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ditorial Nos amenazaron con la crisis y tardamos en percibir sus efectos. Ahora que se decía que salíamos de la recesión es cuando más fuerte parece que se nos quiere ahogar. Somos conscientes de que en el sector de las artes escénicas en el que nos desenvolvemos no se nos sabe ubicar a quienes hacemos EL ESPECTÁCULO TEATRAL. Se nos define, según quien, como unos neoliberales de tomo y lomo –nos acusan, incluso, de neocon– y, sin embargo. Sin embargo, pienso que las cosas no pueden estar más claras. El Gobierno ha dado, por fin, la cara: recortes absolutos en todos los ámbitos y más presión fiscal. Las revistas profesionales no figuramos ya en el capítulo de subvenciones del INAEM –hemos comenzado a unificar criterios entre nosotros–, pero sólo somos una gota en el océano de la reducción presupuestaria, con los ayuntamientos y comunidades autónomas como una de las partes afectadas más visible. Y el sector en pleno sigue sin saber qué hacer. ¿Ahora qué?

La hora de la verdad Posiblemente, nadie lo sepa y mientras tanto, la crisis no cesa, las empresas –¡uy!, perdón, que algunos se ofenden si no se las denomina compañías– cierran y, sin embargo, seguimos en las mismas: ¿ahora qué? No hay soluciones fáciles, pero lo que está visto y demostrado es que fiarlo todo al maná institucional ya no funciona y el que así lo haga está condenado a la extinción. Nosotros estamos a favor del compromiso de lo público con la cultura, ¡faltaría más! Lo único que nos diferencia de quien enarbola esa bandera es que no nos fiamos de los políticos. Fundamentalmente, de nuestra clase política. Siempre hemos manifestado que todos, desde la compañía unipersonal al grupo empresarial más sólido, tenemos que pelear por lo nuestro y defender nuestro trabajo. Y si queremos vivir de ello, hacerlo como si nadie nos fuese a ayudar, aunque nos lo merezcamos y la legislación o la tradición lo hayan favorecido. Ahora estamos todos (unos más, otros menos; alguno, incluso, puede que no lo esté) hasta el cuello. Por las deudas que las distintas administraciones públicas tienen con nosotros, por la falta de contratos públicos, por la ausencia de espacios en los que trabajar. Ahora que las cosas empiezan (he dicho bien: EMPIEZAN) a ser duras de verdad, ¿qué? O la lucha individual, que a algunos se les puede dar bien, pero no a todos, o la unión. Hay que apostar por la creatividad y el esfuerzo conjunto. No nos van a regalar nada (a veces ni nos dejan usar los teatros municipales, aunque estén vacíos) y no vamos a conseguir nada reclamando lo que es justo (al menos no lo vamos a conseguir ni fácil ni rápidamente). Hay que unirse, hacer proyectos conjuntos, intentar colaboraciones (hasta las que parezcan más contranatura) y buscar vías de financiación atípicas. Todos somos empresas: aquí no están generalizadas las entidades sin ánimo de lucro ni ese es el modelo por el que nos regimos. Aunque nos pese o vaya contra nuestros ideales, somos empresas y tenemos que pensar como empresas o terminaremos en el paro o trabajando en algo que no nos guste. O los más capaces de nosotros pueden empezar a dedicarse a la política, que hay mucho que cambiar. Jesús Rodríguez Lenin Editor

www.elespectaculoteatral.es Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRID Tel.: 91 304 04 88 Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁNDEZ lenin@dosdimensiones.es Director de arte: ENRIQUE PÉREZ eperez@dosdimensiones.es Redactora Jefe: CRISTINA RELLO VARONA cristina@elespectaculoteatral.es Redacción: LAURA IRIBAS, CLARENCE J. BODDICKER. Autoedición: LAURA R. DIONIS laura@dosdimensiones.es Publicidad: ABEL VALERO SALINAS abel@elespectaculoteatral.es Publicidad Equipamiento: SANTIAGO GARCÍA santigarcia@dosdimensiones.es Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L. Depósito Legal: M-46213-2005 Imprime: Gráficas Villena

Publicaciones Teatrales S.L. no se hace responsable de las opiniones expresadas por los autores de los artículos aparecidos en las páginas de esta publicación.

Sumario 6 FERIAS Y EVENTOS - 6: Fira de Teatre de Titelles de Lleida - 8: Umore Azoka - 9: dFeria - 12: Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro - 13: Clásicos en Alcalá - 14: Festival de Teatro de El Ejido y Mostra Internacional de Teatro de Ribadavia -15: Mostra de Teatre d’Alcoi 17 RECINTOS - 17: Teatro del Ateneo de Valencia 18 -

COMPAÑÍAS 21: Entrevista a José Soriano 16: Teatro de texto 28: Humor 29: Clown 30: Musicales 32: Danza 33: Teatro de calle 34: Infantil

37 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO OPINIÓN - 10: Heteatrodoxias de Xavier Marcé - 16: El Apuntador de María José de la Rosa y Víctor Torre - 20: Opinión de Eduardo Galán - 41: Instrucciones de uso de Jordi Planas - 42: La reflexión de Robert Muro


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La Fira

de Teatre de Titelles de Lleida

Un arduo trabajo previo ha posibilitado unos muy buenos resultados tras la celebración de la XXI edición de la Fira de Teatre de Titelles de Lleida, según la valoración de sus responsables. “En esta ocasión, a nivel de presupuesto, hemos trabajado mucho con patrocinadores. Habíamos empezado esta línea de trabajo el año pasado, pero en este su efecto ha sido más fuerte, pensábamos que con la crisis nos iba a costar mucho, pero finalmente hemos acertado con los clientes-patrocinadores y también hemos contado con la colaboración ciudadana, sobre todo con la empresarial de Lleida”. La que habla es Julieta Agustí, directora de este encuentro que se celebró del 29 de abril al 2 de mayo. Ella misma nos comenta una de las principales novedades de esta edición: “Este año se ha inaugurado un teatro nuevo en Lleida, el Teatro de la Llotja, que facilitó la acogida del espectáculo inaugural, cuyas dimensiones eran más grandes que las que podíamos inscribir en los otros teatros, y que también nos ha permitido representar este montaje dos días más“. Se trataba de “Los pringados (Tête à claques)”, de la compañía belga Ateliers de la Colline. El resultado obtenido ha sido que más de 30.000 espectadores han presenciado alguno de los espectáculos exhibidos, ya sea mediante la compra de entradas o presenciando alguno de los montajes que se han exhibido en las calles y plazas de la ciudad catalana. Además, unos 450 profesionales no han querido perderse esta cita con el teatro de títeres para grandes y pequeños, de los cuales aproximadamente 220 eran programadores. “Hemos programado compañías internacionales que tenían unos aforos muy pequeños y que además requerían espacios no convencionales, lo que nos ha permitido

“Los pringados (Tête à claques)”, de la compañía belga Ateliers de la Colline.

Entrega de la XII edición de los premios Drac d’Or El acto de clausura de la Fira de Teatre de Titelles de Lleida, que se celebró en el Café Teatre Escorxador el 2 de mayo presentado por The Chanclettes, acogió la entrega de la XII edición de los premios Drac d’Or, unos galardones dotados por una estatuilla y un diploma en los que participan todos los espectáculos inscritos en la feria. De entre ellos destacan el Premio Ara Lleida, Ara Titelles, por el cual la compañía ganadora entrará a formar parte de la programación de una serie de actuaciones por diversas poblaciones leridanas y del resto de Cataluña; el Premio de las Autonomías, en el que la triunfadora pasará a ser recomendada en los circuitos de las diversas autonomías españolas; y el Premio Drac d’Or Festivales Internacionales, cuyo jurado seleccionará uno o dos espectáculos que tendrán la posibilidad de ser recomendados en varios festivales europeos.

La compañía francesa Tro-Héol agradeció los tres galardones y las dos menciones espaciales que recibió en esta edición de los premios Drac d’Or.

• Premios de la Fira de Titelles

• Premios de los Espectadores

• Premios de las Autonomías

Drac d’Or de Dramaturgia “La mano”, de Tro-Héol

Drac d’Or de los Espectadores al Mejor Espectáculo para Adultos “La maldición de Poe”, de Teatro Corsario

Drac d’Or de las Autonomías “Carmen”, de Bambalina

Drac d’Or de los Espectadores al Mejor Espectáculo Infantil “Guyi-Guyi”, de Periferia Teatro

Menciones Especiales “La mano”, de Tro-Héol “Guyi-Guyi”, de Periferia Teatro

Drac d’Or a la Propuesta Innovadora “Fragments de vida”, de Tête de Pioche

Menciones Especiales “La mano”, de Tro-Héol “Devoris Causa”, de Escarlata Circus

• Premios Festivales Internacionales

Drac d’Or al Mejor Espectáculo “La maldición de Poe”, de Teatro Corsario

• Premios Ara Titelles

Mención Especial “Sueña”, de Da.te Danza

Drac d’Or Ara Lleida, Ara Titelles “Blancanieves y los siete enanitos”, de Teatr Viti Marcika

Drac d’Or de Interpretación “Guyi-Guyi”, de Periferia Teatro Drac d’Or de Escenografía “Artik”, de Tro-Héol

Drac d’Or de los Festivales Internacionales “La mano”, de Tro-Héol Menciones Especiales “Fragments de vida”, de Tête de Pioche “Carmen”, de Bambalina

superó con


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de Lleida superó con éxito el listón de su XX aniversario “Capses”, de Laitrum.

hacer muchas más actuaciones de las que estaban previstas. Así, de las 70 que pudimos hacer el año pasado, este año hemos llegado hasta el centenar. Por eso parece que hemos crecido mucho más, aunque el presupuesto ha sido prácticamente el mismo”, explica Agustí. Además se ha mantenido la proporción en la procedencia de las compañías que caracteriza a esta feria: un tercio de compañías catalanas, otro tercio del resto de España, y el último tercio de más allá de nuestras fronteras. Como ya ocurriera el año pasado, cuando se inauguró con motivo del XX aniversario de este evento, la Fira de Teatre de Titelles de Lleida ha vuelto ha contar con una Llotja profesional que, en palabras de Julieta Agustí, “hemos consolidado totalmente. En la pasada edición nos inventamos la reunión de los aperitivos, un momento de encuentro entre todos los profesionales, especialmente entre compañías y distribuidores con los programadores. Como vimos que dio muy buen resultado, este año hemos buscado dos puntos de encuentro a lo largo del día: el aperitivo al mediodía, y una merienda-cena por la tarde, y ambos han funcionado muy bien”. Al igual que en 2009, ha habido 22 stands, o lo que es lo mismo, aforo completo en el espacio del que se disponía. “Hemos montado la carpa justo al lado del Centro de Titelles (entidad que organiza la feria), lo que ha facilitado todos los movimientos que generan los encuentros allí”, nos cuenta Julieta. Por otro lado, entre las actividades paralelas ha destacado el encuentro que COFAE organizó entre la feria anfitriona y el Festival Mundial de Títeres de CharlevilleMézières (Francia).


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ferias y eventos

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El buen tiempo acompañó en la XI edición de Umore Azoka

Al contrario de lo que ocurrió el año pasado, el tiempo respetó la celebración, entre los días 20 y 23 de mayo, de la XI edición de Umore Azoka, la Feria de Artistas Callejeros de Leioa (Vizcaya), como nos explicaron desde su organización: “El año pasado nos llovió algún día pero en esta ocasión hemos disfrutado los cuatro días de un tiempo maravilloso, y eso ha hecho que la gente se acercase a la calle a disfrutar de los espectáculos”. Con el cierre recién echado, aún era demasiado pronto para dar datos exactos de asistencia de público, pero los responsables de la feria estiman que superarán con creces los obtenidos en 2009. De los que sí disponían ya era de los datos de asistencia profesional: “Finalmente han acudido 140 acreditados, de los cuales un 60% eran programadores, un 20% distribuidores, y el 20% restante integrantes de compañías”. Además este año se ha vuelto ha repetir un ligero ascenso en el número de programadores internacionales que se han trasladado hasta Leioa: “Estuvieron 9 programadores extranjeros procedentes de países como Reino Unido, Bélgica, Holanda o Francia. Poco a poco va creciendo el número de programadores asistentes y esos ayuda a que la feria adquiera más importancia”. Una de las señas distintivas de Umore Azoka es su contribución en la producción de espectáculos: “Hemos producido tres espectáculos, que han sido las propuestas que se nos presentaron. Hay que decir que ha sido un año complicado económicamente, los recortes los hemos sufrido todos, pero no hemos producido más espectáculos porque estos eran los proyectos que teníamos sobre la mesa”, indican desde la organización. En concreto fueron los montajes “Orfeo”, de La Saca, “Habitus Mundi”, de Gaupasa Producciones-Nacho Vilar Producciones, y “Udamina”, de Gaitzerdi.

Ganadores de los premios Umore Azoka 2010

Foto de familia de la entrega de los premios Umore Azoka 2009, con el alcalde de Leioa, Eneko Arruebarrena, en el centro, que recibieron las compañías La Pez, Industrial Teatrera y Producciones Javier Leoni el pasado 23 de mayo.

Muchas y muy bien acogidas fueron también las actividades paralelas que acogió su programación: la reunión de la comisión artística de Sarea, la red vasca de teatros; un nuevo encuentro de COFAE con festivales internacionales, en este caso el belga Mira Miro; las jornadas de Artekale, la exposición dedicada a Mingote… “Nos gustaría mantener todas las actividades paralelas porque el concepto de feria no solamente es el de mercado, sino el de punto de encuentro para aglutinar e intercambiar ideas, y los distintos foros en ese sentido son interesantes”. Y de cara al futuro sus responsables añaden: “Inicialmente no tenemos previsto realizar ningún tipo de cambio, queremos mantener una línea clara de potenciación de las compañías vascas y de las del resto del Estado, e intentar traer un abanico más amplio de las distintas técnicas de calle que en este momento se están dando. Y siempre con un objetivo claro: la calidad antes que la cantidad”. Fotos: Elabelito.

Un jurado compuesto por Jorge Sanz Pulido, responsable del Área de Cultura y Festejos del Ayuntamiento de Aguilar de Campoo (Palencia); Carmen Blasco, técnico superior de Cultura del Ayuntamiento de Zaragoza; Andrés Beladiez, director de escena y director artístico de la Feria de Teatro de Castilla-La Mancha; Jordi Colominas, director artístico de FiraTàrrega, gestor y productor teatral; Eduardo López, programador cultural en el Ayuntamiento de Medina del Campo (Valladolid); y Carlos Gil, director de la revista ARTEZ, concedieron el pasado 23 de mayo los premios Umore Azoka 2010 a los siguientes espectáculos:

Mejor Espectáculo Callejero de Euskadi “Habitus Mundi”, de Gaupasa Producciones y Nacho Vilar Producciones

Mejor Espectáculo Callejero del Resto del Mundo “Atempo”, de Atempo Circ

Mención Especial “¿Entras?”, de Carmen San Esteban


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dFeria se celebrará a pesar del recorte del 44% de su presupuesto Finalmente la X edición de dFeria, la Feria de Artes Escénicas de San Sebastián, sí se llevara a cabo entre los días 22 y 24 de junio a pesar de haber sufrido un recorte presupuestario del 44% respecto a 2009. En concreto ha pasado de los 320.000 euros de los que dispuso su equipo organizativo el año pasado a los 180.000 euros con los que tendrá que hacer frente a todo en esta ocasión. Por ello, la duración de este encuentro se ha visto también reducido en dos jornadas. Sin embargo, recintos donostiarras tan emblemáticos como el Teatro y Club Victoria Eugenia, el teatro Principal, el Gasteszena o el Lugaritz volverán a acoger quince espectáculos entre los que se encontrarán dos estrenos absolutos, un estreno estatal y dos estrenos en castellano. Los dos espectáculos que se podrán ver por primera vez en el marco de esta feria son “Goibel”, el tercer proyecto de teatro musical para niños de Golden Apple Quartet que produce junto a Kanpingags; y “Urrunetik ametsetan”, una coreografía de la compañía Ertza. El estreno estatal corresponde a “La sonrisa ganadora”, un espectáculo de danza contemporánea que se combina con teatro y televisión y que firma la compañía Fingersix, mientras que los debut en castellano serán los de las obras “La mujer justa” y “El viaje del padre”, de las compañías Tanttaka e Hika Teatro respectivamente. El director de dFeria, Norka Chiapuso, señaló en la presentación de la misma que las obras que se van a presentar durante la feria destacan por su calidad y su variedad. Además indicó que los responsables de este evento se encuentran en pleno proceso de reflexión

sobre la búsqueda de fórmulas que posibiliten la continuidad de la feria, cuyas conclusiones se darán a conocer en un documento entre finales de junio y mediados de julio. Por su parte, Denis Itxaso, concejal de Cultura donostiarra, comentó que habían invitado a las compañías, “que han bajado un 50% del

caché de su obra para poder traerla a dFeria”, a que aportaran los nombres de programadores que pudieran venir, y que se estima que serán entorno al centenar. Además las compañías se han comprometido a rebajar un 10% su caché a los programadores que las contraten en el marco de este encuentro.


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heteatrodoxias

Como explica Xavier Marcé, la mixtura entre economía y política con la cultura es inevitable y, en su opinión, incluso necesaria. Actualmente el sector del teatro, al contrario de lo sucedido en otros momentos históricos, vive una época de cierto conformismo con el sistema establecido, dentro de una sociedad que se empeña en masificar lo alternativo. Sin embargo, respecto al lado económico, esta sumisión no siempre se ve recompensada en forma de presupuestos por parte de la Administración. En el mundo de la cultura todavía es frecuente escuchar a personas que defienden la necesidad de preservar el trabajo de los creadores de toda contaminación económica. Y lo mismo valdría cuando hablamos de injerencias políticas, por lo común consideradas un anatema inaceptable. Es un criterio de pureza sectorial que ha hecho fortuna con los años y que amaga una loable intención de salvaguardar el librepensamiento y la creatividad, aunque no está exento de contradicciones y en cierto sentido perversidades. En primer lugar hay que señalar que el trabajo de los creadores es en sí mismo un hecho político y cuando no lo es tiende a convertir-

hemisferio norte contra la guerra de Iraq y no conseguir casi nada, y el teatro siguió igualmente en reflexión. ¿De qué hablamos entonces cuando surge el debate problemático que relaciona teatro y política? Pues generalmente de statu quo y de economía. Nada es más permeable al pensamiento colectivo que la desafección política, la sensación inequívoca de que estamos al final de un modelo. Y es fácil oírnos decir que la solución vendrá de la cultura. Es una vieja reivindicación que toma prestadas las viejas heroicidades del Renacimiento y la Ilustración para sacar pecho sectorial y recordar el papel que nos ha otorgado la historia.

Política y teatro se en entretenimiento, lo cual nos aboca a un escenario económico. En segundo lugar una defensa tan radical de la libertad de creación puede llegar a suponer la anulación de cualquier criterio de evaluación, lo que a veces supone aceptar como buenos productos de muy baja calidad. El debate entre política y cultura viene de lejos. Tiendo a pensar que se trata de una relación que conviene no obviar, incluso al contrario, que conviene reforzar. Pero no podemos olvidar cuantas veces política y arte se enmascaran en una sutil complicidad no exenta de intereses y economías fáciles. A veces incluso parece curioso que se hable tanto de teatro y política en un sector de tanto peso institucional. Si repasamos los movimientos antiglobalización que tuvieron un enorme auge en Barcelona a finales de los años 90 veremos que la ausencia del teatro era paradigmática. Salvo algunos creadores, siempre dispuestos a poner su grano de arena en este tipo de debates, como Simona Levi, Rodrigo o Portacelli, la mayoría de los nombres del firmamento escénico catalán se mantuvieron tranquilos en sus escenarios más o menos institucionales. El movimiento entró en receso, en reflexión dirían ellos; quizá porque resulta frustrante movilizar a un 14% de la población del

A veces olvidamos que no había subvenciones, apenas mecenas duchos en el arte de la intriga, algunos incluso cómplices soterrados de la insurrección y el pensamiento moderno. Contra la Iglesia se vivía mejor, a sueldo de la misma es más complicado. No voy a negar la inmensa complicidad del MACBA del CCCB en la creación de movimientos alternativos en Cataluña. Tampoco el trabajo de La Casa Encendida, Tabakalera o el Reina Sofía más recientemente en Madrid. Pero en alguna medida, a la vez que generan, institucionalizan, lo que comporta una inevitable contradicción. Vivimos en una sociedad que quiere normalizar lo alternativo, convertirlo en una marca y darle viabilidad económica y comercial. Debe ser por eso que las salas alternativas de teatro firman convenios con la Administración de igual o mayor magnitud que las empresas de teatro convencional. Y tan justo es que sea así como aceptar todo lo que comporta. No hay que ser muy radical para entender que las instituciones tienden a ser conservadoras. La única fórmula para evitarlo es una periódica renovación de los equipos directivos a los que resulta irrefrenable concederles el tiempo mínimo de innovación, riesgo y transgresión, toda vez que conviene no eternizarlos. Complicada decisión, por otra parte. Reivindicar la legitimidad del mercado cultu-

ral, la eficiencia del espectáculo y del entretenimiento no significa negar la necesidad de un teatro combativo que actúe como estilete de la conciencia social con el objetivo de poner en un brete las malas prácticas políticas. Al contrario son dos miradas sobre un mismo género: la que usa el contenido para abrir brechas y la que juega con las formas para cerrarlas. El problema es la confusión, el abuso que se conceden algunos por el hecho de saberse poseedores de talento convirtiéndose (por qué no decirlo) en arte y parte de un mismo debate. Como público echo en falta un teatro que juzgue la crisis sin recurrir a la enésima reversión de un Bertold Brecht tan cansino como agotado. Alguien que incomode de verdad, que se la juegue. Si no aparece, no pasa nada… otras formas de expresión cultural lo suplirán, pero el teatro, eso que toma forma escenificando el poder de la palabra, perderá legitimidad para seguir reivindicando su independencia y su valor esencial en el liderato de la democracia. Lo curioso es que tanta docilidad tampoco tiene premio. La cultura no luce presupuestariamente ni parece consolidar espacio alguno de centralidad política. ¿No somos acaso la voz libre de las conciencias? Mientras no consigamos que políticos y poderosos acudan avergonzados a presenciar algunos espectáculos no podremos decir que hemos tocado el nervio de la bestia. Le haríamos un favor al progreso y de paso a la izquierda que lo gestiona. ¿Si la cultura nos libera, a qué tanto miedo? Por experiencia sé que es falsa la creencia que la Administración condiciona la libertad del artista. Jamás en mi vida he visto limitación alguna en la creatividad de nadie, jamás he visto anular subvención alguna por razones políticas, ideológicas o estéticas. Hablo desde la izquierda por supuesto. La derecha es más finolis, pero aún así la mayoría de las producciones que ha rechazado tenían otros problemas; más prosaicos, raramente ideológicos. Para hacer política hay que afrontar un debate complejo en el que la verdad no se da siempre por supuesta. Éste es el problema.

Xavier Mercé


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ferias y eventos

Natalia Menéndez emprende su primer Festival Foto: David Ruano.

La directora de escena Natalia Menéndez comienza este año su andadura como máxima responsable del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro con la intención de que el público redescubra este festival desde una perspectiva diferente y de que la ciudad manchega se convierta no solo en una ciudad-escenario, sino también en una fiesta del teatro. Durante los 25 días que durará su XXXIII edición –que comenzará el próximo 1 de julio– los espectadores podrán disfrutar del trabajo de “El galán fantasma”, de Secuencia 3. 43 compañías teatrales, 28 de ellas españolas y 6 extranjeras, procedentes este espacio concluirá con “Paseo romántico de Chile, Uruguay, Hungría, Bélgica, Portugal por los clásicos”, que pone textos de Zorrilla, y Flandes. De entre el total de espectáculos Larra o Espronceda en boca de actores como que se representarán en 15 espacios, 6 Blanca Portillo, José Coronado, Israel Ejalde y supondrán estrenos absolutos. Marcial Álvarez. Esta serie de actuaciones se inaugurará en el “Don Juan o memoria amarga de mí”, de Hospital de San Juan con el estreno de “El Palmánec, que se representará en el teatro alcalde de Zalamea”, dirigida por Eduardo Municipal, supondrá un regreso a los títeres Vasco y producida por la Compañía Nacional para adultos habituales en el Siglo de Oro. de Teatro Clásico. La CNTC también llevará Ese mismo escenario acogerá “El galán fan“El condenado por desconfiado” al mismo tasma”, de Secuencia 3; “Sueño de una escenario, y la comedia de Lope de Vega “La noche de verano”, dirigido por Helena moza de cántaro” al Corral de Comedias. Pimenta para Ur Teatro; y “El idiota en Precisamente la programación del Corral Versalles”, un texto de Chema Cardeña arrancará con una reinterpretación de “La ambientado en la época de Moliére. El cartel vida es sueño” en forma de monólogo del del teatro Municipal cerrará con “La fiesta de actor chileno Héctor Noguera, mientras que los jueces”, basado en “El cántaro roto”, de un “Tartufo” producido por la consejería de Heinrich von Kleist. Cultura de Castilla-La Mancha será el encarEl patio de Fúcares abrirá su programación gado de cerrarla. con un texto original de José Sanchís La Fura dels Baus, con la colaboración gastroSinisterra: “Própero sueña Julieta (o vicevernómica de Mugaritz, llevará un drama shakessa)”. La compañía uruguaya El Galpón celeperiano con banquete incluido a la Antigua brará su 60 aniversario en Almagro con una Universidad Renacentista (AUREA): versión de “El lazarillo de Tormes” creada por “Degustación de Titus Andrónicus”. En el su fundador, César Campodónico, interpretamismo escenario la compañía El Brujo, en da por Héctor Guido. “Fígaro (el día de las coproducción con el Centro Dramático locuras)” constituirá la visión sobre el clásico Nacional, presentará “El evangelio según San de Beaumarchais de la Compañía Laboratorio Juan”. Góngora, Lope, Quevedo y el cante de William Layton. Teatro de Fondo llevará al jondo se funden en los “Versos navegables” mismo escenario “El maestro de danzar”, una de Vicente Soto Sordera. Otra coproducción comedia de juventud de Lope de Vega. Y las del CDN, esta vez con Galiardo Producciones representaciones en este marco acabarán con y Entrecajas, es una versión de “El avaro” de la producción hispano-portuguesa “Dança da Moliére dirigida por Jorge Lavelli y protagonimorte”. zada por Juan Luis Galiardo. La presencia Y en el claustro del Museo del Teatro se aborextranjera en la AUREA correrá a cargo del dará “La Celestina” por una sola actriz, así Teatro Estatal de Hungría, que estrena en como tampoco será convencional la versión de nuestro país “Tartuffe”. La programación de Ainhoa Amestoy de “Mucho ruido y pocas

Foto: Jorge Zorrilla.

Internacional de Teatro Clásico de Almagro

Foto: Juan Terol.

“El avaro”, de Galiardo Producciones.

“El idiota en Versalles”, de Arden Producciones.

nueces” alrededor de un piano. Además, en este mismo lugar habrá espacio para obras de jóvenes creadores y de teatro en familia. El Festival de Almagro también mimará a sus espectadores más pequeños. Algunos de los montajes que se podrán ver son “Los músicos de Brenes”, “Dragoncio”; o “Lo fingido verdadero” y “El esclavo del demonio, que se desarrollarán dentro de una máquina teatral cuyo funcionamiento se desvelará al final de cada representación. También habrá propuestas de títeres, como “El cielo de Mozart” y “Cyrano de Bergerac”, y de teatro de calle, como la “Cabalgata barroca”, de Morboria. Dentro de este último género, también se incluirán propuestas para adultos como “Lazzo de amor”, de Los Hilarantes; “Lázaro”, de Mirage; o “El enfermo imaginario”, de El Carromato. Además este evento incluirá un sinfín de actividades paralelas. Entre ellas habrá cursos, talleres, conciertos, charlas, o exposiciones fotográficas, una de José Luis Raymond y otra dedicada a Francisco Nieva, quien precisamente recibirá el premio Corral de Comedias. Almagro también rendirá homenaje al director del Teatro de Madrid José Manuel Garrido.


Almagro

rden Producciones.

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Clásicos en Alcalá celebra su X aniversario con El Lazarillo como protagonista

Con una apuesta clara por la internacionalidad y el protagonismo de “El lazarillo de Tormes”, ahora que un estudio reciente atribuye a Diego Hurtado de Mendoza su autoría, entre el 17 de junio y el 4 de julio se llevará a cabo la décima edición del festival Clásicos en Alcalá, que acoge la cuna de Cervantes y que dirige Pablo Nogales. Durante está primera década de existencia este evento se ha convertido en uno de los más importantes de sus características que se celebran en España. En esta ocasión presenta las siguientes credenciales: más de 30 estrenos absolutos, más de 300 compañías participantes –entre nacionales e internacionales– y más de 50 escenarios, datos que sobradamente avalan su prestigio. La programación, que abarcará teatro, música, danza, exposiciones, talleres y conferencias, se desarrollará en espacios tan emblemáticos de la ciudad complutense como el Teatro Salón Cervantes, el Corral de Comedias, el Claustro del Colegio del ReyInstituto Cervantes, o el Patio del Antiguo Hospital de la Hospedería del Estudiante, así como en diferentes puntos de su casco histórico. Además, en el Antiguo Hospital de Santa María la Rica, y en las mismas fechas en las que se realice el festival, se podrá ver la exposición “El mundo de los Madrazo”, que reflejará el trabajo de esta saga de pintores del siglo XIX. Los espectáculos “El condenado por desconfiado”, de la Compañía Nacional de Teatro

Clásico; “La moza de cántaro”, de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico; “El avaro”, de Galiardo Producciones y Entrecajas; “Stabat Mater”, de Pergolesi transfigurado por Bach, a cargo del grupo Dolce & Tempesta; “Carmen”, de Bambalina Teatre Practicable; “Paseo Romántico”, producido por Andrea D’Odorico; o tres versiones de “El Lazarillo de Tormes” –la de El Brujo Producciones, la de Ítaca Teatro y la de Teatro Do Morcego–, entre otros, son algunos de los montajes que formarán parte del extenso cartel de este evento, que contará con la presencia de varias compañías europeas con el objetivo de internacionalizar el festival de cara a la candidatura de Alcalá de Henares como Capital Europea de la Cultura en el año 2016. En Clásicos en Alcalá también tendrán cabida los más pequeños con el “Taller de versos antiguos para niños modernos”, que llevará a cabo Légolas Colectivo Escénico. Asimismo, en este año de celebración, Clásicos en Alcalá incorporará en la plaza Cervantes el Carrusel 1900, un tiovivo de dos pisos que es una

copia exacta de los utilizados en Francia a finales del siglo XIX. El colofón final del festival tendrá lugar el 17 de julio con la actuación de la soprano española Ainhoa Arteta en el concierto “Cantatafantasía para un caballero enamorado” de Lorenzo Palomo (sobre poemas de Carlso Murciano), en el que estará acompañada por el Orfeón Donostiarra, la orquesta de Córdoba, el tenor José Luis Sola, la soprano Ainhoa Zubillaga o el bajo armenio Arutjun Kotchinian. Los aficionados a la ópera no sólo asistirán en la ciudad de Cervantes al estreno en la Comunidad de Madrid, –después de Berlín y Bilbao– de esta, una de las más recientes y celebradas composiciones musicales sobre “El Quijote”, sino que también podrán asistir en la primera parte del evento a un programa compuesto por la Obertura de “El sueño de una noche de verano” de Mendelssohn y la “Fantasía para un gentilhombre” del maestro Joaquín Rodrigo, basado en unas composiciones de Gaspar Sanz del siglo XVII.


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ferias y eventos

Variedad de géneros en la oferta del

Festival de Teatro de El Ejido Desde el 27 de mayo y hasta el 12 de junio la localidad almeriense de El Ejido albergará, en siete espacios escénicos, los 37 espectáculos que se representarán dentro de la XXXIII edición de su Festival de Teatro. El ayuntamiento del municipio ha elaborado la programación de este evento con un presupuesto de 120.000 euros. El Teatro Auditorio de El Ejido, el teatro Municipal, el Parque Municipal, la Plaza Mayor, la guardería Las Margaritas, la sala B y el parque de Santa María del Aguila darán cobijo a los trabajos presentados por un total de 24 compañías. “Nuestro objetivo principal –explicó José Lázaro, concejal de Cultura del ayuntamiento de El Ejido durante la presentación de este evento– es la diversidad de géneros, de forma que no sólo el texto ocupe un papel principal en la programación, sino que sea complementado por la danza, la comedia, la fusión de estilos de baile, o el circo”. Así, durante su celebración se podrán ver aclamadas obras de teatro de texto como “Piedras en los bolsillos”, de Lazona; “Fugadas”, de Pentación; “Un dios salvaje”, de Trasgo Producciones, o “Tres”, de Mutis Producciones; así como divertidos montajes para el público infantil, como “Zoo”, de Yllana, o “La casa del abuelo”, de La Rous; espectáculos de magia, como “Las cartas sobre la mesa”, de Alberto Figueiredo; o montajes de cabaret, como el de títeres para adultos de El Espejo Negro, titula“Cabaret líquido”, de Lavi e Bel. do “Es-Puto cabaret”, o el premiado “Cabaret líquido” de Lavi e Bel.

Staniewski, plato fuerte de la Mostra

Internacional

de Teatro de Ribadavia

Foto: Piotr Znamierowski.

El espectáculo de Staniewski supone la gran La Mostra Internacional de Teatro de apuesta del festival de Ribadavia para Ribadavia (Orense) celebra entre los días 2010, junto a la presencia de otros destaca16 y 24 de julio de 2010 su XXVI edición dos directores europeos como Pippo con una profunda renovación, desde la Delbono, Premio Europa Per Il Teatro a las internacionalización y diversificación de la nuevas realidades teatrales 2009. El italiaprogramación, hasta la puesta en marcha no traerá a Ribadavia “Rancconto di de producciones propias, una línea editoGiugno”, un desgarrador retrato del artista, rial, además de ser el único festival intercon sentimientos, impresiones, crítica social nacional de teatro del norte en contar con y apelaciones al público. una subvención nominativa del Ministerio Al festival de Ribadavia le ha sido concedide Cultura-INAEM. da además una ayuda del programa El festival se inaugurará con la presencia Iberescena también para 2010. En el prode uno de los mejores directores de teatro grama podremos ver varios espectáculos de Europa, Staniewski, quien presentará iberoamericanos de directores como el espectáculo “Iphigenia in Aulis”, de “Iphigenia in Aulis”, de la compañía polaca Gardzienice. Veronese o nuevos prometedores directores Eurípides, con su compañía polaca argentinos como Jorge Acebo, un dramaturgo y director que presentará Gardzienice. Se trata de un montaje compuesto por 12 actores y por su obra más reciente en España, “La felicidad según Mabel Riviere”, un una orquesta de más de 10 músicos en el que se puede comprender su espectáculo que forma parte de una trilogía de obras suyas sobre la permanente investigación de formas de gesticulación antiguas, conocisituación de la mujer en diferentes franjas de edad: a los 50, a los 40 miento de la musicalidad y de la antropología cultural de antiguas civiy a los 30 años. Igualmente, el festival de Ribadavia realizará por vez lizaciones. Staniewski demuestra en sus cuidados espectáculos, aclaprimera en su larga historia una coproducción con la compañía gallega mados desde Estados Unidos hasta Grecia o el Reino Unido, los eslaboÓnfalo, que estrenará en el marco del festival un espectáculo que meznes posibles y las analogías entre las técnicas antiguas de interpretaclará teatro y danza a partir del texto “En la meta”, de Thomas ción con el cuerpo o la voz y las ceremonias indígenas o rituales de pueBernhard. blos gitanos, bielorrusos, ucranianos o del ámbito rural polaco.


acional

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15 el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

Recta final para la XX edición de la

Mostra de Teatre d’Alcoi Ya se ha cerrado la programación de la Mostra de Teatre d’Alcoi. La Feria de las Artes Escénicas de la Comunidad Valenciana, que cumple este año sus primeras dos décadas de existencia, se llevará a cabo en la localidad alicantina entre los día 9 y 12 de junio y en ella participarán una veintena de montajes. Prácticamente la totalidad de la programación estará compuesta por compañías valencianas, como es el caso de Azotea Compañía de Teatro, que presentará “Después de la lluvia”; Arden Producciones, que ofrecerá “Un soldadito de plomo”; Bramant Teatre, que llegará con “El último beso”; o Xarxa Teatre, que representará “Les noves aventures de la Brixa Marruixa”. Pero también se podrán ver propuestas procedentes de otros puntos de España, como “Lina”, de la compañía balear Elastic Nou Produccions; “Las gracias mohosas”, del andaluz Teatre del Velador; o “Alicia en el País de las Maravillas”, de los madrileños Hilando Títeres. Entre las actividades profesionales, además del paso obligado por los stands que integrarán su Llotja, destaca el encuentro que, bajo la organización de COFAE, se producirá con el festival Don Quijote de París, así como una visita teatralizada al Alcoi medieval o la reunión de programadores del Projecte Alcover, entre otros.


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el apuntador

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opinión

El teatro destinado al público infantil se ha enriquecido en las últimas décadas con propuestas contemporáneas, estéticas y dramáticas, en gran medida con los objetivos de entretener y distraer, huyendo de un teatro didáctico y de contenidos en valores. Sin embargo, así como se ha experimentado y enriquecido enormemente en el nivel formal, apenas ha habido nuevas propuestas en cuanto a la temática. Quizás prejuicios o proteccionismo de las creadoras y creadores adultos que no se han atrevido a abordar, consciente o inconscientemente, ciertos temas para el público infantil y que reflejarían, desde una visión crítica, el mundo real que les espera.

María José de la Rosa y Víctor Torre fundaron en 1982 Títeres Sol y Tierra, compañía dirigida al público familiar que actualmente codirigen. Desde aquel entonces han producido 30 montajes de creación propia y han realizado más de 4.000 actuaciones en festivales, circuitos de teatro, escuelas y otros espacios de nuestro país, así como diversas giras internacionales. En los últimos años Víctor se ha especializado en la gestión teatral, mientras María José ejerce de directora artística de la compañía. mos esos bambúes, allá en el escenario, nin- de un tipo de teatro cuyos objetivos principaguno de vosotros tiene el derecho de mentir. les sean la distracción y el entretenimiento, El teatro es la verdad escondida”. La capaci- constante que se da con bastante regularidad, de la que habla Augusto Boal, de trans- dad en el teatro para la infancia. Como afirmutar la mentira cotidiana en verdad a través ma José Monleón: “Unos defendemos una del ritual del escenario es un gran privilegio cosa y otros otra. Yo creo que está muy bien de los creadores teatrales, que tiene su ori- que haya un teatro para distraer y entretener. gen en el espacio de libertad que debe seguir Lo que es horrible es que haya mucha gente siendo el teatro dirigido a adultos o a niños. que piense que sólo es ese teatro el que hay En algunos casos, la intencionalidad de que hacer. Así que nos dejen a los torturados reflejar el mundo es el motor de arranque. que nos preocupemos e interroguemos sobre Entonces, el trabajo consistirá en que perma- por qué pasan cosas en el mundo”. nezca velada la motivación inicial, para no En un contexto de creación teatral para la caer en un teatro meramente didáctico, equi- infancia, una de las posibles tareas del artislibrando los aspectos artísticos con los socia- ta consistiría, según nuestro parecer, en les. El éxito del trabajo estará basado en identificar los problemas sociales de nuestro

Teatro para la infancia y compromiso social por María José de la Rosa y Víctor Torre

En este sentido la dramaturga quebequense Suzanne Lebeau ha supuesto una decidida ruptura con esa permanente tendencia de los textos dramáticos para la infancia. Como la misma Suzanne Lebeau afirma, ilustrando claramente lo que queremos decir: “En ese momento estaba confundida y creía que no podía hablar de eso con el público infantil, pero tomé el documental sobre niños y niñas soldado y trabajé con trece grupos de niños de Québec de 9 a 12 años. Después de proyectar el vídeo tenía una sola pregunta para empezar a debatir con ellos: ¿Tenemos los adultos el derecho de hablarles a los niños de cosas tan graves, tan crueles y difíciles? Recuerdo que los niños contestaron: No solo tienes el derecho, sino el deber, porque ¿cómo seremos adultos responsables si no sabemos nada del mundo? ¿Cómo podríamos reaccionar, situarnos en el mundo, si no lo conocemos?”. Hay que decir que el teatro de Suzanne Lebeau, como espejo del mundo en todo su dramatismo, apuesta por la esperanza como camino a recorrer. Todo proyecto teatral es un reflejo de la realidad, la cuestión es que los creadores y creadoras del equipo sean conscientes o no de este aspecto y quieran intervenir en él. Como afirma Augusto Boal, “ahora acaba la ficción que hacemos en el día a día. Cuando cruce-

muchos casos en el equilibrio entre estos factores. Conceptos clave en este proceso serán: buscar el lenguaje simbólico, comprometerse, retroalimentarse, empatizar, arriesgarse, investigar… Como creadores de teatro para la infancia nos podemos plantear una pregunta: ¿Debemos como artistas tener una posición crítica respecto al mundo y reflejarla en nuestras obras? Ante esta pregunta algunos responderán que sólo se deben a su inspiración y creatividad, pero los creadores también somos seres humanos y ciudadanos y, como tales, tenemos una responsabilidad moral sobre nuestras creaciones. Como productores de cultura, somos protagonistas de la creación o reforzamiento de algunos de los iconos colectivos. Nuestro trabajo tiene a veces más importancia de lo que pensamos. Podemos contribuir a reforzar los tópicos existentes, como la indiferencia ante la injusticia, la superficialidad, el individualismo; o realizar un trabajo comprometido, desmontando tópicos caducos y no contribuyendo a una cultura de usar y tirar, superficial y falsamente hedonista, de risa fácil, falta de reflexión, políticamente correcta y muy digerible, que a veces relacionamos con el aspecto de lo “comercial”. Esto no supone por nuestra parte el rechazo

mundo y tratar de reflexionar sobre ellos, para ofrecer al público infantil una visión del mundo que ayude a conformar en sus opciones de vida y valores la futura persona adulta, desde las emociones, sentimientos y reflexiones que le provoque la toma de contacto con lo tantas veces escondido a la infancia de la realidad. De esta manera, además, nuestro lenguaje expresivo puede llegar a ser una herramienta y un recurso para madres y padres, profesionales de lo social y de la educación. Aspecto que, como compañía, hemos constatado a lo largo de los años a través del sentimiento de agradecimiento expresado por parte de personas de estos colectivos, sentimiento que nos impulsa a seguir en este camino. Nuestra trayectoria como compañía ha estado revestida siempre de la pulsión vital del trabajo con los problemas actuales, paz, ecología, interculturalidad, género, mostrando realidades como la guerra, el hambre y las desigualdades sociales. Temas complejos cuya resolución orientamos siempre en nuestras obras hacia la capacidad de nuestros personajes de convertirse de víctimas en resistentes, dotándose de la cualidad de transformar su entorno y seguir esa estela de esperanza que nos muestra el teatro de Suzanne Lebeau.


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recintos

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

El Teatro del Ateneo de Valencia amplía su oferta cultural

La agencia Espectáculos Pinkerton, que desde el pasado mes de diciembre gestiona el Teatro del Ateneo de Valencia, ha querido dar una vuelta de tuerca más a su programación con la oferta de nuevos géneros al público valenciano. Con tan solo seis meses de vida, esta sala, ubicada en pleno corazón de la ciudad del Turia, se ha convertido en un referente del teatro de comedia, ya que cada fin de semana los mejores monologuistas del país, como Luis Piedrahita, Ángel Martín, Goyo Jiménez, Quequé, o Miki Nadal, por mencionar solo algunos, se dan cita sobre su escenario. Pero la idea de la gerencia es ofrecer una mayor oferta cultural, por lo que se han comenzado a programar diferentes géneros como la magia, los conciertos acústicos, el teatro musical de pequeño formato, la zarzuela, o el flamenco, entre otros. Sin ir más lejos, el pasado mes de abril Anthony Blake fue el encargado de “Serrano y Chapí”, de Saga Producciones. comenzar los espectáculos de magia e ilusionismo con un rotundo éxito, al que le siguió el conocido mago Jorge Blass, ya que una de los objetivos previstos es que se suban a las tablas del Ateneo lo mejores magos al menos una vez al mes. Por otro lado, este mes de junio Coque Malla y su gira “La hora de los gigantes” abrirán el ciclo de conciertos acústicos, mientras que, durante el mismo mes, tendrá lugar el ciclo dedicado a los mayores con la actuación de la reina del cuplé, Lilián de Celis, y la puesta en escena de la zarzuela “Serrano y Chapí”, ambos a cargo de Saga Producciones.


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compañías

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entrevista

JoséGrupo Soriano Sona “Son muy pocos los ayuntamientos que esta temporada quieren producir un espectáculo, porque sinceramente en este sector en los últimos diez años se han hecho barbaridades, como es el caso de la gente que quería ganar en un verano lo que se gana en diez años”

Aunque fue en 1971 cuando dio sus primeros pasos en el mundo del espectáculo –por lo que el año que viene cumplirá su cuadragésimo aniversario de trayectoria profesional–, no fue hasta cuatro años más tarde cuando José Soriano fundó su propia empresa, Grupo Sona, afincada en la localidad valenciana de Alboraya. En los últimos años se ha especializado en la distribución de espectáculos internacionales de ópera, ballet clásico, orquestas de música clásica, musicales e - ¿Cómo hacen en Grupo Sona para entrar en contacto con las compañías internacionales que aparecen en su dossier? - Muchas veces te llaman ellos. Por ejemplo, nosotros hemos llevado compañías de Rusia y de Ucrania y ellos tienen contacto a su vez con diferentes compañías de China, que preguntan quién es el empresario con el que trabajan en España. De pronto recibes un correo electrónico de una compañía que tú no conoces, y que te invita –pagando tú, por supuesto– a ver su espectáculo.

incluso mantiene un apartado dedicado a la contratación en nuestro país de grupos de rock. De hecho, en su catálogo para este año aparecen los nombres de compañías tan prestigiosas como el Ballet de Milano, el Teatro Negro Nacional de Praga, la State Opera de Bulgaria, el Ballet de la Ópera Nacional de Kiev, el Circo Acrobático Nacional de Pekín o el espectáculo “Carmen” a cargo de la Compañía de Aída Gómez, entre otros.

- ¿Pero en ocasiones también viajan en busca de talentos al estilo de los ojeadores de fútbol? - Normalmente siempre hacemos cuatro o cinco viajes al año a cualquier sitio del mundo que nos sirven para evadirnos, para ver nuevos espectáculos y para establecer contactos. Hace quince días, por ejemplo, estuvimos en Bulgaria, dentro de veinte días vamos a Kiev, y seguramente en septiembre iremos a Miami. En muchas ocasiones me acompañan diferentes directores de teatro para comprobar la calidad de la compañía, porque ellos son los inte-

resados y los que dicen si el espectáculo vale o no vale la pena. Por ejemplo, hace dos años estuvimos en Milán y el pasado mes de febrero nos hemos traído el Ballet de Milano, una compañía de máxima calidad, con el espectáculo “Romeo y Julieta”, que volveremos a realizar, por supuesto. - ¿Cómo se está desarrollando la contratación de este tipo de espectáculos en lo que llevamos de año? - Es que este año es tan complicado y difícil... En el mundo del espectáculo, y sobre todo en


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19 el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

España, hay miedo, hay incertidumbre, no se sabe lo que va a pasar, los directores de teatro saben que les van a recortar económicamente su presupuesto, hay teatros en los que en doce meses se lo han recortado tres veces, y sobre todo no se sabe que es lo que va a pasar en el siguiente semestre. - ¿Usted cree, desde la experiencia que le otorga el llevar muchos años trabajando en este sector, que lo peor de la crisis ya ha pasado o está por pasar? - Está por pasar. Pienso que el año que viene va a ser aún peor que este porque la gente se va a regir por los presupuestos del anterior. - Y respecto a la época estival que ya tenemos encima, ¿se contratan tantos espectáculos de teatro y danza como en invierno? - Creo que poco a poco volveremos a hace treinta años, a lo tiempos en los que el artista tenía que cobrar en función del público que reunía y de las entradas que vendía. Son muy pocos los ayuntamientos que esta temporada quieren producir un espectáculo, porque sinceramente en este sector en los últimos diez años se han hecho barbaridades, como es el caso de la gente que quería ganar en un verano lo que se gana en diez años. Si tienes un público potencial de quinientas personas no quieras hacer una producción como si fueras un artista que lleva a quince mil espectadores. - ¿Las compañías de teatro y de danza lo tienen aún más difícil, sobre todo en verano, porque requieren recintos cerrados? - Lo tienen más fácil porque la gente que va a un espectáculo de ballet clásico es más pudiente económicamente, por lo que puede pagar una entrada más cara, y cuando tú haces números los haces sobre mil tickets, no estás haciendo números como con un grupo de rock, con el que tienes que congregar a 10.000 personas. Por ejemplo, nosotros vamos a trabajar con la compañía de Aída Gómez con un espectáculo muy popular que es “Carmen”, y vamos a producir el montaje en algunos sitios como Marbella. Los números con Aída Gómez van a estar siempre en torno a unos 1.500 espectadores, depende siempre del local. El problema estaría en si yo hiciera esa producción y tuviera que meter 7.000 personas, estaría loco. - Respecto a las compañías internacionales, ¿de qué países cree que son las compañías que tienen actualmente una mayor proyección en España? - El público español es un público muy selecto, pero todo depende del nombre de la ciudad y del nombre del teatro. Si tu coges un escenario y una ciudad importantes, como es el caso del Palau de la Música de Valencia, el Teatro de la Zarzuela de Madrid, o el Liceo de Barcelona, estos espacios quieren contar con las mejores orquestas y con los mejores espectáculos, por-

que conservan todavía sus presupuestos, pero hablamos de compañías de música clásica que pueden costar 100.000 o 150.000 euros. Si hablamos de danza, la gente siempre irá a ver “El lago de los cisnes”, “Cascanueces” y “La bella durmiente”. Toda mi vida he oído decir que en cuestión de ballet clásico internacional hay tres compañías: una en Moscú, que es el Bolshoi; otra en San Petersburgo, que es el Mariinski; y otra en Kiev, que es el Ballet de la Ópera Nacional de Ucrania. Pero también puedes hacer “El lago de los cisnes” con cualquier compañía de un pueblo de décima categoría de Rusia, Ucrania o de la República Checa. Anuncias “El lago de los cisnes” y la gente va, pero desgraciadamente no es lo mismo hacerlo con el Bolshoi que con una compañía de una ciudad prácticamente desconocida. - Antes me comentaba que el ballet sigue siendo para espectadores con cierto nivel adquisitivo, pero ¿se está abriendo a un público más amplio? - El ballet para mí no es minoritario por una sencilla razón, y es que en todas las ciudades hay escuelas de danza, y sus alumnos constituyen una savia nueva a la hora de ir a ver los espectáculos. Por ejemplo, el año pasado hicimos “El lago de los cisnes” con el Ballet de San Petersburgo en el Palau de la Música de Valencia, y llenamos al cien por cien, de hecho las entradas estaban vendidas veinte días antes. Este año vamos a producir con el Ballet de la Ópera Nacional de Kiev la obra “Cascanueces”, todavía no ha empezado la venta pero la representaremos en el mes de noviembre. - ¿La ópera tienen también un público muy determinado? - Es el espectáculo más total de todos, porque consta de orquesta, coro, cantantes, luces, dirección escénica…, y con que te falle uno solo de esos elementos, por ejemplo un tenor un poco flojo, cuando los espectadores salgan

“Carmen”, de la Compañía de Aída Gómez.

solo van a hablar de que el tenor era flojo. - ¿Y respecto al circo? - El circo depende de la compañía. Espectáculos de circo hay muchos, nosotros hemos tenido la suerte de contactar con el Circo Acrobático de Pekín hace seis o siete años, el espectáculo “Dreams” lo hemos traído tres años seguidos, hemos girado durante cinco o seis años, y nos ha funcionado muy bien, por eso lo hacemos. Este próximo verano será la última ocasión en que lo hagamos, descansaremos para volver dentro de dos años con otro espectáculo. En 2009 estuvo durante siete días en el teatro Nuevo Apolo de Madrid, un promotor lo contrató y como vendió todas las entradas durante esa semana, este año lo ha vuelto a contratar y vamos a ir al Lope de Vega cinco días durante la última semana de agosto. - ¿Cómo surgió su colaboración con la Compañía de Aída Gómez? - Un director de teatro que tiene relación con la compañía me llamó para que colaborara con ellos, nosotros le ofrecimos a Aída Gómez hacer “Carmen”, que no estaba en su repertorio, ella nos dijo que sí, le aseguramos unos cuantos espectáculos y lo cogimos en exclusiva. En Madrid vamos a estar durante la primera quincena de septiembre en los Teatros del Canal produciendo el espectáculo, y esperamos que nos vaya muy bien. - Para finalizar, ¿ya tienen claras las líneas de trabajo de cara al año que viene? - Grupo Sona, más o menos, siempre gestiona lo mismo: una gira de ópera, una gira de ballet, una gira de musical, porque nosotros empezamos a hacer musicales hace 15 años con una compañía de la ciudad checa de Brno… Posiblemente el verano del año que viene en vez de circo chino haremos un musical. Cuando llegue el próximo mes de noviembre observaremos cómo ha ido todo y el año que viene nos lo tomaremos con más tranquilidad que este, porque insisto en que será mucho peor.


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Opinión

20 el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

Eduardo Galán es autor teatral, guionista, novelista, profesor de Lengua y Literatura, ensayista, articulista y conferenciante habitual. En 1996 fue nombrado presidente de ASSITEJ (Asociación Española de Teatro Infantil y Juvenil), cargo que ejerció durante dos años. Desde ese mismo año, y hasta 2000, fue subdirector general de Teatro en el Ministerio de Educación. Algunos de los títulos más conocidos que ha escrito son “La curva de la felicidad”, “Mujeres frente al espejo” o “Felices 30”. Además es el máximo responsable de Secuencia 3, empresa dedicada a la producción y distribución teatral, a la representación artística y a la organización de eventos, entre otras actividades. Aceptando el desafío de “El fantasma de la ópera” en sus artículos, quisiera participar en el debate. Y os animo a participar a todos. Hay soluciones y no podemos dejarnos llevar por el pánico y el pesimismo. Ante la parálisis de contrataciones de espectáculos en los teatros públicos, voy a plantear diez propuestas de actuación, que parten de un diagnóstico: nuestro sistema ha reventado por el exceso de intervención y control de las Administraciones en los procesos de producción y exhibición de los espectáculos escénicos. Y con un objetivo básico: facilitar el acceso de los ciudadanos a la más amplia variedad de ofertas escénicas al tiempo que el mercado debería comenzar a regular la relación entre la producción y la exhibición. 1. Ante la morosidad de las Administraciones Públicas, los teatros públicos deberían estar obligados a pagar las facturas de las empresas de Artes Escénicas en el plazo que marca la Ley de Contratos del Sector Público (no más de 60 días). Si no lo hicieren y estuvieran recibiendo ayudas

de productores y distribuidores y en las que se objetiven al máximo los criterios de selección de producciones para ofertar a los plenos de los programadores. Las producciones subvencionadas por una comunidad deberían ser seleccionadas automáticamente. Los teatros públicos de gestión privada o mixta deberían incorporarse a las Redes. Deberían también establecerse criterios de reciprocidad a través de convenios entre comunidades para que las producciones de una comunidad reciban en otra comunidad el mismo tratamiento (por ejemplo, una compañía murciana podría ser considerada como castellana y leonesa y viceversa si firmaran convenios sus comunidades): se facilitaría la comunicación cultural entre comunidades. 4. La Red Española. Favorecer el cumplimiento de sus objetivos iniciales de los años 90: facilitar giras rentables a las compañías al tiempo que se reducen los costes de contratación para los teatros. Y mayor implicación del INAEM, que podría coordinar de nuevo la Red Española (tal vez no fue un

7. Modelos de gestión de los teatros públicos: gestión pública y privada. A fin de reformar el sistema y de afrontar la parálisis contractual de espectáculos, deberían promoverse planes de gestión y programación privadas de algunos de los teatros públicos a través de consorcios, compañías residentes, concesiones, convenios u otras alternativas. Se facilitaría la libertad de creación, la contratación más directa y sin intermediaros. Se facilitaría una gestión económica más austera y (hasta se recuperaría el IVA, que los teatros públicos no pueden recuperar)… 8. Asociacionismo y Academia de las Artes Escénicas. Urge la unidad de acción –dentro de las lógicas diferencias– de las asociaciones de productores y el esfuerzo imaginativo para unirse en una sola en aquellas comunidades en las que hay diferentes asociaciones. Y todas unidas en la Federación de Asociaciones de Productores, promuévase una Confederación de Asociaciones o Federaciones de profesionales de las Artes

10 propuestas para el debate

por Eduardo Galán

para su programación a través de la Red de Teatros de su Comunidad o de otros programas, dejarían de pertenecer a dicha Red y de recibir ayudas hasta que hubieran cumplido con los pagos pendientes. De la misma manera que las empresas privadas deben estar al corriente de pagos con la Seguridad Social y con Hacienda. 2. Política de subvenciones. A fin de disminuir el desmesurado número de producciones existentes, deberían plantearse las comunidades autónomas la extensión o creación de las subvenciones reintegrables (o una parte reintegrable), dejando para eventos escénicos determinados o nuevas empresas las subvenciones finalistas. O, en su defecto, subvencionar producciones ya estrenadas. Con el mismo objetivo, deberían promoverse las coproducciones entre empresas de distintas comunidades, iniciativa que ya ha incorporado el INAEM y por la que debemos felicitar a su equipo directivo. En cualquier caso, apostar por ayudas más elevadas a menos empresas. El INAEM podría dar un paso más y favorecer el riesgo, subvencionando sólo las representaciones que se realicen a “taquilla”. 3. Modificación de los reglamentos de las redes autonómicas. Sustituir, en la medida de lo posible, las comisiones artísticas de programación por comisiones técnicas, en las que participe, como observador, un representante de las asociaciones

acierto – y participé en aquella decisión– desvincularse del INAEM) al tiempo que debería encontrar presupuesto para participar activamente en la nueva Red Española. 5. Del acceso a la funciones de director gerente y de programador de los teatros y auditorios públicos. Debería exigirse a los nuevos candidatos la formación profesional adecuada (titulación superior o en Escuelas Oficiales de Arte Dramático) y/o una experiencia acreditada en gestión de Artes Escénicas, ya sea en el campo privado o en el público. Se debería valorar la formación en algún postgrado de gestión cultural. 6. Del mejor aprovechamiento de los recintos escénicos públicos. Los Teatros Públicos deberían estar abiertos seis días a la semana, como una Biblioteca o un Museo. Para dotarles de contenido artístico podrían asociarse con compañías residentes, incentivar las campañas escolares y para la tercera edad o espectadores de zonas agrarias, en colaboración con las consejerías de Educación y de Asuntos Sociales. Se deberían, además, promover nuevos estatutos, de manera que todos los teatros puedan contratar “a taquilla” (o fijo + taquilla) y facilitar la explotación directa de los espectáculos por parte de los productores cediendo el uso de las instalaciones con las fórmulas contractuales que correspondan.

Escénicas, para obtener eficacia en los acuerdos con las Administraciones. Avancemos en la creación de la Academia de las Artes Escénicas, como instrumento de promoción de los espectáculos, captación de espectadores y acercamiento conjunto a los ciudadanos. 9. Educación y teatro. Ayudas a los discapacitados para asistencia al teatro. Aunque no es el momento económico adecuado, debemos seguir exigiendo que en la próxima reforma del sistema educativo se incorpore la enseñanza de las Artes Escénicas de una forma reglada y coherente (como la música y las artes plásticas), impartida por profesionales titulados en las Escuelas Oficiales de Arte Dramático. Al mismo tiempo, se debería facilitar la accesibilidad de las personas con discapacidad física o sensorial a todos los teatros. Así mismo deberíamos incorporar los sistemas de audiodescripción para personas con discapacidad visual y un sistema de subtitulado que permita la comprensión de las obras teatrales por parte de las personas con discapacidad auditiva. 10. Ley de artes escénicas en cada comunidad. Es el mejor instrumento para llevar a cabo las reformas del sistema y funcionamiento de las Artes Escénicas. Sobre este punto, dada su fundamental trascendencia, escribiré más adelante un artículo único, explicando los porqués de su necesidad y su sentido.


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compañías teatro de texto

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

La compañía José Maya presenta

“La mujer por la fuerza” de Tirso de Molina

El próximo 17 de junio la compañía de José Maya regresa a la sala Guindalera, de la que es habitual, con el montaje de “La mujer por la fuerza”, de Tirso de Molina. El estreno de la obra tuvo lugar en el mismo escenario hace ahora un año y se confirma como una de las más celebradas comedias del teatro clásico. El argumento de este texto se centra en Finea, una mujer locamente enamorada del conde Federico, al que ni siquiera conoce ni ha visto en persona. Pero su obsesión la llevará a disfrazarse de hombre para conseguir llegar a él. Bajo su nueva apariencia, Finea logrará convencer a todo el mundo de que Federico ha mancillado la honra de una joven y debe casarse con ella. La joven, obviamente, es la propia Finea. José Maya dirige esta comedia de enredo que Tirso de Molina escribió en el siglo XVII y que sigue siendo considerada una de las piezas más divertidas de nuestro teatro. El reparto está formado por algunos de los actores habituales de Guindalera como Ana Alonso, Álex Tormo y José Carrasco, y por los de la compañía Brazodoble Producciones, de la que forma parte José Maya, José Bustos, Beatriz Ortega, Alicia González y Chiqui Maya. Brazodoble Producciones ha sido invitada nuevamente por el proyecto conjunto que llevan a cabo Guindalera y Escena Abierta desde que se asociasen y crearan una compañía de teatro, una sala de teatro y un estudio de actores.


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teatro de texto

Foto: Javier del Real.

La galdosiana “Electra” recala en el Teatro Español de Madrid

Electra es una joven huérfana criada en un orfanato francés y apartada de la sociedad española desde la infancia. Su madre Eleuteria, de pasado escandaloso, tuvo trato con varios hombres en la familia, por lo que se desconoce la identidad del padre de Electra. La joven, que ha sido acogida en el palacio familiar por su tía Evarista, es objeto de deseo por parte de los varones de la casa. Entre ellos se encuentra el sobrino de Evarista llamado Máximo, un científico viudo y padre de dos hijos. Benito Pérez Galdós escribió este texto en 1901, y el pasado 6 de mayo se estrenó una versión teatral en el teatro bautizado con el nombre del famoso autor en Las Palmas de Gran Canaria. Tras este estreno nacional, el montaje llega ahora a Madrid y estará en cartel del 10 al 20 de junio en el teatro Español de Madrid. Sara Casanovas interpreta a Electra en esta versión adaptada por Francisco Nieva y dirigida por Ferrán Madico, en la que también participan Miguel Hermoso Arnao, Maru Valdivieso y Sergio Otegui, entre otros, hasta completar a los trece actores que dan vida a los personajes galdosianos. El montaje ha contado con la producción de DD & Company y del Teatro Español, del que es responsable Mario Gas.


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“El jardín de los cerezos”, la última obra de Chejov, se representa en el teatro Tribueñe En la Rusia de finales del siglo XIX se vive un importante cambio social producido por la sublevación de los siervos que se traduce en la imposibilidad, por parte de las clases altas, de mantener sus propiedades sin esclavos. Una familia acomodada se enfrenta a la posibilidad de perder sus posesiones y su patrimonio debido al derroche al que está acostumbrada la matriarca familiar, Liubov Andreievna. Esta es la sinopsis de “El jardín de los cerezos”, un texto que se ha llevado a los escenarios en incontables ocasiones, y aunque su visión dramática, centrada en la imposibilidad de solucionar el conflicto por parte de sus protagonistas, ha sido su variante más habitual, estamos frente a una comedia. La madrileña sala Tribueñe –cuya compañía lo representa– acoge este montaje desde el pasado otoño, una obra que a ojos de su directora, Irina Kourbeskaya, ha sido tratada desde un punto de vista más optimista que en sus versiones anteriores. Los personajes de esta nueva adaptación de “El jardín de los cerezos” no están dispuestos a perder lo que les conforma como personas. Sus sentimientos, su necesidad de amar y de ser amados, es lo que les permite conservar la esperanza ante el desastroso futuro que se les avecina. Protagonizada por la propia Irina Kourbeskaya, Mª Ángeles Pérez-Muñoz, Antorrín Heredia, Iván Oriola y Chelo Vivares, un total de doce intérpretes dan vida a los intensos personajes de Chejov en “El jardín de los cerezos”, que permanecerá en Tribueñe hasta finales de esta temporada.


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compañías

teatro de texto

Diálogos repletos de humor y cruda ironía se encierran en “El congelador” Estrenada en la localidad castellonense de Vila-Real en 2008, “El congelador” se presentó del 2 al 6 de junio en el teatro Talía de Valencia, y se podrá ver el día 11 en Vilafranca (Castellón), el día 18 en Quart de Poblet (Valencia), y del 7 de julio al 1 de agosto en la sala Muntaner de Barcelona. “El congelador” es el primer montaje de Oscura Teatre, compañía creada por el actor y autor dramático Abel Zamora y el actor y director de escena Sergio Caballero para poner en pie esta obra, escrita por el primero. El notable interés que ha despertado “El congelador”, que obtuvo el premio del público en Escènia 2009, ha provocado que Oscura Teatre haya alcanzado un acuerdo de distribución con la compañía valenciana Mutis pel Fòrum para afianzar sus posibilidades comerciales en los próximos meses. Su argumento de la comedia muestra a un carnicero y su empleado que se quedan encerrados en el congelador del establecimiento. Una sucesión de sentimientos encontrados (soledad, miedo, rabia, odio…) irán apareciendo en escena, entre risas y llantos, dándole a la pieza un toque realista en medio del absurdo . Los diálogos mezclan humor e ironía con la más cruda realidad, mientras la esperanza por que alguien les rescate lucha por no quedarse también congelada. Oscura Teatre ha puesto en marcha un segundo montaje también escrito por Abel Zamora, “La indiferencia de los armadillos”, estrenado el 16 de septiembre del año pasado en el Espacio Inestable de Valencia.

“Tu ternura molotov” llega a España a El venezolano Gustavo Ott, uno de los dramaturgos más destacados del actual panorama internacional, vuelve a los escenarios españoles con “Tu ternura molotov”, en un montaje producido por el Teatro Nacional de Colombia bajo la dirección de Wilson L. García, que ha contado con la interpretación de Jairo Camargo y Patricia Tamayo, dos de las principales figuras del teatro, el cine y la televisión colombianos. En esta obra se parte de un hecho fortuito que provocará que los dos integrantes de un matrimonio de éxito –un abogado y una presentadora de informativos de televisión– conozcan cosas del pasado del otro que desconocían. Para Ott el objetivo era desenmascarar la hipocresía y la doble moral que suele subyacer en la gran mayoría de relaciones “perfectas” y “respetables”. Según Ott, el texto no refleja sólo lo que interpretan los actores sino a todos nosotros. El texto “lo hemos repetido todos y no

través de la F


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25 el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

T de Teatre presenta su nuevo montaje, “Delicades”, en el Grec Festival de Barcelona

El Grec Festival de Barcelona, que se celebrará entre el 25 de junio y el 1 de agosto, contará en esta ocasión con el estreno de la nueva propuesta de la compañía T de Teatre, que se llevará a cabo en el teatro Poliorama. “Delicades” es un espectáculo escrito y dirigido por Alfredo Sanzol que por primera vez en la historia de la compañía cuenta con la intervención de dos actores masculinos entre su elenco. “Delicades” está formado por piezas y fragmentos aparentemente inconexos pero que guardan un punto de unión en un universo asombroso y esperanzador. El texto, origi-

nalmente escrito en catalán por Sanzol, ha sido traducido por Sergei Belbel y está interpretado por Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla, Ágata Roca, Albert Ribalta y Jordi Rico. La compañía ha contado con el Grec Festival de Barcelona junto al que produce “Delicades” y con el apoyo del Intitut Catalá de les Industries Culturals (ICIC) y la colaboración del teatro La Sala del Ayuntamiento de Rubí (Barcelona). T de Teatre parte del humor como base y ésta ha sido una constante en la mayoría de los trabajos que ha realizado desde que la compañía se fundase en 1991 a manos

de cinco actrices recién graduadas. Desde el estreno de su primer proyecto, “Petits contes misogins”, que recibió el Premio de la Crítica a la Revelación Teatral de Barcelona, T de Teatre siempre ha demostrado que tiene un sello propio y prueba de ello es el exitoso montaje “Homes!”, representado ante más de 350.000 espectadores. En total la compañía es responsable de siete montajes y acarrea más de 2000 funciones en sus quince años de trayectoria. Foto: David Ruano.

ega a España a través de la Fundación Teatro Nacional de Colombia notamos el alto grado de violencia que guarda. Venimos del fascismo y hacia el fascismo vamos”. La obra se sumerge, según el autor, en “un deseo fascista que está en todo, desde el café con leche hasta el amor”. Prejuicios, desprecio a los demás, convenciones racistas y el ejercicio siniestro que ejercemos todos los integrantes de la sociedad por endulzar la memoria conforman uno de los trabajos más duros y directos de este autor de 46 años de edad, alumno aventajado de David Mamet, con quien estudió y trabajó en Londres en los años 80, y ganador de numerosos premios internacionales, con una dilatada obra también estrenada en España, país en el que residió a principios de los 90 antes de convertirse en el director artístico del Teatro San Martín de Caracas. Foto: Juan Pablo Gutiérrez.


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“Mamááá!” llega al Gran Teatro de Elche avalada por el éxito de su gira nacional

compañías

teatro de texto

Metamorfosis y Alonso de Santos estrenan la comedia “La llegada

de los bárbaros”

José Luis Alonso de Santos, el comediógrafo español vivo con mayores éxitos de nuestro teatro contemporáneo, autor de comedias tan inolvidables como “Fuera de quicio”, “La estanquera de Vallecas” o “Bajarse al moro”, entre otras muchas, y actualmente presente en las carteleras de toda España con espectáculos tan prestigiosos como “La cena de los generales”, “En el oscuro corazón del bosque” y “Trampa para pájaros”, ultima el estreno de “La llegada de los bárbaros”, una nueva comedia en estado puro que será representada por primera vez por la compañía Matamorfosis en Ciudad Rodrigo (Salamanca) en el mes de agosto, en el marco de la XIII Feria de Teatro de Castilla y León. Los espectadores no disfrutaban de un acontecimiento así desde que vio la luz “Dígaselo con Valium” en 1993. En “La llegada de los bárbaros” José Luis Alonso de Santos compara el momento actual con la caída del Imperio Romano. Es decir, la obra no solo habla de una crisis económica, ya que la crisis que nos ocupa está en todo: crisis de valores, crisis cultural, crisis personales, cambios climáticos, terremotos, inundaciones... ¡La crisis de las crisis! Cuando una sociedad está en esta situación siempre llegan los “bárbaros” dispuestos a sacar partido y a cambiarlo todo, a despreciar lo construido hasta el momento y a arrasar con todo lo que se encuentren por el camino. Y así, quien no perece en la bar-

“Se alquila sofá-cama”, una La comedia protagonizada por Terele Pávez y Carles Castillo que dirige Elena Diardes, titulada “Mamááá!”, supone una mirada ácida lanzada sobre las relaciones familiares, cuando sus miembros se ven superados por las circunstancias. “Mamááá!” se estrenó el pasado 19 de marzo en Valladolid y después inició una gira que la ha llevado durante los meses de abril y mayo a pasar por los escenarios de Ciudad Real, Cuenca o Alicante, ciudades en las que la obra ha sido muy bien acogida. La trama cuenta cómo una anciana centenaria hace imposible la vida a su hija, casada con un hombre insulso y madre de un chaval que cuida a la anciana. El título hace referencia a este personaje anciano, cuya presencia nunca se hace visible pero logra que toda la vida de la casa gire en torno a su figura, y que no deja de dar problemas y de reclamar atenciones y cuidados. La responsable de esta divertida reflexión es la compañía La Recua, que ha contado con Elena Diardes para dirigir el texto escrito por Pep Antón Gómez y Jordi Sánchez. Como es habitual en el trabajo de La Recua Teatro, que en este caso coproduce el montaje junto a la productora Está Por Ver, la compañía vuelve a hacer caer al espectador en la reflexión por medio de la risa.

Alfonso y Bienvenido, los dos protagonistas de la obra “Se alquila sofá-cama”, comparten piso a los treinta y pico años. Hasta aquí todo normal. El problema surge cuando la convivencia debe hacerse más estrecha y se ven obligados a compartir el sofá-cama y a aceptar a un nuevo y enigmático compañero de piso que hace que el minúsculo apartamento donde viven se comprima. Ambos pondrán lo mejor y lo peor de sí mismos para solucionar estas estrecheces, pero, ¿qué haría el espectador? ¿Mentir en una entrevista de trabajo? ¿Irse a vivir con la pareja? ¿Irse a vivir con los padres? ¿Presentarse a un concurso de televisión? Antonio y Bienvenido lo intentarán todo… ¡Todo! La compañía de la sala Cero Teatro estrenó esta comedia de unos 80 minutos de duración en este recinto sevillano entre los días 16 y 18 de abril, en el marco del feSt, el Festival Internacional de Teatro y Artes

comedia sobre la


á-cama”, una

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el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

De izda. a dcha: Juan Alberto López, José Luis Alonso de Santos y Yiyo Alonso.

barie se suma a ella con el único propósito de sobrevivir. La gracia está en lo que se puede llegar a transformar un individuo, un pueblo, y una sociedad entera para adaptarse a los cambios impuestos por los bárbaros. “La llegada de los bárbaros” fue escrita por José Luis Alonso de Santos para que fuera llevada a escena expresamente por Metamorfosis, por lo que sus personajes están concebidos para ser interpretados por Yiyo Alonso y Juan Alberto López, quienes además siguen sus directrices escénicas. Lejos del frívolo escapismo o del costumbrismo asainetado, esta obra no obvia los conflictos, pesares y fragilidades de los personajes, pero los combate introduciendo la sonrisa unas veces o provocando la carcajada otras, sin reírse de ellos, sino con ellos, e invitando a los espectadores a contribuir con su complicidad. En definitiva, se trata de una comedia para reírse en tiempos de crisis.

comedia sobre las estrecheces de la convivencia

Escénicas de Sevilla. Próximamente iniciará una gira por Andalucía, con funciones en Huelva durante el mes de junio, en Almería en octubre, y en Huelva y Cádiz en fechas aún por concretar. José María Peña y Elías Sevillano dan vida a los protagonistas de esta obra escrita por Juan Alberto Salvatierra y dirigida por Julio Fraga, uno de los directores más relevantes del panorama teatral andaluz.


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28 el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

compañías

humor

“Non Solum”, de

Pepe Garamendy se nutre de

Jorge Picó y Sergi López, vuelve a Barcelona

en su nuevo espectáculo

“Non Solum” ha recorrido Cataluña, Baleares, Valencia, Francia, Bélgica, Suiza, parte de Latinoamérica e incluso la Polinesia Francesa desde su estreno en Girona en 2005. Se han llevado a cabo cerca de 160 representaciones y solo en las 25 que se realizaron en Barcelona durante las dos últimas temporadas por más de 9.000 espectadores. Los responsables de este exitoso montaje son el actor Sergi López y el dramaturgo y también actor Jorge Picó, ambos premiados en categoría de Mejor Autor Teatral en Catalán o Valenciano en la reciente edición de los Premios Max. Su protagonista, Sergi López, también ha sido galardonado por su interpretación con el Premio Terenci Moix 2010, mientras que el pasado año fue reconocido con el Fotogramas de Plata al Mejor Actor de Teatro por esta misma obra. López define este texto como “un monólogo, pero no un monólogo al uso. Es una comedia existencial, caótica y muy surrealista que hace reír a la gente”. Sobre el escenario, el actor exprime su versatilidad interpretativa y se transforma en diversos personajes cuyas identidades son de lo más variopinto. Uno habla con un político encargado de administrar el dinero público, otro cuenta cómo fue su primera vez con un extraterrestre, un tercero canta, otro baila y todos sorprenden. “Non Solum” regresó a Barcelona el pasado 20 de mayo, concretamente al teatro Poliorama y de la mano de Setzefetges (Ring de Teatro), donde Sergi López compagina los rodajes de dos nuevas películas con su actuación en este montaje que se representará en la Ciudad Condal hasta el próximo 20 de junio.

“La teleporquería”

Después de una exitosa temporada en el teatro Fernán Gómez de Madrid, donde permaneció del 10 de marzo al 4 de abril, Pepe Garamendy prosigue la gira de presentación de su espectáculo más reciente, “La teleporquería S.L.”, en el que el monologuista argentino ofrece su habitual sentido del humor, cáustico y mordaz, echando en esta ocasión una mirada crítica y divertida al mundo de la llamada “telebasura”, principalmente en los reality shows y en las tertulias centradas en el mundo del corazón. El talento de Pepe Garamendy ha conseguido situarle actualmente como una de las figuras clave del panorama actual del humor, en el que se muestra como heredero de una saga tan llena de comicidad y espíritu crítico como la recta que pasa por puntos como Gila o Pedro Ruiz.


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clown

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

La compañía Los Excéntricos participará en el Festival de Avignon con “Rococó Bananas”

Desde el 7 hasta el 31 de julio la ciudad francesa de Avignon organizará su festival anual de teatro, uno de los más prestigiosos de Europa, que este año celebra su 64ª edición. El espectáculo “Rococó Bananas”, de la compañía franco-catalana Los Excéntricos, ha sido elegido para representar a nuestro país en esta nueva edición del festival. Por su parte, Los Excéntricos ha realizado una intensa gira internacional que ha llevado este mismo montaje a países como Canadá, Francia, Alemania e Italia. “Rococó Bananas” propone un juego surrealista en el que se encuentran el humor del género “slapstick” del bofetón y la caída, con el humor inteligente cargado de imaginación. Los personajes que se dan cita en esta historia varían desde un violón-trompeta hasta una cabeza parlante, una diva desafinada o un aspirador loco. El trío que conforma esta compañía de origen catalán y francés, pero que se autodenomina ciudadana universal, está formado por Marceline, Sylvestre y Zaza. Los integrantes de Los Excéntricos han cumplido ya más de veinte años viajando y exprimiendo sus habilidades como malabaristas, equilibristas y músicos, dotes que renuevan la figura del clown gracias a las perfectas dosis de modernidad y clasicismo que esta formación aplica.


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compañías

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musicales

“Tatuaje. Homenaje a doña Concha” rinde tributo a la vida y obra de la Piquer

El comienzo de la gira de “Tatuaje. Homenaje a doña Concha” se produjo el pasado mes de febrero en el teatro Principal de Valencia a cargo de la compañía valenciana Saga. Se trata de un musical en el que se realiza un repaso a la obra de la gran coplista Concha Piquer, una de las más grandes intérpretes de la música popular española, que también destacó por su faceta transgresora. En un época en la que el papel de la mujer quedaba relegado a las labores del hogar, Concha Piquer se convirtió en un ejemplo de fortaleza e iniciativa al dedicarse a la canción desde los once años para convertirse en una

figura de la canción también fuera de nuestras fronteras. Canciones como “Ojos verdes”, “Y sin embargo te quiero” o “Suspiros de España” se han convertido en clásicos de la copla en nuestro país a través de su voz. En este montaje, son dos las actrices que dan vida a la artista, Aurora Frías y Eva Santamaría, cantante que representó a España en Eurovisión en 1993. Juli Leal ha escrito el libreto del musical que dirigen José Sáiz y Sento Blay, y que cuenta en la dirección musical con la batuta de José Madrid.

Teatro cómico y copla se dan la mano en “¡¡¡Aquí A modo de un sentido homenaje a dos géneros tan importantes en nuestro país como el teatro cómico y la copla, la Compañía Popular de Teatro Cómico Español, que fundó y dirige el autor e intérprete Julio Tejela, prepara para este verano una nueva producción titulada “¡¡¡Aquí no pasa nada!!!” y cuya contratación ya está abierta. Este espectáculo, que se basa en la obra “La fiesta”, escrita por el propio Tejela, cuenta con la participación de la cantante María Gracia, intérprete a la que un entendido de la canción española como es el periodista Carlos Herrera ha definido así: “Sin duda estamos ante una de las voces más expresivas de la copla y el bolero, una artista que nace y muere en cada actuación”. María Gracia interpreta a una futura estrella del mundo de la copla que, cuando va a grabar su primer disco, se tiene que refugiar de los paparazzi en un chalé en el que va a celebrarse una fiesta. Confundida con otra de las invitadas, se sucederán un sinfín de equívocos y de situaciones a cada cual más disparatada que provocarán las continuas carcajadas de los espectadores y el deleite de aquellos amantes de temas como “La morena de mi copla”, “Las cosas del querer”, “Los maletillas”, “Noches bonitas de España”, “Rocío”, “La luna” o “No te vayas de Navarra”, que María Gracia interpretará integrados en la trama.

no pasa nada!!!”

Julio Tejela y María Gracia.


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el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

“Por los ojos de Raquel Meller” inicia una gira internacional

nada!!!”

La cuarta temporada de la que disfruta el espectáculo “Por los ojos de Raquel Meller” avala el éxito de esta pequeña producción que se ha representado en la sala Tribueñe de Madrid y que está dirigida por Hugo Pérez y protagonizada por Maribel Per, Chelo Vivares, Belén González, Iván Oriola e Irina Kouberskaya, directora de la sala. La compañía Al Filito de la Silla ha recuperado el arte de la tonadillera Francisca Marqués López, la que se convirtió en la Bella Raquel y acabó derivando en la famosa Raquel Meller. La cupletista fue reconocida como una de las más grandes figuras de los escenarios españoles de principios del siglo XX, y pese a que su entierro en Barcelona en 1962 fue multitudinario, su nombre acabó cayendo en el olvido. Hugo Pérez, además de dirigir este cuidado musical, es el autor de la idea, el guión, la coreografía, la iluminación, la escenografía y el vestuario. La fascinación que causó la figura de Raquel ha quedado perfectamente plasmada por este confeso admirador de la copla, y de la tradición musical y folclórica de nuestro país. “La violetera”, “El relicario” o “Flor de té” son algunos de los temas que popularizó Raquel Meller, una artista que teatralizó cada una de sus canciones con una expresividad nunca antes vista. La puesta en escena cuenta con la música en directo, con los temas interpretados por sus protagonistas y el acompañamiento al piano de Mikhail Studyonov. Tras cumplir con el programa de esta temporada en la sala Truibueñe, el montaje se despidió en mayo de Madrid, pero solo por el momento, para iniciar una gira internacional.


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compañías

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danza

Bolera” del

Foto: Josep Aznar.

Retorna a Madrid la “Escuela Ballet Nacional de España

El espectáculo “Escuela Bolera”, dividido en tres partes e integrado por ocho piezas, regresará a Madrid, en concreto al Teatro de la Zarzuela, entre el 8 y el 18 de julio. Este montaje, inspirado en las danzas populares españolas del siglo XVIII y dirigido por el director del Ballet Nacional de España, José Antonio, fue estrenado precisamente en Madrid el 15 de marzo del año pasado para conmemorar el XXX aniversario de la compañía, y en su elaboración, además de su máximo responsable, participaron prestigiosos coreógrafos como Victoria Eugenia o Pericet. Precisamente el programa dedica su primera parte a la coreografía de Pericet “Seis sonatas para la Reina de España”, de 1985, para la que

Ramón Ibars ha “reiventado” la escenografía que hizo originalmente. También se incluyen “Chacona”, de Victoria Eugenia, y “Zarabanda” y “Amanecer en el XVIII”, de José Antonio. Para la segunda parte, dedicada a la música de Albéniz y titulada “Mosaico andaluz”, se recupera el vestuario de Miguel Narros para “Córdoba”, y para “Rumores de la caleta” se han reproducido algunos de los trajes originales que Dalí creó para “El sombrero de tres picos” y “El café de Chinitas”. Además esta parte del programa contiene “Eritaña” y “Puerta de tierra”, ambas del inolvidable Antonio. Y por último, la tercera parte se centra en “Danza y tronío”, de Mariemma, con la música coral de Boccherini.

Sara Lezana firma la coreografía de “Carmen”, del Ballet Flamenco de Madrid El inmortal mito de “Carmen”, la pasional cigarrera sevillana, regresa a la cartelera madrileña de la mano del Ballet Flamenco de Madrid, que presenta por cuarto año consecutivo su versión de la obra de Bizet. Sus funciones comenzaron el pasado 25 de mayo en el teatro Nuevo Apolo de la capital y cuenta con un elenco compuesto por 25 artistas, entre bailarines y músicos, encabezados por Erika Macías y Vera León, alternándose en el papel principal, y con la participación especial de su coreógrafa: Sara Lezana. El Ballet Flamenco de Madrid es una compañía independiente creada por Luciano Ruiz que desde sus comienzos en 2005 ha recorrido países como Italia, Alemania, Portugal, Egipto, Emiratos Árabes, China, Costa Rica, Perú o Máxico. “Carmen” es el único espectáculo privado de Madrid que presentará esta temporada 11 funciones a la semana y que ya ha superado el impresionante número de 1.400 representaciones, .


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teatro de calle

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

Markeliñe regresa al festival londinense Watch this Space con

“Carbón Club”

Por segundo año consecutivo, la compañía Markeliñe actuará en el Teatro Nacional de Londres en el marco del festival Watch this Space, uno de los encuentros escénicos más importantes de Europa, en el que volverá a participar con su espectáculo de calle “Carbón Club”. Durante cinco días, entre el 6 y el 10 de julio, en los exteriores de este emblemático recinto el cabaret minero de esta compañía vizcaína desplegará todo su arsenal para no dejar a nadie indiferente. De hecho, ya en 2009 el público respondió de manera muy sorprendente y positiva, algo que la organización de Watch this Space ha tenido muy en cuenta a la hora de volver a contar con este espectáculo. Pero no solo reaccionaron bien los espectadores, también lo hizo la crítica, que llegó a decir de este montaje que “deslumbra y deja estupefactos a la vez” o, en el caso de Serena Kutchinsky, de The London Paper, que “se trata más de una experiencia teatral que de una producción convencional”. Markeliñe regresa a Inglaterra con una obra que se fundamenta en tópicos de la cultura española, algo que a primera vista podría suponer una barrera, pero que, sin embargo, funciona de manera contraria. “Carbón Club” es una obra de mediano y gran formato, de teatro gestual, lleno de fuerza expresiva y de imágenes impactantes. Con la minería como trama principal, este montaje se define como “el cabaret de los mineros muertos”. Por eso, pretende ser un homenaje a los hombres y mujeres que trabajan en la minas y que dieron su vida por una actividad tan digna como difícil. Sin embargo, también intenta ser una gran metáfora de la vida: habla del importante valor de la amistad, del destino trágico, de la valentía vital o de las demandas contra la explotación laboral, entre otros temas.


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Los títeres dan vida al cuento “La Luna de Juan”, escrito por Carme Solé Vendrell

Durante el último fin de semana de mayo, en concreto los días 29 y 30, la compañía barcelonesa Teatre Nu representó en La Casa Encendida de Madrid uno de los montajes que conforman su repertorio. Se trataba de “La Luna de Juan”, un espectáculo basado en el cuento homónimo escrito e ilustrado por Carme Solé Vendrell, una de las autoras más reconocidas de Cataluña. Ella misma ha colaborado en la confección de los elementos escenográficos, que han sido elaborados con un gran respeto por las ilustraciones del álbum original pero sin copiarlas, con la firme intención de transmitir su espíritu teatral de una manera tan fiel como actual. La obra se podrá ver también los días 17 y 18 de junio en Salamanca. Esta producción de títeres, que está dirigida a niños a partir de 3 años, aunque su público ideal es el formado por espectadores de 7 años de edad, habla de las emociones de un niño que debe salvar la vida de su padre. Padre e hijo viven felices en una isla hasta que, una noche de tempestad, un golpe de mar arrebata la salud del padre. Armado de ingenio y valentía, el pequeño vivirá una gran aventura por tierras y lugares desconocidos hasta que, con la ayuda de la Luna, conseguirá rescatar del fondo del mar la salud debilitada de su padre. Teatre Nu, que este año celebra su X aniversario, estrenó “La Luna de Juan” en euskera en noviembre de 2007 y desde entonces ha girado por todo el País Vasco. No es la primera vez que la compañía barcelonesa traduce a la lengua vasca uno de sus montajes, ya que ya lo hizo con anteriores proyectos. Ahora trabaja en la traducción de “Abuelo Ramón”, su más reciente producción, que en vasco se llamará “Aitona Matias”, y que trata con gran delicadeza la enfermedad del Alzheimer y los vínculos afectivos que se establecen entre los más pequeños de la casa y la gente mayor.

compañías

infantil

“La Sombra”, un misterioso personaje que surge del televisor

Cuatro años de vida cuenta la compañía de teatro de títeres Hormigas Suben al Árbol, nacida de la mano, nunca mejor dicho, de dos integrantes de la antigua asociación Soñando con Títeres: Raquel Berná y Susana Marín. Actualmente presentan la obra “La Sombra”, un espectáculo estrenado en noviembre de 2009 que protagonizan Tino, Rosa y Martín, tres personajes que habitan en un mundo donde los mejores amigos pueden ser reales o imaginarios, un mundo de juegos, dragones y princesas. Pero hoy esta familia ha recibido un fabuloso regalo: ¡un televisor a color con mando a distancia! Por la noche, cuando todos duermen, la pantalla se enciende sola y deja escapar un ser tan atractivo como peligroso… ¡La Sombra! Está por Ver Producciones distribuye este montaje infantil en el que las propias Raquel Berná y Susana Marín se han encargado de la construcción de los títeres y de la escenografía, mientras que de la manipulación de los personajes se ocupan Begoña Iriarte, Nuria Malvado y Mª Cruz Jaén. Alberto García, por su parte, es el responsable de dar vida a la enigmática Sombra.


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35 el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

Pata Teatro estrenó “Una casa en las afueras”, una comedia lunar

La compañía malagueña Pata Teatro propone crear una reflexión acerca de un tema social como es la inmigración a través de su nueva obra, “Una casa en las afueras”. Una familia, hastiada de la vida terrestre y de los problemas que se crean en nuestro planeta decide mudarse a la Luna, donde se establece y comienza a disfrutar de sus múltiples comodidades. Sin embargo, su nueva e idílica ubicación se verá invadida por un nuevo inquilino, también terrestre, que ha decidido seguir los pasos de sus congéneres. Los problemas comienzan cuando la familia original no parece estar de acuerdo con que otros sigan sus pasos y temen que lleguen más terrícolas a arruinar su nuevo estilo de vida. Elena Mediavilla, Josemi Rodríguez, Mara Guil e Ignacio Mateos se han puesto a las órdenes de Julio Fraga, uno de los más destacados direc-

tores teatrales del panorama andaluz, para llevar adelante esta divertida apuesta que propone hacernos pensar desde la solidaridad y la comprensión. El estreno de “Una casa en las afueras”, obra dedicada al público familiar, se produjo el 15 de mayo en el teatro Cánovas de Málaga. Durante el mes de junio también se pudo ver en la madrileña sala Tarambana los días 5 y 6, y en Villanueva del Rey (Córdoba) y en Algodonales (Cádiz) los días 8 y 10 respectivamente. Las localidades de Cabra (Córdoba) el día 11 y de Huétor-Tájar (Granada) el día 16, también la acogerán a lo largo del mes de julio, mientras que en agosto se representará los días 3, 4 y 5 en la provincia de Salamanca, y el día 21 en Cenes de la Vega (Granada).


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compañías

infantil

“Los Ratonautas y la Banda del Queso” prosiguen con su viaje espacial y musical Las localidades de La Cabrera y Moralzarzal, situadas en la sierra de Madrid, recibieron con una gran acogida el pasado mes de abril la visita de la nave Rocket Fort One de “Los Ratonautas y la Banda del Queso”. Este espectáculo musical a cargo de la compañía Sin Fin está dirigido a los niños de todas las edades que quieran compartir un buen rato repleto de canciones populares, bailes y música. Siete actores de

Sin Fin interpretan los papeles de Roxy, Richi, Rita y sus músicos, los cuales interpretan y cantan junto al público los grandes éxitos de la canción infantil. Los diversos estilos musicales que se repasan durante el espectáculo, así como la divertida puesta en escena a ritmo de reagge o country, consiguieron que los más pequeños pasaran un rato inolvidable.

“TV Show 2010” acerca a pequeños y mayores a los personajes preferidos de las series de animación “TV Show 2010” es una propuesta creada por la productora BRB Internacional y distribuida por Waiter Music, que ha sido ideada para reunir a toda la familia en torno a diversas atracciones ambientadas en el mundo de los más famosos personajes televisivos. A lo largo de una jornada completa, tanto niños como adultos podrán disfrutar de los shows más variados y de todo tipo de actividades y entretenimientos en los que los anfitriones serán los protagonistas de las series de televisión que han encandilado a varias generaciones. Personajes como David el Gnomo, cuyo XXV aniversario se celebra este año, D’Artacán y los tres Mosqueperros y Rui, el pequeño Cid, darán vida a sus propios espectáculos en los que enseñarán los valores de la amistad y el cuidado del entorno. Tras ellos, el grupo Sábado 3:30 interpreta y coreografía los grandes éxitos musicales de las series de televisión clásicas y modernas como “Bob Esponja”, “La abeja Maya”, “Ben 10” o “Heidi”. Finalmente el musical “La vuelta al mundo de Willy Fog“, con catorce artistas en escena, pondrá el broche a un día para el que la organización también ha preparado cuatro carpas en las que se han programado varios talleres educativos, castillos hinchables, concursos y el espectacular Bus Star y su Cabalgata de Estrellas.


Queso”

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equipamiento

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instalaciones

Consola digital Soundcraft Vi4 en el Teatro Campoamor de Oviedo De todos es sabido que las consolas digitales están terminando de sustituir a las analógicas en las instalaciones de audio y en las giras. Ha sido una transición tecnológica mucho más lenta en comparación con la ocurrida en el sector de la iluminación, pero todas las marcas han terminado apostando por este formato, entre ellas la firma americana Soundcraft (perteneciente al grupo Harman Pro y representada en nuestro país por Earpro), que lanzó su primera mesa digital, el modelo Vi6, en 2006. En nuestro país la marca ha encontrado una gran aceptación en diversas aplicaciones y entre ellas están las instalaciones fijas en teatros y auditorios. Uno de los ejemplos es el Teatro Campoamor de Oviedo, donde la compañía Musical Marcos instaló una consola Soundcraft Vi4. El director técnico del teatro, Roberto Alonso, nos da algunas explicaciones sobre esta elección: “La Vi4 es muy intuitiva. Después de 20 años usando mesas analógicas, el cambio ha sido muy fácil. En muy poco tiempo adquieres una seguridad similar a la que tenías trabajando con cualquier mesa tradicional”. La calidad del sonido es una de las máximas inquietudes de los ingenieros y técnicos de sonido, y es un aspecto que ha generado mucho debate sobre si las consolas digitales han perdido o ganado enteros respecto a sus antecesoras. A este respecto Roberto Alonso afirma que “hay muchas aplicaciones en las que puede primar una u otra tecnología; en nuestro caso, la mejora en calidad de audio ha sido considerable. Por la programación del teatro, muchos técnicos tienen que utilizar nuestro sistema de audio y la opinión general ha sido tremendamente positiva. La hemos utilizado en recitales de ópera, toda la temporada de zarzuela, ballet y todo tipo de eventos”. Una de las ventajas de las mesas digitales es que integran los procesadores de dinámica y efectos, permitiendo prescindir de largos y pesados racks de aparatos. Otras marcas ofrecen DSP's integrados, pero las mesas de Soundcraft llevan la firma de BSS, DBX y Lexicon, que ya llevan mucho años establecidas como estándares de la industria. “Gracias a la cantidad y calidad de dinámica de la mesa hemos podido eliminar el rack de procesadores externos y su cableado, con lo que ahora tenemos un espacio de trabajo mucho

El Teatro Campoamor de Oviedo cuenta en su sala de control con una consola Soundcraft Vi4

más cómodo y limpio”, añade Alonso. “También me gustaría destacar la versatilidad de la Vi4 en cuanto a envíos y conectividad. En muchas ocasiones no sólo nos encargamos del sonido directo del teatro, sino que somos los responsables de enviar la señal de audio para la retransmisión por televisión. Antes solíamos alquilar una mesa adicional para este fin, pero ahora nos repartimos la superficie de trabajo de la Vi y cada uno trabaja con sus ecualizaciones, niveles, etc”.

También en el Gran Teatre del Liceu Pero no es el Campoamor el único ejemplo, la empresa Twin Cam Audio ha llevado su experiencia en los eventos en directo a la instalación fija con la implantación de dos Soundcraft Vi4 en la sala de control del Gran Teatre del Liceu de Barcelona. El responsable de audio del Liceu, Antoni Arrufat, más conocido como "Rufus", confiesa que su elección fue sencilla: “El Gran Teatre del Liceu precisaba de un sistema digital de altas prestaciones acorde con las exigencias de nuestro día a día. La serie Vi de Soundcraft nos ofrecía una relación calidad-precio sin igual, y con sólo escuchar la mesa lo tuvimos claro. Después de un año lo que más nos satisface es su fiabilidad; aún sacándole el máximo partido hasta la fecha no hemos tenido ningún problema”. El Liceu dispone de una sala de control situada un piso por encima del plano escénico. Por esta sala pasan tanto la señal de directo como la de broadcast, por lo que a ella llegan y de ella salen todas las señales de una función.

En cuanto a los ensayos, para poder escuchar el sonido en directo y hacer las correcciones pertinentes es necesario estar a pie de sala. Esto era realmente complicado con su sistema analógico: el coste del cableado y las horas de mano de obra necesarias para trasladar el control (con todas las señales) a la platea eran desproporcionados. La implementación de la tecnología digital fue decisiva para este fin. Ahora el teatro dispone de una segunda superficie de mezcla Vi4, que conectan al rack de control aprovechando la infraestructura de fibra óptica ya existente en la sala. Pero esta no es la virtud favorita de Rufus. “Lo mejor de todo –comenta– es la posibilidad de guardar los ajustes de cada espectáculo. Nuestra programación alterna diferentes representaciones y obras a lo largo de la temporada, y con las mesas analógicas cada vez había que empezar de cero”. De igual forma, los técnicos guardan las configuraciones establecidas durante los ensayos y las cargan a la consola de la sala de control para los siguientes pases. Y todo ello “con muchas más entradas y salidas, mayor control y sobretodo una calidad de sonido claramente superior”. Soundcraft continúa actualmente esforzándose por perfeccionar esta tecnología y por ello su proyecto no acabó con la serie Vi. La recién aparecida serie Si da muestras de que la forma de trabajar “analógica” no está reñida con la era digital, presentando una mesa compacta, con un manejo como si de una mesa analógica se tratara, pero incluyendo las ventajas y añadidos de una consola digital. Por otra parte, la firma también anuncia la inminente aparición en el mercado de la nueva y esperada Vi2, toda una Vi en tan solo 85 cm.


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novedades

Crown renueva su serie XLS

Crown, marca líder en fabricación de etapas de potencia, presenta la tercera generación de la serie XLS, la cual se compone en la actualidad de cuatro modelos en formato de dos unidades de rack, con amplificadores tipo D y un potente y eficaz DSP interno, ofreciendo un rango de potencia desde 375 W hasta 775 W por canal, a 4 Ohm y con un peso de solo 7 Kgs. Los amplificadores de clase D son conocidos por su extraordinaria eficiencia y por estar bien adaptados a la hora de mover cargas reactivas difíciles, tales como subgraves. Sin embargo, su rendimiento puede verse afectado por tensiones de red inestables. Para hacer frente a eso, los ingenieros de Crown desarrollaron la tecnología Drivecore™ (un circuito integrado híbrido analógico-digital desarrollado con Texas Instruments, que gobierna el extremo frontal de la fase de salida del amplificador clase D). Por otro lado, con el procesador Crossover PureBand la frecuencia de corte es completamente variable, permitiendo la elección del punto de cruce entre 50Hz y 3KHz. El DSP nos permite trabajar hasta con cua-

tro configuraciones, asignando el corte de frecuencia a cada una de las salidas establecidas. Esta función es realmente interesante, por ejemplo, para poder trabajar con la etapa en modo estéreo para subgrave. Todos los ajustes del sistema del Crossover Pureband se pueden configurar de forma rápida y fácil desde el panel frontal, usando un intuitivo interface LCD. Otra característica impactante son los nuevos limitadores de pico, que ofrecen lo último en funcionamiento y protección para el sistema. Este avanzado algoritmo fue específicamente desarrollado para trabajar con el amplificador y la fuente de alimentación conmutada que se incluye, con el objetivo de conseguir el mayor SPL con la menor distorsión. Como punto a destacar, los limitadores de pico se activan y desactivan junto al canal derecho en el panel, no siendo necesario ir a la parte trasera de la etapa.

Yamaha presentó la nueva consola M7CL-48ES en su RoadShow 2010

El jefe de producto de Commercial Audio de Yamaha en España, Jacinto López, muestra las características de la nueva consola M7CL-48ES a los asistentes al RoadShow celebrado en Madrid.

Durante el pasado mes de mayo Yamaha Commercial Audio ha estado realizando un RoadShow para presentar a sus clientes sus principales novedades, entre ellas la potente consola digital M7CL-48ES, con 72 canales listos en escasos minutos a través de una rápida y simple auto configuración de los racks de escenario SB168-ES. La gira de presentaciones pasó por Sevilla el 13 de mayo, Madrid el día 18 y Barcelona el día 20 y ha tenido una buena acogida por parte de los profesionales asistentes que pudieron ver de cerca y probar, además de la nueva consola, varias series de producto y todas las soluciones de audio en red de la marca.


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equipamiento

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escenografía y vestuario

Continúa la gira de “La lozana andaluza”, para la que la diseñadora Mayte Bona ha creado un elaborado vestuario de época La compañía Morfeo Teatro Clásico continúa girando con su montaje de “La lozana andaluza”, de Francisco Delicado, un texto renacentista que resume con acierto algunas de las constantes del Siglo de Oro español. Morfeo Teatro Clásico cuenta con Mayte Bona para el diseño de vestuario, una labor que compagina con la de gerente de la compañía y actriz. Desde sus comienzos, Mayte ha buscado una fiel adaptación a la época que se retrata en cada uno de los montajes que ha llevado a cabo la compañía, dando prioridad a la fidelidad del patronaje y de los materiales empleados. Para ello, la documentación es fundamental en la labor de Mayte Bona, que estudia los códigos de la época para cada nuevo trabajo visitando museos y anotando los detalles de cuadros y documentos relativos a los trajes y complementos. La trayectoria de Morfeo Teatro Clásico ha hecho un recorrido que va desde el siglo XV hasta el XIX, con lo que muchos de los elementos han sufrido una adaptación. El trabajo de vestuario ha sido alabado en cada nuevo montaje que ha emprendido el equipo, cuyas obras “De burladores y burlados“ y “El Buscón” de Francisco de Quevedo, se encuentran también en cartel en estos momentos. La compañía dirigida por Francisco Negro está preparando su nuevo espectáculo a partir de “El sombrero de tres picos”, cuyo estreno tiene previsto para el mes de septiembre.

Detalle del vestuario creado por Mayte Bona para el clásico teatral “La lozana andaluza”

“Del maravilloso mundo de los animales: los corderos” cuenta con la escenografía de Álvaro Gómez Candela

Cuadro escénico adaptado por Álvaro Gómez Candela para “Del maravilloso mundo de los animales: los corderos”

El proceso de montaje de “Del maravilloso mundo de los animales: los corderos” comenzó por la elección del director por parte de la compañía Histrión Teatro, fundada en 1994 y ampliamente reconocida por la crítica desde sus comienzos. Daniel Veronese, dramaturgo y director de origen argentino fue la elección que hizo la compañía y a continuación se eligió este texto escrito por Veronese como punto de partida. La escenografía necesaria para “Del maravilloso mundo de los animales: los corderos” llegó por parte del propio director, que había empleado el mismo diseño para dos obras anteriores. El trabajo de Álvaro Gómez consistió en adaptar ese diseño a las necesidades del texto. Un trabajo que se solucionó con gran sencillez por medio de paneles que crean una estructura casi cuadrada con una puerta que divide dos ambientes, el que ve el espectador y el que no ve y crea una sensación de desasosiego. La escenografía persigue la sencillez, una constante que se aprecia también en el vestuario, la iluminación y la ausencia de música y que contrasta frente a la complejidad de las situaciones. Álvaro Gómez Candela trabaja con Histrión Teatro desde “El casamiento”, que se estrenó en 2006, basada en dos relatos cortos de Antón Chejov, y para la que diseñó una orquesta de autómatas músicos. Más adelante ha colaborado también en “Juana, la reina que no quiso reinar”, en cartel este mismo año.


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la técnica instrucciones de uso opinión

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Los requerimientos técnicos de la compañía no eran excesivos, pero tratándose de un espectáculo de danza, uno de los puntos clave eran las dimensiones mínimas del escenario. Se había fijado un área mínima para el baile de 10x10 y se establecieron las condiciones del suelo y su idoneidad para la danza. Cuando llegamos al lugar de la representación, después de los consabidos ciao y benevenuti de rigor, cuál no fue nuestra sorpresa al constatar que aquello que ellos denominaban orgullosamente “il palcoscenico” media sólo 6 x 7 metros y parecía un patatal. ¡Y además debíamos embutir en él todo el dispositivo de iluminación y decorado! Era obvio que en esas condiciones no se podía efectuar la representación. Se organizó una discusión digna de una película de Fellini en la que mi interés era saber por qué nos habían mentido en cuanto a las dimensiones de la escena. Su respuesta -a medio camino de la sorpresa y el enfado- fue de una lógica aplastante: - ¡Si os hubiésemos dicho la verdad, no hubierais venido! - ¡Pues claro que no!, insistíamos. ¡Esa es una decisión que nos habéis hurtado mediante un burdo engaño! Los organizadores no salían de su asombro ante el enorme enfado de la compañía. ¡Con el esfuerzo que habían hecho para que pudiéramos estar allí! Ya se ve que hay amores que matan.

calidad del producto que el contratado quiere presentar. Puesto que estamos abocados a entendernos, deberemos negociar de buena fe. Así que no entiendo aquellas compañías que perjudicándose ellas mismas, no son capaces de proporcionar una ficha técnica de gira completa y bien elaborada. Tampoco entiendo a aquellos teatros que desprecian las necesidades técnicas que se les plantean: (¡Mira que piden estos! ¿Se han vuelto locos?) y tampoco a aquellos equipos técnicos que van con la negativa por delante para ahorrarse trabajo. Si con nuestra práctica habitual hacemos que las compañías desconfíen sistemáticamente de que el teatro cumplirá, estamos envenenando el medio. Éstas se ven obligadas a hinchar las condiciones, sabiendo que se les

fiesta. Del mismo modo las compañías deberían evitar tomar por simple comodidad actitudes intransigentes ante las dificultades de los espacios para cumplir las condiciones técnicas o abordar los costes derivados de las mismas. Una buena metáfora es la que presenta el rider técnico como un pastel de varios pisos. En el piso inferior se establecen las condiciones imprescindibles para el espectáculo; en el siguiente piso, las condiciones necesarias; en el siguiente las aceptables; en el siguiente las óptimas; más arriba las “gran lujo” y si queremos, lo coronamos con una guinda de “condiciones extra gran lujo”. Habrá que negociar a partir de él sabiendo que hay margen de maniobra. Pero mientras la compañía puede ver rápidamente si el espec-

La compañía en gira: ¿el enemigo en casa? Rápidamente la discusión derivó hacia los aspectos legales y económicos. Sólo diré que ante la evidencia de que nunca saldríamos con bien de un litigio, la compañía, -con la condición de cobrar el caché por adelantado y en metálico-, terminó por actuar. Efectuó una parodia del propio espectáculo en el que las evoluciones de los bailarines recordaron más una pista de autochoques que la coreografía original. Partimos de la idea de que quien contrata tiene interés en presentar el mejor espectáculo ante su público y que la compañía tiene interés en efectuar una representación de calidad. Pero acoger en nuestro teatro una compañía no es lo mismo que comprar un electrodoméstico que se enchufa y ya está. Más bien se parece a comprar el armario Faktum de Ikea. Algo tenemos que poner de nuestra parte para que el espectáculo se produzca en condiciones óptimas. La compañía nos manda una ficha técnica de gira que es conveniente leer y pactar. No en vano los ingleses la denominan technical rider que no quiere decir otra cosa que “cláusula adicional técnica”. Todo depende de si lo consideramos únicamente una lista de demandas, una simple relación de condiciones técnicas o un pliego de condiciones que hay que cumplir y que forma parte del contrato como cláusula adicional. La negociación de las condiciones técnicas de la representación es una cuestión delicada ya que tiene consecuencias económicas no desdeñables para el contratante e inciden en la

recortará sin avisar y, contrariamente, los teatros que quieren cumplir afrontan un pliego de condiciones poco confiable que les penaliza económicamente. Al final hacemos difícil un acuerdo razonable que debe basarse en la confianza mutua o, como dicen los juristas, en la buena fe contractual. Basta con un ejemplo: ¿Quién es capaz hoy de decidir cuántos mozos de carga y descarga hacen falta para un bolo concreto? A menudo oigo a los técnicos reclamar una especie de formulario estándar para redactar las condiciones técnicas. Me parece un esfuerzo un tanto vano ya que el problema que afrontamos no es tanto formal como de credibilidad: ¿Expresa el documento las necesidades reales de la compañía? ¿Es fiable y coherente técnicamente? ¿Está completo o faltan cosas? Más que apuntar al “formulario estándar” de aplicación casi imposible dada la extraordinaria variedad formal de los espectáculos, podríamos trabajar en otras direcciones. Se trata de establecer una negociación de doble vía: el responsable técnico de la gira estudiará cómo adaptar las necesidades del espectáculo a las condiciones del espacio y el responsable técnico del teatro estudiará cómo adaptar las condiciones de su espacio a las necesidades de la compañía. Es capital entender que el interés de ambos es efectuar la mejor representación y que la negociación se establece de igual a igual. Acoger una compañía no es tener el enemigo en casa ni invitar a un niño malcriado a una

táculo encaja en el espacio, (otra cosa son los aspectos de personal necesario); el teatro sabe que afronta un pastel de varios pisos sin saber en qué punto puede cortar. Algo tan simple como sustituir un foco por otro tiene consecuencias sobre el resultado artístico y necesitamos imperiosamente el acuerdo de la compañía. El teatro, utilizando la posición de fuerza que le da el ser la parte contratante, puede caer en la tentación de imponer su criterio, corriendo el riesgo de dañar o hundir el espectáculo. La compañía es la única que sabe cómo afectan las condiciones determinadas a la calidad final del producto y es libre de decidir si hace el espectáculo o no. Para ello, después de una negociación a fondo, sin olvidar ningún detalle, se redactará la ficha técnica adaptada al espacio, o las modificaciones que ambas partes aceptan y se incluirá en el contrato. Por tanto parece imprudente firmar contratos sin el acuerdo de los equipos técnicos. Y esa afirmación vale tanto para los teatros y festivales como para los representantes de las compañías. Ah!, se me olvidaba: Los contratos se cumplen. De lo contrario nunca sabremos si contratamos unos autos de choque o un espectáculo de danza. ¿Por qué será que me siento extraño reclamando “buena fe”? ¿O bastaría con pedir profesionalidad? Jordi Planas


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la última

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reflexión

Las respuestas políticas frente a la crisis están mostrando la escasísima capacidad de las instituciones públicas para ofrecer salidas que no supongan recortes presupuestarios y “redimensionamientos”. Pero también sacan a la luz la debilidad estratégica de las organizaciones culturales, que deberían orientarse en estos momentos a la innovación y a proponer soluciones en las que el sector cultural asuma un mayor protagonismo en la gestión pública. Es el tema de fondo que propone a reflexión en este número nuestro colaborador, Robert Muro.

Las cosas, cuando la pendiente se inclina hacia abajo, van más rápido. Eso parece que ocurre con la cultura en las últimas semanas. Bajo cualquier piedra periodística se esconde una nueva noticia sobre recortes presupuestarios –en argot políticamente correcto léase redimensionamiento– aplicados a la actividad cultural en España, ya de por sí frágil. Supresiones, dimisiones, reducciones… La última de ellas, de las noticias digo, se refiere al “redimensionamiento” de lo que iba a ser un lugar emblemático en San Sebastián, el Centro Internacional de Cultura Contemporánea, denominado Tabakalera por tener su sede en la antigua fábrica de tabacos de la ciudad. Las instituciones, en un verdadero alarde de imaginación en la gestión de la crisis, han decidido cortar por lo sano y meter los presupuestos en el raquítico “lecho de Procusto” que han decidido emplear para capear la crisis. Y así, todo lo

intervención política o económica institucional. Muestra su incapacidad absoluta para innovar el modelo cultural, dependiente y funcionarizado, de la cultura española. Aprovechemos el momento. De la necesidad es preciso hacer virtud. Las empresas y compañías del sector saben que en momentos de crisis, quien reduzca su perfil o se achante, tiene muchos boletos en la rifa de la desaparición. Quien dé uno o dos pasos al frente, innove, arriesgue, piense diferente, puede no triunfar, pero al menos habrá comprado en la que sí toca. Al grano. En uno de los post de mi recién estrenado blog, decía: “Qué falta de imaginación tienen nuestros políticos –también muchos de los gestores culturales–, y qué escasa capacidad de iniciativa la de nuestras organizaciones culturales. Nos hemos acostumbrado de tal manera al dinero público que cuando desaparece se nos abre el infier-

caso de Tabakalera, era de quince millones de euros). Las instituciones, en este caso, solamente deberían encargarse de que en esas nuevas manos se cumplieran los fines de servicio público que tiene la cultura. Los poderes públicos como marcadores de estrategias y guardias de tráfico cultural. Nada más. Y nada menos. Hoy, los presupuestos reales de cultura en inversión y gasto, sean municipales, comunitarios o estatales, son muy pequeños comparados con el capítulo uno, los gastos de personal. Todas las administraciones han engordado brutalmente durante estos años la nómina de gastos fijos, sustancialmente los de personal, a costa de una cada vez más limitada cantidad proporcional en gasto de inversión. Claro, cuando las vacas flacas llegan, se recorta la acción pero no se puede recortar el número de funcionarios a cuyas nóminas hay que hacer frente.

Todo el poder a la sociedad civil.

O, al menos más

que salga de lo que pueden pagar, simplemente se suspende, se pospone, se retrasa, se corta. Joxean Muñoz, como antes la directora de la Biblioteca Nacional, ha dimitido. Se me escapa la cuestión de fondo. Se me escapa y además, no es una revista como ésta el marco adecuado para entrar en ese fondo que puede expresarse con una sencilla pregunta: ¿Por qué pagan la crisis los que no la han generado y sin embargo los que la desencadenaron –los bancos en primer lugar– se siguen frotando las manos y alardeando de beneficios en su gestión? Pero, lo dicho, no es éste el lugar para esbozar respuestas a tan radical pregunta. Pero sí es el lugar idóneo para plantear una pregunta que nos afecta y nos va a afectar los próximos años: ¿Podrían hacerse las cosas de otra manera en el ámbito de la Cultura? ¿Podría sortearse la crisis afrontándola con otra perspectiva? Porque, en mi opinión, el hecho de que a los responsables políticos solamente se les ocurra reducir los presupuestos, muestra su incapacidad para encontrar soluciones que no pasen por la

no bajo los pies. Pues podría no ser así, claro”. Y es que hay un modelo político que podría contribuir a cambiar el panorama e introducir cambios estratégicos en la Cultura. Nada más y nada menos que democratizar la gestión pública de lo cultural y dar a la sociedad civil y sus organizaciones –empresas, fundaciones, organismos culturales privados, creadores, artistas– y al tejido cultural organizado, responsabilidades concretas en la gestión de los espacios públicos, en la programación y en la dinamización cultural de ciudades, pueblos y barrios. ¿De verdad que es tan difícil imaginar Tabakalera gestionada por representantes de todas esas instituciones privadas que en San Sebastián HACEN cultura cada día? No estoy planteando el asalto al Palacio de Invierno: es preciso desarrollar fórmulas concretas, organizar, explorar, dejar trabajar, arriesgar… Cambios que requieren debate y acuerdos, tiempo y planificación, por supuesto. Claro que la democracia tiene riesgos, pero esta fórmula permitiría llenar de contenidos los espacios culturales con menos presupuesto (en el

Consecuencia, superávit de funcionarios para gestionar la nada. Las organizaciones culturales, y en general la sociedad civil pueden hacer mucho por aportar soluciones a la crisis. Necesitan asumir un nuevo papel, más activo y responsable…, y que efectivamente se les permita intervenir en la cultura, es decir, que la gestión se democratice. Todo el poder a la sociedad civil y a las organizaciones culturales. Así acabo esta página que hoy me ha salido especialmente “cañera”, como parece que exigen los tiempos. Perdonen. Pero tengo una enorme confianza en la democracia cultural como medicina buena contra el “redimensionamiento” de la cultura. Una mayor intervención de la sociedad civil y de las organizaciones culturales en la gestión pública no parece tener más contraindicaciones que el miedo de los políticos.

Robert Muro elmuro@elmuro.es


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El Espectáculo Teatral