Entrega TP1 Editorial - UADE - 2020

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LA GEOMETRÍA DEL DÍA A DÍA El director Nacho Pedemonte explica como la geometría forma parte de nuestra vida sin que nos demos cuenta

“LATINOAMERICA: VOLVER AL FUTURO” Federico Balzar presentará las nuevas imagenes visuales que conformarán el museo y cuenta su historia de cerca

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HOLOGRAMA DE JAMES TURRELL La obra adquiere una forma distinta desde la perspectiva que se observa, y encuentro, por tanto, cierta libertad que el artista nos otorga

EL

ARTE POP EN LA MIRA

ConstrucciĂłn en la esfera

El artista que comiĂł una obra de arte Nota por Marcela AnahĂ­

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E

l polĂŠmico plĂĄtano pegado a una pared que fue vendido por 120.000 dĂłlares ya no existe. Y no porque el tiempo haya hecho lo propio y se haya podrido, sino porque alguien se lo ha comido. El culpable ha sido el artista David Datuna, que echĂł mano de la controvertida instalaciĂłn artĂ­stica para llevar a cabo una performance y zamparse la obra.

Bajo el tĂ­tulo ‘Comedian’, el plĂĄtano que se exhibĂ­a en la Art Basel Miami Beach, en EE.UU. pegado a una pared con cinta adhesiva fue vendido esta semana por la sorprendente cifra de 120.000 dĂłlares. La obra contaba con dos versiones mĂĄs y cada una de ellas tenĂ­a el mismo coste, segĂşn la publicaciĂłn The Art Newspaper.

Antes de comerse el plĂĄtano que habĂ­a pegado con cinta a la pared el artista italiano Maurizio Cattelan, una obra vendida por USD 120.000 en Art Basel en Miami, David Datuna esperĂł unas horas, hasta “tener hambreâ€?, explicĂł el lunes entre risas este artista, ya de vuelta en Nueva York.

Nacido en Tbilisi y residente en Estados Unidos desde hace 22 aĂąos, Datuna reivindicĂł el irreverente gesto que causĂł sensaciĂłn despuĂŠs de que ĂŠl mismo publicara en su cuenta de Instagram un video en el que se le veĂ­a deglutiendo la famosa banana de su colega artista.

Aunque esta “performance artĂ­sticaâ€? podrĂ­a traerle problemas legales -pese a que

Extracto del video donde David comiĂł la obra de arte

el plĂĄtano fue reemplazado rĂĄpidamente por otro en la pared de la galerĂ­a-, Datuna se jactĂł el lunes en una rueda de prensa en Nueva York de ser “el primer artista en comerse el arte de otro artistaâ€?. Y dijo que desde entonces recibiĂł “40.000 a 50.000 mensajes en Instagramâ€?, casi todos alentadores, a veces algunos negativos.

Aunque no lo conoce, dice que respeta el trabajo de Cattelan, conocido por su inodoro de oro de 18 quilates titulado “Americaâ€?, que fue robado en septiembre de un castillo en el cual se exponĂ­a. En su testiPRQLR DO UHVSHFWR 'DWXQD DĆŹUP´ ƊŠO HV un genio que se burla de todoâ€?. Pero “tambiĂŠn me gusta lo que hice yoâ€?. “Creo que los artistas estĂĄn para hacer felices a las personas, para darles placer, y eso fue lo que hice (...) Y entonces, todos estaban esperando ver cĂłmo iba a responderme Maurizio (Cattelan)â€?.

Datuna admite que la publicidad que le ha generado su acciĂłn en Miami no le viene PDO SHUR DVHJXUD TXH QR OD QHFHVLWD H[puso en la National Portrait Gallery, recientemente abriĂł un espacio para exposiciones en el barrio neoyorquino de Long Island City, y no es su primer “golpeâ€? artĂ­stico, sino que hace aĂąos se dedica a esto.

En junio de 2017, despuĂŠs de que el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, diera anuncio de la retirada del paĂ­s del acuerdo climĂĄti-

co de ParĂ­s, colocĂł el nombre TRUMP en letras de hielo en una importante plaza de Nueva York, para denunciar el derretimiento de los hielos y recordar a la vez el carĂĄcter efĂ­mero de su presidencia. Sin dudas un movimiento de protesta social que marcĂł a toda aquella persona que fue parte del pĂşblico de la controversial obra. ÂżSu prĂłximo golpe? Dijo que estuvo preparando “una sorpresaâ€? para el Super %RZO OD LPSRUWDQWH ĆŹQDO GH IÂťWERO DPHULcano prevista para el 2 de febrero.

DecidiĂł esperar algunas horas hasta tener hambre, segĂşn dijo entre risas.

La obra de arte de la obra de arte

Provocador nato, travieso e irreverente, Cattelan hace uso de la cultura popular, de la historia y de la religiĂłn para dilucidar sobre el comportamiento humano de manera divertida a la vez que profunda.

AsĂ­, en La rivoluzione siamo noi, Cattelan pretende despojar de misticismo y divismo todo lo que rodea al arte contemporĂĄneo. “Es una llamada de atenciĂłn a la desacralizaciĂłn del arte contemporĂĄneo.

Solo cuando una obra baja del pedestal se le permite al espectador dialogar con ella, criticarla e incluso no aceptarlaâ€?, explica Fernando FrancĂŠs, director del CAC MĂĄlaga, quien agradeciĂł a la coleccionista italiana Patricia Sandretto la cesiĂłn de ocho obras pertenecientes a su fundaciĂłn para organizar esta primera muestra del artista italiano en EspaĂąa. “No es nada sencillo contar con Cattelan, incluso para los grandes museosâ€?, aĂąadiĂł FrancĂŠs. “Creo que es un juego artĂ­stico decir que no va a producir mĂĄs. Cattelan no se conforma con ser un artista; sufre una lucha interior que le empuja a querer ir por delante de la evoluciĂłn del mundo y, por eso, como ve que es imposible, hace como 0DIDOGD \ VH EDMD GH ÂŞOĆ‹ UHĆ­H[LRQ´ )UDQcĂŠs sobre el parĂłn creativo de Cattelan, quien retirado en Nueva York anda volcado en su revista visual Toilet Paper, donde sigue desplegando su espĂ­ritu crĂ­tico a traYÂŞV GH LP¢JHQHV LJXDO GH GHVDĆŹDQWHV VXrrealistas y polĂŠmicas como lo fueron en su dĂ­a sus obras La nona ora (1999), en la que un meteorito derriba al papa Juan Pablo II, o Him (2001), en la que presenta a un Hitler rezando arrodillado atrapado en el cuerpo de un niĂąo.

La feria BarcĂş, ahora digital Nota por Emilio Blasco y JosĂŠ Artigas

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na de las ferias de arte que mĂĄs relevancia ha cobrado en los Ăşltimos aĂąos en el barrio La Candelaria, en el centro de BogotĂĄ, anunciĂł una estrategia para captar la atenciĂłn de galerĂ­as y visitantes, que podrĂĄn hacer recorridos desde la comodidad del hogar.

“Hemos diseĂąado un total de cinco arquitecturas.â€?

-SolimĂĄn LĂłpez, creador de la plataforma y curador invitado de BarcĂş

Se trata de la feria BarcĂş, cuyos organizadores anunciaron fechas y eventos con tecnologĂ­a 3D. “En este, nuestro sĂŠptimo aĂąo, nos enfrentamos a un reto sin precedentes (‌). Este aĂąo, BarcĂş migra hacia el mundo virtual, manteniendo nuestra esencia y creando experiencias Ăşnicas para nuestros miles de visitantes que nos seguirĂĄn desde cualquier lugar del mundoâ€?, dijo en exclusiva la directora ejecutiva de la feria, MarĂ­a Teresa Rojas.

Entre el martes 13 y el domingo 18 de octubre la feria se llevarĂĄ a cabo de modo virtual con programaciĂłn de actividades artĂ­sticas y muestras culturales.

BarcĂş es un recorrido Ăşnico a travĂŠs de casas coloniales en el barrio histĂłrico de BogotĂĄ, una increĂ­ble selecciĂłn de galerĂ­as nacionales e internacionales, exposiciones de artistas independientes y artistas provenientes de diferentes partes del mundo, arte urbano en callejones legendarios, performances deslumbrantes, iconos musicales en vivo y cientos de experiencias para todo tipo de pĂşblico.

La esencia de BarcĂş, el histĂłrico barrio de La Candelaria, seguirĂĄ presente virtualmente a travĂŠs de dos experiencias en la web situadas en una plaza de mercado.

DATOS IMPERDIBLES Esta es la sĂŠptima ediciĂłn RĆŹFLDO GH %DUFÂť ParticiparĂĄ el artista RaĂşl MarroquĂ­n, padre del video arte, presentando una serie reciente de happenings Los artistas independientes contarĂĄn con un espacio propio donde los visitantes podrĂĄn adquirir sus obras Clemencia Echeverri serĂĄ la artista invitada nacional

Divina proporciĂłn

Amarillo, rojo y azul E Nota por Gabriela Urtiaga

El maestro del movimiento abstracto, el gran Kandinsky, fue quien dio vuelta las ideas preconcebidas sobre la pintura. el que destacan De lo espiritual en el arte (1911) y Puntoy línea sobre el plano (1926), entre otros es critos. Y de entre sus muchas exploraciones en el campo de la pintura y el arte en general (mismas que podría convertirse en consejos de vida) se incluyen, por supuesto, importan tes reƭH[LRQHV VREUH HO SURFHVR GH FRPSRVLción, ademås de varias que fueron dedicadas a su teoría del color —una que, como la de Goethe, estaba íntimamente ligada tanto al aspecto mås emocional de las composiciones como a lo intuitivo.

Evidentemente, las obras de Wassily Kandinsky nos permiten conocer su peculiar percepciĂłn del color y, de esta manera, tener una aproximaciĂłn a la manera de pensar y componer de tan curioso artista. Sus obras no dejan de sorprendernos, puesto que en cada una de ellas se plasman los conceptos psicolĂłgicos y de teorĂ­a del color a la perfecciĂłn, de manera completamente dinĂĄmica y natural.

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l cuadro aparece dividido en dos partes sobre un fondo plano que representa un espacio impreciso deƏQLGR FRQ OD D\XGD GH FRORUHV S¢lidos. En la parte izquierda, domina el DPDULOOR URGHDGR GH OŽQHDV REOLFXDV ƏQDV \ aceradas que recuerdan la forma triangular. En la derecha un círculo azul estå parcialmente cubierto por una línea ondulante negra y cuadrados rojos. La disposición de los diferentes elementos no deja nada al azar, consiguiendo crear una fuerte tensión entre las diferentes formas y valores cromåticos. El ritmo, omnipresente en las obras de esta Êpoca, se consigue mediante violentos contrastes de color que otorgan vitalidad a la composición. El conjunto adquiere una dimensión cósmica y espiritual. El cuadro puede ser interpretado como el enfrentamiento entre el amarillo y el azul que, sin duda, simboliza la oposición entre el día y la noche.

La obra es realizada en Ăłleo sobre lienzo pintado en 1925 por el maestro del movimiento Abstracto Wassily Kandinsky. Este fue uno de los padres del arte abstracto y dio la vuelta a todas las ideas preconcebidas sobre la pintura. Gracias a su increĂ­ble mente se sabe a quĂŠ suenan los diferentes colores de cada una de sus pinturas.

Durante su carrera, el que fue uno de los pioneros del arte abstracto, tambiĂŠn desarrollĂł un importante cuerpo teĂłrico en

“Amarillo, rojo y azulâ€?, de tĂ­tulo progrĂĄmatico, fue la obra principal de Kandinsky durante la ĂŠpoca de Weimar .

Es un cuadro abstracto en el que los elementos de la composiciĂłn son formas, colores pero no existe relaciĂłn con la realidad visible y es que para Kandinsky pintar un cuadro supone llenar una suSHUĆŹFLH GH HOHPHQWRV FRPR OÂŽQHDV SXQtos, colores, formas geomĂŠtricas que dan una sensaciĂłn de tensiĂłn, armonĂ­a, ritmo y que causen o provoquen una sensaciĂłn espiritual en el espectador.

En la parte izquierda domina el color luminoso con predominio del amarillo peUR FRQ OÂŽQHDV ĆŹQDV \ JUXHVDV UHFWDV \ FXUvas, cĂ­rculos y una semicircunferencia de color anaranjado En la zona central se observa variedad GH FRORUHV URMR DPDULOOR QDUDQMD VHPLFÂŽUculos de color blanco que contrastan con un triĂĄngulo negro, un ajedrezado.

A la derecha encontramos la zona menos luminosa con un gran cĂ­rculo azul sobre ĂŠl ondula una cinta negra , dos triĂĄngulos negros dos ajedrezados lleno de colores y una variedad cromĂĄtica de verdes, violetas, naranjas.

“Estaba lleno de una sensibilidad no sĂłlo profunda sino tambiĂŠn visionaria; y estaba dotada de una concepciĂłn mĂĄgica del universo alrededorâ€?

-DamiĂĄn Hidalgo, historiador del arte enfocado de manera exclusiva en la obra de Kandinsky.

UNA GU�A CROMà TICA Lleno de una sensibilidad no sólo profunda sino tambiÊn visionaria, dotado de una concepción mågica del universo y una innegable aceptación de la relación entre los visible y lo invisible, el artista deƏQL´ HO VRQLGR GH FDGD FRORU GH OD VLJXLHQWH PDQHUD El rojo es un color ardiente con un caråcter inmaterial e inquieto. Recuerda a la alegría juvenil, pero en tonos oscuros simboliza la madurez viril. Se asemeja a los tonos claros de un violín.

El naranja tiene una sensaciĂłn grave, radiante, que emite salud y vida. Su sonido es similar al de una campana llamando al Ă ngelus, un barĂ­tono o una viola.

El amarillo irradia desde el centro, parece que se acerca al espectador o que se sale del cuadro. Es inquietante y evoca al delirio. Su sonido es el de una trompeta o un clarĂ­n, maravilloso e inesperado.

El verde carece de dinamismo, ya que evoca la calma y la pasividad.

Suena como los tonos tranquilos y profundos de un violĂ­n.

El azul se mueve de forma concÊntrica, como un caracol en su caparazón. Parece que se aleja del espectador. Es puro e inmaterial, y su sonido se asemeja al de una ƭDXWD XQ YLRORQFKHOR R XQ ´UJDQR El violeta se concibe como un color lento, apagado. Tiene una sensación enfermiza que se asocia al luto y a la vejez. Recuerda a sonidos aùejos como los propios del corno inglÊs, la gaita o el fagot.

El blanco representa un mundo donde desaparece el color material. Da una sensaciĂłn de alegrĂ­a pura. Es un silencio repleto de posibilidades, una pausa musical.

El negro es el color de la mĂĄs pura tristeza, por lo que es apagado e inmĂłvil. Evoca la muerte, la nada misma tras apagarse el sol.

PrĂĄctica de la abstracciĂłn

Trazando relatos entre el museo y el jardĂ­n Nota por Eva Llamazares

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E

l primer proyecto de modalidad colaborativa se desarrollĂł en abril-mayo de 2013, junto al Instituto Integral del Sud a partir del pedido de la directora para realizar actividades con las salas de 5 aĂąos. Como antecedente en el 2012, el jardĂ­n habĂ­a visitado el museo -ubicado a dos cuadras del mismo- con sus alumnos y se acercĂł para repetir la experiencia. Esta situaciĂłn se presentĂł como una oportunidad para profundizar la experiencia realizada, con la posibilidad de ampliar la presencia del arte y sus expresiones, en el espacio del aula y de las salas de exposiciĂłn. Para reforzar ademĂĄs la relaciĂłn entre museo y escuela, considerando que estas pertenecen tambiĂŠn a una misma comunidad, no solo educativa.

Los objetivos propuestos se centraron en generar vĂ­nculos de mayor alcance con la comunidad cercana al museo y la escuela estableciendo conexiones posibles entre el universo visual urbano y el arte; valorizar la diversidad e identidad cultural de todos los que participen del proyecto; y crear nuevos relatos y narrativas simbĂłlicas acerca del museo, las obras de arte, la escuela y el barrio en el que desarrollan su vida social.

La propuesta de las actividades con los chicos comenzĂł con una visita y actividad lĂşdica en el jardĂ­n.

Se puede dividir el proyecto en varias etapas comenzando con las reuniones entre equipos, la primera desarrollada en el Instituto Integral del Sud, donde los docentes conocieron a los educadores del muVHR \ VH YLVLWDURQ ORV GLIHUHQWHV HVSDFLRV sus aulas, espacios de trånsito y circulación, dónde se realizan las actividades de música y movimiento, la terraza y sus juegos. El equipo educativo del museo reali]´ XQ UHOHYDPLHQWR IRWRJU¢ƏFR GH ORV REjetos y formas existentes en los espacios donde los chicos viven sus tardes, transitan y utilizan a diario. Se realizaron tomas de detalles de las formas geomÊtricas presentes en su entorno, para luego utilizarlas como soporte visual.

Segunda reuniĂłn

Se desarrollĂł con las docentes en el museo para conocer el espacio y las obras, tener un acercamiento al patrimonio del PLVPR \ GH HVWD IRUPD ĆŹQDOL]DU FRQ OD SOD-

Propuesta de “Arriba el taller�

QLƏFDFL´Q GH ODV DFWLYLGDGHV D UHDOL]DU FRQ los chicos.

La primera etapa involucrĂł tambiĂŠn a sus familias que fueron invitados durante el ĆŹQ GH VHPDQD D WRPDU IRWRJUDIÂŽDV GHO EDrrio, haciendo foco en el espacio, la arquitectura, las formas y texturas de la ciudad para trabajar esas imĂĄgenes posteriormente en el aula.

Durante una tarde, el equipo educativo del museo fue a la escuela para conocer a los chicos, acercĂĄndoles una invitaciĂłn diseĂąada con un mapa y pistas, para que visiten el museo la semana siguiente. Durante esta actividad se analizĂł con ellos el mapa y las pistas para llegar al museo, se hablĂł de los nombres de los participantes, del nombre de las salas (verde/manzana y verde/limĂłn) y del nombre del museo. En esta misma propuesta se presentĂł el museo y se les preguntĂł a los chicos si ellos conocĂ­an otros museos. TambiĂŠn se conversĂł acerca del barrio en que vivĂ­an, quĂŠ medios de transporte utilizaban para llegar hasta el jardĂ­n. A continuaciĂłn, se propuso armar con la ayuda de la invitaciĂłn y las pistas visuales, un mapa tridimensional donde estaba ubicado la escuela y el museo, las cuadras y otros elementos urbanos que los rodeaban.

Con estos materiales se construyeron las veredas, las casas, la autopista, los ĂĄrboles, y por Ăşltimo se destinĂł un objeto que representaba el museo y otro el jardĂ­n. Una vez armado el mapa tridimensional se recreĂł con todo el grupo el recorrido fĂ­sico

“Para armar el mapa tridimensional se utilizaron los materiales didĂĄcticos que normalmente los chicos usaban allĂ­ para ejercicios de exploraciĂłn del movimiento.â€?

-Colaboración de Gabriela Chevara que tenían que hacer para llegar (caminar, pasar por debajo de una autopista, doblar una calle, cruzar una cuadra, etc). La visita se pensó y diseùó en diferentes moPHQWRV GH XQD H[SHULHQFLD ELHQYHQLGD \ presentación del museo, reconocimiento HVSDFLDO \ YLVXDO GHO HGLƏFLR WUDEDMR FRQ REUDV HVSHFŽƏFDV WUDVODGRV HQWUH ODV GLVtintas salas y cierre de despedida. Se trabajó con pocas obras de arte (3 a 4). En una obra se realizó la dinåmica de ponerse HQ HO OXJDU GH OD SLH]D SHUVRQLƏFDUOD D ƏQ de desarrollar lecturas nuevas y creativas sobre la misma. Uno de los chicos tomó la voz de la obra y respondió las preguntas que hacían sus compaùeros y los educadores que acompaùaban.

PRĂ“XIMAS ACTIVIDADES FESTIVAL U22

Se exponen cortometrajes de creadores menores de 22 aĂąos. Segunda ediciĂłn auspiciada por Letto Studio.

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Visita a la colecciĂłn con taller de actividades prĂĄcticas para niĂąes. Todos los jueves.

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El incomprensible arte de...

EL INCOMPRENSIBLE ARTE DE

YAYOI KUSAMA

Nota por SofĂ­a Contreras

A

los 10 aĂąos, una niĂąa japonesa de nombre Yayoi Kusama entra en contacto con el mundo del color y la plĂĄstica. Enamorada desde entonces de los lunares (polka dot), empieza a realizar obras donde la fantasĂ­a y la realidad conviven en entornos en los que nada es lo que parece. La soluciĂłn que encontrĂł Kusama para contrarrestar los efectos de su desorden mental fue, sencillamente, pintar aquello que veĂ­a.

DATOS DE LA ARTISTA FECHA DE NACIMIENTO 22 de marzo de 1929

LUGAR DE ORIGEN

Prefectura de Nagano, JapĂłn

PERĂ?ODOS ABARCADOS Arte contemporĂĄneo Arte feminista Arte pop Minimalismo

EN EXHIBICIĂ“N

Museo de Arte de Baltimore / GalerĂ­a Nacional de Arte / Instituto de Arte de Chicago / Museo de Arte Moderno

Ă REA

Escultura Pintura

La solución que HQFRQWU´ D ƏQ de contrarrestar su desorden mental fue pintar todo aquello que veía (O RULJHQ GH XQD REVHVL´Q LQƏQLWD DespuÊs de un poÊtico con junto de obras semi-abstractas en papel que marcaron sus comienzos en los 40, Kusama creó la FªOHEUH VHULH ,QƏQLW\ 1HW 5HG ,QƏQLWD D Ənes de los 50 y comienzos de los 60. Estas

“Los puntos son V´OLGRV H LQĆŹQLWRV Son una forma de vida. Sol, luna y estrellas son cientos de millones de puntos. Cada ser humano es tambiĂŠn un punto. Los puntos no pueden existir por sĂ­ mismos, sĂłlo pueden existir cuando se reĂşnen unos con otros.â€?

-Yayoi Kusama

obras originalĂ­simas se caracterizan por La repeticiĂłn obsesiva de pequeĂąos arcos de pintura que se acumulan en grandes VXSHUĆŹFLHV VLJXLHQGR SDWURQHV UÂŽWPLFRV El traslado de Kusama a Nueva York en 1957, donde conociĂł a Donald Judd, Andy Warhol, Claes Oldenburg y Joseph Cornell, marcĂł un hito en su carrera artĂ­stica. De la prĂĄctica pictĂłrica pasĂł a las esculturas blandas conocidas como Accumulations (Acumulaciones) y luego a performances en vivo y happenings, exponentes de la cultura alternativa neoyorquina con los que ganĂł reconocimiento y notoriedad en la escena artĂ­stica local; lo cual en el futuro la llevarĂ­a al reconocimiento a nivel internacional y mundial.

En 1973 Kusama volviĂł a JapĂłn y en 1977 se instalĂł voluntariamente en una clĂ­nica psiquiĂĄtrica en la que reside desde entonces. A la marcada peculiaridad psicolĂłgica de su obra, se suma un amplio espectro de inno-

Yayoi se vistiĂł en composĂŠ con su obra

vaciones formales y reinvenciones que le permiten a la artista compartir con un pĂşblico amplio su singular visiĂłn, a travĂŠs de ORV LQĆŹQLWRV HVSDFLRV HVSHMDGRV \ ODV VXSHUĆŹFLHV REVHVLYDPHQWH FXELHUWDV GH SXQtos que le han dado fama internacional. En obras mĂĄs recientes, Kusama ha recuperado el contacto con sus instintos mĂĄs radicales en instalaciones envolventes y piezas que invitan a la colaboraciĂłn, obras que la han convertido en la artista mĂĄs cĂŠlebre del momento.

La exposiciĂłn realizada presentĂł la trayectoria de esta artista que va desde el ĂĄmbito privado a la esfera pĂşblica, desde la pintura a la performance, del estudio a la

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Nace una estrella La niĂąa Yayoi Kusama vive aĂşn en sus InĆŹQLWH 5RRPV HQ ORV OXQDUHV TXH VLHPSUH YXHOYHQ HQ ODV Ć­RUHV TXH EURWDQ D PHGLR FDPLQR HQWUH HO SDUDÂŽVR \ HO LQĆŹHUQR El mundo artĂ­stico de una de las creadoras contemporĂĄneas mĂĄs fascinantes tiene su origen en las pesadillas que nunca la abandonaron. Pero al crecer, despliega la belleza mĂĄs especial ante los asombrados ojos del espectador.

Yayoi Kusama naciĂł en Matsumoto (JapĂłn) en 1929. Su infancia, adolescencia y juventud transcurrieron en una sociedad misĂłgina, en la que la mujer tenĂ­a poco o nada que decir. Y mucho menos en el complicado campo del arte. En 1957, con 28 aĂąos se muda a Nueva York para buscar nuevas vĂ­as de expresiĂłn con las que dar salida a la vorĂĄgine artĂ­stica que anidaba en su mente y en su espĂ­ritu. AllĂ­ entra HQ FRQWDFWR FRQ ĆŹJXUDV GH OD WDOOD GH $QG\

Warhol y Donald Judd. Vive en primera persona la explosiĂłn del pop art y la desbordante creatividad de los aĂąos 60.

Convertida ya en artista mundialmente reconocida y tras ver su obra recreada y expuesta en los mejores museos de todo el mundo, hoy Yayoi Kusama reside en un hospital psiquiĂĄtrico por voluntad propia.

De ĂŠl sale para trabajar en su estudio y continuar comunicĂĄndose con sus antiguas pesadillas de origen primigenio.

DespuĂŠs de todos estos aĂąos

Nota del mes

TRANSGRESIĂ“N,

UN SELLO PROPIO Nota por Joselina Berraz

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Una tĂŠcnica propia

El artista fue reconocido por sus dibujos de lĂ­nea manchada (blotted line), tĂŠcnica que combinĂł el dibujo con la impresiĂłn y que consistĂ­a en tomar un dibujo, repasarlo con tinta y colocar otro papel encima para copiarlo. El dibujo que quedaba marcado en el segundo papel era utilizado como el original. Esta tĂŠcnica le permitiĂł al diseĂąador crear mĂşltiples ilustraciones y realizar rĂĄpidamente cambios de color o composiciĂłn a pedido del cliente.

Supo priorizar la creatividad por sobre la no era extraùo hallar manchas e imperfecciones en sus trabajos. $GHP¢V GXUDQWH HVWH SHUŽRGR GH GHƏQLción de un estilo propio, el joven profesional contó tambiÊn con la colaboración de su madre, Julia Warhola; quien con su delicada caligrafía participó en muchas de las producciones de su hijo. Julia llegó incluso a recibir un premio por su aporte en la portada del ålbum del músico Moondog, The Story of Moondog.

Un salvoconducto a la fama

Se podrĂ­a pensar que la primera etapa del trabajo de Warhol en el diseĂąo y la ilustraciĂłn fue como un laboratorio de tĂŠcnicas y estrategias que prepararon la llegada del Warhol artista. Y si bien es posible encontrar una lĂ­nea de continuidad entre las obras de aquellos aĂąos y el estilo que mĂĄs

tarde lo harĂ­a famoso, el ilustrador de esos primeros aĂąos pareciĂł ser un profesional mucho mĂĄs metĂłdico y estudioso, que absorbiĂł con avidez las tendencias, las temĂĄticas y las novedades de su tiempo. En el afĂĄn de encontrar un estilo que le valiera el reconocimiento como artista, durante los aĂąos 50, Andy Warhol fue armĂĄndose de un amplio archivo de imĂĄgenes y mateULDOHV < IXH ĆŹQDOPHQWH HQ ORV FXDQGR hallĂł el salvoconducto que le permitiĂł ingresar en las Bellas Artes sin necesidad de abandonar completamente el diseĂąo.

El pop art encuentra sus raĂ­ces en DadĂĄ de quien se extrae la idea de unir arte y vida es decir, de anular la separaciĂłn abismal que existĂ­a entre la vida cotidiana de las personas y el arte, exclusivo por entonces de unos pocos. AdemĂĄs de ĂŠl aprendieron las posibilidades de la fotografĂ­a, del collage y el assemblage.

Andy al descubierto

Su capacidad para interpretar la omnipresencia del consumo, de la producciĂłn en masa y de los medios de comunicaciĂłn en la sociedad estadounidense de la posguerra fue lo que lo convirtiĂł en un verdadero Ă­cono de la escena neoyorquina de la ĂŠpoca. mera exposiciĂłn de una obra del artista fue una representaciĂłn de 32 latas de sopa Campbell. La obra, que despertĂł fuertes crĂ­ticas, marcĂł el debut del arte pop en la costa oeste de los Estados Unidos. AĂąos despuĂŠs, Andy Warhol llegĂł a ser considerado padre de este movimiento y sus obras representaron algunos de los aspectos centrales del mismo, como la obsesiĂłn por las celebridades, la repeticiĂłn, la publicidad y la utilizaciĂłn de imĂĄgenes provenientes de otras ĂĄreas de la cultura.

Mucho mĂĄs metĂłdico y estudioso, que ab-

DESAFIANDO A LA Ă&#x2030;POCA La propia cultura supura arte. La cultura popular fabrica sus propios iconos estĂŠticos y, por ello, Andy Warhol fue de los primeros no sĂłlo en verlos como Arte -con mayĂşsculas-, sino en fabricarlos en masa, comercializarlos, como un producto mĂĄs de consumo para todo aquel miembro de la sociedad que se viera interesado en ĂŠl.

1962

S

iendo todavía Andrew Warhola y mucho antes de ser considerado uno de los mayores referentes del arte pop. Logró ser reconocido FRPR GLVH²DGRU JU¢ƏFR H LOXVWUDGRU GH prestigiosas marcas. En la búsqueda de su estilo propio, el multifacÊtico artista ayudó a desdibujar las fronteras entre el diseùo y el arte, abriendo camino a nuevas formas de interpretar ambas alternativas.

DĂ­ptico de Marilyn Warhol hace referencia a una sociedad en la que la gente se ve mĂĄs como un producto que como una persona. Un sĂ­mbolo sexual creado por la sociedad; una mujer que es todo lo que la sociedad quiere que sea.

Al centrarse en sus rasgos icĂłnicos, Warhol en realidad nos recuerda que debajo hay una mujer real.

Andy Warhol

-Andy Warhol

sorbiĂł con avidez las tendencias, las temĂĄticas y las novedades de su tiempo. En el afĂĄn de encontrar un estilo que le valiera el reconocimiento como artista, durante los aĂąos 50, Andy Warhol fue armĂĄndose de un amplio archivo de imĂĄgenes y mateULDOHV < IXH ĆŹQDOPHQWH HQ ORV FXDQGR hallĂł el salvoconducto que le permitiĂł ingresar en las Bellas Artes sin necesidad de abandonar completamente el diseĂąo.

Tras ser conocido en todo el paĂ­s por sus colaboraciones, Warhol comenzĂł a realizar sus obras mĂĄs famosas especialmente tras un viaje alrededor del mundo, acto que marcĂł su vida y que le dio el impulso necesario para comenzar su etapa plenamente Pop, abreviatura de la expresiĂłn popular art - tĂŠrmino inventado en 1955 por Leslie Fiedler y Reyner Banham-que en castellano traducirĂ­amos por arte popular o cultura de masas en la que no pretendĂ­a hacer un arte para el pueblo sino utilizar en sus obras (pictĂłricas, literarias, escultĂł-

MUSEOS DEDICADOS ANDY WARHOL MUSEUM Localizado en el nĂşmero 117 de Sandusky Street, en Pittsburgh, Pensilvania; con sus mĂĄs de 12.000 piezas de Warhol, es el mayor museo dedicado a un solo artista en todos los Estados Unidos.

ANDY WARHOL MUSEUM OF MODERN ART Fundado en el aĂąo 1991 por su hermano John Warhola, el Ministerio de cultura del gobierno eslovaco y la Warhol Fundation de Nueva York. El museo se encuentra en la pequeĂąa ciudad de Medzilaborce, Eslovaquia.

REVOLVER GALLERY

Es una galerĂ­a de arte con sede en LA. Su foco se encuentra en la carrera de arte pop de Andy Warhol, alberga la mayor colecciĂłn de obras de arte de Warhol.

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1963

Warhol trabajando el rostro de una de sus retratadas.

ricas, etc.) elementos cotidianos de la vida de las personas.

El pop art encuentra sus raĂ­ces en DadĂĄ de quien se extrae la idea de unir arte y vida es decir, de anular la separaciĂłn abismal que existĂ­a entre la vida cotidiana de las personas y el arte, exclusivo por entonces de unos pocos. AdemĂĄs de ĂŠl aprendieron las posibilidades de la fotografĂ­a, del collage y el assemblage. El segundo pilar del Pop es Duchamp quien es conocido por aislar la esencia artĂ­stica o utilitaria de cualquier elemento del entorno. AsĂ­, para Duchamp y mĂĄs tarde para Warhol, lo importante no es la realizaciĂłn manual de la obra de arte sino la elecciĂłn del objeto, que lo es por su propio valor.

Bajo una crĂ­tica a la cultura de masas, a la impersonalidad cada vez mayor de la sociedad americana y a la sociedad de consumo, Warhol elige o presenta dos elementos de ese capitalismo que repite de una forma casi obsesiva multiplicando en hileras con ligeras diferencias de impresiĂłn por lo que el ojo tiene que seguir la lĂ­nea de repeticiĂłn y captar la distorsiĂłn que puede llegar hasta la manipulaciĂłn y la destrucciĂłn. Las dos imĂĄgenes elegidas fueron la lata de sopa Campbell (1964) y los botellines de Coca-Cola, sĂ­mbolos ambos de la modernidad y los nuevos tiempos. Aparecieron por primera vez en una exposiciĂłn en el Paul Bianchinni titulada â&#x20AC;&#x153;El supermercado estadounidenseâ&#x20AC;? en la que el producto se convierte en arte. Warhol fue asimismo escultor de lo comĂşn y FUÂŽWLFR GH OR VXSHUĆŹFLDO 6XV REUDV &DMDV GH Brillo o Silver Clouds son buen ejemplo de ello, expuestas ambas en una exposiciĂłn en el aĂąo 1964. AsĂ­ su obra se reduce a una simple elecciĂłn aparentemente banal pero que encierra un sentido irĂłnico y crĂ­tico hacia el materialismo, la popularidad, el dinero y la fama.

Gran amante del cine Warhol realizĂł, con la misma tĂŠcnica, una serie de retratos de estrellas de Hollywood como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Elizabeth Taylor. Las imĂĄgenes elegidas por Andy no eran novedosas sino que eligiĂł fotos bien conocidas por el gran pĂşblico y lo Ăşnico que con ellas hizo fue recortarlas, enmarcarlas, elegir los colores y UHSHWLUOD SRU PHGLRV JU¢ƏFRV Warhol tambiĂŠn pintĂł otros aspectos de la YLGD FRPR DFFLGHQWHV GH WU¢ƏFR R GHVDVtres. Ese es el caso de su colecciĂłn â&#x20AC;&#x153;Muerte y Desastresâ&#x20AC;? en la que se incluyen obras como Accidente en coche o Desastre naranja, la reproducciĂłn de la silla elĂŠctrica o como elementos de la naturaleza tal FRPR Ć­RUHV R DQLPDOHV TXH UHSURGXFH con la misma obsesiĂłn que los objetos.

Los Ăşltimos tiempos de Andy transcurren algo mĂĄs tranquilos que los vertiginosos 60 y 70 - especialmente tras el

intento de asesinato contra su persona- pero no deja de pintar y codearse con los nuevos artistas que surgen en el panorama americano como Mick Jagger, Liza Minelli, Elizabeth Taylor, Grace Kelly, Jacqueline Kennedy o Mao Tse Tung a los que retratarĂĄ.

AdemĂĄs de por la pintura y la escultura, Warhol es conocido por sus colaboraciones junto con en el grupo musical The Velvet Underground y por una serie de pelĂ­culas de alto contenido erĂłtico como Eat (1963), The Chelsea Girls (1965) o Blue Movie (1969). AdemĂĄs de la temĂĄtica erĂłtica, Warhol rodĂł producciones de larga duraciĂłn donde el espectador, si no dormĂ­a de aburrimiento, podĂ­a observar la misma imagen en distintos momentos del dĂ­a. AsĂ­ ocurre con Empire, cinta de ocho horas de duraciĂłn que tiene como escenario el Empire State y sus cambios de luz. En 1967 fundĂł junto a Paul Morrisez la Film Makers Cooperative que produjo, entre otras pelĂ­culas, Flesh y Trash, dos de sus pelĂ­culas mĂĄs conocidas hoy.

Triple Elvis

Cajas Brillo

Se trata de una fotografía promocional de Elvis en pose de pistolero; capaz de sinteWL]DU VX FDUUHUD FLQHPDWRJU¢ƏFD \ VX FªOHbre movimiento de piernas. Estampados sobre un barniz planeado al aluminio o reproducidos en technicolor, el objetivo era acorralar al espectador, multiplicåndose a su alrededor como clones.

Realmente, no se trataba de cajas verdaderas (de cartón) sino cajas de madera (de mayor tamaùo) en las que se había estampado su logotipo por medio de la serigrafía. Se creaba una fuerte tensión entre la UHDOLGDG \ OD ƏFFL´Q GHO TXH DSDUHFHU¢ XQR de los conceptos claves de la posmoderniGDG HO VLPXODFUR

1964

â&#x20AC;&#x153;El arte comercial es mucho mejor que el arte por el arteâ&#x20AC;?

ConstrucciĂłn en la esfera

Una vida que trasciende

Andrew Warhola (1928 - 1987) era un artista plĂĄstico estadounidense que llegĂł a ser el mĂĄs conocido representante del pop art, corriente artĂ­stica en boga durante las dĂŠcadas de 1950 y 1960 que se inspirĂł en la cultura de masas. Hijo de emigrantes eslovacos, iniciĂł sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de TecnologĂ­a, entre 1945 y 1949. En este Ăşltimo aĂąo, ya establecido en Nueva York, comenzĂł su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harperâ&#x20AC;&#x2122;s Bazaar, Seventeen y The New Yorker. Al mismo tiempo pintĂł lienzos cuya temĂĄtica se basaba en algĂşn elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cĂłmic. Pronto comenzĂł a exponer en diversas galerĂ­as importantes.

8

EliminĂł progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repeticiĂłn seriada De un elemento popular procedente de la cultura de masas Dicha evoluciĂłn alcanzĂł su cota mĂĄxima de despersonalizaciĂłn en 1962, cuando pasĂł a utilizar como mĂŠtodo de trabajo un proceso mecĂĄnico de serigrafĂ­a, mediante el cual reproducĂ­a sistemĂĄticamente mitos de la sociedad contemporĂĄnea y cuyos ejemplos mĂĄs representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, asĂ­ como su cĂŠlebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructĂ­fera dĂŠcada de 1960 El uso de imĂĄgenes de difusiĂłn masiva, fĂĄcilmente reconocibles por todo tipo de pĂşblicos, como las latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convirtiĂł en uno de los rasgos mĂĄs interesantes y estables de toda su producciĂłn.

En otras ocasiones plasmó crudamente situaciones reales como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temåtica, ElecWULF FKDLU HV XQD GH VXV REUDV P¢V VLJQLƏFDWLYDV Este apropiacionismo, constante en los trabajos de los partidarios del pop art, se extendió a obras de arte de caråcter universal y de autores como Rafael Sanzio, Giorgio de Chirico, Edvard Munch o Leonardo da Vinci. Se caracterizan las obras de esta Êpoca por su libÊrrima manipulación y la polÊmica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces mono cromo y otras fuertemente contrastado,

pero en todo caso vivo y brillante, como por la temĂĄtica, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa.

Se caracterizan las obras de esta ĂŠpoca por su libĂŠrrima manipulaciĂłn y la polĂŠmica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temĂĄtica, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa. Mediante la reproducciĂłn masiva consiguiĂł despojar a los fetiches mediĂĄticos que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en Ă­conos.

Se caracterizan las obras de esta ĂŠpoca por su libĂŠrrima manipulaciĂłn y la polĂŠmica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temĂĄtica, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa. Mediante la reproducciĂłn masiva consiguiĂł despojar a los fetiches mediĂĄticos que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido decorativo.

Otra faceta destacada de su obra es su potentĂ­sima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario.

En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a Êl numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital; su peculiar aspecto, andrógino y permanentemente tocaGR FRQ XQ UXELR ƭHTXLOOR FDUDFWHUŽVWLFR DFDE´ SRU GHƏQLU XQ QXHYR LFRQR HO DUWLVWD PLVPR De hecho, fue uno de los primeros creadores en explotar conscientemente su imagen con objetivos autopromocionales; de ese modo, y PHGLDQWH XQ SURFHVR GH LGHQWLƏFDFL´Q DGTXLUL´ D ORV RMRV GHO SEOLFR VLJQLƏFDFLRQHV SURSLDV GH un producto publicitario mås. En 1963 inició una FDUUHUD FLQHPDWRJU¢ƏFD EDVDGD HQ ORV PLVPRV principios que su obra plåstica (como la reiteración visual), en ocasiones de fuerte contenido sexual y erótico.

â&#x20AC;&#x153;Este apropiacionismo, constante en los trabajos de los partidarios del pop art, se extendiĂł a obras de arte de carĂĄcter universal y de autores como Rafael Sanzio, Giorgio de Chirico, Edvard Munch o Leonardo da Vinci.â&#x20AC;?

1967

1966

Andy Warhol ademĂĄs de ser artista plĂĄstico, tambiĂŠn era cineasta, ilustrador y publicista?

Warhol era asexual? En Buenos Aires hay un boliche lgbtqia+ con su nombre!

ApadrinĂł al explosivo Jean-Michel Basquiat cuando ĂŠste apenas era conocido, y convirtiĂł a The Velvet Underground en una banda conocida internacionalmente?

En 1979, Warhol recibiĂł de BMW el encargo de pintar un coche de carreras de competiciĂłn BMW M1 para la cuarta exposiciĂłn del proyecto ÂŤBMW Art CarÂť?

Fue un personaje polĂŠmico durante su vida Ć&#x2020;DOJXQRV FUÂŽWLFRV FDOLĆŹFDEDQ VXV REUDV como pretenciosas o bromas pesadasâ&#x20AC;&#x201D; y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, anĂĄlisis, libros y documentales, ademĂĄs de VHU UHFUHDGR HQ REUDV GH ĆŹFFL´Q FRPR OD pelĂ­cula I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polĂŠmica, estĂĄ considerado como uno de los DUWLVWDV P¢V LQĆ­X\HQWHV GHO VLJOR [[ GHELGR a sus revolucionarias obras.

El disfraz y el alter ego acompaĂąarĂ­an a Warhol durante toda su vida, tanto en su propia persona como en la forma de retratar a sus modelos. El talento creativo de Andy Warhol (Andrew Warhola se quedarĂ­a para siempre en Pensilvania) no tarda en convertirle en objeto de deseo por parWH GH JUDQGHV ĆŹUPDV FRPR &ROXPELD 5Hcords, Vogue o Tiffany & Co., para quienes crearĂ­a escaparates y vallas publicitarias.

-Andy Warhol

Autorretrato Warhol pasĂł muchos aĂąos de su vida obsesionado por hacer dinero, y eso le llevĂł a pretender imponerse en el mundo artĂ­stico aplicando las reglas de la publicidad y desconociendo deliberadamente las reglas del arte convencional.

ÂżSABĂ?AS QUE...

The Velvet Underground & Nico UtilizĂł la imagen de una banana, cuya cĂĄscara adhesiva podĂ­a despegarse, mostrando en su interior un sĂ­mbolo fĂĄlico de color rosa. La provocadora iniciativa causĂł tal escĂĄndalo que acabĂł siendo censurada.

DiĂĄlogo del pensamiento conceptual

Reflexiones Nota por Natalia Zayat

C

ompartiendo ya un tiempo siendo parte del equipo de educaciĂłn, me pareciĂł oportuno poder transmitir nuestras bĂşsquedas e intereses. partimos de la necesidad de brindar a los visitantes distintas propuestas para reĆ­H[LRQDU DSUHFLDU \ SURGXFLU XQD QXHYD forma de pensar el arte contemporĂĄneo.

Marcamos la importancia del pĂşblico a la hora de pensar las actividades. es una herramienta vital para los recorridos dialogados porque se adapta a los intereses particulares de cada grupo. Esto es lo que lo diferencia de una visita guiada, el contenido se construye con el otro, con sus inquietudes y saberes previos; y especialmente con sus ganas de saber mĂĄs que antes de llegar.

Es necesario poder aprovechar nuestro lugar en MACBA para poder transmitir la importancia de la educaciĂłn en el arte dentro de la sociedad. Un espacio donde se integre la vida y una experiencia sensible, donde el arte se convierte en conocimiento. Siempre consideramos que el pĂşblico es vital para los recorridos dialogados ya que se adaptan a los intereses particulares. El MACBA tiene por misiĂłn adquirir, conservar, comunicar y exhibir el arte contemporĂĄneo nacional e internacional.

Hans-georg gadamer responde a esta inquietud de manera sencilla, con tres principios antropolĂłgicos de la experiencia arWÂŽVWLFD HO MXHJR HO VÂŽPEROR \ OD ĆŹHVWD El primero construye sus propias reglas a partir del movimiento y la autonomĂ­a de cada participante. dentro del hacer de los talleres es similar. el aprendizaje tiene libertad. pero esta necesita, a su vez, orden. â&#x20AC;&#x153;Esta obra no la entiendoâ&#x20AC;? dice un visitante a un educador en sala. nos encontramos con la necesidad de saber lo repreVHQWDGR HO VÂŽPEROR DTXHOOR TXH UHĆ­HMD algo en sĂ­ mismo, una alegorĂ­a.

(O DXWRU GHƏHQGH TXH HQ HO FDPSR GHO DUte no se requiere ninguna primicia previa, donde prima el lenguaje y lo instintivo. ¿Y cómo se da esta experiencia en el museo? para nosotros es un espacio donde la comunidad puede generar su propia vivencia. porque su presencia es indispensable para este. Y, los educadores, como mediadores para que este mismo tenga voz. La educación por el arte y la inclusión social es objetivo a corto y largo plazo. Para taOHV ƏQHV SODQHD WUDEDMDU HQ FRQWDFWR SHUmanente con instituciones públicas y organizaciones no gubernamentales que se LGHQWLƏTXHQ FRQ VXV YDORUHV /D HGXFDFL´Q no formal por medio del arte es uno de sus propósitos principales.

Dado que nuestro enfoque tiene que ver con la educaciĂłn dentro del espacio del museo, adaptaremos esa pregunta desde QXHVWUR SXQWR GH YLVWD Â&#x20AC;&´PR SRGHPRV construir un espacio donde ambas inteligencias puedan crear algo nuevo? â&#x20AC;&#x153;Los espectadores ven, sienten y comprenden algo en la medida en que comprenden su propia arte, tal como lo hacen a su manera actores, directores, bailarines, pintores, escultores o ceramistasâ&#x20AC;?.

Si querĂŠs participar de nuestros debates sĂłlo tenĂŠs que venir, no hace falta que te anotes previamente.

Las charlas y debates con los jĂłvenes los nutren para el futuro.

$KRUD VÂŽ OD ĆŹHVWD /D ĆŹHVWD HV FRPXQLGDG somos todos. aquella celebraciĂłn cargada de experiencias compartidas y vividas. Como lo es el arte en nuestra vida.

/D ĆŹHVWD VLHPSUH es comunidad, somos todos. Es la celebraciĂłn cargada de experiencias compartidas, como es el arte. â&#x20AC;&#x153;Si el arte tiene de verdad algo que ver FRQ OD ĆŹHVWD HQWRQFHV WLHQH TXH VREUHSDsar los lĂ­mites de esta determinaciĂłn que he descrito y, con el, los lĂ­mites impuestos por los privilegios culturales, e igualmente, tiene que pertenecer inmune a las estructuras comerciales de nuestra vida socialâ&#x20AC;?.

QuedĂĄndonos dentro de la experiencia de visitar un museo, queremos lograr una mirada pluralista, que la comunidad pueda vivenciar nuevos modos de entender el arte en la contemporaneidad que nos rodea.

El MACBA se propone como un foro de UHƭH[L´Q \ DFFHVR D ODV GLVWLQWDV WHQGHQcias del arte contemporåneo y, en particular, a la abstracción geomÊtrica, dada su importancia histórica local y global. Esta tendencia que marca de una manera imSUHVLRQDQWH HO SHUƏO GH VX FROHFFL´Q VHU¢ su objeto de estudio e investigación.

La educaciĂłn por el arte y la inclusiĂłn social es objetivo a corto y largo plazo. PaUD WDOHV ĆŹQHV SODQHD WUDEDMDU HQ FRQWDFWR permanente con instituciones pĂşblicas y organizaciones no gubernamentales que

VH LGHQWLĆŹTXHQ FRQ VXV YDORUHV Siguiendo los objetivos planteados en la Estrategia 2022, el museo ha apostado por implantar un modelo transparente en la gestiĂłn, que implica funcionar bajo parĂĄmetros de mejor autocontrol y dar impulso a la participaciĂłn como herramienta de gobernanza que lo conecta con su entorno y la sociedad.permanente con instituciones pĂşblicas y organizaciones no guEHUQDPHQWDOHV TXH VH LGHQWLĆŹTXHQ FRQ todos sus valores principales.

Un museo accesible, comprometido so-

PRĂ&#x201C;XIMOS DEBATES ARTE EN LA ACTUALIDAD GH QRYLHPEUH GH D KV HQ OD 6DOD 0DJQD

LA INCLUSIĂ&#x201C;N MEDIANTE EL ARTE GH GLFLHPEUH GH D KV HQ OD 6DOD 0DJQD

CULTURA Y SUBCULTURAS GH HQHUR GH D KV HQ HO SLVR

EL ARTE EN EL MUNDO GH HQHUR GH D KV HQ HO SLVR

EL ARTE Y LA MĂ&#x161;SICA

GH IHEUHUR GH D KV HQ OD VDOD 0DJQD

9

Marcamos la importancia del pĂşblico a la hora de pensar las actividades

ÂżCĂłmo se relacionan el arte contemporĂĄneo y la vida?

El despertar de los objetos

ALGUNAS CHICAS

C

10

on la exposiciĂłn â&#x20AC;&#x153;Algunas chicasâ&#x20AC;? en el Museo de Arte ContemporĂĄneo de Buenos Aires, la fotĂłgrafa Adriana Lestido reĂşne imĂĄgenes de sus investigaciones mĂĄs icĂłnicas sobre mujeres y les imprime un tono â&#x20AC;&#x153;mĂĄs OLYLDQRĆ&#x2039; FRPR LGHQWLĆŹFD DO WUDEDMR GH VHlecciĂłn de esta muestra, en la que exhibe obras inĂŠditas y otras menos conocidas para darle nuevos sentidos a su propia SURGXFFL´Q &RPR XQ FUXFH GH VLJQLĆŹFDdos que siempre se buscan con renovados matices, las imĂĄgenes que Lestido desplegĂł hasta el 1 de mayo del 2016 en el primer piso del Macba, en pleno barrio de San Telmo, indagan, de una y otra forma, en las representaciones sobre las mujeres, en sus UHODFLRQHV \ HQ ORV PRGRV GH TXHUHUVH

Como madres, como presas, como hijas, en soledad, acompaĂąadas, jugando, riendo, observando.

Se trata de un corpus en blanco y negro que integra fotografĂ­as de 1986, de sus primeras series en el Hospital Infanto JuveQLO \ VH UHPRQWD KDFLD ĆŹQHV GH ORV FRQ madres e hijas, incluyendo ademĂĄs a mujeres de todas sus investigaciones, excepto las de Madres de Plaza de Mayo y las de La Salsera, sus mĂĄs famosas. TambiĂŠn hay imĂĄgenes inĂŠditas de la serie sobre presas y otras que no se exhiben desde hace mĂĄs de 20 aĂąos ya.

Sucede que en la exposiciĂłn â&#x20AC;&#x153;Algunas chicasâ&#x20AC;?, Lestido buscĂł otro criterio para mosWUDU VX SURGXFFL´Q HQ WRUQR D ODV PXMHUHV â&#x20AC;&#x153;QuerĂ­an que fueran mĂĄs livianas, sacarle un poco la carga, aunque es difĂ­cil sacar esa carga a fotografĂ­as de presas, pero como son imĂĄgenes que mostrĂŠ mucho querĂ­a darle una vuelta distinta y que sigan teniendo sentido para mĂ­â&#x20AC;?, dice.

(VDV LP¢JHQHV UHƭHMDQ OD FRWLGLDQLGDG GH

las mujeres pero tambiÊn la relación que la artista, una de las mås reconocidas en maWHULD GH HQVD\R IRWRJU¢ƏFR HQWDEOD FRQ las protagonistas, como un diålogo sin inWHUPHGLDULRV HQWUH HOOD \ ODV IRWRJUDƏDGDV que permite registrar instantes tan únicos como poco teatralizados.

â&#x20AC;&#x153;Es una exposiciĂłn colmada de obras con JUDQGHV VLJQLĆŹFDGRV y que merece la pena ser vista en el corto tiempo que permanecerĂĄ en el museo este aĂąo.â&#x20AC;?

Una obsesiĂłn geomĂŠtrica

E

n el mes de octubre de 2015 se inauguro en MACBA la exhibiciĂłn ObsesiĂłn GeomĂŠtrica. American School 1965-2015, donde se presentaron treinta piezas de artistas estadounidenses de la colecciĂłn MACBA. La muestra se encuadra en una investigaciĂłn sobre la abstracciĂłn geomĂŠtrica de corte hard edge en diĂĄlogo con artistas contemporĂĄneos que dieron continuidad y/o revisaron crĂ­ticamente su legado en la actualidad.

En el recorrido de los diversos movimientos y de las obras de artistas seleccionados y organizados en cuatro nĂşcleos temĂĄticos, la exhibiciĂłn revisa corrientes contemporĂĄneas tales como el minimalismo, el movimiento light and space y las escuelas del color como investigaciones

que ampliaron los postulados de la abstracciĂłn geomĂŠtrica y el arte Ăłptico, luego de su emergencia en los 60.

En este sentido, para Teresa Riccardi, directora artĂ­stica del museo, Lestido tiene â&#x20AC;&#x153;esa fuerza increĂ­ble de mostrar cĂłmo se retrata e investiga el campo de la mujerâ&#x20AC;?.

El ciclo â&#x20AC;&#x153;Ellas. PolĂ­tica. AcciĂłnâ&#x20AC;? a lo largo del aĂąo convocarĂĄ a 37 artistas, curadoras y profesionales del arte. $UWLVWDV -RVHI $OEHUV -DPHV 7XUUHOO -Rhn Mc Laughlin, Dan Walsh, Donald Judd, Edna Andrade, Edwin Mieczkowski, Ernst Benkert, Francis Hewitt y Frederick Ham.

-Julia Rosenkrantz, administradora general de las exposiciones del museo.

Algunas chicas siempre supieron que habĂ­a que abrirse paso con machete. Saber la pĂŠrdida antes de que ocurra, estar encerrada en la resignaciĂłn, sacarle romanticismo al juego perverso, a la promesa. Como si la historia no fuera sobre lo que uno vive, si no sobre lo que se hace con eso que se vive. Algunas chicas son otras o las mismas en estas imĂĄgenes. Son mujeres y niĂąas, pero acĂĄ son algunas chicas. (No es que el gĂŠnero pese, es que necesita alivianarse; aliviarse de una carga que, aunque sea negada, vive en la posibilidad misma de intentar la liviandad) En estas imĂĄgenes se siente el frĂ­o, cierta desidia. Se ve la postura de una mano. Se puede imaginar el grito que llama la atenciĂłn de una mirada. Se percibe la acciĂłn, enunciada en un paso. Se logra leer el gesto de la fuerza en estado demasiado vulnerable.

Pasa con ciertas canciones que uno cantĂł mucho, que con el andar del tiempo uno encarna lo que dicen y es cuando se asimilan esas palabras, cuando se experimenta algo -no literal, pero sĂ­ epidĂŠrmico- que las contiene. Me pasa eso con las fotos de Lestido. A medida que siento, las miro mĂĄs. A medida que vivo, las veo mĂĄs.

De la luz a la imagen

E

l planteo de la exhibiciĂłn gira en torno a la indagaciĂłn creativa de los artistas Alberto Biasi y Jorrit Tornquist, documentado a partir de una selecciĂłn importante de obras que los inscribe entre los principales exponentes del Arte Programmata y arte cinĂŠtico italiano e internacional.

Este evento brinda una oportunidad para admirar una riquísima serie de obras que resumen la totalidad de una búsqueda arWŽVWLFD \ FLHQWŽƏFD /D PLVPD VH KDFH REMHtiva con el descubrimiento de la energía oculta en el interior de la manifestación geomÊtrica, la cual, alcanza un dinamismo puro sin descuidar la investigación de la materia y su valor simbólico. Alberto Biasi busca caracterizar su trabajo creativo a travÊs de diversas tÊcnicas y usos de los materiales que dan vida a sus manifestaciones visuales. Jorrit Tornquist es un artista reconocido universalmente como un especialista en el tratamiento del color y a lo largo del tiempo su búsqueda se ha extendido a la experimentación de la luz, en la percepFL´Q ´SWLFD \ VXV UHƭHMRV HPRWLYRV SDUWLHQGR GH XQD DSUR[LPDFL´Q FLHQWŽƏFD La curadora de la muestra es Micol Dine.

EXHIBICIONES NOVIEMBRE

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EN TORNO AL CUADRADO

ProducciĂłn de Luis Tomasello y Manuel Espinosa donde se dan GLIHUHQWHV DVSHFWRV GH OD ĆŹJXUD geomĂŠtrica por excelencia.

19

CONCĂ&#x2030;NTRICOS

ExhibiciĂłn individual de la artista chilena Liliana Iturriaga, curada por Patricio M. ZĂĄrate.

25

VĂ&#x2030;RTIGO

ExhibiciĂłn de una selecciĂłn de obras de mĂĄs de treinta y cinco artistas latinoamericanos reconocidos mundialmente.

30

YES NOT

ExhibiciĂłn individual de la artista Elodie Seguin, con REUDV VLWH VSHFLĆŹF TXH VH ubican en las salas -1 y -2.

La gramĂĄtica de la craciĂłn

Ă&#x161;LTIMAS PALABRAS Escrito por Juan AgustĂ­n Otero

H

El arte jamĂĄs acaba en alguna Ăşltima pincelada o incisiĂłn, ni siquiera en una FUÂŽWLFD ĆŹQDO pĂĄginas de libros, Internet y otros museos.

(Q ĆŹQ PXHUWRV FDUHQWHV GH LQWHUÂŞV R HVR creĂ­a en ese entonces.

En esa lúgubre y oscura habitación que me recibía, la vi a ella. En el medio de un blanco y níveo abismo, irrumpía su intenso roMR FDUPHVŽ (UD WRGR LUUXSFL´Q XQ FXDGUDGR hecho paralelogramo, un contraste cromåtico, una sombra en plena oscuridad.

Me quedÊ sentado un rato observåndola, IXQGLHQGR FRQ PL UHƭH[L´Q HO FDRV \ OD LQmutabilidad del objeto que contemplaba.

PensĂŠ entonces que se trataba de un momento de locura congelado o, quizĂĄ, de un cessez-le-feu. De repente, sentĂ­ una mano sobre mi hombro y el subsiguiente toQR GH UHSULPHQGD GH XQD GH ODV FXUDGRUDV Ć&#x160;/OHJDVWH WDUGHĆ&#x2039; (Q HVH LQVWDQWH SHQVÂŞ â&#x20AC;&#x153;Para nosotros, siempre es tardeâ&#x20AC;?.

Solamente recuerdo haberle cancelado nuestra reuniĂłn a mi amigo y haber regresado a mi hogar. Una vez allĂ­, me puse a pensar en Donald Judd, el autor de la obra que tanto me habĂ­a desconcertado.

Juan AgustĂ­n Otero leyendo su obra, â&#x20AC;&#x153;Ă&#x161;ltimas palabrasâ&#x20AC;?

Donald Judd, Untitled, 1968 Obra que inspirĂł la creaciĂłn del texto.

Al hacerlo, entendĂ­ que aquella obra que ya habĂ­a tenido la posibilidad de contemplar en tantĂ­simas otras oportunidades, absolutamente nada tenĂ­a que ver con mis conocimientos de minimalismo.

Digo, era evidente el hincapiĂŠ hecho en la geometrĂ­a, la reiteraciĂłn de las formas, lo monocromo, el despojo de todo adorno sobrante, etc., etc., etc.

Por un momento, sentĂ­ que aquella obra, en teorĂ­a, reducida a lo esencial, se burlaba de mĂ­, de todos. QuizĂĄ se trataba de una fotografĂ­a del absurdo cotidiano.

El obrar mecĂĄnico, el horizonte perdido, la abstracciĂłn respecto de la sociedad. En ese sentido, su presencia hierĂĄtica me invitaba, nos invitaba, a tomarnos

No encontrÊ neutralidad, sí pasión. No encontrÊ un producto industrial, sí un mensaje mås humano. un break temporal de contemplación y reƭH[L´Q SHUR FRPR VLHPSUH OOHJDPRV WDUde. Es claro que para una obra que vive en el no-tiempo es fåcil burlarse de aquellos, como nosotros, que solo nos preocupa el tiempo (¿tal vez porque solo evitamos perder tiempo en lugar de buscar ese místico no-tiempo?).

Hace algunos aĂąos, el argentino LĂłpez Chuhurra advertĂ­a que era preciso no olvidar que la obra nacĂ­a del artista, pero que,

a su vez, a medida que tomaba cuerpo esa REUD DGTXLUÂŽD ĆŹVRQRPÂŽD SURSLD FRQ H[SUHVLYLGDG VXĆŹFLHQWH SDUD LQGHSHQGL]DUVH \ ser. Es que, precisamente, el arte se inscribe en el universo eterno de lo dialĂłgico en el que es interpretado, re-interpretado y â&#x20AC;&#x201C; Âżpor quĂŠ no? â&#x20AC;&#x201C; reinventado. El arte o, mejor, cada obra de arte es un proceso de construcciĂłn colectivo superador de instancias individuales.

Los minimalistas â&#x20AC;&#x201C;si se permite esta huPLOGH DĆŹUPDFL´QĆ&#x2026; IXHURQ H[FHGLGRV SRU sus propias obras. En su intento de anular la expresividad y el simbolismo, olvidaron, tal vez, que el arte es un agregado de experiencias contemplativas personales que se cruzan e interactĂşan.

TXH HO VLJQR VLJQLĆŹFD SRU VÂŽ VROR \ TXH OD bĂşsqueda de eliminar toda implicancia emocional tiene un porquĂŠ que es en sĂ­ mismo expresivo.

QuizĂĄ serĂĄ que nunca entendĂ­ bien a los minimalistasâ&#x20AC;Ś o que la teorĂ­a acerca de ellos estĂĄ completamente equivocadaâ&#x20AC;Ś O bien, tal vez, el arte minimalista fracasĂł en mĂ­â&#x20AC;Ś o en su afĂĄn de literalidadâ&#x20AC;Ś

ACERCA DEL GANADOR FECHA DE NACIMIENTO

16 de junio de 1995 (25 aĂąos).

LUGAR DE ORIGEN

Ciudad de Buenos Aires.

ESTUDIOS

FilosofĂ­a, Letras y Derecho.

OCUPACIĂ&#x201C;N

Colabora en varios medios JU¢ƏFRV \ GLJLWDOHV FRQ QRWDV y ensayos sobre literatura.

Actualmente, es editor en Revista ColofĂłn y columnista en el programa de radio matutino â&#x20AC;&#x153;EtcĂŠteraâ&#x20AC;?.

RECONOCIMIENTOS

Uno de sus cuentos fue seleccionado por la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires.

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acĂ­a varios dĂ­as ya, las curadoras del Museo de Arte ContemporĂĄneo de Buenos Aires (MACBA) me habĂ­an pedido cordialmente que visitara su nueva exposiciĂłn titulada ObsesiĂłn geomĂŠtrica. En la invitaciĂłn, incluĂ­an la amplia gama de artistas cuyas REUDV H[KLELUÂŽDQ 0DU\ 5RVH 'RQDOG -XGG Edwin Mieczkowski, Frank Stella, Mark Rothko, Kennethe Noland, entre otros nombres ampliamente reconocidos, aunque â&#x20AC;&#x201C;debo admitirâ&#x20AC;&#x201C; tambiĂŠn ya conocidos.

QuizĂĄ fue el hecho de pensar que no encontrarĂ­a allĂ­ nada nuevo, nada inspirador, lo que me disuadiĂł de tomarme el metro aquel hĂşmedo y melancĂłlico domingo alrededor del mediodĂ­a.

Por alguna razĂłn que desconozco, llegada la tardecita, recibĂ­ un llamado de un amigo que necesitaba mi ayuda con cierta urgencia. No hice otra cosa, entonces, que tomar mi saco raudamente y salir a la jungla porteĂąa. Al bajarme del tren, rodeado de un tumulto de gente apurada que dirigĂ­a sus miradas siempre al horizonte (ÂżhabĂ­a un horizonte?), caminĂŠ apresuradamente un par de cuadras hacia lo de mi amigo. Mientras caminaba, me cegaron ORV UHĆ­HFWRUHV TXH LOXPLQDEDQ OD HQWUDda del MACBA. En aquel breve momento que transcurriĂł a partir del llamado de mi amigo, habĂ­a olvidado la cercanĂ­a que mediaba entre mi destino y el museo. PensĂŠ, entonces, que era un buen momento para hacer buena letra con las curadoras y entrĂŠ en aquel titĂĄn de cristal. IngresĂŠ asĂ­, con desgano, en la cĂĄmara mortuoria que no me iba a ofrecer mĂĄs que lo ya visto en

EdiciĂłn nÂş27, mes de noviembre de 2020

SABĂ?AS QUE...?

Jackson Pollock fue apodado como â&#x20AC;&#x153;Jack the dripperâ&#x20AC;? por la revista Time en 1956.

El apodo es un juego de palabras que hace alusiĂłn a la tĂŠcnica utilizada por Pollock en la mayorĂ­a de VXV REUDV HO VDOSLFDGR Pintaba en el suelo ya que de esa forma se sentĂ­a mĂĄs cerca de la pintura, lo que le permitĂ­a trabajar desde sus cuatro lados.

6X WÂŞFQLFD VH YLR LQĆ­XHQFLDGD SRU el automatismo surrealista.

Jack Pollock trabajando en su estudio, en una sesiĂłn de fotos realizada por Hans Namuth

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EN LA PRĂ&#x201C;XIMA EDICIĂ&#x201C;N...

JULIO LE PARC La obra de Le Parc fue para su momento aĂşn vanguardista, innovadora, audaz; en ella se utilizan como elementos de la plĂĄstica principalmente aquellos que sorprenden o que sugestionan a la mirada -y, a travĂŠs de ella, al sujeto en su totalidad.

Por otra parte, Le Parc busca involucrar absolutamente al espectador dentro de la obra; para ello recurre a iluminaciones DUWLƏFLDOHV HIHFWRV HVSHFXODUHV UHƭHMRV y movimientos; por ejemplo con bandas mecånicas que se mueven por dispositiYRV PHF¢QLFRV RFXOWRV HO ƭXLU GH OŽTXLGRV fosforescentes, el movimiento de hilos de nylon, sus esculturas en ciertos casos son genuinas instalaciones que envuelven a los espectadores.

BUSCANOS EN LAS REDES

/ MUSEOMACBA ConocĂŠ mĂĄs sobre el museo en la web: www.macba.com.ar

ÂĄNo te olvides de visitarnos!

Estamos en Av. San Juan 328, San Telmo.

Nuestros horarios Lunes a viernes, de 11:00 a 19:00.

SĂĄbados y domingos de 11:00 a 19:30.

Por cualquier consulta, contactanos a: prensa@macba.com.ar

NUESTROS ARTISTAS

ALDO RUBINO &RQ HO ƏUPH SURS´VLWR GH GDU GLIXVL´Q D VX FROHFFL´Q HQ ƏUP´ ORV HVWDWXWRV SDUD la creación de la Fundación Aldo Rubino.

En el sexto aĂąo de esta importante iniciativa, es posible establecer su genealogĂ­a y punto de partida fundacional en la gran mayorĂ­a de sus exhibiciones.

EL SONIDO DE LOS COLORES

Es en los aĂąos 1960 que Le Parc puede ser considerado tanto dentro del conjunto conocido como arte Ăłptico como dentro del arte cinĂŠtico, e incluso del arte conceptual; aunque en realidad ĂŠl intenta transcender tales movimientos y hace, en principio, un tipo de arte que era mĂĄs bien denominado experimental.

EscaneĂĄ el cĂłdigo en Spotify para disfrutar del megamix de Marcel Duchamp.

NOVEDADES EN EL MUSEO

EL

Nos complace anunciar la adquisiciĂłn de la obra de Verena Loewensberg (Suiza, 1912-1986), Ăşnica mujer integrante del Grupo de Artistas Concretos Suizos, quienes ya forman parte de nuestra colecciĂłn.