N° 1
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D I R E C T O R I O DIRECTORIO
Director Director General General •Leonardo •Leonardo Valencia Valencia Leon.val@Prozac.com Leon.val@Prozac.com -Editor -Editor en Jefe en Jefe •Jorge •Jorge SotoSoto JorgeSot@Prozac.com JorgeSot@Prozac.com
EDITORIAL EDITORIAL
Corrección Corrección de Estilo de Estilo •Francisco •Francisco Navarrete Navarrete FranNava@Prozac.com FranNava@Prozac.com
Prozac Prozac es un esantidepresivo un antidepresivo literario literario que que nos nos muestra muestra dis- distintos tintos aspectos aspectos culturales culturales predominando predominando la música, la música, La música La música es un esliberador un liberador de endorfinas, de endorfinas, lo que lo que la hace la hace un antidepresivo un antidepresivo natural. natural. EstaEsta revista revista no trata no trata de cambiar de cambiar la mentalidad la mentalidad de nadie de nadie solosolo mostrar mostrar lo mas lo mas reciente reciente en música, en música, arte,arte, cinecine y demás y demás cosas cosas siempre siempre con con un tono un tono entre entre depresivo depresivo y entusiasta, y entusiasta, si si somos somos algoalgo bipolares bipolares peropero eso eso es loesque lo que nos nos da equilibrio. da equilibrio. la la música música el arte, el arte, la moda la moda el cine el cine y cualquier y cualquier cosacosa extraña extraña que que se se nos ocurra nos ocurra converge converge de una de una forma forma casi casi sobrenatural. sobrenatural. PROZAC PROZAC se encargara se encargara de doparte de doparte y hacerte y hacerte olvidar olvidar tus dolencias tus dolencias mienmientras tras lees lees cadacada articulo, articulo, entrevista, entrevista, reseña reseña o escuchas o escuchas alguna alguna de de nuestras nuestras recomendaciones recomendaciones musicales. musicales. Prozac prozac es perfecta es perfecta parapara una una noche noche tranquila, tranquila, parapara un día un soleado, día soleado, parapara una una tardetarde de de luvia, luvia, básicamente básicamente siempre siempre es bueno es bueno olvidarse olvidarse del ajetreo del ajetreo en en el que el que vivimos vivimos y darnos y darnos un respiro. un respiro. Lee Lee prozac, prozac, te aseguramos te aseguramos que que no tenoarrepentirás te arrepentirás El ISSUE El ISSUE de este de este número número es elesShoegaze, el Shoegaze, esa música esa música que que nació nació en los en 90’s los 90’s peropero siguesigue repercutiendo repercutiendo a la afecha, la fecha, su insu influencia fluencia marco marco a la generación a la generación Y, deprimió Y, deprimió a muchos a muchos jóvenes jóvenes en sus en habitaciones sus habitaciones y también y también los hizo los hizo explotar explotar en euforia en euforia al al escuchar escuchar esosesos poderosos poderosos riffs.riffs. El shoegaze El shoegaze en un enclaro un claro ejemplo ejemplo de depresión de depresión y energía y energía algoalgo que que va perfectamente va perfectamente con con PROZAC, PROZAC, letras letras deprimentes deprimentes y pesimistas y pesimistas peropero acompañadas acompañadas de melodías de melodías que que a veces a veces nos nos ponepone en jaque en jaque y noysabemos no sabemos si sentirnos si sentirnos derrotados derrotados o recono reconfortados fortados pro su prosonido su sonido
Coordinación Coordinación de Moda de Moda •Cristobal •Cristobal Vazquez Vazquez CrisVaz@Prozac.com CrisVaz@Prozac.com
Leonardo Leonardo Valencia Vaencia Director Director general general
Publicista Publicista •Luis•Luis Aguilar Aguilar LuisAg@Prozac.com LuisAg@Prozac.com Dirección Dirección de Arte de Arte •Paola •Paola Benitez Benitez PaolaBen@Prozac.com PaolaBen@Prozac.com Diseño Diseño Gráfico Gráfico •Dylan •Dylan GarayGaray DylanGar@Prozac.com DylanGar@Prozac.com Editor Editor WebWeb •Sandra •Sandra Nieves Nieves SandNie@Prozac.com SandNie@Prozac.com Coordinadora Coordinadora Comercial Comercial •Gloria •Gloria Laguna Laguna GloriaLag@Prozac.com GloriaLag@Prozac.com
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“MY ESCENCE IS MY OFFENSE” 5
Contenido B
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BRAND NEW
Brand/New Ø
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a música nos hace vibrar y nos pone la piel de gallina la música nos levanta o tira el animo la música es algo sin lo que muchos no podríamos vivir, son emociones sensaciones, sabores y recuerdos. A continuación te presentamos una serie de discos, los mejores de los últimos años cada uno en sus respectivo genero, marco época, aquí te presentamos una recopilación y te invitamos a que los escuches si es que no los has oído, y si ya los conoces siempre es bueno revivir recuerdos y conocer lo nuevo de tus bandas favoritas.
Sun Structures Temples
Atlas
Salad Days
To Be Kind Swans
7.5
MacDeMarco
8.0
Here & Nowhere Else
Real Estate
7.6
8.3
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Cloud Nothings
7.9
What Is This Heart? H.T.D.W
8.5
Era Extraña Neon Indian
Bloom
Beach House
III
8.7
9.2
I Never Learn Lykke Li
9.6
Crystal Castles
8.9
9.3
Joyland Trust
Reflektor
Arcade Fire
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9.7
Bankrupt! Phoenix
México GusGus
Vulnicura Björk
9.0
9.5
9.8
ECLECTIK
The Life is Creepy And Bizarre... Ectoplasma:
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s un fluido etérico semimaterial que supuestamente emana de los médiums durante el trance. Estos detallan que cuando el ectoplasma se produce (en general) baja la temperatura del lugar. Posee un olor característico y es frío al tacto. Afirman que suelen poseer funciones fisiológicas como pulso, tensión arterial, temperatura corporal y respiración, todo ello medible y asimilable a los valores normales del ser humano. El médium, durante la supuesta producción, afirma que experimenta (o registra) una disminución de masa; la cual es recuperada una vez que ha absorbido de nuevo el ectoplasma. Una sustracción con fines de análisis científico infligiría al médium un supuesto “intolerable sufrimiento”. Se le suele llamar Teleplasma o ectoplasma, una característica es su forma de “gasa”, que puede llevar a la confusión entre un engaño y su formación natural. Se descubrió que esta sustancia estaría compuesta por diferentes células adiposas y grasas. Otra característica es que se dice que podría tomar muchas formas, tanto elásticas, hasta duras, produciendo los raps (golpeteos).
Masacre en el paso Dyatlov:
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l incidente que tuvo lugar en el paso Dyatlov. El día 2 de febrero de 1959 un grupo de excursionistas vivió la noche más terrible de sus vidas; acabando con su muerte en extrañas circunstancias. Este horrible suceso se sustenta por las filmaciones y fotografías encontradas en sus tiendas de campaña.Las huellas de la fotografía son las que se usaron para seguir el rastro del grupo, conducían hacía el árbol dónde aparecieron los dos primeros cadáveres. Se les llama “huellas en columna”, una vez prensada la nieve, la huella se congela y al soplar viento que arrastra el polvo de nieve que las rodea, quedan estas curiosas formaciones, que son las que tuvieron en cuenta para localizarlos. Son las huellas de un grupo de ocho a nueve personas, caminan juntas aunque en algunos tramos alguien se desvía del grupo y vuelve a unirse más adelante. Son huellas antiguas, muy diferentes de las que podrían dejar los equipos de rescate. Pocos de los pies llevan zapatos y la dirección coincide con la posición de los cuerpos.
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Incidente Max Headroom:
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l Incidente Max Headroom fue una intrusión de la señal de televisión que tuvo lugar en el estado de Illinois, en la noche del 22 de noviembre de 1987. Es un ejemplo de lo que se conoce en el negocio de la televisión como intrusión de emisión de la señal. El intruso logró interrumpir dos estaciones de televisión abierta en el transcurso de tres horas. Ni el secuestrador ni los cómplices han sido hallados o identificados. Alrededor de las 23:15, durante una emisión de Doctor Who, la señal de la estación fue suspendida esta vez con audio distorsionado. La persona con la máscara de Max Headroom apareció como antes, esta vez diciendo: “Él es un maldito nerd”, luego se ríe, “Sí, creo que soy mejor que Chuck Swirsky. Maldito liberal”. El hombre no identificado continuó para decir frases aleatorias sin relación alguna, incluyendo el lema publicitario de New Coke, “Catch the Wave”, mientras sostenía una lata de Pepsi (Max Headroom era un portavoz de Coca Cola en ese momento).
El Carnicero de Milwaukee
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effrey Dahmer, apodado El Carnicero de Milwaukee, fue un asesino en serie responsable de la muerte de 17 hombres y chicos entre 1978 y 1991. Es conocido no sólo por la cantidad de personas que asesinó, sino también por practicar la necrofilia y el canibalismo. Su táctica era siempre similar, los invitaba a ver pornografía o a sacarse unas fotos, les ponía una droga en la bebida, los estrangulaba, tenía sexo, y se masturbaba encima del cuerpo. Luego tomaba fotografías del cuerpo y de cada etapa del desmembramiento. Solía utilizar ácidos para deshacer la carne y los huesos, pero solía conservar la cabeza y los genitales como trofeo. Otra de sus características era comerse parte de sus víctimas, le daba la sensación de que empezaban a formar parte de él.Dahmer quería tener control sobre sus víctimas, y su intención al realizar las trepanaciones era convertirlos en una especie de “zombies”.
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CARTELERA
CARTELERA MAYO - JUNIO
Música
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Mayo
SALA Ciudad de México
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Mayo
Auditorio Blackberry Ciudad de México
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Mayo
Centro Dinámico Pegaso Toluca, Estado de México
Junio
Pepsi Centre WTC Ciudad de México
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Mayo
Bares de la Roma Ciudad de México
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Junio
Hotel Castillos del Mar Carretera Libre Tijuana
Cine
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Mayo
52 Martes Sophie Hyde
Junio
Insรณlitos peces gato Claudia Sainte-Luce
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Junio
Jurassic World Colin Trevorrow
Junio
Ahora o nunca Maria Ripoll
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Mayo
Tomorrowland. Brad Bird
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Junio
Child 44 Daniel Espinosa
FILMEK
Air doll Hirokazu Kore-eda, Japรณn, 2009
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Tratan de conciliar sus vidas mediante la búsqueda de una explicación que de sentido a algo que no lo tiene.
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n Air Doll, los personajes aparecen expuestos bajo la misma sensación de concavidad existencial pero aquí solo está apuntado, no forma el desarrollo narrativo que sustenta el relato. Ya que Kore-eda perfila las formas leves de una fantasía sublimada. Junto a unos personajes dolidos por un surco que desgarra su existencia, el recuerdo y la memoria, sumado a complejas relaciones Air dollfamiliares, suelen darse cita en su cine mediante flashbacks introspectivos. Air doll, parte de un rol que solo tiene presente y todo un mundo nuevo que descubrir, pero los personajes que le rodean viven sumidos en el recuerdo. Su dueño la
utiliza como sustituta de su antigua novia. O el chico taciturno del videoclub está marcado por la muerte de su anterior pareja. Llegados a este punto, la película debe buena parte de su fortuna a su actriz principal que sabe flexibilizar la técnica del mimo para dar cuerpo a una muñeca. Su expresividad ajustada encaja en la sobriedad expositiva de Kore-eda y hay pequeños instantes donde la película se eleva del nivel del suelo (por ejemplo, la gota de agua que le da vida al inicio del film o esa idea de que necesitamos del otro para llenarnos de vida), celebrándose una primera mitad que consigue darnos esa sensación de liviandad, tal como
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si estuviésemos solo llenos de brisa, en símil comparación a Nozomi. Una cámara ligera que suele moverse de forma grácil, a través de panorámicas horizontales y travellings laterales, acompaña esa sensación que Nozomi sintetiza mediante el poema que recita, pero el efecto gaseoso se agota llegado a su segunda mitad y la glorificación poética se pierde. Una vez que la protagonista consigue su completa libertad, la película pierde su poder espumoso ya que se vuelve excesivamente errática, al tratar de cerrar trazos secundarios que posiblemente no lo necesitaban y el interés decae. pero a pesar de eso es una cinta muy bien lograda.
H O M O E R O T I C E L E C T R O N I C
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La sutileza del cuerpo...
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a música electrónica ha evolucionado a lo largo de la historia. Desde su nacimiento han aparecido muchas ramas y vertientes muy distintas entre sí y han demostrado marcar a cada generación que precede a la anterior, siempre con un modo particular y propio de cada una. La música electrónica o EDM como se le denomina actualmente es enorme y diversa, hay de todo para todos. La música en general siempre ha sido esencial en los movimientos que han surgido a lo largo de la historia y si bien lo que nos ocupa en esta ocasión es algo mucho mas pop y colorido si es parte de un movimiento contra-cultural. En cierta manera hablar de toda la música que ha estado presente en el movimiento gay es entrar en un camino basto y escabroso, podemos acotar de alguna forma, en esta ocasión hablaremos unicamente de la música electrónica homoerótica de la escena actual. Si bien hay grandes clásicos como Scissor Sisters entre otros. Últimamente han aparecido agrupaciones que valiéndose de los sintetizadores y de las luces de neón han cautivado a un publico especifico, no solo es el publico gay en si no a una gran variedad de publico ya que con un sonido bien logrado y una lírica, en algunos casos profunda que no solo habla de vivir la vida de fiesta si no; como en el caso de “My Offence” de Hercules & Love Affair, nos muestran una perspectiva de lucha, defender lo que uno es sin temor a ser juzgado. Precisamente En agosto, la banda generó cierta controversia con el lanzamiento del vídeo de esta Canción “My Offence”. Butler describió la canción como un examen de la reacción de la gente ante palabras tabú como lo es la palabra ‘Cunt’ y del incremento en la sociedad de la adulación, el enpoderamiento y la fuerza bruta. Hercules And Love Affair es una parada obligada en cuando a homoerotismo se refiere ya que desde su aparición hasta la fecha nos han brindado material exquisito. El nombre de Hércules & Love Affair hace referencia a Hércules y su “historia de amor” con Hylas. Según Butler, “[Hércules] quedado en la isla, en busca de su novio sólo pensé que era súper hermosa:. El hombre más
fuerte en la tierra en busca de su amor perdido, en su momento más vulnerable hombres fuertes pueden tener sentimientos fuertes.. Y pueden experimentar esos sentimientos y la experiencia del dolor y ser gay “ El homoerotismo no solo nos habla de la presencia de emociones eróticas o deseos sexuales hacia una persona del mismo sexo. Este concepto se puede entender también como una expresión artística de las artes visuales, la literatura y las artes escénicas, caracterizado por la representación del deseo emocional, frecuentemente involucrado con escenas sensuales o eróticas pero no totalmente explicitas si no insinuadas, la música cobra un papel fundamental ya que captura nuestros sentidos de una forma única nos encanta por el oído pero hace mover nuestro cuerpo. La electrónica homoerotica nos lleva a mas ya que no solo es lo que oímos también es lo que vemos podemos tomar de ejemplo a “SSION”, en sus presentaciones no solo se va a oír su música si no a deleitarse de todo el espectáculo que se manifiesta en el escenario luces y colores no es lo único que vemos si no ya algo mas teatral y simbólico. Otro ejemplo Son los brasileños de la Banda Uó quienes proyectan en escena un carnaval entero la música las luces los bailarines y al final del show todo se convierte en una enorme fiesta con papeles multicolor y jubilo a donde quiera que se mire. El Homoerotic electronic como quisimos titular este articulo nos lleva a darnos cuenta de el lado B, ver que no hay que ser explícitos y vulgares para ser totalmente sexuales y apasionantes, vídeos como el de “I Try To Talk To You” de Hercules and Love Affair nos muestran que la delicadeza llama mas que la obviedad. Con una coreografía impecable nos transmiten tantas cosas que nos mueven totalmente y nos ponen a pensar. John Grant fue el encargado de dar vda a este gran tema asi como “Liberty” en el que se trata el tema de ser VIH+, Andy dijo en una entrevista para el New York Times, ”Grant para mi es un heroe esa manera de enfrentar al mundo y quitarse los temores me parese realmente sorprendente, ser VH+ no es algo sencillo pero el lo hace ver como si lo fuera.”
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MUSIC
Ø “Soy un hombre gay y crecí con una cierta lucha y por eso, creo tener una historia que contar”
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ercules and Love Affair es un colectivo de música electrónica que por medio de un ritmo totalmente delirante ha logrado ganar un numeroso publico que gusta de las luces estroboscópicas y no de dejar de bailar en la pista Su música evoca los recuerdos más profundos del género Disco y hace una mezcla homogénea con sonidos tan bien logrados que los han colocado como una de las bandas más influyentes de la escena actual. Su fundador Andrew Butler genero un proyecto musical continuo, con un elenco rotativo de artistas y músicos del que han formado parte personajes como Anthony Hegarty, Nomi Ruiz , Kim Ann Foxman, y mas recientemente John Grand. Andrew Butler o mejor conocido como andy, nació y se crió en Denver, Colorado, y ha descrito que creció en un hogar violento sin modelos a seguir. Dio su primer DJ set a los quince años de edad, en un bar de Denver; “pasaba mucho tiempo en este sitio, hasta comencé a pincharme, necesitaba salir de la casa, prefería estar en el club a pasar una situación muy fea en casa. Encontré mucha libertad en el club nocturno
para expresarme y no ser juzgado tan duramente, soy un hombre gay y crecí con una cierta lucha “ Con su brillante debut homónimo, Butler y su elenco de colaboradores parecía que revivió una discoteca, pero integrarlo en un conjunto de influencias que cumplió con un ajuste y una visión grandiosa para los clubes de todo el mundo. 2011 vio el lanzamiento del segundo álbum de Hercules and Love Affair, Blue Songs, El título del álbum fue elegido por Butler a reflejar su “período azul” durante la adolescencia, antes de descubrir la existencia de personas de ideas afines a través de la música. El tercer álbum de la banda, The Feast of the Broken Heart fue lanzado en mayo de 2014. Al describir el álbum, Butler dijo que “quería basslines desagradables, tempestuoso, sonidos ardientes, ásperos, duros y harapientos. Yo no quería algo educado, quería canciones agresivas”. En un cambio consciente de los dos álbumes anteriores, que no hizo uso de la instrumentación orgánica. Al grabar las primeras canciones para el álbum, Butler había manifestado que esa formación constituye “el mejor conjunto de vocalistas que he tenido.”
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SSION Ø “Una atmósfera llena de oscuridad que se entre mezcla con sonidos vibrantes que te hacen mover los pies y no dejar de bailar”
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SION es un proyecto creativo multifacético encabezado por Cody Critcheloe. Comenzó como una banda de punk en Kentucky pero el proyecto evoluciono al cambar su sede a Nueva York y Los Ángeles. Trabajan con una lista rotativa de colaboradores, Ssion ha llevado la dirección de vídeos musicales para otros artistas notables, como los Yeah Yeah Yeahs “ Fever To Tell “, obras de encargo para Kylie Minogue, Peaches , Santigold , Perfume Genius , Lars y CSS entre otros. También dirige todos sus vídeos musicales y , más recientemente, la dirección de arte de “ Doing It “ vídeo de Charli XCX . Ssion en 2012 cosechó grandes cantidades de la atención internacional con su disco “Bent” y fue acompañado por vídeos musicales aclamados por la crítica para “My Love Grows in The Dark “ ,”Earthquake”, “Luvvbazaar” y “ High” - todo producido y dirigido por Critcheloe. Actualmente vive en la ciudad de Nueva York. El grupo musical se formó en Kansas City por el vocalista Cody Critcheloe . Ssion autoedito su primer disco “Fucked Into Oblivion” en 1999. En 2003 , hizo su label debut, liberando el EP “Minor Treat” y el álbum ”Opportunity Bless My Soul” en la Versión
City Records. En 2007, el grupo lanzó su álbum “Fools Gold” acompañado de “Clown”, un remix EP. El lanzamiento de su álbum “Bent” coincidió con la presentación de un performance que duro tres días en el MoMA. Critcheloe , es conocido por los espectáculos extravagantes que realiza con su banda en vivo. La esencia homosexual es algo que predomina en su estilo y estética, y se ha convertido en un referente dentro de la cultura gay, sus letras y sonidos nos transportan a un mundo lleno de colores pero rodeado de sombras sus mezcla musical tan oscura y ala vez tan homo erótica, es algo que lo ha caracterizado y lo ha hecho posicionarse como uno de los artistas mas reconocidos es la escena. Su primer largometraje titulado “ Boy “, fue lanzado en 2009 y financiado por Gran Artes, una organización artística sin fines de lucro de Kansas City, MO . Se presentó junto a obra e instalaciones como parte de una beca financiada por el Proyecto Peres en Los Ángeles y Berlín , el Museo de Smart en Chicago y La Galería Agujero en la ciudad de Nueva York. “Boy” se compone de vídeos colgados juntos para producir el gay , el punk equivalente roca de Forrest Gump .
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MUSIC
BANDA UÓ Ø “La estética parece algo fundamental ya que unen el sondo con la imagen que proyectan y de esta forma logran captar al público”
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anda Uó es una proyecto que inicio como una broma entre los amigos Davi Sabbag y Mateus Carrilho pero con el nombre de folk heart, todo comenzó con la grabación de un viaje a Pirenópolis ellos crearon un video clip que causo revuelo en Internet y por lo cual fueron llamados para hacer un puñado de shows en los festivales de Goiás como Bananada y el ruido Goiani. Esto llamo la atención de un contratista y les ofreció hacerlo algo más serio y real, en ese momento Mel Gonçalves, o Candy mel, no estaba en el primer video de Banda UO, que el contratista vio. Cuando fue filmado “Do not Wanna Know”, la cantante fue María Flora Silvestre. Carrilho dijo que no hubo un proceso de salida de flora. Desde que la banda se convirtió en “real”, el espacio estaba reservado para ella. “Mel simplemente no participar porque ese día no podía. Siempre he pensado que, si tuviéramos que hacer algo, sería con ella. La banda se fortaleció y siguió con una serie importante de presentaciones así como la grabación de su primer LP Motel, donde la agrupación mostró de lo que estaba echa llamando la atención del mismísimo Diplo.
Sus ritmos son muy pegajosos y peculiares y hacen a todo mundo mover los pies, Davi Sabbag nos hablo de lo complicado que fue en un principió el que los aceptaran para grabar algún material; “ A pesar del talento que teníamos siempre nos daban vueltas hasta que en una ocacon un hombre muy grosero nos djo como quieren que los promocionen s son un trio de maricones, ese dia me di cuenta de que algunas personas no ven mas alla de las aparcencias o preferencas y se dejan llevar por prejuicios tontos, cuando le conte a nuestro actual contratista esta experiencia se echo a reir y dijo pues que tontos dejaron ir a unos jóvenes talentosos por eses pensamiento tan retrograda.” Para la Banda Uó la estética parece algo fundamental ya que unen el sondo con la imagen que proyectan y de esta forma logran captar al público Pero por encima de todo, son artistas alegres, llenos de bullicio y ambiciones. No es de extrañar lo mucho que los quiere la gente en su país. La Banda UÓ llegara muy lejos y no se cansan de trabajar, siempre generando propuestas frescas y nuevas que hacen que el publico siga fiel a la música de el trío tecnobraga.
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PLASTIC
S L A M E N S KRAAM 2 0 1 4
Photography:RaphaelChatelain/ArtDirection:JamesCerne/Styling:KyleKupres,LiatShore/Models:JerrethLudvig,JohnKharalain/Clothing:Slamenskraam
ZUHAUSE
“La música de GusGus es como un romance intenso pero corto, de aquellos que te dejan marcados toda la vida, te elevan al cielo desde el primer beso”
ZUHAUSE
Do you remenber the day?...
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a música electrónica es un género universal que ha ido evolucionando; es un estilo de vida y hasta una forma de expresión. Uno de los proyectos más interesantes de éste visitará pronto nuestro país para presentar su más reciente álbum, Mexico. Hablamos de los islandeses GusGus. GusGus es una banda que ya tiene una larga trayectoria dentro de la escena electrónica en Islandia. Su capacidad para tejer sin esfuerzo combinaciones de techno, house y pop experimental, a la vez ha dado lugar a un impresionante catálogo de casi dos décadas y una estética sin concesiones que es claramente su propia cuenta. GusGus es una banda de Reykjavik, Islandia. Con una discografía de nueve álbumes de estudio; el más reciente en 2014, fueron fundados en 1995 y sigue vigentes a la fecha. La genialidad de Birgir Thorarinsson, Daniel Ágúst, Högni Egilsson y Stephan Stephensen se ve reflejada en la constante evolución plasmada en cada uno de sus discos, misma que logró que Arabian Horse fuera considerado uno de los mejores de su carrera. Su Frontman Daníel Ágúst Haraldsson es tan elegante y sutil al cantar y sorprende con esos movimientos que envidiaría cualquiera. GusGus es conciso, y va directo a la parte del cerebro que te hace bailar sin control. Se han dado varios cambios en su formación; actualmente consta de cuatro miembros (President Bongo, Biggi Veira, Urdur Hákonardóttir y Daniel Agust Haraldsson). “La idea de que la banda no tenga una formación fija nutre de una manera extraña el sonido de GusGus”. Después
del tercer álbum del grupo, Kjartansson y Árni Þorgeirsson decidieron formar una compañía de producción, conocida como Arni y Kinski, que ha producido anuncios y videos que fueron bastante galardonados. Algunos miembros antiguos como Hafdís Huld, Blake, y Daniel Agust han ido en solitario. Últimamente Daniel está de vuelta al Colectivo denominado “GusGus”. Su nombre se refiere a la película Todos nos llamamos Alí de Rainer Werner Fassbinder, donde el personaje de Emmi cocina cuscús para Alí, pero ella lo pronuncia suave y sensualmente gusgus. El sello que respalda la música siempre es un elemento importante, pues logra darle a cada proyecto su propia personalidad musical. “Kompakt es nuestra casa y Mayer nuestro amigo, nos queremos y nos encanta la música que cada uno hace; es una familia”. Es de esas bandas que desde que escuchas su primera pista no puedes parar de oírlos, esa variación de sonidos y combinación de géneros los hace tan diversos que es imposible que te hartes de ellos. La mezcla de voces de los distintos vocales te lleva de la mano por un recorrido de sensaciones que muy pocos podrían explicar es como si un hormigueo te recorriera los pies haciéndote bailar hasta cansarte. Gracias al internet podemos encontrar bandas o artistas de otras partes del globo con propuestas realmente admirables. Desde lo colectivo, hasta encontrar algo en solitario, como los proyectos individuales de quienes integran la agrupación islandesa.
Hope to see him again...
G
usGus lanzo recientemente su noveno álbum de estudio, llamado “México” un vibrante pop, impulsado, radiante. Nueve discos después, volvemos a encontrar esas piezas que rozan el tecno minimal, siempre tan cercano a su corazón, y la actitud revisionista que muchos artistas de la electrónica han adoptado recientemente. “Crossfade” es un sencillo que va a ser difícil superar, pero temas como “Obnoxiously Sexual” y “This is what You Get when you Mess with Love” tienen mucha dignidad. Este nuevo álbum de GusGus definitivamente no es mejor que el anterior, Arabian Horse (2011); una producción inteligente que los reinventó y les devolvió relevancia. Sin embargo, es un buen ejercicio de estilo y Mexico, al igual que nuestro país, tiene todo para ponerse de moda y ganarse la simpatía del público internacional. En este material los sonidos te envuelven al instante tienen una composición rítmica más pop y techno. Canciones como “Méxco” ó “Sustain” te introducen en una pista de baile pero otras como “Airwaves” ó “Another life” te sumergen en un mar congelado de sensaciones. El Establecer un tono juguetón al instante, es lo que hace México al inicio del mismo, nos ofrece una colección de canciones suaves, inteligentes, y hábilmente producidas, que combinan la sensibilidad pop de vanguardia con un encendedor emocional. Al parecer el acierto que ha tenido GusGus en casi dos décadas de trayectoria es que su sondo camba evoluciona si lo quieres ver así pero jamás ha perdido su esencia inicial, desde su primer dis-
co Polydistortion (1997) consiguieron marcar ese sonido tan de la época, beats inolvidables como el de “Polyesterday” tan tranquilo armonioso y que con una serie de bases rítmicas te rodeaban y te hacían sentir en las nubes. En su Predecesor; This Is Normal (1999) se notó un cambio pero aún así la esencia ya concebida no había muerto, el ritmo ya era más bailable ya no estaban tan en el trip hop y el techno solamente ya habían dado otro paso en el corredor, su sonido ligeramente más house pero sin perder esa base rítmica atmosférica. Attention (2002) fue el parte aguas, la década había terminado definitivamente, ya nada sería igual y una canción cono de la banda apareció; “David” canción que conjunta todo lo hecho anteriormente por la banda pero ya de una forma más concreta una base rítmica consecutiva, tan bailable, tan pegajosa y un video que para la generación que lo presencio en tiempo real fue icónico, era algo irónico el ritmo tan caluroso que transmitía y ese video en medio de la nieve, pero se compensaba con las escenas de los besos que nos mostraban tanta diversidad que si nos hacia subir un poco la temperatura. Un disco que fue casi hecho para una discoteca; Forever (2007) ya nos mostraba una enorme madurez en la banda, tanto as que se atrevieron a cambar bastante pero como lo dije anteriormente sin perder su esencia, “Sweet Smoke” con una voz tan femenina y aguda y una secuencia bastante bailable este disco podría ser el más bailable de toda su discografía. 24/7 (2009) su sonido cambia sino drásticamente pero si cambia mucho ya que lo bailable queda
Found another way...
un poco relegado y un ambiente oscuro se apodera de la pista temas como “Take me baby” nos hacen ver el cambio tan grande que hubo entre disco y disco creo que este es el disco en el que más se arriesgaron al cambiar el sonido, pero cancones como “Add this song” nos muestran que a pesar de ese sonido un poco menos bailable y más oscuro no hizo que se perderá la esencia. Arabian Horse (2011) la penúltima joya de corona fue lanzada y un sonido más concreto, se nota la experiencia y la aventura en el ritmo que se tuvo a lo largo de los años, se logra un equilibrio entre lo bailable y lo formal “Arabian Horse” es la muestra de esto un juego de voces himnotco una base rítmica que va evolucionando hasta que llega a un punto donde explota, si bien no es el mejor si nos hace ver que la madurez de GusGus llego y nos muestra que el futuro será esplendoroso. La música de GusGus es ecléctica, y aunque los clasifican principalmente como techno, triphop, se ha experimentado con muchos otros estilos. El grupo también ha remezclado a varios artistas famosos, como Björk, Depeche Mode, Moloko, y Sigur Rós. El nombre del grupo hace referencia a la película alemana de 1974 “Todos nos llamamos Alí” de Rainer Werner Fassbinder, ya que en una escena uno de los personajes femeninos está cocinando cuscús a su amante, lo cual se pronuncia Gus Gus. “Elegimos el nombre del disco pensándolo como un término abstracto basado en los sentimientos que genera. No está en contacto directo con el país, sino con el aura que circula en torno a
su nombre”, comentó Biggi Veira “México es un lugar bastante sobrenatural, y muy lejano. A parte había detrás de ello un significado intelectual. Nos parece un sitio mágico y desconocido hasta cierto punto y así es este material no lo terminas de conocer a la primera que lo escuchas necesitas muchas noches oyéndolo para acabar de comprenderlo del todo. No es necesariamente algo que podemos calificar de ninguna manera, pero nos parece algo muy interesante”. La banda considera como una referencia el sexo. Esto se hace presente en muchas de sus canciones, GusGus son de esas bandas perfectas a la hora del sexo te elevan de una manera tan eróticamente correcta que te hace vibrar y explotar de una forma jamás pensada, GusGus es una emoción desenfrenada y abominable que te carcome las entrañas pero te sana y purifica por dentro de esa música que te hace gritar y reír. Es como un romance intenso pero corto, de aquellos que te dejan marcados toda la vida, y aunque sientes que te pudieron haber dado más, cierras los ojos y haces un recuento, no tienes quejas, te elevaron al cielo desde el primer beso. Su música no solo se queda en eso, sus presentaciones en vivo son un boom total que te muele la cabeza no solo los beats retumban en tus oídos, también tus ojos son violados por una variación de visuales que te sacan de tu mundo y te meten en ese espacio llamado GusGus. “Nos gusta ser multifacéticos eso nos hace no aburrirnos de lo que hacemos y así poder dar todo nuestro potencial”
RETRO
{Shoegaze} shoegazing-el-arte-de-mirarse-los-zapatos
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ienso que dentro de las etiquetas en esto del rock, una de las más falsas y engañosas que existen es la del shoegaze. Ninguno de aquellos tipos eran introvertidos, ni tan siquiera eran huraños o insociables. Todos eran bastante ególatras, amigos unos de otros y entre ellos mismos generaron la escena. No había tampoco otra opción en el valle del Támesis, si querían comer de su música solo valía el ”uno para todos y todos para uno”. La escena que se celebraba a sí misma no se miraba a los zapatos, miraba a sus pedales, con los cuales creaban unas pantallas de sonido que en la mayoría de los casos impedían incluso entender lo que se decía. Tampoco importó mucho nunca, los balbuceos normalmente eran un instrumento más. Lo que se ocultaba tras aquellas miradas perdidas, embebidas en los suelos de todos los pubs del Reino Unido, no era otra cosa que el viejo sueño de las melodías pop perfectas pasadas por el filtro del ruido. Se acababan los 80 y el cambio de década parecía incierto en lo musical. Los últimos coletazos del noise pop traían a grupos que ya fantaseaban con ello de cierta manera, especialmente todos los que vendrían tras The Jesus and Mary Chain, que básicamente marcaron las pautas a seguir con Psychocandy (Blanco Y Negro, 1985), una brutal patada en la entrepierna, brillante y tremendamente inspirado, pero a la vez popero y con respeto por la tradición. Muros de feedback ahogando las letras, océanos de guitarras tapándose unas a otras. La gracia estaba en que esas sierras mecánicas de seis cuerdas tocaban estribillos entre los versos. Se había iniciado una nueva fórmula de expresión musical, basada en el desahogo a través del hedonismo y no por frustración. Era una hostia contra un mueble después de haberte golpeado contra la esquina mientras andabas por el pasillo de tu casa. Algo absurdo, estéril e inútil. Pero reparador. Mientras, en EEUU, se intentaba lo mismo pero a su manera. Sin poder quitarse el sabor del rock alternativo y del hardcore, eran Pixies, los Dinosaur Jr. o Sonic Youth algunos de los abanderados del movimiento, pero la visión británica era algo más sofisticada, en cuanto a contenido y continente, y no tenía nada que ver con aquellos otros. Sus oídos habían mamado las letras de Morrissey y las guitarras de Johnny Marr, habían absorbido los ecos y las voces femeninas que el ‘dream pop’ de Elizabeth Fraser mostraba en Cocteau Twins, Cranes o incluso de Siouxsie and the Banshees, y todo ello mezclado con drogas de diseño como Spacemen 3. El batiburrillo era tal que aquello parecía el chiste de ”con la de gente que había allí, hijo mío, lo que no sé es como no ladras”. Pero lo que realmente importa es el centro de todo esto, no el pasado ni el futuro. Los grupos que marcaron el ‘shoegazer’ y consiguieron darle sentido a todo este cóctel anteriormente mencionado. Todo ello sin levantar la mirada del suelo, claro está.
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“WHAT YOU WANT DON’T YOU KNOW THAT I CAN SMILE”
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MY BLOODY VALENTINE
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aralelamente a esto, en Londres, unos irlandeses fans de The Cramps estaban a punto de dar el paso que provocaría la eclosión definitiva. Kevin Shields, cabeza más visible del proyecto y amo y señor de facto sobre los derroteros musicales de su grupo, sufría un cambio drástico en su forma de concebir y crear melodías. Es posible que Shields fuese demasiado joven cuando comenzó con My Bloody Valentine, pero la madurez o la mismísima providencia le hicieron ser más una revolución que una evolución, el acuerdo que alcanzaron con Lazy Records para lanzar durante 1987 una tanda de EP’s memorables fue el empujón definitivo para que MBV cambiaran la historia de la música pop. En el primero, titu-
lado ”Sunny Sundae Smile”, encontramos un tweepop de lo más agradable, curioso cuanto menos que una banda pseudo gótica se desmarcase con estribillos sunshine y felicidad a espuertas, con su ya típico ruido blanco de fondo pero a un abismo todavía de su versión shoegazer. El segundo lanzamiento de la trilogía fue ”Strawberry Wine”, un ejercicio de jangle pop superlativo, donde la llegada de Bilinda Butcher y su nuevo rol como guitarrista y vocalista le permitió al grupo usar nuevos registros, acercarse mucho más al sonido C86, y empezar a usar trucos de pedales.Fue en el definitivo ”Ecstasy” donde ya con las ideas más claras y la formación ”clásica” conseguida, cerraron el circulo con un
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sonido continuista, el legendario culo inquieto de Shields le lleva a abandonar la idea original del noise pop y comienza a acercarse peligrosamente a la otra vertiente, al noise rock. Las guitarras que llegan desde América le ponen muy cachondo, y comienza a hacer suyas las afinaciones de Sonic Youth y Hüsker Dü. Una de las cosas que más le habían cautivado siempre era la manera en que las bandas de hardcore conseguían sonar tan melódicas pero tan duras y contundentes a la vez, y era esa dicotomía lo que le fascinaba más por aquel entonces. En ”Soft as Snow” (Relativity, 1988) y ”You Made Me Realise” (Creation, 1988) ya se adelantaban los tiros por donde iría el reborn de MBV con su segundo debut ”Isn’t
“ WHEN YOU SLEEP TOMORROW AND IT WON’T BE LONG ONCE IN A WHILE WHEN YOU MAKE ME SMILE”
Anything” (Creation, 1988). Aunque todavía estaban fusilando legado Mary Chain (”Slow”, sin ir más lejos) los verdaderos temazos como ”Feed Me With Your Kiss” o ”(When You Wake) You’re Still in a Dream” marcaban una nueva dirección. Quizá solo ”All I Need” dejó alguna vaga pista de lo que iba a convertirse el grupo en su segundo disco, pero en lineas generales ”Isn’t Anything”, pese a ser un disco maravilloso, se queda en tierra de nadie, ya que no recibió continuación directa ni tampoco venia apoyado por un cambio natural de sonido. Es tres años después, con la obra maestra absoluta del género, de la década y de la música en general que es Loveless (Creation, 1991) donde
ya MBV obtendrían su manera definitiva de entender el ruido, y que aun hoy (2013, mientras escribo estas líneas) sigue estando vigente en su ultimo lanzamiento hasta la fecha, ”m b v” (Autoeditado, 2013). Hablamos de un álbum que ha influido a cientos de bandas desde su salida, que te absorbe nada más oír el reprise de batería de ”Only Shallow”, que no es casualidad que suene tan parecido a ”Soft as Snow (But Warm Inside)”, y del cual se han escrito y dicho tantas cosas ya que es inútil intentar contar algo nuevo. Tras esto, MBV pasaron de discípulos a maestros, aunque no de la noche a la mañana. El seguimiento de la escena que se estaba cociendo por parte de revistas como Melody Maker o NME hicieron que
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Creation apostara muy fuerte por las bandas de su sello, esperando el canto de cisne de alguno de ellos para poder salvar la compañía. My Bloody Valentine marco una epoca y se corono como una de las bandas mas importantes dentro del shoegaze así como dentro de la música contemporánea en general. Nos brindo temas que se convirtieron en verdaderos himnos de una generación que adolescente noventero no derramo alguna lagrima al oír el loveless en un momento de desamor o que jovencita no anhelaba que le dijeran “tu eres lo que quiero”, My bloody valentine fue esa banda tan gris pero a la vez tan magenta que nos alegra un día o nos acompaño durante una tarde no muy buena.
“I WATCH YOU BURN SO FAST IT SCARES ME” ”
SLOWDIVE U
nos que sí recibieron, y merecidamente, toda la atención y éxito que su propuesta merecía fueron Slowdive seguramente unos de los dos o tres mejores grupos que se pudieron escuchar en los 90. Es verdad que ya venían a tiro hecho, que Creation estaba detrás de ellos y eso siempre daba un plus, y que su sonido fue una mejora de lo existente en lugar de una revolución como pudieron ser los otros, pero es que lo hicieron tan bien y con tanta clase que es imposible no meterlos en el podio. Si hablamos de Slowdive hablamos de ”Souvlaki” (Creation, 1993), a la postre la otra gran obra maestra junto al
Loveless de My Bloody Valentine. Aquí sí encontramos las atmósferas, los ecos, la sensación casi onírica de un viaje astral en todas y cada una de sus canciones, gracias también a la mano de Brian Eno en la producción. Pero resulta casi imposible pensar en que otro grupo pudiese haber creado semejante álbum. La versión más dream pop, uno de los discos con más personalidad de todos y seguramente el que más te araña los sentidos por dentro del cuerpo. La discografía entera de Beach House está basada en ”When the Sun Hits” de este álbum, de la misma manera que la de The Strokes lo está en ”Marquee Moon” de Television. Con los Oasis
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y compañía devorando todo lo que encontraban, Slowdive lo intentó con ”Pygmalion” (Creation, 1995), un cambio de registro hacia el ambient, pero ya era tarde y el shoegaze estaba herido de muerte.Llegados a este punto podemos ya sacar unas cuantas conclusiones, y haber retenido ya unos cuantos nombres. Si sumamos uno más uno, nos damos cuenta de que por ahora My Bloody Valentine y Slowdive son dos de los ganadores más ilustres, pero como en toda buena relación monogámica no hay dos sin tres y en este caso el tercero en discordia serian Ride.
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i con Loveless se alcanzó el techo en cuanto a las melodías pop a base de ruido y capas de guitarras, podríamos decir que Souvlaki fue la experiencia más cercana a soñar estando despierto. Si fuesen trillizos, el que faltaría sería ”Nowhere” (Creation, 1990), creando un empate técnico sin posibilidad alguna de ser resuelto. Sobre estos tres discos se construye el sonido shoegazer y ninguno de ellos tienen menos importancia que el otro. Con MBV ya pasando de todo y andando inmersos en esa búsqueda que han tardado 22 años en finalizar, y con Slowdive moviéndose en arenas movedizas con el ambient de Eno para intentar no desaparecer en el agujero negro que se estaba convirtiendo la fugaz etapa del shoegazer, fueron Ride los que tuvieron toda la cancha libre para jugar. No lo llegaron a aprovechar del todo, ya que pensándose los amos del cotarro renegaron de todo creyendo que si les salia mal la jugada siempre podrían volver a lo anterior. Era la moda, ¿no? ¿qué podía salir mal?, así que tiraron de brit para su segundo disco ”Going Blank Again” (Creation, 1992) y entre pan-
deretas y palmadas se les escapó la oportunidad. Cuando se dieron cuenta la gente ya no miraba al suelo, si no al cielo mientras tenían las manos en la espalda y el micro a la altura de los ojos, y tanto se perdieron en aquellas gafas de John Lennon que hasta Andy Bell sucumbió y acabó en Oasis tocando. Aprovechando que en Oxford había una creciente dualidad en cuanto al sonido, con los Ride por un lado usando a los Roses y a Smiths como base sin dudarlo ni un instante, en otro lado de la ciu-
“YOU ARE A VAPOUR TRAIL IN A DEEP BLUE SKY”
RIDE
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dad se generó la corriente contraria, donde la caña y el sonar lo más bruto posible iba tomando partida frente al sonido Ride. El shoegazing, aunque no fue el pepinazo que se esperaban, sí fue un género que renovó muchas bases, generó un sonido propio bebiendo de los mejores y creó algo que a día de hoy aún sigue vigente como ha demostrado My Bloody Valentine con su último álbum, clarisimamente continuista de un sonido que recordemos tiene más de 20 años, pero que suena igual de potente que por aquel entonces. El continuo revival que sufre no le hace caer nunca en el olvido, pero sí que tapa muchos de los esenciales que hemos rescatado aquí, y esperamos que al menos sirva como homenaje y para saber de que polvos vienen estos lodos. De aquí en adelante lo que pasó ya la sabemos todos, Sub Pop se convirtió en la nueva Creation, Steve Albini y Butch Vig en los gurús del momento y cientos de paletos cejijuntos dominaron los charts. Pero tranquilos, que si alguien no lo sabe quizás un día me levante con la camisa de cuadros y empiece a contar esa otra historia.
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LICHTBILD
Preservation
Blake Little
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l fotógrafo Blake Little cubrió a sus modelos de miel para su serie titulada “Preservation” (“Conservación”). La idea surgió cuando utilizó un poco de miel como atrezo para una sesión de fotos más tradicional. Casi inmediatamente se dio cuenta cómo una mano impregnada de miel parecía haber quedado conservada en ámbar. Little buscó a modelos de diversas edades y con cuerpos diferentes. Descubrió que la miel tenía un “efecto democratizante”. Transformando a los individuos en esculturas vivientes, los espectadores pueden olvidarse de los modos tradicionales de categorizar a la gente, y ver la idea de humanidad como un todo capturada en cada fotografía. En algunas fotos, la miel adquiere una forma diferente. En lugar de un elemento de conservación que captura a la vida, es una sustancia estimulante que da vida. De ella, nace un hombre. Como si fueran larvas saliendo de sus huevos, la lucha para nacer y encontrar un lugar en la vida queda capturada en esta poderosa imagen. Se agarran el uno al otro ciegos, esperando encontrar un sentido y seguridad en la compañía del otro. ‘Preservation’ nos muestra al ser humano como objeto y el cómo las personas nos aferrarnos a algo y podemos ser capaces de congelarlo antes de permitir verlo morir.
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INTERVIEW
TR/ST Autor: Diego Álvarez Rex| @D_Zorg
Trust es el ecléctico y abrasivo proyecto de Robert Alfons; en el que explora su particular visión de la electrónica: oscura, gótica, homo-erótica, sucia y ruidosa
Originalmente emparentado con una camada de músicos oscuros como celofán, Lebanon Hannover y Soft Metals, las versión de future pop de Trust toma un poco las luces del oscuro antro que evoca su música para visualizar con más claridad y detalle los rostros de a quienes tiene hipnotizados bajo luces intermitentes. Su música no es nada convencional con una mezcla de sonidos envolventes nos atrapa en esa mística armonía que lleva por nombre TR/ST
¿Qué tan drástico ha sido el cambio en Trust ahora que Maya Postepski ha dejado la banda? Maya fue muy clara con sus objetivos, y su proyecto en solitario siempre ha sido lo primero. Trust siempre ha sido mi proyecto, y cuando lo empecé, ella se unió a mí en una forma muy natural y se comprometió a colaborar y a aportar de tiempo completo. Fue parte de la banda y ahora no, es todo. Ella ahora se está centrado en sus propias cosas, y no es como si nos separáramos o termináramos de golpe nuestra relación. No descarto que tal vez el próximo álbum volvamos a colaborar,
Joyland toma una dirección más luminosa para el proyecto ¿Qué influenció o cómo fue el proceso para el cambio de sonido? Este nuevo álbum es definitivamente menos oscuro que el primero, y es producto de la persona que soy ahora; aún así hay una emoción muy personal en la música. Con frecuencia me senté frente a mi teclado y micrófono experimentando y probando distintas grabaciones con pista y notas de voz durante los últimos años… yo realmente no tengo un estudio o un complejo espacio para grabar, así que traté de reducir todo a mi teclado digital y mi voz. Mi voz es para mí el 98 % de mi música.
¿Qué tan significativo o irrelevante es el hecho de que tu música sea catalogada como darkwave? Me considero como un artista muy electrónico, y el término darkwave es atractivo para mí, es un género o estilo de música que me gusta mucho, porque se trata de una línea de artistas y bandas que respeto, pero además de ser eso en realidad siento que mi cuerpo de trabajo pertenecen más a los estantes del pop, claro está, no la
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obvia música pop que todos conocemos. Sino aun pop mas ácido un pop un tanto oscuro pero ala vez deslumbrante un pop insano pero que te hace bailar al ritmo de su beat.
¿Cuáles fueron tus estándares para Joyland tras el éxito de TR/ST? En general trato de que mi música sea emocionalmente envolvente , porque ese es el tipo de música que me gusta. No tengo otra cosa dentro de mi más que emociones. Me siento orgulloso de poder ser aún hipnotizado o transportado por la música, y en vivo, creo que es una experiencia que se puede complementar con lo visual. Soy un gran fan de los elementos visuales como las proyecciones de vídeo durante las actuaciones. El único estándar que se puede decir que existe fue el que la música se complementara con esto y creo que se logro Joyland tiene una estética muy visual y alucinante difiere un tanto al estilo de TR/ST pero no es algo que me incomode, un artista se reinventa para encontrarse y así poder dar lo mejor de si en el escenario.
¿Cual es tu impresión de esta repentina explosión o necesidad de música electrónica en Norteamérica? Estoy feliz de que sea así porque ahora mi tipo de música es mucho más accesible para ellos, pero aún así es muy extraño este fenómeno y, al final del día, su necesidad en masa es meramente comercial y no tanto artística. Las bandas de sintetizadores o de pura electrónica nunca fueron tan grandes en los Estados Unidos, más allá de la música disco o el efímero new wave, claro. Ahora hay demasiados encuentros y festivales de EDM que, a su vez genera que ya cualquiera tire su guitarra por tomar el teclado creyendo que así será más fácil hacer una carrera.
Poco se sabe de la escena actual de electrónica en los clubes canadienses ¿qué nos puedes compartir al respecto? De alguna manera, la oferta electrónica en Canadá sigue siendo nueva y un poco subestimada. Aquí todo el mundo es fanático de las guitarras acústicas pero a pesar de eso hay varia propuestas que vale la pena revisar.
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Alice Glass es una chica que desde los 16 años de edad esta dentro la industria musical, un evento de suerte la puso frente Ethan kath y ahí comenzó la historia de una gran dupla que nos hizo mover el cuerpo desde aquel 2008 en el que lazaron su disco homónimo. Ahora las cosas son distintas todo apunta que se disolverá el dúo, para dar paso a un proyecto solista por parte de alice, esto fue lo que no dijo al respecto.
¿Por qué tomaste la decisión de dejar la banda? Es una nueva oportunidad para mí. Con 16 años formé Crystal Castles y de repente me vi en una gira constante durante seis años. De lo único que sabía era de la vida en el backstage, de hoteles y de ir de avión en avión. Solo escuchaba Darkthorne porque no tenía tiempo de descubrir grupos nuevos. Ahora puedo perderme en mi propio mundo interior y no voy a hacer más música con el mismo gusto de cuando era una adolescente. Es ahora cuando puedo explotar mas lo que soy y lo que quiero mostrar al mundo , durante varios años quise lanzar este proyecto pero por distintos motivos se pudo hasta ahora.
¿Como fue tu experiencia en Crystal Castles? Cada experiencia se puede dividir en dos partes. Puedes ver la vida como una manera de conectar con la gente. Yo considero la existencia como un proceso caótico. A veces hay accidentes, la gente resulta herida, emerge sangre. La otra manera es escuchar el disco solo en casa. Es música para aislarse, lóbrega y solitaria”. Nosotros ya no podíamos hacer ni eso, escuchar un disco en casa, por ejemplo. Ya no teníamos casa, no sabíamos a qué llamarle hogar. Simplemente viajábamos de un sitio a otro, tocábamos y nos íbamos
¿Cual es la razón para que tu nuevo disco se grabe en diversas ubicaciones?. No hay ninguna intención estética en ese vagabundeo de las grabaciones. La geografía no tiene nada que ver con mi música, porque vaya donde vaya, lo único importante es el aislamiento. yo pongo todo de mi en lo que hago tanto en la grabación como en las presentaciones en vivo, el lugar no me afecta para crear pero si para no caer en un hartazgo.
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Alice Glass Autor: Dylan Garay | @Dylanmoon25
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Alice ya es toda una veterana de la industria musical. ya lleva una década de experiencia y desde siempre dijo “puedo hacerlo mucho mejor que todos ellos”
¿A pesar del éxito de Crystal Castles, que es lo que Ya que tú has estado dentro de ella ¿qué opinas viene ahora? sobre la Industria de la música? Ahora que llevo un tiempo alejada de la agenda y de las giras agotadoras, he tenido tiempo para reflexionar y he decidido que quiero empezar a ser yo misma. Ya no tengo que rendirle cuentas a nadie y puedo tomarme mi propio tiempo para crear. Prefiero que vengan 20 personas a mis conciertos a llenar estadios y vivir en una mentira.
Las compañías discográficas juegan con la idea de convertirnos en algo atractivo para los hombres a pesar de que muchas de nosotras empezamos en la música desde muy jóvenes. El sexo vende y los jóvenes compran música, por tanto la mayoría recurren a combinar ambos conceptos. Es muy irresponsable por su parte y no tienen en cuenta la repercusión que eso tiene en los jóvenes.
¿Qué vendrá en tu nuevo material como solista?
Ya vimos que tienes una fuerte y determinada postura ¿vendrá algo de esto en tu nuevo material?
Va a ser muy dark, Como un gatito comiéndose los cadáveres de sus dueños, mi objetivo es entremezclar los aspectos más oscuros de mi vida con los más tiernos. Siempre he sentido una especial afinidad con la música agresiva y eso es lo que quiero hacer ahora mismo.
¿Cómo fue tu inicio en la industria de la música? Al principio no crees que la gente te vaya a prestar atención, pero con el tiempo piensas: ‘¡Me encanta lo que hago!’. Actuar en vivo me ha dado la oportunidad de evadirme a mí misma: es como morir y volver a la vida.
Mi proyecto como solista trata varios temas, la manipulación, la presión, la sensación de que alguien en quien confías te ha traicionado. Todo el mundo ha pasado por ello en algún momento de su vida. lo cierto es que siento empatía con el 90% de la humanidad. Tengo la experiencia y una nueva perspectiva, definitivamente, esto ha sido un factor clave en mi decisión de emprender una carrera en solitario. mi nuevo material no sera nada parecido a lo que hice en Crystal Castles, aquí verán a alice solamente.
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INTERVIEW
THE KVB Autor: Jorge Soto| @PxLxO
Imagínate tener sexo increíble dentro de un matadero abandonado, en medio de una tormenta eléctrica, algo así es cómo se siente su música.
The KVB es el proyecto audiovisual de Klaus Von barril y Kat Day, con sede en Londres, Reino Unido, toma su herencia musical de las guitarras shoegaze de bandas como My Bloody Valentine, combinado melodías de sintetizador, voces mínimas, un reverb pulsante, hipnótico y latente con una reminiscencia de suicidio para crear un ambiente de sensualidad y una atmósfera de terrenos baldíos urbanos fríos. The KVB nos muestra una forma distinta de hacer música, ellos comenzaron su carrera en 2010 y ahora nos presentan ‘Inmaterial Visions’; una propuesta distinta pero que conserva ese sabor de siempre, Ácido y viscoso.
¿Cómo le describirían el proyecto a alguien que nunca ha oído hablar de él? Lo definiríamos como un dúo audiovisual, que combina elementos visuales glitch con sonidos hipnóticos con la intención de crear un entorno inmersivo que ingiera los cuerpos de las audiencias. Nuestra música no solo es música también combinamos muchos otros elementos que no podemos dejar de lado.
¿Qué es lo que alimenta su música y como se adhiere a una estética particular? Toda la creatividad surge del cuerpo, así que lo que afecta nuestra música es nuestro estado de ánimo, buscamos tener algún impacto en el sentimiento de la obra. Igualmente podríamos argumentar que nuestra única estética es dictada por nuestra técnica de grabación de baja fidelidad.
¿Cuáles fueron los pensamientos detrás de su nuevo material? Nick: Crear algo que conjuntara todo lo que nos gusta y hacemos, mezclamos muchas voces incomprensibles, muchos riffs de guitarra, la batería como un compás en medio del caos. Kat: Este disco es uno de los mas completos que hemos hecho hasta ahora ya que en cada canción hay un poco de todo lo que hemos hecho, tanto shoegaze, post punk, post rock, dream y muchas cosas mas, que obviamente se complementan con lo visual que también es algo que no podemos dejar de lado.
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¿Tuvieron algún sonido específico en mente Como describen su estilo visual, ¿cuál es la estécuando se inició la grabación? tica? Nick: Fue escrita y grabada al cabo de cinco días; Nick: Estoy interesado en las teorías de la conciencia conocí por primera vez a Kat y había adquirido un nuevo equipo musical para tocar. Yo no tenía un sonido particular en mente, pero estaba influenciado por el aislamiento frío, gris e invernal y el deseo de estar en otra parte. Kat: Por mi parte pienso que fuimos influenciados por el movimiento de los paisajes industriales de Londres. También estamos influenciado por la música electrónica, de todas partes del mundo.
y cómo el cerebro se puede conectar a la pantalla y tener una experiencia sensorial de proyecciones inmateriales de luz y datos. Las imágenes son un flujo entre la seducción de los táctiles, imágenes en 3D presentados de ‘golpe’ en sus globos oculares, en contraste con los destellos discordantes visuales.
Y por último, que es lo que viene después de su gira promocional?
Se describen como un proyecto Audio Visual ¿Era Nick: Muchos más espectáculos en todo el mundo, ese el plan desde el principio? incluyendo nuestro primer viaje a América latina, es algo Kat: Llegó con toda naturalidad. Originalmente colaborado en el trabajo del otro, Nick contribuyó con el audio a mi videoarte, y viceversa. Nuestros intereses y dirección artística parecen fundirse a la perfección, por lo que tenía sentido que debíamos trabajar juntos. Nick: Desde que la conoci hicimos ¡click! y me mostro lo que ella hacia, em agrado mucho ya que se complementaba a mi trabajo y le propuse trabajaramos juntos.
que nos emociona mucho, la gente nos envía mensajes pidiendo que vallamos a sus países, seria genial poder recorrer todo el mundo con nuestra música. Kat: También terminaremos un nuevo EP que grabamos hace poco en el estudio de Anton en Berlín. y sera liberado muy pronto con su sello es algo distinto a lo que hicimos en ‘Inmaterial Visions’; pero se que les gustara.
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PLASTIC
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Photography: Darren Blackk / Art Direction: hermespittakoss / Styling: Andrei Yakovlev / Model: Sanuye Shoteka / Clothing: Adidas / London 2014
KUNTS
Felice Varini Anamorphic Illusions
Swiss artist Felice Varini disrupts environments with his anamorphic art. His large geometric perspective paintings take up huge architectural spaces like sides of buildings, walls and streets challenging the viewer to find the exact spot to stand in order to see his works snap into place. Most recently, Varini took over the historic Gran Palais in Paris, where he added an orange polka dot pattern to its classical facade. Created by a combination of stencils and projectors, the monumental work was entitled Dynamo.
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Oliva Divaga
touch me slowly...
Sé que te gusta leer que no te gusta el café, que prefieres el té sé que te da miedo tatuarte pero no porque vaya a doler Sé que disfrutas del buen cine y del jazz experimental también sé que duermes sin calcetines y que besas muy bien Tu lugar favorito es tu habitación; en silencio y a oscuras es mejor. Sé que tienes pesadillas y que despiertas con terror. Me gusta el enigma de tu ser que eres como el universo y que conozco de ti solo un tercio; que me haces querer descifrarte aunque me tome cien lunas menguantes.
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