ELEMENTOS FUNDAMENTALES EN EL DISEÑO
de tu cabeza a tus manos
Composición Editorial
Los elementos fundamentales en la composición editorial. Tipografía
El arte de diseñar letras y todo lo que tienes que saber al respecto.
Teoría del Color
Y todo lo que no imaginabas sobre los colores y sus armonías.
Ilustración Lineal
Arte en más que solo líneas. Jessica Walsh
Una diseñadora que aspira e
Letras Capitulares
La estética tipográfica medieval.
iNDICE
Cine
Otra ventana a otros
Y sus efectos en el cerebro.
La Divina Comedia
El clásico literario de Dante
Proceso Creativo ¿Qué es?
Cápsula Histórica
El origen y creación de la
Formulario
El origen y creación de la tinta.
Composición Editorial
La composición es un término usado en el diseño, la pintura, la fotografía y la escultura se aplica para hacer uso equilibrado de los distintos elementos gráficos dentro de un espacio de trabajo, con el fin de transmitir de forma clara un mensaje a los espectadores.
Busca satisfacer ciertas necesidades estéticas y prácticas, es la forma total con la que se comunica una plástica y permite ordenar los elementos conceptuales, visuales y técnicos, necesarios para el acto creador.
En la composición involucra elecciones y relaciones fundamentales entre:
- Tamaños
- Direcciones
- Texturas - Colores - Pesos - Alineamientos
Principios Básicos
Equilibrio: Posición simétrica, asimétrica, formal o informal de los elementos dentro de la composición.
Proporción: Relación de los objetos dentro de la composición con respecto al tamaño del documento, así como respecto al tamaño, forma y color de los elementos entre sí.
Jerarquía: Ayuda al lector a encontrar qué es lo más importante. Este elemento dominante debe tener impacto, capturar rápidamente la atención e interes del lector.
Ritmo: El colocar los elemntos de nuestra composición en direcciones contrarias permite aumentar la sensación de movimiento, agilidad y rapidez.
Unidad: Es la que da coherencia a todo lo anterior y nos indica que el diseño está bien construido.
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Índice
Fragmento de revista y un estilo moderno de composición
Elementos
El Texto: Es el conjunto tipográfico de toda la publicación y debe formar parte de una familia tipográfica, no se podrán utilizar muchas tipografías solo “porque me gustan”. Cada una de las formas de la tipografía expresa conceptos específicos. Por otro lado se tiene que analizar si es legible.
Las Imágenes: La elección y el arreglo de cada una, está en función de lo que se quiere expresar y del acompañamiento del texto para dar fuerza.
Los Márgenes y Cuadrícula: Cada uno, es de suma importancia, pues dependerá si colocamos en determinada posición una imagen o texto. El Formato: Aquí debemos tomar en cuenta el tamaño, la posición del papel, pues pliegos más grandes permitirán más información y menos páginas, o a la inversa, pliegos más pequeños contendrán menos información pero me permite tener más páginas, depende la necesidad de cada cliente.
Espacios en blanco o Aire: Todas las publicaciones tiene espacios vacios esto da una sensación de alivio, de respiro, de aire, de no ser así, todo iría lleno de letras y texto, esto no sería agradable a la vista.
El Concepto o Contexto: Es lo principal para desarrollar, todo el conjunto editorial. No es lo mismo hacer una publicación para niños que una para ingenieros. Cada mercado tiene características distintas.
El Color: Sera la gama de colores que nos acompañen edición tras edición y la elección se hace en base al concepto ya determinado.
Equilibrio y Armonía: Al finalizar nuestra publicación debemos analizarla, ver críticamente el conjunto y ver si guarda una armonía en su totalidad, pues no vamos a entregar al cliente algo que no sea atractivo.
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Índice
Tipografía
El Arte de Diseñar Letras
De los términos griegos: “typos” golpe, marca o forma, y “graphia” cualidad de escribir. Es el arte de diseñar las letras. Se denomina así a la disciplina que estudia la representación gráfica de las letras para que el lenguaje escrito sea efectivo. Se clasifican a las fuentes tipográficas por su morfología en 4 grandes grupos:
Con serifa (romanas): Cuentan con remates, que son pequeños adornos ubicados en los extremos de los trazos de los caracteres. Suelen considerarse serias y tradicionales. Son idóneas para párrafos o textos largos, ya que los pequeños terminales o serifas contribuyen a que se cree una línea imaginaria bajo el texto que facilita la lectura a nuestro ojo.
Sin serifa (palo seco): Se caracterizan por la ausencia de remates. Se diseñan sin serifas y sus trazos apenas presentan contrastes. Suelen asociarse con la tipografía comercial; ofrecen un resultado muy bueno para la impresión de titulares o poco texto, en carteles y publicidad. Este estilo de fuente evoca modernidad, seguridad, neutralidad y minimalismo.
Cursivas (manuscritas): Representan o imitan la caligrafía a mano, por lo que también se les dice caligráficas. Cuentan con una tendencia itálica o cursiva claro. Se ligan entre sí y encontramos curvas más pronunciadas que en las tipografías con serifa o de palo seco.
Decorativas (exposición): También conocidas como tipografías display. Están consideradas como tipografías divertidas, desenfadadas y pueden transmitir una gran variedad de sensaciones. Son transgresoras y contribuyen a llamar más la atención. No obstante, la legibilidad que se puede obtener con este tipo de fuentes es algo más pobre.
Una familia tipográfica es un conjunto de caracte res, alfabéticos o no, que cuentan con unas carac terísticas comunes en su estructura y en su estilo.
Los miembros que integran una misma familia tipográfica se parecen entre sí, pero cuentan con algunos rasgos propios como variaciones de peso, inclinación y proporción. Esto lo voy a aclarar con más detalle en el siguiente punto.
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¿Variables?
Son opciones que podemos encontrar dentro de una misma familia tipográfica, modificaciones de la morfología de la tipografía. Esas modificaciones podemos encintrarlas en tres puntos específicos, que aunque alguno se puede parecer a otro, tiene puntos diferentes:
Peso: Variable de grosor o tono, afecta al trazo de los caracteres. Se modifica la relación entre el ancho del trazo y los espacios vacíos dentro de cada signo tipográfico.
A A A A A A A A a a a a a a a a
¿Versalitas?
Proporción: Variable de ancho que afecta directamente a la estructura de los caracteres. Hace referencia a la modificación del ancho de la letra. En principio el trazo no varía.
Inclinación: Variable tipográfica que modifica el eje de los caracteres. Hace referencia al ángulo de inclinación de la tipografía. Cambia la estructura y se altera el ritmo.
Regular Sin Inclinación - AAA aaa Itálica Con Inlinación - AAA aaa
Tipografías que cuentan con alfabetos que mantienen la altura de caja alta (mayúsculas) a la misma altura que las de caja baja (minúsculas). Las versalitas son tipografías que pueden ser de gran utilidad si por ejemplo lo necesitamos por valor estético.
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Tipografía
Teoría Del Color
El tema del color es muy complejo, existen infinidad de combinaciones y no hay una fórmula mágica para conocer todos sus trucos y secretos.
Partiendo de los tres colores primarios podemos establecer una serie de mezclas que nos llevarán a la obtención de una extensa gama de posibilidades.
De hecho las teorías de la luz y el color demuestran que se pueden pintar todos los colores de la naturaleza con solo los tres colores primarios. Hay que distinguir entre dos tipos de color:
Color luz: Es inmaterial proveniente del sol o proyectores artificiales: bombillas, llamas, etc.
En nuestro hobby utilizamos evidentemente los colores pigmento), pero es la luz inmaterial la que incide sobre las cosas que vemos, también sobre nuestras figuras.
El color, independientemente de si es luz o materia, se compone de tres colores primarios: Colores Primarios:
Color pigmento: Compuesto por pigmentos artificiales, tales como pinturas en sus diferentes modalidades: acrílicos, óleos, esmaltes, etc.
Colores Secundarios:
Colores Terciarios:
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Armonía
La armonía del color es una técnica básica de la teoría del color para combinar colores. Esta técnica propone relaciones posibles entre colores a las que podemos apelar para transmitir nuestro mensaje o crear cierto universo. Conocerla es importante para orientar nuestro arte o comunicación hacia una estética agradable y lograr mejores resultados.
Monocromía: Se trata de la armonía conseguida por un solo color y sus diferentes tonos.
Complementarios: Establecen una relación de complementariedad. Son directamente opuestos en la rueda.
Triádicos: Utiliza tres colores separados de mane ra equidistante en el círculo cromático.
Rectangular: El círculo cromático y dibuja un rec tángulo. Los colores en los que se apoyen los vérti ces serán los que conformen la tétrada
Cuadrados: Al igual que los rectangulares, en el círculo cromático dibuja un cuadrado.
Análogo: Aquellos cercanos entre sí, es decir, son muy parecidos a los que tienen al lado en el círculo cromático.
Análogo Complementario: Aquellos que están cercanos entre sí y además usan algun color opues to en la rueda.
Dividido Complementario: Son aquellos dos co lores situados a cada lado de un color complemen tario en el círculo cromático.
La forma más sencilla de establecer relaciones en tre los colores, es prestar atención a la diferencia ción entre colores cálidos y fríos.
Los colores cálidos están en el lado rojo, amarillo y naranja de la rueda de color. Son ardientes, inten sos y energéticos.
Los colores fríos se encuentran en el lado azul, mo rado y verde de la rueda. Son acuosos, relajantes y tranquilos.
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Ilustración
Lineal
Creado con lápiz, tinta o pixeles, el arte lineal describe ilustraciones monocromáticas compuestas de líneas de diferente grosor.
Puedes crear arte lineal con cualquier color en un fondo estable, aunque suele hacerse en blanco y negro. Es el equivalente del arte moderno a tocar una canción con un solo instrumento. Y no se trata de hacer unos garabatos facilillos. Puedes ilustrar hasta los sujetos más complejos solo con líneas negras sobre un fondo estable.
Muchos grandes artistas a lo largo de los siglos experimentaron con sus propios estilos de arte lineal. Piensa en los bocetos científicos de Leonardo Da Vinci, en el arte lineal abstracto de Pablo Picasso y en el minimalismo de Matisse.
A principios del siglo XX, el pintor Efon Schiele creó los dibujos de contornos con poco o nada de sombreado. Los dibujos de Schiele se centran en la expresividad de las líneas y en la forma exterior del sujeto en cuestión. Los artistas usan el arte lineal para bodegones, retratos, ilustraciones de libros, cómics y novelas
gráficas. Un buen dibujante lineal puede crear arte mural con una línea continua de tinta negra. De hecho, hay un gran mercado de láminas de arte lineal escandinavo (que suele llamarse “Scandi”). Otros artistas emplean líneas geométricas para crear despampanantes patrones. Además, durante décadas, el diseño de tatuajes incluyó imágenes hechas con arte lineal, como imitaciones de dibujos de marineros antiguos y gráficos de catálogos emblemáticos.
En cualquier caso, el dibujo lineal es una forma eficaz de aprender sobre los diferentes elementos del arte, como la luz, la textura, la perspectiva y la composición.
Un buen dibujo de arte lineal es, generalmente, nítido, definido y fácil de leer. Este tipo de arte es el punto de partida perfecto para ilustraciones a color y acuarelas.
El dibujo lineal es un estilo que merece la pena practicar si quieres mejorar tu habilidad de plasmar la luz y las sombras en el arte.
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¿Quieres Aprender?
Puedes crear bocetos lineales para aprender a dibujar y mejorar tus habilidades en otros estilos de arte, como el diseño gráfico. El arte lineal es el punto de partida perfecto para ilustraciones a color y acuarelas. Con pinceles de acuarelas digitales, puedes agregar color a una nueva capa para que fluya de forma nítida sobre o bajo las líneas. Adobe Fresco tiene todas las herramientas que necesitas para sumergirte en el arte lineal en una aplicación digital. Puedes crear cientos de bocetos sin una sola hoja de papel y experimenta con grosores de pinceles y texturas diferentes.
Trabaja con capas para agregar arte lineal sobre un boceto o foto de forma sencilla. Aplica la herramienta Suavizado a tu pincel en Fresco para que la aplicación corrija de forma automática los trazos temblorosos.
Practica con estos consejos de arte lineal de la mano de ilustradores profesionales:
1. Prueba a usar líneas de contorno simplemente para delinear las diferentes áreas de tu sujeto o agrega sombreado con rayado cruzado y líneas de diferentes grosores.
2. Experimenta con diferentes grosores de línea. Puedes usar bolígrafos o pinceles digitales de diferentes tamaños: uno de grosor medio para las líneas principales, uno más grueso para enfatizar y uno más fino para agregar pequeños detalles o líneas de sombreado. O puedes simplemente presionar más fuerte o más suave en el papel o tableta digital para obtener diferentes grosores con solo un pincel.
3. Tras algunos bocetos, practica comprometerte con la primera línea que dibujas, en lugar de dibujarla una y otra vez. “Casi todos los artistas comienzan haciendo demasiadas líneas y, a medida que mejoran su habilidad, aprenden a comprometerse con la línea que quieren dibujar y a ejecutarla”, cuenta Case.
4. Ten a mano siempre un cuaderno de bocetos para practicar. Haz algunos dibujos de calentamiento de objetos aleatorios para que la mano se acomode y esté lista antes de sentarte a dibujar lo que en realidad quieres plasmar.
5. Crearás líneas más suaves al hacer trazos en la dirección contraria a tu cuerpo y no llevando la mano hacia ti mientras dibujas. Case explica: “Si no rotas el lienzo, la mano se va a interponer entre lo que tu mente quiere plasmar en el papel”.
6. Es importante que tus dibujos lineales sean nítidos y no estén pixelados. Dibuja con una resolución alta, de 600 a 1200 DPI y, si necesitas reducirlo para imprimirlo o para un sitio web, emplea el método de interpolación correcto. Para el arte monocromático en Adobe Photoshop, lo mejor es emplea el método del “vecino más cercano”. “No voy a agregar nada de gris entre el blanco y el negro”, afirma Case.
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Estilo de ilustración lineal
Es una directora de arte y diseñadora socia del famoso estudio Sagmeister & Walsh.
Una ‘niña prodigio’ del diseño que crea conceptos para trabajos de branding, publicidad, diseño editorial, vídeos o cualquier otro ámbito. Comenzó a indagar en el mundo del diseño cuando solo tenía 11 años y ya sabía programación web. Más tarde estudió Diseño Gráfico en la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD).
Walsh se mudó a la ciudad de Nueva York para realizar prácticas en Pentagram durante casi un año. Posteriormente trabajó como directora de arte en la publiciación Print.
Ha diseñado e ilustrado proyectos para diversos libros, revistas y periódicos, incluyendo The New York Times y New York Times Magazine.
A través de su trabajo ha ganado numerosos premios destacando el Type Director’s Club, Art Director’s Club, SPD, Print, New York Festivals, D&AD, TDC Tokyo, y el galardón Graphis entre muchos otros. Ha sido incluida en la publicación Forbes entre el listado 30 menores de 30 años y en ADC Young Gun.
Desde 2012 forma equipo con Stefan Sagmeister en el estudio Sagmeister & Walsh, para cuya presentación oficial no tuvieron reparos para quedarse en pelota picada. Actualmente imparte conferencias sobre diseño y creatividad en diversas universidades de todo el mundo. También es profesora de Diseño y Tipografía en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York.
2010,
su
de diseño, Sagmeister Inc. En junio de 2012, después de dos años en la empresa, Walsh se hizo socia del estudio con 25 años. Para hacer público este hecho, se hicieron una serie de fotografías desnudos. Sagmeister ya había participado en este tipo de fotos cuando anunció la formación de su propia empresa 19 años antes.
Así, los nuevos socios publicaron una foto de sí mismos desnudos en su oficina para anunciar el cambio de nombre de la empresa a Sagmeister & Walsh. Entre sus clientes están: Barneys, Fugue, el Museo Judío, Kia, The New York Times, Levi’s, Adobe, Aishti & Aizone y Frooti, entre otros.
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Jessica
En
Walsh conoció Stefan Sagmeister, quien tras observar su portfolio le ofreció trabajo en
estudio
Walsh
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Jessica Wlash y Stefan Sagmeister
Trabajo
Los trabajos de Jessica Walsh se caracterizan por conver ger una mezcla de artesanía, fotografía y pintura con el diseño digital más actual.
Se ha especializado en trabajos de branding, tipo grafía, diseño de páginas web e instalaciones de arte. Su estilo ha sido descrito como «audaz, emocional y provocativo», con el broche de oro de un «surrealismo ocasional». Está representada por Creative Artists Agency.
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Letras
Capitulares
e una manera simple y prác tica podríamos aplicar la de finición de capitular a la letra que aparece al comienzo de una obra, capítulo o párrafo y que ésta tenga un tamaño sus tancialmente mayor que las letras mayúsculas y minúsculas que la acompañan en el texto, ocupan do, por lo general, el espacio de dos o tres líneas, aunque no es raro que abarque más renglones, e incluso que se extienda a lo largo del margen iz quierdo de toda una columna de texto o página de libro. capitulares
E l término “capitular” (a veces se usa errónea mente en su lugar el término “capital”), con el que se denomina a estas letras de gran formato y gene ralmente muy adornadas, proviene de la palabra latina capita (nominativo y acusativo plural de caput-capitis) que significa literalmente “cabeza”, “capítulo” o “comienzo”; su etimología hace pues clara referencia a su uso en el comienzo de capí tulos y párrafos de manuscritos y libros.
Su utilización obedece a varios supuestos que van desde el objetivo más puramente estético, hasta un fin práctico como es el de la localización fácil de un determinado pasaje en una tirada larga de texto, hecho este importante cuando no existía numera ción en las páginas y los libros eran de más difícil consulta que los actuales.
L as letras capitulares tienen una larga historia que va desde la época romana, pasando por los códices miniados de la Edad Media, continuando por los primeros libros impresos, hasta llegar a nuestros tiempos en que impera la edición digital de textos.
A lo largo de todos estos periodos, las letras capitu lares han jugado un papel, variable en importancia según las épocas, pero que nunca ha desaparecido por completo, basta echar un vistazo a cualquier periódico o revista actual para observar que el em pleo de las letras capitulares aún sigue existiendo.
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En la tradición clásica tardía se usaban letras mayúsculas para las capitales en todo. En textos romanos que han sobrevivido, a menudo es difícil incluso separar las palabras, ya que no se utilizaban espacios. En la época tardo-antigua, su uso fue común en toda Italia y las letras capitales por lo general se colocaban en el margen izquierdo, para aislarlas del resto del texto, y casi con el doble de altura de las otras letras. En los manuscritos insulares, se efectuó una innovación radical, haciendo las capitales mucho más grandes, sin sangría, y con las letras que lleva inmediatamente a continuación también más grandes, pero disminuyendo gradualmente su tamaño (llamado efecto «diminuendo», como en la notación musical). Posteriormente se hicieron todavía más grandes, se colorearon y cada vez se extendieron más por la página, hasta incluso ocuparla enteramente.
La decoración de las letras capitales en el estilo insular, especialmente en las grandes, fue generalmente abstracta, geométrica o zoomórfica. Las capitales historiadas fueron una invención insular, pero no fueron tenidas en cuenta hasta el desarrollo del arte otoniano, del arte anglosajón y del estilo románico en particular. Después de este período, en el arte gótico, grandes pinturas de escenas tendían a ir en espacios rectangulares enmarcados, y la letra capital, aunque seguía siendo a menudo historiada, tendía a ser nuevamente más pequeña.
En la más temprana historia de la impresión, la composición dejaba en blanco el espacio necesario para que las letras capitales pudiesen ser añadidas por los copistas o pintores de miniaturas. Más tarde, el impresor veneciano Lorezo Alopa comenzó a imprimir las letras capitales realizadas usando técnicas de grabado en metal o madera.
¿Variables?
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El Cine
Una Ventana a Otros Mundo
El cine ha sido siempre un eminentemente temático, diversificando sus contenidos hasta el límite. En el cine se han tratado todos los temas y se ha filmado casi todo.
La historia del cine como espectáculo comenzó en parís el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cinematógrafo ha evolucionado mucho, desde sus inicios con el cine mudo de los hermanos Lumière hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluidas las convenciones del género, y han surgido así distintos géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, con lo que se desarrollaron distintos movimientos cinematográficos.La idea de capturar, crear y reproducir el movimiento por medios mecánicos es muy antigua, existieron antecedentes tales como la cámara oscura, el taumatropo, la linterna mágica o
el fusil fotográfico. La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del siglo XIX.
Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine, al patentar el kinetoscopio creado en su laboratorio por William Dickson, el cual, sin embargo, solo permitía funciones muy limitadas.
Inspirándose en este e integrando diversos inventos y descubrimientos de la época, como el rollo de fotos de Eastman, los hermanos Lumière (hijos del fotógrafo Antoine Lumière) crearon el cinematógrafo: este dispositivo que desarrollaron permitía la toma, proyección y hasta el copiado de imágenes en movimiento, así como el espectáculo público derivado de la exhibición del funcionamiento del aparato.
Géneros por Formato
Cine Mudo: No disponen de una grabación de sonido. Solamente están compuestas por imágenes.
Cinema Sonoro: Las películas incorporan una grabación de sonido sincronizada con las imágenes.
Cine 2D: Cine proyectado en dos dimensiones: altura y fondo.
Películas 3D: En estas películas se suma el ancho a las otras dimensiones, siendo así una película 3D.
Animación: Películas que se componen de fotogramas hechos a mano y que, pasados rápidamente uno detrás de otro, producen la ilusión de movimiento o vídeo.
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Sabías que...
El cine fue mudo durante sus primeros 30 años y fue hasta 1927 cuando el primer largometraje sonoro fue posible
Géneros Cinematográficos
Una obra puede estar catalogada en dos o más géneros a la vez dependiendo de las características que se tomen en cuenta y como también ocurre en la literatura, en el cine se pueden encontrar géneros y, dentro de ellos, subgéneros. Resultando así una lista de géneros y subgéneros tan larga como variada.
Acción: En este género prevalecen altas dosis de adrenalina, movimiento, fugas, acrobacias, peleas, guerras, persecuciones y una lucha contra el mal.
Aventuras: Similares a las de acción, predominan las nuevas experiencias y situaciones.
Ciencia Ficción: Basados en fenómenos imaginarios, en la ciencia ficción son usuales los extraterrestres, sociedades inventadas, etc.
Comedia: Diseñadas específicamente para provocar la risa o la alegría entre los espectadores.
No - Ficción / documental: Este género analiza un hecho o situación real sin ficcionarlo.
Drama: Se centran en desarrollar el problema o problemas entre los diferentes protagonistas. Este es quizás uno de los géneros cinematográficos más amplios de la lista.
Fantasía: En ellas se incluyen personajes irreales o totalmente inventados, inexistentes en nuestra realidad.
Musical: Las películas que cortan su desarrollo natural con fragmentos musicales son protagonistas de este género.
Suspenso: Conocido también como intriga, estas películas se desarrollan rápidamente, y todos sus elementos giran entorno un mismo elemento intrigante.
Terror: Su principal objetivo es causar miedo, horror, incomodidad o preocupación.
Géneros por Ambientación
Religiosas: Su temática está enfocada a una religión.
Futuristas: Tienen lugar en épocas futuras, y sus personajes pueden ser realistas o ficticios.
Policíacas: Suelen tener lugar en una escena del crimen y se centran en resolverlo.
Crimen: Su foco se posa sobre la vida de los delincuentes o criminales.
Bélicas. También conocidas por centrarse en conflictos bélicos o guerras. Históricas: Se ambientan en épocas determinadas, con recreaciones de personas, hechos, lugares o argumentos. Deportivas.
Western: Famosas por centrarse en el territorio occidental de los Estados Unidos de América.
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Carteles representativos cinematográficos
Los seres humanos convivimos con la música en todo momento. Es un arte que nos hace disfrutar de tiempos placenteros, nos estimula a recordar hechos del pasado, nos hace compartir emociones en canciones grupales, conciertos o tribunas deportivas. Pero eso que resulta por demás natural, se produce a través de
complejos y sorprendentes mecanismos neuronales. Es por eso que desde las neurociencias nos hacemos muchas veces esta pregunta: ¿qué le
La música se origina a través de vibraciones producidas por algún instrumento, por la voz u otra fuente. Estas ondas son transportadas a través del aire por medio del cual el oído externo capta el sonido y lo dirige hacia el lugar donde se
Luego tres huesos diminutos en el medio del oído amplifican las ondas sonoras antes de que ingresen al oído interno. Finalmente esas ondas son convertidas en impulsos eléctricos que son transmitidos al cerebro por medio de los nervios auditivos y es en ese momento en el que el cerebro
Según el estudio, los estudiantes que tomaron cursos en presentación musical y apreciación de la música puntuaron más alto en los exámenes de SAT que aquellos que no lo hicieron. Presentando un promedio de 61 puntos más en el área verbal y
Además, los resultados también demostraron que Reciben mayores honores académicos y premios que los que no estudian
Presentan el mayor porcentaje de estudiantes de medicina
Tienen mejores habilidades
Efectos
La música puede llegar a mejorar las habilidades lingüísticas, la creatividad y la felicidad, ayuda a disminuir la ansiedad y el dolor, a sanar algunas enfermedades neurológicas como Alzheimer, Parkinson y Autismo y provoca una curación rápida e incrementa el optimismo. Otros de los efectos pueden ser:
1. Emoción.
La hormona oxitocina está relacionada a la vinculación que puede existir entre dos personas y puede ser producida por medio del canto. Escuchar música crea picos de emociones que incrementan la cantidad de dopamina, un neurotransmisor que ayuda a controlar los centros de recompensa y placer del cerebro.
2. Memoria.
En un estudio realizado en la Universidad de California en el 2009, se descubrió que existe una parte del cerebro que asocia la música con
recuerdos al experimentar momentos emocionales sobresalientes.
3.
Aprendizaje
y Neuroplasticidad.
La Neuroplasticidad es la capacidad que el cerebro posee para funcionar de forma adecuada luego de algún daño sufrido. La música tiene la habilidad de proporcionar estímulos que construyan nuevos caminos para ayudar al cerebro a renovarse luego de alguna lesión.
4. Atención.
El escuchar música ayuda al cerebro a anticipar acontecimientos y mantener una mayor atención. Aunque en ciertos casos puede también que sean una fuente de distracción y dificulte la capacidad de concentración.
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Índice
La Divina Comedia Dante Alighieri
Fue escrito en el prerrenacimiento, entre los siglos XIII y XIV, pe riodo en el que se gestó en Italia una renovación del mundo cul tural gracias a lo que sería la llegada del Humanismo en la época del Renacimiento; este periodo fue la transición entre la mentalidad medieval y el anuncio de un espíritu renacentista. En este contexto surgió el poeta Dante Alighieri, junto a otros humanistas italiano. Hablar elogiosamente sobre la Divina comedia, de Dante Alighie ri, puede ser ya un cliché. Es difícil encontrar una lista, sea exten sa o mínima, de mayores clásicos occidentales que no sugiera vivamente su lectura. Efectivamente es una obra prima desde muchos puntos de vista.
El libro se divide en tres cánticos denominados infierno, pur gatorio y paraíso, es decir, los novísimos, según la doctrina de la Iglesia. La primera tiene 34 cantos y las otras dos 33 cada una, totalizando 100 cantos. La simbología de los números indica la relación con la Santísima Trinidad: un solo Dios y tres personas divinas. Literariamente, se incluye en la tradición del llamado Dolce stil nuovo (Dulce estilo nuevo), con acentos en la sinceridad, la intimidad, la nobleza y el amor cortés. Como explicó en De vulgari eloquentia (1305), Dante veía también en el idioma vulgar (que es algo parecido a lo que hoy llamamos “italiano”) “un instrumento para hacer cultura y producir belleza, y no solo para ser utilizada para los intercambios comerciales”. Por eso prefirió escribir su poema en la lengua que él ha blaba: una mezcla de italiano con latín, resumiendo.
Si un cierto pragmatismo se asoma en esa elección, todo lo contrario se nota en la temática de los cantos. Ahí encontramos temas literarios, políticos, científi cos, eclesiásticos, filosóficos, teológicos, espirituales y amorosos. Como estamos en el siglo siguiente al del inicio de las primeras universidades europeas, cuyo objetivo era alcanzar la profunda unidad y universalidad del saber, él intenta abarcarlo todo en su obra.
Índice
Monumento a Dante Alighieri en Verona, Italia
Fases
Infierno.
Este no es el sitio para tener esperanza de nada bueno, sino un hondo precipicio que llega hasta el centro de la Tierra, donde está preso el mismo Lucifer. Este precipicio surgió con la caída de Lucifer desde el cielo, tan tremenda que generó un enorme agujero, un vacío, una nada, como aludiendo al mismo mal, que no es criatura de Dios, no tiene esencia, es solamente la privación del bien, como el frío no es nada sino la privación del calor, o como la oscuridad no es nada sino la privación de la luz.
Purgatorio.
La espantosa caída de Lucifer al otro lado del planeta había desplazado la masa de tierra, generando, en el lado opuesto, una montaña. En la Biblia, la montaña es el sitio del diálogo con Dios, de la oración, asequible a la capacidad humana, a pesar de requerir esfuerzo y causar fatiga. Ahí están los que agridulcemente sufren purificándose de sus imperfecciones mientras esperan el cielo tarde o temprano, ya con esperanza. Siete terrazas dividen el purgatorio, de acuerdo con los siete pecados capitales, pero ahora el orden es el inverso: al inicio de la montaña encuentran los pecados más graves, que están más lejos del cielo. A diferencia del infierno y del paraíso, en el purgatorio no se encuentran ángeles, sino solo hombres.
Paraíso.
En la cumbre de la montaña dan con el paraíso terrenal, donde estuvieron Adán y Eva y desde el cual Dante accede al paraíso celestial. Y ahí Virgilio se ve impedido de seguir guiándole a Dante. Como poeta pagano, no es apto para ascender a los cielos, simplemente no puede. Sin embargo, a esta altura del trayecto, su discípulo ya se encuentra suficientemente com pungido y enmendado como para cruzar el umbral del paraíso.
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Índice
Secuencia de fases de libro La Divina Comedia
Proceso Creativo ¿Qué es?
No es más que el conjunto de pensamientos e ideas mediante el cual se crea algo novedoso, para concretar una idea en el plano material es necesario seguir una serie de pasos estructurados.
La creatividad también se aplica para dar solución a un problema existente, lo que se traduce en desarrollar los procesos cognitivos, capacidad de pensamiento y análisis para encontrar la solución adecuada a ese problema.
Ser creativo es tener la capacidad de inventar algo nuevo, la creatividad está ligada al pensamiento, memoria, imaginación e inteligencia las cuales tienen un papel protagónico en la concepción y materialización de una idea. Cabe destacar que la creatividad está conformada por una serie de elementos tales como:
- Espontaneidad
- Inspiración
- Libertad
- Sensibilidad
- Excitabilidad
La creatividad es un proceso mental imaginario, a través de ella se refuerzan las áreas de seguridad, confianza y autoestima de las personas, además aumenta la capacidad de adaptación a cambios donde se deban afrontar retos.
La creatividad se relaciona con la intuición, lógica y el conocimiento, aunado a las habilidades o
destrezas de la persona para transformar una idea en un hecho tangible, sin embargo, la inspiración sigue siendo protagonista como motor generador de ideas.
La creatividad se manifiesta de diferentes maneras, tomando en cuenta su nivel de desarrollo:
1. Nivel expresivo
Hace referencia a la expresión de sentimientos, la creatividad es libre y espontánea al no depender de técnicas o habilidades.
2. Nivel Productivo
Es una creatividad que nace de las habilidades y aptitudes de las personas, la técnica de ejecución se basa en la cantidad del producto más que por el contenido.
3. Nivel Inventivo
La creatividad se relaciona con la capacidad de invención, desarrollando procesos novedosos, se aplica en los campos de la ciencia y arte, se descubre una nueva forma de ver las cosas.
4. Nivel Innovador
Es una forma de creatividad en la cual se producen cambios positivos a través de un producto o servicio que abarca el ámbito cultural, la originalidad es un factor clave en este tipo de creatividad.
5. Nivel Emergente
La creatividad surge de nuevos pensamientos, se crean nuevas ideas desde cero es un proceso creativo que define a las personas talentosas.
Índice
Todo proceso creativo implica una serie de características para potenciar el desarrollo de la creatividad, entre estas características se encuentran:
- Intuición
- Curiosidad
- Perspicacia
- Poder de toma de decisiones
- Capacidad para ver las cosas desde otro punto de vista
- Imaginación
- Independencia
- Autonomía
Estas características son claves para desarrollar ideas innovadoras para solucionar los problemas
Características Etapas
planteados, es relevante acotar que la creatividad se puede aplicar a los distintos ámbitos personal o profesional.
A nivel laboral el pensamiento creativo es relevante para destacarse de la competencia, en el marketing es un factor imprescindible para diferenciar una marca de otra, una persona creativa es capaz de generar pensamientos más alla de los límites preestablecidos.
Actualmente las empresas reconocen la importancia del pensamiento creativo a la hora de competir con otras industrias.
1. Preparación
Fase inicial del proceso creativo, en la cual se estudia el contexto y define el problema para generar la lluvia de ideas.
2. Incubación
Fase a través de la cual se establecen los parámetros para crear una idea orientada a resolver el problema.
3. Iluminación
La idea cobra fuerza y en la memoria se va materializando.
4. Verificación
Es la fase del proyecto donde el pensamiento crítico toma el protagonismo, su función es validar si la idea es eficaz y funcional.
5. Adaptación y Difusión
Fase final del proceso creativo, en la cual se materializa la idea para crear un proceso innovador.
Una vez se materializa la idea se puede producir una modificación del concepto original como estrategia comercial para adaptar el producto a las necesidades del mercado, la creatividad es personalizada en cada individuo, aunque tienen factores comunes:
Fluidez (Se ven varias soluciones a un problema)
Originalidad (Capacidad de crear soluciones innovadoras a la problemática)
Flexibilidad (Adaptación de la solución a la realidad)
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Sabías que...
Se considera que los inventores de la tinta fueron los chinos, sobre el año 2500 a.C. La primera tinta de la historia estaba elaborada con hollín, elementos aromáticos y pigmentos vegetales naturales. Escribían en diferentes superficies, pero todavía no se había inventado el papel.
La tinta china fue inventada según la tradición milenaria china por Wei-Tang. Era una mezcla ya conocida en el mundo antiguo (sobre todo en la India), en la que entraban a formar parte el negro de humo y la cola soluble, y que como en la Antigüedad, se fabricaba en bloques sólidos.
Hacia el 2450 a.C., los chinos elaboraban la tinta teniendo como base el hollín, la cola y algunas sustancias aromáticas. Aquella mezcla tenía consistencia espesa tras haberse dejado
hasta el punto de formar pequeños bloques a los que se daba forma de barra, de modo que cuando se quería utilizar era necesario disolverla en agua.
Los antiguos chinos mojaban en ella un pincel humedecido, y sus resultados eran similares a los de la tinta china actual. En aquellos tiempos solo existían dos colores de tinta. Cada una de ellas tenía diferentes ingredientes en su elaboración:
Para obtener tinta roja, echaron mano del sulfato de mercurio.
Para elaborar la tinta la negra, se obtenía mediante el sulfuro de hierro mezclado con un barniz procedente de la savia del zumaque, arbusto rico en tanino.
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