya sebenarnya orang Indonesia dan kunjungannya ke Bali, Jawa, dan pulau-pulau lain memicu minatnya pada asal-usulnya. Dalam seni Emmerich, referensi ke latar belakang Indonesianya ditemukan secara sporadis. Dengan cara ini, Emmerich telah mengembangkan visinya sendiri tentang Indonesia. Proklamasi dirinya sebagai “Batik Babe” juga mengacu pada budaya lukisan batik di Bali.

Karyanya terutama terdiri dari berbagai bahan dan teknik dan seringkali berukuran monumental. Motif bunga memainkan peran utama dalam lukisan dan gambarnya.

Bunga, tanaman, kadang-kadang juga yang fiktif, sering digunakan. Dicampur menjadi satu dapat ditemukan wajah, bagian tubuh, dan hal-hal lain. Namun, ini agak tersembunyi dalam gambar. Selain itu, Emmerich secara teratur menggunakan teks yang ditampilkan dengan anggun. Cara kerja ini, dengan gambar dan teknik, ia membedakan dirinya dengan unik.

Dia suka bekerja dengan cat akrilik dan tempera, diaplikasikan secara bergantian atau transparan. Emmerich terinspirasi oleh Frida Kahlo, Shahzia Sikander, Wangechi Mutu, dan Jean-Jacques Rousseau. Untuk Kedutaan Belanda di Jakarta, Emmerich bekerja secara bertahap pada mural yang meliputi tiga lantai. Dia menggunakan teknik yang baru-baru ini dikembangkannya, disebut “giclee”, di mana templat dipotong dari vinil lantai digunakan sebagai “stempel”.

44

Giclee juga disebut piezography atau e-print. Meskipun istilah terakhir ini lebih jarang digunakan, tetapi paling mewakili teknik baru ini, yang ditemukan pada akhir 1990-an.

Ini bukan teknik kerajinan grafis tradisional: pemindaian resolusi tinggi terbuat dari karya seni asli atau karya yang dibuat di komputer. Printer dapat mencetak dengan kualitas sangat baik sehingga tidak ada struktur kisi yang terlihat. Oleh karena itu, cetakannya sangat rinci dan memiliki umur sekitar 50 hingga 70 tahun jika disimpan dengan benar.

“Ini adalah aksi permainan ganda. Tema eksotisme, seksualitas, dan citra standar perempuan dari iklan, tetapi juga dari seni itu sendiri, saya ubah. Saya mendekonstruksi dan merekonstruksi, membedah dan menggabungkan. Lutut diangkat, kaki terlipat, pantat , dan ruang di antara mereka dapat mulai terulang sebagai fragmen independen.

Mereka menjadi template seperti dalam iklan dan Pop Art. Abstraksi cabul, seseorang menyebutnya sekali. Itu berkorelasi baik dengan pekerjaan saya, setidaknya dengan tambahan bahwa saya selalu memiliki keintiman pelukis dalam pikiran.

Terkadang saya bertanya-tanya: bagaimana sebuah lukisan sebuah ruang lukis (ekspresif) dapat membangkitkan kedekatan dan kedalaman fisik; menyentuh suatu gagasan tentang keinginan? Mencetak templat secara langsung pada dinding di sebuah lingkungan kelembagaan merupakan suatu petualangan teknis.“ Mural itu meliputi tiga lantai, masing-masing selebar 15 meter, skala yang bisa sedikit berisiko. Apa yang istimewa tentang pekerjaan ini, adalah bahwa ia memiliki komponen yang lama dan baru. Pada tahun 2005, Emmerich menciptakan mural pertama dengan cat semprot dan teknik lainnya. Pada 2018-2019, ia menambahkan mural baru.

Dengan demikian, pekerjaan lama dan baru bersatu di Kedutaan Besar di Jakarta. Ini menunjukkan hasil investasi publik pada saat yang tepat.

Pada tahun 2017, Emmerich menulis bahwa dia “menganggap dinding sebagai strip panjang, yang kemudian saya lipat menjadi bentuk arsitektur yang ada. Saya juga membuat versi spasial untuk satu dinding per lantai di Photoshop untuk klarifikasi. Ini menunjukkan dengan jelas bagaimana desainnya berhubungan dengan dinding khas arsitektur yang terlipat.“

“Setiap lantai memiliki palet warna, seri desain, dan suasana sendiri. Di setiap lantai, motifnya dipantulkan di kedua sisi dinding terlipat, dilihat dari jendela yang terlihat pada lukisan” lama“. Saya percaya bahwa motifnya yang mengandung elemen abstrak dan figuratif itu penting, di mana penciptaan ruang lukisan yang menarik diprioritaskan.“ Di lantai dasar, mural terdiri dari dua bagian: selain dinding yang terlipat, ada juga lukisan di dinding yang terpisah di area pengunjung. Untuk dinding yang terpisah ini, Emmerich merancang motif berulang berdasarkan bentuk tulip, dengan mengacu pada tulip “liar” yang muncul pada lukisan dinding yang lebih tua, dan juga pola batik bunga.

Tulip dicat pada latar kuning oker. Tulip-tulip ini merupakan tulip fantasi, mewakili jenis tulip yang baik gaya maupun sifat liar dan invasif menjadi satu. Motif untuk dinding terlipat di lantai terdiri dari kepang bentuk bulat dan runcing yang berulang secara diagonal di dinding sebagai motif “parang rusak”. Warna latarnya adalah pastel lembut berwarna abu-abu-merah muda.

Desain untuk lantai pertama juga didasarkan pada motif parang rusak, di mana bentuk-bentuk seperti pedang ditampilkan seperti bentuk fisik abstrak, seperti lengan atau kaki dilipat. Ini menciptakan highlight sekaligus ruang bayangan. Warna latarnya kuning Napoli yang lembut.

Desain untuk lantai dua didasarkan pada motif batik Nigeria, di mana bentuk yang saling runcing diapit oleh elemen bola yang lebih kecil. Warna latarnya adalah biru Prusia.

Emmerich membuat desain di mana ia menciptakan kontras terhadap arsitektur yang menarik dari gedung Kedutaan dengan lukisan, di mana warna, bentuk, dan gerakan bergabung menjadi garis yang mengalir. Ia menyebut desain lukisan itu sebagai “memasak fusi”: campuran karakteristik Indonesia dan Belanda. Sebagai contoh, ada garis yang menutupi seluruh permukaan, dicat dengan warna Delfts-Blauw. Bendera Belanda diterjemahkan ke dalam bentuk hati dan ditampilkan dalam teknik batik, dan ada banyak liana yang berakhir di tulip liar. Kepala yang muncul di sana-sini adalah figur fantasi yang bukan merupakan referensi langsung ke sesuatu atau seseorang.

Identitas mereka sulit dibangun, mungkin simbol bagi seniman itu sendiri, setengah orang Indonesia, setengah orang Belanda. Juga istimewa bahwa ia memasukkan tangga dalam desainnya. Di sini juga, motif kembali dari mural.

Karya Emmerich membedakan dirinya dengan interpretasi pribadinya tentang budaya Indonesia dan Belanda. Dia mulai menggunakan simbol-simbol Belanda kuno dan tahu bagaimana mengubahnya dengan cara kontemporer dengan anggukan ramah terhadap budaya Indonesia, semacam penjajahan terbalik. Fakta bahwa ia melintasi seluruh permukaan pada semua lantai dengan menggunakan garis-garis yang berputar-putar, juga membuat mata Anda menjelajahi keseluruhan.

Poin tambahan yang kuat adalah bahwa tangga adalah bagian dari keseluruhan lukisan. Awalnya, ini adalah bagian dari koridor dan tidak ada kegunaan fungsional dari ruang ini. Namun, setelah membuka ruang ini selama renovasi, tembok menjadi sangat menonjol di dalam Kedutaan. Ini adalah lukisan Emmerich di mana sesuatu yang baru dapat ditemukan setiap hari, sesuatu yang melibatkan arsitektur bangunan yang lengkap dan menambah nilai.

Mural di tangga masih menjadi bahan diskusi, tetapi juga mencakup kekuatan warna yang sangat besar dalam pekerjaannya. Lukisan-lukisannya harus sesuai dengan lingkungan kerja Kedutaan Besar Belanda yang agak formal. Mural-mural tersebut menghormati kepekaan budaya negara tuan rumah Indonesia dan tidak mengandung referensi politik. Dindingnya bersentuhan langsung dengan ruang kerja terbuka dan terhubung ke lukisan yang ada dengan cara tertentu.

Mural tidak selalu memberikan petunjuk arah berjalan yang jelas di kedutaan. Ketika orang-orang berjalan ke ruang kerja mereka, kebanyakan dari mereka mempertanyakan diri mereka sendiri apakah mereka berjalan ke kiri atau ke kanan ke tempat kerja mereka.

Apakah lukisan karya Emmerich menawarkan arah untuk masalah ini?

45

44 46

45 47

Title/judul: Goch IV (jongetje) Description/deskripsi: black and white portrait of a child/potret hitam dan putih seorang anak Year/tahun: 2002 Technique/teknik: screen print /cetak layar Dimensions/dimensi: 37 x 45 cm

48

Title/judul: Wordt vervolgd III (man) Description/deskripsi: black and white portrait of a boy/potret hitam dan putih anak laki-laki Year/tahun: 2002 - 2003 Technique/teknik: screen print /cetak layar Dimensions/dimensi: 37 x 45 cm

Title/judul: Wordt vervolgd IV

Title/judul: Wordt vervolgd V

(kip)

(lachend hoofd) ‘03

Year/tahun: 2002 - 2003

Year/tahun: 2002 - 2003

Technique/teknik: drawing

Technique/teknik: linocut

on paper/menggambar

and graphic art/ linocut

di atas kertas

dan seni grafis

Dimensions/dimensi: 37 x 45 cm

Dimensions/dimensi: 37 x 45 cm

Ad Gerritsen Lived from 1940 to 2015

Albertus Gradus Gerritsen was a graphic artist, painter, collage artist, sculptor, and self-taught conceptual artist. After attending technical school, Gerritsen studied to become a baker as his mother’s deepest wish was that he would start his own business. Because he was always drawing, Gerritsen decided to give up his career as a baker. He went into military service for a year and afterwards went to the Art Academy in Arnhem. Because he often had arguments with his teachers, he dropped out before graduating and went into a studio where he could focus on his own work.

Since 1965, Gerritsen built up an oeuvre that has provided him with his own and very recognizable position in the Dutch art scene. Humans are the key subject in his paintings. It is special that his work is not intended to be a portrait, but personally formulated commentary on the various ways in which the visual culture deals with the image of mankind. Gerritsen searches for his material in the history of visual arts, in interpretations of scientific images, visual media and in mass culture.

Albertus Gradus Gerritsen adalah seorang seniman grafis, pelukis, seniman kolase, pematung, dan seniman konseptual otodidak. Setelah bersekolah di sekolah teknik, Gerritsen belajar menjadi tukang roti karena keinginan terdalam ibunya ia akan memulai bisnisnya sendiri. Karena dia selalu menggambar, Gerritsen memutuskan untuk meninggalkan kariernya sebagai tukang roti. Dia pergi ke dinas militer selama satu tahun dan kemudian pergi ke Akademi Seni di Arnhem. Karena dia sering berselisih dengan guru-gurunya, dia keluar sebelum lulus dan pergi ke studio di mana dia bisa fokus pada karyanya sendiri.

Sejak 1965, Gerritsen membangun karya-karya yang telah memberinya posisinya sendiri dan sangat dikenal di dunia seni Belanda. Manusia adalah subjek utama dalam lukisannya. Istimewanya, karyanya tidak dimaksudkan untuk menjadi potret, tetapi secara pribadi merumuskan komentar tentang berbagai cara di mana budaya visual berurusan dengan citra umat manusia. Gerritsen mencari bahannya dalam sejarah seni visual, dalam interpretasi gambar ilmiah, media visual dan dalam budaya massa.

In his work, Gerritsen often focused on the margins of society: prostitutes, criminals, psychiatric patients; in general people that “do not belong”. This usually relates to the recognizable cliché of, for example, certain states of mind, and Gerritsen’s specific translation of that in color and image, for which he relies on books and magazines.

Photos and illustrations from books are no more than a starting point for his paintings. He traces the contours of a photo onto a transparent sheet, and in the process he omits details. He then projects the contours and draws it on the canvas.

After that, the painting starts.

Dalam karyanya, Gerritsen sering berfokus pada margin masyarakat: pelacur, penjahat, pasien psikiatri; pada umumnya orang yang “tidak dianggap”. Ini biasanya berkaitan dengan klise yang dikenali, misalnya, kondisi pikiran tertentu, dan terjemahan spesifik Gerritsen tentang hal itu dalam warna dan gambar, yang ia andalkan pada buku dan majalah. Foto dan ilustrasi dari buku tidak lebih dari titik awal untuk lukisannya. Dia menjiplak kontur foto ke lembar transparan, dan dalam prosesnya dia menghilangkan detail. Dia kemudian memproyeksikan kontur dan menggambarnya di atas kanvas.

Setelah itu, proses melukis dimulai.

Gerritsen’s art has always been figurative and narrative, although the story behind a painting is often not easily attributable. Contrary to what his subjects sometimes suggest, Gerritsen does not paint extrovert images. In choosing what to paint, he is guided by the attitudes of people that focus on the “inside”, turned into themselves.

Most extremely, in his most recent series of portraits, he was inspired by photos of people that died in their sleep.

Seni Gerritsen selalu bersifat kiasan dan naratif, meskipun kisah di balik lukisan seringkali tidak mudah dikaitkan. Bertentangan dengan kesan yang terkadang diberikan oleh subjeknya, Gerritsen tidak melukis gambar yang ekstrovert. Dalam memilih apa yang akan dilukis, ia dibimbing oleh sikap orang-orang yang fokus pada “dalam”, berubah menjadi diri mereka sendiri. Yang paling luar biasa, dalam seri potret terbarunya, ia terinspirasi oleh foto-foto orang yang meninggal dalam tidur mereka.

49

Marnix Goossens Year of birth: 1967

50

Marnix Goossens’ work focuses on three themes: nature, portraits, and still-lifes. Most of his photos depict landscapes, but he also creates very detailed images of trees, and plants. He focuses on floral beauty, intriguing visual situations, and nature as we find it in the human habitat.

Karya Marnix Goossens berfokus pada tiga tema: alam, potret, dan still lifes. Sebagian besar fotonya menggambarkan pemandangan, tetapi ia juga membuat gambar pohon dan tanaman yang sangat rinci. Dia berfokus pada keindahan bunga, situasi visual yang menarik, dan alam seperti yang kita temukan di habitat manusia.

Goossens works with a technical (large format) camera that produces very detailed images. He takes a long time to determine the best composition, the right depth of field, and the frame. This way, he is able to create a static image instead of a snapshot. Almost all of his photos are printed as large as the negative itself.

Goossens bekerja dengan kamera teknis (format besar) yang menghasilkan gambar yang sangat rinci. Dia membutuhkan waktu lama untuk menentukan komposisi terbaik, kedalaman bidang yang tepat, dan bingkai. Dengan cara ini, ia dapat membuat gambar statis alih-alih snapshot. Hampir semua fotonya dicetak sebesar negatif itu sendiri.

Due to the laborious nature of his photography, it is almost impossible to create a quick series. Patience and careful observation are therefore the most important elements in the work of Goossens.

Karena sifat fotografinya membutuhkan kerja keras, hampir tidak mungkin untuk membuat seri cepat. Karenanya, kesabaran dan pengamatan yang cermat adalah elemen terpenting dalam karya Goossens.

Title/judul: Pride Year/tahun: 2010 Technique/teknik: inkjet print /cetak inkjet Dimensions/dimensi: 37,7 x 45 cm

51

52

Norbert Gawronksi Year of birth: 1925

Norbert Gawronski is an architect and is best known for his modernist buildings.

He designed the Embassy of the Kingdom of the Netherlands in Jakarta in 1981.

Norbert Gawronski adalah seorang arsitek dan terkenal karena bangunan modernisnya. Ia merancang Kedutaan Besar Belanda di Jakarta pada tahun 1981.

Gawronski grew up in Poland, but fled to France in 1944 after being interned by the German occupying forces. He joined the Free Polish Army, which was also active in the Netherlands. After the war, Gawronski first settled in the United Kingdom, where he completed his Architecture Studies in 1952. After that, he worked for the London County Council. He married a Dutch woman and decided to settle in the Netherlands.

Gawronski tumbuh di Polandia, tetapi melarikan diri ke Prancis pada tahun 1944 setelah diinternir oleh pasukan pendudukan Jerman. Dia bergabung dengan Tentara Polandia Merdeka, yang juga aktif di Belanda. Setelah perang, Gawronski pertama kali menetap di Inggris, di mana ia menyelesaikan Studi Arsitekturnya pada tahun 1952. Setelah itu, ia bekerja untuk London County Council. Dia menikah dengan seorang wanita Belanda dan memutuskan untuk menetap di Belanda.

Gawronski was appointed by the Public Works Department based on the recommendation of Amsterdam city architect Ben Merkelbach. His first assignment was the Wibauthuis and after that the University complex Roeterseiland in Amsterdam.

Gawronski diangkat oleh Departemen Pekerjaan Umum berdasarkan rekomendasi arsitek kota Amsterdam Ben Merkelbach. Tugas pertamanya adalah Wibauthuis dan setelah itu kompleks Universitas Roeterseiland di Amsterdam.

In 1969, Gawronski - naturalized as a Dutch citizen - began working for Royal Haskoning in Nijmegen. He created a branch for Haskoning on Amsterdam’s famous Reguliersgracht. A wide variety of buildings were designed by him, ranging from holiday houses to sewage treatment plants. In 1981, he designed the extraordinary building for the Dutch Embassy in Jakarta.

Pada 1969, Gawronski - dinaturalisasi sebagai warga negara Belanda - mulai bekerja untuk Royal Haskoning di Nijmegen. Dia menciptakan cabang untuk Haskoning di Reguliersgracht Amsterdam yang terkenal. Berbagai macam bangunan dirancang olehnya, mulai dari rumah liburan hingga instalasi pengolahan limbah. Pada 1981, ia merancang bangunan luar biasa untuk Kedutaan Belanda di Jakarta.

Gawronski retired in 1990. The last building he created in Amsterdam is the Central Environmental Laboratory in Amsterdam Southeast.

Gawronski pensiun pada tahun 1990. Bangunan terakhir yang ia ciptakan di Amsterdam adalah Laboratorium Lingkungan Pusat di Amsterdam Tenggara.

53

Klaas Gubbels Year of birth: 1934

54

Klaas Gubbels is an artist of contrast. For example, he studied at the Art Academies in Rotterdam and Arnhem, but he considers himself nevertheless autodidact. In his personal life, he has been active in numerous professions: in construction, at a bronze foundry, as a sculptor and, even in a week in the circus! Therefore, it is all the more surprising that he chose a number of fixed subjects in his artistic life; the coffee pot, the table, and the chair.

Klaas Gubbels adalah seniman kontras. Misalnya, ia belajar di Akademi Seni di Rotterdam dan Arnhem, tetapi ia menganggap dirinya otodidak. Dalam kehidupan pribadinya, ia telah aktif dalam berbagai profesi: dalam konstruksi, di pengecoran perunggu, sebagai pematung dan, bahkan dalam seminggu di sirkus! Karena itu, jauh lebih mengejutkan bahwa ia memilih sejumlah mata pelajaran tetap dalam kehidupan artistiknya; teko kopi, meja, dan kursi.

However, he translated these subjects into countless variations. For example, Gubbels makes assemblages, statues, collages, graphics, paintings, drawings, and murals.

His work has been actively collected for many years by museums, institutions and private collectors.

Namun, ia menerjemahkan benda-benda ini ke dalam variasi yang tak terhitung jumlahnya. Misalnya, Gubbels membuat kumpulan, patung, kolase, gambar, lukisan, gambar, dan mural. Karyanya telah dikumpulkan secara aktif selama bertahun-tahun oleh museum, institusi dan kolektor pribadi.

Gubbels developed his style in the 60’s. He approaches everyday objects with his own moods and feelings while not losing his sense of humor. The objects are metaphors, they represent certain memories, announcements, and conversations of the artist. The chosen subjects are also close to him. Gubbels likes to play chess, for example, and chess boards or chess pieces can often be found in his work. One day you can find a print with a chessboard on a “Gubbels table”, the other time you will discover a wooden collage of a chess board and chess pieces.

Gubbels mengembangkan gayanya di tahun 1960-an. Dia mendekati benda sehari-hari dengan suasana hati dan perasaannya sendiri tanpa kehilangan selera humornya.

Objek adalah metafora, mereka mewakili kenangan tertentu, pengumuman, dan percakapan artis. Subjek yang dipilih juga dekat dengan dirinya. Gubbels suka bermain catur, misalnya, dan papan catur atau bidak catur sering ditemukan dalam karyanya.

Suatu hari Anda dapat menemukan cetakan dengan papan catur di “meja Gubbel”, di lain waktu Anda akan menemukan kolase kayu papan catur dan bidak catur.

After his extensive artistic career, you can almost talk of a Gubbel table or Gubbels coffee pot. His representations of these objects are so typical, they are the almost archaic presentation of a table and coffee pot. Depending on Gubbels, they take on various forms, they are freed from their function and become carriers of emotions and moods. For example, Gubbels’ coffee pot with its characteristic spout shape, becomes an elephant or a heart. The table can also represent a saw: everything is possible in the dream world of playful images that Gubbels creates.

Setelah karier artistiknya yang luas, Anda hampir dapat berbicara tentang meja Gubbel atau teko kopi Gubbels. Representasinya tentang objek-objek ini sangat khas, mereka adalah presentasi hampir kuno dari pot meja dan kopi. Bergantung pada Gubbels, mereka mengambil berbagai bentuk, mereka dibebaskan dari fungsi mereka dan menjadi pembawa emosi dan suasana hati. Misalnya, teko kopi Gubbels dengan bentuk corongnya yang khas, menjadi gajah atau hati. Meja juga dapat mewakili gergaji: semuanya mungkin di dunia mimpi gambar lucu yang dibuat Gubbels.

Gubbels believes that a painting should remain as is; aesthetics should not be a guideline and that is why he is against making a painting more beautiful. He believes that this is just “backwards”. This work by Klaas Gubbels is located in the consultation room.

Gubbels percaya bahwa lukisan harus tetap apa adanya; estetika seharusnya tidak menjadi pedoman dan itulah sebabnya dia menentang membuat lukisan lebih indah.

Dia percaya bahwa ini hanya “mundur”. Karya ini oleh Klaas Gubbels terletak di ruang konsultasi.

Title/judul: Puzzelkan grijs Year/tahun: 2004 Technique/teknik: lithography and relief printing /litografi dan cetak relief Dimensions/dimensi: 60 x 63 cm

55

Jacqueline Hassink Lived from 1966 to 2018

56

The Dutch photographer Jacqueline Hassink worked in Japan for more than ten years. She focused on the interaction of the age-old Kyoto temple architecture with their surrounding gardens. She believed it was essential to visit these sites at least once a year to develop a close reading. This work was published in the book “View, Kyoto” by Hatje Cantz in 2014.

Fotografer Belanda Jacqueline Hassink bekerja di Jepang selama lebih dari sepuluh tahun. Dia berfokus pada interaksi arsitektur kuil Kyoto kuno dengan taman-taman di sekitarnya. Dia percaya bahwa pentingnya mengunjungi situs-situs ini setidaknya setahun sekali untuk mengembangkan pembacaan yang cermat. Karya ini diterbitkan dalam buku “View, Kyoto” oleh Hatje Cantz pada tahun 2014.

Over her many visits, the monks recognized Hassink’s professional approach and fascination with these sacred, well-kept places. They believed her photographs demonstrated a keen understanding of this important aspect of Japanese culture, her sense of space, and the impact of the changing seasons. This respect started a vibrant exchange between the monks and Hassink. This enabled her to interview four monks on tape and film an offering ceremony by the head monks of the temples Tofuku and Obai-in.

Dalam kunjungan yang sering dilakukannya, para biarawan mengakui pendekatan profesional Hassink dan daya tariknya dengan tempat-tempat suci dan terawat baik ini. Mereka percaya foto-fotonya menunjukkan pemahaman yang tajam tentang aspek penting budaya Jepang ini, rasa ruangnya, dan dampak dari perubahan musim.

Rasa hormat ini memulai pertukaran yang hidup antara para biarawan dan Hassink.

Ini memungkinkannya untuk mewawancarai empat biksu dalam rekaman video dan upacara persembahan oleh biksu kepala kuil Tofuku dan Obai-in.

“My idea was to create a series of photos on gardens in Kyoto, emphasizing the lack of the border between private and public space by photographing the garden from deep inside the room, keeping the areas of “tatami space” and garden space equal.”

“Gagasan saya adalah membuat serangkaian foto di taman-taman di Kyoto, menekankan kurangnya batas antara ruang privat dan publik dengan memotret taman dari jauh di dalam ruangan, menjaga area” ruang tatami “dan ruang taman setara.”

“In May and June 2004, I visited 34 gardens in the Kyoto area, dividing them by section (North, East, West, South, and Center) and making notes and digital sketches to finalize my selection. In November 2008, I started another research period in which I visited 30 gardens. It was striking that after more than 700 years in some cases, the gardens still possess a very contemporary appearance, and that it feels like looking at contemporary art.”

“Pada Mei dan Juni 2004, saya mengunjungi 34 taman di daerah Kyoto, membaginya dengan bagian (Utara, Timur, Barat, Selatan, dan Tengah) dan membuat catatan dan sketsa digital untuk menyelesaikan pilihan saya. Pada November 2008, saya memulai periode penelitian lain di mana saya mengunjungi 30 taman. Sangat mengejutkan bahwa setelah lebih dari 700 tahun dalam beberapa kasus, taman-taman masih memiliki penampilan yang sangat kontemporer, dan rasanya seperti melihat seni kontemporer. ”

“I selected more than 25 gardens to photograph, dating from 1282 to 1938 with most being established between 1300 and 1600. I identified the following types of garden design as most representative of the diversity in Kyoto: stroll garden, dry landscape garden (Zen garden), pond garden, “borrowed scenery” garden, moss garden, and viewing garden. Then I approached the various Buddhist temples and the imperial household in an attempt to gain access to the gardens. This was extremely difficult, partly because of my lack of Japanese language, but largely because Kyoto – and in particular Zen Buddhist Kyoto – is a very closed world. Only with the help of Yasu Suzuka, Julien Rikkoert, Yoko Nakamura, Dr. Gert van Tonder (Kyoto Institute of Technology), and Professor Naka (Kyoto University of Art and Design), was I able to gain access to some of the gardens.’’

“Saya memilih lebih dari 25 taman untuk difoto, berasal dari tahun 1282 hingga 1938 dengan sebagian besar dibangun antara tahun 1300 dan 1600. Saya mengidentifikasi jenis-jenis desain taman sebagai yang paling mewakili keragaman di Kyoto: jalan-jalan, taman lanskap kering (taman Zen), taman kolam, taman “pemandangan yang dipinjam”, taman lumut, dan taman melihat. Kemudian saya mendekati berbagai kuil Buddha dan rumah tangga kekaisaran dalam upaya untuk mendapatkan akses ke taman. Ini sangat sulit, sebagian karena kurangnya bahasa Jepang saya, tetapi sebagian besar karena Kyoto - dan khususnya Zen Buddha Kyoto - adalah dunia yang sangat tertutup. Hanya dengan bantuan Yasu Suzuka, Julien Rikkoert, Yoko Nakamura, Dr. Gert van Tonder (Institut Teknologi Kyoto), dan Profesor Naka (Universitas Seni dan Desain Kyoto), saya dapat memperoleh akses ke beberapa taman.’’

Title/judul: Saiho-jiรถ 9, winter Year/tahun: 2011 Technique/teknik: archival pigment print /cetak pigmen arsip Dimensions/dimensi: 45 x 35,6 cm

57

Title/judul: Paard Year/tahun: 1982 Technique/teknik: statue/patung Dimensions/dimensi: unknown/tidak diketahui

56 58

Piet van Heerden Lived from 1924 to 1986 Piet van Heerden studied at the Haarlemse School and met various artists from Haarlem during his education. In the early 50’s, he lived together with his wife and child in “Het Paradijsje” (translated as The Paradise) together with Anton Heyboer, a well-known Dutch painter. After the Second World War, Van Heerden was one of the first that joined the “Beeldende Kunstenaars Regeling” (translated as Visual Artists Regulation) as a painter. At the end of the 50’s, he quit painting and started sculpting. This discipline he taught himself. Many of his statues, primarily female figures, horses, and children playing made from bronze, are represented in private collections.

He was mainly skilled in creating smaller size statues. Famous among colleagues and connoisseurs is “patina”, a kind of copper rust on his sculptures. He liked to make large statues for public spaces. In 2005, a work about the life and work of van Heerden was published. His hometown Haarlem named a square after Van Heerden, the “Piet van Heerdenplein”.

Piet van Heerden belajar di Sekolah Haarlemse dan bertemu berbagai seniman dari Haarlem selama masa pendidikannya. Pada awal 50-an, ia tinggal bersama istri dan anaknya di “Het Paradijsje” (diterjemahkan sebagai The Paradise) bersama dengan Anton Heyboer, seorang pelukis Belanda yang terkenal. Setelah Perang Dunia Kedua, Van Heerden adalah salah satu yang pertama yang bergabung dengan “Beeldende Kunstenaars Regeling” (diterjemahkan sebagai Peraturan Seniman Visual) sebagai pelukis. Pada akhir 50-an, ia berhenti melukis dan mulai memahat. Disiplin inilah yang dia pelajari sendiri. Banyak dari patung-patungnya, terutama tokoh perempuan, kuda, dan anak-anak yang bermain yang terbuat dari perunggu, diwakili dalam koleksi pribadi.

Dia terutama terampil dalam membuat patung berukuran lebih kecil. Terkenal di antara rekan-rekan dan penikmatnya adalah “patina”, semacam karat tembaga pada patung-patungnya. Dia suka membuat patung besar untuk ruang publik.

Pada 2005, sebuah karya tentang kehidupan dan karya van Heerden diterbitkan.

Kampung halamannya, Haarlem, menamai sebuah lapangan dengan Van Heerden, “Piet van Heerdenplein”.

57 59

Henk Helmantel Year of birth: 1945

Henk Helmantel is a Dutch painter born in 1945. He is counted among the “Northern realists”, as well as the “independent realists”. Christianity is central to his daily life and work. From 1961 to 1965, he studied to become a painter at the Minerva Academy in Groningen, the Netherlands. After graduating, he moved back to Westeremden, the city where he was born.

Henk Helmantel adalah seorang pelukis Belanda yang lahir pada tahun 1945. Ia termasuk di antara “realis Utara”, serta “realis independen”. Kekristenan adalah pusat kehidupan dan pekerjaannya sehari-hari. Dari tahun 1961 hingga 1965, ia belajar untuk menjadi pelukis di Akademi Minerva di Groningen, Belanda. Setelah lulus, ia pindah kembali ke Westeremden, kota tempat ia dilahirkan.

Generally, Helmantel is regarded as a “fine painter”. This means that he portrays his subjects in a realistic way. He paints many still lifes of medieval churches and monasteries. With that, he focuses in particular on Romanesque and early Gothic architecture, both in the Netherlands and other areas of Western Europe.

Secara umum, Helmantel dianggap sebagai “seorang pelukis yang berspesialisasi dalam seni rupa”. Ini berarti bahwa dia menggambarkan subjeknya dengan cara yang realistis. Dia melukis banyak karya still lifes dari gereja dan biara abad pertengahan.

Dengan itu, ia berfokus terutama pada arsitektur Romawi dan Gothic awal, baik di Belanda dan daerah lain di Eropa Barat.

His Christian beliefs are important for his personal experience of creating. He mentions Rembrandt as an important source of inspiration for his work. Furthermore, he gets inspiration from simple everyday utensils from various cultures, but also from fruits.

Various critics often characterize Helmantel’s work as superficial and monotonous.

For this same reason, the Groninger Museum refused to exhibit Helmantel’s work for a long time as the management did not consider it to fit into the museum’s policy.

However, in 2014, the Museum purchased its first work by Helmantel.

Helmantel was named Dutch Artist of Year in 2008. In 2014, his merits were rewarded when he received royal honors: he was given a knighthood in the Order of Orange Nassau. This work by Henk Helmantel is located on the third floor of the Embassy.

60

Keyakinan Kristennya penting untuk pengalaman pribadinya dalam berkreasi. Ia menyebut Rembrandt sebagai sumber inspirasi penting untuk karyanya. Selain itu, ia mendapatkan inspirasi dari peralatan sehari-hari sederhana dari berbagai budaya, tetapi juga dari buah-buahan.

Berbagai kritikus sering menilai karya Helmantel sebagai dangkal dan monoton. Untuk alasan yang sama, Museum Groninger menolak untuk memamerkan karya Helmantel untuk waktu yang lama karena manajemen tidak menganggapnya cocok dengan kebijakan museum. Namun, pada 2014, Museum ini membeli karya pertamanya oleh Helmantel.

Helmantel dinobatkan sebagai Seniman Belanda Tahun 2008. Pada 2014, jasa-jasanya dihargai ketika ia menerima penghargaan kerajaan: ia diberi gelar bangsawan di Orde Orange Nassau. Karya Henk Helmantel ini terletak di lantai tiga Kedutaan Belanda.

Title/judul: De absis in de Romaanse kerk te Bozum Year/tahun: 2003 Technique/teknik: watercolours/cat air Dimensions/dimensi: 240 x 185 cm

59 61

Title/judul: Koningin Beatrix nr. 121 Year/tahun: 2001 Technique/teknik: screen print/cetak layar Dimensions/dimensi: 73 x 90 cm 62

Jeroen Henneman Year of birth: 1942 Jeroen Henneman is internationally known as a visual artist, as well as a theater and television producer. He worked, among other things, with filmmaker Theo van Gogh. The themes featuring in his work are varied. In his paintings, one can discover a city theme.

On the other hand, in his sculptures, he uses various everyday objects. However, these objects are projected in an unusual way. For example, he uses specific parts of a subject which are then enlarged to a huge scale. Or he plays with the concept of time and places an object in it, such as the sculpture of a falling coffee pot whose fall is displayed by an enlarged film strip. The way in which he manages to give everyday events an absurd turn, creates a melancholic atmosphere.

His recent “standing drawings” are well-known. This has become a characteristic way of depicting for Henneman. Large drawings are transformed into sculptures. He gives his drawings a three-dimensional character with the use of illusion.

In 2000, Henneman received the assignment to make an official portrait of the former Dutch Queen Beatrix, which was cast into a bronze statue. A screen print served as the basis, and this print was exhibited in the Stedelijk Museum in Amsterdam during the exhibition “De Voorstelling. Dutch art in the Stedelijk Paleis” with Beatrix as guest curator. Afterwards, this screen print has been copied multiple times and distributed to all kinds of governmental buildings in the Netherlands.

The screen print “Queen Beatrix” consists of the clear lines for which Henneman is famous. He managed to create a depth effect by placing a light gray shadow line here and there next to the thick black lines. Because it served as a design for a bronze sculpture, a separate curl of hair, extending over the left eye, was added. Without it, it would be impossible to place the eye and the eyebrow in the casting.

Screen printing is a modern graphic technique, developed at the beginning of the twentieth century and used for mass communication, but did not find its way into visual arts until the sixties. The possible print runs of modern graphic techniques are virtually unlimited. With screen printing, namely template printing, what needs to be printed is cut into a template. It is also possible to manufacture this in a photographic manner; then one stretches it onto a screen made of synthetic fiber (formerly silk). The material to be printed is placed under the screen and then very thick printing ink is applied to the screen with a rectangular piece of rubber.

Jeroen Henneman secara internasional dikenal sebagai seniman visual, serta produser teater dan televisi. Dia bekerja, antara lain, dengan pembuat film Theo van Gogh.

Tema yang ditampilkan dalam karyanya bervariasi. Dalam lukisannya, orang dapat menemukan tema kota. Di sisi lain, dalam patungnya, ia menggunakan berbagai benda sehari-hari. Namun, objek-objek ini diproyeksikan dengan cara yang tidak biasa. Misalnya, ia menggunakan bagian-bagian tertentu dari suatu subjek yang kemudian diperbesar hingga skala besar. Atau dia bermain dengan konsep waktu dan menempatkan objek di dalamnya, seperti patung pot kopi yang jatuh yang mana jatuhnya ditampilkan oleh strip film yang diperbesar. Cara dia mengatur agar kejadian sehari-hari berubah menjadi absurd, menciptakan suasana melankolis.

“Gambar berdiri” -nya yang baru-baru ini terkenal. Ini telah menjadi cara yang khas untuk menggambarkan Henneman. Gambar besar diubah menjadi patung. Dia memberikan gambarnya karakter tiga dimensi dengan penggunaan ilusi.

Pada tahun 2000, Henneman menerima tugas untuk membuat potret resmi mantan Ratu Belanda Beatrix, yang dijadikan patung perunggu. Cetak layar digunakan sebagai dasar, dan cetakan ini dipamerkan di Museum Stedelijk di Amsterdam selama pameran “De Voorstelling. Seni Belanda di Istana Stedelijk ”dengan Beatrix sebagai kurator tamu.

Setelah itu, cetak layar ini telah disalin berulang kali dan didistribusikan ke semua jenis gedung pemerintah di Belanda.

Layar cetak “Queen Beatrix” terdiri dari garis-garis tegas Henneman yang terkenal. Dia berhasil menciptakan efek kedalaman dengan menempatkan garis bayangan abu-abu terang di sana-sini di sebelah garis hitam tebal. Karena itu berfungsi sebagai desain untuk patung perunggu, ikal rambut yang terpisah, membentang di atas mata kiri, ditambahkan.

Tanpa itu, tidak mungkin untuk menempatkan mata dan alis di casting.

Sablon adalah teknik grafis modern, dikembangkan pada awal abad kedua puluh dan digunakan untuk komunikasi massa, tetapi tidak menemukan jalannya ke dalam seni visual sampai tahun enam puluhan. Kemungkinan hasil cetak teknik grafis modern hampir tidak terbatas. Dengan sablon, yaitu pencetakan templat, apa yang perlu dicetak dipotong menjadi templat. Dimungkinkan juga untuk membuat ini dalam cara fotografi; kemudian seseorang membentangkannya ke layar yang terbuat dari serat sintetis (sebelumnya sutra). Bahan yang akan dicetak ditempatkan di bawah layar dan kemudian tinta cetak yang sangat tebal diterapkan ke layar dengan sepotong karet persegi panjang.

63

Heringa /Van Kalsbeek Year of birth Liet Heringa: 1966 Year of birth Maarten van Kalsbeek: 1962

64

The Embassy in Jakarta has a large entrance hall. Despite additions as the mural by Hadassah Emmerich, various other artworks on the wall, and some seating options, the space remains large and empty. Previously, strategically placed sculptures decreased the size of the whole. This was however somewhat messy and incoherent because the artists used different materials and styles. Therefore, it was hard to discover one style and with that the artworks seemed to be somewhat lost.

It is almost twenty-five years ago that Liet Heringa and Maarten van Kalsbeek made a joint sculpture for the first time. They had known each other since the mid-80’s from their studies at the Rietveld Academy, but started their career individually. Only when they got separated, by Heringa’s move to London, did the permanent collaboration start. They sent each other slides of what they had created, adjusted things in the work of the other. This went back and forth by mail.

Combining this past experience with the renewed art collection and the expressive and colorful wall painting, new sculptures had to be found. These had to meet the theme of the collection: nature. Furthermore, the sculptures also had to be able to compete with the wall painting, but at the same time had to form a whole. Finally, the sculptures had to fascinate and stimulate. This means that when a visitor would walk by at full speed, he or she should at least notice them, while the employee that might have more time to study the sculpture, should encourage his or her thoughts to go beyond daily concerns. The sculptures should be there to invite someone to get into a different visual world than the one we are used to. The sculptures of Heringa / Van Kalsbeek meet these demands. They are colorful, expressive, and are inspired by nature that they like to shape. Asia is also a great source of inspiration for them.

This has been their workstyle ever since. The joint name that they are officially using since 1998, Heringa / Van Kalsbeek, indicates to what extent they are a unit but at the same time also two opposites. Their art is the result of action and reaction. It is pushing and pulling, formulating and correcting, an artistic tennis match with very long rallies.

Two sculptures were purchased for the Embassy in Jakarta. Together, they form a beautiful composition in which their two different techniques can be discovered.

Heringa / Van Kalsbeek call the smaller sculpture a “waaibeeld” – a wind sculpture, while the taller sculpture better fits within their own “traditional movement”. In this movement, they wrap found objects, like a bicycle handlebar, completely in synthetic resin. The sculpture does not become rough as the suggestion of the blossom branches indicates something elegant and the composition evokes an association with Asia.

Left/kiri Title/judul: Kersenblad Year/tahun: 2006 Technique/teknik: ceramic, porcelain, metal, wire /keramik, porselen, logam, kawat Dimensions/dimensi: 64 x 41 x 75 cm Right/kanan Title/judul: Waaier Year/tahun: 2006 Technique/teknik: porcelain, metal, wire, wood /porselen, logam, kawat, kayu Dimensions/dimensi: 125 x 62 x 44 cm

Kedutaan di Jakarta memiliki aula masuk yang besar. Meskipun ada penambahan seperti mural oleh Hadassah Emmerich, berbagai karya seni lain di dinding, dan beberapa opsi tempat duduk, namun ruang tetap besar dan kosong. Sebelumnya, patung yang ditempatkan secara strategis mengurangi ukuran keseluruhan. Namun ini agak berantakan dan tidak jelas karena para seniman menggunakan bahan dan gaya yang berbeda. Karena itu, sulit untuk menemukan satu gaya dan dengan itu karya seni tampaknya agak hilang.

Menggabungkan pengalaman masa lalu ini dengan koleksi seni yang diperbarui dan lukisan dinding yang ekspresif dan penuh warna, patung-patung baru harus ditemukan.

Ini harus memenuhi tema koleksi: alam. Selain itu, patung-patung itu juga harus dapat bersaing dengan lukisan dinding, tetapi pada saat yang sama harus membentuk keseluruhan. Akhirnya, patung-patung itu harus mempesona dan menstimulir. Ini berarti bahwa ketika seorang pengunjung akan berjalan dengan kecepatan penuh, ia setidaknya harus memperhatikan mereka, sementara karyawan yang mungkin memiliki lebih banyak waktu untuk mempelajari patung itu, harus mendorong pemikirannya untuk melampaui masalah sehari-hari. Patung-patung itu harus ada di sana untuk mengundang seseorang masuk ke dunia visual yang berbeda dari yang biasa kita lakukan. Patung-patung Heringa / Van Kalsbeek memenuhi tuntutan ini. Mereka penuh warna, ekspresif, dan terinspirasi oleh alam yang mereka suka bentuk. Asia juga merupakan sumber inspirasi bagi mereka.

Hampir dua puluh lima tahun yang lalu Liet Heringa dan Maarten van Kalsbeek membuat

patung bersama untuk pertama kalinya. Mereka sudah saling kenal sejak pertengahan 1980-an dari studi mereka di Rietveld Academy, tetapi memulai karir mereka secara individual. Hanya ketika mereka terpisah, dengan kepindahan Heringa ke London, kolaborasi permanen dimulai. Mereka surat-menyurat dan saling mengirim slide tentang apa yang telah mereka buat, menyesuaikan hal-hal dalam karya yang lain.

Ini telah menjadi gaya kerja mereka sejak saat itu. Nama bersama yang mereka gunakan secara resmi sejak tahun 1998, Heringa / Van Kalsbeek, menunjukkan sejauh mana mereka adalah satu unit tetapi pada saat yang sama juga dua yang bertentangan. Seni mereka adalah hasil dari aksi dan reaksi. Ini mendorong dan menarik, merumuskan dan mengoreksi, pertandingan tenis artistik dengan demonstrasi yang sangat panjang.

Dua patung dibeli untuk Kedutaan Besar di Jakarta. Bersama-sama, mereka membentuk komposisi yang indah di mana dua teknik mereka yang berbeda dapat ditemukan.

Heringa / Van Kalsbeek menyebut patung yang lebih kecil itu “waaibeeld� - patung angin, sedangkan patung yang lebih tinggi lebih sesuai dengan “gerakan tradisional� mereka sendiri. Dalam gerakan ini, mereka membungkus benda-benda yang ditemukan, seperti stang sepeda, sepenuhnya dalam resin sintetis. Patung itu tidak menjadi kasar karena saran dari cabang-cabang bunga menunjukkan sesuatu yang elegan dan komposisinya membangkitkan hubungan dengan Asia.

65

Jeroen Hermkens Year of birth: 1960

66

Jeroen Hermkens studied at the Academy of Fine Arts in Utrecht and the Atelier lithografique Champfleury in Paris. His lithographs and paintings are powerful and expressive; he gets inspiration in the Netherlands but also abroad. He has already exhibited in foreign museums and CNN broadcasted a documentary about him in 2002. In 1996 he received the Dutch Graphic Prize for his large lithographs. In 2006 he was elected Dutch Artist of the Year. His studio is located in a cellar on the Oudegracht in Utrecht.

Jeroen Hermkens belajar di Academy of Fine Arts di Utrecht dan Atelier lithografique Champfleury di Paris. Litograf dan lukisannya kuat dan ekspresif; ia mendapat inspirasi di Belanda dan juga di luar negeri. Ia telah mengadakan pameran di museum asing dan CNN menyiarkan film dokumenter tentangnya pada tahun 2002. Pada tahun 1996 ia menerima Penghargaan Grafis Belanda untuk litograf besarnya. Pada tahun 2006, ia terpilih sebagai Seniman Belanda Tahun Ini. Studionya terletak di ruang bawah tanah di Oudegracht di Utrecht.

Desiderius Erasmus of Rotterdam (1466-1536), scholar and philosopher, advocated freedom of speech and respect for others. He wanted to learn from the standpoints of others. He traveled all over Europe and worked in various cities. Artist Jeroen Hermkens tells Erasmus’ life story by depicting the cities that have been crucial for his work. Hermkens has selected the following cities: Rotterdam, Gouda, Deventer, Paris, Oxford, Leuven, Venice, Freiburg and Basel. In his mural, he follows Erasmus all over present-day Europe, where the ideas of his great mind are still noticeable.

Desiderius Erasmus dari Rotterdam (1466-1536), orang terpelajar dan filsuf, menganjurkan kebebasan berbicara dan menghormati orang lain. Ia ingin belajar dari sudut pandang orang lain. Ia bepergian ke seluruh Eropa dan bekerja di berbagai kota. Seniman Jeroen Hermkens menceritakan kisah hidup Erasmus dengan menggambarkan kota-kota yang penting bagi karyanya. Hermkens telah memilih kota-kota berikut: Rotterdam, Gouda, Deventer, Paris, Oxford, Leuven, Venice, Freiburg dan Basel. Dalam muralnya, ia mengikuti Erasmus di seluruh Eropa saat ini, di mana gagasan-gagasan dari pikiran besarnya masih terlihat.

Title/judul: In the footsteps of Erasmus / Mengikuti jejak Erasmus Year/tahun: 2017 Technique/teknik: Mural painting Dimensions/dimensi: unknown/tidak diketahui 67 65

Willem van den Hoed Year of birth: 1965

Willem van den Hoed graduated from the Architecture Faculty of the Delft University of Technology in 1992. He established his own architecture company in 1998 and realized several projects in the Netherlands. However, in 2003, he started to create art works. Many of his current works still have architectural themes. His work has been displayed at several museums and galleries in the Netherlands and Germany, as well as at numerous art fairs in the Netherlands and Japan.

The work of Van den Hoed in the Embassy shows an urban high-rise. In none of the rooms are people to be seen. One might have the impression that they deserted their rooms. However, his work does not merely show us empty rooms. On the contrary, the rooms are filled with movement: the way in which light moves over the course of time, the changes in the views of the city, the reflections in the glass, mirrors and other reflective surfaces, and the varying intensity of the light.

68

By observing, as an “invisible man”, an apparently empty room over a long period and then bringing together these observations in a single work, Van den Hoed creates a new and layered reality.

“The photo was taken in 2008 over a two-day period from room 413 in the Newton Inn hotel in North Point, Hong Kong. This resulted in a collection of many hundreds of telephoto lens shots that were photographed both day and night. I worked piece by piece for several years on accurately merging the shots and completed the work, 413 in 2016. This is the Hong Kong that will disappear and on the one hand it is understandable: it is of course not an ideal living environment. On the other hand, the warm and festively lit shoe boxes made a very inviting impression to me. Mahjong was played behind one of the windows and I would like to have participated.”

Title/judul: 413 Year/tahun: 2008-2016 Technique/teknik: inkjet on baryta paper, photograph on acrylic sheet, aluminium /inkjet pada kertas baryta, foto pada lembaran akrilik, aluminium Dimensions/dimensi: 96 x 200 cm

Willem van den Hoed lulus dari Fakultas Arsitektur Universitas Teknologi Delft pada tahun 1992. Ia mendirikan perusahaan arsitekturnya sendiri pada tahun 1998 dan merealisasikan beberapa proyek di Belanda. Namun, pada 2003, ia mulai membuat karya seni. Banyak dari karya-karyanya saat ini masih memiliki tema arsitektur.

Karyanya telah dipajang di beberapa museum dan galeri di Belanda dan Jerman, serta di berbagai pameran seni di Belanda dan Jepang.

Karya Van den Hoed di Kedutaan Besar menunjukkan bangunan tinggi perkotaan. Di kamar tidak ada orang untuk dilihat. Orang mungkin memiliki kesan bahwa mereka meninggalkan kamar mereka. Namun, karyanya tidak hanya menunjukkan kepada kita kamar kosong. Sebaliknya, kamar-kamar dipenuhi dengan gerakan: cara di mana cahaya bergerak selama perjalanan waktu, perubahan dalam pandangan kota, pantulan di kaca, cermin dan permukaan reflektif lainnya, dan intensitas yang

bervariasi dari cahaya. Dengan mengamati, sebagai “orang tak terlihat�, sebuah ruangan yang tampaknya kosong dalam waktu yang lama dan kemudian menyatukan pengamatan-pengamatan ini dalam satu karya tunggal, Van den Hoed menciptakan realitas baru dan berlapis. “Foto diambil pada 2008 selama dua hari dari kamar 413 di hotel Newton Inn di North Point, Hong Kong. Ini menghasilkan koleksi ratusan foto lensa telefoto yang difoto siang dan malam. Saya bekerja sepotong demi sepotong selama beberapa tahun untuk menggabungkan foto secara akurat dan menyelesaikan pekerjaan, 413 pada 2016. Ini adalah Hong Kong yang akan menghilang dan di satu sisi itu dapat dimengerti: tentu saja ini bukan lingkungan hidup yang ideal. Di sisi lain, kotak sepatu yang hangat dan menyala meriah membuatku sangat terkesan. Mahjong dimainkan di belakang salah satu jendela dan aku ingin berpartisipasi. “ 69

Hillebrand van Kampen Year of birth: 1945

Hillebrand van Kampen was born and raised in Amsterdam. As subjects for his paintings, Van Kampen draws historical cans, delicate dance figures of colored glass, and silk flowers. For example, he used a recent series of embroidered flower still lifes that he found at flea markets. With the same attention as the women that made these embroideries, he creates his mosaic-like works. The layered texture is reminiscent of the background of embroidery patterns.

Hillebrand van Kampen lahir dan besar di Amsterdam. Sebagai subjek lukisannya, Van Kampen menggambar kaleng-kaleng bersejarah, tokoh-tokoh tari halus dari kaca berwarna, dan bunga sutra. Sebagai contoh, ia menggunakan serangkaian still life bunga bordir yang ia temukan di pasar loak. Dengan perhatian yang sama dengan wanita yang membuat sulaman ini, ia menciptakan karya-karya seperti mosaik. Tekstur berlapis mengingatkan pada latar belakang pola bordir.

70

Title/judul: Z.T. (grey/blue) / (abu-abu/ biru) Year/tahun: 2000 - 2005 Technique/teknik: oil on canvas /minyak di atas kanvas Dimensions/dimensi: 153 x 153 cm

69 71

Bert Keller

Title/judul: Datura IV Year/tahun: 2003 Technique/teknik: mezzotint

Year of birth: 1954

72

Dimensions/dimensi: 70 x 100 cm

Light has always played an important role in visual arts, particular in Dutch paintings. Rembrandt van Rijn was a master at playing with light and shadows, and often worked with strong light and dark contrasts (claire-obscure). In that same period, other painters such as Van Ruisdael, Vermeer, and Van Goyen also discovered the beauty of Dutch light. It features prominently in landscapes; cloudy skies rich with contrast, reflecting wine glasses, and the soft sheen of pewter are painted so realistically and expressively that it almost seems as if you could touch these objects. Yet, it is not the primary aim of these painters to present a realistic image of their subject, but to paint light as it is reflected by the sea, by glass, or by metal.

The work of Bert Keller continues in this Dutch tradition. In his dry points as well as in his mezzotints and inkjet prints, his fascination with light is very evident. In the dry points he focuses completely on colour; the reflection of light in the “bk.” series yields an infinitely rich array of tones and tints. However, in the mezzotints, colour is almost completely absent; here the focus is on contrast between light and dark, with subtle nuances in greys. In the inkjet prints, light becomes the bearer of meaning.

Light and shadows, clear colours and pale tints are brought together to create a compelling atmosphere.

The bk. series is a series of 12 dry points. Each of them has three bands of colour placed side by side. Several layers of ink and pigment were printed on top of each other, making the colours intense but nevertheless clear, one could even call them transparent. The different colours form a balanced whole, sometimes rich in contrast, at other times blending together but always in balance with each other. The series can be seen as a study of colour and the effects of colour combinations.

The mezzotints, on the other hand, contain practically no colour, but Keller makes intensive use of the contrast between light and shadow: he makes a bedspread, or a table light up, lets the sun play on the feathers of a peacock or the leaves of a bamboo tree. The play of light gives an image depth, while at the same time it draws attention to the subject, whether that is an interior, a plant or a flower. The strong contrast between light and dark makes the image light up in the dark as it were, in order to draw the attention of the viewer. This effect is never dramatic, on the contrary, the images exude a stillness that invites the observer to pay closer attention. And if you look more closely, you can see with how much care these prints are made and how much detail they contain. Every leaf, every vein is represented.

What ties these prints together is not so much their subjects, and even less an underlying message or intent, but the atmosphere they manage to invoke. The light becomes the bearer of meaning, of hard-to-define emotions such as devotion, melancholy, and desolation. It is not about a realistic rendition of a city or a plant, even though the prints are often based on photographic reality. What it is about is the light, which gives these images an unmistakable poetic power that keeps the viewer spellbound.

Cahaya selalu memainkan peran penting dalam seni visual, khususnya dalam lukisan Belanda. Rembrandt van Rijn adalah seorang ahli dalam bermain dengan cahaya dan bayangan, dan sering bekerja dengan cahaya yang kuat dan kontras gelap (claire-obscure).

Pada periode yang sama, pelukis lain seperti Van Ruisdael, Vermeer, dan Van Goyen juga menemukan keindahan cahaya Belanda. Ini fitur mencolok di lanskap; langit berawan kaya dengan kontras, memantulkan gelas anggur, dan kilau lembut timah dicat begitu realistis dan ekspresif sehingga hampir seolah-olah Anda bisa menyentuh benda-benda ini. Namun, bukan tujuan utama pelukis-pelukis ini untuk menghadirkan gambar yang realistis dari subjek mereka, tetapi untuk melukis cahaya seperti yang dipantulkan oleh laut, kaca, atau logam.

Karya Bert Keller berlanjut dalam tradisi Belanda ini. Dalam titik-titik keringnya serta dalam mezzotint dan cetakan inkjet-nya, ketertarikannya pada cahaya sangat jelas.

Pada titik-titik kering, ia berfokus sepenuhnya pada warna; pantulan cahaya dalam seri “bk.” menghasilkan serangkaian nada dan warna yang kaya. Namun, dalam karya-karya

mezzotint-nya, warna hampir tidak ada sama sekali; di sini fokusnya adalah pada kontras antara terang dan gelap, dengan nuansa halus pada abu-abu. Dalam cetakan inkjet, cahaya menjadi pembawa makna. Cahaya dan bayangan, warna-warna bening dan warna pucat disatukan untuk menciptakan suasana yang memikat.

Bk. seri adalah serangkaian 12 titik kering. Masing-masing dari mereka memiliki tiga pita warna yang ditempatkan berdampingan. Beberapa lapisan tinta dan pigmen dicetak di atas satu sama lain, membuat warnanya kuat tetapi tetap jelas, orang bahkan bisa menyebutnya transparan. Warna-warna yang berbeda membentuk keseluruhan yang seimbang, kadang-kadang kaya akan kontras, di lain waktu menyatu tetapi selalu seimbang satu sama lain. Serial ini dapat dilihat sebagai studi warna dan efek kombinasi warna.

Di sisi lain, mezzotints praktis tidak mengandung warna, tetapi Keller menggunakan kontras antara cahaya dan bayangan secara intensif: ia membuat seprai, atau meja menyala, membiarkan matahari bermain di bulu-bulu merak atau dedaunan. dari pohon bambu.

Permainan cahaya memberikan kedalaman gambar, sementara pada saat yang sama itu menarik perhatian subjek, baik itu interior, tanaman, atau bunga. Kontras yang kuat antara terang dan gelap membuat gambar menyala dalam gelap seolah-olah untuk menarik perhatian penonton. Efek ini tidak pernah dramatis, sebaliknya, gambar memancarkan keheningan yang mengundang pengamat untuk lebih memperhatikan. Dan jika Anda melihat lebih dekat, Anda dapat melihat dengan seberapa hati-hati cetakan ini dibuat dan berapa banyak detail yang dikandungnya. Setiap daun, setiap vena terwakili.

Apa yang mengikat cetakan ini bersama-sama bukanlah subjek mereka, dan bahkan pesan atau niat yang mendasarinya, tetapi atmosfer yang berhasil mereka gunakan.

Cahaya menjadi pembawa makna, dari emosi yang sulit didefinisikan seperti pengabdian, kemurungan, dan kehancuran. Ini bukan tentang penampakan realistis kota atau tanaman, meskipun cetakannya sering didasarkan pada realitas fotografis. Ini tentang cahaya, yang memberi gambar-gambar ini kekuatan puitis yang tak salah lagi yang membuat penonton terpesona.

73

Title/judul: Amsterdam Year/tahun: 1960 – 1965 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 30 x 41 cm

Title/judul: Quatorze Juillet, Paris Year/tahun: 1958 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 30 x 40 cm

74

Johan van der Keuken Lived from 1938 to 2001

Johan van der Keuken was a Dutch historical photographer, as well as a film and documentary maker. He studied to become a filmmaker in Paris. In total, he created nine photo books and published 55 documentaries in forty years.

His work “Amsterdam” was published in the book “Mise au jour” and compiled in collaboration with Willem van Zoetendal. The book consists of 45 photos by Van der Keuken in the period 1956 - 1982, taken with his Leica M3 camera. It is a selection of largely unknown photos from France, Spain, Italy, the Netherlands, Greece, and the United States. “Mise au jour” means uncovering, excavating or updating. This photo was taken in Amsterdam, the city in which Van der Keuken lived for many years.

The work ‘‘Quatorze Juillet’’, Paris is a dance scene on the Ile St. Louis in Paris. It is one of the most famous photographs by Van der Keuken and was taken during the celebration of Quatorze Juillet in 1958. Since the start of his career, Van der Keulen was interested in capturing movement in a single photograph. In this dance, his fascination for movement and photography come together. It results in a graceful and dynamic photo.

Johan van der Keuken adalah seorang fotografer sejarah Belanda, serta pembuat film dan dokumenter. Ia belajar untuk menjadi pembuat film di Paris. Secara total, ia menciptakan sembilan buku foto dan menerbitkan 55 film dokumenter dalam empat puluh tahun.

Karyanya “Amsterdam” diterbitkan dalam buku “Mise au jour” dan disusun bekerja sama dengan Willem van Zoetendal. Buku ini terdiri dari 45 foto oleh van der Keuken pada periode 1956 - 1982, diambil dengan kamera Leica M3-nya. Ini adalah pilihan foto yang sebagian besar tidak diketahui dari Perancis, Spanyol, Italia, Belanda, Yunani, dan Amerika Serikat. “Mise au jour” berarti membuka, menggali, atau memperbarui. Foto ini diambil di Amsterdam, kota tempat tinggal van der Keuken selama bertahun-tahun.

Karya Quatorze Juillet, Paris adalah sebuah adegan dansa di Ile St. Louis di Paris.

Ini adalah salah satu foto paling terkenal oleh van der Keuken dan diambil selama perayaan Quatorze Juillet pada tahun 1958. Sejak awal karirnya, van der Keulen tertarik untuk menangkap gerakan dalam satu foto. Dalam tarian ini, ketertarikannya pada gerakan dan fotografi bersatu. Ini menghasilkan foto yang anggun dan dinamis.

75

Jaap Kroneman Year of birth: 1968

Jaap Kroneman studied between 1988 and 1992 at the Art Academy in Arnhem. Since then, he has been working as a visual artist. He paints, works with clippings and “found footage”, makes spatial installations from all kinds of materials, composes music, performs, and compiles short movies.

Jaap Kroneman belajar antara tahun 1988 dan 1992 di Akademi Seni di Arnhem. Sejak itu, ia telah bekerja sebagai seniman visual. Dia melukis, bekerja dengan kliping dan “found footage”, membuat instalasi spasial dari semua jenis bahan, membuat musik, melakukan, dan menyusun film pendek.

Kroneman takes reality as the starting point of his work, while abstracting that reality in the process of creation. For him it is not enough just to register what is out there. He scrapes images from reality and crushes them, eventually resulting into a sketch. His approach to scraping and crushing makes his work looks improvised, but the power of the images gives the sketches a strong suggestive effect. His work often breaks conventions in a humorous way and shows us the personal “universe” of Kroneman.

Kroneman mengambil kenyataan sebagai titik awal karyanya, sambil mengabstraksikan kenyataan itu dalam proses penciptaan. Baginya tidak cukup hanya dengan mendaftarkan apa yang ada di luar sana. Dia menggores gambar dari kenyataan dan menghancurkannya, akhirnya menghasilkan sketsa. Pendekatannya untuk mengikis dan menghancurkan membuat pekerjaannya terlihat improvisasi, tetapi kekuatan gambar memberikan sketsa efek sugestif yang kuat. Karyanya sering merusak konvensi dengan cara yang lucu dan menunjukkan kepada kita “alam semesta” pribadi Kroneman.

Girls are a recurring theme in his work. They pop up regularly, sometimes casually, sometimes as the central issue. “I grew up in a feminist environment, and I dared not look at girls for a long time. At a certain point in my life I decided to look at them” says Kroneman. “I do not know what they exactly stand for in my work. They crawl into it.” For him, they have to do with desire, but also with something heavenly. The girls are a metaphor for innocence and, according to Kroneman, represent the great desire for a beautiful, childlike world.

The collection of the Ministry of Foreign Affairs contains one of Kroneman’s works, a black-and-white photo from 1998 (Untitled). This work is an intriguing photo and provides a good impression of the Netherlands around 1990. His work is characterized by a great diversity in aesthetics. On the one hand, he entices the viewer with his aesthetics, on the other he tries to provoke with his visual language. Is the attitude of the woman slightly erotic or slightly sexy? That is left to the observer. The sepia photo in the Embassy showcases a girl in a kitchen lighting a cigarette by putting it in the pilot’s flame. The scene has the characteristics of an everyday event, were it not for the knowledge of Kroneman’s unusual vision that you can experience a voyeuristic feeling.

76

Gadis adalah tema yang berulang dalam karyanya. Mereka muncul secara teratur, kadang-kadang dengan santai, kadang-kadang sebagai tokoh utama. “Saya tumbuh di lingkungan yang feminis, dan saya tidak berani melihat gadis untuk waktu yang lama.

Pada titik tertentu dalam hidup saya, saya memutuskan untuk melihat mereka,” kata Kroneman. “Saya tidak mengetahui makna mereka sebenarnya dalam karya-karya saya. Mereka merangkak ke dalamnya.” Baginya, mereka ada hubungannya dengan hasrat, tetapi juga dengan sesuatu yang surgawi. Gadis-gadis adalah metafora untuk kemurnian dan, menurut Kroneman, mewakili keinginan besar untuk dunia yang indah dan kekanak-kanakan.

Koleksi Kementerian Luar Negeri berisi salah satu karya Kroneman, foto hitam putih dari tahun 1999 (Tanpa Judul). Karya ini adalah foto yang menarik dan memberikan kesan yang baik tentang Belanda di tahun 1990-an. Karyanya ditandai dengan keragaman estetika yang luar biasa. Di satu sisi, ia membujuk pemirsa dengan estetika, di sisi lain ia mencoba memprovokasi dengan bahasa visualnya. Apakah sikap wanita itu sedikit erotis atau sedikit seksi? Itu diserahkan kepada pengamat. Foto sepia di Kedutaan menampilkan seorang gadis di dapur menyalakan rokok dengan meletakkannya di pilot flame. Adegan ini memiliki karakteristik peristiwa sehari-hari, jika bukan karena pengetahuan tentang visi Kroneman yang tidak biasa, Anda dapat mengalami perasaan voyeuristik.

Title/judul: Without title/tanpa judul Year/tahun: 1998 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 70 x 100 cm 77

Title/judul: Without title/tanpa judul Year/tahun: 1999 Technique/teknik: photo print on voile, stretched over patterned Chinese fabric/cetak foto pada voile, membentang di atas kain Cina bermotif Dimensions/dimensi: 67 x 50 cm

78

Wilma Kuil Year of birth: 1949

Wilma Kuil’s work is about impermanence and memories. This impermanency is especially noticeable with children and flowers: a lot changes in a short period of time. This “Dahlia” marks the fall, the season in which it is still blooming. This work consists of two layers.

Karya Wilma Kuil adalah tentang ketidakkekalan dan kenangan. Ketidakkekalan ini terutama terlihat pada anak-anak dan bunga: banyak perubahan dalam waktu singkat. “Dahlia” ini menandai musim gugur, musim di mana ia masih mekar. Karya ini terdiri dari dua lapisan.

It was a huge flower. Kuil had rarely seen such a large Dahlia. She got it from a friend, and the flower inspired her to make this work. She bought the fabric in rural China and combined the flowers and roses as a transition from summer to autumn.

The bird represents a connection between the seasons. The Dahlia stands in an old milk bottle from Kuil’s childhood.

Bunga Dahlia yang didapatkan dari seorang temannya sangatlah besar. Kuil jarang melihat Dahlia sebesar itu, bunga itulah yang mengilhaminya untuk membuat karya ini. Dia membeli kain di pedesaan Cina dan menggabungkan bunga ini dan mawar sebagai transisi dari musim panas ke musim gugur. Burung mewakili hubungan antara musim. Dahlia diletakkan di dalam botol susu tua yang dimilikinya sejak kecil.

Kuil’s visual curiosity is a quest for images that have always existed in her mind.

She looks to the past, not out of a nostalgic longing for childhood, but to get a grasp on these visual recollections. Working like an archaeologist, she investigates the subtle characteristics of memories; moments, fragrances, and reminders, visualized in artworks inspired by Vanitas: meaning vanity and emptiness.

Keingintahuan visual Kuil adalah pencarian gambar yang selalu ada dalam benaknya. Dia melihat ke masa lalu, bukan karena kerinduan nostalgia akan masa kanak-kanaknya, tetapi untuk memahami ingatan visual ini. Bekerja seperti seorang arkeolog, ia menyelidiki karakteristik kenangan yang samar; momen, wewangian, dan pengingat, divisualisasikan dalam karya seni yang terinspirasi oleh Vanitas: makna kesombongan dan kekosongan.

She utilizes textiles, photo printed fabric, and handmade ornaments. In commissioned projects, she uses terrazzo, laminated glass, and photo printed fabric. Some of her public works have been integrated into the interior architecture or buildings.

Dia menggunakan tekstil, kain, dan ornamen buatan tangan. Dalam proyek yang ditugaskan, dia menggunakan teraso, kaca laminasi, dan kain cetak foto. Beberapa karya publiknya telah diintegrasikan ke dalam arsitektur interior atau bangunan.

79

Kadir van Lohuizen Year of birth: 1963

Kadir van Lohuizen is a famous Dutch photographer, primarily known for his documentaries on socially relevant issues. The photos of van Lohuizen at the Embassy are from the series “Wad en vissers” (translated as Mudflat and fishermen).

Van Lohuizen is a frequent lecturer and photography teacher and is based in Amsterdam. He covered conflicts in Africa and elsewhere, but is probably best known for his long-term projects on the seven rivers of the world, the rising of the sea levels, the diamond industry, and migration in the Americas.

He started to work as a professional freelance photojournalist in 1988 and covered the Intifada, a Palestinian uprising against the Israeli occupation of the West Bank and Gaza. In the following years, he worked in many conflict areas in Africa. From 1990 to 1994, he covered the transition in South Africa from the apartheid to democracy.

After the collapse of the Soviet Union, van Lohuizen covered social issues in different corners of the former USSR. Van Lohuizen has received several prizes and awards for his photojournalism. In 2000 and 2002, he was a jury member of the World Press Photo contest and is currently on the supervisory board of the World Press Photo foundation.

For the project “Where will we go”, Van Lohuizen captured the global consequences of rising sea levels caused by climate change. This project is designed to highlight both the immense complexities associated with in-island and inter-island/country movement, and the human rights implications involved in such displacements.

80

Kadir van Lohuizen adalah seorang fotografer Belanda terkenal, terutama dikenal karena film dokumenternya tentang isu-isu yang relevan secara sosial. Foto-foto van Lohuizen di Kedutaan Besar berasal dari seri “Wad en vissers” (diterjemahkan sebagai Mudflat dan nelayan).

Van Lohuizen adalah dosen lepasan dan guru fotografi yang tinggal di Amsterdam.

Dia meliput konflik di Afrika dan di tempat lain, tetapi dia dikenal dari proyek jangka panjangnya di tujuh sungai di dunia, naiknya permukaan laut, industri berlian, dan migrasi di Amerika.

Dia mulai bekerja sebagai jurnalis foto lepas profesional pada tahun 1988 dan meliput Intifada, pemberontakan Palestina terhadap pendudukan Israel di Tepi Barat dan Gaza.

Pada tahun-tahun berikutnya, ia bekerja di banyak daerah konflik di Afrika. Dari tahun 1990 hingga 1994, ia meliput transisi di Afrika Selatan dari apartheid ke demokrasi.

Setelah runtuhnya Uni Soviet, van Lohuizen meliput masalah sosial di berbagai sudut bekas Uni Soviet.

Van Lohuizen telah menerima beberapa hadiah dan penghargaan untuk fotografinya.

Pada tahun 2000 dan 2002, ia adalah anggota juri dari kontes Foto World Press dan saat ini berada di dewan pengawas yayasan World Press Photo.

Untuk proyek “Ke mana kita akan pergi”, van Lohuizen memotret konsekuensi global dari kenaikan permukaan laut yang disebabkan oleh perubahan iklim. Proyek ini dirancang untuk menyoroti kompleksitas luar biasa yang terkait dengan pergerakan dalam pulau dan antar pulau / negara, dan implikasi hak asasi manusia yang terlibat dalam pemindahan tersebut.

Title/judul: Schepen op het Wad Year/tahun: 1999 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 120 x 80 cm

81

Peter Martens Lived from 1937 to 1992

82

Title/judul: Willy van Rooy

Title/judul: Leendert Janzee

Year/tahun: 1963

Year/tahun: 1963

Technique/teknik: photograph/foto

Technique/teknik: photograph/foto

Dimensions/dimensi: 40 x 60 cm

Dimensions/dimensi: 40 x 60 cm

Peter Martens was a Dutch photographer, born and raised in Rotterdam.

After a traumatic childhood at a strict Catholic boarding school and various jobs at shipping companies, he joined Lievense and de Munnik Photo and Film in 1956. There, Martens worked in the darkroom, but also captured a lot of weddings as a photographer. In 1959, he became the assistant of photographer Leen van Oudgaarden and started his studies at the Fotovakschool in The Hague. Afterwards, he quickly established himself as an independent photographer in Rotterdam. With a focus on the less pretty sides of society, Martens developed himself into the Dutch “street photographer” par excellence. He portrayed human life and the unequal happiness of people on this earth.

His grainy black-and-white photos were published in Dutch magazines, for example De Tijd, Nieuwe Revu, and Panorama. For multiple years, Martens had an exclusive double page in the magazine the Panorama titled “People of Martens”. In 1988, the Dutch Foundation “Zilveren Camera” (translated as Silver Camera) declared him photojournalist of the year.

Three years before his premature death, the book Cruel Compassion (1989) was published, featuring his later work in color. Martens created one of the bravest Dutch photographic oeuvres of the past century. His archive is managed by the Peter Martens Foundation, located in the Dutch Photo Museum.

Peter Martens adalah seorang fotografer Belanda, lahir dan besar di Rotterdam. Setelah masa kecil yang traumatis di sekolah asrama Katolik yang ketat dan berbagai pekerjaan di perusahaan pelayaran, ia bergabung dengan Lievense and de Munnik Foto dan Film pada tahun 1956. Di sana, Martens bekerja di kamar gelap, tetapi juga memotret banyak pernikahan sebagai fotografer. Pada tahun 1959, ia menjadi asisten fotografer Leen van Oudgaarden dan memulai studinya di Fotovakschool di Den Haag. Setelah itu, ia dengan cepat memantapkan dirinya sebagai fotografer independen di Rotterdam. Dengan fokus pada sisi masyarakat yang kurang cantik, Martens mengembangkan dirinya menjadi “fotografer jalanan” Belanda par excellence. Dia menggambarkan kehidupan manusia dan kebahagiaan yang tidak merata dari orang-orang di bumi ini.

Title/judul: Martha Stam Year/tahun: 1963 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 40 x 60 cm

Foto hitam putih kasarnya diterbitkan di majalah Belanda, misalnya De Tijd, Nieuwe Revu, dan Panorama. Selama beberapa tahun, Martens memiliki halaman ganda eksklusif di majalah Panorama berjudul “People of Martens”. Pada tahun 1988, Dutch Foundation “Zilveren Camera” (diterjemahkan sebagai Silver Camera) menyatakannya sebagai jurnalis foto tahun ini.

Tiga tahun sebelum kematian prematurnya, buku Cruel Compassion (1989) diterbitkan, menampilkan karyanya yang kemudian menjadi berwarna.

Martens menciptakan salah satu karya-karya fotografi Belanda paling berani pada abad itu. Arsipnya dikelola oleh Yayasan Peter Martens, yang terletak di Museum Foto Belanda.

83

Dorothée Meijer Year of birth: 1973

Dorothée Meijer is a Dutch documentary photographer specialized in the development of the Dutch landscape. She studied Documentary Photography in Breda and after graduating continued with Photography at the Royal Academy of Visual Arts in The Hague.

Dorothée Meijer adalah seorang fotografer dokumenter Belanda yang berspesialisasi dalam pengembangan lanskap Belanda. Ia mempelajari Fotografi Dokumenter di Breda dan setelah lulus, ia melanjutkan Fotografi di Royal Academy of Visual Arts di Den Haag.

Meijer’s work stimulates to question yourself how often you actually look at all the colors in the nature, at lines in cities, and all other details when you pass by. As we get older, we lose sight of these details. We no longer have time or attention.

Karya Meijer menstimulasi Anda untuk bertanya pada diri sendiri. Seberapa sering Anda benar-benar melihat semua warna di alam, garis di kota, dan semua detail lainnya ketika Anda sedang melintas. Seiring bertambahnya usia, kita kehilangan detail-detail ini. Kami tidak lagi punya waktu atau perhatian.

When you consider an artwork, as Meijer does, and focus completely the smaller details, you suddenly see that everything has a function and how improvised certain solutions are. These days we need artists with an eye for detail to point this out.

Meijer is one of them.

Her photos are often a diptych and show the relationship between architecture, landscape, and identity. The work in the Embassy stems from Meijer’s Dutch Mountains series. For this series, she visited hills in the Netherlands, a rare sight in the relatively flat country.

84

Ketika Anda mempertimbangkan sebuah karya seni, seperti yang dilakukan Meijer, dan memfokuskan sepenuhnya perincian yang lebih kecil, Anda tiba-tiba melihat bahwa semuanya memiliki fungsi dan improvisasi akan solusi tertentu. Akhir-akhir ini kita membutuhkan seniman dengan perhatian khusus untuk menunjukkan hal ini.

Meijer adalah salah satunya.

Foto-fotonya sering diptych dan menunjukkan hubungan antara arsitektur, lansekap, dan identitas. Karya-karya Meijer yang berada di Kedutaan Belanda berasal dari seri koleksi Pegunungan Belanda. Untuk seri ini, ia mengunjungi bukit-bukit di Belanda, pemandangan langka di negara yang relatif datar.

Title/judul: Haarlerberg Year/tahun: 2003 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 93 x 110 cm

85 83

3

1

4

2

84 86

5

1.

Title/judul: Say Jump, Don’t Jump

Arthur Mulder

Year/tahun: 1995 - 1997 Technique/teknik: collage Dimensions/dimensi: 29 x 22 cm Description/deskripsi: Transmutation is a natural process. The Sky is the Limit /

Year of birth: 1964

Perubahan merupakan sebuah proses alami. Langitlah batasnya.

2.

Title/judul: Headstrong Year/tahun: 1995 - 1997 Technique/teknik: collage

Arthur Mulder’s work is somewhat different than the rest of the collection in the Embassy, but definitely worth highlighting. Karel Bodegom was a friend of Mulder and helped him to find his way as an artist. Mulder’s work can be described as collages. He is a self-made visual artist and uses various disciplines in his work: paper collages, 3D collages, animation, and performance.

Dimensions/dimensi: 29 x 22 cm Description/deskripsi: The mind that opens up and encourages introspection of behaviour and communication / Pikiran yang terbuka dan mendorong introspeksi perilaku dan komunikasi.

Mulder searches for well-known photographs and metaphors in historical material from which he isolates and assembles parts into new realities. For a viewer, his work is not without obligation. It is a dynamic game with a deep sense of intimacy, humor, and poetry that is visible and tangible in all of its projects.

3.

Title/judul: Poison – Transmission Year/tahun: 1995 - 1997 Technique/teknik: collage Dimensions/dimensi: 29 x 22 cm Description/deskripsi: Body and Mind need change. It is our choice to drink the

His work seems to be anchored in a different time, but in reality provides a critical outlook of contemporary visual culture. For the works that were purchased for the Dutch Embassy, Mulder used magazines from various style periods. It is easy to associate to these collages, as they are stimulating and show a deep level of perception.

poisoned Chalice / Tubuh dan pikiran perlu diubah. Ini adalah pilihan kita untuk meminum Piala yang diracuni.

4.

Title/judul: Come fly with me Year/tahun: 1995 - 1997 Technique/teknik: collage Dimensions/dimesi: 29 x 22 cm Description/deskripsi: Abundance is not a contest. Purpose is not the art of life / Keadaan yang berlimpah bukanlah sebuah kontes. Tujuan bukanlah seni dari hidup.

5.

Title/judul: Morningstar Year/tahun: 1995 - 1997 Technique/teknik: collage Dimensions/dimensi: 29 x 22 cm Description/deskripsi: Combined random thoughts are not globalization; the universe is / Penggabungan pikiran-pikiran acak bukanlah globalisasi; semestalah yang demikian.

Karya Arthur Mulder sedikit berbeda dengan koleksi-koleksi yang terdapat di Kedutaan dan patut mendapat sorotan. Karel Bodegom merupakan teman Mulder dan ia membantu Mulder mencarikan jalan untuk menjadi seorang seniman. Karya Mulder dapat dideskripsikan sebagai suatu kolase. Ia merupakan seorang seniman visual otodidak dan memakai beragam disiplin ilmu dalam karyanya: kolase kertas, kolase 3D, animasi, dan pertunjukan.

Mulder mencari beragam potret dan metafora terkenal dalam materi sejarah yang mana ia pisahkan dan kumpulkan bagian-bagiannya ke dalam realitas baru. Bagi penikmat, karya seninya bukan tanpa kewajiban. Karyanya merupakan sebuah permainan dinamis dengan rasa keintiman, humor, dan puisi yang dalam, yang nampak dan nyata dalam semua projeknya.

Karyanya nampak berlabuh pada waktu yang berbeda, tetapi dalam realita menyuguhkan pandangan kritis dari budaya visual kontemporer. Bagi karya-karya yang dibeli untuk Kedutaan Belanda, Mulder memakai majalah-majalah dalam beragam gaya dari berbagai periode. Merupakan hal yang mudah untuk menghubungkan kolase-kolase ini karena kolase-kolase ini menstimulasi dan memperlihatkan sebuah persepsi yang mendalam.

85 87

Jeroen Oerlemans Lived from 1970 to 2016

88

Jeroen Oerlemans was a Dutch freelance photojournalist known for his photo reportages in Lebanon, Sudan, Palestine, Afghanistan, Syria, and Libya. He studied political science at the University of Amsterdam and subsequently Photojournalism at the London College of Communication.

Jeroen Oerlemans merupakan seorang jurnalis foto lepas dari Belanda yang dikenal melalui reportase-reportase fotonya di Lebanon, Sudan, Palestina, Afghanistan, Suriah, dan Libya. Ia belajar Ilmu Politik di University of Amsterdam dan kemudian Jurnalisme Foto di London College of Communication.

Oerlemans traveled all over the world for photo reportage. In 2012, he was abducted

by Muslim extremists in Syria, together with British photographer John Cantlie. When he tried to escape, he sustained a bullet wound. After a week, both photographers were liberated by the Free Syrian Army.

Oerlemans pergi berkeliling dunia demi reportase foto. Pada 2012, ia diculik oleh para ekstremis Muslim di Suriah, bersama dengan fotografer Inggris John Cantlie. Ketika mereka mencoba untuk kabur, ia menderita luka tembak. Setelah satu minggu, kedua fotografer tersebut dibebaskan oleh Tentara Pembebasan Suriah.

On October 2, 2016, Oerlemans was killed in the Libyan city of Sirte when an Islamic State sniper hit him right next to his bullet-proof vest. At that moment, Oerlemans and journalist Joanie de Rijke reported on the second Libyan civil war and were covering a team clearing mines in the liberated part of the city.

Pada 2 Oktober 2016, Oerlemans dibunuh di Sirte, Libya saat seorang penembak jitu Negara Islam menembaknya tepat di sebelah rompi anti pelurunya. Saat itu, Oerlemans dan jurnalis Joanie de Rijke tengah melaporkan perang sipil kedua Libya dan meliput sebuah tim pembersih ranjau di daerah yang telah dibebaskan di kota itu.

The work by Oerlemans was always greatly appreciated and he received, among others, an honorable mention from the World Press Photo for a photo of a dead baby in Lebanon. Oerlemans was awarded several times with the Dutch Silver Camera award; in 2010 for a photo reportage on illegal migrants in Greece and a year later with a photo series about the uprising in Libya.

Karya Oerlemans selalu mendapat apresiasi tinggi dan ia menerima, antara lain, penghargaan dari World Press Photo untuk sebuah foto jenazah bayi di Lebanon.

Oerlemans dianugerahi penghargaan beberapa kali oleh Dutch Silver Camera Award; tahun 2010 untuk reportase foto imigran-imigran gelap di Yunani dan satu tahun kemudian serangkaian foto tentang pemberontakan di Libya.

The photo in the Embassy features an Afghan man casting his vote in the village of Jabal-al-Saraj, in the province of Parwan. This was the first time in history that free elections for the presidency were held in Afghanistan.

Foto di Kedutaan ini menampilkan seorang pria Afghanistan yang sedang memberikan suaranya di desa Jabal-al-Saraj, provinsi Parwan. Ini merupakan pertama kalinya dalam sejarah pemilihan umum secara bebas diadakan di Afghanistan.

The income from the sales of his work go entirely to the Jeroen Oerlemans Foundation, created to keep Oerlemans’ work alive and at the same time realize a study fund for his three children.

Hasil dari penjualan karyanya seluruhnya diberikan kepada Jeroen Oerlemans Foundation, dibuat untuk menjaga karya Oerlemans agar tetap hidup dan sekaligus merealisasikan pembiayaan studi untuk tiga anaknya.

Title/judul: Election, Jabal al Saraj Year/tahun: 2004 Technique/teknik: photograph Dimensions/dimensi: 30 x 20 cm 89

90

Cas Oorthuys Lived from 1908 to 1975

Title/judul: Bevrijding Amsterdam mei Year/tahun: 1945 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 6 x 6 cm

Cas Oorthuys is a big name in the history of Dutch photography, but his legacy is not that obvious. For example, you will not find a book by Oorthuys in a typical Dutch bookstore.

Oorthuys was the first son of the reformed pastor Gerardus Oorthuys and Dorothea Catharina Helena Christina de Stoppelaar. As his father became pastor in Amsterdam, Oorthuys moved to that city at the age of 1. Because of his dyslexia, he attended the craftsmanship school and afterwards the School for Architecture, Decorative Arts, and Craftsmanship. After graduating, he continued to study architecture in Haarlem. Here he developed himself spiritually and became a vegetarian as well as an anti-militarist. He was also interested in communist ideas.

In 1930, Oorthuys worked for two years as an architectural illustrator at the municipality of Amsterdam, but was fired because of the crisis in the Netherlands.

Being unemployed, he joined the Communist Party Holland. Oorthuys started working again as a graphic designer and photographer. He was influenced by the “Nieuwe Fotografie” (translated as New Photography) movement, which considered design to be more important than the subject itself. In the 30’s, Oorthuys was involved with and a member of various left-wing organizations in his discipline. In 1936, he became a regular photographer for the “Arbeiderspers”. He also created multiple photo reportages for magazines, book illustrations and covers, and organized photo exhibitions.

During the German occupation of the Netherlands, Oorthuys became a mandatory member of the Dutch Journalists Association, as all press photographers had to register by order of the occupying forces in 1941. In February 1942, he escaped this controversial membership by resigning from the Arbeiderspers. During the war, he worked on an assignment from the Agricultural Fund to take photos for a book about agriculture in the Netherlands. From 1942 onwards, Oorthuys joined the Dutch resistance and, among others, took passport photos for forged identity cards.

In May 1944, he was arrested by the Germans and taken to Camp Amersfoort. He was released after three months and went into hiding immediately after his release.

He joined “De Ondergedoken Camera” (can be translated as the Camera that went Underground) in September 1994, a group of photographers from Amsterdam that documented the German occupation illegally. Fellow members of this group of photographers included Fritz Kahlenberg, Charles Breijer and Boris Kowadlo.

After the war followed a period in which the Netherlands tried to restore its authority in “the East” in Indonesia. In the consequent war, Oorthuys chose the side of the young Republic of Indonesia and published a photo book under the title “Staat in wording” (translated as Republic in Progress).

After the war, Oorthuys gradually let go the limitations of his parental ecclesiastical environment, as well as the communist period and started covering a much broader range of subjects. He portrayed the lives of ordinary people from a humanistic outlook and published many photo books, travel reportages, and company publications. It is unique that he almost always photographed in square format, with a usual size of just 6x6 cm.

91

Title/judul: Bevrijding Amsterdam mei 1945 Year/tahun: 1945 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 6 x 6 cm

Title/judul: Verkiezingen ‘46 Year/tahun: 1946 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 6 x 6 cm

92 90

Cas Oorthuys adalah sebuah nama besar dalam sejarah fotografi Belanda, namun demikian warisannya tak terlalu nampak. Sebagai contoh, Anda tidak akan menemukan sebuah buku dari Oorthuys di toko buku biasa di Belanda.

Oorthuys merupakan anak pertama dari pendeta Reformed Gerardus Oorthuys dan Dorothea Catherina Helena Christina de Stoppelaar. Saat ayahnya menjadi pendeta di Amsterdam, Oorthuys pindah ke kota tersebut pada usia 1 tahun. Dikarenakan disleksianya, ia bersekolah di sekolah keahlian dan kemudian Sekolah Arsitektur, Seni Dekoratif, dan Keterampilan. Setelah lulus, ia melanjutkan studi arsitektur di Haarlem.

Di sini ia mengembangkan dirinya secara spiritual dan menjadi seorang vegetarian sekaligus seorang anti-militer. Ia juga tertarik dengan ide-ide komunis.

Pada 1930, Oorthuys bekerja selama dua tahun sebagai seorang ilustrator arsitektur di pemerintahan kota Amsterdam, tetapi dipecat disebabkan krisis yang terjadi di Belanda. Tidak memiliki pekerjaan, ia bergabung ke dalam Partai Komunis Belanda.

Oorthuys mulai bekerja lagi sebagai desainer grafis dan fotografer. Ia dipengaruhi oleh gerakan Nieuwe Fotografie (Fotografi Baru), yang memandang desain lebih penting daripada subjek itu sendiri. Pada 1930-an, Oorthuys terlibat dan merupakan anggota dari beragam organisasi sayap kiri dalam disiplinnya. Pada 1936, ia menjadi fotografer untuk “Arbeiderspers”. Ia juga membuat banyak reportase foto untuk berbagai majalah, ilustrasi-ilustrasi buku dan sampul-sampul, serta menyelenggarakan pameran-pameran foto.

perintah pasukan pendudukan pada 1941. Pada Februari 1942, ia meloloskan diri dari keanggotaan kontroversial ini dengan mengundurkan diri dari Arbeiderspers. Semasa perang, ia mengerjakan sebuah tugas memotret dari Agricultural Fund untuk buku tentang pertanian di Belanda. Dari 1942 dan selanjutnya, Oorthuys bergabung dengan perlawanan Belanda dan, antara lain, memotret foto paspor untuk kartu identitas palsu.

Pada Mei 1944, ia ditahan oleh Jerman dan dibawa ke Camp Amersfoort. Ia dibebaskan setelah tiga bulan dan langsung bersembunyi setelah pembebasannya itu. Ia bergabung dalam “De Ondergedoken Camera” (Kamera Bawah Tanah) pada September 1994, sebuah kelompok fotografer dari Amsterdam yang mendokumentasikan pendudukan Jerman secara ilegal. Anggota kelompok fotografer ini termasuk juga Fritz Kahlenberg, Charles Reijer, dan Boris Kowadlo.

Setelah perang, datang masa di mana Belanda mencoba untuk mengembalikan kekuasaanya di “Timur”; di Indonesia. Dalam perang berikut, Oorthuys memilih sisi Republik Indonesia yang masih muda dan menerbitkan sebuah buku foto berjudul “Staat in Wording” (Republik dalam Proses).

Setelah perang, Oorthuys secara bertahap melepaskan batasan-batasan lingkungan gerejawi orangtuanya, sekaligus juga periode komunis dan mulai meliput subjek yang jauh lebih luas. Ia memotret kehidupan orang-orang biasa dari pandangan humanistik dan menerbitkan banyak buku foto, reportase perjalanan, dan publikasi-publikasi perusahaan. Merupakan hal yang unik bahwa ia selalu memotret dalam format persegi, dengan ukuran 6x6cm.

Saat pendudukan Jerman di Belanda, Oorthuys menjadi anggota inti Asosiasi Jurnalis Belanda, mengingat seluruh fotografer wartawan harus mendaftar atas 93 91

Pim van Os Lived from 1910 to 1954

Pim van Os created his work between 1948 and 1953. His photographs are small in size, yellowed, and pasted on cardboard. While everything was done with care, compared to the high-tech revolution, they can be referred to as craftsmanship. The black-and-white close-up photos of Bakelite telephones and pieces of coral take the viewer back to the 50’s in no time. One can experience a certain kind of intimacy while observing the work by Van Os. Pim van Os menciptakan karyanya antara 1948 dan 1953. Foto-fotonya berukuran kecil, menguning, dan disisipkan pada karton. Selagi semua selesai dilakukan dengan hati-hati, dibandingkan dengan revolusi teknologi tinggi, karya-karya ini dapat disebut sebagai keterampilan. Foto-foto jarak dekat hitam putih dari telepon Bakelite dan serpihan-serpihan karang langsung membawa penikmat kembali ke tahun 1950an. Penikmat dapat merasakan keintiman tertentu saat mengamati karya Van Os.

94

Left: Title/judul: Untitled (Light Study) Year/tahun: 1950 Technique/teknik: photograph, gelatin silver print, luminogram/foto, cetak perak gelatin, luminogram Dimensions/dimensi: 30 x 21.2 cm Right: Title/judul: Light Abstraction Year/tahun: 1950 Technique/teknik: photograph, gelatin silver print/ foto, cetak perak gelatin, luminogram Dimensions/dimensi: 23.8 x 18 cm

95

Willem den Ouden Year of birth: 1928

Willem den Ouden is a Dutch painter known for his contemporary paintings of landscapes. Over the past 50 years, his main subject for his paintings, watercolors, drawings, etchings, and lithographs has been the Dutch village of Varik, close to the river the Waal Den Ouden has lived since 1967.

The immeasurable space between land and sky is the central subject of his work.

In addition to landscapes, Den Ouden regularly painted commissioned portraits, as well as free work. Since a few years, he focuses entirely on self-portraits.

His work is currently featured in the Waalgalerie in the Dutch city of Tiel, along with the work of his wife Ferry Alink, managed by the Willem den Ouden Foundation. A few years ago, the Rijksmuseum in Amsterdam acquired a representative group of works on paper by Den Ouden from the 50’s to 2008. A large selection of his work is also showcased in the Rembrandt House Museum in Amsterdam.

96

Willem den Ouden merupakan seorang pelukis Belanda yang dikenal dengan lukisan-lukisan pemandangan kontemporernya. Selama 50 tahun terakhir, subjek utama untuk lukisan, lukisan cat air, gambar-gambar, goresan-goresan, dan karya-karya litografinya adalah desa Varik di Belanda, dekat dengan sungai Waal yang den Ouden telah tinggali sejak 1967.

Ruang tak terbatas antara bumi dan langit merupakan subjek utama dari karyanya.

Selain pemandangan, den Ouden secara rutin melukis potret berbayar, dan juga karya bebas. Sejak beberapa tahun, ia fokus sepenuhnya pada potret diri.

Karyanya saat ini ditampilkan di Waalgalerie di Tiel, Belanda, bersama dengan karya istrinya Ferry Alink, diurus oleh Willem den Ouden Foundation. Beberapa tahun lalu, Rijksmuseum di Amsterdam mendapatkan sekumpulan karya representatif di atas kertas oleh den Ouden dari 1950an sampai 2008. Banyak pilihan karyanya juga ditampilkan di Rembrandt House Museum di Amsterdam.

Title/judul: Vrij (free) Year/tahun: 1960 Technique/teknik: unknown Dimensions/dimensi: 100 x 70 cm

97

Title/judul: Great Smokey Mountains, Tennessee Year/tahun: 2009 Technique/teknik: inkjet print/etak inkjet Dimensions/dimensi: 41 x 27.5 cm 98

Sanne Peper Year of birth: 1963 Sanne Peper works and lives in Amsterdam. She studied at the Academy of Visual Arts in Arnhem and the Academy of Art and Industry in Enschede, where she specialized in photography. In addition to her autonomous work, Peper has been a theater photographer for various theater companies such as “Dood Paard” (translated as Dead Horse) and the Theatercompagnie since 1992.

According to Peper, “the idea of being able to capture reality with a photo is of course an illusion, but it is an interesting and persistent one: a photo will always suggest that what is on it was actually there. With the work I create, I try to translate what I know about a location or event, and what I see on the spot. I think the truth does not exist and that everything we know is a subjective representation of what may have happened somewhere. Our history exists by the grace of interpretation and projection, influenced politically, morally and religiously. Everything we think we know from the past, we learned from physical remains and artifacts, but especially from personal testimonies in text or image, whether they move or stand still. My photos refer to those images, both substantially as well as formally. They are reminiscent of film stills, resemble a cut-out from a larger whole, both in image and in time. The punctum seems to be out of the picture and time seems frozen, as if something has happened or is about to happen in the past or the future. They are “images in between”.

This work by Peper originates from a book she created together with graphic designer Michaël Snitker about the iconography of the United States’ Deep South. The book “Due to Lack of Interest Tomorrow Has Been Cancelled” is about fear of nature and getting a grip on the unknown. It covers a period of seven years in which Peper traveled through the south of the United States in search of traces of the Southern Gothic, in both images as in language. The publication is subdivided into seven chapters in which she chronologically follows her travels and thoughts while she travels further south. It often starts with a brilliant landscape, after which the fear of nature (Topophobia), the fear of the future (Nostalgia), of death (Tanatophobia), god, and the devil ends up with man and the human deficiency. In this process, she looks for fairy-tale like fictional worlds and places where imagination naturally arises.

Through reading books from Southern Gothic writers such as ‘Flannery O’Connor’, ‘Carson McCullers’, and ‘Truman Capote’, she hoped to find the fairy lookalike places there. Due to Lack of Interest Tomorrow Has Been Cancelled is the result of an investigation into something that can only be discovered when revisiting it for a second time, but that has always been brewing beneath the surface. Peper studies, researches, and photographs her subject so extensively that it becomes a challenge to filter out the core.

Sanne Peper bekerja dan tinggal di Amsterdam. Ia belajar di Akademi Seni Visual di Arnhem dan Akademi Seni dan Industri di Enschede, di mana ia mengambil spesialisasi fotografi.

Selain karya otonomnya, Peper juga merupakan seorang fotografer teater untuk berbagai macam kelompok teater, seperti “Dood Paard” dan Theatercompagnie sejak 1992.

Menurut Peper, “ide untuk dapat menangkap realita melalui sebuah foto tentu saja merupakan sebuah ilusi, namun hal tersebut merupakan sebuah hal yang menarik dan mengandung keteguhan hati: sebuah foto akan selalu memberi kesan bahwa apa yang ada di sana memang ada di sana. Dengan karya yang kuciptakan, aku mencoba untuk menerjemahkan apa yang kutahu tentang sebuah lokasi atau peristiwa, dan apa yang kulihat saat itu juga. Kupikir kebenaran tidaklah ada dan semua yang kita tahu merupakan sebuah representasi yang bersifat subjektif dari apa yang mungkin saja terjadi di suatu tempat. Sejarah kita tercipta berkat interpretasi dan proyeksi, dipengaruhi secara politis, moral dan agamis. Semua yang kita pikir kita tahu dari masa lalu, kita pelajari dari peninggalan yang berwujud dan artefak-artefak, tetapi terutama dari kesaksian personal dalam tulisan atau gambar, baik yang bergerak maupun tidak. Foto-fotoku merujuk pada gambar-gambar tersebut, baik secara substansial maupun formal. Karya-karya ini mengingatkan pada film stills, menyerupai sebuah potongan dari keseluruhan yang lebih besar, baik dalam gambar maupun waktu. Titik terlihat berada di luar gambar dan waktu terlihat membeku, seolah-olah sesuatu telah terjadi di masa lalu atau akan terjadi di masa depan. Karya-karya ini merupakan “gambar yang ada di tengah-tengah”.

Karya Peper ini bermula dari sebuah buku yang ia ciptakan bersama dengan desainer grafis Michaël Snitker mengenai ikonografi di Deep South, Amerika Serikat. Buku “Due to Lack of Interest Tomorrow Has Been Cancelled” (Dikarenakan Kurangnya Minat Esok Telah Dibatalkan) merupakan buku mengenai ketakutan terhadap alam dan penguasaan terhadap hal yang tidak dikenal. Buku ini melingkupi periode tujuh tahun saat Peper melakukan perjalanan melalui Amerika Serikat bagian selatan dalam pencarian jejak-jejak Southern Gothic, baik dalam gambar maupun bahasa. Publikasi dari buku ini dibagi ke dalam tujuh bagian yang ia urutkan secara kronologis mengikuti perjalanan-perjalanan dan pemikiran-pemikirannya saat ia melakukan perjalanan lebih jauh ke selatan.

Seringkali dimulai dengan pemandangan yang cemerlang, setelahnya, ketakutan terhadap alam (Topophobia), ketakutan terhadap masa depan (Nostalgia), terhadap kematian (Tanatophobia), Tuhan, dan iblis, berakhir dengan kekurangan manusia. Dalam proses ini, ia mencari cerita dongeng seperti dunia fiksi dan tempat-tempat di mana imajinasi muncul secara alami.

Dengan membaca buku dari penulis-penulis Southern Gothic, seperti ‘Flannery O’Connor’, ‘Carson McCullers’, dan ‘Truman Capote’, ia berharap untuk menemukan tempat-tempat yang terlihat seperti negeri dongeng. Due to Lack of Interest Tomorrow Has Been Cancelled merupakan hasil dari sebuah investigasi terhadap sesuatu yang hanya bisa ditemukan saat berkunjung untuk kedua kalinya, namun hal tersebut selalu terjadi di bawah permukaan. Peper mempelajari, meneliti, dan memotret subjeknya sedemikian luas sehingga merupakan sebuah tantangan untuk menyaring inti.

99

Sem Presser Lived from 1917 to 1986

Samuel (Sem) Presser was a Dutch press photographer. He is one of the most famous and productive press photographers during the post-war period in the Netherlands.

Most of his work features “normal” people during their daily life. However, he also captured portraits of world famous actors and artists such as Brigitte Bardot and Pablo Picasso.

Samuel (Sem) Presser adalah seorang pewarta foto. Ia merupakan salah satu dari pewarta foto yang paling terkenal dan produktif selama periode pasca perang di Belanda.

Kebanyakan karyanya memperlihatkan orang-orang “normal” selama menjalani kehidupan sehari-harinya. Meskipun demikian, ia juga menangkap potret-potret aktor dan seniman terkemuka, seperti Brigitte Bardot dan Pablo Picasso.

In 1935, Presser started as an apprentice of press photographer Sieg Vaz Dias, but after two years went his own way by starting his own press photo company. During the Second World War, Presser - being Jewish - went into hiding in Arnhem. After the war, Presser went to Germany to document the destructions of war. In 1951, Presser and his wife Joke moved to Roquebrune-Cap-Martin in France and lived there until 1965 before returning to the Netherlands.

Pada 1935, Presser memulai sebagai seorang murid dari fotografer wartawan Sieg Vaz Dias, tetapi setelah dua tahun ia memulai karirnya sendiri dengan membuat perusahaan foto persnya sendiri. Selama Perang Dunia II, Presser - sebagai seorang Yahudi - pergi bersembunyi di Arnhem. Setelah perang, Presser pergi ke Jerman untuk mendokumentasikan kerusakan-kerusakan akibat perang. Pada 1951, Presser dan istrinya, Joke, pindah ke Roquebrune-Cap-Martin di Perancis dan tinggal di sana sampai 1965 sebelum kembali ke Belanda.

His work, “De Moerdijkbrug 1950” (translated as the Moerdijk bridge), is a great example of Presser’s photography that captures daily life. The bridge was destroyed by the German army in 1944 to delay the advance of the Allied forces. Therefore, in 1945, a temporary ferry service was created. In 1946, the bridge was fully repaired.

Currently, the Moerdijk bridge(s) serve(s) an important role in connecting the south part of the Netherlands with the western part.

His second work, “Appelbloesem in Betuwe”, reflects the spring season by depicting a girl in the Betuwe, a region in the Netherlands well-known for its fruit production.

100

Karyanya “De Moerdijkbrug 1950” (Jembatan Moerdijk) merupakan sebuah contoh yang sangat bagus dari foto Presser yang menangkap kehidupan sehari-hari. Jembatan tersebut dihancurkan oleh tentara Jerman pada 1944 untuk memperlambat pergerakan Pasukan Sekutu. Maka dari itu, pada 1945, jasa feri sementara dibuat. Pada 1946, jembatan tersebut sudah sepenuhnya diperbaiki. Saat ini, jembatan Moerdijk memiliki peran penting dalam menghubungkan bagian selatan Belanda dengan bagian barat.

Karya keduanya, “Appelbloesem in Betuwe”, menggambarkan musim semi dengan menampilkan seorang gadis di Betuwe, sebuah kawasan di Belanda yang terkenal dengan produksi buahnya.

Title/judul: De Moerdijkbrug

Title/judul: Appelbloesem in Betuwe

Year/tahun: 1950

Year/tahun: 1955

Technique/teknik: photograph/foto

Technique/teknik: photograph/foto

Dimensions/dimensi: 60 x 60 cm

Dimensions/dimensi: 60 x 60 cm

101

102 100

Jolanda Prinsen Year of birth: 1947

Jolanda Prinsen is a Dutch artist living in Haarlem. She studied sculpting as well as ceramics at the Rietveld Academy in Amsterdam. In the period 1971-1972, she studied at the independent art school Ateliers ’63 in Haarlem. Many people know Prinsen for her sculptures of glass, but before she started with those she worked with textile and was inspired by the various constructions of knitting. This is the reason why she started with her research and ended with big sculptures of enlarged knitting works.

Title/judul: Nostalgia II Year/tahun: 1965 Technique/teknik: PVC (polyvinyl chloride) pipes /pipa PVC (polyvinyl chloride) Dimensions/dimensi: 15 x 15 x 15 cm

This artwork, Nostalgia II, is an example of the research period of textile structures.

You can see it as two knees braided together. With this work, she wanted to protest against the “domestic sciences” and show that you can also do something different with materials made for wearing in daily life.

Jolanda Prinsen merupakan seorang seniman Belanda yang tinggal di Haarlem.

Ia belajar memahat dan juga belajar keramik di Rietveld Academy di Amsterdam.

Pada periode 1971-1972, ia belajar di sekolah seni independen Ateliers ‘63 di Haarlem.

Banyak orang mengenal Prinsen dari pahatan-pahatan kacanya, tetapi sebelum ia memulai ini, ia berkarya menggunakan tekstil dan terinspirasi oleh berbagai pembuatan rajutan. Inilah alasan mengapa ia memulai penelitiannya dan berakhir dengan pahatan-pahatan besar berdasarkan karya rajutan yang diperbesar.

Karya seni ini, Nostalgia II, merupakan sebuah contoh dari periode penelitian struktur tekstil. Anda dapat melihat ini sebagai dua lutut yang saling berjalin. Melalui karya ini, ia ingin menentang “domestic sciences” dan menunjukkan bahwa Anda juga dapat melakukan sesuatu yang berbeda dengan bahan-bahan yang biasa dipakai dalam kehidupan sehari-hari.

103 101

Title/judul: Laarzen, Hortus Conclusus 2001 Year/tahun: 2004 Technique/teknik: inoculation and print at aluminium /inokulasi dan cetak pada aluminium Dimensions/dimensi: 60 x 81,5 cm 104 102

Zeger Reyers Year of birth: 1966

Many people find Zeger Reyers’ work a bit funny, as he creates abstract combinations of nature and structures. The prints from the so-called “Volumes Hortus Conclusus” are the documented remains from growing artworks from the art show “Hortus Conclusus”, organized in the Witte de With Center for Contemporary Art, Rotterdam 2001.

Banyak orang menganggap karya Zeger Reyers sedikit lucu, sebab ia menciptakan kombinasi-kombinasi abstrak alam dan bangunan. Cetakan dari yang sering disebut “Volumes Hortus Conclusus” merupakan sisa-sisa yang didokumentasikan dari karya seni yang tumbuh dari pertunjukan seni “Hortus Conclusus”, dirancang di Witte de With Center for Contemporary Art, Rotterdam 2001.

In the cellar of this Center, the city’s heating pipes enter the building - creating a little damp and warm space. It was here that Reyers grew mushrooms from objects that might have been used by the art center. During the exhibition, this space was open to the public. At his chosen “Harvest Moments”, the “overgrown volumes” were taken to a studio to be photographed, after which they were taken upstairs to the top-floor of the institute and placed in an exact 1:1 replica from the cellar on the second floor. This replica, created from a wooden structure with transparent plastic-sheet walls, functioned as a preservation chamber. Here the volumes were left to dry where ventilators served as conservation tools. Reyers’ work makes you reconsider conserving art in relation to the experience of encountering the actual “live moments” of the artworks.

Di ruang bawah tanah Center ini, pipa-pipa pemanas kota memasuki bangunan - menciptakan sebuah ruang yang sedikit lembab dan hangat. Di sinilah Reyers menumbuhkan jamur-jamur untuk objek-objek yang mungkin dapat dipakai oleh pusat seni tersebut. Selama pameran, ruang ini dibuka untuk umum. Pada “Harvest Moment” pilihannya, “overgrown volumes” dibawa ke sebuah studio untuk difoto, setelah itu, karya-karya ini dibawa ke lantai atas institut tersebut dan ditempatkan tepat di sebuah 1:1 replika dari gudang di lantai dua. Replika ini, dibuat dari sebuah struktur kayu dengan lembaran pelapis dinding plastik transparan, berfungsi sebagai sebuah ruang pemeliharaan. Di sinilah volumenya dibiarkan kering di mana ventilator-ventilator berfungsi sebagai alat pengawetan. Karya-karya Reyes membuat Anda menimbang kembali untuk melestarikan seni, hubungannya dengan pengalaman menghadapi “momen-momen hidup” yang sesungguhnya dari karya-karya seni.

105 103

Jan Rothuizen Year of birth: 1968

Jan Rothuizen was born in 1968 and is a visual artist. His work has been featured in the Stedelijk Museum in Amsterdam, as well as in the New Museum in New York.

His drawings are also frequently used in Dutch magazines and newspapers, for example in the Volkskrant. Rothuizen also publishes books like the Soft Atlas of Amsterdam from 2009, which is a collection of hand-drawn maps of the city Rothuizen grew up in.

Rothuizen describes his way of working as a form of echolocation: his presence has an impact on his surroundings, while the environment also changes him. At an early age, he realized that wandering the streets made him a better artist than just working in a studio, and this is exactly what he does for and in his work.

Jan Rothuizen lahir pada 1968 dan merupakan seorang seniman visual. Karyanya telah ditampilkan di Museum Stedelijk di Amsterdam, juga di New Museum di New York.

Gambar-gambarnya juga kerap kali dipakai di majalah-majalah dan koran Belanda, contohnya di Volkskrant. Rothuizen juga menerbitkan buku-buku, seperti Soft Atlas of Amsterdam pada 2009, yang merupakan koleksi peta gambaran tangan dari kota di mana Rothuizen tumbuh.

Rothuizen mendeskripsikan cara kerjanya sebagai sebuah bentuk ekolokasi: kehadirannya memiliki sebuah dampak bagi lingkungannya, sementara lingkungan juga merubahnya. Pada usia muda, ia menyadari bahwa berkelana di jalan membuatnya menjadi seniman yang lebih baik daripada hanya bekerja di dalam studio, dan inilah yang ia lakukan untuk dan dalam karyanya.

104 106

Title/judul: Z.T. nr. 303208 Year/tahun: 2001 Technique/teknik: screen printing /sablon Dimensions/dimensi: unknown /tidak diketahui

105 107

Raden Saleh Lived from 1811 to 1880

Raden Sarief Bastaman Saleh was an Indonesian painter, best known under the name Raden Saleh. He was probably the first indigenous Indonesian painter to work in similar ways as European painters did. His work is comparable to 19th century European painters, but he also painted subjects that had to do with the culture and nature of the former Dutch East Indies.

In Indonesia, Raden Saleh has a similar status as Rembrandt van Rijn in the Netherlands. Raden Saleh has a special relationship with the Netherlands. As the son of a Javanese nobleman, he was educated by the Belgian painter Antoine Payen (1792-1853). Payen persuaded the Dutch government to send Raden Saleh to the Netherlands with a scholarship. From 1829 onwards, he went on to study Arts in the Netherlands. King Willem I also supported this: as a “Child of State” Raden Saleh received an annual allowance and was supervised by, among others, the portrait painter Cornelis Kruseman and the landscape painter Andreas Schelfhout.

More than twenty years later, Raden Saleh returned to Java where he was given the title “Painter of the King”. In 1856, he became the first curator of the “Landsverzameling”, the art collection of the Dutch Government in the Dutch East Indies. During this period, Raden Saleh mainly painted portraits of notables and Javanese landscapes.

108

Title/judul: Indonesian landscape Year/tahun: 1862 Technique/teknik: oil painting/cat minyak Dimensions/dimensi: 129 x 193 cm 109

110

The Ministry of Foreign Affairs has the two landscapes created by Raden Saleh in 1862 and 1863 on loan from the National Service for Cultural Heritage Agency.

They are originally from the above-mentioned National Collection.

Both landscapes featured the large reception hall of Paleis Buitenzorg from 1925 onwards, while in the 50’s they moved to the official residence of the High Commissioner in Jakarta. After a temporary stay in the Netherlands at the Ministry of Foreign Affairs, both works - just like Raden Saleh himself - returned home, back to Java!

The landscape on the previous page is signed by Raden Saleh and dated 1862. It represents a part of a jungle with a high mountain top on the right and the view of three mountains on the left. Halfway up the mountains, one can identify a kampung, a village from which a thin plume of smoke arises. To the right of the middle, in the foreground, Raden Saleh painted a resting Javanese man with two bundles of branches beside him. On the right, high up in the trees, one can spot three monkeys.

The work on the left is also signed by Raden Saleh, but dated a year later, 1863. This work represents a kampung under the trees, with on the right a panorama with mountains. A few villagers, chickens, and a dog can be seen in the foreground. In the middle, a Javanese man rides a horse with kris (traditional Indonesian dagger) tied to his back. For contemporaries of Raden Saleh, the mountains depicted will undoubtedly have been well recognizable. It is likely that these are volcanoes that, due to the absence of rising smoke, were inactive when he visited them during his travels.

According to the book accompanying an exhibition of work by Raden Saleh in the Lindenau Museum in Altenburg in 2013, the Merapi volcano would appear on both paintings. When the mountain erupted in 1865, he made a trip to the volcano. Back in his studio, Raden Saleh made various paintings with different moments of the volcanic eruption.

Title/judul: Indonesian landscape with kampung Year/tahun: 1863 Technique/teknik: oil painting/cat minyak Dimensions/dimensi: 129 x 193 cm 111

Raden Sarief Bastaman Saleh merupakan seorang pelukis Indonesia, terkenal dengan nama Raden Saleh. Ia mungkin merupakan orang Indonesia pertama yang bekerja dengan cara yang sama dengan para pelukis Eropa. Karyanya sebanding dengan para pelukis Eropa abad 19, tetapi ia juga melukis subjek-subjek yang harus berkenaan dengan budaya dan alam dari bekas Hindia Belanda.

Di Indonesia, Raden Saleh memiliki sebuah kesamaan status dengan Rembrandt van Rijn di Belanda. Raden Saleh memiliki hubungan istimewa dengan Belanda. Sebagai putra dari bangsawan Jawa, ia dididik oleh pelukis Belgia Antoine Payen (1792-1853). Payen membujuk pemerintah Belanda untuk mengirim Raden Saleh ke Belanda melalui beasiswa. Sejak 1829, Raden Saleh belajar seni di Belanda. Raja Willem I juga mendukung hal ini: sebagai seorang “Putra Bangsa” Raden Saleh menerima sebuah tunjangan tahunan dan diawasi, antara lain, oleh pelukis potret Cornelis Kruseman dan pelukis pemandangan Andreas Schelfhout.

Lebih dari dua puluh tahun selanjutnya, Raden Saleh kembali ke Jawa di mana ia diberi gelar “Pelukis Raja”. Pada 1856, ia menjadi kurator pertama dari “Landsverzameling”, koleksi seni Pemerintah Belanda di Hindia Belanda. Selama periode ini, Raden Saleh sebagian besar melukis potret para bangsawan dan pemandangan alam Jawa.

Departemen Luar Negeri memiliki dua lukisan pemandangan hasil karya Raden Saleh pada 1862 dan 1863 sebagai pinjaman dari Layanan Nasional untuk Peninggalan Budaya.

Lukisan-lukisan ini sebenarnya berasal dari yang telah disebutkan di atas yaitu Koleksi Nasional.

Kedua lukisan pemandangan ini menampilkan aula resepsi Paleis Buitenzorg yang luas dari 1925 dan seterusnya ke depan, sementara pada 50an, mereka memindahkan rumah dinas Komisaris Tinggi di Jakarta. Setelah menetap sementara di Belanda di Departemen Luar Negeri, kedua karya ini - seperti juga Raden Saleh sendiri - kembali ke rumah di Jawa!

Pemandangan di sebelah kanan ditandatangani oleh Raden Saleh dan bertuliskan tahun 1862. Karya ini merepresentasikan sebuah bagian dari hutan dengan puncak gunung yang tinggi di kanan dan pemandangan tiga gunung di kiri. Setengah jalan ke atas gunung, penikmat lukisannya dapat melihat sebuah kampung, sebuah desa yang dari sana muncul segumpal asap tipis. Di sebelah kanan tengah, di latar depan, Raden Saleh melukis seorang lelaki Jawa yang sedang beristirahat dengan dua ikat ranting pohon di sebelahnya. Di sebelah kanan, tinggi di atas pepohonan, penikmat lukisannya dapat melihat tiga monyet.

Karya di sebelah kiri juga ditandatangani, tetapi bertuliskan satu tahun setelahnya, 1863.

Karya ini merepresentasikan sebuah kampung di bawah pepohonan, dengan panorama pegunungan di sebelah kanan. Beberapa warga kampung, ayam, dan seekor anjing dapat dilihat di latar depan. Di bagian tengah, seorang lelaki Jawa menaiki kuda dengan keris terikat di punggungnya.

Bagi zaman Raden Saleh, pegunungan yang digambarkannya tidak akan diragukan mudah dikenali. Nampaknya, gunung-gunung ini merupakan gunung berapi yang, tanpa menjulangnya asap, tidak aktif saat ia mengunjunginya selama perjalanannya. Menurut buku yang menemani sebuah perjalanan karya Raden Saleh di Museum Lindenau di Altenburg 2013, gunung Merapi akan muncul di kedua gambar. Saat gunung tersebut meletus pada 1865, ia melakukan perjalanan ke gunung tersebut. Kembali ke studionya, Raden Salem membuat berbagai lukisan dalam berbagai momen dari letusan vulkanik tersebut.

Title/judul: Kolomkast/colomn cabinet/lemari On loan from the National Service for Cultural Heritage Agency Description/deskripsi: Three twisted columns and rich carving, oak glued with ebony, mahogany and black colored pear /Tiga pilar bengkok dan ukiran yang kaya, kayu ek yang dilem dengan kayu hitam, mahoni dan pir berwarna hitam Year/tahun: 1670 Manufacturer/pabrikan: unknown/tidak diketahui Dimension/dimensi: 226.5 x 230 x 97.5 cm

112 110

Philippien Noordam about Raden Saleh: ‘‘It was wonderful to see the proud faces of the Indonesian employees of the Embassy when the two artworks of Raden Saleh were installed. This is a clear endorsement for the choice of displaying them at the Embassy in Jakarta. The third floor houses these two centerpieces of Raden Saleh, combined with an old Dutch cupboard. Two black and white photos of the Dutch landscape finish the combination between Indonesian and Dutch art on this floor.’’

Philippien Noordam tentang Raden Saleh: ‘‘Merupakan hal yang mengagumkan melihat wajah-wajah bangga para karyawan Indonesia di Kedutaan saat dua lukisan Raden Saleh dipasang. Hal ini merupakan sebuah dukungan yang jelas akan pilihan untuk memajang lukisan-lukisan ini di Kedutaan di Jakarta. Lantai ketiga menampung dua karya utama Raden Saleh ini, digabungkan dengan sebuah lemari tua dari Belanda. Dua foto hitam-putih pemandangan Belanda mengakhiri kombinasi antara seni Indonesia dan Belanda di lantai ini.’’

113 111

Viviane Sassen Year of birth: 1972

Viviane Sassen is a famous fashion photographer. Shadow and light are both important elements in her work. ‘‘Of Mud and Lotus’’ was the first solo exhibition of Sassen in Johannesburg. The title of the exhibition, ‘‘Of Mud and Lotus’’, refers to mud being fundamental for the growth of a lotus. This theme is central to the whole exhibition, as it engages in a conversation on transformation, procreation, and fecundity, all elements traditionally ascribed to the idea of the feminine.

Experimenting with collages and unique hand-coloured pieces, Sassen creates images in which abstraction and performance intertwine. In this evocative and imaginary realm of intense colour and textures, the imagery contains many associative references that allow for layered readings and responses. Very little is what it seems at first sight.

Dense clusters of fungi and spores are reminiscent of the proliferating living cells.

Organic materials such as eggs, milk, flowers, and natural dyes are prominent in the imagery of female figures, enhancing a sense of their sinuosity in the natural world. Her new artworks also include seemingly abstract compositions: mundane objects and apparently incidental motifs are transformed with collages, filters, and streaks of pigment to the point of where their original forms are unrecognisable because of Sassen’s interventions.

114

Viviane Sassen merupakan seorang fotografer mode yang terkenal. Bayangan dan cahaya merupakan dua elemen penting dalam karyanya. ‘‘Of Mud and Lotus’’ merupakan karya pameran tunggal pertama dari Sassen di Johannesburg. Judul dari pameran ini, ‘‘Of Mud and Lotus’’, merujuk pada lumpur yang menjadi bagian yang mendasar bagi pertumbuhan sebuah lotus. Tema ini merupakan titik tengah dari keseluruhan pameran, sebagaimana hal ini melibatkan percakapan tentang transformasi, prokreasi, dan kesuburan, seluruh elemen secara tradisional yang dianggap berasal dari ide kewanitaan.

Bereksperimen dengan kolase dan potongan-potongan unik yang diwarnai sendiri, Sassen menciptakan gambar-gambar yang mana abstraksi dan penampilan saling terjalin. Dalam dunia warna dan tekstur yang intens yang menggoda serta imajiner ini, citra tersebut mengandung banyak referensi yang berhubungan, yang mengizinkan bacaan-bacaan dan respon-respon berlapis. Sangat sedikit yang terlihat pada pandangan pertama.

Gerombolan jamur dan spora yang padat merupakan pengingat dari sel hidup yang berkembang biak. Material-material organik seperti telur, susu, bunga, dan pewarna alami menonjol dalam citra dari figur-figur perempuan ini, menambahkan rasa yang berliku dalam dunia alami ini. Karya-karya seni barunya juga berisi apa yang terlihat sebagai komposisi abstrak: objek-objek duniawi dan nampaknya motif-motif insidentil ditransformasikan dengan kolase-kolase, filter-filter, dan garis-garis pigmen sampai di mana bentuk asli motif-motif insidentil ini tak dikenali lagi yang disebabkan oleh campur tangan Sassen.

Title/judul: Ovo – Of Mud and Lotus Year/tahun: 2017 Technique/teknik: c-print on luster paper /c-print pada kertas luster Dimensions/dimensi: 40 x 30 cm 115

Mark Schalken Year of birth: 1967

Mark Schalken is a visual artist as well as graphic designer. In the 90’s, Schalken studied industrial design in Eindhoven, graphic design in Breda, and cultural studies at the University of Amsterdam. Together with Albert Hennipman, Schalken founded “Studio de Ruimte Ontwerpers” in 1998. They specialize in communication design while focusing on society, culture, and education. Design is, in their eyes, particularly about dialogue and imagination.

1.

Title/judul: Aardappeloogst

In his artworks, Schalken combines drawing, spatial work, and photography. In 2014, he published the photo book “Polderlichaam” (translated as Polder body). This book is a gesture to his place of birth, describing his childhood in the Noordoostpolder in the Netherlands. The photos “Fietser”, “Water en lucht”, “Brommers”, and “Aardappels” are all part of this series and embodies Schalken’s personal view on the polder, a vast empty land, a lonely cyclist, and the potato harvest.

Year/tahun: 2004 - 2014 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 30 x 40 cm 2.

Title/judul: Scholier Year/tahun: 2004 - 2014

grafis. Pada Mark Schalken merupakan seorang seniman visual sekaligus desainer grafis. grafis di Breda, dan ilmu 1990an, Schalken belajar desain industri di Eindhoven, desain grafis budaya di University of Amsterdam. Bersama dengan Albert Hennipman, Schalken mendirikan “Studio de Ruimte Ontwerpers” pada 1998. Mereka bergerak khusus di bidang desain komunikasi sambil memfokuskan pada masyarakat, budaya, dan pendidikan. Desain, di mata mereka, khususnya merupakan dialog dan imajinasi.

Technique: photograph/foto Dimensions: 30 x 40 cm 3.

Title/judul: Fietsers Year/tahun: 2004 - 2014 Technique: photograph/foto

Dalam karya-karya seninya, Schalken menggabungkan gambar, karya spasial, dan fotografi. Pada 2014, ia menerbitkan buku foto “Polderlichaam”. Buku ini merupakan fotografi. isyarat untuk tempat lahirnya, mendeskripsikan masa kecilnya di Noordoostpolder di Belanda. Foto “Fietser”, “Water en lucht”, “Broomers”, dan “Aardappels” merupakan seluruh bagian dari serinya dan mewujudkan pandangan pribadi Schalken pada daerah pengairan, tanah kosong yang sangat luas, seorang pengendara sepeda yang kesepian, dan panen kentang.

114 116

Dimensions: 30 x 40 cm 4.

Title/judul: Water and lucht Year/tahun: 2004 - 2014 Technique: photograph/foto Dimensions: 30 x 40 cm

1.

2.

3.

4. 117 115

Tomas Schats Year of birth: 1976

Tomas Schats was born in the Netherlands and is a multi-disciplinary artist.

His animations and clear line drawings are to the point; everything superfluous is omitted. The stories that feature his work are layered and sometimes take unexpected turns. To quote Schats: “These animations resemble cartoons, but they are, in their simplicity, more lyrical and more ambitious, wry, but nevertheless light-footed... They tell stories about humankind, with all its possibilities and limitations.”

Schats works as an illustrator for multiple employers, for example the Dutch newspaper NRC Handelsblad, the VPRO TV guide, and numerous cultural institutions. The works featured here “Caravan tussen huizen” (translated as Caravan between houses) and “Museum” are simple, but with great poetic eloquence. They are close-to-the-skin, perhaps naive, but nevertheless sharp.

Thomas Schats lahir di Belanda dan merupakan seorang seniman multidisiplin.

Animasi-animasi dan gambar clear line-nya tepat sasaran; segala yang berlebihan dihilangkan. Cerita-cerita yang ditampilkan dalam karyanya berlapis-lapis dan terkadang membelok secara tak terduga. Mengutip Schats: “Animasi-animasi ini menyerupai kartun, tetapi karya-karya ini, dalam kesederhanaan, lebih bersemangat dan ambisius, masam namun lincah…

Animasi-animasi ini bercerita tentang manusia, dengan segala kemungkinan dan keterbatasannya.”

Schats bekerja sebagai seorang ilustrator untuk banyak pengusaha, seperti koran Belanda NRC Handelsblad, VPRO TV guide, dan banyak institusi seni.

Karya-karya yang ditampilkan di sini “Caravan tussen hizen” (Gerobak di antara rumah-rumah) dan “Museum” merupakan karya yang sederhana, tetapi mengandung kefasihan yang puitis. Animasi-animasi ini terasa nyata, mungkin naif, namun tajam.

118

Above/di atas Title/judul: Caravan between houses Year/tahun: 2006 Technique/teknik: pencil on paper Dimensions/dimensi: 21 x 15 cm Right/kanan Title/judul: Museum walker Year/tahun: 2006 Technique/teknik: pencil on paper Dimensions/dimensi: 21 x 15 cm

119

Scheltens &Abbenes

Left/kiri Title/judul: Trailer #6 Hybiscus Year/tahun: 2016 Technique/teknik: lambda print on luster paper, grey/white frame, museum glass /cetakan lambda pada kertas luster, bingkai abu-abu/putih, kaca museum Dimensions/dimensi: 123 x 163 cm Right/kanan Title/judul: Trailer #5 Yellow Rosa

Year of birth Maurice Scheltens: 1972 Year of birth Liesbeth Abbenes: 1970

120

Year/tahun: 2016 Technique: c print, white frame, museum glass /c-print, bingkai putih, kaca museum Dimensions/dimensi: 123 x 163 cm

Maurice Scheltens and Liesbeth Abbenes combine the unique talent of a still life photographer and the creative craftsmanship of an artist. They add technical perfection to individual handicraft and strong pictorial clarity to tailormade settings.

They experiment with converting spatial dimensions into flat surfaces and intensively explore the potential of photography for creating illusions. Essential to their work is the laboratory process in the studio where they construct their settings with an attitude of conceptualization and solution led thinking, regardless of whether they are editing commissioned or independent artistic work.

Instead of presenting objects as plain sellable products, they often manipulate and utilize them as building blocks for new compositions. The autonomous artistic quality of the photograph always has to prevail. Scheltens and Abbenes deliberately choose to operate both in the field of applied and autonomous art and use them as breeding ground for one another.

This approach resulted in them exhibiting their projects in cultural institutions such as Galliera Musee de la Mode Paris, Foam Amsterdam, Huis Marseille Amsterdam, The Kunsthal in Rotterdam, and The Art Institute of Chicago. Scheltens and Abbenes create commissioned photographs for fashion and design companies such as Maison Martin Margiela, Valentino, Hermes, COS, Louis Vuitton, Chanel, Yves Saint Laurent, and Muller van Severen, and editorials for magazines such as Fantastic Man, The Gentlewomen, Pin-Up magazine, and New York Times Magazine. Scheltens and Abbenes were rewarded with an Infinity Award for Fashion and Applied photography.

This new series “Trailer” marks a startling but logical development in the oeuvre of Scheltens and Abbenes; from autonomously orchestrated stages in the studio, to documentation strictly on site. It is the endless fascination for flower still-lifes that guided them to the loading and unloading docks of the big flower companies.

By going beyond the readability of the widespread decor paintings on transport trucks, they derived new abstract beauty from these handmade forms of decorative painting. Just like the sensational series “Cut-outs” (2003-2008), the subtle view on detail level again reveals its surprising underlaying constructions. By keenly cropping imagery from the world of advertisement, Scheltens and Abbenes offer a contemporary variant on Pop Art.

Maurice Scheltens dan Liesbeth Abbenes menggabungkan kemampuan unik dari fotografer still life dan keahlian kreatif seorang seniman. Mereka menambahkan penyempurnaan teknis pada kerajinan individu dan kejelasan gambar yang tajam pada pengaturan yang disesuaikan. Mereka bereksperimen dengan mengubah dimensi spasial menjadi permukaan datar dan mengeksplorasi secara intens potensi fotografi untuk menciptakan ilusi-ilusi. Hal penting dalam karya mereka yaitu proses laboratorium di dalam studio di mana mereka membangun latar-latar mereka dengan sebuah sikap konseptualisasi dan pemikiran yang mengedepankan solusi, tanpa peduli apakah mereka menyunting karya seni berbayar atau independen.

Alih-alih menampilkan objek sebagai produk-produk yang hanya bisa dijual saja, seringkali mereka memanipulasi dan memanfaatkan objek-objek tersebut sebagai blok bangunan untuk komposisi-komposisi baru. Kualitas artistik otonom dari foto tersebut harus selalu menonjol. Scheltens dan Abbenes dengan sengaja memilih untuk mengoperasikan karya dalam bidang seni terapan maupun seni otonom dan mempergunakan karya-karya tersebut sebagai tempat pengembangbiakan bagi satu sama lain.

Pendekatan ini membuat mereka memamerkan projek-projeknya dalam banyak institusi kultural, seperti Galliera Musee de la Mode Paris, Foam Amsterdam, Huis Marseille Amsterdam, The Kunsthal di Rotterdam, dan The Art Institute of Chicago. Scheltens dan Abbens menciptakan foto-foto berbayar untuk perusahaan-perusahaan mode dan desain, seperti Maison Martin Margiela, Valentino, Hermes, COS, Louis Vuitton, Chanel, Yves Saint Laurent, dan Muller van Severen, serta tajuk rencana untuk majalah-majalah, seperti Fantastic Man, The Gentlewomen, Pin-Up Magazine, dan New York Times Magazine. Scheltens dan Abbens dianugerahi sebuah penghargaan ICP Infinity Award untuk Mode dan Fotografi Terapan.

Seri baru “Trailer” menandai sebuah pengembangan yang menakjubkan namun logis dalam karya-karya Scheltens dan Abbens; dari tahapan yang diatur secara otonom di dalam studio, untuk dokumentasi secara ketat di tempat. Ini merupakan pesona tak bertepi untuk still life bunga yang menuntun mereka ke dok bongkar pasang dari perusahaan-perusahaan bunga besar. Dengan melampaui batas kewajaran atas meluasnya lukisan dekorasi di truk-truk transportasi, mereka mendapatkan keindahan abstrak baru dari bentuk-bentuk buatan tangan lukisan-lukisan dekorasi ini. Sama halnya dengan seri sensasional “Cut-outs” (2003-2008), tampilan halus pada tingkatan detail lagi-lagi menyingkap lapisan dasar konstruksi yang mengejutkan. Dengan memotong gambar dari dunia periklanan, Scheltens dan Abbenes menawarkan sebuah varian Pop Art kontemporer.

121

Title/judul: Interior no. 39 Year/tahun: 2013 Technique/teknik: ultrachrome printing/cetakan ultrachrome Dimensions/dimensi: 55,5 x 35 cm

122

Marleen Sleeuwits Year of birth: 1980

Marleen Sleeuwits primarily photographs urban environments. These locations usually go unnoticed and seem unreachable due to their natural way of being.

Sleeuwits gives these locations a face and at the same time points to the carefully formulated design concepts that have been created for these spaces. For example, she works with lights and color in rooms, creating a special “ethical” effect, and with that shows that beauty can be found in everything. The result is that these spaces change identity. Because of this, she often removes a layer of material in a room or adds new layers to show more.

The work “Interior no. 39” from the collection of the Dutch Ministry of Foreign Affairs stems from 2011 and shows an office space with its walls covered in reflective foil.

In one of the rooms, she drilled 3.500 holes – a very dusty activity that lasted two months. Sleeuwits likes to work with materials that are already present in the building. These are often inexpensive and non-durable materials such as insulation or laminate.

All of this marks a new creative direction in Sleeuwits’ work. The existing space is no longer used as a starting point, but she creates her own space. This is also true in a different sense because she works with multiple photos on top of each other. The artwork located in the Embassy is composed of several photos taken from different angles in the same room. Because Sleeuwits was in the space when she made these photographs, part of her reflection remains in the final work. If you look closely, you will see a slight distortion to the left of the middle.

Marleen Sleeuwits terutama memotret lingkungan urban. Lokasi-lokasi ini biasanya tidak diketahui dan terlihat tak terjangkau dikarenakan keberadaan alami tempat-tempat ini. Sleeuwits memberi lokasi-lokasi ini sebuah wajah dan pada waktu bersamaan menunjuk pada konsep desain yang dirumuskan secara hati-hati, yang telah diciptakan untuk ruang-ruang ini. Sebagai contoh, ia bekerja dengan cahaya dan warna di dalam ruang-ruang, menciptakan sebuah efek “etis” khusus, dan hal ini menunjukkan bahwa keindahan dapat ditemukan pada apa saja. Hasilnya adalah ruang-ruang ini berubah identitas. Dikarenakan hal tersebut, ia seringkali menyingkirkan sebuah lapisan dari material di dalam sebuah ruang atau menambah lapisan-lapisan baru untuk menunjukkan yang lebih banyak.

Karya “Interior no. 39” dari koleksi Kementerian Luar Negeri Belanda berasal dari 2011 dan menunjukkan sebuah ruang kantor dengan dinding-dindingnya yang tertutupi foil reflektif. Dalam salah satu ruang, ia mengebor 3.500 lubang - sebuah aktivitas yang sangat berdebu yang berlangsung selama dua bulan. Sleeuwits senang bekerja dengan material yang telah ada di dalam bangunan. Seringkali merupakan material-material yang tidak mahal dan tidak tahan lama, seperti isolasi atau laminasi.

Seluruhnya menandai sebuah haluan kreatif baru dalam karya Sleeutwits. Ruang yang telah ada ini tak lagi dipakai sebagai titik pangkal, melainkan ia menciptakan ruangnya sendiri. Juga merupakan hal yang benar dalam artian yang berbeda karena ia bekerja dengan banyak foto di atas satu sama lain. Karya seni yang berlokasi di Kedutaan ini tersusun dari beberapa foto yang diambil dari berbagai sudut di ruang yang sama.

Karena Sleeuwits berada di ruang tersebut saat ia membuat foto-foto ini, bagian dari pantulan dirinya tertinggal di hasil akhir karya. Jika Anda melihat secara dekat, Anda akan menemukan sebuah distorsi kecil di sebelah tengah kiri.

123

Otto Snoek Year of birth: 1966

Otto Snoek is a contemporary photographer from Rotterdam. His photos seems dated because they are in black and white, but these panorama prints have been given a new life to these landscapes in Rotterdam.

Snoek photographed railway viaducts in Rotterdam during the last three years of the existence of these viaducts. This specific work comes from the series “Luchtspoor Rotterdam” (translated as Sky Railway Rotterdam) and was taken around 1993.

With this series, Snoek pays tribute to the metropolitan railway viaduct that ran through the center of Rotterdam over the river the Nieuwe Maas to the Zuidoever.

The iconic Hefbrug and the famous Maasbruggen (multiple Dutch railway viaduct bridges) were part of that. Snoek published hundred and eighty-three panoramic photos in his beautiful book Luchtspoor Rotterdam.

124

Otto Snoek merupakan seorang fotografer kontemporer dari Rotterdam. Foto-fotonya nampak tua karena foto-foto tersebut merupakan foto-foto hitam-putih, tetapi cetakan-cetakan ini panorama dari sekitar Rotterdam tersebut memberikan kehidupan baru telah diberikan kehidupan.

Snoek memotret jembatan kereta api di Rotterdam selama masa tiga tahun keberadaan jembatan-jembatan kereta api tersebut. Karya yang spesifik ini datang dari seri “Luchtspor Rotterdam” (Kereta Api Langit) dan diambil sekitar tahun 1993. Melalui seri ini, Snoek memberi penghargaan kepada jembatan kereta api metropolitan yang berjalan melewati tengah kota Rotterdam di atas sungai Nieuwe Maas ke Zuidoever.

Hefbrug yang ikonik dan Maasbruggen yang terkenal (banyak jembatan kereta api Belanda) merupakan bagian dari itu. Soek menerbitkan seratus delapan puluh tiga foto-foto panorama dalam buku indahnya Luchtspor Rotterdam.

Left and right - Kiri dan kanan Title/judul: Luchtspoor, Rotterdam Year/tahun: 1993 Technique/teknik: pigment archival panorama print /pigment archival panorama print Dimensions/dimensi: 100 x 44 cm

125

Esther Stasse Year of birth: 1966

“Strictly blacks, characterized by austere grids, square lines; the golden balance between mass and void…”

Esther Stasse studied at the Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam. She creates her work with the use of geometric elements made of cast clay, a technique that she truly masters. She can use her molds multiple times by combining the casts in simple or complex compositions. The objects have an architectural appearance, are still and introverted, while they appear as a vase.

“Benar-benar hitam, dicirikan dengan kisi-kisi yang tegas, garis persegi; keseimbangan emas antara massa dan kekosongan” Esther Stasse belajar di Gerrit Rietveld Academy di Amsterdam. Ia menciptakan karyanya dengan pemakaian elemen-elemen geometris dibuat dari cetakan tanah liat, sebuah teknik yang sangat dikuasainya. Ia bisa memakai cetakannya berkali-kali dengan menggabungkan cast tersebut dengan cara sederhana atau komposisi-komposisi kompleks. Objek-objek tersebut memiliki sebuah penampilan arsitektur, tenang dan introvert, selagi objek-objek ini muncul sebagai sebuah vas.

126

Title/judul: Tulpenvaas 1 en 2 Year/tahun: 1993 Technique/teknik: cast clay/tanah liat Dimensions/dimensi: 100 x 44 cm

127

Anoek Steketee Year of birth: 1974 After studying photography at the Royal Academy of Arts in The Hague, Anoek Steketee began to work as a freelance photographer while also starting personal projects. Her work has been published in various Dutch and international magazines such as Vrij Nederland, The Guardian, Weekend, Financial Times, and CNN. She had solo exhibitions in the Rijksmuseum, FOAM Amsterdam, and the Rosphoto State Museum in St. Petersburg. Steketee is working and living in Amsterdam as well as at the island of Texel, both in the Netherlands.

Setelah belajar fotografi di Royal Academy of Arts di The Hague, Anoek Steketee mulai bekerja sebagai fotografer lepas sembari memulai proyek-proyek personal. Karyanya telah diterbitkan dalam berbagai majalah Belanda dan internasional, seperti Vrij Nederland, The Guardian, Weekend, Financial Times, dan CNN. Ia juga menggelar pameran-pameran tunggal di Rijksmuseum, FOAM Amsterdam, dan Rosphoto State Museum di St. Petersburg. Steketee saat ini bekerja dan tinggal di Amsterdam dan juga di pulau Texel, keduanya berada di Belanda.

During a trip through Iraqi-Kurdistan in 2006, Steketee and Effje Blankevoort found themselves in an amusement park in Duhok, an uninspiring town near the border with Turkey and Syria. Reports of attacks, kidnappings, and sectarian violence featured the newspapers on a daily basis. Meanwhile, they ate ice cream, rode on the ferris wheel, and talked to the diverse visitors of the park. In the park’s pleasant but equally surreal surroundings, visitors talked about their daily lives, their fears, hopes, and dreams for the future. Kurds, Arabs, and American soldiers, Christians and Muslims, Shiites and Sunnis; segments of the Iraqi population that were submerged in a deadly struggle outside the gates, amiably rubbed shoulders in Dream City.

Selama perjalanan melintasi Irak-Kurdistan pada 2006, Steketee dan Eefje Blankevoort datang ke sebuah taman hiburan di Duhok, sebuah kota yang tidak menginspirasi dekat dengan perbatasan Turki dan Suriah. Laporan berbagai penyerangan, penculikan, dan kekerasan sektarian ditampilkan di surat-surat kabar setiap hari. Sementara itu, mereka makan es krim, naik bianglala, dan berbincang dengan para pengunjung taman yang bermacam-macam. Di dalam lingkungan taman yang menyenangkan tetapi juga ganjil, para pengunjung berbincang mengenai kehidupan sehari-hari mereka, ketakutan-ketakutan mereka, harapan-harapan, dan mimpi-mimpi untuk masa depan. Orang-orang Kurd, Arab, dan tentara-tentara Amerika, orang-orang Kristen dan Muslim, orang-orang Syiah dan Suni; bagian dari populasi Irak yang tenggelam dalam perjuangan mematikan di luar pagar, dengan ramah mengelus bahu di Kota Impian.

This visit has been the starting point of their journey to the constructed world of amusement parks in diverse places all over the world. Although the cultural, sociological, and political context of each place differs, the parks’ uniform appearances signify the universally recognisable backdrop. With their sparkling lights, fairy-tale scenery, and perfectly maintained gardens, the parks all derive their value from the universal and timeless human need to escape from daily reality in a communal constructed space, surrounded by a fence.

During their travels, it became increasingly apparent to them that an amusement park is more than just a place to have fun; it often also plays a highly symbolic role.

The origin, location, and chosen theme of the amusement park offer meaningful insight into the socio-political situation of its country.

128

Kunjungan ini merupakan langkah awal dari perjalanan mereka ke dunia rekaan taman hiburan di tempat yang bermacam-macam di seluruh dunia. Walaupun konteks budaya, sosiologi, dan politik dari masing-masing tempat berbeda, penampilan seragam taman-taman itu menandakan latar belakang yang dikenali secara universal.

Dengan lampu-lampu yang berbinar, pemandangan dongeng, dan kebun-kebun yang diurus dengan sempurna, taman-taman ini memperoleh nilai dari kebutuhan manusia yang universal dan tak ada habisnya untuk meloloskan diri dari realitas harian dalam sebuah ruang yang dibangun bersama, dikelilingi oleh pagar.

Selama perjalanan-perjalan tersebut, menjadi semakin terang bagi mereka bahwa taman hiburan merupakan lebih dari sekadar tempat untuk bersenang-senang; seringkali tempat ini juga memiliki peran simbolis yang tinggi. Asal, lokasi, dan tema yang dipilih dari taman hiburan ini menawarkan wawasan yang bermakna bagi situasi sosial-politik dari negaranya.

Title/judul: Maryam and Odisho, Dream City, Iraq Year/tahun: 2012 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 32,5 x 32,5 cm

129

Title/judul: Without title/tanpa judul Year/tahun: 1983 Technique/teknik: merbau, sculpted, treated with wax /merbau, pahatan, menggunakan lilin Dimensions/dimensi: 30 x 15 cm 130

Rudi Struik Year of birth: 1947

Rudi Struik’s work is characterized by a large diversity of materials and techniques.

Especially his early work shows a great care for the materials – particularly wood – and how he handles them. Wood means a warm and “living” material for Struik with which he feels he can express himself freely. Without a predetermined concept, he starts to work with a piece of wood. While carving, an idea of a shape develops, initially following the natural grain of the wood, later in combination with other materials, such as Perspex and metal.

Recurring themes in his work are perception, memory, selective histories, re- and de-contextualizing objects and images, and stories of migration.

Karya Rudi Struik dicirikan dengan keanekaragaman yang luas dalam material dan teknik. Terutama karya terdahulunya yang menunjukkan sebuah perhatian besar untuk material-material - khususnya kayu - dan bagaimana ia menangani material-material tersebut. Kayu berarti sebuah material yang hangat dan “hidup” bagi Struik yang menurutnya bisa ia ekspresikan dirinya secara bebas. Tanpa sebuah konsep yang telah ditentukan sebelumnya, ia mulai bekerja dengan sepotong kayu.

Selama memahat, muncul ide tentang sebuah bentuk, pada mulanya mengikuti barik-barik alami dari kayu tersebut, kemudian dalam penggabungan dengan material-material lain, seperti Perspex dan metal.

Tema-tema saat ini dalam karyanya yaitu persepsi, memori, sejarah-sejarah pilihan, kontekstualisasi ulang dan de-kontekstualisasi objek-objek dan gambar-gambar, serta cerita-cerita migrasi.

131

Shinkichi Tajiri Lived from 1923 to 2009

Shinkichi Tajiri was an American sculptor that lived in the Netherlands from 1956.

He was active in painting, photography, and cinematography. Tajiri was a Japanese American and was born in Watts, a working class neighbourhood of Los Angeles, in the United States. He was the fifth of seven children born to Ryukichi Tajiri and Fuyo Kikuta, the first generation of immigrants that moved from Japan to the United States in the beginning of the 20th century. In 1936, Tajiri relocated with his family to San Diego and that is where he got his first lessons in sculpting from Donal Hord.

His family was evacuated in 1942 to the Poston War Relocation Center in Arizona.

Tajiri was a soldier, together with his brother Vincent. They started fighting in Europe in 1943. In 1944, Tajiri was wounded in Italy and went back to Chicago to study at the Art Institute from 1946 to 1948.

In 1949, Tajiri went to Paris to study with Ossip Zadkine and Fernand Léger. He met the artists Karel Appel and Corneille at the COBRA exhibition in the Stedelijk Museum in Amsterdam. Between 1969 and 1970, he took pictures of every part of the Berlin Wall.

Tajiri about the knots featuring in the Embassy: “Art today is complicated, it is a language and it is changing very rapidly. But everybody has certain connotations and associations about knots. I was looking for an instant and basic way of communication. That is the knot for me.”

132

Shinkichi Tajiri merupakan seorang pemahat Amerika yang tinggal di Belanda sejak 1956. Ia aktif dalam melukis, fotografi, dan sinematografi. Tajiri merupakan seorang keturunan Jepang-Amerika dan lahir di Watts, sebuah lingkungan kelas pekerja di Los Angeles, Amerika Serikat. Ia merupakan anak kelima dari tujuh anak yang lahir dari pasangan Ryukichi Tajiri dan Fuyo Kikuta, generasi pertama imigran yang berpindah dari Jepang ke Amerika Serikat pada awal abad 20. Pada 1936, Tajiri dan keluarganya dipindahkan ke San Diego dan saat itulah ia mendapat pelajaran-pelajaran pertama dalam memahat dari Donal Hord.

Keluarganya dievakuasi pada 1942 ke Pusat Relokasi Perang Poston di Arizona. Tajiri merupakan seorang tentara, bersama dengan saudara lelakinya Vincent. Mereka mulai berperang di Eropa pada 1943. Pada 1944, Tajiri terluka di Italia dan kembali ke Chicago untuk belajar di Institut Seni dari 1946 sampai 1948.

Pada 1949, Tajiri pergi ke Paris untuk belajar dengan Ossip Zadkine dan Fernand Léger.

Ia bertemu dengan seniman Karel Appel dan Corneille di pameran COBRA di Museum Stedelijk di Amsterdam. Antara 1969 dan 1970, ia mengambil gambar dari seluruh bagian Tembok Berlin.

Tajiri, tentang simpul yang ditampilkan di Kedutaan: “Seni saat ini sifatnya kompleks, hal ini merupakan sebuah bahasa yang berubah dengan cepat. Namun, semua orang memiliki konotasi-konotasi tertentu dan asosiasi-asosiasi tentang simpul. Aku mencari cara komunikasi instan dan dasar. Itulah simpul untukku.”

Title/judul: Knoop 13/25 + Knoop 18/25 Year/tahun: 1998 Technique/teknik: screen printing on Japanese paper/ sablon pada kertas Jepang Dimensions/dimensi: 94 x 64 cm

133

Hanneke van Velzen Year of birth: 1958

Hanneke van Velzen creates series of photographs that not only stand on their own, but more then once interact with each other to add meaning because of their juxtaposition. The style of photography for each series can differ significantly.

Van Velzen composes her work in two ways. The first can be described as organic; starting with one series that steers her to produce another, which leads to another and so forth. The second is more systematic; she starts with a concept for a project that she explores visually and intellectually. The more time she spends on a project, the more she comprehends about the implications of the theme.

This might make for what some consider to be work with no specific style or vision on photography. But this does not matter to her, as life seems that way to her. A wide variety of “worlds” and “patterns”, as van Velzen calls them, happily and not so happily coexist, whereby many interact and others do not. At these crossroads “things” happen, and she tries to capture and portray just those.

Van Velzen: “Ovid’s poem “Metamorphoses” was on my mind when I photographed and collected these images of trees, whereby not Ovid’s gods determined their shape, but man. The branches of these willow trees are cut for multiple uses, for example as to be used as roofs. This practice has been going on for centuries and many trees have died as a result, but they still remain part of the landscape.”

134

Hanneke van Velzen menciptakan seri foto yang tak hanya berdiri sendiri, melainkan lebih sering berinteraksi dengan satu sama lain untuk menambah makna dikarenakan posisi mereka yang sejajar. Gaya fotografi untuk masing-masing seri bisa berbeda secara signifikan.

Van Velzen menyusun karyanya dalam dua cara. Yang pertama dapat dideskripsikan sebagai organik; memulai dengan satu seri yang mengarahkannya memproduksi yang lainnya, yang mengantar kepada yang lainnya dan seterusnya. Yang kedua lebih sistematis; ia memulai dengan sebuah konsep untuk sebuah rancangan yang ia eksplor secara visual dan intelektual. Lebih banyak waktu yang ia habiskan dalam sebuah rancangan, lebih mengerti pula ia mengenai keterlibatan tema.

Mungkin ini dibuat untuk apa yang beberapa orang lihat sebagai karya tanpa gaya atau pandangan tertentu dalam fotografi. Namun hal ini bukan masalah untuknya, karena hidup nampak seperti itu baginya. Berbagai macam “dunia” dan “pola”, sebagaimana van Velzen menyebutnya, dengan bahagia dan tak terlalu bahagia hidup berdampingan, di mana banyak orang berinteraksi dan yang lainnya tidak.

Di persimpangan “berbagai hal” ini terjadi, dan ia mencoba untuk menangkap serta menggambarkan berbagai hal tersebut.

Van Velzen: “Puisi Ovid “Metamorphoses” ada di pikiranku saat aku memotret dan mengumpulkan gambar-gambar pohon ini, di mana bukan dewa-dewa Ovid yang menentukan bentuknya, melainkan manusia. Cabang-cabang pohon-pohon willow ini dipotong untuk berbagai keperluan, contohnya untuk dipakai sebagai atap.

Praktek ini telah berlangsung selama berabad-abad dan banyak pohon telah mati sebagai akibatnya, namun mereka tetap menjadi bagian dari lanskap.”

Title/judul: Tree Trunks 1 t/m 6 Year/tahun: 1998 - 1999 Technique/teknik: pigment print on HahnemĂźhle paper/ cetak pigmen pada kertas HahnemĂźhle Dimensions/dimensi: 94 x 64 cm

135 133

136

Koen Vermeule Year of birth: 1965 Left/kiri Title/judul: TLP

Koen Vermeule likes to paint landscapes – especially expansive landscapes with heavy skies, deep horizons, and broad grooves created by plows in thick clay. He also likes to paint people, often with a focus on lonely people that seem to wander around like they are lost in the world. Yet the combination of landscapes and people as Vermeule showcased in his work Skywriter, is not often found in his oeuvre.

Year/tahun: 2004 Technique/teknik: lithograph/litograf Dimensions/dimensi: 42 x 42 cm Below/di bawa Title/judul: Last Poet

Vermeule’s artworks are like a vast waiting room, which he re-enters every day through a different door. In contrast to a world that overwhelms us with violence and speed, his figures are in harmony with themselves as they stand, watch, rest, and sleep.

Year/tahun: 2004 Technique/teknik: lithograph/litograf Dimensions/dimensi: 42 x 42 cm

In their potential for silence, the artworks by Vermeule resemble the soundproof novels of Haruki Marukami, whose characters are surrounded by a similar aura of solitude. If we were to draw conclusions about the mood of our age, we would have to stop talking ourselves and admit that we are all inhabitants of a “last station” that tests our patience.

Koen Vermeule senang melukis pemandangan - terutama pemandangan yang luas dengan langit yang besar, horison yang dalam, oleh bajakan tanah liat yang pekat.

Ia juga gemar melukis orang, seringkali dengan sebuah fokus pada orang-orang kesepian yang terlihat berkeliling seperti tersesat di dunia. Namun, penggabungan dari pemandangan dan orang seperti yang Vermeule tunjukkan dalam karyanya Skywriter, tidak sering ditemukan pada karya-karyanya.

Karya-karya seni Vermeule seperti ruang tunggu yang luas, yang ia masuki kembali setiap hari melalui pintu yang berbeda. Berkebalikan dengan sebuah dunia yang meliputi kita dengan kekerasan dan kecepatan, figur-figurnya berada dalam harmoni dengan diri mereka sendiri saat mereka berdiri, memandang, istirahat, dan tidur.

Dalam potensi mereka untuk diam, karya-karya seni Vermeule menyerupai novel kedap suara Haruki Murakami, yang karakter-karakternya dikelilingi oleh sebuah aura yang serupa dengan kesunyian. Jika kita memberi kesimpulan tentang suasana hati di dalam usia kita, kita harus menghentikan diri kita sendiri untuk berbicara dan mengakui bahwa kita semua merupakan penghuni dari “stasiun terakhir” yang menguji kesabaran kita.

137

Carel Visser Lived from 1928 to 2015

138

Carel Visser studied architecture at the Technical University in Delft (1948-1949) and continued his studies at the Royal Academy of Visual Arts in The Hague (1949-1951).

Carel Visser belajar arsitektur di Technical University di Delft (1948-1949) dan melanjutkan pendidikannya di Royal Academy of Visual Arts di The Hague (1949-1951).

Visser’s oeuvre includes sculptures, graphic work, drawings, reliefs, collages, and woodcuts. His use of materials is just as diverse. From iron to rope, and from all kinds of found objects to organic material such as eggs, wool, feathers, as well as goat horns. No matter how different the appearance of his work may be, you could say that Visser was always busy making a construction. Sometimes in the air, then another time on a flat surface.

Karya-karya Visser termasuk pahatan, karya grafis, gambar, relief, kolase, dan ukiran kayu. Pemakaian materialnya juga sama beragamnya. Mulai dari besi hingga tali, dan dari segala macam objek yang ditemukan hingga bahan-bahan organik, seperti telur, wol, bulu, dan juga tanduk kambing. Tidak peduli bagaimana berbeda penampilan karyanya, Anda bisa bilang jika Visser selalu sibuk membuat sebuah konstruksi.

Terkadang di udara, lain waktu di atas permukaan datar.

Visser’s early work consists of sculptures made of welded iron. Initially these are subtle and simplified animal figures such as “Stervend paard” (translated as Dying horse) from 1949 and “Twee vogels” (translated as Two Birds) from 1954. His later work became more abstract and he started creating compositions of geometric shapes. Nature is an important theme for Visser and since the 70’s he has increasingly integrated that theme into his work by incorporating natural products such as feathers and wool.

Karya terdahulu Visser terdiri dari pahatan-pahatan yang terbuat dari besi yang dilas. Awalnya, karya-karya ini merupakan figur-figur binatang yang samar dan disederhanakan, seperti “Stervend paard” (Kuda yang Sekarat) dari 1949 dan “Twee vogels” (Dua Burung) dari 1954. Karyanya selanjutnya menjadi lebih abstrak dan ia mulai menciptakan komposisi bentuk-bentuk geometris. Alam merupakan tema yang penting bagi Visser dan sejak 70an ia telah semakin mengintegrasikan tema tersebut ke dalam karyanya dengan menggabungkan produk-produk alami, seperti bulu dan wol.

In addition, Visser made collages that are in line with his sculptures because they consist of compiled images. The associative element plays a major role in this and the figuration is often important in his graphic work. Animal figures and fantasy letters appeal directly to the imagination of the observer. Often, Visser made an addition with pencil within his graphic work. Other work is limited to a composition that has to be interpreted by the observer itself.

Selain itu, Visser membuat kolase-kolase yang segaris dengan pahatan-pahatannya karena kolase-kolase ini terdiri dari gambar-gambar yang digabungkan. Elemen asosiatif memiliki peran besar di dalamnya dan bentuk seringkali penting dalam karya grafisnya. Figur-figur binatang dan huruf-huruf fantasi menarik langsung kepada imajinasi pengamat. Seringkali, Visser membuat sebuah tambahan menggunakan pensil dalam karya grafisnya. Karya lainnya terbatas pada sebuah komposisi sehingga harus diterjemahkan oleh pengamat itu sendiri.

Title/judul: Letterfamilie 2, 6 en 4 Year/tahun: 2001 Technique/teknik: letterpress/mesin cetak Dimensions/dimensi: 42 x 42 cm 139 137

Philippe Vogelenzang Year of birth: 1982

Philippe Vogelenzang was born in Zandvoort, known as Amsterdam’s seaside shore. After he graduated in Art History, Vogelenzang applied for the photography department of the Royal Academy of Arts in The Hague. After one year, he decided he could develop himself more through self-education. From that point on, driven by imagination, curiosity, and intuition, Vogelenzang started creating images that often seem to portray a classic quality being dynamic, honest, and playful.

With a big love for people, he finds beauty in all unique personalities and aims to capture iconic presence or intensity in the subjects he photographs. Being based in Amsterdam, Vogelenzang commutes between London, Paris, and New York. His clients include V-magazine, VMan, Vogue Hommes International, Candy, Scotch and Soda, Dsection, ZOO, and L’Officiel Hommes.

Philippe Vogelenzang lahir di Zandvoort, dikenal sebagai tepi pantai Amsterdam.

Setelah lulus dari Sejarah Seni, Vogelenzang mendaftar jurusan fotografi di Royal Academy of Arts di The Hague. Setelah satu tahun, ia memutuskan ia bisa lebih mengembangkan dirinya dengan belajar secara otodidak. Dari situlah, didorong oleh imajinasi, rasa penasaran, dan intuisi, Vogelenzang mulai menciptakan gambar-gambar yang seringkali terlihat menggambarkan sebuah kualitas klasik yang menjadi dinamis, jujur, dan ceria.

Dengan sebuah cinta yang besar bagi orang-orang, ia menemukan keindahan dalam semua kepribadian yang unik dan bertujuan untuk menangkap kehadiran yang ikonik atau intensitas dalam subjek-subjek yang ia foto. Berbasis di Amsterdam, Vogelenzang bepergian antara London, Paris, dan New York. Klien-kliennya yaitu termasuk V-magazine, VMan, Vogue Hommes International, Candy, Scotch and Soda, Dsection, ZOO, dan L’Officiel Hommes.

140

Title/judul: Pomegranate Orange Year/tahun: 2009 Technique/teknik: still life digital Dimensions/dimensi: 40 x 50 cm

141

Title/judul: Tomatoes and roses 4, 6 and 7 Year/tahun: 1982 Technique/teknik: colour etch/etsa warna Dimensions/dimensi: 95 x 75 cm

142 140

Anton Vrede Year of birth: 1953 Anton Vrede is a Dutch visual artist of Antillean-Surinamese origin. He works as a painter, graphic artist, illustrator, and sculptor. He has an expressionist, figurative, and sometimes abstract style.

Anton Vrede merupakan seorang seniman visual Belanda keturunan Antillean-Suriname.

Ia bekerja sebagai seorang pelukis, seniman grafis, ilustrator, dan pemahat. Ia memiliki gaya ekspresionis, kiasan, dan terkadang abstrak.

Anton Vrede is a Dutch visual artist of Antillean-Surinamese origin. He works as a Animal figures subjects from nature important in his The figures all have painter, graphicorartist, illustrator, and are sculptor.

He has anwork. expressionist, figurative, theirsometimes own meaning; in hisstyle. paintings he creates a naive, fairytale-like world on paper and abstract with his smooth brushstrokes. In his sketch artworks, dancing or playing animal figures appear a colorful background.

Animal figures against or subjects from nature are important in his work. The figures all have

Anton Vrede merupakan seorang seniman visual Belanda keturunan Antillean-Suriname.

Figur-figur binatang atau subjek dari alam penting dalam karyanya. Seluruh figur Ia bekerja sebagai seorang pelukis, seniman grafis, ilustrator, dan pemahat. Ia memiliki tersebut memiliki maknanya tersendiri: dalam lukisannya, ia menciptakan sebuah gaya ekspresionis, kiasan, dan terkadang abstrak. dunia yang naif, seperti negeri dongeng di atas kertas dengan goresan kuasnya yang halus. Dalam karya seni sketsanya, figur-figur binatang yang menari atau bermain Figur-figur binatang atau subjek dari alam penting dalam karyanya. Seluruh figur muncul dengan latar belakang yang berwarna-warni tersebut memiliki maknanya tersendiri: dalam lukisannya, ia menciptakan sebuah dunia yang naif, seperti negeri dongeng di atas kertas dengan goresan kuasnya yang Selama masa belajarnya, Vrede membeli grafik pertamanya, ‘honderd gulden prent’ halus. Dalam karya seni sketsanya, figur-figur binatang yang menari atau bermain (seratus cetak guilder) dari Co Westerik. Ia menemukan jika “Aku akan bisa membeli ini muncul dengan latar belakang yang berwarna-warni dari beasiswaku, berarti kehadiran seorang seniman merupakan sebuah kemungkinan melalui ciptaan grafik’’.

Selama masa belajarnya, Vrede membeli grafik pertamanya, ‘honderd gulden prent’ (seratus cetak guilder) dari Co Westerik. Ia menemukan jika “Aku akan bisa membeli ini Dalam karyanya, Vrede mulai memakai semua jenis teknik grafis: litografi, sablon, dari beasiswaku, berarti kehadiran seorang seniman merupakan sebuah kemungkinan etsa, linocut, juga kombinasi satu dengan yang lainnya. Ia memulai dengan etsa dan melalui ciptaan grafik’’. terinspirasi dari karya seniman grafis Piet Warffemius dan John Li A Fo dari The Hague - pada akhirnya muncul dengan sebuah teknik untuk membuat sebuah efek yang Dalam karyanya, Vrede mulai memakai semua jenis teknik grafis: litografi, sablon, menarik dengan sablon. etsa, linocut, juga kombinasi satu dengan yang lainnya. Ia memulai dengan etsa dan terinspirasi dari karya seniman grafis Piet Warffemius dan John Li A Fo dari The Hague Lukisan-lukisannya menampilkan binatang-binatang, seperti gorila, kodok, kelinci, - pada akhirnya muncul dengan sebuah teknik untuk membuat sebuah efek yang penguin, gajah, jerapah, dan macan tutul. Binatang-binatang ini lebih dari sekadar menarik dengan sablon. permainan warna dan bentuk, meskipun permainan ini dimainkan dengan penuh dedikasi. Dari semua binatang, kehadiran gajah paling mencolok.

Lukisan-lukisannya menampilkan binatang-binatang, seperti gorila, kodok, kelinci, penguin, gajah, jerapah, dan macan tutul. Binatang-binatang ini lebih dari sekadar Menurut Vrede, “Gajah merupakan seekor binatang yang sabar, bijak, dan toleran. permainan warna dan bentuk, meskipun permainan ini dimainkan dengan penuh Gajah dikagumi berkat kekuatannya dan merupakan tunggangan yang dicintai oleh dedikasi. Dari semua binatang, kehadiran gajah paling mencolok. para pahlawan, raja, dan dewa. Aku juga sering memakai monyet. Di Mesir kuno, seekor monyet diperlakukan dengan hormat seperti juga di Mitologi Timur. Di sini Menurut Vrede, “Gajah merupakan seekor binatang yang sabar, bijak, dan toleran. monyet berperan sebagai pengirim pesan dari para dewa, membawa tugas-tugas Gajah dikagumi berkat kekuatannya dan merupakan tunggangan yang dicintai oleh mereka meskipun tak selalu memahaminya. Monyet-monyet dalam karyaku berfungsi para pahlawan, raja, dan dewa. Aku juga sering memakai monyet. Di Mesir kuno, sebagai semacam pelawak, melakukan hal-hal yang aku tak bisa biarkan binatang lain seekor monyet diperlakukan dengan hormat seperti juga di Mitologi Timur. Di sini lakukan’’. monyet berperan sebagai pengirim pesan dari para dewa, membawa tugas-tugas mereka meskipun tak selalu memahaminya. Monyet-monyet dalam karyaku berfungsi sebagai semacam pelawak, melakukan hal-hal yang aku tak bisa biarkan binatang lain lakukan’’.

their own meaning; in his paintings he creates a naive, fairytale-like world on paper During studies, Vrede bought hissketch first graphics, ‘honderd guldenanimal prent’ with hishis smooth brushstrokes.

In his artworks, the dancing or playing (translated as one-hundred-guilder print) from Co Westerik. He figured that if “I can figures appear against a colorful background. buy this from my scholarship, then an artist’s existence is a possibility through the creationhis of graphics”.

During studies, Vrede bought his first graphics, the ‘honderd gulden prent’ (translated as one-hundred-guilder print) from Co Westerik. He figured that if “I can In histhis work, Vrede to usethen all kinds of graphic techniques: lithography, screen buy from my started scholarship, an artist’s existence is a possibility through the printing, etching, linocut, as well as combinations with one another.

He started with creation of graphics”. etching and – inspired by the work of graphic artists Piet Warffemius and John Li A Fo his from TheVrede Hague – eventually came a technique to make a picturesque In work, started to use all kindsupofwith graphic techniques: lithography, screen effect with screen prints. printing, etching, linocut, as well as combinations with one another. He started with etching and – inspired by the work of graphic artists Piet Warffemius and John Li A Hisfrom paintings feature–animals like gorillas, penguins, elephants, giraffes, Fo The Hague eventually came upfrogs, with hares, a technique to make a picturesque and leopards.

These animals are more than just a game of color and shape, although effect with screen prints. this game is played with much dedication. Of all animals, the elephant has the most striking presence.

His paintings feature animals like gorillas, frogs, hares, penguins, elephants, giraffes, and leopards. These animals are more than just a game of color and shape, although According toplayed Vrede, “The is an indulgent animal, wise and tolerant.

Hemost was this game is with elephant much dedication.

Of all animals, the elephant has the admiredpresence. for his strength and was the beloved mount of heroes, kings, and gods. I also striking often use the monkey. In ancient Egypt, a monkey was treated with respect, just like in Eastern mythology.

Here he actsisas messenger of the gods, According to Vrede, “The elephant anthe indulgent animal, wise andcarrying tolerant.out He their was assignments even though he does not always understand them.

The monkeys in my admired for his strength and was the beloved mount of heroes, kings, and gods. I also work function as a sortInofancient jester, doing that Iwas cannot let any animal often use the monkey.

Egypt,things a monkey treated withother respect, justdo.’’ like in Eastern mythology. Here he acts as the messenger of the gods, carrying out their assignments even though he does not always understand them. The monkeys in my work function as a sort of jester, doing things that I cannot let any other animal do.’’

143 141

Christoffel Steitz de Wilde Lived from 1784 to 1860 Christoffer Steitz de Wilde was a Dutch figurative painter that lived in the Dutch East Indies as a coffee plantation supervisor between 1803 and 1826. During this period, he painted various landscapes of the Dutch East Indies.

Christoffel Steitz de Wilde merupakan seorang pelukis figuratif Belanda yang tinggal di Hindia Belanda sebagai seorang pengawas kebun kopi antara 1803 dan 1826. Selama masa ini, ia melukis berbagai pemandangan Hindia Belanda.

De Wilde was the son of a ship carpenter that died prematurely. He was raised by his stepfather Johann Friederich Jacob Steitz, a ship’s surgeon that worked for the Dutch East India Company (“VOC”) in Amsterdam. Out of respect for his stepfather, de Wilde added Steitz’ last name to his name. De Wilde married Wilhemina de Klerck and they had three children. Sadly, de Klerck died early and de Wilde remarried with the daughter of a Rotterdam merchant and sail maker, with whom he had eleven children.

De Wilde merupakan anak dari seorang tukang kayu kapal yang meninggal pada usia muda. Ia dibesarkan oleh ayah tirinya Johann Friederich Jacob Steitz, seorang ahli bedah kapal yang bekerja untuk Perusahaan Hindia Belanda (“VOC”) di Amsterdam.

Untuk menghormati ayah tirinya, de Wilde menambahkan nama belakang Steitz pada namanya. De Wilde menikahi Wilhemina de Klerck dan mereka memiliki tiga anak. Sedihnya, de Klerck meninggal dini dan de Wilde menikah lagi dengan anak dari pedagang dan pembuat layar Rotterdam, yang mana ia memiliki sebelas anak.

De Wilde left for the Dutch East Indies in 1803 and lived at the Preagner Regentschappen near Bandung and Soekaboemi on the island of Java. He worked as a coffee plantation supervisor in government service and as an administrator on the plantations of his brother Andries. De Wilde returned to the Netherlands in 1826.

After his time in the Dutch East Indies, he worked as a notary in the city of Utrecht.

De Wilde pergi ke Hindia Belanda pada 1803 dan tinggal di Preagner Regentschappen dekat Bandung dan Sukabumi di pulau Jawa. Ia bekerja sebagai pengawas kebun kopi di layanan pemerintahan dan sebagai seorang pengelola di perkebunan saudara lelakinya Andries. De Wilde kembali ke Belanda pada 1826. Setelah masanya tinggal di Hindia Belanda, ia bekerja sebagai seorang notaris di Utrecht.

De Wilde was active as a painter and illustrator in the period between 1799 and 1860. He mainly used water and oil colours. Some of his drawings have been used as lithographs for a book written by his brother Andries. This book is illustrated by de Wilde and is called “De Preanger Regentschappen op Java gelegen”.

De Wilde aktif sebagai seorang pelukis dan ilustrator pada periode antara 1799 dan 1860. Ia terutama memakai cat air dan minyak. Beberapa gambarnya telah dipakai sebagai litograf untuk sebuah buku yang ditulis oleh saudara lelakinya Andries. Buku ini diilustrasikan oleh de Wilde dan disebut “De Preanger Regentschappen op Java gelegen”.

Because his brother Andries was rather dominant, de Wilde occupies a very modest place in the history of the Dutch East Indies as a coffee plantation supervisor.

As an illustrator, he has been one of a dozen of artists that helped to map the archipelago and Java, both geographically and ethnographically. In this context, the cultural-historical value of de Wilde’s heritage is of greater importance than his artistic qualities.

144

Karena saudara lelaki Andries agak dominan, de Wilde menempati sebuah tempat yang sangat sederhana dalam sejarah Hindia Belanda sebagai pengawas kebun kopi.

Sebagai seorang ilustrator, ia telah menjadi satu dari lusinan seniman yang membantu memetakan Nusantara dan Jawa, baik secara geografis maupun etnografis. Dalam konteks ini, nilai sejarah-budaya peninggalan Wilde lebih penting daripada kualitas artistiknya.

Title/judul: Yogyakarta – Prambanan Subtitle/sub judul: Temple complex Prambanan, close to Yogyakarta Year/tahun: 1803 - 1826 Technique/teknik: oil painting/lukisan minyak Dimensions/dimensi: 78 x 100 cm

145 143

Title/judul: 170 HZ, Apeldoorn Year/tahun: 2010 Technique/teknik: inkjet printing/cetak inkjet Dimensions/dimensi: 52 x 62 cm

146

Raimond Wouda Year of birth: 1964

Raimond Wouda studied at the Royal Academy of Fine Arts in The Hague between 1987 and 1992. The work featured at the Embassy is part of a series about Dutch film sets, created between 2007 and 2013. The complete series appeared as a publication titled “Ext-Int” in 2015.

Raimond Wouda belajar di Royal Academy of Fine Arts di The Hague antara 1987 dan 1992. Karyanya ditampilkan di Kedutaan sebagai bagian dari seri tentang set film Belanda, tercipta antara tahun 2007 dan 2013. Seri yang lengkap dipublikasikan dengan judul dengan judul “Ex-Int” pada tahun 2015.

Nearly twenty years ago, Wouda visited a film set near Woudenberg in the Netherlands. He went there to replace the photographer that for unknown reasons was away from the set for a number of days. It was 2AM when he left Amsterdam to drive to the film set. Wouda still remembers the empty roads on the way there. He usually did not drive too much at night and the landscape seemed abandoned as he was the only one using the road. The trip was a contemplative experience; the quiet road, the talk on the radio, the dark landscape and his own thoughts. He felt tense, but in a pleasant way.

Hampir dua puluh tahun lalu, Wouda mengunjungi sebuah set film dekat Woudenberg di Belanda. Ia pergi ke sana untuk menggantikan seorang fotografer yang dengan alasan-alasan yang tak diketahui, pergi dari set selama beberapa hari. Saat itu pada jam 2 pagi, ia meninggalkan Amsterdam untuk berkendara ke set film tersebut. Wouda masih teringat akan jalanan yang sepi menuju ke sana. Ia biasanya tidak terlalu banyak berkendara pada malam hari dan lanskap di sana terlihat terabaikan karena pada saat itu ialah satu-satunya pengendara. Perjalanan tersebut merupakan pengalaman yang kontemplatif; jalanan yang sepi, perbincangan di radio, lanskap yang gelap dan pikiran-pikirannya sendiri. Ia merasa tegang, namun dengan cara yang menyenangkan.

The photos Wouda creates have mostly been in his head for a longer period of time.

As is often the case with him, an idea for a series only seems viable if it lived long enough in his mind. With the film set it did, although it took another twelve years before he visited a film set again.

Foto-foto yang Wouda ciptakan kebanyakan telah ada di kepalanya sejak lama masa yang panjang. Sebagaimana yang sering terjadi kepadanya, sebuah ide untuk seri terlihat hidup terus jika ide tersebut hidup cukup lama dalam kepalanya. Dengan set film, hal tersebut dapat terlaksana, meskipun memakan waktu dua belas tahun berikutnya sebelum ia mengunjungi sebuah set film lagi.

147

Steef Zoetmulder Lived from 1911 to 2004 Rotterdam-born photographer Steef Zoetmulder studied at the Academy of Visual Arts in Rotterdam. Zoetmulder combined two types of photography; commissioned photography and free photography. This is not an exceptional combination, but with him these two were so in line with each other that they became interchangeable.

Subjective photography appealed to him the most, which was quite astonishing as he lived during the period of “Nieuwe Fotografie” (translated as New Photography).

His oeuvre exemplifies a preference for decorative, almost tending towards abstract, photos.

Fotografer yang lahir di Rotterdam Steef Zoetmulder belajar di Academy of Visual Arts di Rotterdam. Zoetmulder menggabungkan dua tipe fotografi; fotografi berbayar dan fotografi bebas. Ini bukanlah sebuah penggabungan yang luar biasa, namun dengannya dua hal ini begitu sejalan satu dengan lainnya sehingga dua hal ini dapat saling melengkapi. Fotografi subjektif paling menarik perhatiannya, yang mana cukup mengherankan, mengingat ia hidup pada masa “Nieuwe Fotografie” (Fotografi Baru).

Karya-karyanya menunjukkan sebuah preferensi untuk foto-foto dekoratif, hampir condong ke abstrak.

Zoetmulder always worked as an independent advertising photographer. After the Second World War, he increasingly received assignments from multiple companies.

Zoetmulder photographed for brochures, magazines, anniversary editions, record covers, and calendars. For his free work, he primarily experimented in the studio, where he combined shapes with vases, glassware or other objects and thus putting together still lifes. Sometimes he made portraits in combination with shapes and objects. The design of his photos was determined by the effects of lines, light, and specific perspectives. His preference for photomontage was an extension to this.

Zoetmulder selalu bekerja sebagai seorang fotografer periklanan independen. Setelah Perang Dunia Kedua, ia memperoleh tugas lebih banyak dari beberapa perusahaan.

Zoetmulder memotret untuk brosur, majalah, edisi ulang tahun, sampul rekaman, dan kalender. Untuk karya bebasnya, ia terutama bereksperimen di dalam studio, di mana ia menggabungkan bentuk-bentuk dengan vas, barang pecah belah atau objek-objek lain dan karenanya menggabungkan still lifes. Terkadang ia membuat potret-potret dalam penggabungan dengan berbagai bentuk dan objek. Desain foto-fotonya ditentukan oleh efek garis, cahaya, dan sudut pandang yang spesifik. Preferensinya untuk montase foto merupakan perpanjangan dari hal ini.

Through many articles and lectures, Zoetmulder did everything he could to transfer his professional knowledge to a wide(r) audience. From 1950 to 1970, he was an active member of the “Nederlandse Fotografen Kunstkring” (translated as the Dutch Photographers Art Circle). He became internationally known through his participation in Otto Steinert’s first exhibition on Subjective Photography in 1951.

The son of Zoetmulder, Steef Zoetmulder Junior, explained that most of his father’s work is maintained in the archive of the Dutch Photo Museum in Rotterdam. The work featured in the Embassy, named “Curved Lines”, originates in the book “Subjective Photography 1940 – 1960”. Zoetmulder always used to call this work “vase with belly”.

Zoetmulder’s mother was born in Batavia and grew up in West Java, where her father was a tea plantation manager. A cousin of his father, Petrus Zoetmulder, was a professor of Pedagogic Literature at the Gadjah Mada University in Yogyakarta and author of a Javanese-English dictionary and handbook on old Javanese literature.

148

Melalui banyak artikel dan pengajaran, Zoetmulder melakukan segala yang ia bisa untuk menyampaikan pengetahuan profesionalnya kepada khalayak yang lebih luas. Dari 1950 sampai 1970, ia merupakan anggota aktif “Nederlandse Fotografen Kunstkring” (Lingkaran Seni Fotografer Belanda). Ia dikenal secara internasional melalui partisipasinya dalam pameran pertama Otto Steinert pada Fotografi Subjektif tahun 1951.

Anak Zoetmulder, Steef Zoetmulder Junior, menjelaskan bahwa kebanyakan dari karya ayahnya diletakkan di arsip Museum Foto Belanda di Rotterdam. Karya yang ditampilkan di Kedutaan, bernama “Curved Lines”, berasal dari buku “Subjective Photography 1940-1960”. Dulu Zoetmulder selalu menyebut karyanya ini “vas berperut”.

Ibu Zoetmulder lahir di Batavia dan besar di Jawa Barat, di mana ayahnya merupakan pengelola kebun teh. Sepupu dari ayahnya, Petrus Zoetmulder, merupakan seorang profesor Pedagogic Literature di Universitas Gajah Mada di Yogyakarta dan penulis dari kamus Jawa-Inggris dan buku pedoman Sastra Jawa Kuno.

Title/judul: Curved Lines Year/tahun: 1958 Technique/teknik: photograph/foto Dimensions/dimensi: 60 x 50 cm

149

Ronald Zuurmond Year of birth: 1964

Ronald Zuurmond has been active as a painter since 1992. Together with Paul van Dongen, Reinoud van Vught, Guido Geelen, and Marc Mulders, Zuurmond is part of the internationally successful group “De Tilburgse School”. They work by observation and pay a great deal of attention to the craftsmanship of being an artist. However, because of their interest in historical arts, they come to a modern translation of these classical subjects.

In his previous work, Zuurmond mainly focused on landscapes and nature scenes.

Currently, he mostly creates still lifes and this work is not so much about the “big feeling”, the memory or a specific state of mind, but rather the everyday life of small and seemingly unimportant things.

During his career, Zuurmond used a variety of motifs, ranging from trees and horizons to banana peels and colorful fly curtains from a Wibra (a Dutch shop) flyer. A big difference is that in his earlier work, he mostly used subdued and earthy colors, while his current still lifes often use clear and lively colors. His fly curtains are abstract works in primary colors.

The paintings of Zuurmond are often applied in thick layers. Sometimes he also uses other materials in his painting, such as leftovers from yarn. When the paint has dried, he sands away some layers here and there so that different layers are visible. This allows him to create more color depth. From all of this, it becomes evident how much Zuurmond is concerned with the material and how much he knows about bringing something back into the image with the removal of certain aspects.

150

Ronald Zuurmond telah aktif sebagai seorang pelukis sejak 1992. Bersama dengan Paul van Dongen, Reinoud van Vught, Guido Geelen, dan Marc Mulders, Zuurmond merupakan bagian dari grup yang sukses secara internasional “De Tilburgse School”. Mereka bekerja dengan mengamati dan memperhatikan dengan cermat pada keahlian menjadi seorang seniman. Namun, dikarenakan ketertarikan mereka dalam seni bersejarah, mereka sampai kepada terjemahan modern dari subjek-subjek klasik ini.

Dalam karya sebelumnya, Zuurmond terutama fokus pada lanskap dan pemandangan alam. Saat ini, ia lebih banyak menciptakan still lifes dan karya ini bukan terlalu mengenai “perasaan besar”, memori atau tingkatan yang spesifik dari pikiran, tetapi lebih mengenai kehidupan sehari-hari dari hal-hal kecil dan yang terlihat tidak penting.

Selama karirnya, Zuurmond memakai berbagai macam motif, mulai dari pepohonan dan horison hingga kulit pisang dan tirai terbang warna-warni dari sebuah pamflet Wibra (sebuah toko Belanda). Perbedaan besarnya adalah dalam karya-karya awalnya, ia lebih banyak memakai warna-warna lembut dan sederhana, sementara still lifes-nya sekarang sering memakai warna-warna yang cerah dan hidup. Tirai terbangnya merupakan karya-karya abstrak dalam warna-warna primer.

Lukisan-lukisan Zuurmond sering diaplikasikan dalam lapisan-lapisan tebal. Terkadang, ia juga memakai material-material lain dalam lukisannya, seperti sisa benang.

Saat cat telah mengering, ia melepas beberapa lapisan di berbagai bagian, sehingga lapisan-lapisan yang lain terlihat. Ini membuatnya bisa menciptakan kedalaman warna.

Secara keseluruhan, hal ini menjadi bukti seberapa besar Zuurmond menaruh kepedulian terhadap material dan seberapa besar ia mengerti tentang membawa sesuatu kembali ke gambar dengan penghapusan beberapa aspek.

Title/judul: Z.T. zwart/wit Year/tahun: 2006 Technique/teknik: oil painting Dimensions/dimensi: 50 x 65 cm 151

Interior design and murals at the ground floor and Erasmus Huis Library

152 150

153 151

Interior design and murals at the first floor of the Embassy

154 152

155 153

Interior design and murals at the second floor of the Embassy

156

157

Interior design and murals at the third floor of the Embassy

158

159

Darina Maulana Researcher and designer on the

Peneliti dan perancang di Institut

Institut Teknologi in Bandung

Teknologi di Bandung

In October 2018, the Dutch Embassy, the Dutch Design Foundation and Dutch Culture, in collaboration with Bekraf and Kreavi, initiated a Creative Industry project where five Indonesian designers are linked to five Dutch Designers to design for sustainable issues in Indonesia.

Indonesian designers were encouraged to think about improving the world around them. The winners traveled to the Netherlands for a matchmaking session with Dutch designers and visited the Dutch Design Week.

One of these talented designers is Darina Mauluna, researcher and designer on the Institut Teknologi in Bandung. Her focus is to make sustainable design to bring eco pedagogy to the classroom in teaching methods on the environment.

She made a product for helping sustainable education in primary schools in Indonesia together with Mitchel Jacobs, a learning tool for children in public schools. With this tool she helps children to be aware of sustainable issues around them.

She developed a design which is to be applicable in the existing public primary school, so awareness can be created among the Indonesian children by supporting an introduction: the concept of sustainability and the economic, social and environmental consequences that this can have.

Here you will find her interior lay-out of her believe which can be a sustainable classroom for Indonesian Public Primary Schools.

160

Pada Oktober 2018, Kedutaan Belanda, Dutch Design Foundation and Dutch Culture, berkolaborasi dengan Bekraf dan Kreavi menginisiasikan proyek Creative Industry (Industri Kreatif), dimana lima desainer Indonesia dipertemukan dengan lima desainer Belanda untuk mendesain tentang isu-isu keberlanjutan di Indonesia.

Desainer-desainer Indonesia didorong untuk berpikir tentang memperbaiki dunia di sekitar mereka. Para pemenang beranjak ke Belanda untuk mengikuti sesi pencocokan dengan desainer Belanda dan mengunjungi Dutch Design Week.

Salah satu dari beberapa desainer yang berbakat adalah Darina Maulana, peneliti dan desainer di Institut Teknologi Bandung. Fokusnya adalah membuat desain keberlanjutan untuk mengenalkan eco pedagogy di ruang kelas untuk metode pengajaran lingkungan.

Ia membuat produk untuk menolong edukasi keberlanjutan di sekolah dasar di Indonesia, bersama dengan Mitchel Jacobs, dengan alat ini, ia menolong anak-anak untuk lebih sadar terhadap isu-isu yang berkelanjutan di sekitar mereka.

Ia mengembangkan desain yang dapat diaplikasikan di sekolah dasar umum yang telah ada, sehingga kesadaran dapat dibangun diantara anak-anak Indonesia dengan mendukung perkenalan: konsep dari keberlanjutan dan ekonomi, sosial dan konsekuensi lingkungan yang dapat dimiliki.

Anda bisa mendapati susunan ruang yang ia percaya dapat mewujudkan ruang kelas berkelanjutan untuk sekolah dasar umum di Indonesia.

A collaboration between Indonesian and Dutch Designers on Sustainable Design Topics

161

Sustainability

How can designer Indonesian student to learn about sustainability and actually do something about it?

To combine Indonesian curriculum, “Kurikulum 2013” and Sustainable Development Goals

Taking what's already common in Indonesian schools and make it advanced: “Mading” or short for “Majalah Dinding”; a.k.a wall magazine.

Make children aware of their surrounding and behavior with creating product that inspires, stimulate and activate through education in the perspective of system thinking through transformative design.

Indonesian Elementary curriculum + Sustainable Development Goals

162

ing

Regarding sustainability, our world will face great challenges in the coming decades. To have a future generation that is aware off the challenges we face and is equipped to handle them, we need to start understanding how to change our relationship to the world at a young age.

Ecopedagogy is a movement that focuses on education about sustainability. The education method that targets the most people effectively is formal education, where students are laying the basis for their adult lives.

Using recycle plastic made at Green Therefore Darina and Mitchell decided to start develop educational tools Polymer Lab, Faculty of Mechanical that fit within the Indonesian public primary school system (the largest and Aerospace Engineering, Institute Technology of Bandung.

school franchise in Indonesia). The tool is designed to educate students through knowledge-with their brains, awareness-with their hearts, and doing-with their bodies – all within “The Dutch Design Week feels likethis visiting the the current school system, making the design easy to implement. The concept is based on the widely used future! I am amazed on how the designers put method of ‘Mading’ – short for “Majalah Dinding” best translated as a wall up their work and to see what their design can magazine.

Curiosity and questions of the students works together with contribute to the society.” pedagogy in this educational tool that aims to make children aware of - Darina Maulana their surrounding and behavior.

On going Indonesian realize a Thematic two Curriculum pilot

Darina and Mitchell are collaborating with different partners to first prototype: Indonesian designer Arlene Dwiasti Soemardi, schools: SDN 024 Coblong and SDN 01 Merdeka Bandung and material advisor Wahyu Fiardhi and Aldy Rifqi Yogatama of the Institute Technology Bandung’s Faculty of Mechanical and Aerospace Engineering. Also, they had 5 students from Avans University helped them through brainstorm.

The whole step of the mading follows the on going theme timeline. 1 theme : around 3 weeks.

Students in 1 classroom are separated into 3 main groups ask question about the correlation between the on going curriculum and their chosen SDG goal

Ideation board, where students compile the answers they find

Students make plan/idea on what they can do from the answer to their question

The team goal is to raise the Indonesian awareness of sustainability and make students more critical on how they perceive the world around them.

“The prototyping for the kids helped to make an abstract topic concrete for them”

“It’s really fascinating to see the kids reacting with new way of thinking with arts and craft as a media for kids to understand more of the subjects.”

5th grade teacher from SDN Coblong

4th grade teacher from SDN Merdeka

163

The works of Scheltens and Abbenes are art advisor’s Philippien Noordam favorites.

Why is that?

Scheltens and Abbenes do not photograph beautiful things, but the beauty itself.

Whether it is an advertising photo made by the duo or their free work, it is almost unbelievable how beautiful something as trivial as soap can be. That realization arises when you see the advertisement image for the exhibition ZEEN in the Foam Photography Museum in Amsterdam. Depicted are dozens of pieces of soap, arranged on three glass shelves with exactly the same spacing. There are round, oval, and rectangular ones, with or without a design, ranging in color from amber to moss green and matte lilac. Uniform lighting makes these soaps glow a little and gives them volume. Their shadows, on the other hand, are flat and provide a second “rhythmic” layer in the work.

In a way, this image is atypical for the oeuvre of Maurice Scheltens and Liesbeth Abbenes, better known as Scheltens and Abbenes. In most of their photos, it is impossible to recognize a specific object. You can say at most that it is “something with clothing”, or “probably a device”. They are shapes, colors, and textures with no identifiable function, but they attract an aesthetic feeling that requires no recognizable carrier. Scheltens and Abbenes do not photograph beautiful things, they photograph beauty itself.

Perhaps even the term “photography” deserves some nuance. Scheltens and Abbenes are well regarded “image builders”. Their work originates in the studio, where they construct decors with simple means. For example, the glass plates from the soap photo are supported by bricks. A decor is often held together with adhesive tape and strings and can therefore be knocked over quite easily. If the duo thinks they are 164

Philippien Noordam's favorites

onto something, they start an endless process of changing the lighting and objects.

However, the motionless technical camera that dictates the frame of the photo remains unchanged. If the perfectionist duo captures two photos a day, they already regard the session successful.

only be deduced from a border of nails in the corner of the photo, but all attention goes to the razor-sharp close-ups of the flowers. Differences in brilliance betray an overpainting and stripes an abrasive ride along branches. You can even see a fly.

And whoever looks closely sees the legs of the drivers reflected.

Different backgrounds This method is the sum of different backgrounds. Scheltens studied at the Royal Academy of Art in The Hague, while Abbenes attended the Rietveld Academy and the Royal Academy of Visual Arts in Amsterdam where the emphasis lies on concepts.

Their special combination is popular with magazines and progressive fashion brands as they prefer to create an atmosphere in an advertisement rather than just showing the next fashionable sweater. The clients of Scheltens and Abbenes also embrace the art-historical references in the work. For example, the earlier mentioned soaps from a Cos campaign, refer to Damien Hirst’s pill cabinet. And the advertising for Scholten and Baijings can compete with the watercolors of Georgia O’Keeffe.

Enlarged props Precisely by not showing things, or showing them partially, Scheltens and Abbenes make you look better and see more. It could also just have remained a truck with a flower picture. With those sharper eyes, you can recognize the white blocks in the middle of the room as enlarged props from the photos. At first it feels a bit like a magician explaining his trick. But unlike the famous Dutch magician Hans Klok, the magic and the astonishment remain intact. Even if you know that the balusters for Pin-Up magazine are made of stacked sports cups and the Delft blue pattern is a reflection of textiles that are put around it like a tent, the image continues to attract.

That is probably also because it only exists as such, as a photo.

Subtle captions reveal where the works in ZEEN originate from. Assignment work and autonomous art are intertwined indistinguishable. Scheltens and Abbenes also play with it. In addition to large framed prints, pages from magazines are shown.

Involuntarily you start to wonder whether that abstract artwork comes from an advertisement, or is it the other way around? And does it really matter what is primary and what is distracted? The artists answer this question in the negative by adding a little extra. In large gray drawers, they placed photographed and enlarged pages. It is a game about context. Within these individual images the context is deliberately disabled. You do not see the object you are looking at, only the surface or the shape. That the flower still lifes from the Trailer series are painted on trucks can

‘‘What fascinates me with the two photographs of Scheltens and Abbenes is that, on the one hand, they are very clear, almost “immodest” images. They override themselves, as it were, but on the other hand they demand to be observed a second and third time. Only then does the photo reveal its origin and they turn out to be detailed photos of the trucks that transport Dutch flowers. After this discovery you have to ask yourself again whether photographing and abstracting this detail is sufficient to be elevated as being art photography. This complexity of reality, the questioning, the doubt that is created, that is exactly what must be done on this meeting floor in the Embassy.’’

165

Karya-karya Scheltens dan Abbenes merupakan karya-karya yang paling disukai penasihat seni Philippien Noordam. Mengapa demikian?

Scheltens dan Abbenes tidak memotret hal-hal indah, melainkan keindahan itu sendiri. Baik itu sebuah foto iklan dibuat oleh duo tersebut ataupun karya bebas mereka, merupakan hal yang hampir tak dapat dipercaya betapa indahnya sesuatu sesederhana sabun. Realisasi tersebut muncul ketika Anda melihat gambar iklan untuk pameran ZEEN di Foam Photography Museum di Amsterdam. Digambarkan lusinan potongan sabun, disusun pada tiga rak kaca dengan jarak yang sama. Ada yang bundar, oval, dan persegi panjang, dengan atau tanpa desain, mulai dari warna kuning sampai hijau lumut dan matte violet. Pencahayaan yang seragam membuat sabun-sabun ini sedikit berkilau dan bervolume. Bayangan-bayangannya, di sisi lain, terlihat datar dan memberikan lapisan kedua yang berirama dalam karya tersebut.

Sedikit banyak, gambar ini merupakan tipikal karya-karya Maurice Scheltens dan Liesbeth Abbenes, yang lebih dikenal sebagai Scheltens dan Abbenes. Dalam banyak foto mereka, sulit untuk mengenali sebuah objek yang spesifik. Paling mungkin Anda bisa menganali bahwa hal ini merupakan “sesuatu yang berhubungan dengan pakaian” atau “mungkin sebuah alat”. Karya-karya ini merupakan bentuk, warna, dan tekstur tanpa fungsi yang diketahui, tetapi karya-karya ini menarik sebuah perasaan estetis tanpa membutuhkan objek yang dikenali. Scheltens dan Abbenes tidak memotret hal-hal yang indah, mereka memotret keindahan itu sendiri.

Bahkan mungkin istilah “fotografi” layak mendapatkan nuansa. Scheltens dan Abbenes dihormati sebagai “pembangun gambar”. Karya-karya mereka berasal dari studio, di mana mereka membangun dekorasi dengan cara sederhana. Sebagai contoh, piring-piring kaca dari foto sabun disokong menggunakan batu bata. Sebuah dekorasi seringkali disatukan menggunakan pita perekat dan tali yang membuatnya dapat terjatuh dengan mudah. Jika duo ini berpikir mereka tertarik akan sesuatu, mereka memulai proses yang tiada henti untuk mengganti pencahayaan dan objek.

Meskipun demikian, kamera teknis tak bergerak yang menentukan bingkai foto, tetap tak berubah. Jika duo perfeksionis tersebut memotret dua foto sehari, mereka menganggap sesi tersebut telah sukses.

166

Yang Paling Disukai Philippien Noordam Latar Belakang yang Berbeda Metode ini merupakan penggabungan dari latar belakang yang berbeda. Scheltens belajar di Royal Academy of Art di The Hague, sedangkan Abbenes belajar di Rietveld Academy dan Royal Academy of Visual Arts di Amsterdam yang menekankan pada konsep. Kombinasi istimewa mereka terkenal di majalah dan merek-merek fesyen progresif dikarenakan mereka lebih memilih untuk menciptakan sebuah suasana di dalam sebuah iklan dibandingkan hanya memamerkan sweater modis yang akan datang. Klien-klien Scheltens dan Abbenes juga menganut referensi-referensi seni bersejarah dalam karya mereka. Sebagai contoh, sabun-sabun yang telah disebutkan sebelumnya dari kampanye Cos, merujuk pada lemari obat Damien Hirsts. Dan iklan untuk Scholten dan Baijings dapat bersaing dengan lukisan cat air Georgia O’Keeffee.

Keterangan yang halus menyingkap dari mana karya-karya di ZEEN berasal.

Karya berbayar dan karya otonom terjalin, tak dapat dibedakan. Scheltens dan Abbenes juga bermain dengan hal ini. Selain cetakan-cetakan dalam bingkai besar, halaman-halaman dari majalah juga diperlihatkan. Tanpa sadar, Anda mulai bertanya-tanya apakah karya-karya seni abstrak tersebut berasal dari sebuah iklan, ataukah sebaliknya? Dan apakah hal ini benar-benar berpengaruh apa yang utama dan apa yang teralihkan? Para seniman tersebut menjawab pertanyaan ini dengan nada negatif dengan sedikit memberi tambahan. Dalam laci abu-abu yang besar, mereka meletakkan halaman-halaman yang difoto dan diperbesar.

Ini merupakan permainan konteks. Dalam gambar-gambar individu ini, konteks tersebut sengaja tidak diaktifkan. Anda tidak melihat objek yang sedang Anda lihat, melainkan hanya permukaan atau bentuknya saja. Bahwa still life bunga dari seri Trailer dilukis pada truk, hanya dapat disimpulkan dari sebuah garis batas paku di pojok foto, tetapi seluruh perhatian tertuju pada jarak dekat yang tajam dari bunga-bunga tersebut. Perbedaan dalam kecemerlangan menampakkan sebuah pewarnaan yang berlebih dan memberi garis pada sebuah perjalanan yang kasar di sepanjang cabang. Anda bahkan dapat melihat seekor lalat. Dan siapapun yang mengamati dengan dekat dapat melihat kaki supir yang terpantul.

Atribut yang diperbesar Tepatnya dengan tidak menunjukkan berbagai macam benda, atau menunjukkan sebagian benda, Scheltens dan Abbens membuat Anda melihat lebih baik dan lebih banyak. Karya tersebut juga dapat tetap terlihat hanya sebagai sebuah truk dengan gambar bunga. Dengan menajamkan mata, Anda dapat mengenali blok putih di tengah ruangan sebagai atribut yang diperbesar dari foto tersebut. Pada awalnya, hal ini terasa seperti seorang pesulap yang menjelaskan triknya. Namun, tak seperti pesulap terkenal Belanda Hans Klok, keajaiban dan ketakjuban yang tercipta tetap utuh. Bahkan ketika Anda tahu bahwa jeriji untuk majalah Pin-Up terbuat dari tumpukan piala olahraga dan pola biru Delf merupakan sebuah pantulan dari tekstil yang diletakkan di sekitarnya seperti sebuah tenda, gambar tersebut tetaplah menarik. Hal ini mungkin juga dikarenakan benda ini hadir sebagaimana adanya, sebagai sebuah foto. ‘‘Hal yang membuatku terpesona dengan dua foto Scheltens dan Abbenes bahwa, di sisi lain, karya-karya ini sangatlah jelas, hampir merupakan gambar yang “tidak senonoh”. Karya-karya ini mengesampingkan diri sendiri, seperti apa adanya, namun di sisi lain karya-karya ini menuntut untuk diamati untuk kedua dan ketiga kalinya. Setelahnya, baru asal usul dari karya-karya ini tersingkap dan karya-karya ini berubah menjadi foto detail dari truk yang mengangkut bunga-bunga Belanda.

Setelah penemuan ini, Anda harus bertanya pada diri Anda lagi apakah memotret dan mengikhtisarkan detail ini cukup untuk diangkat untuk menjadi fotografi seni.

Kompleksitas dari realitas ini, pertanyaan, keraguan yang diciptakan, merupakan hal yang harus dilakukan di ruang pertemuan di lantai tiga Kedutaan ini.

167

Miniature index Indeks prangko

168 166

169 167

170

Colofon

Kolofon

October 2019

Oktober 2019

All artworks are on display in the Embassy, Erasmus Huis and the Ambassador’s residence in Jakarta.

Semua karya seni dipajang di Kedutaan, Erasmus Huis dan kediaman Ambassador di Jakarta.

Coordination, research, texts, illustrations and graphic design: Annemarijn de Boer

Koordinasi, penelitian, teks, ilustrasi dan desain grafis: Annemarijn de Boer

Art facts: Philippien Noordam 3W WorldWide Working

Fakta seni: Philippien Noordam 3W WorldWide Working

English translation: Arjen Vogel

Terjemahan Inggris: Arjen Vogel

Indonesian translation: Aliefah Permata Fikri Dhiani Probhosiwi

Terjemahan Bahasa Indonesia: Aliefah Permata Fikri Dhiani Probhosiwi

Photography: Carel de Groot

Fotografi: Carel de Groot

Editors: Joyce Nijssen Marleen Kokke-Jansen Yolande Melsert

Editor: Joyce Nijssen Marleen Kokke-Jansen Yolande Melsert

Press: Subur, Jakarta

Percetakan: Subur, Jakarta

© Ministry of Foreign Affairs of the Netherlands, 2019

© Kementerian Luar Negeri Kerajaan Belanda 2019

171

Embassy of the Kingdom of the Netherlands to Indonesia 172