El Diseño y su Relación con el Arte by Victoria Toledo

indice

El arte y el Diseño Definición de Arte y Diseño Relación entre Arte y Diseño

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Campo, Método y Objetivo Campo Método Objetivo

11 13 15 16

Investigación en el Campo del Diseño Investigación Tipos de Investigación Objetivos de la investigación

19 20 22 24

La Forma en el Diseño Definición de Forma Tipos de Forma y la Proporción Retículas, Biónica y Antropometría Sección Áurea

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Referencias

El Arte y el i

Diseno

El Diseno y su Relación con el Arte

El Arte El arte es toda forma de expresión de carácter creativo que puede tener un ser humano. Se trata de expresar lo que una persona siente a través de una infinidad de formas y técnicas. El arte es la capacidad que tiene un hombre para representar sus sentimientos, emociones y percepciones acerca de sus vivencias y su creatividad. A lo largo de la historia, la palabra arte se ha ido expandiendo por todo el mundo en todas sus formas. Antiguamente, cuando alguien hablaba de arte, solo daba a entender algunos aspectos de éste, como la pintura y el dibujo. Hoy en día esta palabra abarca mucho más que eso. El arte suele asociarse a una cultura desarrollada, pero esto es una equivocación ya que de desde los inicios de la humanidad pueden encontrarse expresiones artísticas, motivo que hace suponer que la vocación expresiva es innata a la raza humana, encontrando pinturas en la cuevas creadas por los hombres prehistóricos, que impregnaban las paredes de sus cuevas con dibujos que expresaban a su manera el día a día de su vida cotidiana. Con el Renacimiento italiano, a fines del siglo XV, comienza a distinguirse entre la artesanía y las bellas artes. El artesano es aquel que se dedica a producir obras múltiples, mientras que el artista es creador de obras únicas. Precisamente es en el Renacimiento Italiano donde encontramos una de las etapas más importantes de la Historia del Arte tanto por los magníficos artistas que en ella trabajaron como por las sorprendentes obras que los mismos acometieron y que hoy son alabadas en todo el mundo.

El Diseno El concepto de diseño suele utilizarse en el contexto de las artes, la arquitectura, la ingeniería y otras disciplinas. El momento del diseño implica una representación mental y la posterior plasmación de dicha idea en algún formato gráfico para exhibir cómo será la obra que se planea realizar. El diseño, por lo tanto, puede incluir un dibujo o trazado que anticipe las características de la obra. Un diseño se refiere también al resultado final de un proceso, cuyo objetivo es buscar una solución idónea a cierta problemática particular, pero tratando en lo posible de ser práctico y a la vez estético en lo que se hace. Para poder llevar a cabo un buen diseño es necesario la aplicación de distintos métodos y técnicas de modo tal que pueda quedar plasmado bien sea en bosquejos, dibujos, bocetos o esquemas lo que se quiere lograr para así poder llegar a su producción y de este modo lograr la apariencia más idónea y emblemática posible. A la actividad a partir de la cual se concreta el diseño se la denomina como diseñar y consiste en una tarea compleja, muy activa y que por supuesto demandará por parte del sujeto que diseña, conocido popularmente como diseñador, una importante cuota de creatividad, y por otro lado de habilidad técnica para poder plasmar la idea, las soluciones en productos, objetos. El diseño es una práctica nacida del arte, el cual tal y como lo conocemos hoy en día, tiene sus bases en escuelas como Bauhaus y ULM en Alemania, donde desde sus inicios existió la preocupación por el desarrollo de metodologías propias del diseño.

El Diseno y su Relación con el Arte

La Relacion El diseño y el arte son materias íntimamente relacionadas. Inclusive se puede decir que el diseño es una forma de expresión más antigua que el arte. Hay quienes insisten en la idea de que estas dos son una sola, el arte es un canal por el cual algunos hacen fluir sentimientos. Ello también puede ocurrir con algunos diseños, esto sin olvidar que cada forma y expresión de arte ha sido diseñada. El diseño gráfico está destinado a resolver visualmente problemas de comunicación planteados por un cliente. A diferencia del arte, pareciera ser que en esta disciplina la expresión personal del diseñador no entraría en juego. Mientras que el arte pareciera ser una expresión personal visual de su creador con el fin de provocar algo en su espectador y destinado muchas veces a ser arte por sí mismo. Hasta aquí y con estos conceptos, ambas disciplinas quedarían por siempre separadas. Pero estos aspectos no son absolutistas. Un diseñador no puede ser del todo objetivo, porque al tomar determinadas decisiones frente a una pieza de diseño, entran en juego las propias connotaciones del diseñador. Mientras que un artista muchas veces trabaja para determinados clientes; según la historia del arte, los clientes de los artistas eran quienes le solicitaban las obras, como por ejemplo los mecenas, incluso estos solicitaban modificar aspectos de sus propias obras. En efecto el artista también tiene que tratar con un cliente. Esto ocurre porque, al

Entre Ambos igual que el diseño gráfico, el arte está sometido a un mercado. El arte y el diseño tienen mucho en común. Ambos conceptos nacen a partir de una idea y tienen propósitos estéticos, la cual puede variar dependiendo de la percepción de cada quien, aunque esto se aplica más al arte que al diseño. Son procesos comunicativos que tratan de visualizar y exteriorizar. Cada uno con su propia funcionalidad y aportación. En otras palabras, el arte y el diseño revelan y manifiestan, y forman parte del proceso de comunicación. Un aspecto en donde se observan una marcada diferencia es que una obra de arte supone un mensaje en el cual cada espectador construye su propio significado. Mientras que el resultado de una pieza de diseño gráfico requiere que haya un mensaje único para ser entendido por el público a quien va dirigido. Ambos transmiten mensajes, pero mientras que en diseño gráfico el mensaje es único, en el arte puede haber múltiples mensajes tanto como espectadores. Todo es relativo y cuestión de percepción. Para lo que unos puede resultar una obra de arte, puede que para otros no tenga significado o relevancia alguna. En el caso del diseño, éste debe mostrar tal cual lo que trata de materializar, debe satisfacer al público objetivo y ser funcional. El arte se basa en la sensibilidad y el diseño en la conceptualización. Pero a final de cuentas, ambos son procesos comunicativos y nacen a partir de esta necesidad del hombre.

Campo, Metodo y Objetivo

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Campo El diseñador es requerido en ámbitos relacionados con la comunicación visual y la producción gráfica. Es una actividad interdisciplinaria que se relaciona estrechamente con otras disciplinas artísticas, la tecnología, la comunicación y las humanidades. El campo de acción del mismo es muy amplio ya que existe una solución para cada necesidad y cada área de nuestro entorno nos plantea una de ellas. El diseño establece un sentido pleno de su existencia, bien aferrándose a un enclave local, a su historia y a su identidad, o bien a una visión conscientemente «desarraigada» en la que los problemas planteados, sus técnicas de resolución y los medios de realización son universales. Mientras el «lugar» se define antropológicamente por el sentido de las actividades y experiencias subjetivas que ocurren en él, el «espacio» es un concepto más objetivo, una geografía donde construir y experimentar el volumen y la forma sin apegos sentimentales. A grandes rasgos el diseño de referencias contextuales explora simbolismos que se materializan en elementos singulares, formas vernaculares o citas históricas. Posee además una innata preferencia por el valor de lo exclusivo y lo fugaz como señas de identidad. Siguiendo el ideario del diseño posmoderno, en la obra, el objeto, el edificio, la pieza gráfica… priman los significados logrados a base de alusiones a su contexto, su lugar, su identidad o incluso a cuestiones ajenas al objeto mismo, como los de una idea filosófica que plasmar, o un mensaje no verbal que transmitir.

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Metodo Acerca de este tema, se dice repetidas veces que en diseño no existe un método único o universal, sino un conjunto de métodos que son simplemente distintas maneras de recabar información, esto no es un procedimiento exacto, por el contrario, es un proceso que se debe adaptar al contexto en el cual se realice. La expresión metodología del diseño, como el diseño mismo, abarca un extenso conjunto de disciplinas en las que lo fundamental es la concepción y el desarrollo de proyectos. Estos métodos se basan en una combinación de estructuras lógicas y capacidad creadora, no necesariamente equilibrada, pues estos son elementos fundamentales y a su vez com-

plementarios para aplicar en el diseño. Existen diversos autores que han decidido publicar sus métodos de diseño, así como Flayling planteó el suyo, cada uno de ellos tiene una manera de ver y trabajar el diseño. Por ejemplo, en su libro Metodología del Diseño, Luz del Carmen Vilchis recopila una serie de metodologías de diversos autores, exponiendo sus ventajas y desventajas de manera puntual a través de una síntesis de los libros de los mismos. Entre estos se encuentra Bruno Munari, quien Considera al diseñador como un proyectista dotado de un sentido estético, este afirma que:

“Diseñar es concebir un proyecto y éste se constituye de elementos tendientes a la objetividad. La lógica es su principio: si un problema se describe lógicamente, dará lugar a una lógica estructural, cuya materia será la lógica y, por consecuencia, lo será su forma” (Munari, 1996). Por otro lado, también se habla de Víctor Papanek quien lleva el proceso de diseño a tres puntos clave, la descripción de la necesidad para resolver un problema, la definición de ese aspecto del comportamiento de resolver problemas (aspecto creativo) y Sugerencias de algunos métodos que permitan la resolución de los problemas, además explica que el diseño debe ser revolucionario y radical, para su metodología propone los triángulos y su unión en una pieza hexagonal que permita jugar, como en un rompecabezas, formando la estructura

más apropiada, una que posea características como la estética, necesidad, asociación, entre otras que permitan encontrar la total funcionalidad del diseño. De esta manera entendemos la gran variedad de métodos que existen en el ámbito del diseño, este tema es de gran amplitud debido a que cada autor o diseñador posee una manera distinta de practicar este, ya que estos procedimientos suelen variar y adaptarse a la dinámica de trabajo del diseñador y al contexto sobre el cual se encuentra el mismo.

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Objetivo El diseño tiene como propósito comunicar de manera efectiva y correcta los mensajes que queremos transmitir. Por eso mismo la simplicidad toma un rol fundamental. Diseñar no es sólo hacer algo bonito. Diseñar es transformar algo en algo mejor, de la mano de la estrategia. El objectivo en este nivel radica en que gracias a este campo creativo, el hombre conscientemente se ubica en un espacio y tiempo específico en donde se configuran determinadas modas, determinadas formas de espacio, determinados objetos, y determinados mensajes… que él mismo va identificando y adoptando como propios.

Este también influye en una llamada esfera social, La sociedad emplea su propia forma de expresión, su propio sistema simbólico, sus propias convenciones (estándares, normas, reglas, etc)… para identificar su cultura. Esta cultura o sistema socio-cultural, inevitablemente se transforma, emplea una transición dinámica que avanza en el tiempo. Y aquí es donde se activa el objetivo y la importancia el diseño. Es decir, en esta esfera, nuestro campo representa un vínculo, una especie de contacto con toda esa transición evolutiva de las diversas culturas… para que distintas generaciones, distintas sociedades o distintos sistemas simbólicos puedan relacionarse y así se puedan entender o comunicar para coexistir.

La investigaciรณn en el campo del Diseno

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Investigacion El diseño es un campo en el cual la investigación podría tomarse en cuenta como un interés reciente, ya que la acción de diseñar se consideraba meramente de aspecto creativo, por lo que existe poco material sobre el cual apoyarse; según nos explica el autor de la Dictadura del Diseño:

“Tal como él mismo (Luciano Cassisi) menciona, hay muchos diseñadores que tienen algo para decir, pero muy pocos lo hacen por escrito. Porque escribir es exponerse. Quedamos aquí expuestos a la consideración del lector” (Carpintero, 2009, pág. 11) Pero más allá de ser un miedo a ser expuestos, actualmente no se le ha brindado la importancia, ni la aceptación requerida a la búsqueda de investigar en el diseño y de allí generar el material necesario para el enriquecimiento de la disciplina. Existe un gran desconocimiento entre los diseñadores sobre el hecho de la investigación en el diseño y algunos de quienes si poseen conocimiento no están de acuerdo con esta práctica. Una de las causas de la falta de teoría en el diseño gráfico es la característica de ser una carrera creativa, donde la intuición tiene un papel muy importante. Sin embargo, hay que tener en cuenta que los proyectos de diseño siguen una lógica estructural, que se evidencia en la resolución de proyectos de una misma tipología de diseño. Al comenzar un proyecto nuevo el diseñador sigue una lógica conceptual que luego traduce gráficamente hasta llegar al producto final. (Pontis, 2009).

Desde el siglo XX ha existido preocupación por el desarrollo de metodologías propias del diseño, así como de una identidad propia de este, a partir de lo cual nacieron múltiples metodologías, cada una con una serie de características distintas, pues estas se adaptan a las situaciones o problemas ante los que podría enfrentarse el diseñador a la hora de ejercer su labor. El hecho de mencionar una metodología apunta a las ciencias, un elemento poco concurrente con el diseño, pero en cuanto al ámbito cualitativo, este ayuda a brindarle un sentido a las mismas, les facilita llegar a conocer y tener presente una razón de ser y, una guía a través de lo cual alcanzar las características y cualidades de dicho objetivo. Todo esto es necesario en el diseño, pues suministraría la información necesaria para conocerlo a fondo y con esto facilitar la práctica del mismo en el ámbito profesional y en su enseñanza.

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Tipos de Existen una serie de tipos de investigación, métodos propuestos por diseñadores para ejecutar efectivamente su trabajo de una manera efectiva y organizada. La más mencionada es la de Christopher Flayling, por medio del llamado “for-about-through” (Para-Sobre-A través), un método que separa en tres corrientes a la investigación dentro del ámbito del diseño.

Investigación PARA el Diseño: Esta también es llamada Investigación proyectual, es considerado el modo más intuitivo de investigación, suele estar basada en información ya existente, pues se basa en que recabar datos, referencias o antecedentes para la creación de un producto completamente funcional, por tanto, no busca generar o divulgar un conocimiento, pues no es su objetivo inicial y además carece de rigor científico.

Investigación SOBRE el Diseño Este tipo de investigación es llevada a cabo por profesionales de otros ámbitos ajenos al diseño, posee métodos de carácter científico, pero al llevarse a cabo desde un punto de vista que se enfoca a lo social, cultural, económico, etc. No genera un conocimiento que sea práctico para el diseño y su educación directamente, sino que aporta información útil para la cátedra desde la que se realiza.

Investigación A TRAVÉS del Diseño A partir de la unión de la práctica, el proyecto y la acción, nace este tipo de investigación, dentro de la cual se busca generar y compartir conocimiento original y totalmente ligado al diseño, se realiza con rigor científico, normalmente a partir del estudio del prototipo de un producto. Esta suele tomarse en cuenta como la unión de la investigación para el diseño y la investigación sobre el diseño, ya que se realiza de manera científica, se basa en la práctica del diseño y genera conocimiento para el mismo. Este método también es descrito como “investigación para diseñar” por la autora de Senderos de la Investigación en Diseño Gráfico. La investigación aplicada o “investigación para diseñar” comprende modelos que concluyen en experiencias objetos o servicios innovadores que pueden documentarse en estudios de casos. Estos planteamientos corresponden a necesidades sociales cuyos resultados son implementados de manera tangible; nacen de un problema que genera una idea o pregunta de investigación y, a través del diseño de una metodología específica, encuentran un resultado que resuelve la necesidad inicial. (…)

Investigacion “Este modelo además de los resultados tangibles del proyecto puede aportar conocimiento en forma de módulos didácticos para la enseñanza y así trazar los puentes que faltan entre la docencia y la profesión.” (Gonzalez Miranda, 2010, págs. 26, 27)

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Objetivos de la La investigación en el diseño tiene como meta lograr que exista una alta comprensión de este, de su complejidad y la necesidad de mejorarlo a través del desarrollo de conocimientos y métodos que permitan el avance de esta disciplina.

“Un lugar común sobre el hacer del diseñador vincula su tarea a la del “creativo”, palabra particularmente vaciada de sentido (por abuso) (…) Crear es sacar algo de la nada. Donde antes había blanco y vacío, ahora hay un objeto. Se crea luz desde las tinieblas o se saca un conejo de una galera, en un acto rodeado de misterio y ficción. Calificar a una acción de diseño de ingeniosa o creativa es vincularla con una cierta chispa creadora que acudiría a uno. Es una reducción facilista de la tarea del diseñador, que de creativo por lo general tiene poco y nada.” (Carpintero, 2009, pág. 15) Así como explica este autor a partir de un sutil sarcasmo, el diseño suele ser malinterpretado y enlazado con una práctica carente de complejidad, unida únicamente a la creatividad, sin tomar en cuenta que el diseño va más allá de la estética y que su desarrollo se compone de cuestiones funcionales, técnicas, estudios e investigaciones; todo esto se debe a su carencia de un gran respaldo de conocimiento textual, metódico y diverso, es decir, la inexis-

tencia de un marco teórico. La investigación en el diseño busca que dicha disciplina desarrolle correctamente estos aspectos en los que actualmente no posee la fuerza necesaria, para ello es primordial que se implemente en la práctica de manera metódica para que la misma genere los conocimientos necesarios para la publicación de los mismos y la formación de un marco teórico que le sirva de base al diseño y sirva para mejorar la práctica y enseñanza del mismo.

investigacion

La Forma en el Diseno

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La Forma Para nuestra percepción visual, todo lo que nos rodea tiene forma. La forma es el aspecto exterior de las cosas (objetos, animales, plantas...), la podemos describir trazando su contorno (líneas) o dibujando su silueta (manchas) sobre un plano, así individualizamos la forma y la diferenciamos del fondo La forma comunica ideas por sí misma, llama la atención de receptor y es un elemento esencial para un buen diseño; se trata de una pieza con cierto atractivo visual, con personalidad y de un gran equilibrio estético. Con el tiempo, el concepto de forma ha ido sufriendo transformaciones y ha sido vista desde enfoques distintos. En la actualidad la forma de los objetos no solamente obedece a criterios funcionales. Un buen diseño es capaz de comunicar algo más que su función, debe ser capaz de comunicar su intención. Conciliando la importancia de la forma y la función, se puede decir que éstas no tienen porque contraponerse, sino que interactúan una con la otra influyéndose mutuamente y que dependiendo del objetivo a la hora de diseñar, se puede otorgar mayor jerarquía a una u otra.

La relevancia de la forma sobre la función. Actualmente esta tendencia prioriza los aspectos de forma se llama STYLING. Es una opción en el diseño que busca la modificación externa de un objeto sin tener en cuenta la funcionalidad. Así se da a los objetos nuevos valores simbólicos de modernidad, con la finalidad de sorprender y fomentar el consumo.

El predominio de la función sobre la forma. En esta opción, un diseño es bello cuando los aspectos formales están supeditados a la función, es decir, cuando la calidad de los materiales y los procesos de la producción enmarcan la imaginación del diseñador. La idea de belleza deja de ser el motor del diseño y se convierte en una consecuencia: la belleza viene por añadidura.

La consideración de la forma y la función con la misma importancia. Actualmente se tiende a considerar que los aspectos formales y de funcionalidad tienen la misma importancia y, por lo tanto, se deben plantear y estudiar conjuntamente. Un objeto es bello porque satisface una necesidad y, también, porque presenta una forma que comunica su función y es visualmente atractiva para complacer al consumidor.

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Tipos de Formas Naturales. Son la forma humana y todas las que se encuentran en la naturaleza y en las cuales el ser humano muchas veces se inspira, para sus creaciones: animales, plantas, rocas... En la naturaleza, las formas redondeadas o curvas son numerosas, como en las nubes, las espirales del agua o los meandros de los ríos.

Artificiales. Son fabricadas o creadas por el ser humano, desde los utensilios o herramientas hasta los diseños artísticos o funcionales (muebles, vehículos, vestuario, complementos...).

Bidimensionales. Son planas, tienen dos dimensiones: largo y ancho. En las pinturas y en las fotos las formas son bidimensionales por que sólo las percibimos del lado frontal.

Tridimensionales. Tienen volumen, masa y tres dimensiones: largo, ancho y profundidad; el espacio que ocupan es real. Se pueden ver de frente, de costado o por detrás; pueden tocarse. A menudo es posible verlas bajo diferentes condiciones de luminosidad y sus planos de observación son múltiples. Se pueden ver de frente, de costado o por detrás; pueden tocarse.

Tipos de formas Según su percepción inmediata o apariencia Lineales: cañas, ramas, postes, etc. Planas: hojas, láminas, superficies, etc. Volumétricas: muebles, cuerpos, etc.

Abiertas o cerradas. Las abiertas se perciben con mayor facilidad cuando se relacionan con el fondo, ya que una de sus características principales es que rompen sus contornos y los colores y texturas se mezclan con los de otras formas. Las cerradas se diferencian de las abiertas por sus contornos definidos y por la continuidad del contraste respecto al fondo (las siluetas y figuras trazadas con contornos y trazados lineales son formas cerradas). La forma abierta se percibe con mayor con cuando se relacionan con el fondo, ya que una de sus características principales es que se integran a él o al medio. En la pintura, la forma abierta se expresa a través del poco contraste y el pase por medio del cual se funde con el fondo.

La importancia de la proporción en la forma Se puede definir la proporción como la relación de magnitud que guardan entre sí dos figuras semejantes y semejantemente dispuestas, es decir, que poseen la misma forma pero diferente tamaño. Realizar una obra de arte, o diseñar un objeto, de forma proporcionada significa hacerlo de modo que sus elementos posean una relación correcta y armoniosa entre sí. El origen de la proporción aparece documentado en la época dorada de la Grecia clásica, donde arquitectos de la talla de Calícrates, Vitrubio o Ictinos determinaron unos cánones o módulos básicos con los que relacionaban todos los elementos que componían los edificios por ellos diseñados. Para que una superficie resulte proporcionada, armónica, expresiva y equilibrada, es preciso que en las representaciones plásticas se establezca una relación o proporción cualitativa entre los lados que determinan la superficie.

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Reticulas

La retícula (Grid en inglés), es una herramienta muy útil que nos puede asegurar mayor equilibrio en nuestra composición al momento de diseñar.

Es una estructura en dos dimensiones hecha de líneas verticales y horizontales utilizada para estructurar el contenido, sirve como una armazón para organizar textos, imágenes o videos de una forma racional y fácil de visualizar. La retícula como herramienta para el diseño surgió en la antigüedad. Los pintores, los escultores y los arquitectos tomaban como base el llamado número áureo para mantener las proporciones y la armonía. De esta forma, apelando a líneas perpendiculares y paralelas, trazaban una retícula que guiaba el desarrollo posterior de la obra.

Bionica

La biónica es la aplicación de soluciones biológicas a la técnica de los sistemas de arquitectura, ingeniería y tecnología moderna. Etimológicamente, la palabra viene del griego “bios”; que significa vida y el sufijo “´-ico” que significa “relativo a”. Así mismo, existe la ingeniería biónica que abarca varias disciplinas con el objetivo de concatenar (hacer trabajar juntos) sistemas biológicos y electrónicos, por ejemplo para crear prótesis activadas por los nervios, robots controlados por una señal biológica o también crear modelos artificiales de cosas que solo existen en la naturaleza, por ejemplo la visión artificial y la inteligencia artificial también llamada cibernética. Se podría decir, la biónica es aquella rama de la cibernética que trata de simular el comportamiento de los seres vivos haciéndolos mejores en casi todas las ramas por medio de instrumentos mecánicos.

Antropometria El canon y la proporción de la figura humana Encontrar una norma que permitiera fijar las proporciones entre las diferentes partes del ser humano ha sido una constante desde la Antigüedad. De hecho, son notables los documentos y obras que en la Grecia clásica trataron y tuvieron en cuenta estas proporciones. La norma que regula la relación entre las diversas partes que forman el cuerpo humano se consideró definitiva a partir del Renacimiento. En el famoso dibujo de las proporciones humanas de Leonardo da Vinci, recogido en unos apuntes, se puede apreciar a un hombre con los brazos y las piernas extendidos dentro de una circunferencia, cuyo centro es el ombligo del hombre. Según los citados apuntes, el cuerpo humano bien proporcionado es aquel cuya altura sea igual a la longitud de los brazos abiertos.

El canon El canon es la norma, regla o sistema que determina y relaciona las proporciones de la figura humana a partir de una unidad de medida llamada módulo. Esta medida básica toma como módulo la altura de la cabeza medida desde el mentón hasta el ápice del cráneo. Las esculturas de la antigua Grecia establecieron el canon de belleza otorgando al cuerpo humano

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Seccion Aurea La proporción áurea se basa en una médida o número llamado también áureo, de oro, y representado por la letra griega φ (fi) (en minúscula) o Φ (fi) (en mayúscula). Es una proporción de más o menos: 2 + 1,6 , es decir, que una medida a=2 más otra medida b=1,618…. forman una medida que sumaría c= 3,618…. Aunque esta es la forma que yo me he inventado para acabar de comprender rápidamente esta proporción y para detectar que en una composición si que existe esta proporción áurea entre unas medidas a, b y c. Y que, por lo tanto, tienen este equilibrio mágico donde una medida contiene a otra más un poco extra. Aunque algunos proyectistas o diseñadores pasen por alto la temática de la proporción áurea la realidad es que a lo largo de la historia ha sido aplicada con éxito en múltiples proyectos, diseños, edificios, fotografía… etc. Comprendiendo que la proporcionalidad ante el espectador es necesaria para obtener una visual con armonía. Si recordamos la historia en busca del concepto de divina proporción. Leonardo Pisano, también conocido como Fibonacci, fue un famoso matemático de Italia que se dedicó a divulgar por Europa el sistema de numeración árabe (1, 2, 3…) con base decimal y con un valor nulo (el cero) en su Libro del ábaco en 1202. Pero el gran descubrimiento de este matemático fue la Sucesión de Fibonacci que, posteriormente, dio lugar a la proporción áurea en arte. ¿Qué es la Sucesión de Fibonacci?… Se trata de una serie numérica: 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, etc. Es una serie infinita en la que la suma de dos números consecutivos siempre da como resultado el siguiente número (1+1=2; 13+21=34). La relación que existe entre cada pareja de números consecutivos (es decir, si dividimos cada número entre su anterior) se aproxima al número áureo (1,618034).

Si trasladamos la secuencia numérica anterior a un rectángulo nos encontramos con el siguiente ejemplo para una mejor comprensión:

Si seguimos la división con la sucesión de Fibonacci:

Al unir diferentes vértices con una línea nos aparecerá la famosa Espiral de Oro que se encuentra muy presente en la naturaleza resultando visualmente una proporción “natural”.

Referencias Carpintero, C. (2009). Dictadura del Diseño. Buenos Aires: Wolkowicz Editories. Gonzalez Miranda, E. (2010). Senderos de la Investigación en Diseño Gráfico. Bilbao: Elsevier.

Munari, B. (1996). El Arte como Oficio. Barcelona: S.A. IDEA BOOKS.

Pontis, S. (17 de Noviembre de 2009). Qué es y qué implica la investigación en Diseño. Obtenido de Foro Alfa: https://foroalfa.org/articulos/ que-es-y-que-implica-la-investigacion-en-diseno Vilchis, L. D. (1995). Metodología del Diseño. Mexico D.F.: Claves Latinoamericanas S.A.

El Diseno y su relacion con el Arte

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