ARTE CLÁSICO

Arte

M MAYO 2021 YA O -

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CLÁSICO -El objetivo del arte no es representar la apariencia externa de las cosas, sino su significado interiorAristóteles

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Clásico?

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l arte clásico es el conjunto de formas artísticas que se mezclan a partir de las diversas influencias de una sociedad humanista como la griega, que continúa hasta en el mundo romano, intentando expresar la visión sensible y sentimental que tenía el artista acerca del mundo, ya fuera este mundo real o imaginario. Este estilo de arte además de incluir las disciplinas básicas que todos los artes incluyen (pintura, arquitectura y escultura) también incluyen la literatura de distintas formas, tanto la literatura griega como la latina. En esta última literatura se incluyen a la poesía, al teatro y a la filosofía. Se desarrolla durante el primer milenio a.C. y hasta la primera mitad del primero d.C., como expresión plástica de la unión de las civilizaciones griega y romana.

Sin embargo, aunque este tipo de arte se puede observar en varios países ya que fue una agrupación de diferentes culturas, donde más destacó fue en Grecia y en Roma, pero en Roma duró poco tiempo y aunque se pueden observar muchas obras de esta clase de arte no son tan abundantes como las hay en Grecia.

‘Clásico’ es el término empleado generalmente para referirse al estilo de los periodos de la Antigua Grecia

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y Roma. No obstante, el arte clásico se ha ido reviviendo a lo largo de los años en forma de arte renacentista, estilo barroco y estilo neoclásico. Aun así, como todas las variaciones siguen los principios del estilo clásico, siguen siendo ejemplos de clasicismo.

En cuanto a cuáles son estos principios, el consenso reside ampliamente en nociones de elegancia, armonía y proporcionalidad. ‘El arte clásico occidental se basa en las proporciones del cuerpo humano y en la perspectiva’, cuenta Caterina Maffeis. ‘Estos principios lo rigen todo, desde la pintura a la escultura y la arquitectura’. En la práctica, esto significa que los artistas de la Antigua Grecia (considerada como el lugar de nacimiento del estilo) buscaban capturar el ideal percibido de la forma, algo que en el arte se centra en general en las formas humanas y animales. Las representaciones de personas solían carecer de expresión, siendo emocionalmente neutras y contemplativas, y siempre se dio preferencia a la composición frente al color (las esculturas son el ejemplo más claro).

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Una obra de arte es un gozo eterno ¿Qué es el Arte en las cultura clásicas?

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rte y cultura clásicos, o arte clásico y cultura clásica, son expresiones utilizadas para designar un amplio conjunto de conceptos culturales y artísticos de la civilización occidental vinculados a las civilizaciones clásicas, es decir, la griega y la romana; cuya extensión geográfica fue el llamado mundo grecorromano o grecolatino. Incluyen tanto la producción literaria de todo tipo como las denominadas bellas artes, las artes menores y la cultura material; así como las instituciones, tradiciones y costumbres. Fuera de su ámbito cronológico, también se incluye en estos conceptos su recuperación y revaloración a partir del Renacimiento.

Los límites temporales de la Antigüedad clásica dependen de distintos criterios de periodización. El más obvio es el que marca los hitos de comienzo y final en el siglo VIII a. C. (la Primera Olimpiada, 776 a.

C. o la Fundación de Roma, 753 a.

C.) y el siglo V d. C. (Caída del Imperio romano de Occidente, 476 d.

C.); pero también se justifica termi-

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nar en el siglo III d. C. (pues desde el siglo IV d. C. comenzaría la hegemonía cultural del cristianismo); o comenzar en el III milenio a. C. (incluyendo así la civilización minoica y la civilización micénica, anteriores a la “Edad Oscura”). Como hitos en el ámbito de la literatura, los de la cultura clásica pueden ponerse en autores como Homero o Hesiodo (siglo VIII a. C.) y Apuleyo o Marco Aurelio (siglo II d. C.); mientras que en el de la cultura material, pueden ponerse en obras como el palacio de Cnosos (ca. 2000 a. C.) y la Columna Trajana (113 d C.).

En la historia de Grecia se reserva el nombre de periodo clásico al que va de mediados del siglo V a. C. a mediados del siglo IV a. C. (una parte de él se conoce como siglo de Pericles), mientras que para Roma se hace lo propio para el periodo que va desde los últimos siglos de la República romana (siglo II a. C. y siglo I a. C.) hasta el apogeo del Imperio romano, con los Antoninos (siglo II d. C.).

Antigüedad

En la periodización del arte antiguo (entendido como el arte occidental de la Edad Antigua), se suele identificar el periodo pre-clásico (civilizaciones del Antiguo Oriente Próximo), el periodo clásico (arte griego y romano) y el periodo post-clásico (arte de la Antigüedad Tardía: tardorromano, paleocristiano y bizantino).

En el ámbito de la literatura, la literatura clásica o grecorromana (tanto la literatura griega como la literatura latina) incluye todas sus distintas manifestaciones, modalidades o géneros: la poesía, el teatro, la historia, la filosofía; y no solamente los escritos conservados en su totalidad, sino también los que sólo se han conservado fragmentariamente, en resúmenes (epitomes) o a los que se glosa, cita o simplemente menciona dentro de otras obras.

En el ámbito del arte, el concepto de arte clásico o grecorromano se limita a veces a dos de las bellas artes: la escultura clásica y la arquitectura clásica; en cambio, el uso del concepto "pintura clásica", dada la escasez de restos de la pintura de la Antigua Grecia o de la pintura de la Antigua Roma de los que dispo-

nían los pintores de comienzos de la Edad Moderna, se extiende a las producciones pictóricas de estos: el Renacimiento clásico, el Clasicismo del siglo XVII o el Academicismo posterior; lo que en el contexto cronológico del arte contemporáneo se opone estilísticamente al concepto de arte moderno. En música, los conceptos de música clásica (equivalente al de música culta) o Clasicismo musical (el estilo de finales del XVIII y comienzos del XIX, que sigue al barroco y precede al Romanticismo) no se refieren en ningún caso a la música de la Antigüedad.

Entendida como civilización, también forman parte de la civilización clásica o greco-romana los demás rasgos de su cultura: creencias (mitología clásica —griega y romana—), vida cotidiana (costumbres griegas y romanas), economía, sociedad e instituciones griegas y romanas en todos sus aspectos (jurídico-políticos —griegos y romanos—, militares —griegos y romanos—, religiosos —griegos y romanos—, etc.).

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El arte actual y su relación con el pasado

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omo en aquella fábula de James Thurber, se podría pensar que el malvado duque del Castillo se ha reencarnado en el arte actual, y con malas artes ha matado al Tiempo. Para muchos, el arte contemporáneo sólo debe circunscribirse al momento actual sin romper la categorización historiográfica de arte antiguo, medieval, moderno y contemporáneo. Este es el ABC de todo estudiante de historia del arte. Mientras que el arte del pasado ocupa un lugar especial en la formación reglada, el arte contemporáneo se antoja un lenguaje complejo y por tanto arcano.

Por el contrario, las obras del pasado suelen despertar un cariño especial, casi reverencial. Al fin y al cabo, el tiempo y el juicio, de siglos y eruditos, las han salvado y traído hasta nuestros días. ¿Quién puede rebatir eso?

Heródoto, padre de la historiografía, tenía como principal fuente la fábula. No le interesaba para nada la datación exacta ni mucho menos la compartimentación del arte. Para él, la fábula era tan cierta como la propia verdad. Con el paso del tiempo, y primando intereses particulares, los cronistas dejaron a un lado la leyenda para adentrarse en la verdad.

Sin embargo, la milenaria cultura de la India, al contrario que la clásica, y su rica tradición oral plagada de mitos y leyendas, constituyeron su Historia, con mayúscula, al igual que muchas otras civilizaciones orientales.

Ya en el siglo X d.C., el viajero persa Al Biruni, autor de Ta’rikh al- Hindi o Crónica de la India, narraba “los indios no dan mucha importancia al curso de los acontecimientos; son muy descuidados en la enumeración cronológica de sus reyes, y cuando se les instiga a alguna aclaración y no saben qué decir, están enseguida dispuestos a contar cuentos”.

Estos cuentos son el reflejo de una concepción temporal cíclica; si la realidad es el sueño de Brahma, todo cuanto existe desaparecerá tras su despertar. ¿Qué sentido tiene la historia? Su filosofía y profunda espiritualidad dieron la espalda a la crónica. De esta manera, en el poema épico del Bhagavad Gita, el dios Krisna no tiene ningún inconveniente en dar respuesta a las preguntas existencialistas del guerrero Arjuna en mitad de la batalla entre los Pandavas y los Kuravas. Al fin y al cabo, nada sucede y nada es.

Si tomamos esta idea al pie de la letra, el arte del pasado y el presente son y no son al mismo tiempo. Actualmente, el

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antiguo arte sacro se encuentra en museos modernos, alejados de su sentido primigenio, lo que nos lleva a considerar que todo arte del pasado es interpretado en el presente, del mismo modo que será reinterpretado en el futuro.

Es el caso de Igor Mitoraj. Sus monumentales esculturas parecen haber sido extraídas de un antiguo yacimiento romano, y, sin embargo, fueron realizadas en su taller de Pietrasanta entre los siglos XX y XXI. Inspirado por el canon clásico, este artista franco-polaco realizó instalaciones con esculturas fragmentadas, trayendo el arte clásico contemporáneo a ciudades actuales como Madrid en el año 2008 en una exposición organizada por CaixaForum. Dioses y héroes, de varias toneladas de peso, pudieron verse por el Paseo del Prado. Sin embargo, el lugar natural de su arte fue siempre los parajes históricos de Italia y Grecia.

En el año 2011, su obra estableció un diálogo con los antiguos templos de Agrigento en Sicilia. Los siete templos de orden dórico de los siglos VI y V a. C. no se conformaron con ser el telón de fondo de los héroes caídos de Mitoraj, sino un bello cruce de miradas en donde el arte del pasado no se encuentra reñido con el presente. Su visión fragmentada no es otra que el canto de sirena del hombre moderno tras la II Guerra Mundial.

Ahora, y desde el pasado mayo de 2016 hasta enero de 2017, los gigantes de Mitoraj podrán verse en Pompeya. Esta exposición ha contado con la presencia, por primera vez desde hace medio siglo, con un presidente de la República italiana. Sin embargo, la verdadera importancia de la obra de Mitoraj queda consolidada por su entorno en esta exposición póstuma, cuyas esculturas parecen finalmente haber retornado a sus orígenes.

Pero si el arte clásico ha sido siempre un punto de inflexión para todo artista, bien como inspiración, bien como medio para romper con la tradición, el arte medieval no se queda tampoco atrás. En el 500º aniversario de la muerte de El Bosco, Madrid se ha llenado de la fantasía desbordante del pintor flamenco más contemporáneo de cuantos han existido. Muchos han sido quienes han hablado de la influencia de la obra de este artista en Salvador Dalí, el surrealista más conocido en el mundo. Sin embargo, la inspiración que despierta este pintor no se queda solo en las vanguardias del pasado siglo.

En la exposición del Museo Lázaro Galdiano con la colaboración de Arte Global, “José Manuel Ballester. Paisajes encontrados: El Bosco, El Greco y Goya”, comisariada por Elisa Hernando, puede verse El jardín deshabitado y Concealed Garden, inspirados ambos en el emblemático Jardín de las Delicias del Museo del Prado. La obra forma parte de su proyecto “Espacios Ocultos” del año 2007 como una manera de estudiar la dimensión espacial y la naturaleza en cada época, vaciando su contenido para explorar su continente. De esta manera, el pasado se nos antoja como un gran silencio suspendido en el tiempo, cargado de una profunda espiritualidad medieval y actual.

Sin salir del Lázaro Galdiano, la visita se completa con la exposición “Artilugios bosquianos” del holandés Sjon Brands. Esta exposición ha sido seleccionada por El Museo Lázaro Galdiano y dos entidades holandesas, la Fundación Jheronimus Bosch 500 y la Fundación Bosch y Bosco dentro del marco del 500º aniversario. En ella, los seres inanimados de Sjon Brands, compuestos por materiales inimaginables, sobrevuelan el salón y se esconden entre las piezas de la colección de José Lázaro. En total son más de una docena de obras las que podrán verse por primera vez en nuestro país hasta el 11 de septiembre, gracias también a la colaboración de la Embajada de los Países Bajos. Según su comisaria, Amparo López, ambos artistas juegan con el espectador haciendo de los objetos cotidianos un universo subversivo y fantasioso que justifica la fama de El Bosco en toda época, dejando claro que su legado sigue más vivo que nunca.

Tampoco la gran obra cumbre del barroco francés se libra de ser reinterpretada en el presente por artistas contemporáneos.

Es el caso actual de la obra del danés de origen islandés Olafur Eliasson en el Palacio de Versalles.

La residencia del Rey Sol, en otro tiempo reservada únicamente a la corte francesa, sirve desde 2008 de escenario singular a artistas de la talla de Jeff Koons, Xavier Veilhan, Takashi Murakami, Bernar Venet, Joana Vasconcelos, Giuseppe Penone, Lee Ufan y Anish Kapoor, que dialogan con las obras inmortales de Jules Hardouin-Mandart, André Le Nôtre, Charles Le Brun o Jacques-Ange Gabriel.

En esta ocasión, este artista, que lleva desde 1995 centrado en el estudio del espacio en su laboratorio de Berlín junto a más de 30 especialistas en diversos campos, nos sorprende una vez más con sus juegos de percepciones. Su relación con el Palacio y los jardines busca su razón de ser a través de su propia trayectoria, como en The weather project en la Tate Modern (2003) o The New York city waterfalls (2008) en pleno río Hudson.

Eliasson, el artista de las esferas, interpreta el espacio de la Gran Galería y sus trescientos cincuenta y siete espejos desde otra perspectiva, y también desde otro tiempo. En los jardines, Eliasson ofrece un recorrido orbital dentro del microcosmos del antiguo centro del universo del poder político francés. De esta manera, las fuentes dedicadas a los principales dioses de la mitología grecolatina conforman un espacio capaz de traer las cataratas islandesas al Gran Canal o congelar el mismo infierno bajo los pies de la estatua de Plutón raptando a Proserpina de Girardon.

Esta naturaleza artificial y sus elementos sitúan al hombre como centro de la creación y, por tanto, como principal agente de su destrucción. De esta manera, Eliasson hace que tomemos conciencia de la belleza de la naturaleza a través de lo irreal exponiendo ante nuestros ojos una realidad física en donde todo es posible dentro del marco paradigmático de Versalles.

En los libros de historia se dice que el triunfalismo barroco acabó con la Revolución Francesa. Para un nuevo mundo se debe crear un nuevo arte. Pero, ¿qué sucede con ese arte que queda atrás? Dicen que el pasado puede volver, pero, si bien es cierto,

no de la misma forma. Podemos pensar, una vez más, que el tiempo pone a cada uno en su lugar. El dios Krisna, finalmente, parece tener razón, y como Alicia a través del espejo sólo queda quitarse el sombrero ante el arte contemporáneo y exclamar “¡qué pobre memoria es aquella que solo funciona hacia atrás!”

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‘David con la cabeza de Goliat’ fue una llamativa obra que personifica el estilo de Caravaggio.

¨La simplicidad es la máxima sofisticación¨ -Leonardo da Vinci

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Dado que este estilo abarca siglos, hay una gran cantidad de artistas para elegir, pero algunos destacan. ‘Sin duda, algunos de los artistas más importantes son Leonardo da Vinci (de estilo renacentista), Caravaggio (barroco) y Antonio Canova (neoclásico)’, dice Caterina.

Los expertos en arte y demás están familiarizados con muchos de estos nombres, y cada uno de ellos ayudó a condensar el distintivo estilo clásico de su tiempo.

Figuras Clave

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El ‘Hombre de Vitruvio’ de Da Vinci es un reflejo de sí mismo y del interés fanático de la época por las proporciones y un arte que era casi matemático. Caravaggio, conocido por sus sujetos provocativos y su estilo naturalista, contribuyó a popularizar el dramatismo del clasicismo barroco. Obras como la ‘Crucifixión de San Pedro’ y ‘David con la cabeza de Goliat’ ejemplifican el distintivo dramatismo por el que esta rama del clasicismo era conocida.

Por otra parte, ‘Paolina Borghese’ de Antonio Canova, ya un escultor preeminente, ayudó a clasificarlo como neoclásico con una visión sin igual para la elegancia, los detalles y la forma.

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Formación en el ámbito clásico La posesión de una formación intelectual que incluyera el conocimiento de los clásicos griegos y latinos (poseer una «cultura clásica») constituía tradicionalmente la prueba de una excelente educación, identificada con lo que se conocía como «letras», «humanidades» o «humanística». Sin embargo, la cada vez mayor separación entre la formación humanística y la científica a partir del siglo XIX, ha invalidado tal identificación, lo que ha terminado dando lugar, desde mediados del siglo XX, al denominado problema de «las dos culturas».

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El arte clásico se adhiere a los principios y normas artísticas establecidas por siglos de maestros artistas pintores y escultores todos con linaje artístico que remonta hacia los nobles griegos y romanos y su interpretación y representación formal de la forma humana y el medio ambiente en el que existe.

El arte manual, es el fundamento del arte clásico es aquel que celebra la condición humana y nos toca a un nivel que podemos reconocer fácilmente y resuenan las emociones humanas que apelan directamente a lo que llamamos el “alma”.

El arte clásico, presenta la belleza misteriosa sin ser oscuro por lo que es apreciado por todos. El arte clásico es la vuelta a la imaginería griega y romana o simplemente en la reactivación de los estilos del pasado. El deleite por interpretar la forma humana perfecta, la divina proporción, rasgos idealizados, el summun de la raza en su máximo esplendor. El arte clásico se basa en los principios estéticos y filosóficos establecidos por la civilización grecorromana y que también es la base de nuestra cultura moderna. Todo el arte, la literatura y la música de hoy en día son todas de un modo dependiente, extrapolaciones de, sistemas ideados y evolucionado por esta cultura hace muchos cientos de años. El Parthenon, El Arco de Constantino y la Columna de Trajano son consideradas obras del arte clásico.

Para los romanos cuando conquistaron Grecia, consideraron que el arte griego era una forma elevada de arte e intentaron replicar en el Imperio todas las formas de arte griego.

En las bellas artes, el término ‘antigüedad’ se refiere al pasado lejano significando el período entre 4500 a.C., los comienzos de la civilización occidental y el 450 a.C. el comienzo de la Edad Media. Las dos principales civilizaciones de la antigüedad temprana fueron aquellas de la mesopotamia y Egipto. Otras culturas incluyen aquellas ubicadas en la antigua Persia (desde el 3500 a.C.).

El término antigüedad clásica es más común todavía. Se refiere a un período más corto de la civilización clásica (1000 a.C. y 400 de nuestra era) centrado en las culturas de la antigua Grecia y la antigua Roma.

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El arte clásico es el conjunto de formas artísticas que se mezclan a partir de las diversas influencias de una sociedad humanista como la griega, que continúa hasta en el mundo romano, Que intentar expresar la visión sensible y sentimental que tenía el artista acerca del mundo, ya fuera este mundo real o imaginario.

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Griego

Romano

La arquitectura romana fue considerada por los romanos expresión de su poderío. En la ciudad romana el centro de la vida urbana era el foro, que era el lugar de reunión, centro de la vida política, económica, judicial y religiosa, dentro del foro se crearon los mercados y más tarde se ampliaron en sus alrededores. En el Imperio Romano entre los siglo I y II d. C. las ciudades no se amurallaron, o sus murallas fueron muy bajas, pero a partir del siglo III, la creciente amenaza de los bárbaros hizo necesario de nuevo este tipo de construcciones. Para abastecerse de agua construyeron los acueductos y templos que emplearon la piedra y el ladrillo, pudiendo añadir a sus construcciones elementos arquitectónicos curvados, como el arco, la bóveda y la cúpula. Como ejemplo más asombroso es el Panteón de Agripa, en Roma. También crearon teatros y anfiteatros, siendo el más famoso el ya nombrado Anfiteatro Flavio o Coliseo, en Roma, construido en el año 80 d.C. Famosos también fueron los circos, que se utilizaban para los espectáculos como el de las carreras de caballos. Las construcciones de las casas eran de varios tipos, los domus que así se le llamaban a la casa unifamiliar de la ciudad, pertenecientes a los ciudadanos acomodados, y la ínsula, que eran unos bloques de casa donde vivían la gente pobre. Fuera de la ciudad se levantaba la villa, que eran de dos clases, la villa urbana, que era un tipo de residencia lujosa para los ricos y la villa rústica, o casa de campo, dedicada a la agricultura y ganadería.

De la pintura romana quedan escasas muestras, como ejemplo tenemos las murales descubiertas y conservadas en las excavaciones de Pompeya y Herculano, que nos dieron a entender que la pintura debió de tener una importancia primordial en la Roma clásica, pues todas las casas presentaban en sus paredes pinturas que, en muchos casos, eran de altísima calidad.

Respecto a la escultura romana es de bastante menos importancia que la griega, de la que toma los modelos y en la que se inspira totalmente. Los romanos aplicaron su enorme sentido práctico a la escultura, y no se dedicó a estudiar la belleza ideal o las proporciones humanas perfectas, solo buscó una finalidad más aplicable a sus necesidades.

Los griegos comenzaron en el siglo VII a.C. a construir sus propios templos en piedra, con un estilo propio y específico.

Los materiales usados eran distintos según la localización, por ejemplo la piedra caliza se utilizaba en el sur de Italia y Sicilia, el mármol en las islas griegas y en Asia Menor y la caliza revestida con mármol en el continente. Más tarde levantaron sus edificios principalmente de mármol. En las polis griegas se creó las plazas públicas, llamadas ágoras, se construían en el centro de la vida urbana, donde se desarrollaba la vida económica, política y religiosa de la polis, se reunían los hombres para charlar de los más diversos asuntos y exponían sus mercancías los mercaderes. No faltaban tampoco en el ágora las bibliotecas, como la famosa biblioteca de Panteno o de Éfeso; los gimnasios; las torres de los vientos (edificios donde se colocaban relojes de sol o de agua y una especie de veleta); y por supuesto los templos y altares.

La arquitectura de los templos griegos se ha dividido tradicionalmente en tres estilos u órdenes denominados dórico, jónico y corintio.

De la pintura griega, sólo queda constancia a través de las fuentes literarias, que hablan de grandes maestros como Polignoto, Parrasios, Zeuxis y Apeles, el retratista de la corte macedonia, las copias romanas y, sobre todo, por medio de la cerámica.

Respecto a la escultura griega sirvió durante toda la época de la Grecia Antigua como modelo de perfección formal, y de canon de belleza humana. Por ello, es un arte totalmente antropomórfico, que se centra en la representación de figuras humanas perfectas en cuanto a las medidas, o en la muestra de sentimientos humanos.

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Canon occidental

Lo clásico como herencia cultural de Occidente L

o clásico es un término importante de la Historia de las ideas que desempeña una compleja función a un tiempo en los ámbitos histórico y teórico.

La historia de las ideas es una rama especial de la historiografía que estudia la determinación y evolución de las ideas expresadas o reconstruibles a través de las distintas producciones culturales.

Si bien la historia de las ideas es relativa en general a disciplinas y ciencias, religiones y creencias, es de reconocer que ha disfrutado especialmente de fuerte desarrollo en las modalidades de historia de las ideas estéticas, campo en el que irrumpe durante el último cuarto del siglo XIX por obra de Marcelino Menéndez Pelayo, e historia de las ideas políticas.

Habitualmente se reconoce a la "historia de las ideas" un parentesco etimológico con la literatura comparada y, en general, la comparatística. En cualquier caso, la historia de las ideas no debe confundirse con la historia del pensamiento ni tampoco con la historia de la cultura,​aunque sin duda contribuye decisivamente a éstas y, en tanto que especificación cualificada según sus particularizaciones de sentido disciplinar, también evidentemente contribuye a la historia de las ciencias y diversos ámbitos del saber.

Cabe afirmar como campos de estudio frecuentemente relativos a la historia de las ideas tanto la historia de la filosofía, la filosofía de la historia y la historia de la ciencia como la historia del arte, la historia de la literatura o la historia de las religiones, al igual que la ética, la antropología cultural, la estética, la musicología, la poética, la retórica, la gramática o la lingüística, entre las ciencias

humanas, o la jurisprudencia, la historia de las instituciones, la sociología del conocimiento y la economía, entre las ciencias sociales.

El arte y la cultura clásica se han considerado como la herencia cultural del mundo grecolatino a la civilización occidental. Mucho de lo que se conserva y se conoce de ese mundo fue gracias a que su reivindicación y recuperación consciente a partir del Renacimiento, entre los siglos XV y XVI, el Clasicismo del siglo XVII y el Neoclasicismo del siglo XVIII, con distintas características. Los humanistas y artistas plásticos del Renacimiento italiano (los más importantes de ellos reunían en su propia persona ambas condiciones) se dedicaron a estudiar e imitar las obras de la Antigüedad que se conservaban en Roma y otras ciudades o que se descubren casualmente (otorgando un valor extraordinario a un no excesivo número de piezas que, en su mayoría, desde el siglo XX pasaron a considerarse copias romanas de originales helenísticos y son por lo general minusvaloradas),​a la revisión de los textos clásicos y su conservación; reinterpretando, adaptando a su época y fijando los cánones de la cultura clásica.

Durante los debates de la redacción del Proyecto de Constitución Europea (Tratado de Roma 2004, que finalmente no entró en vigor), uno de los asuntos que más se discutió fue cuáles son las raíces culturales y de civilización de Europa, y si convenía introducir en el texto del Tratado una cita expresa que pusiera o no al mismo nivel las raíces clásicas y las raíces cristianas del continente.

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Arte Griego y sus cuatro períodos Clásico

Se le dio importancia al lugar religioso, pero sobre todo los griegos siempre tuvieron más en cuenta la condición humana, pensaban que la ciudad era para las personas y no para los dioses, los cuales tenían su propia residencia en el valle del Olimpo para la devoción de todos. La parte cultural se refleja en cambios en las esculturas, que toman otras proporciones más similar a la escala humana, como sus rostros, que eran más naturales en los gestos, los cuales no se notan en el periodo anterior y también en la postura de las estatuas, que eran de una forma más natural y donde las articulaciones y músculos se veían más reflejadas.

Dórico

Aparece en el siglo VII a.C. El capitel dórico es abstracto, se compone de dos elementos geométricos sin decoración escultórica: el primero, llamado equino, es una sección ascendente de esfera en forma de disco, mientras que el segundo, el ábaco, es un prisma recto de base cuadrada sobre el que descansa el arquitrabe, siendo este capitel una de las más hermosas creaciones del arte griego, por la combinación de sus dos formas, el equino circular y el ábaco cuadrado.

Arcaico

Es uno de los más brillantes de su historia gracias a tres fenómenos, la Colonización del Mediterráneo, el nacimiento de la Polis y las Tiranías. El periodo arcaico abarca desde la conquista de los dorios en el siglo XII hasta el siglo V y fue en este periodo donde surgió la cultura dórica y la jónica.

Se aprovechó mucho el comercio, ya que las buenas condiciones geográficas que poseía Grecia le permitió a los hombres dedicarse a la cultura, a la poesía y al arte.

Helenístico

Las características generales de la escultura helenística vienen dadas principalmente por las novedades técnicas e iconográficas que incorporan. Podemos ver la desaparición de la ley de la frontalidad, una notable aparición de la figura serpentinata, que es una torsión de los cuerpos y los grupos, se empezó a crear grupos escultóricos y no solo de esculturas individuales. Los temas elegidos eran la representación de todas las clases sociales y edades humanas, no solo a jóvenes o dioses y una gran atracción por representar la alegoría como tema.

Orden Corintio

Se caracteriza fundamentalmente por el capitel formado por dos cuerpos, el inferior con doble fila de horas de acanto y unos caulículos o tallitos que surgen entre estas hojas y se enroscan en los ángulos y centros; el ábaco es curvo y más fino, y el entablamento sigue el modelo jónico, más enriquecido por molduras o elementos decorativos. También se destaca por el tamaño de las columnas que responde a una proporción o canon, tomando como unidad de representación ideal del cuerpo humano.

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“La escultura es el arte de la inteligencia” – Pablo Picasso

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¿Por qué nos sigue gustando?

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i bien el término ‘clásico’ puede denotar que se trata de un estilo firmemente congelado en el tiempo, con los años se le han aportado nuevos contextos y perspectivas para ayudarlo a evolucionar. ‘El modelo clásico se ha ido reinterpretando constantemente; desde el arte renacentista hasta el neoclásico, explica Caterina. Es un testimonio de que el estilo ha perdurado. A primera vista puede parecer rígido, pero sus fundamentos básicos de elegancia, forma y realismo se han hecho sentir entre el público a lo largo de los tiempos.

“El arte es la filosofía que refleja un pensamiento.”

– Antoni Tàpiez

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El arte clásico también es una inversión sensata y valiosa, impregnada de cualidades menos obvias aunque sí gratificantes. ‘Invertir [en arte clásico] es invertir en una obra artesanal de la mayor calidad, sustentando al mismo tiempo nuestro patrimonio cultural’, dice Caterina. ‘A partir de él podemos empezar a entender el valor de la belleza, que es atemporal y eterna’.

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PROYECTO ACADÉMICO SIN FINES DE LUCRO Fuentes / tiposdearte / EcuRed / Arkiplus / EUROINNOVA DISEÑO: Andrea Bernal

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