Liebe Buchhändler*innen, Bücherfreund*innen und Kunstbegeisterte,
im vergangenen Jahr hat sich viel getan. Nach fast vierzig Jahren hat sich der Gründer, Inhaber und Geschäftsführer des Kerber Verlags, Christof Kerber, in den wohlverdienten Ruhestand zurückgezogen. Wir möchten ihm auf diesem Wege nochmals alles Gute wünschen. Mit Jens Bartneck, unserem langjährigen Herstellungsleiter, hat ein erfahrener und leidenschaftlicher Büchermacher als neuer Inhaber den Verlag und die Geschäftsführung übernommen.
Im Zuge dieser internen Veränderungen kam es auch zur Schließung unserer verlagseigenen Druckerei in Bielefeld. Wir sehen diese Veränderung vor allem als Chance, uns als Verlag neu zu positionieren. Die Entkopplung von Verlag und Druckerei ermöglicht uns ein flexibles und zeitgemäßes Vorgehen in der Herstellung und stärkt unseren Fokus auf das Wesentliche: die verlegerische Tätigkeit. Dies bedeutet für uns, aktuelle Entwicklungen und Fragestellungen der zeitgenössischen Kunst zu reflektieren und durch spannende Publikationen zu begleiten. Als Verlag scha!en wir Sichtbarkeit und legen großen Wert darauf, die Diversität der hiesigen und internationalen Ausstellungslandschaft zu beleuchten sowie Positionen zu
A lot has happened over the past year. After almost four decades, Christoph Kerber, founder, owner, and director of Kerber Verlag, has begun his well-earned retirement. We would like to take this opportunity to wish him all the very best. Jens Bartneck, an experienced and passionate publisher who has been our head of production for many years, has taken over as owner and director.
In the course of these internal changes, we closed our own print shop in Bielefeld. For us, this change provides an opportunity to reposition ourselves as a publishing house. Separating publishing from printing means that we can be more flexible and agile in our approach to production, focusing on the most important component: our publishing activities. This in turn means reflecting on current developments and issues in contemporary art and producing exciting publications to accompany them. As a publishing house, we provide visibility and emphasize the importance of showcasing the diversity of the exhibition landscape, both locally and internationally, as well as presenting ideas to stimulate discourse on art and its societal significance. Our current program reflects this commitment. In
Dear booksellers, book lovers, and art enthusiasts,
präsentieren, die den Diskurs über Kunst und ihre gesellschaftliche Bedeutung anregen.
Unser vorliegendes Programm spiegelt dieses Engagement wider. Neben Ausstellungskatalogen, die in Kooperation mit der Berlinischen Galerie, dem Jüdischen Museum Berlin und der Bayerischen Staatsbibliothek entstehen, freuen wir uns auf Monografien von Hoda Tawakol und Sascha Mikloweit sowie themenstarke Fotobücher von Jörg Colberg und Dale Grant.
2025 feiern wir das vierzigjährige Bestehen unseres Verlags. Zu diesem Anlass bekommen wir Anfang des Jahres einen neuen Onlineauftritt, dessen klare und zeitgemäße Gestaltung unterstreicht, was im Zentrum unserer Arbeit steht: Ambitionierte und hochwertig produzierte Bücher sowie die künstlerischen Positionen, die durch sie erfahrbar werden. Schauen Sie gerne vorbei – es lohnt sich!
Ihr Team vom Kerber Verlag
addition to exhibition catalogues created in cooperation with the Berlinische Galerie, the Jewish Museum in Berlin, and Munich’s state library, the Bayerische Staatsbibliothek, we are looking forward to monographs by Hoda Tawakol and Sascha Mikloweit, as well as stunning photobooks by Jörg Colberg and Dale Grant.
Our publishing house will turn forty in 2025. To mark the occasion, we will launch our new online presence with a clean and modern design that underlines the essence of our work: producing ambitious, high-quality books that highlight and convey new artistic standpoints. Why not take a look—you won’t be disappointed!
Your Kerber Verlag Team
Farben Japans
Holzschnitte aus der Sammlung der Bayerischen Staatsbibliothek
März 2025
Klappenbroschur, ca. 376 Seiten
24 × 30 cm, DE
ca. 350 farbige Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0996-0 ca. 45,00 € (DE)
Farben Japans
Holzschnitte aus der Sammlung der Bayerischen Staatsbibliothek
Die Ausstellung Farben Japans – Holzschnitte aus der Sammlung der Bayerischen Staatsbibliothek zeigt japanische Farbholzschnitte aus drei Jahrhunderten: von den Anfängen des Mehrfarbendrucks in der Mitte des 18. Jahrhunderts bis zu Shin-hanga, den sogenannten „neuen Drucken“ des 20. Jahrhunderts. Künstlerische Exzellenz in Verbindung mit handwerklichem Können zeichnen den japanischen Farbholzschnitt aus. In Werken von Künstlern wie Utamaro, Hokusai, Hiroshige, Yoshitoshi oder Hasui werden die besonderen Stilmerkmale und vielfältigen kulturhistorischen Bezüge sichtbar, die diese Kunstform prägen. Präsentiert wird das gesamte Spektrum farbig gedruckter Holzschnitte: illustrierte Bücher, seltene Triptychen oder ikonische Einblattdrucke wie Hokusais Unter der Welle im Meer vor Kanagawa, bekannt als „Große Welle“. Der Begleitband zur Ausstellung enthält neben einem ausführlichen Bildteil auch eine Reihe von Essays, die unterschiedliche Aspekte des japanischen Farbholzschnitts sowie dessen Entstehungskontext näher beleuchten.
Auf den Spuren von Hokusai, Hiroshige und Co.
In the Footsteps of Hokusai, Hiroshige, and the Like
The exhibition Farben Japans – Holzschnitte aus der Sammlung der Bayerischen Staatsbibliothek shows Japanese color woodcuts spanning three centuries: from the beginnings of multicolor printing in the mid-eighteenth century to shin-hanga, the “new prints” of the twentieth century. Artistic excellence combined with craftsmanship characterize the Japanese color woodcuts. Works by artists such as Utamaro, Hokusai, Hiroshige, Yoshitoshi, and Hasui reveal the distinctive stylistic features and diverse cultural and historical references typical of this art form. The exhibition presents the entire spectrum of color-printed woodcuts: illustrated books, rare triptychs, or iconic single-sheet prints such as Hokusai’s Great Wave o! Kanagawa. In addition to a detailed illustrated section, the book accompanying the exhibition also contains a series of essays that shed light on various aspects of Japanese color woodcut prints and the context in which they were created.
Herausgegeben von Thomas Tabery und Kevin Schumacher-Shoji, Bayerische Staatsbibliothek
Texte von Torsten Allscher, Annegret Bergmann, Jaqueline Berndt, Matthi Forrer, Peter F. Kornicki, Andreas Marks, Masato Naito, Evelyn Schulz, Kevin Schumacher-Shoji, Anton Schweizer, Thomas Tabery, Hans Bjarne Thomsen, Klaus Vollmer
Design von Andreas Koch, Bielefeld
Ausstellung
→&27.03.2025–06.07.2025
Farben Japans, Bayerische Staatsbibliothek, München
Was Kunst von Astronomie lernen kann
What Art Can Learn from Astronomy
Rohini Devasher
Borrowed Light
Deutsche Bank „Artist of the Year” 2024
Februar 2025
Softcover, 156 Seiten
23,8 × 28,5 cm, DE | EN
Herausgegeben von Deutsche Bank
Texte von Britta Färber, Stephanie Rosenthal
Design von Kerstin Riedel, Berlin
Ausstellung
→&12.09.2024–10.03.2025
Borrowed Light
Palais Populaire, Berlin
ISBN 978-3-7356-1010-2
ca. 38,00 € (DE)
Rohini Devasher (* 1978) beschäftigt sich in ihrer forschungsintensiven Praxis mit den Grenzbereichen zwischen Wissenschaft, Kunst und Philosophie. Von besonderem Stellenwert ist für die indische Künstlerin die Astronomie, in der die Arbeit mit Licht eine zentrale Rolle spielt. Mittels „geliehenem“ oder reflektiertem Licht können Phänomene erfasst und verstanden werden, die eigentlich im Dunkeln – und somit oft fern des Bereichs menschlicher Wahrnehmung – liegen. Devasher zeigt, wie vielschichtig die Prozesse des Sehens sind und wie schmal der Grat zwischen Wissen und Geheimnis ist. 2024 wurde sie von der Deutschen Bank als „Artist of the Year“ ausgezeichnet. Die Publikation erscheint begleitend zu ihrer ersten institutionellen Einzelausstellung Borrowed Light in Deutschland im Berliner PalaisPopulaire.
In her research-intensive practice, Rohini Devasher (b. 1978) explores the intersections between science, art, and philosophy. Astronomy, in which working with light plays a central role, is of particular importance to the Indian artist. “Borrowed” or reflected light allows phenomena to be captured and understood that otherwise remain in the dark—and, therefore, far removed from the realms of human perception. Devasher reveals the complexity of the processes of seeing and shows how thin the line is between knowledge and mystery. Rohini Devasher was named Deutsche Bank’s “Artist of the Year” for 2024. This publication accompanies her first solo exhibition at a major institution in Germany—Borrowed Light at the PalaisPopulaire in Berlin.
Suche, Entwicklung und Ausdruck eines Mediums
Seeking, Developing and Expressing a Medium
Zeichnung
November 2024
Hardcover, 244 Seiten
23 × 28 cm, DE
Herausgegeben von Stiftung Situation Kunst, Bochum
Texte von Carolin Behrmann, Eva Wruck, Silke von Berswordt-Wallrabe
Design von Saskia Helena Kruse, Münster
Künstler*innen
Josef Albers, Joseph Beuys, Pierre Bonnard, Paul Cézanne, Lyonel Feininger, George Grosz, Ellsworth Kelly, Ernst Ludwig Kirchner, Oskar Kokoschka, Roy Lichtenstein, Max Liebermann, Adolph Menzel, Arnulf Rainer, Bridget Riley, Cy Twombly, Günther Uecker, u. a.
Ausstellung
( 07.11.2024–27.04.2025
Zeichnung. Idee – Geste – Raum, Museum unter Tage, Bochum
ISBN 978-3-7356-1003-4
40,00 € (DE)
Die Zeichnung zählt zu den ursprünglichsten künstlerischen Ausdrucksformen. Mit ihrem enormen Potenzial zur Selbstreflexion überrascht sie bis heute mit immer neuen Entwicklungen. Gerade in der modernen und zeitgenössischen Kunst finden sich neben nach wie vor klassischen Ansätzen unzählige suchende Infragestellungen des Mediums, Grenzgänge sowie Austausch- und Wechselbeziehungen zu anderen Kategorien – sei es auf dem Weg einer systematischen Befragung der grundlegenden Kriterien, sei es durch die Einbeziehung neuer Techniken und Materialien. Ausstellung und Publikation lenken den Blick auf einige wesentliche Entwicklungen der Zeichnung seit der frühen Moderne.
Drawing is one of the most elementary forms of artistic expression. With its enormous potential for self-reflection, it continues to surprise us today with ever-new developments. Particularly in modern and contemporary art, alongside traditional approaches there are countless exploratory interrogations of the medium, crossovers, as well as interactions and interrelationships with other categories, whether by systematically questioning the underlying criteria or by incorporating new techniques and materials. This exhibition and publication highlight the most significant developments in drawing since early modernism.
Transpositional Geologies
Februar 2025
Softcover, 304 Seiten
24,3 × 28 cm, EN
ca. 150 farbige Abbildungen 11 s/w- Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0971-7
56,00 € (DE)
Transpositional Geologies
Wer eine institutionelle mineralogische Sammlung betritt, stößt in der Regel auf Vitrinen, die nach Klassifizierungssystemen entsprechend der Materialeigenschaften geordnet sind. Jedoch birgt jedes Mineral eine Geschichte der Extraktion, der Zerstörung, des Besitzes und der Enteignung sowie deren globale Beziehungen in sich.
Transpositional Geologies verortet solche Sammlungen als Indizes, welche uns in das Nachleben des Kolonialismus führen, und erö!net eine sich weiterentwickelnde politische Geologie, die in ihrer Lesart Sammlungsmineralien primär als Kulturobjekte denn als Naturobjekte betrachtet. Basierend auf seiner künstlerischen und kulturellen Arbeit der letzten fünf Jahre in Namibia und Deutschland, vereint Sascha Mikloweit internationale Stimmen aus Bereichen wie Anthropologie, Kritische Theorie, Geologie, Geschichte, Museumswissenschaft, Philosophie, Poesie und ö!entlicher Verwaltung mit den Perspektiven von Boltwoodit, Cerussit oder Smithsonit.
„Stein um Stein” lädt dieser außergewöhnlich gestaltete Band dazu ein, sich mit einer zunehmend nuancierten Lesart der Geschichte der Geologie zu befassen: mit ihrer epistemischen Gewalt, ihren Auslassungen und ihren rassistischen Regimen, und damit, wie die andauernden Rückstände ihres kolonialen Erbes fortlaufend unsere heutigen extraktiven Realitäten bedingen.
Kolonialherrschaft und Rassismus – über die Doppelbödigkeit geologischer Sammlungsgeschichte
Colonial Rule and Racism: On the Ambiguity of Geological Collection History
If you enter an institutional mineralogical collection, you typically encounter glass cabinets organized by classification systems according to material properties. Yet, each mineral carries with it a history of extraction, destruction, (dis)possession, and global relations. Transpositional Geologies localizes such collections as indices of the afterlife of colonialism and proposes an evolving political geology, reading mineral specimens as objects of “culture” rather than of “nature.” Capturing his five-year artistic engagement and cultural collaboration in Namibia and Germany, Sascha Mikloweit brings together international voices from fields including anthropology, critical theory, geology, history, museum studies, philosophy, poetry, public administration—and the perspectives of boltwoodite, cerussite, or smithsonite.
Rock by rock, this exquisitely designed volume invites us to engage with a progressively nuanced reading of geology’s history: its epistemic violence, omissions, and racial regimes, and how the lasting residues of its colonial legacies continue to shape our present-day extractive realities.
Herausgegeben von Sascha Mikloweit
Texte von Saima Ashipala, Paul Basu, Josh Baum, Charmaine // Gamxamus, Johannes Giebel, Elizabeth Grosz, Maria-Oo Haihambo, Selby Hearth, Bastian Herbst, Chris Hill, Herbert Jauch, Juuso Kaluvi, Veripuami Nandee Kangumine, Malina Lauterbach, Helmut Maier, Prince Kamaazengi Marenga I, Sascha Mikloweit, Hidipo Nangolo, Paul O’Kane, Jermaine Solunga, Ellison Tjirera, Kuhepa Tjondu, Samo Tom)ič, Kathryn Yuso+
Design von Irakli Kiziria und Sascha Mikloweit, Berlin / Brüssel
Systeme von Wissen und Erkenntnis
Systems of Knowledge and Perception
Mariechen
Januar 2025
Softcover mit Schutzumschlag
128 Seiten
21 × 27 cm, DE | EN
Herausgegeben von Thomas Köhler, Berlinische Galerie, Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur
Texte von Mariechen Danz, Guido Faßbender, Georg Friedrichs, Thomas Köhler
Design von Nora Cristea, preggnant agency, Berlin
Ausstellung
→&13.09.2024–31.03.2025
Mariechen Danz. edge out GASAG Kunstpreis 2024, Berlinische Galerie
ISBN 978-3-7356-1009-6
ca. 38,00 € (DE)
Mariechen Danz (* 1980) befasst sich in ihrer künstlerischen Praxis mit Methoden und Modellen von Erkenntnis, wobei der menschliche Körper stets im Mittelpunkt des Interesses steht. In raumgreifenden Installationen und Performances, oft in Zusammenarbeit mit anderen Künstler*innen und Musiker*innen, kombiniert und konfrontiert sie wissenschaftliche Systeme zur Aneignung und Beschreibung von Welt mit subjektiven, alternativen und magischen Denkweisen. Die Begleitpublikation zur Ausstellung edge out in der Berlinischen Galerie stellt die diesjährige Preisträgerin des GASAG Kunstpreises vor und zeigt Einblicke in die Werkschau, die als monumentales, begehbares Schaubild modellhaft neue Wege des Austauschs und der Notation von Wissen, Wahrheit und Geschichte entwirft.
In her artistic practice, Mariechen Danz (b. 1980) explores methods and models of understanding, always with a focus on the human body. In expansive installations and performances, often in collaboration with other artists and musicians, she combines and confronts scientific systems of understanding and describing the world with subjective, alternative, and magical ways of thinking. The publication accompanying the exhibition edge out at the Berlinische Galerie showcases this year's winner of the GASAG Art Prize and provides insights into the exhibition, a monumental walk-in installation that models new ways of exchanging and describing knowledge, truth, and history.
Der erste Blick in die Sammlung First Look at the Collection
Behind Closed Doors: 55 Kunstwerke aus der Sammlung Stahlberg
März 2025
Hardcover, 144 Seiten 23 × 28 cm, DE | EN
Herausgegeben von Stahlberg Collection
Texte von Candice M. Hamelin
Design von 75W, Berlin
Künstler*innen
Valérie Belin, Isaac Julien, Alicja Kwade, Mohau Modisakeng, Muntean/Rosenblum, Erwin Olaf, Jaehun Park, Neo Rauch, Kehinde Wiley, Sylvie Zijlmans u. a.
ISBN 978-3-7356-1021-8 ca. 45,00 € (DE)
Behind Closed Doors präsentiert eine außergewöhnliche Sammlung zeitgenössischer Kunst, die im Lichtensteinturm in Coburg untergebracht ist und seit den 1980er-Jahren stetig wächst. Die Stahlberg Sammlung umfasst Installationen, Gemälde, Fotografien, Skulpturen, Videos und Arbeiten auf Papier von deutschen und internationalen Künstler*innen. Großteils hinter verschlossenen Türen aufbewahrt – denselben Türen, die Ulrich von Lichtenstein 36 Jahre lang gefangen hielten, nachdem seine A!äre mit der Frau von Herzog Johann Casimir 1597 entdeckt wurde –, wird die Stahlberg Sammlung nun der Ö!entlichkeit zugänglich gemacht. Die Publikation stellt 55 Kunstwerke vor, die von der Kunsthistorikerin und Kuratorin Candice M. Hamelin ausgewählt und beschrieben wurden, und gewährt profunde Einblicke in die bis dato unbekannte Sammlung von Angelika und Fritz Stahlberg.
Behind Closed Doors presents the unusual collection of contemporary art housed in the Lichtenstein Turm in Coburg, Germany. The Stahlberg Collection, which has been expanded steadily since the 1980s, comprises installations, paintings, photographs, sculptures, videos, and works on paper by German and international artists. Kept largely behind closed doors—the same doors that kept Ulrich von Lichtenstein prisoner for thirty-six years, after his a!air with the wife of Duke Johann Casimir was discovered in 1597—the Stahlberg Collection will now be opened to the public. This book presents 55 works of art selected and described by the art historian and curator Candice M. Hamelin. It provides profound insights into the hither to unknown collection of Angelika and Fritz Stahlberg.
Hoda Tawakol
Some Ties Linger On
Februar 2025
Klappenbroschur, 144 Seiten
25 × 32 cm, DE | EN 80 farbige Abbildungen
ISBN 978-3-7356-1007-2 ca. 40,00 € (DE)
Hoda Tawakol
Some Ties Linger On
Dem Werk von Hoda Tawakol (* 1968) liegt eine tiefgreifende Auseinandersetzung mit Identität, Weiblichkeit und Macht zugrunde. Inspiriert von den Erinnerungen an ihre „drei Mütter“ – ihre Mutter, ihre Großmutter und ihr Kindermädchen – spinnt die ägyptisch-französische Künstlerin ein narratives Gewebe aus Leben und Kunst, in dem Verlust und Erinnerung als Knotenpunkte fungieren und das komplexe Zusammenspiel von individueller und kollektiver Identität im Zentrum steht. Entscheidend ist für Tawakol der Körper als Ort der Erfahrung. Ihre textilen Skulpturen und Installationen referieren auf ihn ebenso als Schutzschild wie als Projektionsfläche und dechi!rieren Macht verhältnisse im Spannungsfeld von O!enbarung und Verhüllung. Some Ties Linger On ist Hoda Tawakols erste Monografie und bietet mit zahlreichen Abbildungen und zwei begleitenden Essays einen profunden Überblick zu ihrem bisherigen künstlerischen Scha!en.
At the heart of Hoda Tawakol’s work is a profound confrontation with identity, femininity and power. Inspired by the memories of her “three mothers”—her mother, her grandmother, and her nanny—the EgyptianFrench artist (b. 1968) spins a narrative web of life and art with loss and recollection intersecting, while the complex interplay of individual and collective identity takes center stage. The body as an experiential focus is key for Tawakol; and her textile sculptures and installations refer to it both as a protective shield and as a surface for projection; they decipher the balance of power between the extremes of exposure and concealment. Some Ties Linger On is Hoda Tawakol’s first monograph; with numerous images and two accompanying essays, it o!ers a comprehensive overview of her artistic oeuvre to date.
Texte von Omar Kholeif, Rebekka Seubert
Design von Studio Barbara Krimm, Berlin
Sexualität und Gewalt: Skulpturale
Interventionen zur ästhetischen Banalisierung im Spätkapitalismus
Sexuality and Violence: Sculptural
Interventions on Aesthetic Banalization in Late Capitalism
Iris Musolf 39th of May
November 2024
Klappenbroschur, 176 Seiten
21 × 27,7 cm, DE I EN 120 farbige Abbildungen
Texte von Andreas Bee, Birgit Möckel
Design von Nina Petri, PETRI EINTAUSENDVIER, Mülheim an der Ruhr
ISBN 978-3-7356-0998-4
38,00 € (DE)
In den skulpturalen Arbeiten von Iris Musolf (* 1980) tre!en die glatten Oberflächen einer banalen Produktästhetik auf das Unheimliche und Unaussprechliche, das sich oft dahinter verbirgt. Durch die künstlerische Neukonfiguration von Materialität und Form entstehen visuelle Ambivalenzen, die auf die reale Brüchigkeit unserer Gesellschaft verweisen. Musolfs erste Monografie 39th of May versammelt Objekte und Skulpturen, die wie symbolische Requisiten einer entleerten Spaßgesellschaft wirken, in der Sexualität und Gewalt durch Delfinvibratoren und aufblasbare Kalaschnikows als infantile Konsumgüter erscheinen. Freiheit und Zwang sind hier marktförmig ineinander verwoben, und die menschliche Empfindung regt sich vor allem als große Irritation.
In the sculptural works of Iris Musolf (b. 1980), the smooth surfaces of a commonplace product aesthetic meet the strange and the unspeakable that is often concealed beneath. Her artistic reconfiguration of materiality and form creates visual ambiguities that highlight the true fragility of our society. Musolf’s first monograph 39th of May brings together objects and sculptures that seem like the symbolic props of a vacuous society obsessed with pleasure. In these works, sexuality and violence appear as infantilized consumer goods in the guise of dolphin-shaped vibrators and inflatable Kalashnikovs. Freedom and coercion are interwoven in a commercially driven context, and human emotions primarily emerge in the form of great confusion.
Schwarze Utopien und posthumane Ästhetik
Black Utopias and Posthuman Aesthetics
Lisa Seebach
Earthy Liquids and Heavy Metal [Hypersleep]
Oktober 2024
Klappenbroschur, 96 Seiten 23 × 30 cm, DE I EN 46 farbige Abbildungen
Herausgegeben von Dominik Bais, Alf Lechner Stiftung
Texte von Dominik Bais, Olga Hohmann
Design von Lukas Schimpfhauser, München
Ausstellung
→&11.08.2024-09.03.2025
Earthy Liquids and Heavy Metal [Hypersleep]
Lechner Museum, Ingolstadt
ISBN 978-3-7356-1012-6 28,00 € (DE)
Abstrakt und geheimnisvoll: Lisa Seebachs (* 1981) Skulpturen erinnern an industrielle Objekte wie Gasflaschen oder Ölfässer, die zu autonomen Akteuren in einer poetisch-rätselhaften Inszenierung voller assoziativer Metaerzählungen werden. Im Dickicht von postapokalyptischer ScienceFiction, schwarzer Utopie und posthumaner Ästhetik verweisen sie auf mögliche Bedrohungen angesichts der dystopischen Zuspitzung und loten Möglichkeiten aus, diesen zu entkommen. Earthy Liquids and Heavy Metal [Hypersleep] ist Lisa Seebachs bislang größte museale Einzelausstellung und zeigt zahlreiche Werke aus den letzten zehn Jahren sowie speziell für die Räume des Lechner Museums konzipierte Arbeiten. Die gleichnamige Publikation versammelt zahlreiche Installationsansichten und begleitende Texte.
Abstract and mysterious, the sculptures of Lisa Seebach (b. 1981) are reminiscent of industrial objects like gas cylinders or oil drums, which she transforms into autonomous actors in a poetically enigmatic staging filled with associative meta-narratives. In the labyrinth of postapocalyptic science fiction, dark utopias, and posthuman aesthetics, they point to potential threats in the face of dystopian escalation and explore ways of escaping them. Earthy Liquids and Heavy Metal [Hypersleep] is Lisa Seebach’s largest solo museum exhibition to date and shows numerous works from the last ten years alongside works specially conceived for the exhibition space at Lechner Museum in Ingolstadt. The publication of the same name brings together numerous images of the installation and accompanying texts.
Access Kafka
Dezember 2024
Klappenbroschur, 176 Seiten
20 × 28 cm
ca. 80 farbige Abbildungen
Dieser Titel erscheint in zwei Sprachausgaben.
(DE) ISBN 978-3-7356-1013-3 (EN) ISBN 978-3-7356-1014-0 ca. 38,00 € (DE)
(DE) (EN)
Access Kafka
Das Jüdische Museum Berlin setzt hundert Jahre nach Franz Kafkas Tod zentrale Aspekte seines Werkes in einen Dialog mit zeitgenössischer Kunst. Der Begri! „Access“ dient dabei als Leitgedanke: Kafka stellt in seinen literarischen Texten universelle und zeitlose Fragen nach Einlass und Zugehörigkeit. Wie hallt Kafkas Vorstellungswelt in der Gegenwart wider?
In sechs Kapiteln mit den Titeln Access Denied, Wort, Körper, Raum, Gesetz und Judentum werden künstlerische Positionen unserer Zeit Kafkas Dokumenten, Briefen und Zeichnungen gegenübergestellt. Beiträge der Kuratorin Shelley Harten und der Kafka-Expert*innen Carolin Duttlinger, Reiner Stach und Vivian Liska ö!nen in diesem die Ausstellung begleitenden Katalog weitere Türen zu Franz Kafkas Leben und Werk.
Kafka und die zeitgenössische Kunst
Kafka and Contemporary Art
One hundred years after Franz Kafka’s death, an exhibition at the Jewish Museum in Berlin places key aspects of his oeuvre in dialogue with works of contemporary art. The term “access” serves as the guiding principle: in his literary works, Kafka poses universal and timeless questions relating to access and belonging. How do Kafka’s ideas resonate in the present day? In six chapters entitled Access Denied, Word, Body, Space, Law, and Jewishness, contemporary art is placed alongside documents, letters, and drawings by Kafka. The catalogue accompanying the exhibition features contributions by the curator of the exhibition, Shelley Harten, as well as by Kafka experts Carolin Duttlinger, Reiner Stach, and Vivian Liska, which provide another perspective on Franz Kafka’s life and work.
Herausgegeben von Shelley Harten, Jüdisches Museum Berlin
Texte von Carolin Duttlinger, Shelley Harten, Vivian Liska, Reiner Stach
Design von Visual Space Agency, Berlin
Ausstellung
→&13.12.2024–04.05.2025
Access Kafka Jüdisches Museum Berlin
200 Jahre Historie und Sammlung einer Kunststadt
4-3-2-1 Darmstadt Eine Kunsttopografie
März 2025
Hardcover, 416 Seiten 24,5 × 30,5 cm, DE 450 farbige Abbildungen
Herausgegeben von Philipp Gutbrod, Sandra Bornemann-Quecke, Institut Mathildenhöhe Darmstadt
A City of Art’s 200 Years of History and Collecting vorläufiges Cover
Texte von Eva Authried, Sandra Bornemann-Quecke, Philipp Gutbrod, Linda Heüveldop, Julia Hichi, Shammua Maria Mohr, Barbara Muhr
Der Katalog erscheint begleitend zur Sonderausstellung 4–3–2–1 Darmstadt im umfassend sanierten Ausstellungsgebäude auf der UNESCO-Welterbestätte Mathildenhöhe Darmstadt. Herausragende Gemälde, Skulpturen, Grafiken, Fotografien und Videokunst aus der Städtischen Kunstsammlung Darmstadt beleuchten historische Ereignisse der Stadt und stellen außergewöhnliche Personen vor, die in der Stadt gelebt haben oder aktuell das Kunstleben gestalten. In der vielseitigen Ausstellung zur Kunsttopografie von Darmstadt wird ein Fokus auf einige noch nie ausgestellte Werke von Künstlerinnen gelegt. Der Katalog lädt ein zu einem Streifzug durch 200 Jahre der Kunststadt Darmstadt und ihrer unmittelbaren Region.
This catalogue is being published to accompany the exhibition 4–3–2–1 Darmstadt in the comprehensively renovated exhibition hall at Mathildenhöhe Darmstadt, an artist’s colony and UNESCO World Heritage Site. Outstanding paintings, sculptures, prints, photographs, and video art from Darmstadt’s Municipal Art Collection shed light on the city’s history and showcase some of the extraordinary individuals who have lived in the city or are currently involved in the local arts scene. The multifaceted exhibition on the artistic topography of Darmstadt focuses on several works by female artists that have never before been exhibited. This catalogue invites the reader on a journey through 200 years of cultural heritage in Darmstadt and the surrounding region.
Von Tony Cragg über Jeppe Hein bis Robert Wilson
From Tony Cragg to Jeppe Hein to Robert Wilson
Monheim am Rhein
Kunst im ö+entlichen Raum
August 2025
Klappenbroschur, 348 Seiten 20 × 28 cm, DE | EN 270 Abbildungen
Herausgegeben von Stadt Monheim am Rhein
Texte von Angela de Weijer, Ulla Hahn, Saman Hidayat, inges idee, Thomas Kesseler, Markus Lüpertz, Anabel Runge, Ninja Walbers, Daniel Zimmermann
Design von Paul Daubenspeck und Lynn Ruberg, Düsseldorf
ISBN 978-3-7356-1023-2 ca. 43,00 € (DE)
Als mittelgroße Kreisstadt verfügt Monheim am Rhein, gelegen zwischen Köln und Düsseldorf, über eine beeindruckende Sammlung an Kunstwerken im ö!entlichen Raum. Internationale Größen haben hier Projekte realisiert, die von klassischer Skulptur über Licht- und Klangkunst bis hin zu einem künstlichen Geysir reichen. So wird eine große Bandbreite dessen erlebbar, was Kunst im ö!entlichen Raum heute sein kann. Die Hauptwerke, entstanden von 2018 bis 2024, werden nun in einem Bestandskatalog präsentiert. Mit Werken von Tony Cragg, Angela de Weijer, inges idee, Jeppe Hein, Saman Hidayat, Thomas Kesseler, Mischa Kuball, Markus Lüpertz, Thomas Stricker, Timm Ulrichs und Robert Wilson.
Monheim am Rhein, a medium-sized town located between Cologne and Düsseldorf, boasts an impressive collection of public art. Internationally renowned artists have realized projects here ranging from traditional sculpture to light and sound art, and even an artificial geyser. This allows visitors to experience a wide range of what public art can be today. The main works, created between 2018 and 2024, are now presented in a catalogue raisonné. It features works by Tony Cragg, Angela de Wejier, inges idee, Jeppe Hein, Saman Hidayat, Thomas Kesseler, Mischa Kuball, Markus Lüpertz, Thomas Stricker, Timm Ulrichs, and Robert Wilson.
Junge, preisgekrönte Kunst Young, Award-Winning Art
ars viva 2025
Wisrah C. V. da R. Celestino, Vincent
Scheers, Helena Uambembe
Oktober 2024
4 Softcover im Schuber
3 . 48 Seiten I 1 . 32 Seiten 21 × 28 cm, DE | EN 92 farbige Abbildungen
Herausgegeben von Min-young Jeon, Kulturkreis der deutschen Wirtschaft im BDI e. V.
Texte von Erik Bordeleau, Kitty Scott, Eva Fischer-Hausdorf, Haris Giannouras, Min-young Jeon, Peju Oshin, Ana Teixeira Pinto
Design von Dokho Shin
Ausstellung
→&12.10.2024–26.01.2025 ars viva 2025
Kunsthalle Bremen
→&26.06.2024–28.09.2025 ars viva 2025
Haus der Kunst, München
ISBN 978-3-7356-0995-3
36,00 € (DE)
Der ars viva-Preis für Bildende Kunst wird seit 1953 an herausragende junge, in Deutschland lebende Künstler*innen vergeben, deren Arbeiten eine eigenständige Formensprache und ein Bewusstsein für gegenwärtige Fragestellungen erkennen lassen.
Der Kulturkreis der deutschen Wirtschaft zeichnet in diesem Jahr Wisrah C. V. da R. Celestino (* 1989), Vincent Scheers (* 1990) und Helena Uambembe (* 1994) mit dem ars viva-Preis 2025 aus.
Since 1953, the Kulturkreis der deutschen Wirtschaft im BDI e. V. has awarded the annual ars viva prize for visual arts to outstanding young artists based in Germany. The award honors work that demonstrates a distinct language of form and an awareness of contemporary issues. The ars viva prize 2025 will be awarded to Wisrah C. V. da R. Celestino (b. 1989), Vincent Scheers (b. 1990), and Helena Uambembe (b. 1994).
ART
Kunst als kollektive Praxis – von Deutschland nach Taiwan und zurück
Art as Collective Practice: From Germany to Taiwan and Back
anachoresis
Februar 2025
Klappenbroschur, 144 Seiten 20,5 × 23,5 cm, CN I DE | EN
Herausgegeben von REICHRICHTER & Eva Bentcheva
Texte von Eva Bentcheva,Fabian Heitzhausen, Kuei-Pi Li, Michael Hirsch, REICHRICHTER, Sean Ga+ney, Wan-Yin Chen, Yi-Chun Lin,
Design von Jule Liesdorf, Köln
ISBN 978-3-7356-1015-7 ca. 36,00 € (DE)
Der Begri! Anachoresis leitet sich vom griechischen Verb anachorein („sich zurückziehen“) ab. In der Kunstgeschichte hat die Praxis des Rückzugs eine lange Tradition: Vom sozialen „Rückzug“ der ostasiatischen KünstlerGelehrten in einen Zustand der Kontemplation bis zu Inszenierungen der Selbstisolation wie bei Joseph Beuys oder Tehching Hsieh. Oftmals wird dieser Vorgang mit einem Schub an Kreativität und Selbstreflexion in Verbindung gebracht. Doch was passiert, wenn der Rückzug kollektiv vollzogen wird und sich eine Gruppe vorübergehend aus der Gesellschaft zurückzieht, um einen Raum für Kommunikation und Austausch zu scha!en? Diesen und anderen Fragen ist die Künstlerpersona REICHRICHTER in ihrem dreijährigen Projekt anachoresis – participation through fragments nachgegangen, für das Künstler*innen aus Deutschland und Taiwan in Form eines kollektiven Labors zusammengekommen sind. Das Buch führt den dialogischen Charakter des Projekts fort und erörtert in einer Reihe theoretischer Essays, welche Rolle partizipative Kunst in der heutigen Welt einnehmen kann.
The term anachoresis is derived from the Greek verb anachorein (“to withdraw”). The practice of retreat has a long tradition in art history: from the social “retreat” of East Asian artist-scholars into a state of contemplation to the staging of self-isolation by Joseph Beuys or Tehching Hsieh. Often, this process is associated with a surge of creativity and self-reflection. But what happens when the retreat is carried out collectively and a group temporarily withdraws from society in order to create a space for communication and interaction? The artist persona REICHRICHTER explored these and other questions in her three-year project anachoresis: participation through fragments, which brought together artists from Germany and Taiwan in the form of a collective laboratory. This book continues the dialogue-based approach of the project and, through a series of theoretical essays, discusses the role that participatory art can play in today’s world.
Nomadentum zwischen traditioneller Lebensart und postmoderner Rastlosigkeit in der zeitgenössischen Kunst
Nomadic Life in Contemporary Art: Between Traditional Ways of Life and Postmodern Restlessness
Texte von Umirbek Bikhumar, Thomas Eller, Baigalmaa Purevsukh, Veronika Ronge, Gan-Ochir Saranbolor, Karsten Wittke
Design von Timo Reger Design, Nürnberg
ISBN 978-3-7356-1008-9 ca. 40,00 € (DE)
Das Projekt Die Post-Nomadische Erfahrung ist eine künstlerische Auseinandersetzung mit den Modernisierungsprozessen in der Mongolei, den vielschichtigen Dimensionen des nomadischen Lebens und seiner Bedeutung in der Bildenden Kunst. Als Ergebnis eines umfassenden Austauschs zwischen deutschen und mongolischen Kunstscha!enden, vermittelt die Publikation profunde Einblicke in die kulturhistorischen und kunstwissenschaftlichen Hintergründe dieses Beziehungsgeflechts, ohne romantische Mystifizierungen, wie sie etwa Joseph Beuys vorgenommen hat, zu reproduzieren. Nicht zuletzt wird auch das Spannungsfeld zwischen traditioneller nomadischer Erfahrung und dem heutigen „Nomadentum“ westlicher Künstler*innen thematisiert, woraus sich ebenso kritische wie fruchtbare Impulse für transkulturelle Diskurse zur zeitgenössischen Kunst ergeben.
The project The Post-Nomadic Experience is an artistic exploration of the processes of modernization in Mongolia, the multifaceted dimensions of nomadic life, and its significance in the visual arts. This publication is the result of a comprehensive collaborative exchange between German and Mongolian artists and provides profound insights into the cultural and art-historical background of this network of relationships—without, however, reproducing the romantic mystifications of the likes of Joseph Beuys. Ultimately, the project examines the tensions between the traditional nomadic experience and the “Nomadism” of today’s Western artists, resulting in both critical and promising stimuli for transcultural discourse on contemporary art.
ART
Ästhetische Reflexionen in Foto und Film: Kunst zwischen Illusion und Wirklichkeit
Aesthetic Reflections in Photography and Film: Art between Illusion and Reality
Karen Irmer State of Change
Juni 2024
Schweizer Broschur, 144 Seiten 23,5 × 28,5 cm, DE | EN 135 farbige Abbildungen
Texte von Thomas Elsen, Simone Kimmel, Cornelia Gockel, Christoph Stolz, Wolfgang Ullrich
Design von Robert Strauch, Karen Irmer, Augsburg
ISBN 978-3-7356-0997-7
38,00 € (DE)
Die Publikation State of Change gibt einen Überblick über das künstlerische Werk von Karen Irmer (* 1974). In ihren gleichsam poetischen wie analytischen Fotografien und Filminstallationen reflektiert Irmer das Verhältnis von Illusion und Wirklichkeit, aber auch von Kunstwerk und Betrachtenden. Charakteristisch für ihre Arbeiten sind atmosphärische Stimmungen und eine reduzierte Bildsprache. Das wiederkehrende Sujet ist die Landschaft. In ihr sucht die Künstlerin Kontemplation und Versenkung – als Gegenentwurf zur überfrachteten Lebensrealität, in der die Möglichkeit dazu oft nicht mehr gegeben scheint.
The publication State of Change provides an overview of the artistic work of Karen Irmer (b. 1974). In her photographs and film installations, which are as poetic as they are analytical, Irmer reflects upon the relationship between illusion and reality, but also between the artwork and the viewer. Her work is characterized by atmospheric moods and pared-back visual language. The recurrent subject is landscape, in which she seeks contemplation and immersion—as an alternative to the overstimulated reality of modern life, where it often appears that these things are no longer possible.
Erstmonografie und Künstler*innenbuch
First Monograph and Artist’s Book
Arijana Kajfes Circumambulations
Februar 2025
Softcover, 200 Seiten 19 × 25 cm, EN 168 farbige Abbildungen
Herausgegeben von Arijana Kajfes, Sandra Praun
Texte von Arijana Kajfes, Lars-Erik Hjertström Lappalainen, Eva Löfdahl
Design von Sandra Praun, Designstudio Sandra Praun, Stockholm
ISBN 978-3-7356-1019-5 ca. 40,00 € (DE)
Circumambulations ist die erste Monografie der schwedischen Künstlerin Arijana Kajfes. Sie präsentiert ihr Werk seit den späten 1980er-Jahren, thematisch gegliedert in die Bereiche: Licht, Kreise, Rotation, Spiralen, Erde, Kuppeln, Körper, Feuer und Klang. In enger Zusammenarbeit mit der Buchgestalterin Sandra Praun hat Kajfes den Inhalt – sowohl Bilder als auch Texte – als ein fortlaufendes Werk entwickelt. Die lockere Form eines Skizzenbuchs ermöglicht die Verwendung von Notizen, Zitaten und Querverweisen, wodurch ein unmittelbarer Zugang zu Kajfes’ Arbeitsprozess entsteht. Die Publikation schließt mit einem Gespräch zwischen Arijana Kajfes und dem Kunstkritiker Lars-Erik Hjertström Lappalainen.
Circumambulations is the first monograph of the Swedish artist Arijana Kajfes. It presents her body of work since the late 1980s, categorized according to the themes: Light, Circles, Rotation, Spirals, Earth, Domes, Body, Fire, and Sound. In close collaboration with the graphic designer Sandra Praun, Kajfes developed the content, both image and text, as a work-in-progress. The loose form of a sketchbook allows for the incorporation of notes, quotations, and cross-references, providing the reader with deep insight into Kajfes’s working process. The publication concludes with a conversation between Arijana Kajfes and art critic Lars-Erik Hjertström Lappalainen.
Expressive Malerei der Gegensätze
Expressive Painting of Opposites
Regula Syz
März 2025
Hardcover, 240 Seiten 24 × 28 cm, DE | EN
Herausgegeben von KunstAuftrieb, Zürich
Texte von Judith Annaheim, Katja Herlach, Dorothee Messmer
Design von KunstAuftrieb, Baumgartner & Annaheim, Zürich
Buchpräsentation
→&19.03.2025
Galerie Trittligasse, Zürich
ISBN 978-3-7356-1001-0 ca. 40,00 € (DE)
Die Schweizer Malerin Regula Syz (* 1946) ö!net mit ihren Bildern einen Raum für Gegensätze. In ihnen findet sich das blühende Leben ebenso wie Bedrohung und Zerstörung. Dazu arbeitet die Künstlerin mit elementaren Erscheinungsformen des Lebenszyklus, die sie mit den inneren und äußeren Kämpfen des Menschen in Verbindung stellt. Das über fünfzig Jahre umspannende Werk von Regula Syz ist durch einen Umbruch im Jahr 1999 gekennzeichnet: Ein Atelieraufenthalt in Genua leitete den Wechsel von der präzisen Aquarelltechnik zur Acrylmalerei auf großen Formaten ein; auf Schönheit und Harmonie folgte Expressivität und Bewegung. Roter Rabe – schwarzer Mohn fokussiert diese zweite Werkphase, wenngleich Arbeiten früheren Datums sowie Ausschnitte aus den Arbeitsbüchern gezeigt werden, wodurch eine umfängliche Betrachtung von Syz’ künstlerischem Scha!en ermöglicht wird.
In her paintings, the Swiss artist Regula Syz (b. 1946) opens up a space for contradiction. They depict blossoming life, but also foreboding and destruction. To this end, the artist works with elementary manifestations of the life cycle, which she links to humankind’s internal and external struggles. Regula Syz’s oeuvre, which spans more than fifty years, is characterized by a turning point in 1999: a studio residency in Genoa marked her transition from precise watercolor techniques to large-format acrylic paintings; beauty and harmony were followed by expressiveness and movement. Red Raven – Black Poppy focuses on this second phase of her work, though it also features earlier works and excerpts from her sketchbooks, allowing for a comprehensive exploration of Syz’s artistic practice.
Neue Wege abstrakter Malerei
New Approaches to Abstract Painting
Nis Knudsen Of Color and Composition
Dezember 2024
Klappenbroschur, 112 Seiten 21 × 28 cm, DE | EN ca. 100 farbige Abbildungen
Herausgegeben von Lucia Kaufmann, Galerie Hyle
Texte von Lucia Kaufmann, Nina Cavaziel, Pola van den Hövel
Design von Joana Katte, 17vor, Hamburg
ISBN 978-3-7356-0999-1
ca. 30,00 € (DE)
Nis Knudsen (*1989) beschäftigt sich in seiner Malerei mit Farbflächen in unterschiedlichen Konstellationen. Obwohl Erinnerungen an De Stijl, die Konkrete Kunst und den Konstruktivismus geweckt werden, gelingt dem Hamburger Künstler auf eindrückliche Weise, das Metier der klassischen Abstraktion um neue Dimensionen zu erweitern. In der Ambivalenz von geometrischer Präzision, menschlicher Spur und materiellem Träger sucht Knudsen nach Harmonien, die sich trotz ihrer vordergründigen Schlichtheit nie auf den ersten Blick erschließen lassen. Die Publikation Of Color and Composition ist im Zusammenhang mit seiner Ausstellung in der Galerie Hyle in Hamburg entstanden und gibt Aufschluss über die bisherigen Arbeiten des Künstlers.
In his paintings, Nis Knudsen (b. 1989) works with planes of color arranged in various configurations. While this approach is reminiscent of De Stijl, Concrete Art, and Constructivism, the Hamburg-based artist succeeds, to impressive e!ect, in adding new dimensions to the field of classic abstraction. In the ambivalence of geometric precision, the human touch, and the material carrier, Knudsen seeks out harmonies that are not fully apparent at first glance, despite their superficial simplicity. The publication Of Color and Composition was created in connection with Knudsen’s exhibition at Galerie Hyle in Hamburg and provides insights into the artist’s work to date.
Malerei der radikalen Reduktion
Radical Reduction in Painting
Dirk Salz In Equilibrium
Dezember 2024
Hardcover, 112 Seiten
22 × 26 cm, DE | EN 60 farbige Abbildungen
Texte von Martin Hellmold, Raimund Stecker
Design von Alexander Voss, Dirk Salz, Mülheim an der Ruhr
ISBN 978-3-7356-1018-8
ca. 35,00 € (DE)
In Equilibrium dokumentiert die jüngste Entwicklung des Künstlers Dirk Salz, wobei der Schwerpunkt auf seiner Malerei mit zweikomponentigen Harzen liegt. Darüber hinaus werden seine projektbezogenen Rauminterventionen sowie die Werkreihen deep dives und fadings ausführlich behandelt. Begleitende Essays kontextualisieren Salz’ Scha!en, insbesondere in Bezug auf die philosophischen Aspekte seiner Werke. Zusammen mit Fotos des Arbeitsprozesses, Ausstellungsansichten und Detailaufnahmen ermöglichen sie eine umfassende Einordnung und Wertschätzung seines künstlerischen Scha!ens.
In Equilibrium documents the most recent developments in the work of the artist Dirk Salz, with a focus on his multilayered resin paintings. In addition, his project-based spatial interventions and the series of works deep dives and fadings are also discussed in detail. Accompanying texts provide context for Salz’s work, particularly with regard to the philosophical aspects of his pieces. Together with photos documenting his working process, exhibition views, and close-up images, they facilitate a comprehensive appreciation of his oeuvre.
Die Transzendenz der Landschaft. Erkundungen im Malerischen
Transcendence of the Landscape: Painterly Explorations
Dezember 2024
Hardcover, 128 Seiten 21 × 26 cm, DE | EN ca. 95 farbige Abbildungen
Texte von Michael Stoeber
Design von Sebastian Moock, Hannover
ISBN 978-3-7356-1002-7
ca. 35,00 € (DE)
Stefan Lang (* 1958) bewegt sich in seiner Malerei zwischen Abstraktion und Figuration. In Anlehnung an die großen Vorbilder William Turner und Caspar David Friedrich wendet er sich immer wieder dem Motiv der Landschaft zu. Dabei entspringen die Kompositionen oftmals konkreten, mittels Fotografie eingefangenen Realitätsbeobachtungen. Lang fügt dem Gesehenen jedoch eine überzeitliche, traumartige Dimension hinzu, indem er die Leinwand mit vielfältig nuancierten Farbschichtungen überzieht. In seinen oft großformatigen Gemälden verschwimmen so die Grenzen zwischen subjektiver und objektiver Wahrnehmung – eine neue, poetisch transformierte Wirklichkeit tritt zutage. Die Publikation versammelt Werke aus dreißig Jahren und bietet somit einen umfangreichen Überblick zum Scha!en des Malers.
In his paintings, Stefan Lang (b. 1958) moves between abstraction and figuration. Inspired by his great role models, William Turner and Caspar David Friedrich, he repeatedly uses landscape as the subject of his work. His compositions are often based on specific observations captured in photographs, to which Lang adds a timeless, dreamlike dimension by covering the canvas with multiple nuanced layers of paint. In his paintings, often created in large format, the boundaries between subjective and objective perception become blurred, revealing a new, poetically transformed reality. This publication brings together works spanning thirty years to provide a comprehensive overview of the painter’s oeuvre.
Dale Grant
Face: the Berlin Art Scene
Juni 2025
Hardcover, 240 Seiten
23,5 × 28 cm, EN
250 farbige Abbildungen
ISBN 978-3-7356-1017-1 ca. 45,00 € (DE)
Dale Grant
Face: the Berlin Art Scene
Face: the Berlin Art Scene zeigt die lebendige Vielfalt der Berliner Kunstszene durch die Linse des Fotografen Dale Grant. Das Buch präsentiert 200 Künstler*innen in ihren Ateliers und bietet eine fesselnde Momentaufnahme der kreativen Landschaft der Stadt. Es zeigt Talente in verschiedenen Stadien ihrer Karriere: von aufstrebenden Künstler*innen, die ihre künstlerische Reise beginnen, bis hin zu gestandenen Profis auf dem Höhepunkt ihres Erfolgs. Diese umfangreiche Zusammenstellung hebt nicht nur die individuelle Kreativität hervor, sondern feiert Berlin auch als ein Zentrum für zeitgenössische Kunst. Zusätzlich zu den visuellen Erzählungen, die durch Grants Fotografien präsentiert werden, bieten die begleitenden Zitate der Künstler*innen unschätzbare Einblicke in ihre persönlichen Kämpfe und künstlerischen Triumphe.
So tickt die Berliner Kunstszene
Face: the Berlin Art Scene showcases the vibrant diversity of artistic expression in Berlin through the lens of photographer Dale Grant. Featuring 200 artists photographed in their studios, the book presents a compelling snapshot of the city s creative landscape, capturing talents at various stages of their careers; from emerging artists embarking on their artistic journeys to seasoned professionals at the height of their success. This rich compilation not only highlights individual creativity but also celebrates Berlin as a pivotal hub for contemporary art. In addition to the visual narratives presented through Grant’s photographs, the accompanying quotes from artists provide invaluable insights into their personal struggles and artistic triumphs.
Herausgegeben von Larissa Kikol, Benjamin Wolbergs
Texte von Elke Buhr, Larissa Kikol, Farah Nayeri
Design von Benjamin Wolbergs, Berlin
Glaube und Spiritualität zwischen Weihrauch und Plastik
Faith and Spirituality among Incense and Plastic
Xenia Nikolskaya Plastic Jesus
April 2025
Hardcover, 96 Seiten
18,5 × 24 cm, EN
Texte von Adam Makary, Xenia Nikolskaya
Design von Omar Al-Zo’bi, Eyen Design, Amman, Jordanien
Von 2006 bis 2023 hat die russisch-schwedische Fotografin und Kuratorin Xenia Nikolskaya ägyptische Kirchen und Klöster bereist und bedeutende koptische Heiligtümer und Artefakte dokumentiert. Die eindrucksvollen Aufnahmen der dabei entstandenen Sammlung zeugen von der tiefgreifenden und enigmatischen Verbindung zwischen den koptischen Gläubigen und ihren jahrhundertealten Traditionen und Ritualen – aber ebenso davon, welche Wandlungen diese angesichts der heutigen Massen- und Konsumkultur durchlaufen. Plastic Jesus ist eine Hommage an die Kraft des Fantastischen und eine empathische Auseinandersetzung mit gelebter Spiritualität und ihrem materiellen Ausdruck. In diesem Kontext entfaltet sich der Glaube an die kleinen und großen Wunder des Alltags, der weit über Religion im herkömmlichen Sinn hinausweist.
ISBN 978-3-7356-1022-5
ISBN 978-3-7356-1022-5
ca. 26,00 € (DE)
From 2006 to 2023, the Russian-Swedish photographer and curator Xenia Nikolskaya traveled to Egyptian churches and monasteries documenting noteworthy Coptic artifacts and holy relics. The impressive images in the collection bear witness to the profound and enigmatic connection between Coptic believers and their centuries-old traditions and rituals—but also to the changes they are undergoing in the face of today’s mass consumerist culture. Plastic Jesus is both a tribute to the power of the fantastical and an empathetic examination of lived spirituality and its material expression. In this context, faith is revealed in everyday wonders, large and small, that transcend religion in the conventional sense.
Texte von Judith Gellér, Milos Kallai, Domonkos Németh, Ákos Polgárdi, Andi Schmied, Liza Szabó
Design von Karen Tozzi
Nach Jahrzehnten relativer Einigkeit lässt sich in Europa wieder eine verstärkte Hinwendung zu Nationalismus und Illiberalismus ausmachen. „Die Vergangenheit ist nie tot“, schrieb William Faulkner, „sie ist nicht einmal vergangen.“ Ähnlich wie tektonische Platten verschieben sich Wahrnehmungen, ohne dass wir es bemerken. Erst wenn die daraus resultierenden Spannungen ausbrechen, bemerken wir die neuen Realitäten. Die Seele eines Landes o!enbart sich jedoch auf viel größeren Zeitskalen. In Fault Lines beschäftigt sich Jörg Colberg mit Hintergründen und Auswirkungen jener Prozesse in Ungarn, nachdem die autoritäre Umformung von Staat und Gesellschaft dort seit mehr als einem Jahrzehnt ohne Rücksicht auf Verluste betrieben wird.
ISBN 978-3-7356-1000-3
ISBN 978-3-7356-1000-3
32,00 € (DE)
Following decades of relative unity, Europe is once again seeing an intensification of nationalism and illiberalism. “The past is never dead,” wrote William Faulkner, “it’s not even past.” Like tectonic plates, perceptions shift without us realizing it. Only when the resulting tensions erupt do we notice the new reality. The soul of a country, however, reveals itself along far more expansive time scales. In Fault Lines, Jörg Colberg examines the origins and e!ects of such processes in Hungary, where the authoritarian transformation of state and society has been underway for more than a decade without regard for losses.
Lyrische Fotografien, postromantische Landschaften
Poetic Photographs, Postromantic Landscapes
Elger Esser Die engen Wasser
September 2024
Hardcover, 120 Seiten
23 × 16,8 cm, DE 63 farbige Abbildungen
Herausgegeben von Ute Bopp-Schumacher, Dr.-HannsSimon-Stiftung, Neue Galerie, Haus Beda, Bitburg
Texte von Ute Bopp-Schumacher, Julian Gracq, Stephanie Kaak
Design von Monika Malsy, Düsseldorf
Ausstellung
→&07.09.2024–12.01.2025 Elger Esser.
Die engen Wasser Neue Galerie, Haus Beda, Bitburg
Elger Esser (* 1967) arbeitet hauptsächlich im Medium der Fotografie und ist einer der wichtigsten Vertreter der Düsseldorfer Becher-Schule. Schon früh beschäftigte er sich mit historischer Landschaftsfotografie, die sein Werk bis heute maßgeblich prägt. Die analogen Aufnahmen, die er später nachbearbeitet, entstehen meist am Meer oder an Flüssen, vor allem in Frankreich. Häufig dominieren mächtige Himmelsformationen das Bild. In Die engen Wasser werden über sechzig Darstellungen von Flusslandschaften präsentiert, die Esser in den letzten 25 Jahren gescha!en hat. Immer wieder folgt der Künstler dabei den literarischen Spuren berühmter Schriftsteller wie Proust, Maupassant und Flaubert. Einige Bilder zeigen die Èvre, einen Nebenfluss der Loire, den der französische Schriftsteller Julien Gracq (1910–2007) in seinem gleichnamigen Band Die engen Wasser beschreibt. Einzelne Passagen des Literaten werden Essers postromantischen Landschaftsbildern gegenübergestellt.
ISBN 978-3-7356-1005-8
ISBN 978-3-7356-1005-8
35,00 € (DE)
Elger Esser (b. 1967) works mainly in the medium of photography and is one of the most important members of the Becher School from Düsseldorf. Early in his career, he started exploring historic landscape photography, which has continued to have a huge influence on his work. For the most part, the analogue images that he subsequently subjects to further processing are taken near the sea or rivers, most of them in France. Often, his images are dominated by imposing cloud formations. The volume Elger Esser: Die engen Wasser presents more than sixty depictions of river landscapes created by Esser over the last twenty-five years. Again and again, the artist traces the literary trail of famous writers such as Proust, Maupassant, and Flaubert. Several of the images show the Èvre, a tributary of the Loire, which the French author Julien Gracq (1910 2007) described in his essay collection Die engen Wasser. Selected passages from his writings are presented alongside Essers’s postromantic landscapes.
Ballett auf der Baustelle
Ballet Meets Construction Site
STATION STUTTGART
November 2024
Softcover, 240 Seiten 24 × 34 cm, DE | EN 108 farbige Abbildungen 11 s/w- Abbildungen
Herausgegeben von Dennis Orel & Orel Communication
Texte von Bahnprojekt Stuttgart–Ulm, Ed. Züblin AG, Stuttgarter Ballett, Orel Communication
Design von Orel Communication, Stuttgart
In Station Stuttgart wird die faszinierende Verbindung zwischen der beeindruckenden Architektur des neuen Hauptbahnhofs und der Kunst des Stuttgarter Balletts lebendig. An einem grauen Novembernachmittag entstand auf der Baustelle ein einzigartiges Bühnenbild: ein unvollendetes Gleisbett und eine majestätische Halle, die mit ihren Kelchstützen und Lichtaugen an die Erhabenheit einer Kathedrale erinnert. Der renommierte Fotograf Dennis Orel hat es gescha!t, die begnadeten Tänzer*innen des Stuttgarter Balletts in dieser außergewöhnlichen Umgebung in Szene zu setzen. Ihre eleganten Posen und die architektonische Komplexität des Bauwerks verschmelzen dabei zu einem eindrucksvollen Gesamtkunstwerk. Station Stuttgart dokumentiert nicht nur den kreativen Prozess, sondern auch die unermüdliche Hingabe aller Beteiligten, die in harmonischer Zusammenarbeit eine beeindruckende Verbindung von Tanz und Architektur gescha!en haben. Die Publikation lädt dazu ein, die Schönheit und den Zauber dieser einzigartigen Inszenierung zu entdecken.
The fascinating connection between the impressive architecture of Stuttgart’s new main train station and the art of the Stuttgart Ballet comes to life in Station Stuttgart. On a gray November afternoon, a unique stage set was created on the construction site: an unfinished track bed and a majestic hall, which, with its chalice columns and skylights, evokes the grandeur of a cathedral.
ISBN 978-3-7356-1016-4
ISBN 978-3-7356-1016-4 45,00 € (DE)
Renowned photographer Dennis Orel captured the gifted dancers of the Stuttgart Ballet in this extraordinary setting. Their elegant poses and the architectural complexity of the structure merge to create a striking work of art. Station Stuttgart documents not only the creative process but also the tireless dedication of all those involved, who, in harmonious collaboration, created an impressive marriage of dance and architecture. This publication invites the reader to discover the beauty and magic of this one-of-a-kind production.
Menschen im Ukrainekrieg People in the Ukraine War
Alexander Chekmenev Faces of War
September 2024
Hardcover, 232 Seiten
21 × 28 cm, EN
81 farbige Abbildungen
28 s/w-Abbildungen
Herausgegeben von Galerie Clara Maria Sels
Texte von C. J. Chivers, Oleksandra Osadcha, Donald Weber
Design von Bärbel Maxisch, BÜRO211, Düsseldorf
Seit den 1990er-Jahren dokumentiert Alexander Chekmenev (* 1969) das Leben in der Ukraine. Seine Arbeiten wurden in der New York Times, dem TIME Magazine, in The Guardian und vielen anderen internationalen Zeitungen und Zeitschriften verö!entlicht. In Faces of War widmet er sich dem Leben der ukrainischen Bevölkerung und den individuellen Schicksalen in Folge des russischen Angri!skrieges. Mit großer Sensibilität porträtiert Chekmenev jene, die dem Krieg im Alltag trotzen, die sich in provisorischen Volksküchen engagieren, sich in U-Bahn-Schächten vor den anhaltenden Angri!en zu schützen versuchen oder aktiv zur Versorgung der Mitmenschen beitragen. Seine ausdrucksstarken Fotografien entstehen in der Dunkelheit. Ausschließlich mit einer Taschenlampe beleuchtet der Fotograf das Gesicht und die Hände der Porträtierten. Während im dunklen Hintergrund die Schatten des Krieges und seiner Folgen erahnt werden können, wird deutlich, dass es Chekmenev stets um das individuelle Schicksal und die Würde jedes einzelnen Menschen geht.
ISBN 978-3-7356-1006-5
ISBN 978-3-7356-1006-5
45,00 € (DE)
Alexander Chekmenev (b. 1969) has been documenting life in Ukraine since the 1990s. His work has been featured in The New York Times, TIME Magazine, The Guardian, and many other international newspapers and magazines. In Faces of War, he focuses on the lives of the Ukrainian people and the fate of individual members of the population in the face of the Russian war of aggression. With a profound sensitivity, Chekmenev portrays people braving the war as everyday life goes on, working in makeshift soup kitchens, seeking shelter from the ongoing attacks in subway tunnels, or actively trying to help their fellow human beings. These emotive images are taken in the dark; the photographer illuminates the faces and hands of his subjects using only a flashlight. While the shadows of war and its consequences can be glimpsed in the dark background, it is clear that Chekmenev is always concerned with the individual fate and dignity of each person.
Sustainable Transformations of Historical Structures
Im Bestand Elisabeth Rüthnick
April 2025
Hardcover, 200 Seiten
24 × 28 cm, DE
Herausgegeben von Jürgen Tietz
Texte von Jürgen Tietz, Ayhan Ayrilmaz
Design von Jenna Gesse, Berlin
ISBN 978-3-7356-1024-9
ca. 48,00 € (DE)
Elisabeth Rüthnick hat mit ihrem Werk einen wichtigen Beitrag für das Bauen im Bestand geleistet – eine der zentralen Herausforderungen der aktuellen Bauwende. Im Bestand dokumentiert anhand Rüthnicks Arbeit der letzten drei Jahrzehnte, wie ein respektvoller Umgang mit historischer Bausubstanz und dessen zukunftsweisende Weiterentwicklung harmonieren. Die rund fünfzig Projekte aus Berlin und Potsdam, die im Buch ausführlich vorgestellt werden, zeugen von ihrer Fähigkeit, architektonische Eingri!e im Bestand feinfühlig und zugleich selbstbewusst und klar ablesbar zu gestalten. Ihre moderne Architektursprache tritt dabei in Material und Farbe in einen Dialog mit der historischen Substanz und scha!t so neue, kraftvolle Einheiten. Im Gespräch mit dem Architekturkritiker Jürgen Tietz erläutert Rüthnick ihren konzeptionellen Ansatz und ihr vorbildliches Werkzeug für das Bauen im Bestand. Ein unverzichtbares Werk für Architekt*innen und Kulturinteressierte, die sich für die Zukunft des Bauens begeistern.
Through her work, Elisabeth Rüthnick has made an important contribution to construction within the existing structure of a building—one of the key challenges of the current construction revolution. The book Im Bestand Elisabeth Rüthnick documents this architect's work from the last three decades to document how a respectful approach to historical building fabric can be harmonized with innovative structural development. Around fifty projects from Berlin and Potsdam, which are presented in detail in the book, are testimony to her ability to design architectural interventions in existing buildings that are sensitive yet self-confident and clearly identifiable. Their modern architectural language enters into a dialogue with the historical substance in terms of material and color to create a powerful new whole. In an interview with the architectural critic Jürgen Tietz, Rüthnick explains her conceptual approach and her exemplary skill for building in existing structures. This is essential reading for architects and those interested in culture with a passion for the future of construction.
CULTURE & ARCHITECTURE
Sammlung und Forschungsgeschichte der Frobenius-Expedition nach Nordwestaustralien (1938–1939)
The Collection and the Research History of the Frobenius Expedition to North West Australia (1938 39)
Country bin pull’em Ein gemeinsamer Blick zurück
Februar 2025
Klappenbroschur, 256 Seiten 16,8 × 23 cm, DE | EN ca. 150 farbige Abbildungen
Herausgegeben von Matthias Claudius Hofmann, Richard Kuba, Christina Henneke und Isabel Kreuder, Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main
Texte von Michaela Appel, Rona Charles, Kim Doohan, Christina Henneke, Matthias Claudius Hofmann, Isabel Kreuder, Richard Kuba, Matthew Martin, Lloyd Nulgit, Pete O’Connor, Martin Porr, Eva Ch. Raabe, John Rastus, Anthony Redmond, Sally Treloyn und Leah Umbagai
Design von U9. Visuelle Allianz, O+enbach am Main
Ausstellung
→&01.11.2024–31.08.2025 Country bin pull’em. Ein gemeinsamer Blick zurück Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main
Gemeinsam mit den indigenen Gemeinschaften der Wanjina Wunggurr –den Ngarinyin, Worrorra und Wunambal – richten wir den Blick zurück auf die Frobenius-Expedition (1938–1939) in die Kimberley-Region Nordwestaustraliens. Durchgeführt vom damaligen Institut für Kulturmorphologie und dem Völkermuseum der Stadt Frankfurt (heute: Frobenius-Institut und Weltkulturen Museum) war es die erste umfassende ethnografische Forschungsreise in eine Region, die bis heute durch eine lebendige Felsbildtradition geprägt ist. Die Publikation zur gleichnamigen Ausstellung ist das Ergebnis der gemeinsamen Auseinandersetzung mit der Forschungsgeschichte der Expedition sowie mit aktuellen Interpretationen der damals erworbenen Sammlungen.
Together with the Indigenous communities of the Wanjina Wunggurr—comprising the Ngarinyin, Worrorra, and Wunambal peoples—we look back at the Frobenius Expedition to the Kimberley Region of North West Australia in 1938 39.
(DE) ISBN 978-3-7356-1026-3 (EN) ISBN 978-3-7356-1028-7 ca. 32,00 € (DE)
ISBN 978-3-7356-1026-3
Organized by the former Institute for Cultural Morphology and the Frankfurt Museum of Ethnology (today: the Frobenius Institute and the Weltkulturen Museum), it was the first comprehensive ethnographic research expedition to a region still today characterized by a vibrant rock art tradition. The publication accompanying the exhibition of the same name is the result of a joint exploration of the expedition’s research history and includes contemporary interpretations of the collections acquired at the time.
CULTURE & ARCHITECTURE
Für die, die schon alles von Walter Moers haben!
For True Collectors of Walter Moers’s Work!
Was gibt’s denn da zu lachen?
Die komische Kunst des WALTER MOERS
Vom Käpt’n Blaubär, dem Kleinen Arschloch und dem fantastischen Kontinent Zamonien
September 2024
Hardcover mit Schutzumschlag, 288 Seiten
22 × 28 cm, DE 118 farbige Abbildungen
231 s/w-Abbildungen
Herausgegeben von Christine Vogt
Texte von Lena Elster, Sarah Hülsewig, Gerrit Lungershausen, Leonie Neidert, Daniel Schranz, Martin Sonntag, Apostolos Tsalastras, Christine Vogt
Design von Uwe Eichholz, Eichholz Architektur Gestaltung, Aachen
Ausstellung
( 22.09.2024 – 19.01.2025
LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen
( 01.02.2025 – 15.06.2025 Caricatura Museum Frankfurt Museum für komische Kunst
Als geniales Doppeltalent, als zeichnender Autor oder schreibender Zeichner, hat Walter Moers wie kein anderer in Deutschland allseits bekannte Figuren erdacht und mit Witz und Tiefsinn ihre Geschichten erzählt. Der Seemannsgarn spinnende Käpt’n Blaubär, dessen Lügengeschichten bis heute nicht nur Kinder amüsieren; der tiefschwarze Humor, den die Comic-Kult-Figur der 1990er-Jahre, das politisch vollkommen unkorrekte Kleine Arschloch versprüht oder der fantastische Kontinent Zamonien, den Moers mit Leichtigkeit und skurrilem Witz um sein Alter Ego Hildegunst von Mythenmetz entstehen lässt – Moers’ Werk ist ein Kosmos der komischen Kunst, wie es ihn kein zweites Mal gibt. Mit zahlreichen Originalzeichnungen lädt dieser Band zu einer fabelhaften Entdeckungsreise ein, die neben wohlvertrauten auch frische Einblicke in die bunte Figurenwelt des Künstlers bietet.
ISBN 978-3-7356-1004-1
ISBN 978-3-7356-1004-1
43,00 € (DE)
A brilliant dual talent—an author who draws and an illustrator who writes— Walter Moers has created well-known characters and told their stories with humor and depth like no other in Germany. Moers’s work is a truly unique cosmos of comic art—be it the yarn-spinning “Captain Bluebear,” whose tall tales amuse young and old alike; or the jet-black humor of the utterly politically incorrect “Kleine Arschloch” (literally, “Little Asshole”), a cult comic figure from the 1990s; or the wondrous continent of Zamonia, which Moers builds with ease and bizarre wit around his alter ego, “Hildegunst von Mythenmetz.” With numerous original drawings, this volume takes the reader on a fantastical voyage of discovery, o!ering both familiar and fresh insights into the artist’s colorful world of characters.
Milli Bau
Seidenstraße/Silk Road. 1956–1974
Herausgegeben von Julica Norouzi
Hardcover, 216 Seiten
22,5 . 29 cm, DE | EN 215 s/w-Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0389-0 40,00 € (DE)
Christo and Jeanne-Claude Projects 1963–2020
Herausgegeben von Deutsche Bank AG / PalaisPopulaire
Softcover, 176 Seiten 19,5 × 23,5 cm, DE | EN 48 farbige, 14 s/w-Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0649-5 29,95 € (DE)
Bauhaus Dessau Die Sammlung
Herausgegeben von Stiftung Bauhaus Dessau
Hardcover, 520 Seiten 21 × 29,7 cm, DE 456 farbige, 88 s/w-Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0558-0 39,00 € (DE)
Bauhaus und die Fotografie Zum Neuen Sehen in der Gegenwartskunst
Herausgegeben von Corina Gertz, Christoph Schaden und Kris Scholz
Hardcover, gebunden, 264 Seiten 24 × 31 cm, DE | EN 90 farbige, 50 s/w-Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0547-4 58,00 € (DE)
Frank Stella
Alexej-von-Jawlensky-Preis 2022
Herausgegeben von Jörg Daur, Museum Wiesbaden
Hardcover, 144 Seiten
24 × 29 cm, DE | EN 59 farbige, 2 s/w-Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0873-4 48,00 € (DE)
Helmut Middendorf
Berlin SO 36 Revisited
Herausgegeben von Kerber Verlag
Hardcover, 302 Seiten 24 × 31 cm, DE | EN 178 farbige, 45 s/w-Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0906-9 68,00 € (DE)
Femme Fatale Blick – Macht – Gender
Herausgegeben von Markus Bertsch Hamburger Kunsthalle, Stiftung Ö+entlichen Rechts
Hardcover, 392 Seiten 22 × 27 cm, DE 296 farbige Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0879-6 55,00 € (DE)
Barbara Klemm Hölderlins Orte, Fotografien von Barbara Klemm
Herausgegeben von Sandra Potsch, Wiebke Ratzeburg
Hardcover, 128 Seiten 19 × 25 cm, DE 43 duplex Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0658-7 24,00 € (DE)
Mitra Tabrizian o+ screen
Hardcover, 112 Seiten
29 . 25 cm, EN 64 farbige Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0613-6 40,00 € (DE)
Axel Grünewald Bankett
Hardcover mit Halbleineneinband
180 Seiten
25 × 30,5 cm, DE | EN 92 farbige Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0532-0 55,00 € (DE)
Tobias Kruse Material
Herausgegeben von Tobias Kruse, Betty Fink
Softcover, 216 Seiten 17 × 24 cm, DE | EN 137 farbige Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0497-2 30,00 € (DE)
Eva Kotátková Experiment für sieben Körperteile
Herausgegeben von Johan Holten
broschiert, im Schuber
31 lose Karten im Schuber, 31 Seiten 17 × 24 cm, DE | EN 27 farbige Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0061-5 25,00 € (DE)
Jonas Dahlström 07:27:47
Hardcover, 160 Seiten
24 . 24 cm, SE | EN
76 duplex Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0687-7 38,00 € (DE)
Jana Sophia Nolle Livin Room: San Francisco 2017/2018
Hardcover, 64 Seiten
30 × 28 cm, EN 42 farbige Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0705-8 48,00 € (DE)
Elisabeth Erdmann-Macke Tagebücher 1905–1948
Herausgegeben von Margarethe Jochimsen, Hildegard Reinhardt
Hardcover mit eingelegter CD, 632 Seiten 17 × 24 cm, DE 30 farbige und 70 s/w-Abbildungen
ISBN 978-3-7356-0664-8 39,90 € (DE)
Erworben · Besessen · Vertan Dokumentation zur Restitution von Ernst Ludwig Kirchners Berliner Straßenszene
Herausgegeben von Ludwig von Pufendorf für den Fördererkreis Brücke-Museum
Hardcover, 264 Seiten
24 × 28,5 cm, DE 98 farbige und 42 s/w-Abbildungen
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