Diseño Actual

Edición 2019

DISEÑO ACTUAL

D i s e ñ o Estadounidense | Escandinavo | Japonés Italiano | Mexicano

DISEÑO ESTADOUNIDENSE

La presencia de los nazis en Europa provocó la inmigración más

grande de creadores a Estados Unidos, entre los cuales se encontraban científicos, escritores, arquitectos, artistas y diseñadores. Todos estos creadores contaron con una nueva libertad de expresión, la cual sería antesala a los nuevos movimientos que comenzaron a surgir.

Inicios del Diseño Industrial

Estados

Unidos comenzó a tener un desarrollo tecnológico impresionante, lo que hizo que se generaran nuevas dinámicas en producción, así es como Henri Ford, lanzando el Ford T en 1908, se convertía en uno de los pioneros de estas nuevas dinámicas, ofreciendo al usuario un producto duradero, funcional y económico.

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Raymond Loewy

Es considerado como el primer diseñador que logró incidir en la

política económica de un país, gracias a la vision de belleza que brindó a través del uso de formas altamente funcionales que dio forma al Diseño Industrial moderno en los Estados Unidos, y las imágenes de su trabajo se impregnaron en el estilo de vida de la nación, diseñando productos para el hogar con esquinas redondeadas y esquemas simplificados. Raymond Loewy es considerado como el principal precursor del styling. Formó su propia empresa de diseño en 1945, la cuál se convirtió en la mayor empresa de diseño industrial a nivel mundial.

Nacido en Francia en 1893, estableció el Diseño Industrial como una profesión.

Emigró a Estados Unidos en 1919, comenzó a trabajar como ilustrador de Vogue y posteriormente como diseñador de escaparates de grandes almacenes en la ciudad de Nueva York.

Styling El styling nace una vez

finalizada la primera guerra mundial y puede definirse como una técnica industrial que consiste en realizar modificaciones externas a un objeto, esto para hacerlo verse más nuevo y mejorado sin modificar su estructura o función.

Auspicia el cambio constante de la apariencia de los objetos con la finalidad de incrementar ventas, atrayendo al consumidor a través de una nueva y seductora apariencia.

También se entiende como una variación comercial que permitió al mercado agilizarse, ya que buscaba la reducción de costos y el incremento de ventas.

La ideología del styling dio lugar a la sociedad desechable. Los productos se convertían en anticuados y viejos por el desgaste de apariencia que generaba la aparición de productos más modernos e innovadores, esto hacía que los fabricantes solo pudieran competir utilizando la apariencia de sus productos.

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DISEÑO ESCANDINAVO Se conoce como diseño escandinavo

a aquellos pertenecientes al movimiento moderno de la región comprendida por Dinamarca, Suecia, Noruega y Finlandia, teniendo su apogeo en los años 50's cuando fueron reconocidos internacionalmente, gracias a la combinación exquisita de las tendencias más vanguardistas con la tradición nórdica.

Las cualidades decorativas sutiles derivados de los movimientos artísticos de principios del siglo XX y las líneas simples que se derivan de los movimientos del arte de entreguerras dieron este estilo su elegancia. El concepto de cosas hermosas que hacen la vida mejor estaba muy bien considerado. Se refiere a menudo como el diseño democrático, debido a su objetivo de atraer a las masas a través de productos que sean accesibles y asequibles.

La característica principal de este estilo de decoración, y que hace de él algo realmente único, es la funcionalidad de las piezas.

El objetivo de los diseñadores era

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mezclar lo mejor de ambos mundos; por un lado, el uso de materiales locales como la madera y, por otro lado, el aprovechamiento de la modernidad a la hora de fabricar sus muebles.

Buscaban crear entornos cómodos, alegres y luminosos, es imprescindible que los muebles potencien la misma luz para crear una sensación de calidez y confortabilidad en el hogar.

Entre las décadas de los 60 y los 70 los diseñadores comenzaron a introducir nuevos materiales como el plástico y las resinas en sus diseños.

El diseño escandinavo ha recibido reconocimientos y buenas críticas por su capacidad de permanencia en sus diseños que se atribuye a su funcionalidad, utilidad, y naturalmente su belleza atemporal, incluyendo líneas limpias y formas, simplicidad, minimalismo, paletas de color sofisticadas, y una inspiración en la naturaleza.

Diseño Orgánico Se convirtió en responsable

Eero Aarnio (Helsinki, Finlandia, 21 de julio de 1932) es un diseñador finlandés, conocido por su mobiliario innovador durante los años 60, en particular por sus sillones de plástico y fibra de vidrio.

de incorporar un lenguaje mas humano y natural al movimiento moderno llevando un nuevo principio que se conoció como “diseño orgánico", el cual se refiere a diseñar con fluidez de las formas que a menudo se inspiran en la expresión misma de la naturaleza.

La estética escandinava se basó en la inspiración del entorno natural

que rodea esta región y la abstracción del mundo natural, traduciéndose en formas curvilíneas.

Otra de las grandes características era el amor por el trabajo artesanal y la utilización de materiales regionales.

El concepto de moderno no podía significar desplazar a los artesanos por maquinas.

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DISEÑO JAPONÉS Al finalizar la Segunda Guerra mundial, Japón encontró en la industrialización una forma de recuperar

su economía mediante la reactivación de la producción industrial, sobre todo al ofrecer mano de obra barata. En un primer momento copiaban y fabricaban productos americanos y europeos para después exportarlos, pero cuando el mercado se saturó de este tipo de mercancías, los japoneses comenzaron a explorar otros niveles y se centraron en la innovación tecnológica.

Pronto, los japoneses se colocaron a la cabeza del desarrollo de nuevas tecnologías, y fueron los primeros en reconocer y explotar la informática aplicada al proceso de diseño. En la actualidad son líderes del mercado en áreas como la óptica, la electrónica o la industria automotriz. Además, los japoneses tienen la habilidad de asimilar las novedades, hacerlas suyas y mejorarlas, fabrican cualquier producto de origen occidental añadiéndole más prestaciones, reduciendo su volumen y ofreciendo un precio más competitivo.

La mayoría de estos productos se destinan a la exportación con lo cual las empresas japonesas se preocupan por satisfacer los gustos de los consumidores extranjeros dejando a un lado la divulgación de un estilo japonés.

El diseño gráfico japonés, se ha visto influenciado por diferentes percepciones e interpretaciones filosóficas y de un estilo de vida tan distinto al resto del mundo.

La búsqueda de la belleza es esencial, se sustenta en la reinterpretación de la tradición, la influencia de la cultura popular y una obsesión por el futuro.

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Sobre la tradición, hay ideas ancestrales que los actuales diseñadores japoneses rescatan y que son claves para entender el diseño nipón.

Kanketsu

(simplicidad y discreción) Elimina cualquier adorno innecesario. El resultado son diseños neutros, minimalistas y muy sobrios.

Mono no aware

(la gentil tristeza de las cosas) Trata de lograr una empatía hacia las cosas, lo que significa darles una dimensión humana.

Ma:

(el vacío, la nada) Encontramos un concepto filosófico y poético: sin la nada no puedes tener algo.

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DISEÑO ITALIANO Durante

los cincuenta, el diseño italiano propuso una estrategia radicalmente distinta a la de sus competidores, como Alemania, en lugar de unificar la imagen de sus productos, se convocaban concursos cerrados entre diseñadores con enfoques muy distintos con el fin de conseguir propuestas capaces de ofrecer una imagen heterogénea.

Algunos teóricos del diseño hablan que a diferencia de lo ocurrido en otros países desarrollados, como Alemania o Inglaterra, en donde el diseño nace como disciplina a partir del comienzo de la Revolución Industrial, en Italia comienza con influencias y raíces mucho más arcaicas.

Toda esa fuerza creadora trasladada a nuestros tiempos, nos dice que lo verdaderamente importante es la estética, razón por la cual no están dispuestos a lanzar al mercado un producto si no está apoyado por un profesional que los asesore en este ámbito, y por la cual no conciben la posibilidad de no incorporar el diseño desde los inicios de cualquier proyecto, pues en realidad, es parte del sistema, de la inversión y parte de la función de producción.

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Bel Design

El

estilo predominante ha sido el “Bel Design”, el cual nace en los años 50s y está basado tanto en la tradición cultural artesanal como en las innovaciones técnicas y creativas que carecen del lastre funcionalista. Se trata de una estética en la que la tradición artesanal italiana se encuentra con la tecnología.

Las características típicas de Bel Diseño eran elegante forma, la experimentación y la colaboración con las industrias interesadas y abiertas a la innovación.

El Bel Design no es barato, sino más bien orientado al poder adquisitivo de grupos sociales que exigían la exclusividad de las piezas.

El lenguaje del diseño también suele hacer uso de metáforas para interpretar situaciones que le son contemporáneas, las tramas, las filigranas, los trenzados y tejidos con fibras a la vista aparecieron para conformar una evidente tendencia estética.

El bel design, termina cuando la crisis del petróleo y movimientos anti diseño industria crítica resultaron en el cinismo generalizado sobre el papel del diseño en curso.

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DISEÑO MEXICANO México es un que país tiene mucho que aportar en el ámbito

del diseño. Una de las virtudes más importantes que tiene es la incorporación de procesos y materiales que se desprenden de su tradición artesanal.

La Olimpiada en México de 1968

Es el primer gran proyecto que reúne a un equipo de profesionales mexicanos para crear un sistema de imágenes gráficas que muestran a nivel internacional la organización del país.

Entre las imágenes creadas podemos encontrar pictogramas de cada deporte, uniformes de edecanes, módulos informativos, transporte, boletos, programas, eventos para la Olimpiada Cultura y algunos otros más.

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México

tiene diversos elementos visuales que son parte de la identidad nacional como artes populares, la religión y la familia, elementos que impregnan casi todos los rincones del México actual, y eso se refleja en la cultura del diseño gráfico.

El diseño gráfico se convirtió en un componente definitivo del medio ambiente visual del país, además de mostrarle a fabricantes y compañías locales la importancia de un programa gráfico bien estructurado.

Existen tantos recursos de colores y formas que pueden aplicarse a su diseño para ayudar a transmitir el mensaje cultural que el consumidor busca.

Usando el diseño gráfico como herramienta de persuasión, se puede convencer a sus consumidores potenciales de que su negocio tiene características que se adecúan al perfil cultural mexicano.

La

cultura mexicana aplicada en el diseño logra aprovechar los recursos gráficos que podemos obtener de estas tradiciones y celebraciones de una manera extensa. Se ha recurrido a la aplicación de color y tipografía en variedad de productos apoyándose de flores, figures geométricas y trazos libres. Los colores mayormente utilizados en este estilo son saturados y alegres, conteniendo mucho contraste con negros y fondos rellenos de texturas. Todo esto se presenta con la intención de representar los estilos presentes en las artesanías y folclor de la cultura.

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Realizado por: Gustavo Alexis Espinosa Vivanco Mayo 2019