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CONCEPTO DEL GÉNERO JAZZ
¿QUÉ ES LA MÚSICA CLÁSICA?
ORIGEN DE LA MÚSICA
¿QUÉ ES EL GÉNERO POP?
¿QUÉ IMPACTO TIENE LA MÚSICA EN LAS PERSONAS?
DISEÑO DE EDITORIAL:
Jamile Elsa Perez Sosa
ILUSTRACIONES:
Alexia Lucrecia Rojas Del prado
Tihago Moran Leon
Aron Gonsales Maldini
FOTOGRAFÍA:
Alison Ermenegilda Ormeño Azulado
Leonardo Fabian Lechuga Arevalon
DIRECCIÓN:
Godines Ramon Omar Darrechi
EDICIÓN:
Harry Pedro Estilos Golden
Hector Ruis Picon Garcia
Martin Otto Ramirez Piño
Lizbet Morena Alergia Nuñes
INVESTIGACION:
Taylor Quispe Mamani
IMPRESIÓN:
Raul Alejando Late Mendoza
EDITORIAL
Para nosotros el arte jamás tendrá fin. Es un mundo en el cual las ideas jamás se acabarán y nuestra imaginación nunca se detendrá. Es impresionante cómo el arte puede tomar distintos caminos, ya que, nuestra inspiración puede partir desde lo más clásico y puede terminar en lo más innovador y bohemio. Ya todos sabemos que se puede expresar de distintas formas, jamás habrá algo incorrecto cuando busquemos expresar una idea nueva. Como bien sabemos, el arte puede estar dividido en diversos ámbitos, claro que todos nos podemos inclinar hacia cierto tipo de este mismo, realmente hay una gran variedad para elegir, pero algo que es totalmente cierto y en lo que todos coincidimos, es que este tipo de expresión, te salva de muchos momentos malos, también te ayuda a liberar la mente de los pensamientos que nos atormentan a diario. Por eso consideramos que sin arte no hay vida. Todos nacemos con algo de arte desde nuestra existencia, es parte de nuestras vidas en muchos aspectos recreativos, el arte existe desde que el ser humano empezo su evolucion,tenemos la dicha de decir que somos la unica especie capaz de crear obras maestras que causan furor y extasis que nos sirve como motor de vida. por eso en la revista mencionamos algunos aspectos del arte y sus categorias.
DISEÑO DE EDITORIAL:
Jamile Elsa Perez Sosa
ILUSTRACIONES:
Alexia Lucrecia Rojas Del prado
Tihago Moran Leon
Aron Gonsales Maldini
FOTOGRAFÍA:
Alison Ermenegilda Ormeño Azulado
Leonardo Fabian Lechuga Arevalon
DIRECCIÓN:
Godines Ramon Omar Darrechi
EDICIÓN:
Harry Pedro Estilos Golden
Hector Ruis Picon Garcia
Martin Otto Ramirez Piño
Lizbet Morena Alergia Nuñes
INVESTIGACION:
Taylor Quispe Mamani
IMPRESIÓN:
Raul Alejando Late Mendoza
Jamile Pérez
Perú
Estudiantre de Idat
Alison Ormeño
Perú
Estudiantre de Idat
Alexia Rojas
Perú
Estudiantre de Idat
Omar Chávez
Perú
Estudiantre de Idat
El diseñador gráfico es un artista al servicio de los que le encarguen su trabajo, aunque en la actualidad se ha ampliado enormemente al aumentar los procesos técnicos de reproducción y ser mucho más satisfactorios. El artista se puede manifestar como le parezca sin preocuparse ni de la interpretación que se le dé a su obra.
Además de la publicidad y los Medios de Comunicación de Masas (MCM) el trabajo del diseñador se ha extendido a campos diferentes como los que tienen que ver con la imagen corporativa, señalética, empaquetado. Antes de que se pudiera hablar de diseño gráfico, existía el arte gráfico, que como un arte menor tomaba de los estilos artísticos, las influencias lógicas que han quedado manifiestas en impresos y libros a lo largo del tiempo.
Sin lugar a dudas, estudiar la carrera en Diseño Gráfico te va a ayudar a comprender esta industria. Pero lo importante es que no existe una fórmula secreta y dicho diploma no es obligatorio; por eso es importante capacitarse por cuenta propia con con plantillas de diseño, libros, páginas web que brindan inspiración, etcétera. Todo lo necesario está en tu cabeza y en las ganas de lograr algo que te apasione e inspire a los demás. Puedes usar el diseño gráfico para crear infografías, logos, modificar fotos, escribir posts, publicitar y vender tu producto o servicio, crear una página web, videos o documentales. Estos elementos tienen algo en común, con la implementación del diseño tu proyecto final va a impactar en otras personas de maneras inimaginables . En este artículo vamos a ver cómo puedes hacerlo.
Los historiadores rastrean los orígenes del diseño gráfico hasta las primeras pinturas rupestres de alrededor del año 38000 aC. Estas primeras formas de pinturas rupestres eran la forma en que las personas se comunicaban de una generación a otra. La siguiente evolución del diseño gráfico fue el lenguaje mismo y su representación visual con el alfabeto con los sumerios alrededor del año 3300 aC. Estas primeras formas de escritura eran pictografías, símbolos que representaban objetos.
El diseño gráfico surgió como disciplina independiente a mediados del Siglo XX. En términos generales se puede definir el diseño como la ordenación, composición, y combinación de formas y figuras, pero también se puede
entender el diseño sencillamente el dibujo o conjunto de líneas principales de una cosa, en concreto el diseño gráfico debe conocerse como el arte y la técnica de traducir ideas en imágenes y formas visuales. Desde los símbolos de las cuevas prehistóricas hasta las tendencias modernas de diseño gráfico de hoy en día, podemos decir que el diseño gráfico ha estado siempre presente en la historia de la Humanidad.
Josiah Wedgwood, famoso alfarero inglés en el siglo XVIII, conocido por trabajar una especie de cerámica de estilo neoclásico y aspecto bastante nuevo con un esmalte mate, y por ser uno de los primeros en introducir la división moderna del trabajo en el proceso fabril y contratar a personal para el diseño. En la segunda mitad del S.XVIII contrató al escultor John Flaxman entre ellos, además de a varios pintores para trabajar sus piezas de cerámica. La fábrica Wedgwood se preocupaba no sólo por la estética, sino también por la funcionalidad de sus productos. Esta no era la tónica general de la industria, la mayoría de la producción consistía en productos poco artísticos y fue en ese momento cuando el gobierno se dio cuenta de que, pese a tener la industria, sus productos no tenían el grado de competitividad esperado.
A principios del S.XIX, en 1830, el parlamento británico encargó un informe sobre las artes y la industria para evaluar la competitividad de las manufacturas británicas en los mercados internacionales. Para ello creó una comisión de trabajo, que concluiría en la redacción de un informe en 1836, el Informe sobre las Artes y la Industria. De este informe destacaban dos ideas: la necesidad de crear escuelas para educar a los diseñadores y el deber de modificar el sistema educativo para elevar el gusto estético de los británicos y formar a consumidores.
Henry Cole fue uno de los responsables de llevar a cabo las conclusiones del citado informe de 1836. Cole era un funcionario civil inglés del S.XIX convencido en el deber de introducir conceptos artísticos en la revolución industrial y conseguir la unión del mejor arte con la manufactura. Apoyó firmemente el trabajo de las primeras escuelas de diseño (School of Design) de Londres, Birmingham y Manchester y contó con la ayuda del príncipe Alberto, consorte de la reina Victoria. A fin de lograr esa fusión de arte e industria, editó en 1849 la primera publicación sobre diseño en la historia, el Journal of Design and Manufactures, donde promovía y hacía crítica a diferentes productos posicionandose a favor o en contra, cumpliendo así una misión pedagógica además de informadora.
Su principal obsesión era el mal gusto que veía en el producto que sale de fábrica, Cole era un capitalista pero buscaba un producto de una calidad y un gusto superior al establecido. La revolución industrial llevó gente del campo a las ciudades, gente que no estaba preparada para el diseño, y hubo quien estuvo en contra de las condiciones de vida y la calidad de los productos fabricados.
El diseño de arte es la fase en donde a través de ilustraciones se despliegan gráficamente los elementos narrativos que componen al juego, así como el diseño de mundos, escenarios y personajes que estarán en él, estableciendo un estilo visual que servirá como guía para todo el desarrollo visual del proyecto. La producción de ideas para realizar el diseño de arte conceptual difiere mucho en cada proyecto: desde necesidades comerciales de una marca hasta una libertad total para su elaboración. Generalmente lo anterior varía, dependiendo el estilo que los creadores le quieran dar, así como el público al que va dirigido. De estos objetivos y de los conceptos iniciales, se procede a plasmarlos en imágenes.
Los diseños tienen que estar justificados por una guía o paleta de colores específica, materiales y formas estructuradas a través de guías de estilo preestablecidas, que permitan que todos los diseños tengan el mismo estilo visual. El proceso de creación de un videojuego establece fases similares a la creación de una película o proyecto para televisión, que utilizan la creación de arte conceptual desde hace décadas. Tiene una parte de preproducción y una de producción. En el caso de los videojuegos, el sistema no es tan lineal, ya que los procesos se complementan unos con otros por la programación del juego, así como la usabilidad del mismo y la respuesta de los jugadores.
del ser humano, como el latido del corazón. Los descubrimientos que se han hecho en torno a este arte demuestran que ya existían conceptos de armonía en la música de la prehistoria. Con el paso del tiempo se desarrollaron cientos de teorías para explicar el sentido de la música, lo que nadie puede determinar con certeza es qué tienen los sonidos que pueden tocarnos el sistema nervioso y emocionarnos a puntos que ninguna otra cosa puede hacerlo.
El término tiene su origen en el latín musica, que a su vez deriva del término griego mousike, referente a la educación del espíritu bajo la advocación de las musas de las artes. Existen diversos principios que permiten llevar a cabo la organización de los sonidos y silencios. La armonía, la melodía y el ritmo, por citar tres elementos, son cuestiones que deben tenerse en cuenta a la hora de generar música.
El período barroco se caracterizó por una ornamentación elaborada y una complejidad en la composición musical. Compositores como Johann Sebastian Bach y Antonio Vivaldi fueron figuras destacadas en esta época, creando obras maestras que perduran hasta el día de hoy. En el período clásico, la música se caracterizó por su estructura formal y el equilibrio entre melodía y armonía. Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son dos de los compositores más famosos de esta época, y sus obras siguen siendo populares y celebradas en la actualidad.
En el antiguo Egipto, la música desempeñaba un papel importante en la vida cotidiana y los rituales religiosos. Los egipcios utilizaban una variedad de instrumentos, como el arpa y la flauta, y desarrollaron escalas musicales basadas en intervalos de tonos y semitonos. La música en la Edad Media estuvo fuertemente influenciada por la música religiosa de la Iglesia. El canto gregoriano, una forma de canto monofónico utilizado en los servicios religiosos, era el estilo predominante en esta época. A medida que avanzaba la Edad Media, surgieron nuevos estilos musicales.
El período romántico fue una época de expresión emocional y exploración de temas más personales en la música. Compositores como Frédéric Chopin y Johannes Brahms se destacaron en esta época, creando obras que transmitían una gran carga emocional y subjetiva. En el siglo XIX, surgieron movimientos de nacionalismo musical en todo el mundo. Los compositores comenzaron a incorporar elementos folclóricos y culturales en su música, buscando definir y afirmar la identidad musical de sus respectivos países. Este movimiento fue especialmente prominente en países como Rusia, Finlandia y España. En el siglo XX, el jazz y el blues surgieron como formas musicales distintivas en los Estados Unidos. Estos géneros, con su énfasis en la improvisación y la expresión personal, tuvieron un gran impacto en la música popular y en la lucha por los derechos civiles. En la página 16 pueden conocer
La música popular en el siglo XX y XXI ha experimentado unagrandiversidad deestilosygéneros. Desde el rock y el pop hasta el hip-hopylamúsica electrónica, la música popular ha evolucionado y se ha transformado con el avance de la tecnología.
Sabemos que la música pop es un estilo musical que es derivado de la música popular. Su nombre, pop, procede del inglés, que es un acortamiento del término popular, que en español traduce ‘popular’. La música pop se origina en Inglaterra, a mediados del siglo XX, tomando elementos de distintos géneros de la música popular del momento. En este sentido, es un género muy ecléctico, pues en él se pueden rastrear elementos del rock and roll, el dance, el góspel, el soul, el folk, así como de géneros más actuales de la música afroamericana, como el rap o el hip hop.
Algunas de las características fundamentales de la música pop son la breve duración de sus canciones, la estructura estrofa-estribillo-estrofa que contienen sus composiciones líricas, y sus ritmos y estribillos pegadizos. Su instrumentación, por otro lado, se vale esencialmente de la batería, el bajo, la guitarra eléctrica, la voz y el teclado, así como del uso de tecnología para la composición musical.
Las voces suelen ser melódicas y claras, y prevalecer en el primer plano, acompañadas por percusiones lineales y repetidas. La ejecución, en este sentido, tiende a ser simple pero eficaz, pensada para el gran público. De allí que el pop sea uno de los géneros musicales más populares y exitosos del mundo, sobre todo entre el público joven. No solo su música es atractiva para las masas, sino que aborda temáticas con las que las personas pueden fácilmente identificarse.
Musicalmente, el jazz se caracteriza por el uso de ritmos sincopados. Las melodías están en forma de escala heptáfona (siete notas) en modo mayor o menor, aunque varían también a escala pentáfona o pentatónica (cinco notas) y a estas se añaden una serie de notas variadas que, en ocasiones, hacen llegar casi a la atonalidad. La armonía se incorpora más tarde, ya que el origen de la música negro-africana es de concepción melódica y no armónica, por lo que el jazz adopta solamente las armonías más simples, o sea, aquellas que mejor se acomodan a los tipos de melodía africana.
El jazz es un nuevo género musical que se origina en las poblaciones cercanas al delta del Misisipi (EE. UU.) y procede de la unión de elementos negros, euroafricanos y europeos. Etimológicamente, el término jazz proviene, según algunos autores, de la jerga de los deportistas de la costa oeste de los EE. UU. Según otros, tiene una raíz africana (África occidental) que se refiere al acto sexual. La identidad musical del jazz es compleja y, por este motivo, no puede ser delimitada con facilidad. Si bien es cierto que es un producto de la cultura afroamericana, también ha estado abierto a otras influencias y tradiciones musicales.
Por último podemos, mencionar uno de los elementos más importantes que otorga gran singularidad a este género musical: la improvisación. El jazz posee una cualidad rítmica especial, conocida con el término swing, definido como la pulsación dinámica, no reducible a sistema, que trasciende la interpretación, lo hace inconfundible y le otorga un carácter muy sensual.
La música clásica es la corriente musical que se basa principalmente en la música producida o basada en las tradiciones de la música litúrgica y secular de Occidente, principalmente Europa Occidental. Abarca un periodo de tiempo que va aproximadamente del siglo XI a la actualidad, aunque esta definición no es aplicable a la música realizada en el siglo XX a pesar de presentar las mismas características, si bien las principales características del género fueron codificadas principalmente entre 1550 y 1900, que es habitualmente considerado como el período característico de producción de la música clásica. En un sentido historiográfico, la música clásica antigua se divide en varios periodos: música antigua o medieval, que abarca el periodo comprendido por la Baja Edad Media en Europa; la música renacentista; la música barroca, que coincide con desarrollo del arte barroco; el clasicismo, que en la Historia de la música y la musicología es a veces llamado «música clásica»;
el Romanticismo; y la música contemporánea, que comprende las distintas corrientes de música clásica del siglo XX, que adopta la composición atonal y disonante y otras tendencias conocidas opuestas a corrientes anteriores.
La música clásica nace como una forma de ruptura contra las reglas estrictas de la música barroca que se caracterizaban por su estructura horizontal donde varias melodías se sobreponían a la vez. La música clásica contrasta con el período anterior por composiciones menos pesadas por el hecho de tener solo una melodía principal que era guiaba a todos los instrumentos.
Actualmente, podemos decir que el género ha contribuido con la formación de muchos de los estilos modernos, como el rock y el pop, en los que incluso se llegan a combinar sonidos propios de la instrumentación clásica, para crear nuevas canciones.
El mundo del diseño gráfico es un universo tan vasto y diverso que a menudo nos sorprende con nuevas corrientes y tendencias que desafían nuestros sentidos y nos llevan a explorar nuevos horizontes creativos. Una de estas corrientes es el emocionante y vibrante movimiento del Diseñador
Pop.
El Diseñador Pop es un artista que se sumerge en un mundo de colores brillantes, formas audaces y elementos visuales impactantes para crear obras que capturan la atención y despiertan emociones intensas en el espectador. Es como si cada diseño fuera una explosión de vitalidad y energía que nos transporta a un mundo lleno de vida y dinamismo.
La principal característica del Diseñador Pop es su habilidad para combinar elementos de la cultura popular con técnicas innovadoras de diseño gráfico. Esto implica utilizar imágenes icónicas, referencias a la música, el cine y el arte pop, así como también elementos de la publicidad y la moda, todo ello con una estética contemporánea y fresca.
La teoría del diseño sugiere que los productos diseñados afectan o conducen al usuario a un comportamiento deseado durante la interacción y vida útil del artefacto diseñado. A partir de esta idea, es importante hacernos nuevas preguntas acerca de la educación del diseño, y es necesario dar un nuevo enfoque a la educación del diseño desde una perspectiva interdisciplinaria, que nos permita entender el comportamiento del usuario a partir de dicho artefacto, considerando la responsabilidad del diseñador y la educación en diseño, así como el proceso de creación de tales productos. Uno de los principales retos que tiene el diseño es no solo contar con una adecuada metodología para desarrollar artefactos, ya sean gráficos, industriales, textiles, arquitectónicos u otros, pues es de conocimiento popular que una de las principales herramientas que los diseñadores emplean es la intuición, así como la
inspiración, elementos que por sí solos no ofrecen una promesa de resultados, conceptos o posibles mediciones, sino al contrario, abren paso a la incertidumbre y posturas subjetivas del realizador. Si nos permitimos entender al Diseño y su instrucción desde otros campos del conocimiento y, a su vez, mejorar las propias metodologías y procesos que los estudios de diseño ofrecen, se pueden obtener nuevas herramientas de trabajo que reduzcan los procesos de inspiración y nutran el desarrollo de una cultura visual, aportando a la intuición conocimiento, así como una mejor proximidad, entendimiento y comunicación
con el usuario de los productos de diseño, y promoviendo mejores maneras de satisfacer sus distintas necesidades. La presente reflexión, dividida en 5 apartados, reúne distintos saberes de campos del conocimiento que convergen en el diseño a través de la búsqueda de la interdisciplinariedad, el conocimiento del usuario, y algunas posturas filosóficas que pudieran parecer ajenas, así como las ciencias cognitivas; todos, en su conjunto, forman parte de una amalgama de conceptos que buscan fortalecer el entendimiento del diseño, el usuario y los posibles alcances que se deberían abordar desde la academia.
Evolución se define como cualquier proceso de formación o crecimiento; desarrollo gradual, pacífico y progresivo en la estructura durante un periodo de tiempo, es un proceso necesario no solo en la naturaleza sino en cada ámbito de la vida misma, por ellos hablaremos en este post de la evolución del diseño gráfico. Es importante que como diseñador gráfico conozcas un poco la historia de tu oficio, quizás te ayudará a reflexionar o elegir menor el estilo a la hora de diseñar un futuro proyecto. No importa lo que se vaya a diseñar, si es un sitio web o una imagen corporativa, lo importante es elegir un estilo sostenible a largo plazo que refleje de manera adecuada el mensaje deseado.
Pero, ¿qué pasa con tu propio estilo personal como diseñador? ¿quedará apartada tu visión? ¿Eres moderno y osado, o eres más sutil y convencional?, sea como sea tu estilo se adaptará de seguro alguno de los estilos ya existentes del diseño, ¿sabes cuáles son estos estilos?
Desde el arte rupestre hallado en las cuevas Lascaux, pasando por los jeroglíficos egipcios, los mapas medievales de navegación, los escudos de armas en la Edad Media y la invención de la imprenta por Gutenberg durante el Renacimiento, el diseño gráfico no ha parado de evolucionar.
Entre los aspectos relevantes del diseño es imprescindible nombrar la creación de la tipografía moderna a principios del siglo XX, lo que revoluciono los medios de comunicación y la publicidad de manera drástica; otro aspecto relevante y de gran valor para fue la creación de La Bauhaus en 1919 naciendo de esta manera en Alemania la primera escuela de diseño gráfico con un enfoque único que combinaba artesanía y bellas artes hasta que en 1933 cierra sus puertas.
El teatro es una de las actividades culturales y artísticas más antiguas que conoce la humanidad. Es una de las artes escénicas, es decir, aquellas que tienen lugar sobre un escenario, y consiste en la recreación de una o varias historias de distinta índole mediante actores, discursos, música y escenografía.
El teatro ha sido cultivado a lo largo de la historia con muy distintos fines, pero siempre comprendido como una herramienta para comunicar ideas masivamente. De hecho, los antiguos griegos lo empleaban como un instrumento de educación religiosa y ciudadana, poniendo en escena sus mitos y sus célebres tragedias. Por otro lado, también las vanguardias del siglo XX vieron en el teatro un campo de experimentos, en el cual podían someter
La expresión corporal en la actuación se refiere a todo lo relacionado al lenguaje no verbal, es decir, va más allá de lo que expresas con las palabras. Si queremos explicar para qué sirve la expresión corporal, debemos decir que es cómo el actor le da sentido a lo que dice a través del manejo y proyección de voz, la postura, el movimiento corporal y las expresiones faciales.
al público a experiencias y reflexiones de distinta índole. Se trata, pues, de una forma de arte muy versátil, que combina el ejercicio intelectual con la representación de situaciones graciosas, conmovedoras, impactantes, etc. Existen formas muy variadas de representación teatral, algunas de las cuales ni siquiera tienen lugar dentro de un teatro, sino en la calle, y algunas incluso exigen la participación del público. La finalidad de las expresiones corporales es sentirse libre en cada movimiento para expresar sentimientos e ideas de forma creativa, utilizando diferentes formas y conmociones corporales. A pesar de que
Toda pieza teatral consta de los siguientes elementos:
•UN ESCENARIO:
Que es el fondo sobre el cual transcurre la acción y que puede o no identificarse con el mundo real. En él suelen hallarse los elementos de la escenografía, que forman parte del decorado, y que le aportan atmósfera a la representación. Muchas piezas, sin embargo, prescinden de escenografía y simplemente usan la actuación para suscitar el fondo, el decorado e incluso la utilería.
•OBJETOS DE UTILERÍA:
Que son objetos con los cuales los actores interactuarán: espadas, flores, árboles, vasos, mesas, y un largo etcétera. Pueden hallarse en escena, siendo reales o simulados, o pueden suscitarse mediante la actuación y la imaginación.
•LOS ACTORES:
TIPOS DE TEATRO
FORMAS MAYORES:
•TRAGEDIA:
Según Aristóteles, es el género que representa a los seres humanos mejores de lo que son, para así luego mostrar su caída en desgracia. Es un género nacido en la antigüedad y poco cultivado hoy en día,
•COMEDIA:
Aristóteles lo definía como un género que representa a los seres humanos peores de lo que son, para así poder reírse de ellos. Esto es particularmente importante cuando la burla está dirigida a los poderosos. La comedia también nació en la antigüedad, pero sobrevive hasta nuestros días.
•TRAGICOMEDIA:
Originalmente conocida como “drama”, se supone un punto intermedio entre tragedia y comedia, en la que pueden reconocerse elementos de ambos géneros.
•EL GUIÓN:
O sea, el texto dramático que contiene las indicaciones para representar la obra y que puede ser más o menos obedecido por el director de la obra.
Por otro lado, puede clasificarse el teatro de acuerdo a lo necesario para su representación, en:
•TEATRO DE CÁMARA
•TEATRO DE CALLE
•TEATRO DE TÍTERES
Lo más importante de toda pieza teatral, quienes encaran toda clase de personajes y llevan adelante la
FORMAS MENORES:
• AUTO SACRAMENTAL: Piezas teatrales cuyo tema gira en torno al tema religioso, específicamente a la tradición cristiana. Fueron muy comunes durante el Medioevo europeo.
• ENTREMÉS:
Una pieza breve de tipo cómico, que representaban en los entreactos de una comedia mayor (o sea, cuya representación tomaba más tiempo).
• FARSA:
Una forma breve de comedia que lleva los límites de la realidad al absurdo, haciéndola grotesca.
• MONÓLOGO:
Una pieza teatral breve en la que hay un único personaje en escena, que habla para sí o para el público.
• VODEVIL:
Una comedia ligera cuya trama se basa en los equívocos, las malas interpretaciones y tienden a estar llenas de escenas amorosas y números musicales.
• MELODRAMA:
Una forma modificada del drama que refuerza sus contenidos emocionales con la intervención de la música de orquesta, antecesora de la telenovela de nuestros días. obra al representar las acciones de la trama.
¿QUÉ ES LA EXPRESIÓN CORPORAL EN LA ACTUACIÓN?
Zibilia, escuela especializada en artes escénicas, define qué es la expresión corporal como “el lenguaje por el cual se expresan sensaciones, emociones, sentimientos y pensamientos, con el cuerpo. A partir de las posibilidades del propio organismo, se van generando movimientos, estados y danzas particulares; en los cuales el individuo puede expresar su interioridad y hacerla externa”. En otras palabras, es cuando los actores usan su cuerpo y su voz para transmitir un mensaje.
La expresión corporal en la actuación se refiere a todo lo relacionado al lenguaje no verbal, es decir, va más allá de lo que expresas con las palabras. Si queremos explicar para qué sirve la expresión corporal, debemos decir que es cómo el actor le da sentido a lo que dice a través del manejo y proyección de voz, la postura, el movimiento corporal y las expresiones faciales. La finalidad de las expresiones corporales es sentirse libre en cada movimiento para expresar sentimientos e ideas de forma creativa, utilizando diferentes formas y conmociones corporales. A pesar de que la expresión corporal no es una ciencia exacta, nos guiará para comprender las emociones y pensamientos de los demás. Lo más increíble de las expresiones corporales es que traspasan todas las barreras del lenguaje hablado y, en general, trascienden sobre todas las culturas. Por ejemplo, un gesto facial, como una sonrisa, tiene el mismo significado en diferentes países.
A las teorías políticas se unieron exitosas doctrinas económicas como la fisiocracia de Quesnay, que colocaba a la tierra como única fuente de riqueza o, el liberalismo
