XXII JORNADAS DE ESTUDIO DE LA IMAGEN by Alejandría Cinque

X X I I JO R N A DAS D

S A

T I

U M

Edita CA2M Centro de Arte Dos de Mayo Comunidad de Madrid, 2015 Imprime B. O. C. M. Diseño y maquetación Alejandría Cinque Coordinación XXII Jornadas de Estudio de la Imagen Elena López Calatayud Imagen póster Oier Etxeberria, Sin Título, 2015 Depósito Legal M-21066-2015 CA2M Centro de Arte Dos de Mayo Av. Constitución, 23 +34 91 276 02 21 28931 Móstoles, Madrid www.ca2m.org ca2m@madrid.org

C O M PA R A B I L I D A D E S : R E L A C I Ó N Y E S C A L A

La puesta en relación, como proceso de composición, de producción de sentido, análisis o conocimiento, es un ejercicio tan habitual como problemático. ¿Qué se puede relacionar, y de acuerdo a qué variables? ¿Qué tipo de relaciones pueden establecerse entre elementos semejantes o desemejantes? ¿Hay comparaciones imposibles, improductivas? ¿Se vuelven operaciones básicas del arte como la analogía o la homología más significantes si las confrontamos con sus equivalentes en otros ámbitos de conocimiento?

Estas jornadas intentan explorar una propuesta de Marilyn Strathern, cuando, en Partial Connections, presenta la necesidad (o al menos la productividad) que emerge cuando la puesta en relación acontece entre entidades de escalas diferentes. Escala aquí puede ser entendida en términos de tamaño pero también, tal vez, en términos de categoría, de tipo, de relevancia o de tiempo. La puesta en relación posibilita narrativas que, para Strathern, presentan comprensiones sobre la vida social. Así, por ejemplo, la relación entre individuo y colectividad, en la que resuenan analogías estructurales como la de fragmento y totalidad o figura y

fondo, es la base de una de las narrativas posibles de la modernidad. ¿Qué sucedería si esa relación fuera a su vez comparada con otros modos de entender el todo social, fuera de un esquema moderno europeo? Es decir, ¿y si esa relación entre individuo y masa no se entendiese en términos dialécticos o agonísticos, como hace la modernidad europea, sino en un intento de mantener la diferencia entre los elementos puestos en relación?

Estas jornadas son un ejercicio de producción y estudio de relaciones entre escalas distintas, tanto en el contexto antropológico y político como en los ámbitos artístico y cultural, en los que la puesta en relación y la comparación son estrategias recurrentes o, tal vez, un lugar común.

Dirigidas por Pablo Lafuente y Asier Mendizabal

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TALLERES * E R I CK B ELTRÁN P E D R O CESARINO R U T H NOACK

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F E R R AN BARENBLIT PABLO LAFUENTE y ASIER MENDIZABAL

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J UA N LU I S

MORAZA

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DE NIEMEYER C ESA R I NO PEDRO

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N OAC K

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R U TH

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WI LLE M

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S ES I Ó N C R Í TI CA ASUNCIÓN MO L I N O S

FRANKE 1 1 : 3 0

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A N S EL M

TALLERES * E R I CK B ELTRÁN P E D R O CESARINO R U T H NOACK

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MANUELA M OSCOS O y OSÍAS YA N OV

ETXEBERRIA B E R E Z I A RT UA OIER

TALLERES * ERICK B E LT R Á N PEDRO CESA R I NO RUTH NOACK

DE ROOIJ

GORDO

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ERICK

B E LT R ÁN

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A LI C E

CREISCHER

Las tardes de los días 29, 30 de junio y 1 de julio tendrán lugar tres talleres simultáneos, independientes, y con una duración de tres tardes consecutivas cada uno. Cada taller será abordado de manera personal por el artista o teórico que lo imparte. Todos ellos han trabajado en formatos experimentales de producción de conocimiento y tienen experiencia docente y de participación en trabajos colectivos en muy diversas formas. Los talleres se realizan en paralelo a las conferencias, de tal manera que sirvan de espacio de reflexión adyacente. Están invitados a participar tanto artistas como críticos, teóricos o interesados en la imagen.

J U N

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30 U

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_ ERI CK BELT RÁN __ PED RO CESARINO _ RU TH NOACK

LO QUE NO TIENE FORMA , NO TIENE ESPACIO Si preguntáramos al azar si se confía en la prensa o en los medios de comunicación, con certeza obtendríamos como respuesta un «no». Nadie cree en los medios de comunicación. Justamente esta convicción es lo que los hace veraces: porque se dice no creer, es que se tiene el espacio para creer.

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En el mundo contemporáneo es fácil ignorar los elementos no visibles (los que están fuera de nuestro campo de visión), al estar distantes de uno. No todas las cosas que aparecen en la realidad tienen el mismo peso, y más aún en un marco social. En la obviedad de la respuesta a la cuestión: «¿cuántas muertes de ciudadanos nepalíes son necesarias para equiparar el espacio que ocupa uno europeo en cualquier medio de comunicación de masas?» se esconde algo. Esta pregunta nos traslada al clásico dilema moral y de escala: «¿matarías a un mandarín chino?» Los problemas de visibilidad son los problemas de la construcción del mundo. ¿De qué tamaño es nuestro mundo?, ¿cómo hemos perdido otros tipos de unidades que no sean un «yo» central?, ¿cómo establecer escalas de comparación? A partir del texto «Cómo matar a un mandarín chino» de Carlo Ginzburg y selecciones de Partial Connections de Marilyn Strathern se analizarán metodologías referentes al seguimiento y relación de nodos, así como temáticas en torno a la reducción de escala, aparición de unidades y horizontes de visibilidad. ¿Cómo es que las cosas aparecen ante nuestros ojos? ¿Las relaciones que existen entre esos objetos son inherentes o las creamos nosotros? ¿Cómo comparamos cosas? ¿Es posible cambiar las unidades que tenemos dentro de nuestra psique social e individual? ¿Qué relación existe entre el cuerpo y sus partículas? El texto de Ginzburg se analizará a través del estudio de casos de la neurobiología, los modos de percepción y la prensa diaria. Se realizará una re-interpretación de diferentes métodos de visualización gráfica como el Isotype de Otto Neurah a partir de datos de eventos contemporáneos, y se compararán entre sí. Se trabajará también en una serie de infografías para poner en práctica este tipo de problemáticas de visualización y creación de narrativa.

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¿ Q U É E S U N A C O S A Y/ O U N O B J E TO ? ¿Qué es una cosa y/o un objeto? ¿Cómo pensar en distintos estatutos de materialidad e invisibilidad? ¿Cuáles son los dispositivos de discurso y poder a través de los cuales las cosas ajenas fueron tramitadas y categorizadas por el Occidente moderno? ¿Cómo pensar los problemas derivados del entrecruzamiento en regímenes ontológicos distintos que, de modo más o menos explícito, marcan las divisiones entre arte y artefacto, entre museos etnográficos e instituciones de arte? ¿El problema de la animación de objetos refleja una comprensión efectiva de otras configuraciones ontológicas o, al contrario, apenas una proyección sobre los otros dilemas metafísicos occidentales? ¿Hasta qué punto las conexiones en red deshacen efectivamente las líneas divisorias fundamentales? Estas son algunas de las cuestiones generales que serán abordadas durante el taller. A través de la lectura de textos de, entre otros, Alfred Gell, Marilyn Strathern y Eduardo Viveiros de Castro así como debates en grupo, el taller quiere imaginar alternativas curatoriales para impases generados por un número de exposiciones que han trabajado estos problemas, como Magiciens de la terre, Primitivism in 20th Century Art y Animism.

EN TODAS PARTES SE SIENTE LA PRESENCIA DEL CUERPO, PERO EN NINGUNA PARTE ES HECHA IMAGEN * Este taller es una invitación a pensar juntos sobre cosas, sobre los procedimientos mediante los cuales una materia se distingue de otra materia, quedando así definidas como cosas u organismos, y sobre la relación entre cuerpo y objeto. Se invitará a los participantes a embarcarse en un viaje especulativo conmigo, con énfasis en la producción de un conocimiento compartido, el cual espero que una nuestra comprensión de la diferencia entre el arte como cosa y las cosas «reales» con una realización (en obras de arte) de las ideas que necesitamos para darnos soporte a nosotros mismos como seres inspirados. Cada participante deberá traer al taller: · Una obra de arte (o su representación). Esta obra puede ser propia o de otra persona. · Un objeto que no sea arte. 1 6 : 0 0

Cada participante ha de poder relacionar la obra de arte con el objeto no artístico. Asimismo se solicitará a cada asistente que relacione la obra de arte a «la presencia del cuerpo». Para hacer esto no será necesario el uso de palabras. Se recomienda que cada participante lea la introducción y el ensayo de Helen Molesworth * para preparar el taller. 1 9 : 0 0

* Helen Molesworth sobre Duchamp, en «Part Object, Part Sculpture», catálogo de exposición, Wexner Center for the Arts, 2005

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_ F ERRA N BARENBLIT __ PABLO LAFU ENT E y ASIER

MENDIZ ABAL

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J U N

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Inauguración de las Jornadas por Ferran Barenblit, director del CA2M

Introducción a las Jornadas por Pablo Lafuente y Asier Mendizabal, directores de las XXII Jornadas de Estudio de la Imagen

ASIER

MENDIZABAL. Artista radicado en Bilbao cuya prác-

tica, vinculada al programa de la escultura, se resuelve en diversos medios y procedimientos, incluyendo de manera habitual la escritura. Los múltiples cruces entre códigos LAFUENTE es escritor, editor y comisario de arte

específicos de la modernidad y algunas de sus actua-

que vive en São Paulo, donde se mudó para trabajar como

lizaciones en clave de cultura popular configuran las

parte del equipo curatorial de la 31ª Bienal de São Paulo

referencias recurrentes en su trabajo. Ha expuesto indi-

(septiembre-diciembre 2014). Ha sido co-editor de la re-

vidualmente en MACBA, Museo Reina Sofía o Raven Row

vista Afterall y editor de la serie Exhibition Histories, y tra-

de Londres, entre otros. En exposiciones colectivas en la

bajó de 2008 a 2013 como comisario asociado en Office for

última Bienal de São Paulo, o en Illuminations en la 54ª

Contemporary Art Norway (OCA) en Oslo.

Bienal de Venecia.

PABLO

J U N

L A C A R A D E J A N O D E L A A LT E R I D A D , E L A N I M I S M O Y LA EXPOSICIÓN COMO ARTEFACTO ONTOGRÁFICO 1 1 : 0 0

Esta presentación analiza la alteridad ontológica en el pensamiento utópico moderno y la yuxtapone con las concepciones de la alteridad en las fronteras coloniales. Encuentra un punto de conexión entre estos dos aspectos en la noción de animismo y rastrea el rol y el desarrollo del concepto en el imaginario occidental desde finales del siglo XIX hasta el «giro ontológico» actual. La presentación ubica además el medio expositivo y las instituciones del arte dentro de las particiones ontológicas y medios propios de la modernidad colonial y sus efectos.

ANSELM

FRANKE es crítico y comisario radicado en Berlín.

Comisario de la Bienal de Taipei en 2012, ha sido el comisario de la exposición y proyecto de publicaciones que bajo el título de Animism fue exhibida en distintas ciudades como Berlin, Nueva York o Berna entre 2010 y 2012. Fue director de Extra City Kunsthal (2006-2010). Es investigador en Goldsmiths College, Universidad de Londres y es el Responsable de Artes Visuales en Haus der Kulturen der Welt en Berlín.

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FORMAS DEL LÍMITE 1 3 : 0 0

La cuestión de la comparatividad remite a la consistencia de todas las formas de correspondencia o inducción, que estabilizan las estructuras de sentido. Es el límite gnoseológico de cualquier sistema simbólico y cultural, el eje de todas las formas de «realismo» (indiciales, icónicos o simbólicos, sensoriales, preceptivos o conceptivos). ¿Es posible distinguir entre las tareas de comparación y diferencia, propias de las ciencias (y sus operaciones de escisión-science- y de inferencia -inducción/deducción), de las tareas de integración y poiesis, propias de las artes (y sus operaciones de articulación y abducción)? ¿Es posible distinguir entre las tareas culturales de identificación e identidad, -propias de las religiones y de los pensamientos prehistóricos (adiscursivos), de las tareas de diversificación y heterogeneidad, -propias del arte, (entendido aquí no por una definición antropológica -etic-, sino por una definición del campo artístico -emic-)?

JUAN LUIS MORAZA es escultor. Viene realizando exposicio-

nes desde 1980, entre las que cabe destacar la última realizada en el Museo Reina Sofía, República (2014). Su obra forma parte de colecciones, tanto públicas (Reina Sofía, ARTIUM, etc.), como privadas (Helga de Alvear, Rona Hoffman, Dona & Howard Stone, etc.). Ha comisariado numerosas exposiciones, como El retorno de lo imaginario (Reina Sofía, 2010) e Incógnitas (Guggenheim-Bilbao, 2007). Ha publicado varios libros como Corduras (2007), Ornamento y Ley (2007) y Las formas del límite (2006). Es profesor titular de la Universidad de Vigo e imparte habitualmente cursos y conferencias en universidades y centros de arte.

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_ PEDR O DE NIEMEY ER CESARINO __ M ANUELA MO S CO S O y

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O S ÍAS

OIER

YANOV

E TX EBERRIA BEREZ IART UA

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C O M PA R AC I Ó N , T R A D U C C I Ó N Y C O M PAT I B I L I Z AC I Ó N La presentación tratará de problemas relacionados con el tránsito de imágenes y objetos entre diferentes modos de existencia, marcados por las trayectorias del colonialismo y el coleccionismo. Intentará buscar alternativas para entender las conexiones entre los regímenes de conocimiento implicados en este proceso –conexiones que son oscurecidas por la hegemonía de presupuestos occidentales sobre el arte y la creación. Pretenderá así reflexionar sobre el alcance de conceptos y procedimientos de comparación, traducción y compatibilización para el desarrollo de la cuestión propuesta.

PEDRO

DE NIEMEYER CESARINO es graduado en filosofía

por la Universidad de São Paulo, maestro y doctor en etnología por el Museo Nacional de la Universidad Federal de Rio de Janeiro. Es profesor e investigador en el Departamento de Antropología de la Universidade de São Paulo. Entre sus libros: Oniska - poética do xamanismo na Amazônia (Perspectiva, 2011) y Políticas culturais e povos indígenas (Cultura Acadêmica, 2015).

J U L

ZOOM O AQUELLO EN LO QUE SE PUEDE VARIAR A VO LU N TA D L A D I STA N C I A FO CA L Manuela Moscoso y Osías Yanov realizarán un intercambio de posiciones que aspira a amplificar los márgenes sensibles y conceptuales de lo que podemos considerar como lo uno y lo mucho. Variedades identificadas con un solo objeto. Cuerpos individuales cargados de registros plurales y complejos. Miradas cenitales para registrar sistemas.

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Esta lectura tiene como objetivo provocar un extrañamiento hacia una socialidad entendida como regímenes que conectan individuos y objetos entre sí, que redefinen su presencia por cada relación que los conecta. Interpeladas por diferentes casos de la cultura visual y el arte, Moscoso y Yanov propondrán esquemas dinámicos para pensar sobre el hecho artístico.

MANUELA

MOSCOSO. Ya sea organizando exposiciones, ini-

ciando un espacio independiente, o un programa residencia, Manuela entiende la colaboración como parte integral de su práctica. Actualmente desarrolla con Manuela Riba-

OSÍAS

deneira y Pablo Lafuente Alabado Contemporáneo, un pro-

bral interdisciplinario entre la danza y la escultura. Desde

YANOV es artista. Sus trabajos se ubican en el um-

grama de investigación, producción y exhibición que busca

la forma, el gesto y el símbolo, sus obras abordan proble-

activar relaciones entre el arte contemporáneo y la colec-

máticas relativas a la identidad de género, la reconfigura-

ción de la Casa del Alabado: Museo de Arte Precolombino.

ción del cuerpo inducida por el entorno y el dolor como una

Desde 2010 Manuela es junto con Sarah Demeuse Rivet,

forma de éxtasis y liberación. Se ha formado en diversos

una oficina curatorial que investiga formas desestabiliza-

centros de estudio de artes plásticas en Argentina: Univer-

doras de la relación objeto-sujeto. Su último proyecto, The

sidad Torcuato Di Tella/Beca Kuitca (2010-2012), Centro de

Wilson Exercise, explora la noción de ejercicio materializa-

Investigaciones Artísticas (CIA) (2009-2010), Intercampos/

do en Rogaland Kunstsenter, Redcat y Fundació Miró. Han

Fundación Telefónica (2007-2009), entre otros. En artes

publicado For all we know y están preparando el primer

escénicas, estudió danza y coreografía en talleres de co-

monográfico del artista Daniel Steegman Mangrané. Re-

reógrafos y bailarines como Florencia Vecino (danza con-

cientemente ha sido la curadora adjunta de la 12 Bienal

temporánea) y Vivi Tellas (biodrama). En la búsqueda de

de Cuenca Ir para Volver (2014, Cuenca) y ha curado Yael

una ampliación del concepto de autoría, junto con otros

Davids (2013, Museo de Arte do Rio), Fisicismos (2013, Uni-

cuatro integrantes de distintas especialidades fundó en

versidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires). Manuela tiene

2006 el colectivo de arte Rosa Chancho, que utiliza la per-

una Maestría en el Center for Curatorial Studies de Bard

formance para la creación de momentos narrativos en los

College y se graduó con BA en Bellas Artes por la Central

que la distinción entre grupo e individuo queda eliminada.

Saint Martins, Londres. Recientemente ha sido nombrada

Desde 2006 ha expuesto su trabajo en centros de Argenti-

curadora del Museo Rufino Tamayo en México DF, donde

na, España, Francia, Brasil y Rusia. Actualmente lleva sus

trabajará a partir de julio de 2015.

procesos de investigación al área de la educación.

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lo que ez lo que ez EZ lo que ez lo que ez 1 3 : 0 0

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«Soy el que soy», responderá Dios a Moisés, al preguntarle éste por su nombre cuando fue enviado a Egipto a sacar a su pueblo del cautiverio. En esta conferencia se hará uso de algunas predicaciones que a modo de figuras geométricas, se presentan cerradas en sí mismas, alcanzando una escala ideal a base de concentrarse en su propia definición. A riesgo de quedar en nada, a lo largo de la conferencia también se hará referencia a diversas obras y proyectos realizados durante estos últimos años con la intención de evidenciar las insuficiencias de todo orden clasificatorio, reivindicando la potencia que contienen las especulaciones intelectualmente desproporcionadas para abordar lo múltiple.

OIER

ETXEBERRIA BEREZIARTUA es artista y músico. En-

tre sus exposiciones recientes se encuentran: La Bestia y el Soberano, MACBA (2015); Pure Data (Hamar), en el contexto de la muestra Tratado de Paz-DSS2016; Bajos de la Catedral del Buen Pastor (Donostia-San Sebastián, 2013). Entre 2004 y 2009 formó parte del proyecto colectivo Amatau TV -Platafoma de experimentación audiovisual (Bilbao) y miembro del grupo Akauzazte (1992-2002), con el que ha editado discos como ur gardenak (Esan Ozenki, 2001) y Lata (autoedición, 1999). Actualmente es Responsable de Proyectos Artísticos del Centro Internacional de Cultura Contemporánea - Tabakalera (Donostia-San Sebastián).

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_ RU TH NOACK __ WI LLEM DE RO O IJ _ SESI ÓN CRÍ TI CA ASUNCIÓN

MO LINO S GO RDO

__ ERI CK BELT RÁN 16:00 1 7 : 0 0 _ A LI CE CREIS CH ER

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SOBRE UN INTENTO DE CREAR ALGUNOS LAZOS En su libro Partial Connections, Marilyn Strathern dedica bastante tiempo a analizar las bolsas de cáñamo y sus usos en las distintas comunidades sobre las que ha investigado y en las que ha centrado su reflexión. Aunque sus pensamientos giran en torno a las diferencias sexuales y esto no tiene ninguna relación con el tema que pretendo analizar, mi ponencia intentará usar algunas de sus imágenes para examinar un modelo de creación de instituciones.

RUTH

NOACK es escritora y comisaria. Formada como

artista visual, además de en historia del arte y teoría feminista, ha trabajado como crítica de arte y profesora universitaria. Fue junto a Roger M. Buergel comisaria de documenta 12 (2007). Entre sus exposiciones con Roger M. Buergel están Scenes of a Theory (1995), Things we don’t understand (2000) y The Government (2005). Sus escritos han aparecido en numerosas revistas y catálogos.

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La práctica colaborativa ha sido una constante en la trayectoria de Willem de Rooij, de manera especial con Jeroen de Rijke (desde 1994 hasta su muerte en 2006) y con otros artesanos, como floristas e impresores textiles. Ha creado instalaciones con obras de otros artistas, como Isa Genzken y Keren Cytter, así como proyectos que analizan las colecciones históricas de los museos y promueven nuevas investigaciones en antropología, historia natural y estudios poscoloniales. El tema de la obra de De Rooij es la imagen en sí, la forma en que el público y el mundo académico interaccionan con ella y su implicación en las culturas a lo largo del tiempo.

WILLEM

DE ROOIJ es artista, vive y trabaja en Berlín. Es-

tudió Historia del Arte en la Universidad de Ámsterdam y Arte en la Gerrit Rietveld Academie y la Rijksakademie de Ámsterdam. De Rooij recibió el premio de arte Bâloise en 2000, una beca Robert Fulton de la Universidad de Harvard en 2004 y una beca DAAD en 2006-2007. En 2013 fue nominado para el premio Vincent. Representó a los Países Bajos en la Bienal de Venecia en 2005 y es profesor de Bellas Artes en la Städelschule desde 2006. Entre sus exposiciones individuales más importantes se incluyen las celebradas en: ICA, Londres (2002); Kunsthalle, Zúrich (2004); K-21, Düsseldorf (2007); Museo d’Arte Moderna di Bologna (2008); Neue Nationalgalerie, Berlín (2010); Kunstverein de Múnich (2012) y The Jewish Museum, Nueva York (2014).

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SESIÓN CRÍTICA

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En esta presentación propongo dos enfoques comparativos en torno a la producción de conocimientos y el trato que reciben dependiendo de su origen y del perfil del productor. Poniendo especial interés en la separación que se hace de los contenidos emitidos por las comunidades rurales y aquellos que son emitidos por las comunidades científicas, haré hincapié en las diferencias que existen en su aceptación social y en la cobertura legal que ampara o desampara a unos y a otros, dependiendo de si encajan o no en el modelo de modernidad y progreso vigente. ¿Cuáles son las categorías que definen «innovación»? ¿Existen formas de dominación cultural e intelectual entre lo urbano y lo rural? Como canta Hugh Masekela en su canción The sailor man: Vasco Da Gama invented the “discovery” (Vasco Da Gama inventó el «descubrimiento»)

ASUNCIÓN MOLINOS GORDO trabaja con temas de ruralidad

y cultura campesina desde una perspectiva transnacional, utilizando la etnografía y otros métodos de investigación antropológica para entender los cambios que se producen en el entorno rural. Haciendo uso de diversos medios entre ellos, fotografía, escultura, instalación, sonido y video, su trabajo explora los usos y la propiedad de la tierra, la arquitectura transhumante, el uso de la biotecnología en los alimentos, la regulación burocrática del territorio, los mercados financieros de cereal y la transformación laboral del campesinado. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid vive entre Egipto, Omán y España. Su trabajo ha sido expuesto en MUSAC (León), Matadero (Madrid), The Townhouse Gallery (El Cairo), Darat Al Funun (Amman), Delfina Foundation (Londres), Arnolfini (Bristol), CAB (Burgos), La Casa Encendida (Madrid) y Travesia Cuatro (Madrid) entre otros. Con su proyecto WAM (Museo Agrícola Mundial) ha sido ganadora de la bienal de Sharjah (Emiratos Árabes) en el 2015.

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EL QUE CAMINA AL LADO Y OTROS CASOS DE CRÍTICA A LA UNIDAD PADRÓN Uno de los precios más grandes que se han pagado en la modernidad ha sido el de la pérdida de las escalas dentro del concepto del «yo». La construcción de este centro subjetivo implica la desaparición de todas las unidades y la aparición de un discurso universal en primera persona. ¿Quién es éste yo? ¿Por qué necesita disolver las unidades? Paradójicamente esta autoafirmación lleva dentro de sí misma otro yo indisoluble, unas muñecas rusas «yoes». El sujeto no ha podido eliminar la sospecha de que alguien desde su interior controla mejor que él su propio cuerpo. ¿Qué voluntad mueve sus vísceras y sus reflejos? ¿Quién es quien controla sus sueños y fantasías? ¿Quién asoma en sus lapsus? El doble es la figura que esa unidad infalible y perfecta no puede eliminar, y esta situación se ve reflejada en su relación con los otros, las cosas y el mundo. El doble es todo lo que ha desaparecido al desaparecer las unidades, es las otras formas de aparecer. El yo es la unidad que elimina todo el espectro en una autopromoción. Esta tensión se puede visualizar en las relaciones entre pneuma y cuerpo, entre problemas de consciente e inconsciente, conocimiento y caos universal (cogito y res extensa), entre la unidad padrón y la multiplicidad, el centro y la periferia, el yo y la colectividad. La biblioteca El que camina al lado fue elaborada por mí para la 31a Bienal de São Paulo con la figura del doble como sistema organizador, y actualmente reside en la «União Popular das Mulheres» en Campo Limpo, en la periferia de São Paulo. Dicha asociación pone en tela de juicio conceptos como centro, formato social o interacción colectiva.

ERICK BELTRÁN es artista y en su trabajo analiza y reflexio-

na sobre las construcciones del discurso y los formatos de conocimiento transhistóricos. Investiga el poder que los diferentes medios gráficos ejercen sobre su distribución de la información, así como el tratamiento explícito de diversos conductos y valores. Trabaja con diversos formatos como el múltiplo o el libro, la instalación y la conferencia-performance. A través de estos medios experimenta con el vínculo entre el arte público y los distintos lenguajes gráficos. El archivo, el museo y la biblioteca son las herramientas y los medios naturales en este proceso de investigación.

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¿ C Ó M O P O D E M O S CA N TA R L A CA N C I Ó N DEL SEÑOR EN TIERRA EXTRAÑA ?

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La ponencia tratará sobre Principio Potosí -un proyecto expositivo que mostraba pinturas barrocas andinas junto con «respuestas» de artistas contemporáneos. Tuvo lugar en el Museo Reina Sofía de Madrid y en la Casa de las Culturas del Mundo de Berlín en 2010, así como en el Museo Nacional de Arte y el MUSEF de La Paz en 2011. La comisarié junto con Andreas Siekmann y Max Jorge Hinderer Cruz. Explicaré algunas decisiones estructurales de ese proyecto y el modo en que esta práctica del comisariado se vincula con mi propia producción artística.

* El 3 de julio de 10:00 a 14:00 h.

ALICE

CREISCHER

* estudió filosofía, literatura alemana

Alice Creischer participará en la Facultad

y artes visuales en Düsselforf. Como una de las figuras

de Bellas Artes, Universidad Complutense

centrales de los movimientos artísticos políticos de los

de Madrid en un seminario organizado

noventa en Alemania, Creischer participó en una impor-

por el grupo de I+D «Visualidades Críticas:

tante cantidad de proyectos colectivos, publicaciones y

reescrituras de las narrativas

exposiciones. Su trayectoria artística y teórica ha evolucio-

a través de las imágenes».

nado en los últimos 20 años entre la crítica institucional y

+ info: imaginarrar.net

económica, y más recientemente se ha orientado hacia la historia de los orígenes del capitalismo y la globalización. Como co-comisaria de exposiciones tan paradigmáticas como Messe 2ok (1995), ExArgentina (2004) y Principio Potosí (2010), Creischer ha desarrollado una práctica curatorial específica que se correlaciona con su trabajo como artista y como teórica, incluyendo su extensa práctica en la investigación de archivo.

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HOW CAN WE SING THE SONG OF THE LORD IN AN ALIEN LAND ?

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The lecture will be about Principio Potosí –an exhibition project which showed Andean baroque paintings together with “answers” from contemporary artists. It took place at the Reina Sofía Museum, Madrid, and the House of World Cultures, Berlin, 2010, and the Museo Nacional de Arte and MUSEF in La Paz 2011. It was curated by me, Andreas Siekmann and Max Jorge Hinderer Cruz. I will explain some structural decisions of that project and how that way of curatorial praxis is connected to my own artistic work.

* On 3 July from 10:00 to 2:00 p.m. Alice Creischer will participate in a seminar organized by the group of research “Critical

ALICE CREISCHER

* studied Philosophy, German Literature

the last 20 years between institutional and economic criti-

+ info: imaginarrar.net

hibitions. Her artistic and theory career has evolved during

Complutense de Madrid.

took part in many collective projects, publications, and ex-

place at Fine Arts Faculty, Universidad

the 1990’s political art movements in Germany, Creischer

through Images”. The seminar will take

and Visual Arts in Düsseldorf. As one of the central figure in

Visualities: The Rewriting of Narratives

que, to a more recent orientation towards the history of the origins of capitalism and globalization. She has co-curated paradigmatic exhibitions such as Messe 2ok (1995), ExArgentina (2004) and Principio Potosí (2010). Creischer has developed a specific curatorial practice, which is correlated to her work as an artist and as a theoretician, including her extended practice in the research of the archive.

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THE ONE WHO WALKS BESIDE AND OTHER CRITICAL VIEWS OF THE BASE UNIT One of the highest prices we had to pay in modernity was the loss of scales within the concept of the “ego”. The construction of this subjective centre entails the disappearance of all units and the appearance of a universal first-person discourse. Who is this ego, this “I”? Why does it need to dissolve units? Paradoxically, this self-affirmation contains within itself another indissoluble ego, a Russian nesting doll of egos. The subject cannot shake off the suspicion that someone inside him is more adept than he is at controlling his own body. What force of will moves his innards and his thoughts? Who really controls his dreams and fantasies? Who emerges when he is caught off guard? The double is the figure which that infallible, perfect unit cannot eradicate, and this situation is reflected in his relationship with others, with things and with the world. The double is everything that disappeared when the units vanished; it is the other forms of appearing. The ego is the unit that eliminates the entire spectrum in an act of self-promotion. This tension becomes visible in relationships between the pneuma and the body, between issues of the conscious and unconscious, cognition and universal chaos (cogito and res extensa), between base unit and multiplicity, centre and periphery, the ego and the collective.

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The library titled “The One Who Walks Beside”, with an organisational system based on the figure of the double, was created by me for the 31st Bienal de São Paulo and is currently held at the “União Popular das Mulheres” in Campo Limpo, on the perifphery of São Paulo. This women’s association challenges existing concepts of centrality, social formats and collective interaction.

ERICK BELTRÁN is an artist, and in his work he analyzes and

reflects on the constructions on discourse and formats of trans-historical knowledge. He researches the power that different graphical media exert on their distribution of information, as well as the explicit treatment of different conduits and values. He works with different formats, such as multiples, or books, installations, and performative conferences. Through these media he experiments with the bond between public art and different graphical languages. The archive, the museum, and the library are the natural tools and media for this process of research.

J U L

CRITICAL SESSION In this presentation I want to propose two comparative approaches to the production of knowledge and its consideration depending on its origin and the profile of its producer. Emphasizing on the separation made between the knowledges issued by rural communities and those by the scientific communities, I will stress the differences of their social acceptance and the legal coverage that protects or forsake one and others, depending on whether they fit, or not, into the model that modernity imposes. 1 2 : 4 5

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Which are the categories that define “innovation”? Are there any forms of cultural and intellectual domination between urban and rural? As Hugh Masekela sings in his song The sailor man: Vasco Da Gama invented the “discovery”.

ASUNCIÓN

MOLINOS GORDO works with issues of rurali-

ty and peasant culture from a transnational perspective, using ethnography and other methods of anthropological research to understand the changes operated in rural areas. Using a variety of media including photography, sculpture, installation, sound and video, her work explores the use and ownership of land, transhumance architecture, the use of biotechnology in food, the bureaucratic regulation of the territory, financial markets of grain and transformations of the peasantry labor. She lives between Egypt, Oman and Spain. Her work has been exhibited at MUSAC (León), Matadero (Madrid), The Townhouse Gallery (Cairo), Darat Al Funun (Amman), Delfina Foundation (London), Arnolfini (Bristol), CAB (Burgos), La Casa Encendida (Madrid) and Travesía Cuatro (Madrid) among others. With her project WAM (World Agricultural Museum) has been awarded in Sharjah biennale (UAE) in 2015.

Collaborative practice has been a constant aspect of Willem de Rooij’s career, particularly with Jeroen de Rijke (from 1994 until his death in 2006), and with other artisans such as florists and textile printers. He has created installations featuring works by other artists, including Isa Genzken and Keren Cytter, as well as projects that interrogate historic museum collections and stimulate new research in anthropology, natural history and post-colonial studies. The theme of De Rooij’s work is the image itself, the ways it is engaged with by the public and the academy, and how it is implicated in cultures over time.

J U L

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WILLEM

DE ROOIJ lives and works in Berlin. He studied art

history at the University of Amsterdam and art at the Gerrit Rietveld Academie and the Rijksakademie in Amsterdam. De Rooij received the Bâloise Art Prize in 2000, a Robert Fulton-fellowship at Harvard University in 2004 and a DAAD Stipend in 2006-2007. In 2013 he was nominated for the Vincent Award. He represented the Netherlands at the Venice Biennale in 2005 and is Professor of Fine Arts at the Städelschule in Frankfurt am Main since 2006. Important solo exhibitions include ICA, London (2002), Kunsthalle Zürich (2004), K-21, Düsseldorf (2007), Museo d’Arte Moderna di Bologna (2008), Neue Nationalgalerie, Berlin (2010), Kunstverein München (2012) and The Jewish Museum, New York (2014).

J U L

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O N A N AT T E M P T TO AT TAC H S O M E ST R I N G S In her book Partial Connections Marilyn Strathern spends quite some time discussing string bags and their uses by the different communities she has been researching and thinking about. Though her musings pivot around sexual difference and this is entirely unrelated to the topic I want to discuss, my lecture will attempt to use some of her imagery to consider a model of institution building.

RUTH

NOACK is a writer and a curator. With a background

in visual art, as well as Art History and feminist theory, she has worked as an art critic and a university lecturer. Together with Roger M. Buergel, she curated documenta 12 (2007). Among her exhibitions with Roger M. Buergel are Scenes of a Theory (1995), Things We Donâ&#x20AC;&#x2122;t Understand (2000), or The Government (2005). Her texts have appeared in many magazines and catalogues.

16:00

_ R U T H NOACK __ WI LLEM DE R O O I J _ SESI ÓN CR Í T I CA

12:45

10 : 00

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17:00 _

ASUNCIÓN

MO LI NO S GO R DO

BELT R ÁN C R EI S CH ER

ER I CK A LI CE

J U L

lo que ez lo que ez EZ lo que ez lo que ez 1 3 : 0 0

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“I am that I am,” God told Moses when he asked his name, after being ordered to go to Egypt and bring his people out of captivity. This lecture will make use of certain predications which, like geometric shapes, are closed and self-contained, achieving an ideal scale by concentrating on their own definitions. At the risk of amounting to nothing, throughout the lecture the speaker will also refer to various works and projects carried out in recent years with the intention of highlighting the existence of shortcomings of every variety, thereby advocating the potential of intellectually disproportionate speculations to address multiplicity.

OIER

ETXEBERRIA BEREZIARTUA is an artist and a musi-

cian. Some of his most recent exhibitions are: La Bestia y el Soberano, MACBA (2015); Pure Data (Hamar), in teh context of the exhibition Tratado de Paz- DSS2016; Bajos de la Catedral del Buen Pastor (Donostia- San Sebastián, 2013). Between 2004 and 2009 he participated in the collective project Amatau TV - Platform for Audio-Visual Experimentation (Bilbao), and he was a member of the band Akauzazte, with whom he has published records such as ur gardenak (Esan Ozenki, 2001) y Lata (self-released, 1999) Currently, he is Head of Art Projects of the International Center for Contemporary Culture - Tabakalera (Donostia San Sebastián).

J U L

ZO O M O R T H AT I N W H I C H FO CA L D I STA N C E CA N B E VA R I E D AT W I LL Manuela Moscoso and Osías Yanov will create an exchange of positions in an attempt to amplify the sensory and conceptual borders of what we can consider the one and the many. Varieties identified with a single object. Individual bodies pregnant with complex, plural registers. Bird’s-eye views to take in entire systems. The goal of this lecture is to offer a defamiliarized perspective of sociality, understood as regimes that interconnect individuals and objects whose presence is redefined by each connective relationship. Interpelated by different cases of visual culture and art, Moscoso and Yanov will generate dynamic schemata for thinking about the artistic act.

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OSÍAS YANOV. Artist. Osías Yanov’s art ensues at the thres-

hold between the disciplines of dance and sculpture. On the basis of form, gesture, and symbol, his works address issues of gender identity, bodily reconfiguration in response to the environment, and pain as form of ecstasy and liberation. He has studied in Argentina at the Universidad Torcuato Di Tella/Beca Kuitca (2010–2012), the Centro de

current research revolves around the sphere of education.

re she will begin in July 2015.

work in Argentina, Spain, France, Brazil and Russia. His

curator of the Rufino Tamayo Museum in Mexico City, whe-

individual is eliminated. Since 2006, he has exhibited his

subject-object relationship. Manuela has been appointed

rrative moments where the difference between group and

torial office which researches destabilizing forms of the

art collective in 2006, using performance to generate na-

together with Sarah Demeuse Rivet, she has run a cura-

creators active in other fields founded the Rosa Chancho

Casa del Alabado pre-colombian collection. Since 2010,

an attempt to expand the notion of authorship, he and four

of research, production, and exhibition working with the

phy with Florencia Vecino and biodrama with Vivi Tellas. In

currently developing “Alabado Contemporáneo”, a project

re of the performing arts, he studied dance and choreogra-

with Pablo Lafuente and Manuela Ribadeneira, she is

Fundación Telefónica (2007–2009), and others. In the sphe-

llaboration as a defining aspect of her practice. Together

Investigaciones Artísticas (CIA) (2009–2010), Intercampos/

MOSCOSO is a curator who understands co-

MANUELA

J U L

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C O M PA R I S O N , T R A N S L AT I O N A N D C O M PAT I B I L I SAT I O N The presentation will address issues related to the transition of images and objects between different modes of existence, marked by the trajectories of colonialism and collecting. The speaker will attempt to find alternatives for understanding the connections between the regimes of knowledge involved in this process, connections that are relegated to the shadows by the hegemony of Western precepts in art and creativity. In this way, he aims to reflect on the scope of concepts and procedures of comparison, translation and compatibilization for the development of the proposed issue.

PEDRO

DE NIEMEYER CESARINO graduated in Philosophy

from the University of São Paulo, and he is a lecturer and Ph.D. in Ethnology at the Museo Nacional de la Universidad Federal de Rio de Janeiro. He is a lecturer and research at the Anthropology Department of the University of São Paulo. Among his books are: Oniska - poética do xamanismo na Amazônia (Perspectiva, 2011) and Políticas culturais e povos indígenas (Cultura Acadêmica, 2015).

10:00

11:30

_ PEDR O D E NI EMEY ER CESAR I NO __ M ANUE LA M O S CO S O y

13:00 _

O S ÍAS

OIER

YANOV

E TX EBER R I A BER EZ I ART UA

J U N

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FORMS OF THE LIMIT 1 3 : 0 0

The question of comparability relates to the consistency of all forms of correspondence or induction, which stabilize the structures of meaning. It is the gnoseological limit of any symbolic and cultural system, the axis of all forms of “realism” (indexical, iconic or symbolic, sensory, perceptive or conceptual). Is it possible to differentiate between the tasks of comparison and contrast typical of the scientific disciplines (and their operations of division—science—and inference—induction/deduction) and the tasks of integration and poeisis typical of the arts (and their operations of articulation and abduction)? Is it possible to differentiate between the cultural tasks of identification and identity—the purview of religions and prehistoric (non-discursive) thought—and the tasks of diversification and heterogeneity inherent to art, designated here not by an anthropological definition (etic) but by a definition from the art field (emic)?

JUAN LUIS

MORAZA is a sculptor. He has been producing

exhibitions since 1980, notable among which is the last one in the Museo Reina Sofía, República (2014). His work is in both public (Reina Sofía, ARTIUM, etc.) and private collections (Helga de Alvear, Rona Hoffman, Dona & Howard Stone, etc.). He has curated many exhibitions, such as El retorno de lo imaginario (Reina Sofía, 2010) and Incógnitas (Guggenheim-Bilbao, 2007). He has published various books, such as Corduras (2007), Ornamento y Ley (2007), and Las formas del límite (2006). He is a professor at the University of Vigo, and he teaches at universities and art centers.

J U N

T H E J A N U S - F A C E O F A LT E R I T Y, A N I M I S M , AND THE EXHIBITION AS AN ONTOGRAPHIC DEVICE 1 1 : 0 0

This presentation discusses ontological alterity in modern utopian thinking and juxtaposes it with constructions of alterity in colonial frontiers. It finds a hinge between these two aspects in the concept of animism, and traces the role and development of the concept in the Western imaginary since the late 19th century until today’s “ontological turn”. The presentation further locates the medium of the exhibition and the institution of art within the ontological partitions and media that pertain to colonial modernity and its aftermath.

ANSELM

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FRANKE is a critic and curator based in Berlin.

Curator of the 2012 Taipei Biennale,he also curated the exhibition and publication project that was exhibited in different cities such as Berlin, New York or Bern between 2010 and 2012, under the title Animism. He was director of Extra City Kunsthal (2006-2010). He is a researcher at Goldsmiths College, London University, and he is Head of Visual Arts at Haus der Kulturen der Welt in Berlin.

J U N

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Symposium inauguration by Ferran Barenblit, director of CA2M

Introduction to the symposium by Pablo Lafuente and Asier Mendizabal, leaders of the 22nd Image Symposium

ASIER MENDIZABAL. An artist based in Bilbao, whose work,

related to the program of sculpture, finds its resolution in different media and processes, usually including writing.

or Illuminations, in the 54th Venice Biennale.

ce for Contemporary Art Norway (OCA) in Oslo.

his collective exhibitions are the last S達o Paulo Biennale,

2008 and 2013 he worked as associate curator at the Offi-

Raven Row in London, among other venues. Notable among

and editor of the Exhibition Histories series, and between

had solo exhibition at the MACBA, Museo Reina Sof鱈a, or

cember 2014). He was the co-editor of Afterall magazine,

ture configure the recurring references in his work. He has

torial team of the 31st S達o Paulo Biennale (September-De-

dernity and some of its updates in the key of popular cul-

ves in S達o Paulo, where he moved in order to join the cura-

The multiple cross-point between specific codes of mo-

LAFUENTE is a writer, editor and art curator, who li-

PABLO

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1 0 : 15

_ F ER R A N BARENBLIT __ PABLO LAFU ENT E y ASIER

MENDI Z ABAL

1 1 : 0 0 _ A N SELM FR ANK E

1 2 : 0 0 __

J UA N LU I S

MO R AZ A

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ONE FEELS THE PRESENCE OF THE BODY EVERYWHERE, BUT NOWHERE IS IT PHOTOGRAPHED * This workshop is an invitation to think together about things, about the proceedings through which any matter is distinguished from other matter, thus defined as things and organisms, but also to think about relationships between body and object. Participants will be invited to start on a speculative journey with me, with emphasis on the production of a body of shared knowledge, which is to be expected from our understanding of the difference between art as a thing and real things, with a formalization (in works of art) of those ideas we need in order to sustain ourselves as inspired beings. Each participant must bring to the workshop: · A work of art (or its representation). This piece can be one’s own, or by another person. · An object that is not art. Each participant must be able to join the work of art and the object they contribute. Each participant will also be asked to join the work of art to “the presence of the body”. The use of words will not be necessary to do this. We recommend that each participant reads the introduction and the essay by Helen Molesworth* in order to prepare for the workshop. 1 9 : 0 0

* Helen Molesworth on Duchamp, in “Part Object, Part Sculpture”, exhibition catalogue, Wexner Center for the Arts, 2005

1 6 : 0 0

1 9 : 0 0

W H AT I S A T H I N G A N D/O R A N D O B J ECT ? What is a thing and/or and object? How to think about different statutes of materiality and invisibility? What are the devices of discourse and power through which these others were processed and categorized by the modern West? How to think about the derived problems and the cross-linking of different ontological regimes that, in a more or less explicit manner, mark the divisions between art and artifact, between ethnographic museum and art institutions? Does the problem of animating objects reflect an effective understanding of other ontological configurations, or, on contrary, is it merely a projection over the other Western metaphysical dilemmas? To what extent do networked connections effectively undo the fundamental lines of division? These are some of the general questions that we will engage during the workshop. Through the reading of texts by, among others, Alfred Gell, Marilyn Strathern and Eduardo Viveiros de Castro, as well as group debate, the workshop wants to imagine curatorial alternatives for the impasses created by a number of exhibitions that have engaged these problems, such as Magiciens de la Terre, Primitivism in 20th Century Art, and Animism.

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T H AT W H I C H H AS N O FO R M , H AS N O S PAC E In the contemporary world, it is easy to ignore the elements that are not visible, or that are at a distance. Not everything that appears in reality has the same weight, and even less so, the same social framing. In this sense, a question like “How many deaths of Nepalese citizens are necessary to equal the space occupied by the death of a European in any mass media channel?” moves us to a moral, and scale-related dilemma, one of visualization. Problems of visualization are problems of world-building: what size is our world? Are there other kinds of units that don’t correspond to a central “I”? How to recover these units, how to establish scales of comparison? Based on the text “Killing a Chinese Mandarin” by Carlo Ginzburg, and selections from the book Partial Connections by Marilyn Strathern, the workshop will analyze different methodologies related to the continuity and relationship between nodes, as well as issues related to the reduction of scale, the appearance of units, and horizons of visibility. How is it that things appear to our eyes? Are the existing relationships between objects inherent, or do we create them ourselves? How do we create things? Is it possible to change the units that we hold inside our social and individual psyche? What is the relationship between the body and its particles? The research will begin with case studies of neurobiology, modes of perception and the media, and by reinterpreting different methods of graphic visualization, such as Otto Neurah’s Isotype, using data obtained from contemporary events.

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J U N

J U L

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_ ER I CK BELT R ÁN __ P ED R O CESAR I NO _ R U T H NOACK

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J U N WORKSHOPS * ER I C K B E LT R ÁN PE DR O C ESA R I NO R U TH N OACK

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30 U

FE R R A N BARENBLIT PABLO L AFU EN T E y ASIER ME N DI Z A BAL AN S ELM

1 0 : 0 0

J U L

PEDRO D E N I E M E Y E R C ESA R I NO

1 0 : 0 0

J U L

R U TH

N OAC K

F R AN K E 1 1 : 3 0

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JUA N LU I S

MO R AZ A

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WORKSHOPS * ER I C K B E LT R ÁN PE DR O C ESA R I NO R U TH N OACK

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MANUELA M OSCOS O y OSÍAS YA N OV

OIER E T X E B E R R I A B E R E Z I A RT UA

WORKSHOPS * ERICK B E LT R Á N PEDRO CESA R I NO RUTH NOACK

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WI LLE M

D E R O O IJ

CR I TI CA L S ES S I O N ASUNCIÓN MO LIN O S

G O RD O

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C R E ISC HE R

A LI CE

B E LTR ÁN

E R I CK

Three simultaneous workshops will take place during three consecutive afternoons on 29 and 30 June and 1 July. Each of the independent workshops will be shaped by the artist or theoretician who teaches it. The three of them have worked in experimental formats of knowledge production, and have teaching and participation experience in diverse collective projects. The workshops take place in parallel to the conferences, so that they can act as an adjacent space for reflection. Aimed at artists, critics and theoreticians interested in the image.

C O M P A R A B I L I T I E S : R E L AT I O N S H I P A N D S C A L E

Establishing a relationship, as a process of composition, of production of meaning, analysis or knowledge, is as much a common practice, as a problematic one. How do we establish

relationships? According to which variables? What kind of relationships can be established between similar and dissimilar elements? Are there any impossible, non-productive comparisons? Do basic operations in art, such as analogy or homology become more meaningful if we confront them with their equivalents in other realms of knowledge?

This symposium attempts to explore a proposition by Marilyn Strathern, where, in Partial Connections, she presents the need (or, at least, the productivity) that emerges when we establish relationships between items from different scales. A scale here can be understood in terms of size, but maybe also in terms of category, type, relevance, or time.

Establishing a relationship allows for narratives that, according to Strathern, present means of understanding social life. Thus, for example, the relationship between individual and collective, with the echoes of structural analogies such as that of frag8

ment and totality, or figure and background, is the basis of one of the possible narratives of modernity. What would happen if this relationship were, in turn, compared to other modes of understanding the social totality, beyond the modern European scheme? That is, what if this relationship between individual and mass was not understood in dialectic or aggressive terms, as in European modernity, but in an attempt to maintain the difference between the related elements?

This symposium is an attempt at the production and study of the relationships between different scales, both in terms of the anthropological and political context, and in the art and cultural sphere, where relationship and comparison are recurrent strategies, or, maybe, a common place.

Lead by Pablo Lafuente and Asier Mendizabal

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N D

I M A G E M

Published by CA2M Centro de Arte Dos de Mayo Comunidad de Madrid, 2015 Printing B. O. C. M. Design Alejandría Cinque Coordination of the 22nd Image Symposium Elena López Calatayud Poster image Oier Etxeberria, Sin Título, 2015 Legal Deposit M-21066-2015 CA2M Centro de Arte Dos de Mayo Av. Constitución, 23 +34 91 276 02 21 28931 Móstoles, Madrid www.ca2m.org ca2m@madrid.org