En clave de construccion audiovisual

en clave de construcción

audiovisual Catálogo de videoartistas

Prof. Ángel García Roldán Departamento de Didáctica de la Expresión Musical, Plástica y Corporal.

Facultad de Ciencias de la Educación Universidad de Granada 2010

ÍNDICE

A

F

M

S

A K Dolven

Francis Alÿs

Manolo Bautista

Sam Taylor-Wood

Aernout Mik

Felipe Ortega Regalado

Mapi Rivera

Sergio Prego

Aïda Ruilova

Fernando Baena

Maria Cañas

Alex Frances

H

Marijke van Warmerdam

V

Ana Laura Aláez

Hiraki Sawa

Marine Hugonnier

Veronica Ruth Frias

Andy Warholl

I

Masbedo

Vito Acconci

Anri Sala

Ives Kein

Matthew Buckingham

W

J

Marcellvs L.

Antoni Muntadas

Steve McQueen

Willie Doherty

B

Jean-Gabriel Périot

Marina Abramovich

Bill Viola

Jeff Perkins

Mark Leckey

Bruce Nauman

Jennifer Steinkamp

Michael Snow

Yang Fudong

Jesper Just

Michal Rovner

Yael Bartana

Joachim Koester

Miguel A. Melgares Lagos

Joào Maria Gusmào & Pedro Paiva

Miguel A. Moreno Carretero

Johan Grimonprez

Miguel Soler

José Carlos Casado

N

C Carlos T. Mori Candice Breitz Chantal Akerman Christian Jankowski Christian Marclay D

John Baldessari

Josu Rekalke

Daniel Cuberta Tuzón

Juan López López

Doug Aitken

Julian Rosefeldt

E

K

Eugènia Balcells

Nam June Paink Joseph Beuys

Klaus Vom Bruch

Eugenio Rivas Herencia

Kutlug Ataman

Eulalia Valdosera

L

Eve Sussman/Rufus Corporation

Laurita Siles

P Paul Pfeiffer Peter Greenaway Pierre Huyghe Pipilotti Rist R Rodney Graham

Y

Candice Breitz

CANDICE BREITZ. Johannesburg. South Africa. 1972. WEB

http://www.musac.es/index.php?ref=37200

Códigos e iconografias de la cultura mediática contemporánea

http://www.arte10.com/noticias/ propuesta-320.html

Candice Breitz ha venido explorando, traduciendo, remezclando y editando los códigos e iconos de la cultura mediática contemporánea y el lenguaje de la industria del entretenimiento. Si en los montajes fotográficos con los que se dio a conocer internacionalmente exploraba la inestabilidad de la identidad y la violencia de la representación, en las vídeo-instalaciones que se desarrollaron a partir de aquellos, y que ahora conforman el centro de su práctica artística, Breitz tiende a desvelar y a interrogar las imágenes fílmicas que toma del cine comercial, la televisión y los vídeos musicales.

Deliberada y agresivamente, la artista re-organiza este material fílmico y lo aisla de su narrativa y funciones estéticas características y habituales. La obra atraviesa un terreno familiar, que prescinde de la gramática y la sintaxis propia del material original. Por un lado, los paisajes mediáticos de Breitz exponen la maquinaria, y desarman los valores, de la industria mediática dominante. Por otro, sus obras reflexionan sobre los efectos reales que la cultura pop consigue generar y mantener.

Doug Aitken

DOUG AITKEN. Redondo Beach, California USA.1968.

La paradójica coexistencia de la armonía y el caos

http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/ 19826/ Candice_Breitz_en_la_Babel_de_las_imagenes

http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/ 9910/Doug_Aitken

Según la teoría del caos, cualquier elemento, por insignificante que sea, puede cambiar el cursos de las cosas. Para Aitken el caos coexiste con la armonía ya que ambos se repiten a si mismos e su expansión creativa, ambigua y sutil. En todas sus instalaciones, Aitken explora con detenimiento las capacidad de lo mínimo y lo trivial para interceptar el rumbo de lo previsible. De ahí que recurra a estrategias como la fragmentación, la reiteración o la bifurcación a la hora de construir sus historias o sus composiciones, tanto sonoras, como visuales, como arquitectónicas.

Chantal Akerman

CHANTAL AKERMAN. Bruselas, Belgium. 1950.

http://salonkritik.net/09-10/2010/05/ chantal_akerman_por_chantal_ak.php

La dialéctica de lo cotidiano http://lostinmarienbad.blogspot.com/2009/10/labelgitude-ii-chantal-akerman-o-los.html Hija de judíos polacos que sobrevivieron al holocausto y se establecieron en Bruselas, Akerman halla el tema de sus obras en el desplazamiento, la emigración y la diáspora.

Desde mediados de los 90 la artista ha expuesto instalaciones de imágenes en movimiento en museos y galerías de primera categoría.

Entrelas más extraordinarias, figuran “D´Est, au bord de la fiction” (1995), De l´autre côte” (2002), y “Marcher à côté de ses lacets dans un frigidaire vide” (2004)

http://sociedaddelcinetlatelolco.wordpress.com/ editorial/chantal-akerman-mujer-caminante/ http://www.blogsandocs.com/?p=545

Francis Alÿs

FRANCIS ALŸS. Antwerp, Bélgium 1959.

La necesidad de dar una respuesta urgente

La obra de Alÿs se centra en la ciudad, una megalópolis que decide recorrer, observar, y más tarde, intervenir para posicionarse de nuevo en ese mapa imaginario que todos necesitamos habitar. Y así, convertida en laboratorio de su experiencia, esa urbe -en ocasiones hostil, en ocasiones amable-, posibilitó la inscripción de una subjetividad extranjera, dislocada, pero también materializó una libertad individual sin limites sobre la que construir una actitud vital y un planteamiento artístico de naturaleza crítica.Y es que como expresa la paradoja citada por el propio artista (“a veces hacer algo te lleva a nada, y otras, no hacer nada te lleva a algo”).

Eugènia Balcells

EUGENIA BALCELLS. Barcelona, Spain. 1943. WEB

http://www.fundacion.telefonica.com/ arteytecnologia/colecciones_de_arte/fotografia/ alys.htm http://www.criticarte.com/Page/ensayos/text/ FrancisAlysFS.html?=FrancisAlys.html http://www.francisalys.com/

http://www.artespain.com/16-06-2008/informes/ eugenia-balcells-una-artista-experimental

El video como soporte autonomo.

Considerada en ser una de las pioneras en utilizar el video como soporte autónomo más que como un medio documental. Su obra siempre implica elementos narrativos, por lo general autobiográficos, una estricta sencillez en la puesta en escena y unos espectaculares resultados estéticos. El interés por los elementos cotidianos, por la mayor sencillez posible en el planteamiento visual de sus vídeos y de sus instalaciones, son dos aspectos esenciales de sus trabajo.

Kutlug Ataman

KUTLUG ATAMAN. Istambul. Turkey. 1961.

El mito de la objetividad del genero documental.

Al igual que la historia la escriben los vencedores, la escritura de la historia personal es igual de subjetiva. la larga duración de muchos de sus trabajos, y la posterior introducción de pantallas múltiples en el montaje, hacen poco factible la contemplación de las obras en su totalidad, instaurando así la necesidad de reconstruir una versión final personal en cada espectador. Ello permite una lectura altamente estratificada que toma como base la re-narración del pasado de un individuo en primera persona, revestida de la documentación y presentación subjetivizada del cineasta y la interpretación final superpuesta resultante del bagaje psicológico del propio espectador.

http://www.elpais.com/articulo/cataluna/Aleph/ Eugenia/Balcells/elpepiespcat/20090923elpcat_2/ Tes/

http://www.saatleriayarlamaenstitusu.com/ http://www.whattoseeinrome.com/es/expoataman-roma/ http://bajoelsignodelibra.blogspot.com/2008/05/ kutlu-ataman.html

Klaus Vom Bruch

KLAUS VOM BRUCH. Cologne, Germany. 1952. WEB El universo de la imagen multiestratificada.

Klaus Vom Bruch es uno de esos artistas que a través de su trabajo han convertido el vídeo en un soporte reconocido del arte de nuestro tiempo. Sus trabajos despliegan un entramado calculado de campos significantes relacionados entre si. En el engranaje de medios diferentes, en la coexistencia y la contraposición de la cinta de video, la forma estructural y espacio transformado surge un complejo sistema de signos. Para ello hace uso de un amplio archivo de imágenes que abarca desde largometrajes y documentales de guerra de los años 1933 a 1948, hasta documentales de noticias de la historia alemana más reciente. Con sus mundos de imágenes multiestratificadas Von Bruch ha atacado los sistemas de imágenes y de poder de la comunicación en un mundo globalizado que alimenta la conciencia de una sociedad condicionada

Willie Doherty

WILLIE DOHERTY. Derry, Northern. Ireland. 1959. WEB Cerco visual en torno a la alienación e inseguridad cotidiana.

Matthew Buckingham

http://www.mac.uchile.cl/exposiciones/ bienalsaopaulo/doherty.html

Aunque Willie Doherty habla desde la experiencia especifica de la violencia sectaria y la ocupación militar británica de Irlanda del Norte, sus videoinstalaciones se dirigen, con una lucidez nada común, a la alienación y la inseguridad que rebosa la vida cotidiana de la ciudad; la desposesión de la que es víctima el yo contemporáneo, privado de un lugar al que pertenecer y que recordar y, por ende, de su propia identidad. Doherty examina esta desposesión a través de dos investigaciones entrelazadas: por una parte, la forma en que narraciones interpuestas se desvinculan de la experiencia cotidiana, en la que la identidad se regula e interpreta desde el exterior, privando al yo del lenguaje con el que narrar su ser histórico, alinieándolo, con ello, tanto de si mismo como de otros; u por otra parte, la militarización y la conversión del espacio urbano en mercancía por parte de un poder panóptico que trastoca las redes del intercambio social y mutila el espacio público de la relación social y el debate.

http://www.artealameda.bellasartes.gob.mx/ Archivo/archivo/index.php/ Willie_Doherty._Out_of_Position

MATTHEW BUCKINGHAM. Nevada. USA. 1963. WEB

http://www.murrayguy.com/matthewbuckingham/ main.html

http://www.manifesta8.com/manifesta/ manifesta8.artista?nombre=WillieDoherty&codigo=22

La relatividad del uso videografico El trabajo de Buckingham es en gran parte resultado de la investigación de personajes y topónimos históricos. Se trata de instalaciones de vídeo que muestran imágenes, textos y biografías. Por otra parte, el tema del viaje es también motivo recurrente en su obra, mediante vídeos que conducen al espectador a diferentes ciudades y paisajes.

De ello darán muestra en la exposición piezas como “Every thing I need” (2007). Se trata de una instalación de doble proyección en color y con sonido, que trata del regreso de la psicóloga y escritora Charlotte Wolff a Berlín en 1974. En 1933, Wolff tuvo que emigrar a París y a Londres, tras ser arrestada por la Gestapo por vestir ropas masculinas y ser acusada de espía. El viaje de regreso a Berlín de Wolff fue de altísima relevancia para el movimiento feminista y lésbico en el Berlín de los setenta.

http://www.mcu.es/novedades/2009/ novedades_Reina_Matthew_Buckingham.html

A K Dolven

A.K. DOLVEN. Oslo. Norway. 1953. WEB La representación subversiva del desmontaje

Joào Maria Gusmào & Pedro Paiva

Las películas de la artista noruega afincada en Londres son representaciones subversivas del desmontaje. En sus vídeos, la acción humana se sitúa a menudo en el escenario minimalista de los bosques escandinavos. Arrojado a una esfera surrealista abstracta, más allá de toda significación social, el cuerpo humano da comienzo a su batalla existencia con la naturaleza, el trauma y la muerte. En sus películas, fotografías y cuadros Dolven penetra en los espacios liminales de la percepción. De acuerdo con la máxima ”lo perceptivo es político”, Dolven configura de nuevo las condiciones de la edad, la identidad y el sexo para crear significados alternativos.

http://www.laboralcentrodearte.org/es/501-obras

JOÀO MARIA GUSMÀO & PEDRO PAIVA. Lisbon. Portugal. 1979 / 1977

http://www.phedigital.com/portal/es/load.php? file=blog.php&post=234

El sentido metafísico del lugar El universo de Gusmão y Paiva bebe de la especulación filosófica, la literatura científica y la metafísica. Habitualmente utilizan diferentes soportes –películas en 16 mm, esculturas, instalaciones y fotografía– para construir corrientes filosóficas experimentales en torno al concepto de lo transitorio. Su estructura de trabajo se basa en la creación de un proyecto apoyado en textos teóricos en los que se articula todo su ideario. Sus trabajos tienen un importante componente humorístico, reflejando situaciones absurdas inspiradas en referencias literarias. En ocasiones, están revestidos de carácter documental y son pruebas insólitas o paranormales, resultado del modo singular con el que explican la realidad.

Rodney Graham

http://www.notodo.com/expos/arquitectura/ 576_there_is_no_road_laboral_gijon.html

RODNEY GRAHAM. Vancouver. Canada. 1949 La lógica narrativa del cine La propuesta es adentrarse en la obra de Rodney Graham, un artista contemporáneo cuyo lenguaje se caracteriza por el uso de herramientas teatrales y lúdicas para abordar una reinterpretación de la historia del arte. La obra de este artista trata de explorar algunas de las esferas del conocimiento que han tenido un profundo impacto en el siglo X (el psicoanalisis freudiano, la literatura y la música), con las que examina los fundamentos de la cultura occidental, Grahan se nutre de la cultura anglosajona, de los elementos y referentes que marcaron una época y hace una semblanza de un periodo que va desapareciendo, y por el cuel se percibe nostalgia, los tempranos años 70. Homenajea una época marcada por ideales utópicos fallidos, pero también señala con ironía el fracaso de haber intentando cambiar el mundo sin haberlo logrado. Grahan explora la lógica narrativa del cine y nos presenta sus conclusiones en forma de vídeos que niegan la posibilidad de descripción y desenlace, proponiendo como única salida la repetición interminable.

http://www.revistasculturales.com/articulos/132/ dardo-magazine/1065/1/jo-o-maria-gusm-opedro-paiva.html http://www.elpais.com/articulo/cultura/ Caleidoscopio/portugues/elpepucul/ 20100609elpepucul_1/Tes http://www.cylcultural.org/galeria/ musac_mayo2007.html

http://www.masdearte.com/index.php? view=article&catid=35&id=10225&option=com_co ntent&Itemid=12 http://www.artespain.com/01-02-2010/ exposiciones/rodney-graham-exposicion-en-elmacba http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/ 26750/Rodney_Graham_ya_me_entiendes http://www.notodo.com/expos/varias_disciplinas/ 1360_rodney_graham_macba_barcelona.html

Marine Hugonnier

MARINE HUGONNIER. París, France. 1969. WEB El paisaje cultural y social En sus últimos trabajos Marine Hugonnier parece concentrada en explorar la relación del paisaje con lo que podríamos llamar el paisaje cultural o social que envuelve, en breve: con la civilización y la historia que le acompaña. Como si uno fuese el espejo de lo otro o uno sirviese para explicar el otro. Y no tanto como una explicación de rancio determinismo cultural, del entorno que determina el carácter.

Pierre Huyghe

PIERRE HUYGHE. Paris. France. 1962 Video desde la arquitectura

Johan Grimonprez

http://www.a-desk.org/spip/spip.php?mot278 http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/ 24931/Lo_invisible_segun_Marine_Hugonnier http://www.ambulante.com.mx/2008/es/ documental.php?id=44 http://www.marinehugonnier.com/film.php? media=1&oeuvre=1&serie=1

http://www.elcultural.es/noticias/ARTE/326/ Pierre_Huyghe_el_jardinero_global

Tras los elaborados experimentos tecnológicos llevados a cabo por este artista francés hay una preocupación fundamental por los enigmas que despiertan la imaginación. En su obra "“Les grands Ensambles”, tiene un interés más estético que sociológico, preocupando más por la niebla, el humo y las nubes. El autor ofrece una explicación de la obra, una proyección sobre una gran pantalla de dos torres típicas de viviendas de bajo presupuesto, en las que un ballet de ventanas iluminadas se alterna con ventanas apagadas, como si la niebla nocturna viniera y se fuese y el viento azotase los árboles del fondo. Huyghe dice que su obra está basada en unos proyectos arquitectónicos de la década de los 70 que “terminaron siendo un fracaso arquitectónico y social”. Tal y como lo explica se trataba de una transgresión de las teorías de Le Corbusier.

http://musac.es/index.php?ref=41300

JOHAN GRIMONPREZ. Roeselare. Belgium. 1962

http://www.hoycinema.com/actualidad/noticias/ Grimonprez-juega-con-doble-Hitchcock-ultimofilme.htm

La globalización de la sospecha y la meditación del miedo Johan Grimonprez forma parte de una generación de artistas nacidos en los años 60 que, en algún momento de mediados de la década de los 90, fueron los primeros en introducir tropos y técnicas tradicionales cinematográficas en el mundo “estático” del arte visual, y revisar la paulatina transformación en cajas negras de los numerosos cubos blancos del mundo del arte. Remitiendonos a una amplia variedad de campos y fuentes tan divergentes como la publicidad, la antropología, la cultura televisiva de la guerra fria, las películas de catástrofes, los documentales y la exégesis de Hitchcock. Grimonprez recurre a menudo a una técnica de collage diseñada mediante combinaciones que revelan la profundidad de la deuda intelectual que el artista tiene con un primitivo e irreverente “postmodernismo de resistencia” para el que la misma esencia de la tecnología cinematográfica, con su mezcla paradigmática de tropos propios de la alta cultura y de la sociedad de masas, ha servido de modelo durante mucho tiempo.

http://www.graficacolectiva.org/2007/11/03/pierrehuyghe/ http://www.artespain.com/11-03-2010/ exposiciones/reina-sofia-dedica-exposicionpierre-huyghe-en-el-palacio-de-cristal http://lembranzas-ines.blogspot.com/2010/03/ pierre-huyghe.html

http://visionary-film.blogspot.com/2010/05/joahngrimonprez-premio-cine-ensayo-de.html http://ferperezdocumental.wordpress.com/ 2009/02/22/dial-h-i-s-t-o-r-y-johan-grimonprez/

Christian Jankowski

CHRISTIAN JANKOWSKI. Goettingen. Germany. 1968 Espacios de intercambio: espacios comprometidos en espacios fronterizos.

La obra de Jankowski ocupa espacios fronterizos entre diferentes disciplinas y disfruta con esa inestabilidad de significado. Al plantearse constantemente preguntas sobre el arte y su potencial, intenta que los visitantes de los museos saquen sus conclusiones, invitándoles a descubrir su propia transformación poética. Sus obras son probablemente demasiado benignas para operar como una crítica institucional: son más una aceptación de que el arte es creado y expuesto en circunstancias comprometidas, en las que todos somos cómplices. Muchas obras de Jankowski tienen como eje principal el intercambio de contenido y significado entre el arte y los medios de comunicación de masas, del cual ambos campos se aprovechan. El arte de Jankowski bebe de la cultura pop, pero si lo examinamos de cerca, y ante el rigor con el que cuestiona ciertos fenómenos de los medios de masas a través del arte, su trabajo se convierte en una exploración multidisciplinar rompedora.

Joachim Koester

Jesper Just

http://www.arte10.com/noticias/ propuesta-198.html http://www.lukor.com/literatura/noticias/ 0705/28175745.htm

JOACHIM KOESTER. Copenhagen. Denmark. 1962 La evasion de una mirada objetiva El trabajo de Joachim Koester parece situarse cercano a ciertas tendencias de nueva objetividad fotográfica. Un ejercicio riguroso de apropiación y revisión de la realidad que, de forma conceptual y fría, nos enfrenta a la imagen de nuestro entorno y a lo que ésta implica a distintos niveles. No obstante, lo más significativo del proceso de trabajo de Koester es su insistencia por desvelar desde la imagen – ya sea fotográfica o fílmica - aquellos posibles relatos que quedan escondidos por el paso del tiempo y la historia en mayúsculas; es decir, aquello que se escapa de la visión “objetiva” y que sólo pervive desde posiciones marginales a lo establecido y aceptado. En este sentido, la concepción de su obra se aleja voluntariamente de dichos postulados conceptuales para afiliarse directamente con una narrativa en la que el texto, la investigación y el análisis construyen un discurso paralelo y necesario para la eficaz interpretación de la imagen.

http://www.a-desk.org/06/koester.php

JASPER JUST. Copenhagen. Denmark. 1974. WEB

http://www.theartwolf.com/exhibitions/ellen-kooijesper-just.htm

El genero y la problematica generacional objetos de estudio Los temas principales tratados por Jesper Just: el género como construcción social y cultural antes que biológica y la problemática generacional, más específicamente, en la relación entre padre e hijo, ha modificado el punto de vista desde el que muchos artistas de su generación se enfrentan a la construcción de la imagen. Mientras la práctica y la estética de la producción videográfica contemporánea se interesa generalmente por lo amateur y el género documental, Jesper Just nos sorprende con un trabajo detallista, lleno de referencias e influencias cinematográficas que se reflejan en el trabajo con la luz, en sus cambios de perspectiva y en el manejo sensible de la cámara. Su obra nos introduce en un mundo de ficción, de historias incompletas, sin principio ni fin, siempre inacabadas y sugerentes.

http://arteenlared.com/latinoamerica/mexico/deljardin-secreto-del-sueno.-joachim-koester-2.html http://observatoriodearte.com/2010/04/30/ joachim-koester-en-el-tamayo/ http://www.museotamayo.org/un-lugar-fuera-dela-historia/

http://www.wikio.es/news/Jesper+Just http://www.elmundo.es/metropoli/2008/04/15/arte/ 1208256641.html

Marcellvs L.

MARCELLVS L. Belo Horizonte. Brazil. 1980 Una realidad sin artifícios.

Mark Leckey

El joven brasileño, juega con imágenes cotidianas pero aquí el argumento es insulso y es sólo soporte para la lenta incidencia del tiempo en la narración. Se acerca a nosotros y al mismo tiempo se abre el plano para tratar de trastocar nuestra posición con respecto a la imagen y lo que ésta cuenta. El otro vídeo, Spree, es una imagen fija que representa el movimiento leve y apenas perceptible de lo que sucede al otro lado de una ventana en otro experimento de muy baja intensidad. A Marcellvs L. no le interesa la estetización de la imagen.

Prefiere la realidad tal cual la captura, sin artificios. Acostumbrados a convivir con un arte que busca epatar y sorprender, contrastar y criticar..., las piezas neutras de Marcellvs L. habitan un reino, donde la lentitud se impone, donde al ojo se le exige paciencia y al cuerpo aplomo... donde las cosas no parecen ser lo que son.

http://lucidatv.blogspot.com/

MARK LECKEY. Birkenhead. UK. 1964

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Mark/ Leckey/consigue/polemico/premio/Turner/ elpepucul/20081201elpepucul_11/Tes

El estudio de lo estéticamente sublime El reconocimiento internacional del artista británico vino a partir de su video Fiorucci Made me hardcore (1999), obra en la que explora los términos cambiantes de alta y baja cultura, del arte y su relación con la cultura de masas, de la estética del placer y la intoxicación, y del lugar que ocupa la subjetividad dentro de estos últimos. Lo que caracteriza su obra desde entonces, es la exploración del potencial seductor que tienen las imágenes, perdiéndose en la experiencia de lo suntuoso y espectacular dentro de una cultura de masas. Aunque Fiorucci apareció en un momento en que muchos artistas comenzaban a utilizar formas supuestamente auténticas de cultura de masas para criticar el elitismo, el aislamiento y la falsedad implícitos del arte, Leckey cuestionó estas distinciones convergiendo los gustos y atenciones del arte con los de la cultura popular, regresando paradógicamente, a un estudio contemporáneo de lo estéticamente sublime.

Christian Marclay

http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/ 23436/En_la_frontera_de_las_imagenes

CHRISTIAN MARCLAY. San Rafael. California. USA. 1955 El hip hop del videoarte Christian Marclay es un artista visual y compositor afincado en New York, que explora los patrones de lenguaje que conecta el sonido, la fotografía, el video y el cine. Marclay utiliza discos de vinilo y giradiscos para sus performances, tanto solo como en colaboración con músicos como John Zorn, William Hooker, Otomo Yoshihide, Butch Morris y otros. Christian Marclay es el único artista que puedo citar que ha reunido materialmente los dos medios para crear una tercera forma, completa, con asociaciones y resonancias propias. Su trabajo es tremendamente actual, y bien diferenciado dentro de la corriente del arte conceptual, porque a la vez que plantea asuntos tangentes al discurso de la mercancía que subyace al arte -concretamente, en su caso, el del producto en desuso- es mucho mas refrescante que el de la mayoría. Las modificaciones a que somete los distintos equipos de la industria del disco, como micrófonos, altavoces, discos etc. hacen referencia a la magia de sus materiales.

http://www.masdearte.com/index.php? option=com_content&view=category&id=160 http://www.americalate.com/2010/09/23/brasil-apuro-arte-el-circuito-de-las-bienales/ http://transitiomx.net/programa/eventos/22

http://www.elmundo.es/elmundo/2008/12/01/ cultura/1228144032.html http://www.wikio.es/cultura/artes_plasticas/ artistas/mark_leckey http://www.ubu.com/film/leckey.html http://arsoperandi.blogspot.com/2008/12/elartista-visual-mark-leckey-consigue.html

http://www.accpar.org/numero2/marclay.htm http://www.taringa.net/posts/arte/2581442/ Christian-Marclay.html http://www.masclarin.com/2010/03/christianmarclay-un-dj-que-mezcla.html

Aernout Mik

AERNOUT MIK. Groningen. The Netherlands. 1962 La comprensión de la conducta colectiva

Steve McQueen

Aernout Mik califica su trabajo de vídeoinstalaciones. En todo caso, la presentación de los vídeos está en relación con el espacio, la disposición de las pantallas, el recorrido del espectador, etc. Y es que Aernout Mik plantea una especie de laberinto con múltiples proyecciones. Uno diría que el universo de Aernout Mik es una recreación de lo absurdo, del sinsentido, de lo ilógico de las cosas. A priori se diría que son imágenes extrañas, agobiantes, que responden a una estética exhibicionista del dolor, como si se tratara de una autocomplacencia adolescente por lo grotesco. Pero hay más. Aernout Mik recrea un laberinto de imágenes que implica al espectador; Mik explica que en sus construcciones utiliza la escala humana, como si los espectadores también formaran parte de las imágenes o las imágenes se desdoblaran en espectadores y fueran parte del mismo sinsentido y del mismo absurdo.

http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-iaernout-mik-i__816-c-3570__.html

STEVE MCQUEEN. London. UK. 1969

http://www.arteenlared.com/mas-de-latinoamerica/ primera-gran-exhibicion-internacional-de-videoarte-en-el-peru.html

El cuerpo es el último recurso de la protesta.

La obra de McQueen tiene una complejidad, influencia e inteligencia que no concuerdan con las de sus contemporáneos los Jóvenes artistas británicos (YBA). La obra que lanzó su carrera, cuando ganó en premio Turner en 1999, fue Deadpan (1997), en la que vuelve a representar una peligrosa escena sacada de una película de Buster Keaton: El artista permanece totalmente inmóvil mientras un edificio se desmorona sobre él, saliendo indemne debido a la posición del vano de la ventana.

Sus trabajos constituyen narraciones donde el sentido del espacio y del tiempo, y la percepción del espectador se alteran mediante un uso espectacular de la imagen, proyectada en pantallas gigantes. Es también un artista políticamente activo, que recurre a la memoria histórica, a menudo a la de la raza negra a la que pertenece, con una particular poética.

Bruce Nauman

http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/ 7700/Aernout_Mik_el_absurdo_y_la_carcajada

http://escuelab.org/category/tags-etiquetas/ aernout-mik http://cultura.terra.es/cac/articulo/html/ cac2167.htm

http://e-barcelona.org/index.php? name=News&file=article&sid=2717&newlang=eng

BRUCE NAUMAN. Fort Wayne. Indiana. USA. 1941

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2689

Haciendo frente a la complejidad de la condición humana.

http://www.masdearte.com/index.php? option=com_content&view=article&id=6393&Itemi d=7

Desde sus imprescindibles cintas de video, que datan de finales de los años 60, hasta sus má´s recientes y complejas videoinstalaciones multicanal, Bruce Nauman sigue siendo uno de los pioneros más influyentes del videoarte conceptual basado en la performance. las primeras incursiones de Nauman en el video tuvieron su origen en su experiencia de postgraduado en California, un periodo de autoindagación en el que el artista buscaba un lenguaje con el que expresar su obra. Sus primeras películas de 16 mm y sus primeros videos adoptaron como tema el autor en su estudio. En estas obras, el espacio físico es evocador del espacio mental del creador, que se hace aparente por medio de una única y prolongada toma, en el que el artista camina de un lado hacia otro esperando el momento en que una idea se apodere de él. Desde los años 70 hasta el final de los 80, Nauman se retiró de la cámara como interprete; se remplazó a si mismo con actores.

http://www.vdb.org/smackn.acgi$artistdetail?

NAUMANB http://www.arteuna.com/CRITICA/lebenglik2.htm http://cacmalaga.org/?p=3346 http://www.artecreha.com/Videoarte/brucenauman.html

Paul Pfeiffer

PAUL PFEIFFER. Honolulu. USA. 1966 El poder de la diminuta pantalla

Pipilotti Rist

Hay muchos aspectos inusitados, excéntricos y sorprendentes en el trabajo de Paul Pfeiffer. Por una parte, muchos de sus aclamados videos son diminutos, reproducidos en pantallas en miniatura o proyectados en dimensiones minúsculas sobre la pared. estas obras son exactamente lo contrario de las obras de hoy en día, que a menudo se amplifican hasta abarcar una pared entera. Así tiene lugar una fascinante inversión y subversión que 100 años de cine ha procurado para embelesarnos y ser dominados por la gran pantalla, pero las de Pfeiffer, sorprendentemente intimas y discretas, socavan el poder que las imágenes gigantescas tienen para subyugarnos, y nos invitan a una concentración nueva y solitaria: sometiendo a los medios a manipulaciones intermedias, entre las que destaca el uso y la alteración de imagenes encontradas de celebridades y atletas famosos, que acontece en conjunción con meditaciones acerca de la raza y el poder, así como con evocaciones de una franca religiosidad, en parte por una infancia empapada de cristianismo.

http://musac.es/index.php?ref=67100

PIPILOTTI RIST. Grabs. Switzerland. 1962. WEB

http://es.wikipedia.org/wiki/Pipilotti_Rist

El objetivo de desafiar las convenciones culturales Esta creadora suiza concibe sus instalaciones , que combinan video y audio en una unidad indisoluble, a modo de poemas visuales. Sus obras tienen diferentes planos de lectura, son complejos, a veces ambivalentes y, a menudo están dotados de una belleza que quita el aliento. Este hecho junto con una concepción positiva de la humanidad y los colores luminosos empleados en sus obras, se vinculan a una vision “femenina” o feminista. pero si damos rienda suelta a la imaginación, y vivimos más alla del género, entonces nos daríamos cuenta de que el ser humano quien siempre se encuentra en el núcleo ed trabajo de Rist, definido no desde el punto de vista del género, sino como un ser vivo pensante, sensible, que se comunican con el medio ambiente y con sus iguales.

Julian Rosefeldt

http://arteenlared.com/espana/exposiciones/paulpfeiffer.-monologo-2.html

JULIAN ROSEFELDT. Munich. Germany. 1965 El uso de la ambigüedad psicologica entre lo racional e irracional Desde finales de los 90, el sugerente imaginario visual de Julian Rosefeldt ha abordado la exploración cinematográfica del contraste entre apariencia y realidad -con claras alusiones a las tradiciones barrocas del theatrum mundi- y afrontando la vida como una eterna repetición, Así mismo , casi todos los trabajos realizados por Roselfeldt en los últimos siete años juegan con la idea de tableau vivant y de su inmovilidad en movimiento. Por su parte, Rosefeldt ha sostenido que en su obra "investiga sobre la naturaleza humana a través de la puesta en escena de los rituales y estructuras de comportamiento de la vida diaria", al tiempo que hace, según ha puntualizado, "un uso de la ambigüedad psicológica y un punto de vista que bascula entre lo racional y lo irracional" explorando e integrando dentro de la narrativa interna de cada obra los procesos de creación de su propio trabajo fílmico obligando al espectador de modo permanente a formularse preguntas sobre lo que tiene ante sus ojos.

http://riie.com.ve/?a=27480

http://www.subterfuge.com/es/ver_artista.aspx? id_artista=116&seccion=3 http://www.elpais.com/articulo/cataluna/Viaje/ cielo/Pipilotti/Rist/elpepiespcat/ 20100708elpcat_8/Tes http://www.duendemad.com/exposiciones/pipilottirist-en-espana http://www.artszin.net/pipilotti_entrevista.html

http://www.google.com/hostednews/epa/article/ ALeqM5iVUrzXMIcZX6GHVFaGFODJp9_D3g? docId=1380299 http://universes-in-universe.org/esp/bien/ bienal_del_fin_del_mundo/2009/tour/hangar/ julian_rosefeldt http://www.scribd.com/doc/38875882/Folleto-demano-Julian-Rosefeldt

Michael Snow

MICHAEL SNOW. Toronto. Canada. 1929.

La estructura de la percepción visual La aclamada carrera de Michael Snow como realizador cinematográfico antecedió en aproximadamente 20 años a su incorporación al mundo del video, al que accede una vez que ciertos registros del arte cinematográfico no sólo habían sido digeridos, sino convertidos en marca comercial.

Michal Rovner

http://visionary-film.blogspot.com/2009/10/elzoom-en-wavelenght-de-michael-snow.html http://www.expcinema.com/site/index.php? option=com_kunena&Itemid=100010&func=view &catid=24&id=10658

Durante sus más de cincuenta años de carrera, Snow ha sido fundamental en la puesta en crisis de la percepción y de la representación, relacionando en sus obras el cine con la pintura y la música. En cualquiera de los medios que emplea, desde el film estructural 'Wavelength' (1967) hasta el digital 'Corpus Callosum' (2002) o la holografía, Snow desvela la estructura de la percepción visual y explora sus modos de representación.

http://www.filmeweb.net/magazine.asp?id=2849

MICHAL ROVNER. Tel Avid. Israel. 1957. WEB

http://www.soitu.es/soitu/2009/10/13/fotografia/ 1255425058_368155.html

Cuestionando el tiempo, el recuerdo y el lugar

Aïda Ruilova

http://www.festivalvae.com/10/muestras/snow.htm

La obra artística que Michal Rovner nos propone seguir los extraños vericuetos del arte contemporáneo. Viniendo de muy atrás, hundiendo sus raíces en una cultura tan conocida pero también olvidada, su obra densamente conceptualizada, expone al espectador a un extrañamiento cifrado en un rememorar existencial y teológico, enfatizando sus nexos con la memoria de un legado milenario. Su arte parece querer cifrar todo el bagaje archivístico de su cultura en unas nuevas coordenadas.

Su tiempo es el de la espera, el de la elucidación de instantes que puedan guardar en su seno la posibilidad última de una definitiva salvación. Sobre piedras milenarias, encima de desconchadas vasijas, la artista proyecta una historia entera: la nuestra, la de nuestra espera.

Minúsculos seres parecen recorrer en ordenadas filas horizontales la longitud entera de la obra.

http://www.revistaclavesdearte.com/noticias/ 20289/Michal-Rovner-en-Ivory-Press-Art+Books

AÏDA RUILOVA. Weeling. West Virginia. USA. 1974. WEB

http://www.teleprensa.es/murcia-noticia-234167La-Conservera-presenta-cuatro-exposicionescon-la-m26uacute3Bsica-como-nexo-deuni26oacute3Bn.html

Estetica gótica y sonidos murmurantes Aïda Ruilova crea una obra narrativa en la que personajes enigmáticos y las acciones se conjugan con la estética de películas de horror y elementos de lo sublime. Su "estética gótica" está inspirada, en parte, por las películas de terror y vampiros de la década de 1970, incluyendo el trabajo de Corman. Ruilova crea bucles de vídeo de corta duración con sonidos como una respiración, un disco de vinilo rayado, murmuros que al ser editados en contrapunto a las imágenes de los personajes realizando acciones misteriosas, genera una situación incómoda. "Su interés por la música radica en la diferencia entre el audio y lo visual, a veces obligando al espectador a" visualizar "el sonido". "Si Kafka viviera, sería un fan", agrega Regina Hackett ante el video You're Pretty , que muestra "el abrazo de un hombre fibroso a una caja de resonancia en un desván vacío en la que murmura el título".

http://www.arsmagazine.com/revista/4/2010/66piedras-de-fuego

Anri Sala

ANRI SALA. Tirana. Albania. 1974 Este artista alcanzó la mayoría de edad cuando el régimen comunista de Albania exigía una conformidad absoluta con el realismo social. Sin embargo, poco después de ingresar en la academia de las Artes para estudiar pintura al fresco, el comunismo se desmoronó y le permitió a él (como a otros artistas) reflexionar sobre los profundos y abruptos cambios que tuvieron lugar acto seguido en el país, que comenzó a ponerse al día con el mundo internacional del arte. En varias de sus películas el artista pone en duda las implicaciones personales, políticas y artísticas de este periodo de transición sin llegar a conclusiones definitivas. Sus trabajos se caracterizan por ser documentales próximos al cine y muy objetivos. Time After Time es una obra que su autor la relaciona con el título de esta colección "Point of view". Anri Sala grava la imagen en 12 fotogramas que son imperceptibles y donde la casualidad juega un papel preponderante. El autor afirma que el hecho de dar importancia a la casualidad no quiere decir que no haya control, su obra es inexplicable, por que es intuitiva.

Hiraki Sawa

HIRAKI SAWA. Kanazawa. Japan. 1972 Las imagenes creibles del universo creativo. Ficciones y utopias

Jennifer Steinkamp

http://www.artealameda.bellasartes.gob.mx/ Archivo/archivo/index.php/Anri_Sala http://www.mediatecaonline.net/mediatecaonline/ SFitxaTitol?ID_IDIOMA=es&catno=43833 http://www.europapress.es/cultura/noticia-centroguerrero-revisa-uso-experimental-color-cinevideoarte-20100225175718.html

http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/ 16231/Hiraki_Sawa

Mientras completaba un master en bellas Artes, en la especialidad de escultura, en la Slade School of Fine Arte, Hiraki Sawa comenzó a sentir fascinación por la animación por ordenador y a realizar vídeos que se caracterizaban por incongruencias de escala y de contenido. Al principio utilizó su entorno domestico cotidiano como estudio. Su primera obra, Dweling (2002), creó una impresión inicial de asombro cuando aviones comerciales en miniatura rodaban a lo largo de encimeras , edredones y superficies de cuarto de baño, y para rizar el rizo volaban por el espacio aéreo de un aburrido apartamento de Londres Sin embargo el encanto de esta coreografía no tardó en adquirir un tono de mayor preocupación mezclado con una importante carga irónica.

http://www.cabdeburgos.com/es/exposiciones/? iddoc=98

JENNIFER STEINKAMP. Denver. USA. 1958. WEB

http://cacmalaga.org/?p=1384

Sin principio,con ausencia del intermedio y sin presencia del final.

Perteneciente a corrientes de la vanguardia en el territorio del video arte, un espacio dentro del fenómeno del arte basado en el pensamiento propio de las imágenes en movimiento, que podemos remontar a Michael Snow, Andy warhol y Stan Brackhage. Incomoda con la narrativa pero afín a la abstracción la obra de esta artista se presenta como una especie de mural futurista integrado en su entorno arquitectónico. la integración de su obra con los espacios sitúa el trabajo de Steinkamp más cerca de la escultura, la arquitectura y el diseño que de las películas, la televisión y la gran mayoría del arte basado en la temporalidad. Los modelos pictóricos aspiran a crear un espacio narrativo alternativo que se proyecte sobre una pantalla con un significado no mucho más allá de lo que quieren decir las pantallas y los proscenios en esta cultura. la obra de de Steinkamp deja el estatismo aparente en la simetría del diseño alejándose en todo caso de la asimetría de la narrativa. Formando un ciclo que no se recicla

http://salonkritik.net/08-09/2009/01/ hiraki_sawa_dicen_que_mi_obra.php http://arsjapon.blogspot.com/ http://www.rtve.es/television/20100125/hirakisawa/314155.shtml

http://www.soledadlorenzo.com/noticias/ jennifer_steinkamp.html http://www.opinarte.com/eventos/culturales/76/ jennifer-steinkamp/ http://medialab-prado.es/person/ jennifer_steinkamp

Sam Taylor-Wood

SAN TAYLOR-WOOD. London. UK. 1967 Plasmando la tendencia aislacionista de la sociedad atual.

http://www.backfocus.es/blog/sam_taylor_wood/ http://www.ubu.com/film/tw.html

La obra temprana de Sam Taylor habla a esa parte de la sociedad prototípica de la cultura popular que se siente a la vez fascinada y repelida por lo burgués. Sus protagonistas tienen todos cierto carisma y sus entornos suelen ser privilegiados. El espectador se deja atraer por estas escenas y por la apariencia misma de las piezas producidas con esa suntuosidad característica del medio fílmico. Pero no todo va bien en esta epítome de la utopia urbana de los 90. El espectador comienza a sentir rechazo por la languidez aparente y el descontento general de los personajes, que obstruye e impide cualquier sensación en el espectador de “envidia”. Aun cuando se representan muestras de emoción extrema, la artista pone en marcha una serie de dispositivos de distanciamiento para que no se llegue nunca a alcanzar la verdadera empatía. El sonido a menudo es empleado con ese fin.

Bill Viola

BIL VIOLA. New York. USA. 1951. WEB Entre la fragilidad del cuerpo y lo sublime del espíritu.

El conjunto de la obra de Bill Viola ha llevado al soporte del video a establecer un dialogo significativo con las grandes tradiciones del arte mundial (tales como los recursos de enmarcación y las narraciones de los pintores del renacimiento), y con los trapos del modernismo, como la critica de la representación. Por mucho que examine la fenomenología de la percepción, Viola también abraza una estética que esta cimentada en valores espirituales y humanísticas. Como artista destacado de la generación que siguió a la transformación fundamental del video en medio artístico, debido a Nam June Paik, Viola ha seguido una senda característica ante la que es importante tomar en consideración tanto sus vídeos monocanal como sus pieza de instalación.

Marijke van Warmerdam

MARIJKE VAN WARMERDAM. Nieuwer Amstel. The Netherlands. 1959 La contemplación de lo natural Nunca se sabe como a ha ser el próximo trabajo de la artista Marijke van Wamerdam. Aunque naturalmente la artista tiene ciertas predilecciones, como por ejemplo los fenómenos de la naturaleza: el agua, la tierra, el viento, así como sus diferentes estados físicos, los efectos de la luz, los reflejos o el eco de la montaña. También se pueden distinguir técnicamente sus estrategias. De este modo, la mayoría de las veces hace sus películas sin sonido y con una cámara estática.

Habitualmente, el movimiento surge del objeto, no de violentos travellings de cámara ni cortes rápidos. también encontramos obras creadas como un eterno bucle, sin principio y sin final, pero que al mismo tiempo, siempre permiten que la atención se interrumpa. Se trata del “tanto...como” de todo objeto, de una gran apertura y de una extraordinaria facilidad con la que lo común se transforma en especial.

http://www.roalonso.net/es/videoarte/viola.php http://www.gencat.cat/pic/pdf/bill_viola_cas.pdf http://www.tintadigital.org/2010/02/16/bill-violauniversos-a-camara-lenta/ http://www.elpais.com/articulo/cultura/ transfiguracion/Bill/Viola/elpepicul/ 20100629elpepicul_4/Tes http://www.iemed.org/publicacions/quaderns/12/ Conversación%20con%20Bill%20Viola_Violant %20Porcel.pdf

http://www.galerievangelder.com/artists/ vanwarmerdam2. http://www.revistadearte.com/2008/04/17/ marijke-van-warmerdam-expone-su-nuevovideo-trembling/

Nam June Paink

NAM JUNE PAINK. Seoul. Korea 1932. WEB la paternidad del videoarte

Marina Abramovich

Nam June Paik, conocido como el "padre del videoarte" fue uno de los artistas del siglo pasado que expresó en la década del sesenta la transformación emergente de la cultura ante las nuevas tecnologías electrónicas. Su campo creativo no se limitó al estético y problematizó sobre la percepción y la desproporción sensorial provocada por las extensiones tecnológicas.

Decidido a ser protagonista de la producción audiovisual contemporánea, experimentando caminos alternativos de exploración televisiva, a mediados de los sesenta, Paik se agenció de una de las primeras cámaras de video portátiles: "La televisión nos ha atacado durante toda la vida, es hora de que devolvamos el golpe", declaraba el artista. "Ahora haremos nuestra propia televisión". Al poco tiempo exhibía en Estocolmo varios televisores formando una instalación...

http://www.triangulationblog.com/2010/07/namjune-paik.html

MARINA ABRAMOVICH. Belgrado. Yugoslavia 1946

http://rupcultura.wordpress.com/2010/01/31/ marina-abramovich/

El video como registro

Joseph Beuys

http://portal.educ.ar/debates/protagonistas/artecultura/nam-june-paik-el-padre-del-videoarte.php

http://www.elmundo.es/navegante/2007/02/14/ tecnologia/1171454589.html

Pionera del performance, también ha ahondado sobre las razones para elegir el formato video en lugar de la representación inmediata de la 'performance', que podría restar intensidad a la obra. Abramovic diferenció el "videoarte" que recoge "la instantaneidad" de la acción, del "videodocumental" que supondría un mero registro artístico enfocado al estudioso del arte. Además especificó que el video permite que "la obre se agote" y le permite "usar varios medios" con la que puede diseñar un proyecto artístico para el público sin su "presencia", un aspecto poco relevante del proyecto ya que lo que "importa" de él es su "aspecto conceptual".

http://www.arsmagazine.com/noticias/actualidad/ 20100408131/el-artista-esta-presente-cara-acara-con-marina-abramovich-

JOSEPH BEUYS. Krefeld. Germany. WEB

http://www.ecbloguer.com/letrasanonimas/? tag=instalacion

Incursiones del performance al videoarte: La videoperformance Sus obras plantearon en su momento, años 60, 70 y 80, preguntas que afectaban a todo ciudadano: la relación entre el hombre y la técnica, entre naturaleza y civilización, entre el arte y la vida, temas que hoy recobran una actualidad contundente. Beuys asumió su cuerpo como elemento de comunicación y lo llevó a sus últimas consecuencias. La forma que adopta el cuerpo en el espacio, los ademanes, la postura, las expresiones del rostro, la mirada, proyectan mensajes y concretizan esa relación del sujeto con el mundo. El artista alemán recurrirá al cuerpo para presentarse como el artista chamán y realizar sus actividades de corte crítico – social y político y poner de manifiesto la relación destruida entre el hombre y la realidad. Su papel entonces, era salvar a una sociedad que el consideraba muerta. Y esto se liga de inmediato al profundo sentimiento religioso que lo acompañó. Su aportación al videoarte la realiza desde la documentación y algunas incursiones relacionadas con el videoclip contestatario y político

http://www.ritnit.com/2008/02/10/abramovic-yulay/ http://www.lukor.com/literatura/07010903.htm

http://delvideoartealnetart.wordpress.com/elvideo-como-expresion-artistica/repaso-historicointeractivo/

Masbedo

MASBEDO / NICOLÒ MASSAZA & JACOPO BEDOGNI. WEB Milan. Italy. 1973 Sarzana. La Spezia. Italy. 1970 La nueva generación del videoarte europeo Masbedo es el acrónimo de la pareja de videoartistas italianos formada por Nicolò Massazza y Jacopo Bedogni, que utilizando el lenguaje multimedia investigan en la condición humana, buscando respuestas a la angustia vital, a la desesperación o a la incapacidad de amar.

Estos artistas italianos, uno de los puntales de la videocreación contemporánea, han expuesto en numerosos museos europeos y venden su obra en todo el mundo. El hecho de trabajar en equipo (no en vano, Masbedo es un artista bicéfalo: en sus propias palabras, Jacopo se encarga de la parte más lógica y Nicolò de la más emocional) resulta para ellos fundamental a la hora de enfrentarse a esta disciplina artística

Andy Warholl

ANDY WARHOLL. Pittburgh. Pennsylvania. 1928. WEB La instrumentalización audiovisual del universo iconográfico

Vito Acconci

http://bajoelsignodelibra.blogspot.com/2006/10/ masbedo.html http://www.propost.org/dossierM-H.pdf http://www.juntadeandalucia.es/cultura/museos/ media/docs/PORTAL_musa_n7.pdf

http://servicios.elcorreo.com/guggenheim/ andywarhol/cine1.html

Procedente del mundo de la moda y de la publicidad, Andy Warhol (Filadelfia, 1929 - Nueva York, 1987) se inició en el campo de la pintura (y muy pronto, en el del cine) en un momento en que artísticamente triunfaba el expresionismo abstracto norteamericano. El 1965 la revista Tape Recording le dejó a Andy Warhol una cámara de vídeo y un magnetoscopio Norelco de última tecnología para que experimentara durante todo un mes, con la condición de que después explicara su experiencia con el nuevo medio en una entrevista exclusiva. De esta práctica surgieron los Factory Diaries, que reflejaban las actividades cotidianas que tenían lugar en la Factory. Cinco años más tarde, coincidiendo con cierto distanciamiento del cine, Warhol adquirió un equipo de vídeo portátil (un Sony Portapack) con el que filmó una nueva remesa de Factory Diaries (1971-1976)s.

http://www.warholfoundation.org/

VITO ACCONCI. New York. USA 1940. WEB

http://www.ubu.com/film/acconci.html

La experimentación del espacio real Vito Acconci comenzó su carrera artística como poeta. Hacia finales de los años 60, la utilización de la página como un espacio sobre el cual el escritor y el lector puedan viajar, le llevó a interesarse por el espacio real. En 1969 empieza a realizar numerosas performances tanto al aire libre como en galerías o museos, documentadas en fotos, super-8 o video. Los temas centrales de las primeras performances fueron la investigación de los espacios públicos opuestos a los espacios privados. Es en 1974 cuando Acconci decide desaparecer como protagonista de sus obras. Esta desaparición se va produciendo de forma gradual a lo largo de las instalaciones que realiza en los años siguientes. A diferencia de otros artistas, entiende la instalación como un entorno capaz de proporcionarle al espectador una experiencia o un lugar de reunión, generando en su ultima etapa un replanteamiento de la arquitectura y los espacios públicos

http://www.banrepcultural.org/warhol/mramerica/ programacion-peliculas-intro.html http://www.warholstars.org/filmch/filmchro.html http://lakbzuhela.blogspot.com/2008/12/andywarhol-pelculas-rodadas-en-factory.html http://www.fundaciotapies.org/site/spip.php? rubrique227

http://www.vdb.org/smackn.acgi$artistdetail?

ACCONCIV http://www.rtve.es/television/20100507/vitoacconci/330518.shtml

Eve Sussman/Rufus Corporation

EVE SUSSMAN & RUFUS CORPORATION. London. UK. 1961. WEB Las películas basadas en el tiempo.

El trabajo de Eve Sussman & The Rufus Corporation ha obtenido un amplio reconocimiento internacional en los últimos años. Conjugando la improvisación con la tradición del tableau vivant, sus vídeos se caracterizan por sus cuidadosos encuadres y el empleo de una sofisticada tecnología de alta definición.

89 seconds at Alcazar es la impresionante investigación sobre el ilusionismo pictórico, disfrazado de homenaje a Las Meninas, que pudimos ver el pasado año en Madrid. Eve Sussman pretende conferir la gravedad, nobleza y ejemplaridad de la pintura de historia a la imagen en movimiento, sentando así las bases de cierta mitología de la vida moderna. Nos muestra una geometría del tiempo que demuestra, entre otras muchas cosas, como la pintura estuvo y está siempre “basada en el tiempo” 1799)

Peter Greenaway

PETER GREENAWAY. Newport. Gales 1942. WEB Del cine al videoarte y videversa.

Nacido en Gales y formado en Londres, Peter Greenaway hace cine desde que en el Walthamstow College of Art realizó su primer cortometraje, Death of Sentiment (1962), filmado en cementerios londinenses. En los años 70, estableció una reputación con una serie de cortos y mediometrajes entre los que se destacaron A Walk Through H y Vertical Features Remake (ambos de 1978), en donde aparece un personaje llamado Tulse Luper, que lo acompañará durante toda su obra.

El contrato del pintor (1982) fue el primero de sus largometrajes en tener una amplia difusión internacional, que continuó con Zoo (1985), El vientre de un arquitecto (1987), Conspiración de mujeres (1988), El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989) y La tempestad (1991). En esta película, inspirada en la obra homónima de Shakespeare, Greenaway estableció un puente entre las artes representativas dominantes hasta entonces (el teatro, la danza, el cine) y las nuevas formas de expresión audiovisual, como las instalaciones y el video-arte, o las performances de VJ en directo.

Jean-Gabriel Périot

JEAN-GABRIEL PÉRIOT. Ciudad de la Habana. Cuba 1968. WEB Jean Gabriel Periot es un joven cineasta que experimenta con la imagen, siendo analizada y remirada puesto que casi todos sus trabajos cinematográficos están construidos a partir de imágenes de archivo. Sus temáticas más recurrentes tienen toques políticos así como temas de máxima actualidad. "Undo" es una epopeya, es una mirada esperanzada en el final del principio. El rebobinado de la experiencia humana tal como se documenta y representa en la película, traza un viaje fascinante por los condenados a un lugar de la redención

http://www.artfacts.net/index.php/pageType/ newsInfo/newsID/3481/lang/3 http://blog.centroguerrero.org/2007/02/27/evesussman-estrena-obra/ http://www.elpais.com/articulo/cultura/video/Eve/ Sussman/recrea/Reina/Sofia/escena/Velazquez/ pinto/Meninas/elpepucul/20060509elpepucul_3/ Tes http://www.laverdad.es/murcia/20080119/cultura/ arte-escombro-futuro-20080119.html

http://hipogrifos.wordpress.com/2007/08/13/petergreenaway-el-cine-esta-condenado-a-morir/ http://angelfloresjr.multiply.com/journal/item/4619/ The_Vaticans_altar_images_Peter_Greenaway_hope s_to_create_a_light_show_in_the_Sistine_Chapel_ http://www.elmundo.es/encuentros/invitados/ 2008/05/3073/

http://josehavel.blogspot.com/2009/11/jeangabriel-periot-necesidad-de.html http://vimeo.com/jgperiot http://do-cumenta.blogspot.com/2010/03/undojean-gabriel-periot_12.html http://www.gijonfilmfestival.com/noticias.asp? idioma=2&idnoticias=112&Idmenu=2

Yael Bartana

YAEL BARTANA. Kfar, Yehezkel, Israel.1970

http://w3art.es/06-07/2006/10/ registros_y_habitos_maquina_de.php

Testimonios de una vida cotidiana

Las producciones cinematográficas de Yael Bartana ofrecen una mirada crítica hacia el sistema de valores y creencias de la sociedad israelí, mostrando las estrategias de manipulación ideológica de un Estado que utiliza los rituales, las ceremonias y los heroísmos para promover la obediencia e incidir coercitivamente en las emociones de sus habitantes. Sus vídeos Kings of the Hill (Reyes de la colina, 2003), Low Relief II (Bajo relieve II, 2004) y Wild Seeds (Semillas salvajes, 2005), rodados en territorios ocupados, registran manifestaciones colectivas en las que la cámara aísla gestos físicos y movimientos individuales para mostrar la relación entre individuo y grupo.

Ives Kein

IVES KLEIN. Niza. France 1928 WEB El happening filmado, inicios de la videoperformance.

Artista francés nacido en Niza, cuyas propuestas radicales basadas en actitudes fuertemente místicas y utópicas han marcado de forma profunda el espíritu de las vanguardias posteriores. Klein se dio a conocer en 1956 cuando expuso sus primeros cuadros monocromos.

En 1958 presentó El vacío, que consistía en una enorme galería completamente vacía y pintada de blanco por la que circulaban espectadores a los que se les ofrecía un cóctel azul. En 1960 patentó un color azul (IKB: International Klein Blue), cuya extensión en la tela, según él, traducía el infinito cósmico. Sus cosmogonías y más tarde sus pinturas de fuego sugieren la acción de los elementos naturales, y sus antropometrías recuerdan a su vez el cuerpo humano cubierto de pintura. Su sueño de una obra inmaterial le condujo a diferentes concepciones artísticas que anticiparon lo que sería el arte conceptual

Jeff Perkins

JEFFREY PERKINS. “El artista Fluxus” Apodado "el taxista Fluxus" de Nam June Paik, Jeffrey Perkins es un artista y cineasta que ha trabajado en una relativa oscuridad durante más de cuatro décadas, habiendo colaborado en la década de 1960 con artistas Fluxus como George Maciunas, Yoko Ono, y Alison Knowles. Hasta hace poco tiempo era mejor conocido por sus actuaciones proyección de la luz y su "Cine para Ciegos" (basado en grabaciones de audio de entrevistas con los pasajeros en su cabina).

Recientemente terminó un documental, El pintor de Sam Francis, un esfuerzo que se fue de 40 años en la fabricación. Él sigue haciendo arte de performance, más recientemente en X-Iniciativa y Daniel Reich Gallery de Nueva York, y su obra más reciente fue en la visión en Recepción aparato espacial en Nueva York. En la primera parte de esta entrevista en dos partes, Perkins habla de su vida y obra en los años 60 y 70.

http://www.yvesklein.de/ http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2907 http://www.latinartmuseum.com/ arte_conceptual.htm http://sdelbiombo.blogia.com/2008/070801--uncuadro-azul-yves-klein.php http://www.artespain.com/25-03-2009/escultura/ fuente-de-fuego-de-yves-klein-en-el-museoguggenheim-bilbao

http://translate.google.es/translate? hl=es&langpair=en%7Ces&u=http:// movies4theblind.com/ http://translate.google.es/translate? hl=es&langpair=en%7Ces&u=http:// www.artinamericamagazine.com/news-opinion/ conversations/2010-02-19/jeffrey-perkins-part-i/ http://temporaryautonomousstore.blogspot.com/ http://www.danielreichgallery.com/ artistsmogharabiperkins.html

John Baldessari

JOHN BALDESSARI. National City. California. EE.UU 1931. WEB Deconstrucción audivisual.

Yang Fudong

John Baldessari ha desafiado categorías formalistas trabajando en una variedad de medios de creación de películas, cintas de vídeo, grabados, fotografías, textos, dibujos y múltiples combinaciones de estos. En su uso de imágenes de los medios de comunicación, Baldessari es un pionero "apropiador de la imagen," y como tal ha tenido un profundo impacto en el arte moderno de producción-post. Baldessari principio estudió para ser un crítico de arte en la Universidad de California, Berkeley, a mediados de la década de 1950, pero creciente descontento con sus estudios, volvió a la pintura. Inspirado por Dada y surrealismo literario y las ideas visuales, que comenzaron a incorporar fotografías, notas, textos y fragmentos de la conversación en sus pinturas.

Baldessari sigue siendo fundamentalmente interesados en desmitificar los procesos artísticos, y utiliza el vídeo para grabar sus actuaciones, que funcionan como "experimentos de la deconstrucción".

http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/ 26570/John_Baldessari

YANG FUDONG. Beijing, China. 1971. WEB

http://www.arte10.com/noticias/ monografico-311.html

La fragmentación del mundo ante la obra audiovisual

Antoni Muntadas

http://www.rtve.es/noticias/20100210/johnbaldessari-pura-belleza-macba/317342.shtml

http://www.banrepcultural.org/warhol/mramerica/ articulos-y-entrevistas-baldessari.html http://www.vdb.org/smackn.acgi$artistdetail?

BALDESSARI

Criado antes de que se produjeran los portentoso cambios que se extendieron por todo el país y que fueron el levantamiento de muchas restricciones que asfixiaban el flujo de información. Incluso a finales de los años 90 después, Yang gozó de escasas oportunidades de ver autenticas películas: no tenia más perspectiva de la imagen en movimiento que la emanada, en gran medida, de su lectura de libros de cine. Yang empezar a proyectar películas y presentar sus ideas en forma de instalaciones. Según Yang, independientemente de la forma, el proceso de creación de una obra y el de su presentación ante un público era tan natural como la acción de un pescador que echase sus redes en un lago. Yang considera la película como un medio de captar físicamente fragmentos del mundo. Por este motivo describe sus obras de arte como “documentales”.

http://www.museoestebanvicente.es/ exposicion.asp?id=40&act=si

ANTONI MUNTADAS. Barcelona.1942

http://encina.pntic.mec.es/jarv0000/muntadas.htm

Testimonios de una vida cotidiana

http://www.masdearte.com/index.php? option=com_content&view=article&id=6427&Itemid=7

Pionero del Videoarte y el Net Art, Antoni Muntadas se convirtió en uno de los creadores más innovadores del siglo XX con su permanente obsesión por explorar las nuevas posibilidades de la tecnología. A lo largo de su carrera se ha ocupado reiteradamente de asuntos como la información y la propaganda, y de la manera en que los poderes políticos y económicos las utilizan para promover o acallar las ideas. Él mismo se definió alguna vez como "traductor en imágenes de lo que pasa en el mundo contemporáneo", para lo que se sirve de soportes tan plurales como la fotografía, el video o Internet. Es en la red telemática donde Muntadas propone a la gente que participe en la reconstrucción colectiva de la Historia, como en ´The File Room´, un archivo sobre casos de censura.

http://www.notodo.com/expos/ 349_yang_fudong_museo_esteban_vicente_seg ovia.html

http://www.replica21.com/archivo/articulos/k_l/ 351_leon_muntadas.html http://www.fundacion.telefonica.com/at/muntadas.html http://www.uoc.edu/culturaxxi/esp/articles/ muntadas0502/muntadas0502.html http://www.arteseleccion.com/maestros-es/muntadasantoni-226

Carlos T. Mori

CARLOS T. MORI. Shiraz, Iran. 1958. WEB

http://andergraund.blog.com.es/

La obsesiva voluntad de evitar lo presupuesto y de traspasar lo impenetrable de la realidad.

http://video.saatchigallery.com/artist/profile/27893/ Carlos+Tmori/CarlosTmori.html

La tecnología ha conseguido que se rompa la barrera entre espectador / usuario, y productor, porque se están reconvirtiendo en un solo individuo. En la actualidad es capaz de grabar y editar un vídeo cualquiera en su ordenador. Esta condensación de tecnologías en solo aparato ha traído como consecuencia artística la desaparición del autor y del medio (o soporte), todo es digital (foto, vídeo, audio, etc.), lo que objetivamente ahora importa es la imagen. Ya no en sus aparatos sino en lo que dice y cómo lo dice se encuentra su valor, y ahí está lo bueno, que cualquiera puede hacerlo.

Mapi Rivera

MAPI RIVERA, Huesca. 1976. WEB El desnudo simbólico Con el fin de poder llevar a cabo esta reflexión plástica sus vías poéticas se entrelazan creando una simbiosis por la cual cada uno de ellos profundiza en lo más esencial de su vía creativa. El arte como vía inteligente de transformación, hermana tres actitudes aparentemente disociadas, pero íntimamente ligadas en lo fundamental.

Ana Laura Aláez

MAPI RIVERA, Bilbao. Spain. 1964. WEB Paraisos artificiales Hablar de la obra de la artista de origen vasco Ana Laura Aláez es adentrarse en el paraíso artificial de las apariencias. Un mundo donde los cánones son invertidos, donde las identidades son poliédricas, donde los postulado estéticos son postulados éticos, y donde la armonía y la belleza impregna todo aquello que está a su alrededor.

Pero no solamente dentro de esta especie de hedonismo narcisista se inscribe su obra, ya que a través de su dilatada carrera, la artista ha conseguido crear un micro-universo personal por medio de todo aquello que le permite sentirse reflejada en aquello que realiza, recurriendo al humor, al sarcasmo o a la ironía con el mundo del arte, diluyendo su propia identidad, o coqueteando con otras industrias que planean alrededor del arte o, mejor dicho, que se instauran como arte mismo: escultura, arquitectura, vídeo, fotografía, diseño y música.

http://antoncastro.blogia.com/2008/022403-mapi-riveradel-agua-de-la-tierra-y-de-la-imagen.php http://www.lacarboneria.net/artista_obras.php? artista_id=6 http://www.e-migre.org/autor.php?id=99 http://www.mapirivera.com/4.pdf

http://www.elmundo.es/encuentros/invitados/ 2001/02/13/ http://www.rtve.es/television/20100610/ana-laura-alaez/ 335020.shtml http://musac.es/index.php?ref=59200 http://www.elcorreo.com/alava/20070731/cultura/lauraalaez-muestra-obra-20070731.html

Alex Frances

ALEX FRANCES. Valencia. 1962. WEB

http://www.alexfrances.es/

El cuerpo como elemento plástico.

http://www.laverdad.es/murcia/20081109/local/region/ alex-frances-indagara-manana-200811091824.html

El cuerpo como elemento plástico, este fotógrafo nos invita a reflexionar acerca de los cambios físicos, el paso del tiempo y la representación misma de nuestro cuerpo, y como este se va trasformando y modelando a través del contacto con lo que nos rodea, una transformación tanto externa, aquello que nos es obvio, como interna. Con lo cual el cuerpo no es un mero soporte sino que actúa como soporte maleable y como idea que trasciende lo meramente visual.

Sergio Prego

SERGIO PREGO. Fuenterrabia. 1969.

La acción artistica tecnificada Sergio Prego actualmente vive y trabaja en Nueva York. Se mueve entre la escultura, la instalación, la foto-grafía, la performance, el arte tecnológico y la incorporación de los mass media. Todos ellos encuentran en el vídeo su soporte final. Pone la tecnología al servicio de la carga conceptual de su obra, que se distingue por la persistente distorsión del espacio-tiempo de la representación y por los efectos cinematográficos de la imagen. Su obra sigue resultando fascinante: quizá por buscar ese tipo de grietas para colocarse en ellas, quizá porque conecta muy bien con el aire áspero y tecnificado de los tiempos (lo prueba su extraordinaria intuición al adelantarse a todo el mundo en el uso del bullet time y el embobamiento inagotable que causan a todo tipo de público las imágenes en la estela inaugurada por Matrix).

Josu Rekalke

http://amicusopac.libritech.es/Record/70342 http://bajoelsignodelibra.blogspot.com/2010/11/loscuerpos-maleables-de-alex-frances.html

http://www.elpais.com/articulo/portada/Sergio/Prego/ artista/vuela/elpepusoceps/20080210elpepspor_4/ http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/24646/ Sergio_Prego_Parabola_del_cambio http://salonkritik.net/04-06/archivo/2006/01/ sergio_prego_en.php http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/16302/ Entre_la_maquina_y_el___video_Sergio_Prego

JOSU REKALKE. Amorebieta. Bizkaia. 1959. WEB

http://www.camargocibernetico.es/jrekalde.htm

El intimismo como narrativa social

http://www.euskosare.org/blogak/durango_2008/ josu_rekalde

Josu Rekalde compagina la creación artística con la de profesor catedrático en la Facultad de Bellas Artes de La universidad del País Vasco. Su campo de trabajo es multidisciplinar aunque su faceta más conocida es la relacionada con el video y las nuevas tecnologías. Los temas que trabaja se desplazan desde el intimismo a la relación social, desde el Yo al Otro, desde lo metalingüístico a lo narrativo.

http://www.hamacaonline.net/autor.php?id=129 http://ehutb.ehu.es/es/serial/58.html http://www.elpais.com/todo-sobre/persona/Josu/ Rekalde/1584/1/

Veronica Ruth Frias

VERÓNICA RUTH FRIAS. Córdoba. 1978 El compromiso feminista en el video andaluz.

Verónica Ruth Frías es Licenciada en Bellas Artes. Comenzó su trayectoria artística dedicándose exclusivamente a la pintura, pero su obra ha evolucionado hacía los nuevos medios de expresión artística contemporánea, instalación, fotografía. Actualmente su obra se centra en el video, la video creación, la performance audiovisual. Como hilo conductor de su trabajo podemos destacar las cuestiones de género y su conciencia feminista.

http://veronicaruth.blogspot.com/ http://disfrazandoel.blogspot.com/ http://tontoelquelolee.blogspot.com/ http://yoquieromuchoamimama.blogspot.com/ http://vimeo.com/user719120 http://www.dipucordoba.es/perfiles/jovenes/art/ 5792 http://www.juntadeandalucia.es/institutodelamujer/ catalogo/doc/iam/2009/27743.pdf

Miguel A. Moreno Carretero

MIGUEL A. MELGARES LAGOS. Málaga. 1980 WEB La polisemia de la imagen Este malagueño afincado en Granada plantea en su obra la apariencia, con todos los matices polisemánticos que esta palabra encierra. Tras una superficialidad aparente en las estrategias de lo planteado, procura trasmitir mensajes cargados de crítica social. Entre sus obras más relevantes están A/ rojo, rama, laberinto (+bata), Proyecto Jovi, de intervención en el entorno rural, V.I.T.R.I.O.L.. Y entre las exposiciones que ha participado se encuentran Les mutiles.

Parc de Montreuil. Paris. 2000, rojo, rama, laberinto (+bata) Condes de Gabia (Granada) y Generación 2005. La casa encendida. Madrid.

Eugenio Rivas Herencia

EUGENIO RIVAS HERENCIA. Puentegenil. Córdoba. 1982 Simulacros de neotrascendencia El equilibrio es la clave del juego de la existencia. Todo transcurre entre el equilibrio y la caída. Podría afirmarse que el equilibrio es una promesa de la existencia para disfrutar de la caída. En la serie Simulacros, mostramos la apariencia sin ocultar la realidad. Ambas conviven en un mismo grado donde tiene lugar la creación de la verdad, sin la censura de la razón. De este modo podemos explicar y cuestionar la complejidad de lo real abandonando la creencia en loa absoluto y manisfestando la multiplicidad del ser.

Lo real se ha hecho simulacro: el simulacro es real.

http://melgareslagos.blogspot.com/ http://www.porotraesculturapublica.es/nimag/ mamelgares/jovi.htm http://83.175.205.178/Albolote_Digital/ Documentos/novedades/curriculumartistas.pdf

http://eugeniorivasherencia.blogspot.com/ http://lasorcitroen.wordpress.com/2009/04/11/ santos-y-simulacros-eugenio-rivas-herencia/

Miguel A. Melgares Lagos

MIGUEL A. TORNERO. Baeza. Jaén. 1978 WEB

http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/ 10653/Miguel_Angel_Tornero

Conspiraciones desde la imagen Miguel ángel Tornero (Jaén, 1978) presenta un extenso conjunto de fotografías agrupadas bajo el título Pretérito imperfecto compuesto (fotografía). Tras la serie que dio a conocer su trabajo, Conspiración, de la que en esta exposición se incluyen dos obras, a modo de testimonio seminal, Tornero abre su espectro para dar a conocer nuevas y curiosas investigaciones entre las que cabe destacar tres vías de actuación. Por un lado, se situarían las fotografías que, de algún modo, entroncarían con series anteriores como Botánica periférica, y a través de las que, a modo de nocturnos, Miguel ángel Tornero deja ver una serie de personajes adentrados en un inquietante paisaje.

Eulalia Valdosera

EULALIA VALDOSERA. Vila Franca del Penedès. Barcelona 1963.

WEB La desintegración de la integridad y el naturalismo cinematográfico Se sintió apátrida muchos años. Huyó de España a principios de los 90 porque pensó que era la única forma de crecer como artista. Esta refugiada, nacida en Villafranca del Penedés en 1964, pidió asilo artístico en Holanda, donde comenzó a desarrollar una de las carreras más personales y sólidas de su generación. Un día decidió regresar para hablar desde su orilla del Mediterráneo. Ahora se siente por fin una artista española que expone en España. Pero su obra se ha visto más en el extranjero que aquí.

Fernando Baena

http://www.miguelangeltornero.net/textos/ diaz_guardiola.pdf

http://www.elmundo.es/cultura/arteXXI/eulalia/ criticaeulalia.html http://www.abc.es/20090204/cultura-arte/eulaliavalldosera-higienicas-confesiones-20090204.html http://www.elpais.com/articulo/semana/artefactos/ Eulalia/Valldosera/elpepuculbab/ 20090131elpbabese_2/Tes http://www.elpais.com/articulo/semana/artefactos/ Eulalia/Valldosera/elpepuculbab/ 20090131elpbabese_2/Tes

FERNANDO BAENA. Fernan Nuñez. Córdoba. 1962 WEB

http://vimeo.com/user1964744

Tiempo y memoria

http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/ 12370/Fernando_Baena

El trabajo de Fernando Baena versa sobre el tiempo y la memoria, sobre cómo el tiempo sigue, impertérrito, su curso y como a él nos adscribimos. Hay un trabajo que es eficaz metáfora de esta idea, un vídeo, Presentaciones, en proceso, en el que el artista es presentado sucesivamente a personas por la persona previamente presentada.

Los recién conocidos se inscriben así en un nuevo registro temporal pues a partir de esta presentación las personas cobran vida para nosotros, esto es, comienzan su existencia. Buena parte del trabajo de Baena se encuentra en el terreno del documental pero éste no está exento de guiños de carácter subversivo.

http://www.madridabierto.com/es/curriculum/ fernando-baena.html http://artifariti.blogspot.com/2008/12/video-de-lalhfa-grabado-en-tifariti.html http://salalaiart.wordpress.com/2008/11/02/labusqueda-pieza-de-videoarte-de-fernando-baenaen-sala-lai/ http://www.arteinformado.com/Artistas/1176/ fernando-baena/

Juan López López

JUAN LÓPEZ LÓPEZ. La Rambla. Córdoba. 1980

http://vimeo.com/juanlopezlopez/videos

Miguel Soler

MIGUEL SOLER. Sevilla. 1975. WEB

http://www.miguelsoler.com/web/videos.html

(Miembro del Colectivo Blitz) Crisis informativa Un emisor, un receptor, un mensaje. La cadena parece sencilla: alguien debe decirle algo a otro alguien y se lo hace llegar. Pero la situación se complica cuando una distancia insalvable se instala entre uno y otro extremo de este circuito. Entonces entra en juego el medio. A día de hoy, este medio suele ser una compleja tecnología con intereses políticos y económicos en juego. Miguel Soler nos abre los ojos. Es necesario que nos lo hagan una vez más. Demasiado leed parpadeante ha terminado por confundirnos. Las voces llegan desde todos los flancos y no sabemos hacia dónde girar la cabeza. Nos dejamos llevar más por los brillos y la purpurina que nos prometen determinados mensajes desde los medios que por el contenido acrítico de los mismos. Me siento un cazador cazado.

Felipe Ortega Regalado

FELIPE ORTEGA REGALADO. Caceres. 1972. WEB (Miembro del Colectivo Blitz) Vertigos intimos Felipe Ortega Regalado es un artista multidisciplinar extremeño que vive y trabaja en Sevilla. Preocupado por la pintura como hecho creativo, tanto plástica como conceptualmente, investiga las posibilidades del medio así como el papel del creador. Dentro de la pintura como hecho y soporte, su labor –plástica y teórica- se adentra en el proceso constructor de la obra, de ahí los estudios pictóricos en los que utiliza el video como soporte y que son un elemento fundamental para conocer su trabajo. De sus videos destaca, entre otros, Alas para un hombre con vértigo, obra que obtuvo el primer premio del certamen Pepe Espaliú en 2003. Su trabajo ha obtenido múltiples reconocimientos y se ha visto representado en exposiciones y eventos importantes, entre los que cabe destacar su participación, en 2005, en la que llevó el título de Desacuerdos sobre arte, política y esfera pública en el Estado Español, en el MACBA.

http://felipeortegaregalado.blogspot.com/ http://www.graficacolectiva.org/2010/05/01/felipeortega-regalado/ http://www.losclaveles.info/sevilla/index.php? option=com_content&task=view&id=1480&Itemid =30 http://eljardindelainocencia.blogspot.com/ 2010/01/dibujos-a3-tinta-sobre-papel-felipe.html http://www.neilsongallery.com/sevilla%2008/felipe %20curriculum.htm

Maria Cañas

MARIA CAÑAS. Sevilla

http://www.hamacaonline.net/autor.php?id=55

El canibalismo audiovisual

http://www.blogsandocs.com/?p=85

María Cañas es una sevillana que se autodefine como creadora visual y caníbal audiovisual; videoasta, coleccionista, que trabaja ante todo en el reciclaje y la recreación de imágenes de todo tipo (found footage), además de hibridarlas con la fotografía, el videoclip y todo tipo de imágenes y soportes. Dirige Animalario TV Producciones, una plataforma de experimentación audiovisual y portal Web en construcción permanente dedicado a la cultura del reciclaje y al apropiacionismo audiovisual. Meet my meat, N.Y. está formada por una serie de videocreaciones, cuyo leitmotiv es el amor, el deseo, la melancolía, mostrados en algunas de las películas rodadas en Nueva York (…) ciudad que nunca duerme, bajo la sombra de una masacre, que es como la carne, y la carne sangra.

La artista pretende recrear escenarios recogidos en fotogramas clásicos, partiendo de sensaciones ampliamente abordadas por el cine y buscando la manera de redefinir la sensibilidad erótica del espectador.

Manolo Bautista

MANOLO BAUTISTA. Lucena. Córdoba.1974. WEB Digitalizacion y efectos de realidad

http://www.laverdad.es/murcia/20080405/cultura/ manolo-bautista-muestrarealidades-20080405.html

Con The Loser, Manolo Bautista crea una fábula que trata sobre la conquista y sumisión al poder. Producida en su totalidad por imagen de síntesis, reconduceel género de cine de ciencia ficción, reinterpretando sus códigos.

José Carlos Casado

JOSE CARLOS CASADO. Málaga. 1971. WEB

http://video.saatchigallery.com/artist/profile/15749/ Jose%20Carlos+Casado/www.elfynn-photos.com http://www.galeriajm.com/josecarloscasado/ josecarlos.html http://www.telecinco.es/informativos/cultura/ noticia/1379488/1379488

Laurita Siles

LAURITA SILES. Málaga. 1981. WEB Culturas y filosofias cotidianas La fuente de inspiración de Laura Siles es su entorno, de ahí que sus proyectos, y su web, traten sobre la gente que la rodea, y eso se ve reflejado en toda su obra. Sus dibujos son como pequeñas filosofías cotidianas en las que se ilustran frases que ha oído, como Pájaro en la rama, listo para alzar el vuelo… ante el vacío de la nieve o Que este rato no pase demasiado rápido; sus fotos reflejan todos los viajes de esa vida nómada, que también marca toda su obra; y en sus cuadros e instalaciones se cuelan fotos de sus amigos, experiencias, anécdotas pasadas o edificios que ha visto o que se ha imaginado.

Daniel Cuberta Tuzón

DANIEL CUBERTA TUZÓN. Sevilla. 1972. WEB Stop motion El sevillano Daniel Cuberta ha centrado su trabajo en el video, concebido a la manera de un cruce de caminos donde se encuentran dimensiones plásticas, literarias y musicales, junto a técnicas fotográficas de stop motion, de apropiacionismo de imágenes con trabajos como Cuaderno de Concepción nº 9 (2005), Cuaderno de Biella(2004) o El hombre invisible(2004). Ha recibido numerosos premios en festivales internacionales de video, ha expuesto en España, China, Rusia, Venezuela, México, Italia, Israel, Alemania y ha estado en la colectiva Panorámica de Videocreación I, organizado por Caixa Forum Madrid en 2008.

http://www.tertuliaandaluza.com/cultura/lauritasiles-ceballos/ http://www.lafresa.org/sl01.htm http://folklorenomada.blogspot.com/ http://www.youtube.com/user/lauritasiles http://www.arteinformado.com/Artistas/993/ laurita-siles/

http://www.tertuliaandaluza.com/agenda/ exposicion-daniel-cuberta/ http://imagencion.wordpress.com/2010/10/30/ videoarte-daniel-cuberta-touzon/ http://www.hamacaonline.net/autor.php?id=63 http://venuspluton.com/mot/daniel-cubertatouzon http://www.myspace.com/dcuberta http://www.diariodesevilla.es/article/ocio/ 220368/bienaventurados.html