-> Sobre el retrato, no puedo dejar de pensarlo como una unidad. El primer factor que considero es que las personas nos encontramos en constante evolución, de manera que algunos elementos características de una persona durante un determinado tiempo, posteriormente pueden perder relevancia. Además, existen los sentimientos que aunque se intenten ocultar, dependiendo de las experiencias que haya tenido la persona a retratar, pueden modificar mucho su forma de verse y, considerando el tema de la empatía, si el artista toma estos sentimientos y los interioriza también se puede dar un resultado aún más alterado. Segundo, entre artistas siempre habrán distintas visiones del mundo, pensamientos, ideas, creencias y en sí, una distinta comprensión sobre los elementos que le rodean aparte de las diferencias en cuanto a habilidades artísticas. De esta manera, si 100 artistas realizan un retrato, aunque sea de la misma persona, serán distintos y siempre tendrán ese elemento característico, no de la persona retratada, sino del artista quien prestó su visión y habilidad técnica para la representación. También, creo que los retratos, aunque tengan el mismo modelo y sean retratados por el mismo artista pueden llegar a variar y no sólo por la imposibilidad de copiar la realidad tal cuál es, sino que hay sentimientos, conceptos y pensamientos que pueden cambiar su visión de la persona retratada en el específico momento que se realiza la obra.
En cuanto al autorretrato; conforme hacía la lectura surgió una inquietud en mi persona, ya que se enfatizaba la idea de que el artista ha sentido la curiosidad o la tentación de retratarse por lo menos una vez. Realmente nunca me ha dado esa curiosidad; las dos veces que realicé un autorretrato fue por asignación y ahora que miro de nuevo esas obras noto que dejé atrás muchas características que ahora considero más importantes en mi persona. Creo que en aquel entonces vi en el autorretrato la posibilidad de mostrar la persona que quería llegar a ser y no quién era realmente en ese momento. Comencé a cuestionarme entonces si verdaderamente era artista hasta que llegué a la parte de la lectura sobre los retratos narcisistas y entonces comprendí que mi visión sobre el autorretrato se estaba orientando hacia un lugar que no me agradaba, pues creía en el poder sacar provecho a las “mejores” características (y esto era condicionado según estereotipos o creencias que surgen a nivel social) de cada persona, o para mostrar solo los detalles con los que nos sentimos a gusto y esconder nuestras inseguridades detrás de máscaras.
Ahora, al igual que he evolucionado como persona también lo hizo mi pensamiento, viéndome impulsada a pensar que la belleza y la esencia de una persona están marcadas en su entereza, no por las características (no sólo físicas) que la sociedad cree aceptables. De esta manera el autorretrato abre las puertas a vencer las construcciones sociales y reforzar que todos somos seres humanos sin importar nuestras diferencias y que en todos nosotros hay esa esencia imposible de replicar. También nos enseña que no necesariamente es narcisista si un artista desea realizar autorretratos sabiendo que estos no tienen fuerza en el mercado, pues está diciéndole al mundo “este soy yo” y probablemente le ha tomado un enorme proceso para conocerse y aceptarse a sí mismo, un proceso que muchos deciden evitar, optando por esconderse en las visiones modificadas que presentan los espejos y la fotografía.
Aún tras la lectura me quedaba una incógnita, ya que creo que el retrato y el autorretrato de igual manera siempre estarán determinados por el estilo artístico de su respectivo autor. Un retrato realista conlleva un gran estudio y experiencia con el medio que se utilice, además de una habilidad para observar detalles. Opino que lo bonito de los artistas es reconocer sus estilos, observar sus procesos artísticos y aprender de ellos, abriendo paso a que cada uno de nosotros desarrolle un nuevo estilo y así sucesivamente. Pero entonces, si dos artistas realizan un retrato del mismo modelo, viéndose uno más realista que el otro, ¿se consideraría el que tiene menor precisión realista como un retrato narcisista al omitir ciertos aspectos de la persona retratada? Personalmente me gustaría creer que no, pues realmente el retrato y el autorretrato no tienen límites. Considerando todas las variables que mencioné anteriormente, la magia del retrato es que puede variar de muchas maneras según el contexto bajo el que se realice, así como las personas estamos en constante cambio, lo mismo aplica para el autorretrato. Simplemente, estos factores nos obligan a abrir nuestras mentes, ser más receptivos de los signos que se presencian en el arte y poner un esfuerzo para reflexionar sobre ellos, tratar de comprender la visión del artista para así poder destacar las ideas que este quiso transmitir sobre la persona retratada o sí mismo.
Se trata de una propuesta de auto representación utilizando algún elemento que tenga gran significado para nosotros, el cual nos pueda representar
-> Diseño I
Nombre: Alice Fiorella Amador Miranda
Carnet: C10420
Curso: Diseño IV - II ciclo - 2022
Título: Diseño I
Técnica: lápices de color sobre Bristol
Dimensiones: 21 cm x 25 cm
Explicación
-> Este diseño consiste en representar cómo se sintió la llegada de mi grupo musical favorito a mi vida. Quise realizar una obra bastante colorida, ya que el conocer a la banda le dio un nuevo sentido a mi vida y posteriormente me llevó a desarrollar las pasiones que hoy en día me motivan a seguir adelante. El globo aerostático se inspira en la portada de uno de los álbumes más significativos, el cual fue seleccionado como inspiración para la práctica y posee manchas de pintura para representar el nacimiento de mi amor por el arte y el diseño. También hay estrellas y nubes de colores que imitan el atardecer y la galaxia, esto es debido a que me recuerdan algunos de los mensajes más significativos del grupo. La ballena ilustrada representa a la ballena de 52 hz, la cual tiene una historia muy triste pero le brindaron un nuevo significado para ayudar a sus fans a combatir la soledad. El pez naranja tiene una relación muy profunda con mi persona y nació gracias a una canción de esta agrupación, representa el confort que hay dentro de los momentos más difíciles. Finalmente, la mariposa posee colores cálidos, se coloca sobre la mano en tonos fríos y con heridas, pues se avecina una nueva etapa de mucha liberación tanto personal como artística.
Práctica #2
Se trata de una propuesta de auto representación utilizando algún elemento que tenga gran significado para nosotros, el cual nos pueda representar.
-> Diseño II
Nombre: Alice Fiorella Amador Miranda
Carnet: C10420
Curso: Diseño IV - II ciclo - 2022
Título: Diseño II
Técnica: lápices de color sobre Opalina
Dimensiones: 11 x 17 pulgadas
Explicación
-> Para este diseño se buscó integrar el objeto al soporte, agregando elementos tanto debajo como sobre el álbum. El fondo permanece blanco para que así sea acorde al álbum, cuyo fondo también es de ese color. Los elementos ilustrados están en orden, hay nubes, después de ellas caen gotas de lluvia y hojas. Con estos elementos se desea expresar que en la vida no siempre hay momentos felices o perfectos, aveces llueve y se marchitan los árboles, pero ambas acciones indican la llegada de tiempos mejores así que el globo sube hacia las estrellas a pesar de las adversidades. Este álbum contiene las canciones que escuché por primera vez cuando conocí el grupo y me han acompañado en los mejores y peores momentos, siendo esta la razón de la manera de representar mi relación en cuanto al objeto.
Esta práctica consiste en realizar un autorretrato pero con ciertas condiciones.
En primera instancia, se debía dibujar nuestro rostro mientras nos mirábamos en el espejo. Las condiciones eran que no podíamos mirar el papel, únicamente a nosotros mismos; debíamos usar un marcador de un único color; era bastante rápido.
Nombre: Alice Fiorella Amador Miranda
Carnet: C10420
Curso: Diseño IV - II ciclo - 2022 Título: ¿Alice? Oculto Técnica: Marcadores
Dimensiones: medio pliego
Práctica #4
Foro de discusión sobre arte conceptual. Para esta práctica, se elaboró un comentario utilizando como referente el texto de Sol LeWitt, “Párrafos sobre arte conceptual”
-> Siento algunas contradicciones en el texto de Sol Lewitt. Primeramente me gusta la manera en la que se remarca que en el arte conceptual, la idea o concepto es la parte más importante de la obra, de manera que es independiente a las habilidades del artista como artesano. Sin embargo, después vemos que comienza a colocar limitaciones sobre el arte conceptual; diciendo cuál debería ser el tamaño adecuado, cuál debe ser la simplicidad de las formas, su irregularidad, si se pueden usar materiales “nuevos”, si puede ser utilitario o no. Al leer estas partes del texto me cuestiono entonces por qué le está dando tanto valor a los acabados estéticos, siendo él mismo un artista conceptual, si lo más importante es expresar una buena idea o concepto, “no importa que forma pueda finalmente tener”. Si bien al final dice que no defiende una sola forma de arte conceptual para todos los artistas, me parece que cae en el fenómeno de seguir apegándose al valor estético de la obra y no verdaderamente en la idea, pensamiento que puede generar que muchas obras no sean apreciadas y comenzar a excluir dentro de esa misma libertad que se le propone al artista conceptual.
Este ejercicio consiste en apropiarse de una obra asignada por la profesora La idea era intervenir tal obra a través de la parodia fundamentada conceptualmente en la deconstrucción o resemantización.
-> Mediante este trabajo estoy realizando una resemantización de “autorretrato con collar de espinas” de Frida Khalo (1940). En su obra, Frida se enfatizó el dolor y sufrimiento que estaba atravesando debido a su divorcio con Diego Rivera. Los animales juegan un rol importante para Frida, siendo estos símbolos, por ejemplo; de amor perdido el colibrí y de esperanza las mariposas. Sin embargo, el gato me llamó la atención, ya que ejemplifica la mala suerte. De esta manera, mi intervención sobre la obra consiste en transferir ese dolor hacia los animales, quienes muchas veces sufren tras ser cautivados por personas que juran respetar a los animales pero terminan domesticándolos, usándolos como entretenimiento o desquite de sus emociones cuando en realidad podrían ser libres. Para lograr esto le di un aspecto más malévolo a Frida, quien sonríe mientras posee presos a los animales, uno de ellos muerto como parte de su joyería.
Nombre: Alice Fiorella Amador Miranda
Carnet: C10420
Curso: Diseño IV - II ciclo - 2022
Título: Resemantización de Frida Khalo
Técnica: Intervención digital
Práctica #7
Para esta práctica se debía seleccionar un video arte que tuviese relevancia para nosotros, de manera que pudiéramos analizar sus componentes durante la clase. El video arte seleccionado fue “Overthinking (Short Experimental Film)” de Lukas Slapsys, 2018 -> https://youtu.be/2R PNgfv1EQ
Se seleccionó este video debido a los efectos de sonido, los cuales son capaces de mantener al espectador interesado durante los 4:13 minutos de duración. Además, utiliza efectos muy interesantes, de doble exposición que resultan llamativos a la vista. La intención del video era pasar al espectador el cómo se sentía el sobre pensar las cosas; lo cual resultó totalmente acertado.
La práctica #8 consiste en participar en un foro tras leer el documento “Polémicas acerca del Arte Contemporáneo”, una recopilación de entrevistas / textos.
--> Avelina Lésper: Sin Significado
Esta lectura me llamó mucho la atención, me parece muy linda la manera en la que la autora anima a los artistas a no depender de un concepto externo para generar arte. Aún me encuentro en una posición dividida respecto al arte conceptual; muchas obras me generan un enorme interés, mientras que otras me generan rechazo y por ello, siento que no está bien encasillar ambas opiniones en una sola que no abarque la libertad de este movimiento en sí. En este texto de crítica me parece evidente esa generalización, menciona que todo el arte contemporáneo está limitado a cumplir con las expectativas de su concepto, pero en realidad, cuando el artista se dispone a crear algo, allí ya se formó una inspiración y en base a eso se busca la manera adecuada de representarlo.
Esta misma idea la veo en “En este sistema, cualquier cosa es arte” por María Alejandra Toro Vesga. La frase “Lo primero que se tiene que hacer es una gran obra, después si preocuparse por el tema y sus pretensiones” me hizo sentir un choque. Lo que veo es que desean que el arte nazca de un “vacío” y después se le asocie un significado, me hace pensar si es un argumento basado en el rechazo por el arte conceptual y una manera desesperada de contrarrestarlo. Retomando un comentario que había realizado en un foro anterior, veo que le dan un enorme valor a la parte física y estética de la obra, se está dejando atrás el arte “conceptual” y esto lo que puede hacer es redireccionarnos a que el arte sea seleccionado bajo criterios muy específicos que, realmente, se vuelve igual de preocupante que este fenómeno actual en el que el artista, a menos de que no escandalice su obra, no será reconocida.
Posteriormente, la práctica #9 se basaba en comentar los aportes de tres compañeros en el mismo foro.
--> Primer aporte: Con respecto a este fenómeno que menciona Silvia, realmente ocurre en todos los ámbitos, desde el arte hasta la música, la moda, etc. Las creaciones en general ya no despiertan el interés del público y siempre se está buscando algo más, algo nuevo, algo que genere de qué hablar, aunque no sea verdaderamente algo positivo. Esto nos pone en una situación complicada como artistas, ya que nos hace cuestionarnos hasta dónde podemos llegar para llamar la atención del espectador.
En la misma lectura, vemos esta frase del autor “Esa manera de elegirse artista parece haberse perdido para siempre entre los jóvenes impacientes y cínicos de hoy que aspiran a tocar la gloria a como dé lugar” y, si bien estoy de acuerdo con que nunca debemos exceder los límites de nuestra moral, realmente me cuestiono qué estaremos destinados a hacer en un mundo en el que ya no importa la habilidad, los aspectos técnicos de una obra, la creatividad o un mensaje oculto que tenga, sino que la obra genere una reacción escandalizada, porque tampoco podemos crear arte que va a quedar por siempre en el olvido o en el anonimato, estaríamos perdiendo esa función de comunicar, de compartir nuestra visión del mundo y ahí se rompe un poco lo que es el arte.
Segundo aporte: Mientras leía el comentario de Yendry me surgió una pregunta. Si el artista de la obra se hubiese colocado atuendos en estado de deterioro, se hubiese ensuciado la piel y se hubiese sentado por horas como el protagonista, ¿hubiese obtenido la misma cantidad de rechazo? Me hace reflexionar sobre la libertad que tiene el arte a la hora de ser analizado por quién lo ve. En este caso que menciono, puedo ver a las personas aplaudiendo la buena causa, mientras que puedo ver a otras quejándose de que el artista no se encuentra en los mismos zapatos que el mendigo, y que por ende también está haciendo la obra desde el privilegio. Y realmente estas son solo dos variantes de las infinitas posibilidades. Siento también que, independientemente de la obra, la sociedad nunca está satisfecha. Así sea un cuadro súper ético, habrán personas que sientan rechazo hacia el por alguna razón. Así mismo, ¿qué se considera ético y qué no? ¿Cómo podemos identificar una obra de denuncia social a otra que no es ética?
Tercer aporte: Con respecto a Emily, comparto su opinion en cuanto a la primera lectura. Realmente es terrible pensar en la cosificación de las personas, en cómo hemos llegado a un nivel de consciencia en el cual las altas clases sociales resuelven llamar a un mendigo dentro de un museo “arte”. Siento que esto nos invita a reflexionar sobre lo que está sucediendo con el arte, el mercado detrás de este y cómo muchas obras de convierten en un símbolo de estatus social más allá de generar consciencia o alguna reflexión en las personas. También la lectura nos hace reflexionar sobre cómo los espectadores /compradores tienen tanta relevancia en el sentido en el cual establecen qué es arte y qué no, cuál obra se ve terminada y cuál no. Como lo comentaban algunos compañeros en el foro, es muy probable que el artista haya realizado esta obra desde el privilegio, a pesar de tener una buena causa, porque las ganancias llegarán a él a fin de cuentas, no a los pobres; pero la ignorancia y la falta de empatía misma son las que permiten que esto suceda.
Nombre: Alice Fiorella Amador Miranda
Carné: C10420
Curso: Diseño IV, II Ciclo 2022
Obra: Autorretrato Conceptual, ¿quién soy yo?
Técnica: Fotografía
En estas fotografías se puede observar a mi persona haciendo un gran esfuerzo por mentalizarse de una manera que le permita ocultar su tristeza, pues su miedo al abandono y experiencias pasadas le han hecho interiorizar el pensamiento de que al estar triste y llorar aleja a las personas porque se convierte en una molestia. De esta manera se muestra al mundo como un payaso, siempre tratando de hacer felices a los demás sin importar sus propios sentimientos, creyendo que si no es así, no está cumpliendo su función. El constante estrés por ocultar sus sentimientos termina jugando en su contra y dirige hacia la destrucción de la persona misma; miedo, tristeza y negatividad toman el control
Nombre: Alice Fiorella Amador Miranda
Carné: C10420
Curso: Diseño IV, II Ciclo 2022 Obra: Resemantización de una familia ideal Tamaño: 4940 x 3815 px y 3844 x 3500 px Técnica: Ilustración digital
Abstract: Este trabajo consiste en una resemantización, partiendo de las obras “Preparando el té” de Jane María Bowkett y “Autorretrato con caballete” de Sofonisba Anguissola. En ambas pinturas podemos observar una representación idealizada de la familia a pesar de la ausencia de una figura paterna De esta manera, el énfasis del proyecto fue crear dos ilustraciones digitales que ayudaran a remarcar que en realidad, no todo está tan bien como ambas pinturas lo muestran, pues la madre se convierte en el principal sustento económico de la familia y entonces, la figura de la hermana mayor, aunque no sea mayor de edad, se puede ver fuertemente afectada con el cuidado de los hermanos o tareas del hogar, limitándose a madurar de manera muy pronta.
Nombre
Curso:
Título: Metamorfosis
Técnica: Video arte
El proyecto desarrollado consiste en un videoarte que busca representar los estándares de belleza instaurados sobre las mujeres, mayoritariamente blancas, en Occidente. En éste se presentan los diferentes parámetros establecidos a través de las décadas, agrupadas desde 1920 a 1940, 1950 a 1970, 1980 hasta el 2000, y desde el 2010 al 2020 Cada década es caracterizada por prendas populares de la época y otros rasgos determinantes sobre las mujeres. Además, se toma en cuenta la influencia de los aspectos socioculturales dentro de la visión implantada en la mujer, al igual que su participación dentro de estos estándares
En cuanto a los aspectos técnicos, se pretende crear un tipo de bucle en donde se mantienen ciertos elementos, mientras que otros cambian para denotar el paso del tiempo. Este pretende ser detenido en los últimos segundos del video, mas el uso del sonido y el simbolismo establecidos a través de las prendas indicarán todo lo contrario La estética visual está mayormente inspirada en Kontakthof de Pina Bauch, así como videos en donde se muestra la moda y estándares de belleza con el pasar de los años, siendo un ejemplo de ello el video 100 años de moda por un grupo de arte audiovisual de la UCAB Guayana Todo este proceso fue grabado con una cámara de celular en calidad 4K y contemplando 60 frames, además fue editado en su totalidad con la aplicación digital Capcut.
Con respecto a los efectos sonoros, estos se implementaron para crear una atmósfera tensa y absorbente. Se incluyeron sonidos como el cierre de un zíper, pasos, susurros, el abrir de una puerta, entre otros. En cuanto a la música, destacan las piezas Lost and Forgotten y The True Final Level por nowt, las cuales fueron distorsionadas de forma que se adecuaran al video. Estas se complementaron con Cello in a Haunted House, Creepy, Scary Music for Halloween por Jesse Ahmann.
Dentro del ámbito conceptual, el video sigue a una mujer, quien recibe una llamada y después empieza a ser atacada de forma violenta y sin su consentimiento por un grupo de desconocidos que fuerzan sobre ella maquillaje, ropa y joyería. Ella logra escapar solo para ser atacada reiteradamente, mostrándose cada vez más resignada y menos reacia a los cambios A lo largo del video también se mide su cuerpo e incluso se llega a modificar su rostro con cirugías estéticas, demostrando así un dominio total de la sociedad sobre su cuerpo. Se puede observar cómo esta agrupación de personas lleva ropa totalmente negra e incluso una mascarilla, con el fin de que se vean imponentes, pero al mismo tiempo, para deshumanizar su presencia Después del apartado de la década entre 2010 y el 2020, la mujer, ahora vestida igual que sus perpetradores con ropa y una mascarilla negra, entra una habitación donde, en una computadora, es testigo del ciclo del que es parte, ya que ve todo aquello que acaba de vivir repetirse en la pantalla, mientras finalmente vuelve a sonar el teléfono
Link al video: https://drive.google.com/file/d/126Ney8UI8MufJuWMalqhVSuh5huLB7X/view?usp=share link
