Actuación

La Actuaci贸n y su Importancia en la Animaci贸n Animaci贸n 3D - 2

Alejandra Garcia 17030025 San Crist贸bal

Ó La animación es el proceso utilizado para transmitir una sensación de movimiento en imágenes, dibujos u otros tipos de objetos sin sentido vivo. Se trata de simular vida en un entorno animado, significa darle al espectador la ilusión de que el objeto está vivo en un plano de la realidad. En otras palabras, este objeto tiene una personalidad y una forma de trabajar únicas, por eso que trabajar en un entorno animado es tan importante respetar las reglas dentro de este, porque es necesario que el personaje animado presente un sentimiento especial al público.

“Un animador es un actor con un lápiz”, no “un dibujante que actúa”, si no, primero y ante todo – un actor. Si estas tratando de contar una historia a través de un personaje, inevitablemente eres un actor.

Doron A. Meir

Ó Cuando se trata de la palabra interpretación, básicamente estamos hablando de la acción y el efecto de poner en práctica, realizar funciones, realizar un cierto efecto o, es decir; actuar. La palabra se usa generalmente para referirse a un elenco, una persona que desempeña un papel en el teatro, el cine, la televisión u otros medios.

Actuar es el acto y el efecto de poner en práctica un determinado resultado, es la actuación que realiza el actor, ya sea en teatro, cine, televisión u otros medios de comunicación.

Ó La actuación es en si misma una serie de reacciones: el personaje reacciona a su ambiente, a otros personajes, a un estímulo. Toda reacción, debe de partir de una razón.

Es importante que la reacción de un personaje sea razonable a su personalidad.

Es importante mantener un grado de consistencia para las reacciones de un personaje.

Un personaje tímido (pequeño, con movimientos lentos), que de repente actúa de manera extrovertida, sin ninguna razón en particular, sufrirá mucho en cuanto a su credibilidad.

• Es realizada por actores o actrices que son responsables de varios roles en películas, obras de teatro y otras expresiones artísticas.

• Debe haber una trama interesante y temática, que le da cierto significado a un determinado trabajo.

• Los personajes son responsables del desempeño.

• Los personajes que juegan en una determinada obra pueden ser tomados por el guión o el texto.

• El vestuario y el maquillaje son dos aspectos muy importantes de la actuación.

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Expresión emocional Las emociones son reacciones psicofisiológicas que son formas de adaptarse a ciertos estímulos cuando una persona ve algo o una persona que es importante para ellos.

Psicológicamente, las emociones cambian la atención, aumentan el comportamiento de respuesta de un individuo y activan redes asociativas relevantes en la memoria.

Lenguaje corporal. Kinesis estudia la importancia expresiva, atractiva o comunicativa de los movimientos corporales, los gestos de genes aprendidos o somáticos, las percepciones no verbales, visuales, auditivas o táctiles de una estructura única o lingüística.

Proyecto vocal. Enseñar a cantar a través de la proyección, "imponer" la voz y la gimnasia vocal, son el aparato vocal y todos los elementos que componen la fonología.

Localización desarrollada. La existencia es un proceso de alta calidad que permite a un individuo manipular la información recibida a través de la inmigración para crear una representación percibida por los sentidos de la mente.

Un actor (alternativamente Actriz, en el femenino), es la persona que actúa en una producción dramática o cómica y que labora en las áreas del cine, la televisión, el teatro o la radio, en tal capacidad. El termino griego para Actor (hypokrites), significa literalmente “aquel que interpreta”.

ó La Actuación se refiere al trabajo de un determinado Actor, en un medio narrativo donde este ayuda a la representación de un personaje mediante el uso del lenguaje corporal y en determinadas ocasiones, el hablado.

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En la animación la actuación se desempeña cuando somos capaces de dejar algo claro a través de un personaje en particular, una representación clara de que es lo que va a pasar con el personaje.

Lo primero es conocer las emociones, la emoción se identifica como aquel sentimiento o percepción de los elementos y relaciones de la realidad o la imaginación, que se expresa físicamente mediante alguna función fisiológica como reacciones faciales o pulso cardíaco, e incluye reacciones de conducta como la agresividad o el llanto. Las emociones no solo nos hacen sentir algo, sino que nos suelen empujar a hacer algo.

Fisiológicamente, las emociones organizan rápidamente las respuestas de varios sistemas biológicos, incluidas las expresiones faciales, los músculos, la voz y el sistema endocrino, para maximizar el ambiente interno efectivo.

Psicológicamente, las emociones cambian la atención, aumentan el comportamiento de respuesta de un individuo y activan redes asociativas relevantes en la memoria.

En términos de comportamiento, las emociones sirven para establecer nuestra posición en relación con nuestro entorno, empujarnos hacia ciertas personas, objetos, acciones, ideas y mantenernos alejados de los demás.

Las emociones también tienen una cualidad imperativa, lo que significa que pueden interrumpir lo que hacemos y surgir en nuestra conciencia, nos guste o no. Estas situaciones psicológicamente relevantes que causan emociones pueden ser internas o externas. Por ejemplo, el recuerdo de un evento agradable sería una situación interna, que causó una emoción positiva.

Ó Estudios recientes han demostrado que las primeras manifestaciones del canto de la obra se originan en Grecia, cuando se realizan rituales en los que los sacerdotes encarnan a los dioses para explicar a las personas el significado de sus enseñanzas y mandamientos.

El teatro es una de las obras de arte más antiguas e importantes conocidas por el hombre. Ya en las sociedades antiguas, donde no había otras formas de arte más modernas, el teatro desempeñaba un papel importante, ya que era un fenómeno a partir del cual la sociedad podía descubrir los elementos que caracterizaban su vida cotidiana en el tono de la tragedia o la comedia. El teatro se considera una forma de arte, ya que tiene varios elementos relacionados con la subjetividad y la creación de las personas que participan en él. Escenarios o historias, formas de interpretarlos, estilos pictóricos y arte gráfico. Una variedad de entretenimiento, música, baile y muchos otros elementos son los que componen el teatro y lo convierten en un evento muy completo.

La profesionalización de la actuación se inició en Europa en el siglo XVI, en Italia, con las primeras compañías profesionales de Commedia dell'Arte En Inglaterra, con las compañías protegidas por la nobleza en tiempos de la reina Isabel (como la Lord Chamberlain's Men, la compañía de Shakespeare, que luego pasó a llamarse King's Men) En Francia, con la Comédie Française.

En los últimos años, el llamado "Nuevo concepto global" se ha hecho popular entre los historiadores teatrales medievales, que reconocen la existencia de diversas tradiciones en el drama medieval (religioso y litúrgico, popular-popular, cultural y clasicista) que indudablemente sintieron influencias recíprocas. enriquecimiento Se puede decir que en la Edad Media no había teatro con una letra grande, sino que comenzó a dramatizar los principales acontecimientos de la vida.

á El Teatro Asiático es una obra de teatro porque la idea de una obra naturalista es completamente ajena a ellos. Aunque los teatros en diferentes países son diferentes, generalmente son una obra de arte conjunta, que mezcla literatura, danza, música y entretenimiento.

Para el Teatro Oriental, el vestuario y el maquillaje son muy importantes y casi un arte, con todo tipo de colores e imágenes, así como elementos de especial importancia. Las actuaciones son a menudo largas, y la audiencia va y viene, come, habla, la audiencia de la audiencia occidental es desconocida.

Esta capacidad tiene un gran efecto en el espectador, porque la imagen de visualización repentina adquiere un significado independiente.

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La profesionalización de la actuación en Europa comenzó en el siglo XVI. En Italia, con las primeras empresas profesionales de Commedia dell'Arte; En Inglaterra, durante el reinado de la reina Isabel, con compañías protegidas por la aristocracia (por ejemplo, los hombres de Lord Chamberlain, la compañía de Shakespeare, que luego pasó a llamarse King's Men); En Francia con la Comédie Française.

"Actuación creíble" significa que el público puede sentir que las acciones del personaje son el resultado de sus motivos personales, y no el de los animadores.

Esta capacidad tiene un gran efecto en el espectador, ya que la imagen de visualización repentina adquiere un significado independiente.

El objetivo aquí no es solo presentar sentimientos simples y definidos (felicidad, tristeza, etc.), sino también buscar el sentimiento interno del personaje, que se puede llamar "conciencia".

Una imagen no siempre tiene que ser muy instintiva. Es posible estudiar las posibilidades de mostrar el proceso de pensamiento, que conduce primero a una decisión y luego a la acción.

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Una actuación confiable significa que el público siente las acciones que realiza el personaje por sus propios motivos. La persona siente, piensa y responde de acuerdo con la naturaleza y el estado de ánimo. Destaco que la última oración contiene muchos de los componentes de la ejecución obligatoria.

• Sentir. El objetivo aquí no es solo retratar emociones simples y definidas (felicidad, tristeza, etc.). Sino también buscar un sentimiento interno que tengamos todo el tiempo, tal vez podamos decir "inconscientemente". Intenta "sentir" a tu héroe cuando crees animación, no solo muévelos de acuerdo con los principios de la animación.

• Piensa. Los rasgos de carácter no siempre tienen que ser instantáneos. Busque oportunidades para demostrar el proceso de pensamiento que guía la decisión y la acción. Esto enriquece la animación con profundidad, sofisticación y fiabilidad.

• Reacción. La actuación de respuesta es en realidad una serie de reacciones en mayor o menor medida.

El personaje responde a su entorno, otros personajes, estímulos. Cada acción debe ser una razón para serlo. Debes confiar en saber a qué

reacciona el personaje, que la reacción es razonable (es decir, es razonable en la naturaleza de la reacción que tendrá el personaje).

• Consistencia. Mantener una actitud retrospectiva en el personaje del héroe. Un personaje tímido (un poco tímido) que trabaja increíblemente de una manera extrovertida que no tiene motivos para sufrir y su credibilidad sufre.

• Personalidad. El personaje dicta sus reacciones: es un actor. Nuevamente, no estamos hablando de una persona tan inequívoca como "arrogante", "grosero", etc. Intenta averiguar el personaje porque conoces a un familiar o alguien con quien has trabajado. ¿Qué te irrita, de qué se trata? miedo, cual es el problema?

• Humor El humor reúne la personalidad. También dicta la respuesta de la imagen, pero a diferencia del individuo, el efecto es temporal. Por ejemplo, Una persona que tiene prisa por trabajar actúa y responde de una manera muy diferente a la misma persona que camina con su perro durante el día.

• Operaciones secundarias. Hay mucha confusión con este término en el mundo de la animación. Por ejemplo, en un conocido (muy bueno) artículo de Michel B. Comet, podemos leer esta explicación. "La acción secundaria es otra acción que tiene lugar. Las acciones secundarias se realizan, únicas y naturales, agregan complejidad y carisma a los movimientos, dan sabor.

• tiempo o timing

• Estereotipos complejos. Esto se aplica no solo a la animación. Lograr un estereotipo complejo debe ir acompañado de los esfuerzos del animador y el autor del guión.}

Fue muy influyente en los entrenamientos dramáticos desarrollados por el actor, productor y teórico ruso durante los años de experiencia y error. Konstantin Stanislavsky.

Comenzó con intentos de encontrar un estilo de actuación más apropiado para el mayor realismo del drama del siglo XX que los estilos de actuación históricos del siglo XIX. Sin embargo, nunca tuvo la intención de ser un nuevo estilo de mejora, sino más bien codificar las formas en que los modos de enseñanza y rendimiento siempre han tenido éxito en su trabajo, independientemente del estilo predominante de rendimiento.

Su sistema desarrolla lo que él llama el "arte de la experiencia" (que se opone al "arte de la presentación").

Moviliza la mente consciente y la voluntad del actor para activar de manera integral e indirecta procesos psicológicos menos controlables, como la experiencia emocional y el comportamiento subconsciente.

Experiencia El actor busca razones internas para justificar la acción y la definición de lo que el personaje está tratando de lograr en este momento ("tarea").

"No te creo, no me convences", fueron las palabras de Konstantin Sergeyevich Alexis, más conocido en el mundo del arte como Konstantin Stanislavsky. Un actor, director, empresario de teatro y ópera que cambió el curso del teatro occidental a principios de este siglo.

El sistema de Stanislavsky requiere que el actor use, entre otras cosas, su memoria emocional (es decir, su memoria de experiencias y emociones pasadas). La entrada del actor en el escenario no se considera el comienzo de una acción o su vida como una imagen, sino una continuación de una serie de circunstancias anteriores. El actor ha entrenado su concentración y sus sentidos para que pueda responder libremente al entorno general del escenario. En muchas situaciones diferentes, según las observaciones empáticas, intenta desarrollar una amplia gama de emociones para que sus acciones y reacciones en el escenario se conviertan en parte del mundo real, no imaginario.

Distinguir entre orgánico y artificial. Stanislavsky creía que hay leyes naturales de acción que deben seguirse.

En el contexto de la gobernanza, los recursos humanos o el desarrollo, es necesario tratar de eliminar el ruido de la información realmente importante, reducir las opciones y permanecer con la variable válida que motiva profundamente la acción.

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El personaje y la naturalez son a menudo lo contrario, por lo que el actor debe estudiar cómo realizar cualquier actuación sin dejarla al azar.

Si el actor ve por sí mismo de qué necesita hablar o qué necesita para convencer a su interlocutor en el escenario, podrá atraer la atención del espectador con sus visiones, creencias y convicciones.

Con tus sentimientos El actor debe aprender a imaginar los acontecimientos de la vida del personaje, por lo que cuando habla de ellos, se comunica con al menos una pequeña parte de lo que sabe sobre ellos.

La improvisación hace algo repentinamente, sin preparación previa o sin esperar al medio ambiente. Se le conoce como la improvisación o la actuación espontánea de una obra.

La improvisación significa actuar sin planificación previa. En cualquier caso, hay recursos que los artistas pueden usar para desarrollar sus habilidades de improvisación.

Por lo tanto, aunque parece ser un tipo de acto natural, también puede estar sujeto o respaldado por la estructura anterior.

Los ejercicios de improvisación estimulan la actividad creativa de los artistas y estimulan una actitud activa de la sociedad que, por alguna razón, no sabe qué esperar de las actuaciones. La improvisación puede ser intentada por el espectador o el oyente, o simplemente por los sentidos.

La improvisación es atractiva porque puede ser bastante sorprendente y, al mismo tiempo, cada actuación puede ser algo único e irresponsable. El actor debe ser un dramaturgo y su director, dando lugar a diálogos y situaciones originales, para que cada espectáculo brille con su propia luz.

Como disciplina / técnica teatral, la improvisación le permite realizar ejercicios continuos con los recursos y recursos disponibles. Este procedimiento mejora el trabajo en equipo.

La intuición del actor le permite actuar en situaciones inesperadas y resolver eventos imprevistos en la escena. Saber acerca de la improvisación es un recurso valioso durante una reunión que se puede utilizar para resolver problemas, tanto en pruebas como en tribulaciones.

Cuando es algo sobre exagerado, la actuación en el teatro debe ser natural, pero en tiempo extra.

Una de las claves para un buen actor es la naturaleza. Es debido a esta naturalidad que el actor dice o hace lo que parece ser cierto, y en realidad sucede.

Excelente acción, es decir, transmitir mucha artificialidad en el diálogo o el gesto. Es un acto exagerado en el que el actor parece estar falsificando más que transmitir la verdad en su papel. Cuando el actor está abrumado, muestra que no es adecuado para su personaje. Los críticos de cine pueden juzgar negativamente el trabajo de un actor, si piensan que ha sido demasiado fácil, su papel es poco creíble.

Un actor que actúa de esta manera no transmite confianza, de esta manera, no muestra compasión al espectador que se mantiene alejado de la falta de fiabilidad de sus palabras y gestos. La falta de excelencia es muy importante para obtener una fuerte profesionalidad y establecer un nombre para usted.

Para restringir a los actores preferidos, es necesario no solo tener un talento natural para la actuación, sino también recibir cursos de arte dramático, porque el talento en sí no se fortalece. Es muy importante tomar lecciones para aprobar exámenes prácticos y recibir las correcciones apropiadas del artesano. El caso del actor se ha comunicado de tal manera que cuando hay un aumento repentino, la expresión falla.

La sobreactuación se basa en la transferencia de mucha artificialidad en el diálogo o el gesto. Es una forma exagerada de actuación en la que el actor parece estar emitiendo, sin transmitir la verdad con su papel.

Cuando el actor está abrumado, te das cuenta de que no es adecuado para su personaje.

La exageración no solo puede afectar la forma en que trabaja un actor, sino también la actitud de una persona que es exagerada por sus actitudes y gestos. La excelencia está asociada con la hipocresía, que muestra falsedad y artificialidad.

En consecuencia, ejercer demasiada presión provoca desconfianza por parte de otros que se comportan de una manera que les resulta extraña. Sin embargo, debe tenerse en cuenta que una persona puede sobrecalentarse a su manera sin darse cuenta. En otras palabras, juzgar a las personas no es positivo en función de su apariencia.

Al menos La sobreestimación se basa en la transferencia de mucha artificialidad en el diálogo o el gesto. Es una forma exagerada de actuación en la que el actor parece estar emitiendo, sin transmitir la verdad con su papel. Cuando el actor está abrumado, te das cuenta de que no es adecuado para su personaje.

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Debemos estar al tanto sobre los gestos y gestos que ayudarán a nuestros movimientos de personajes en el futuro.

Al preparar un tipo de trabajo animado, se debe crear la sensación de que desea proyectar al público, esto es hacer una investigación.

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En las películas animadas, los personajes no solo se expresan en palabras, sino que en muchos casos usan el lenguaje corporal como una adición al lenguaje oral para expresar emociones.

El personaje animado debe ser capaz de mostrar emociones, sentimientos, ideas y acciones sin la necesidad de comunicación oral.

Mediante el desarrollo y la promoción de los maestros actuales por el sistema de Stanislavsky, que fueron antiguos alumnos de Stanislavsky y sus numerosas traducciones de escritos teóricos, su sistema adquirió una capacidad sin precedentes para trascender las fronteras culturales y desarrollar el acceso a los debates.

Concepto de - Definición de. “¿Qué es Sobreactuar? » Su Definición y Significado [2020]”. Consultado el 21 de abril de 2020. https://conceptodefinicion.de/sobreactuar/.

“History of Animation”.

En Wikipedia, el 18 de abril https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=History_of_animation&oldid=951671035.

“Sistema Stanislavski”. En Wikipedia, la enciclopedia libre, el 30 de marzo https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Sistema_Stanislavski&oldid=124709118.

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