CARTILLA DE ARTE TERMINADO

De Abril 25 al 30 En la Universidad Sergio Arboleda

Vive el Arte

AndrĂŠs Felipe Mora

Arte en la Sergio Arboleda

Picasso

Las mejores obras de Pablo Picasso, el pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista de visita en nuestra prestigiosa institución.

Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Inter-

nacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado la dictadura militar del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese

La famosa obra de Pablo Picasso llamada “La Guernika” estará en exibición en la Universidad Sergio Arboleda en la Plazoleta de las Mariposas el próximo 25 de Marzo de 2014 al país la democracia. En jeto de polémica, pero símbolo de los terribles 1981 la obra llegó final- su valor artístico está sufrimientos que la guemente a España. Se expu- fuera de discusión. No rra inflige a los seres so al público primero en sólo es considerado una humanos. Fue realizado el Casón del Buen Retiro, de las obras más impor- por encargo del Director y luego, desde 1992, en el tantes del arte del siglo General de Bellas Artes, Museo Reina Sofía de MaJosep Renau a petición del drid, donde se encuentra XX, sino que se ha con- Gobierno de la República en exhibición permanente. vertido en un auténti- Española para ser expuesSu interpretación es ob- co “icono del siglo XX”, to en el pabellón español

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Botero Los Bañistas 1980, Obra del Maestro Botero.

Fernando Botero es un pintor, escultor y dibujante colombiano que nació en Medellín el 19 de abril de 1932.

La obra de su autoría lleva impreso un original estilo figurativo neorrenacentis-

ta contemporáneo, denominado por algunos como “Boterismo”, el cual le da

Vívelo una identidad inconfundible y conmovedora a las mismas, y se caracteriza por la interpretación que da el artista a diversas temáticas universales. (el ser humano, la mujer, el hombre, sus sentimientos, pasiones, dolores, creencias, vicios, costumbres, su cotidianidad, sus relaciones interpersonales, mitos, leyendas, manifestaciones culturales, así como dramas, acontecimientos y personajes históricos, sociales y políticos, hitos del arte, hasta objetos, animales, paisajes y la naturaleza en general), con una volumetría exaltada, que impregna de un especial carácter tridimensional, así como de fuerza y sensualidad a la obra, junto a una concepción anatómica particular, una estética que

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cronológicamente podría encuadrarse entre los años treinta a cuarenta en occidente, en temáticas que pueden ser contemporáneas o pasadas, pero con vocación universal, con un uso vivaz y magistral del color al estilo de la escuela veneciana renacentista y finos detalles de crítica mordaz, ironía y sutileza.

Itinera entre sus afamados estudios de esculturas de Pietra Santa, Italia y los de pintura en París (Francia), Nueva York (Estados Unidos de América) y de Montecarlo (Principado de Mónaco); así mismo, dedica tiempo al dibujo algunos días del año en Zihuatanejo, México y Rionegro, en Colombia.

En 2012 se han programado una serie de homenajes internacionales, con moti-

Obra La Monalisa de Botero, 1978 vo de la efemérides de su natalicio número ochenta.

Las celebraciones, incluyen exposiciones antológicas de sus obras en museos del Distrito Federal de México, Sao Paulo en Brasil, Pietra Santa y Asís en Italia, Santiago de Chile, Bogotá y Medellín en Colombia y Bilbao en España. Bielefeld en Alemania, y del Estado Colombiano.

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Tiziano Vecellio Reconocido por sus con- críticos tienen problemas temporáneos como “el sol para creer que los cuadros entre las estrellas”,2 Tizia- de su primera etapa y los no es uno de los más ver- de las posteriores hayan sátiles pintores italianos, salido de la misma mano.

Como En cualquier caso, igualmente capacitado para retratista,Tiziano el conjunto de obra se ejecutar realcanzó fama ya en su ju- sucaracteriza tratos, paisajes (dos ventud. Este género pictórico, por el uso de los te- al que dedicó la mayor parte de del color, y mas que le su producción, fue el que le vívido luminoso, lanzaron a la fama), es- abrió las puertas de la con una pinaristocracia celada suelta y cenas mitológiuna delicadeza en las cas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una modulaciones cromáticas larga y dilatada carrera, y sin precedentes en la Hissu obra atravesó muchas toria del Arte occidental. y diferentes etapas, en las Como retratista, Tiziano que su estilo cambió tan alcanzó fama ya en su judrásticamente que algunos ventud. Este género pictó-

rico, al que dedicó la mayor parte de su producción, fue el que le abrió las puertas de la aristocracia europea.

Según Harold E. Wethey, crítico muy severo, son ciento diecisiete los retratos de Tiziano que han llegado a nuestros días13 Otros tantos le han sido atribuidos por los historiadores, a los que hay que añadir los treinta y cinco de que nos hablan los testimonios documentales y que se han perdido. Hay que tener presentes los retratos quattrocentistas de Bellini y los de Giorgione, más líricos, para comprender la revolución que supuso el estilo de Ti-

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Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente en español como Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, Véneto, hacia 1477/1490 - Venecia, 27 de agosto de 1576),1 fue un pintor italiano del Renacimiento.

Danae recibiendo la Lluvia de Oro

Vívelo

Bartolomé Esteban M. Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 1617 – ibíd., 3 de abril de 1682) fue un pintor barroco español.

Murillo debió de nacer en los últimos días de 1617 pues fue bautizado en la parroquia de Santa María Magdalena de Sevilla el 1 de enero de 1618. Era el menor de catorce hermanos, hijos del barbero Gaspar Esteban y de María Pérez Murillo, que procedía de una familia de plateros y contaba entre sus parientes cercanos con algún pintor. Conforme al uso anárquico de la época,

Nacimiento de la Virgen, 1660, París, Museo del Louvre. aunque alguna vez firmó Esteban adoptó comúnmente el segundo apellido de la madre. Su padre era un acomodado barbero, cirujano y sangrador al que en ocasiones se daba tratamiento de bachiller,4 y

del que en un documento de 1607 se decía que era «rico y ahorrador», propietario de algunos bienes inmuebles junto a la iglesia de San Pablo que heredó Bartolomé y le proporcionaron rentas toda su vida.

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Con nueve años y en el plazo de seis meses quedó huérfano de padre y madre y fue puesto bajo la tutela de una de sus hermanas mayores, Ana, casada también con un barbero cirujano, Juan Agustín de La-

gares. El joven Bartolomé debió de mantener buenas relaciones con la pareja pues no mudó de domicilio hasta su matrimonio, en 1645, y en 1656, ya viudo, su cuñado le nombró albacea testamentario.

Apenas se tienen noticias documentales de los primeros años de vida de Murillo y de su formación como pintor. Consta que en 1633, cuando contaba quince años, solicitó licencia para pasar a América con algunos familiares.

Según la costumbre de la época, por esos años o algo antes debió de iniciar su formación artística. Aun cuando no existe

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Francisco de Zurbarán San Pedro

Pintor español. A los quince años se trasladó a Sevilla, donde fue discípulo del pintor Pedro Díaz de Villanueva, y donde conoció a Velázquez. Contrajo matrimonio con María Páez en 1617, y desde ese año hasta 1628 .

En 1627 pintó su primera gran obra importante firmada y datada: la Crucifixión del oratorio de la sacristía del convento dominico sevillano de San Pablo el Real, para el que en 1626 había contratado la realización de veintiún cuadros en ocho meses.

Entre 1628 y 1629 llevó a cabo un ciclo de pinturas para el colegio franciscano de San Buenaventura. El arte de Zurbarán aparece ya perfectamente definido, y se aprecian en su pintura la fuerza realista propia de los mejores pintores españoles de la época, su sentido de la ordenación y de la monu-

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mentalidad, el fondo oscuro de sus cuadros subraya ya entonces la presencia volumétrica de las figuras.

En 1629 se estableció en S evilla por invitación del Consejo Municipal de la ciudad, y era tan grande su reputación como pintor, que no tuvo que pasar el tradicional examen para ejercer su oficio. Entre 1630 y 1639 se sitúa la etapa más fecunda de la obra de este artista, que abarca tanto naturalezas muertas (Bodegón con naranjas, 1633) como obras de tema religioso (Visión del beato Alonso Rodríguez, 1630, Apoteosis de Santo Tomás

de Aquino, 1631, Santa Margarita, Santa Isabel de Portugal). Llamado a Madrid en 1634, participó en la decoración del salón de Reinos del Buen Retiro (La defensa de Cádiz contra los ingleses, y una serie de los Trabajos de Hércules), durante este período, y siguiendo el ejemplo de Velázquez, renunció al tenebrismo, en el clasicismo toscano, influido a veces por los maestros venecianos, encontró un estilo acorde con sus aspiraciones. Las pinturas del retablo de la capilla de San Pedro de la catedral de Sevilla (1635-1636) su evolución artística.

François Boucher

Vívelo

París, 29 de septiembre de 1703 - 1770) fue un pintor francés, que gustó del estilo galante, propio de la época rococó. Fue famoso por sus pinturas idílicas y voluptuosas de temas mitológicos, alegorías sobre pastores y por varios retratos de Madame de Pompadour.

Dia después del baño Nació en París el 25 de septiembre de 1703, hijo de Nicolas Voucher. Fue quizás el pintor decorador más famoso del siglo XVIII, con su estilo enmarcado en el arte rococó.

Tuvo un aprendizaje más bien accidentado, con varios maestros, y superó diversos obstáculos para triunfar.

A los 17 años, fue aprendiz del pintor François Lemo-

yne, con quien sólo duró tres meses, antes de empezar a trabajar con el grabador Jean-François Cars; con él aprendió la técnica del aguafuerte.

En 1723, Boucher ganó el prestigioso Premio de Roma, pero por falta de plazas tuvo que esperar cuatro años para disfrutar de dicho premio, que consistía en un viaje de estudios en Italia, alojado por la Academia Francesa en Roma. Mientras esperaba poder efectuar el viaje,

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siguió trabajando en el taller de Cars, y así colaboró en una serie de grabados sobre dibujos del difunto Watteau, promovida por Jean de Julienne (172628). Finalmente, Boucher emprendió el viaje a Italia acompañando a los Van Loo, y el director de la Academia de Roma, Charles-Joseph Natoire, le recomendó representar paisajes tomados del natural.

Tras su regreso a Francia, en 1731, fue admitido en la Real Academia de Pin-

tura y Escultura. Llegó a ser rector de tal academia y director de la Real Fábrica de tapices de los Gobelinos. El apoyo de la Marquesa de Pompadour fue esencial en su éxito. En 1765 fue nombrado Primer pintor del rey.

Sus primeras obras celebraban la tranquilidad de la naturaleza y la evasión que otorga el campo. Su trabajo olvida la inocencia tradicional del campesino, e impregna sus escenas con algo de erotismo, y sus es-

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William Blake

Grabador y poeta británico. Estudió dibujo e hizo prácticas de grabado con James Basire, antes de ingresar en la Royal Academy of Art, institución que abandonó en 1780 al no adaptarse a sus métodos de enseñanza.

Empezó a trabajar como grabador, dando pruebas desde el principio de su desbordante imaginación y de una acusada tendencia hacia lo místico y lo imaginario. De hecho, toda su obra es sumamente fantasiosa y extraña en la forma, y está repleta de imágenes y simbolismos difíciles

de interpretar. Existe una estrecha relación entre su creación plástica y su creación literaria, a través de la cual expresó sus complejos pensamientos filosóficos, basados en la idea de que el mundo sensible no es más que una envoltura engañosa de la realidad espiritual. Esta unidad ar-

tistico literaria llegó a su punto culminante a partir de 1787, cuando empezó a poner en práctica un nuevo método de imprimir sus poemas ilustrados, conocido con el nombre de «impresiones iluminadas» (en inglés. illuminated printings). Pretendía que en sus libros, al igual que en los manuscritos medievales, texto e imágenes guardaran una estrecha relación, por lo que diseñaba personalmente cada una de las páginas, en las que el texto se escribía a mano y las ilustraciones se grababan.

Con esta técnica realizó al menos cuatro libros, entre los que destaca El matrimonio del cielo y el infierno. Ninguna de estas obras tuvo éxito, y se vio obligado a recurrir a la ayuda de algunos cenas, como Tho-

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El Anciano de los Dias

Gustave Courbet Nació en un pueblo próximo a Besançon, en el Doubs alemán, cuyo paisaje refleja en sus cuadros.

Es un gran conocedor de las obras de Marsol. Estudió en Besançon y luego en París (1840). Sus padres deseaban que emprendiese la carrera de Derecho, pero al llegar a París se volcó al arte.

Viajó a Holanda (1846) y Francia (1853). Como él, sus amistades eran contrarias al academicismo artístico y literario; entre ellas se cuenta a Baudelaire, Corot y Daumier. A partir de la revolución de 1848, Courbet fue etiquetado de «revolucionario peligroso».

Ornans, Francia, 10 de junio de 1819 – La Tour-de-Peilz, Suiza, 31 de diciembre de 1877) fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activista democrático.

Desnudo

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Vívelo En 1845 expuso algunas de sus obras en el Palacio de las Artes de la Exposición Universal de París, pero al ver el rechazo del jurado hacia algunos de sus cuadros decidió inaugurar una exposición individual ubicada en las proximidades del campo de Marte, a la que bautizó con el nombre de “Pabellón del Realismo”. Entre las obras que exhibió en dicho lugar cabe mencionar El taller del pintor, en el que retrataba a todas las personas que habían ejercido cierta influencia en su vida. Su naturalismo combativo es patente en sus desnudos femeninos, donde evita las texturas nacaradas e irreales tomadas de la escultura neoclásica. Plasma formas más carnales e incluso el vello corporal que

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Edouard Manet El Desayuno en la Hierba

Cuando vio que su proyecto no tenía éxito decidió dedicarse al arte, pasando a su regreso, hacia 1850, casi seis años como alumno de Thomas Couture, un pintor muy estrecho de miras como profesor.

De todos los artistas de su tiempo, Manet era qui-

zás el más contradictorio.

Aunque se le consideraba

un personaje controvertido y rebelde, Manet se pasó casi toda su vida buscando la fama y la fortuna, y lo que quizás sea más importante, un pintor que ahora es aceptado como uno de los grandes, solía mostrarse inseguro de su dirección artística y profundamente herido por las críticas hacia su obra.Tuvo que esperar al final de su vida para conseguir el éxito que su talento merecía. Pese a que se le considera uno de los padres del Impresionismo, nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Por ejemplo, jamás expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los Salones oficiales, aunque

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le rechazaran. Afirmaba que «no tenía intención de acabar con los viejos métodos de pintura ni de crear otros nuevos».4 Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas, por mucho que se respetaran mutuamente.

La notoriedad de Manet, al menos en las etapas tempranas de su carrera, se debió más a los temas de sus cuadros, considerados escandalosos, que a la novedad de su estilo.

No fue hasta mediados de la década de 1870 que empezó a utilizar técnicas impresionistas. En este sentido, Bownes se muestra bastante convincente al demostrar que, de joven,

sin llegar a considerarse un innovador, Manet sí trataba de hacer algo nuevo: Buscaba crear un tipo libre de composición que estaría, sin embargo, tan herméticamente organizada en su superficie como los cuadros de Velázquez.

En 1859 presentó por primera vez al Salón su Bebedor de absenta, un cuadro que permitía sin problemas adivinar su adoración por Frans Hals, pero que provocó una turbulenta reacción en el público y en el jurado, inexplicable sin duda para un Manet que durante toda su vida lo único que buscó fue el éxito dentro de la respetabilidad.

En los años sesenta, sin embargo, su pintura de tema español, tan de moda por entonces en Francia, fue bastante bien acogida y en 1861

Vincent Van Gogh

Van Gogh pasó todo el verano pintando paisajes al aire libre.

Para realizar la composición colocaba en el fondo del cuadro toda la parte arquitectónica, con torres de iglesia, chimeneas, casas, pueblos, en una fina franja a la altura del horizonte, mientras que el primer plano lo reservaba para los campos y la vegetación.

En neerlandés Acerca de este sonido Vincent van

El Sembrador - Obra de Vang Gogh

Gogh [ˈvɪnsɛnt fɑn’xɔx]) (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes

del postimpresionismo.1 Pintó unos 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más de 1.600 dibujos.

Una figura central en su vida fue su hermano me-

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nor Theo, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y desinteresada. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800 cartas que se conservan del pintor, unas 650 eran para Theo; las otras son correspondencia con amigos y familiares.

A pesar que desde muy joven tuvo inclinación hacia el dibujo, su primer trabajo fue en una galería de arte.

Más tarde se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó

Vívelo

a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos terrosos. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores, cuando se trasladó al sur de Francia, consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arlés en 1888. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte, considerándose en la actualidad uno de los grandes maestros de la pintura.

Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los

¡No te lo pierdas!

Encuentra en esta edición una guía de las obras de los mejores artistas que visitarán la Universidad Sergio Arboleda durante la Semana Cultural que se llevará a cabo desde Abril 25 a Abril 30

“Lo mejor del arte en la Sergio Arboleda” ¡Vívelo!