It’s time for us to reconsider. Few books in recent history have ignited as many discussions within the art and culture world as Beginnings – A New History of Humankind, published in 2021. In this groundbreaking work, anthropologist David Graeber and archaeologist David Wengrow challenge the Eurocentric view of history. They document the intricate and diverse social organizations that existed thousands of years before the Enlightenment, highlighting the significant influence of indigenous philosophers on Western thought. Against the backdrop of our precarious geopolitical situation, Beginnings emphasizes the urgency of adopting the Indigenous perspective, both for our understanding of the past and our aspirations for a global future.
It is precisely this shift in perspective that La Chola Poblete explores in her exhibition Guaymallén, an homage to her hometown in the Argentine province of Mendoza. Through her art, La Chola delves into her Indigenous heritage and queer identity, addressing the consequences of colonialism and white supremacy. She stands in opposition to the stereotyping and marginalization of Indigenous culture and the patriarchal system.
Never before has the exhibition of an “Artist of the Year” been more personal. La Chola shares her visions, her life, and her emotions with radical honesty, forging entirely new forms and methods of artistic expression. Simultaneously, in Guaymallén, she challenges preconceived notions surrounding “indigenous” and “queer” identities, and addresses the complex role that museums and institutions play in the process of decolonization.
Facilitating such encounters with art and introducing more diversity and complexity into cultural and political discourse in a non-dogmatic manner lie at the heart of Deutsche Bank’s commitment to art. This mission is exemplified by the “Artist of the Year” series, now in its thirteenth year. Throughout its history, the selected artists have consistently engaged with socially relevant themes.
Guaymallén represents a significant contribution to a long-overdue dialogue about the legacy of the colonial era and the quest for fairer and more humane forms of society. This dialogue has only just begun, and it is our collective responsibility to continue it, not only in the realm of art and culture.
We are proud to offer a platform for this conversation and to present La Chola Poblete’s first institutional solo exhibitions in Germany and Italy.
Britta Färber
Curator of the Exhibition and Global Head of Art & Culture at Deutsche Bank
Kuratorin der Ausstellung und Global Head of Art & Culture Deutsche Bank
Comisaria de la exposición y Directora Global de Arte y Cultura Deutsche Bank
Kolonialherren als „Eroberung“ Amerikas verharmlost wurde, zwang man den Überlebenden den katholischen Glauben gewaltsam auf. Es ist historisch belegt, dass die Spanier bei ihrer Ankunft den Indigenen Männern die Haare abschnitten. Ich denke, dass sie das deshalb taten, weil für sie langes Haar mit Weiblichkeit verbunden war. Lateinamerika hat sich durch den enormen Einfluss der europäischen Religion völlig verändert. Es entwickelte sich ein starker Synkretismus, Indigene und christliche Religionen wurden verbunden und nur noch das binäre Geschlechtsmodell geduldet. Aber bei Indigenen Völkern wie den Huarpe, Mapuche oder Inka waren die queeren Identitäten hochgeschätzt.
BF: Und deine widerständischen Versionen der Jungfrauen wurzeln in diesem historischen Konflikt, bei dem die Indigene Kultur sich auch die christliche Mythologie einverleibte.
LCP: Infolge des Synkretismus der Religionen verwuchs die Figur der Jungfrau Maria für viele Indigene mit der Pachamama. In manchen Gemeinschaften und Orten meiner Heimat wird an die Pachamama geglaubt. Ihr zu Ehren wird ein Ritual abgehalten, bei dem ein Loch in den Boden gegraben und Opfergaben wie Getränke, Speisen und Kokablätter dargebracht werden. Das Loch wird im hinteren Bereich des Hauses oder an einem öffentlichen Ort gegraben. Ich hatte das Glück, an diesem Ritual teilzunehmen, das eine starke Beziehung mit der Natur und ein tiefes Bewusstsein ihrer Kräfte hervorruft. Es offenbart die Wirklichkeit. In meinem Werk ist dies in den Performances deutlicher ausgeprägt, da sie einen eher rituellen Charakter haben.
BF: Du hast eigens für diese Ausstellung eine dreiteilige Fotoserie geschaffen, in der die Zusammenhänge von Kolonialisierung, christlicher Religion und patriarchaler, weißer Unterdrückung neu aufgegriffen werden. In diesen digitalen Fotomontagen treten missionarische „Elder“ in weißem Hemd mit Schlips auf – eine Anspielung auf die Zeit nach deinem Coming Out, als du dich in deiner Verzweiflung auch an die Mormonen gewendet hast. Und dann bist du auf diesen Bildern zu sehen, in Inkarnationen der Tierwelt und der Mythologie – als nichtbinäre Person, die wie eine Märtyrerin bei lebendigem Leib von einem Missionar gehäutet wird oder als Römische Wölfin, die zwei Mormonen wie Romulus und Remus säugt.
LCP: Ich stelle mich hier als eine Person dar, die ihre Haut und Form wechseln kann, sooft sie will. Ich trete in Dialog mit einem Mormonen, der mir die Haut abzieht, und stelle die Kirche als einen Ort dar, an dem ich nicht willkommen bin. Mich interessiert das Erscheinungsbild der Mormonen, weil ihre Kirche die letzte war, in der ich nach Antworten suchte. Zur gleichen Zeit merkte ich, dass mich Männer anziehen.
aparecen «élderes» misioneros con camisa blanca y corbata, una alusión a la época posterior a tu salida del armario, cuando, en tu desesperación, también acudiste a los mormones. Y, en esas imágenes, se te puede ver en encarnaciones del mundo animal y de la mitología: como una persona no binaria que es desollada viva por un misionero, como una mártir, o como una loba romana que amamanta a dos mormones como Rómulo y Remo.
LCP: Simplemente me pienso como una persona que puede cambiar de piel y forma todas las veces que quiera. En este caso me interesa el diálogo de un mormón desollándome, pensando en la Iglesia como un lugar en donde mi identidad no es bienvenida. Me interesa la imagen del mormón por haber sido la última iglesia en la que busqué respuestas y me di cuenta que me gustaban los hombres.
BF: Se trata, una vez más, de la comida, asignando a la figura femenina indígena el papel de víctima o de madre. Sin embargo, tus versiones no binarias de la femineidad rompen con esta concepción. Tu Virgen-Venus del Pan también podría verse como un símbolo de sacrificio o matanza. Pero, en realidad, la figura parece hallarse en un estado de metamorfosis. Las vasijas que sobresalen de su abdomen abierto también podrían sugerir un renacimiento místico.
LCP: La Virgen-Venus tiene referencia a las Venus anatómicas utilizadas en Europa en escuelas de medicina y grupos de investigación privados durante los siglos xvi y xvii. Me interesa pensar en lo inquietante de su zona genital y reproductiva, del abdomen rajado abierto a ser descubierto. La femineidad puesta al ojo del hombre para ser analizada en todas sus formas. Pienso en las nuevas femineidades y en cómo sería reproducirse. ¿Por qué no llevar en el vientre una vasija? Abandonar el género y pensar en los seres como formas que pueden fluir.
BF: ¿Te fascinó la proximidad de la espiritualidad cristiana y el sufrimiento mundano?
LCP: No me fascinó esa cercanía, me interesaba pensar que esas vasijas o cacharros pueden ser también «robados». También que el cuerpo para mí es algo, y que dentro de él podría existir cualquier cosa. Es interesante pensar en espiritualidad sagrada y sufrimiento mundano, pero me parece muy literal. Esos dos conceptos no pueden entenderse por separado: la fe y el dolor van de la mano…
BF: También dices que esta exposición es una «iglesia de curación». ¿Pretende ser una alternativa a las iglesias religiosas? Y ¿cómo podemos imaginar ese proceso de curación?
Hilflosigkeit und Unterwerfung zu finden sind, geht bei La Chola Schmerz in Genuss über. Sie verändert die Bedeutung der Zeichen, verwendet zum Beispiel das Brot als Allegorie des Fleischs. Anstelle der katholischen Lehre vom Verzicht des Körperlichen versteht sie den Körper als einziges Mittel zur Erlösung. So funktionierte auch die Ketzergabel, sie stach zugleich in das Kinn und die Brust, verletzte die Orte des Sprechens und der Gefühle.
La Chola Poblete macht aus ihrer Autobiografie ein Protestlied, das keiner weiteren Worte bedarf. Sie komponiert eine Art Punk-Bolero in Dauerschleife, der in ihren Ausstellungen immer verwirrend wirkt und sich in der verschwenderischen Vielfalt der Medien spiegelt, die sie jeweils ästhetisch einsetzt. La Chola Poblete selbst ist ihr größtes Kunstwerk, indem sie ihr öffentliches Bild als künstlerisches Ausdrucksmittel einsetzt, das die gesellschaftlichen Erwartungen durch sexuelle Lüste herausfordert. Das Körperliche ist bei ihr nicht mehr unziemlich – ihr Körper wird zum Kunstwerk. Ihr Körper, der immer schon als Indigen und queer etikettiert und gebrandmarkt wurde, bringt nun andere Formen des Seins hervor.
Im Gegensatz zu zahlreichen anderen Ausprägungen selbstreferenzieller Kunst in Buenos Aires ist ihr Werk das Resultat präziser Untersuchungen der Politik der Bilder. Sie geht über die bloße Darstellung eines Unterschieds hinaus und sucht gezielt nach einer anderen Ästhetik der Körper – fließend, immer in Bewegung – und ohne Bezug auf vorgegebene Modelle. Der Ersatz der marmornen Venus durch eine Indigene in El nacimiento de Venus (Die Geburt der Venus) gehört der Vergangenheit an, ihre Ersetzungen sind jetzt bedeutend komplexer geworden.
Die Ausstellung zeigt die Risse und Diskontinuitäten, die dazu führen, dass ihre künstlerische Arbeit nicht in eine Kategorie einzuordnen ist. Ihre Arbeit beruht auf dem Rhythmus ihres Körpers, der sich verrenkt, mutiert, sich ausdehnt, der zur Göttin oder schmutzig wird, heilig, profan und respektlos ist, der einfach wirkt, aber in der Komplexität, die sie ihm verleiht, geradezu messianisch anmutet.
Buenos Aires, Juni 2021
La Chola ha sabido hacer de su autobiografía una canción de denuncia que no necesita letra, que no redunda en el plano discursivo, en la hegemonía lingüística de las ideas. Engendra una suerte de bolero punk en loop que aturde en cada muestra y que se plasma en una profusión de medios dispares pero trabajados estéticamente desde las capacidades expresivas de cada uno. La Chola es su mejor obra de arte porque hace de su imagen pública un sitio de expresión artística que desafía las expectativas sociales desde el goce. Convierte a su cuerpo condenado en un cuerpo de obra. Su cuerpo —siempre ya señalado, siempre ya textualizado por marrón, por cuir— se vuelve el soporte para crear a través de él otros modos de estar. A diferencia de mucha de la autorreferencialidad presente en la escena artística de Buenos Aires, la suya implica un trabajo preciso sobre la política de las imágenes que excede la mera representación de una diferencia que pide ser incluida. Busca directamente, como artista profesional, otra estética que va alterando de forma continua los modos en que el cuerpo aparece, circula o se materializa en vez de atenerse a un modelo de representación existente. Quedó atrás el reemplazo en El nacimiento de Venus de una marmórea por otra marrona; las sustituciones son ahora mucho más complejas. La muestra expone las fisuras y discontinuidades que no permiten el encasillamiento de su trabajo como artista. Se encabalgan las materialidades a través del ritmo de su cuerpo contorsionado, mutante, expandido, endiosado y pata sucia, sagrado y profano, irreverente, con instancias banales y otras que parecen mesiánicas en la espesura que logra darle a esa banalidad.
Buenos Aires, junio 2021
