N º 72 Abril 2012 El Espectáculo Teatral by El Espectáculo Teatral

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Editorial

Gracias, señor Mortier

el mundo del espectáculo teatral www.elespectaculoteatral.es Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

l 18 de septiembre de 2010 los asistentes al estreno en el teatro de La Abadía de “Solo”, espectáculo del coreógrafo y bailaor flamenco Israel Galván, se frotaban los ojos para comprobar que no estaban soñando, que seguían en Madrid y que no se encontraban ante un photo call del Lincoln Center de Nueva York. Allí estaban Gerard Mortier –que pocos meses antes había debutado como director artístico del Teatro Real–, Marina Abramoviĉ –la artista de performance más importante del mundo–, Antony Hegarty –líder de la banda Antony and the Johnsons– y el legendario creador teatral norteamericano Bob Wilson. Fue entonces cuando se tuvieron las primeras noticias del proyecto escénico que más expectación internacional ha levantado en los últimos años, “Vida y muerte de Marina Abramoviĉ”, un montaje que este mes de abril ha llegado al Teatro Real de la capital de España, después de estrenarse el verano pasado dentro del Manchester International Festival. Se dice que en los últimos meses, por primera vez en su historia, la programación del Teatro Real de Madrid ha atraído a los grandes críticos internacionales de ópera. Ha sido con “Vida y muerte de Marina Abramoviĉ”. Antes, con el “San Francisco de Asis”, de Olivier Messiaen, en el Madrid Arena. Hace escasas semanas con “C(h)oeurs”… A Mortier hay que agradecerle, sobre todo, el interés que está despertando su programación en una generación verdaderamente joven, alérgica al tufo rancio que desprendía el recinto de la plaza de Isabel II. También recientemente, el nuevo programador de los teatros públicos de la capital, Natalio Grueso, ha afirmado querer “convertir Madrid en una de las grandes capitales culturales del mundo”. El poco tiempo que el australopitecus de Álvarez Cascos le dejó operar al frente del Centro Niemeyer (un centro inaugurado, hay que recordarlo, el 25 de marzo de 2011) fue suficiente para que bastantes representantes de la cultura internacional de primer orden supieran de la existencia de una ciudad diminuta como es Avilés. De natural pesimista, sabiendo que no es mejor momento para este tipo de propuestas de vanguardia y que el presupuesto que le han ofrecido a Grueso –25 millones– no permite florituras, si quiero entrever que, al menos, hay voluntad de “internacionalizarnos” y, también, talento para lograrlo: lo que hace falta es que la una encuentre al otro. Hay tanta incertidumbre en las circunstancias que nos está tocando vivir que no podemos permitirnos ir a lo seguro, porque estamos comprobando que no hay nada seguro. Al contrario: las artes escénicas españolas (y en ellas incluyo a la ópera) necesitan desarrollar nuevas formas de manifestarse de cara al futuro y eso pasa, por supuesto, por nuevos compositores, nuevos dramaturgos, nuevos coreógrafos, nuevos escenógrafos, nuevos figurinistas, pero también por proyectos valientes, desarrollados por grandes artistas visuales, actores y cantantes. Ahí estará el público. Y vuelvo al ejemplo de Bob Wilson y “Vida y muerte de Marina Abramoviĉ”: Antony no es, en ningún caso, ni falta que le hace, un belcantista, pero nos muestra un ejemplo de emotividad no exenta de lirismo que, junto con los talentos y personalidades de Wilson, Abramoviĉ y Dafoe han convertido este espectáculo en una auténtica ópera, pese a todas las diferencias con el canon wagneriano, verdiano o rossiniano que tanto sigue pesando entre los viejos abonados del Real. Y con todas las entradas para sus diez representaciones agotadas (bastantes de las de platea al disuasorio precio de 90 euros). La necesidad aguza el ingenio y si se bucea en las aguas profundas de la vanguardia y el underground a lo mejor se encuentran los nombres de veintitantos años que dentro de cincuenta se sigan considerando “vanguardia”. Tenemos que evitar seguir desperdiciando nuestros talentos. Tenemos que impedir que Juan Domínguez tenga que vivir y trabajar en Berlín, que Rodrigo García no sea un extranjero en la que es su casa, o que Mateo Feijoó no tenga que abandonarnos escaldado tras su paso por La Laboral. Jesús Rodríguez Lenin Editor

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c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRID Tel.: 91 304 04 88 Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁNDEZ lenin@dosdimensiones.es Director de arte: ENRIQUE PÉREZ eperez@dosdimensiones.es Redactor Jefe: SANTI GARCÍA santigarcia@dosdimensiones.es Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER. Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES Publicidad: ABEL VALERO SALINAS abel@elespectaculoteatral.es Publicidad Equipamiento: SANTI GARCÍA santigarcia@dosdimensiones.es Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L. Depósito Legal: M-46213-2005 Imprime: Villena Artes Gráficas. Distribuye: National Post.

SUMARIO: 8

FERIAS Y EVENTOS - 6: Entrevista a Jesús Cimarro - 8: deFeria - 9: Umore Azoka - 10: Fira de Teatre de Titelles de Lleida - 11: Festival de Otoño en Primavera

14 RECINTOS - 13: Arteria Coliseum y Nuevo Apolo 16 COMPAÑÍAS - 14: Entrevista a Antonia San Juan - 16: Teatro de texto - 22: Humor - 24: Ópera - 27: Danza - 29: Infantil 31 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO OPINIÓN - 12: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 26: Ferias y feriantes, de I. Rodríguez - 33: La Técnica, de Jordi Planas - 34: La reflexión, de Robert Muro

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Jesús Cimarro

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Pentación / Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

“Siempre he defendido el modelo de colaboración entre lo público y lo privado. Creo en el teatro público, que tiene que llegar donde no llega la iniciativa privada. Y con ese lema estamos todos en este mismo barco; más ahora en estos tiempos de crisis” El Festival de Teatro Clásico de Merida ha demostrado que su prestigio está por encima de cualquier polémica, por mucha amplificación mediática que tenga. Ahora afronta una nueva etapa confiando su gestión a la productora Pentación, bajo la batuta de Jesús Cimarro, cuya apuesta es arriesgada. Su empresa asumirá el déficit que pueda darse en la próxima edición y, en el mejor de los casos, los beneficios irán destinados al Patronato del Festival para revertir en la programación de la próxima edición. Pero no se siente solo ante el reto y se muestra impresionado por el apoyo político: “El presidente de la Junta de Extremadura –afirma– me ha sorprendido por lo en serio que se está tomando este asunto. El Festival de Mérida no sólo es el buque insignia de Mérida, sino de Extremadura e, incluso, de España. Es una identidad de la cultura española, que es tremendamente variada”. 6

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uándo decidiste competir para gestionar el Festival de Mérida? - A mi me llamaron de la Consejería de Educación y Cultura de la Junta de Extremadura para explicarme que se iba a proceder a la externalización de la gestión de esta próxima edición del Festival y que me iban a presentar un pliego de condiciones para que presentara una oferta. El pliego me llegó el pasado mes de febrero y, seguidamente, me puse manos a la obra a presentar una propuesta de programación y de gestión de la LVIII edición del Festival de Mérida. Sé que se presentaron tres empresas y que, finalmente, se eligió mi propuesta, que seguía la filosofía que marcaba el www.elespectaculoteatral.es

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ferias y eventos Patronato del Festival que pasaba, fundamentalmente, por recuperar la esencia grecolatina del certamen, que se centrase en el Teatro Romano de Mérida y plantear actividades paralelas a la programación. - ¿Y cómo preparaste esa programación? ¿La tenías ya en la cabeza o la tuviste que crear de la nada en quince días? - Se ha elaborado en un mes. El festival comienza el 5 de julio y se prolongará hasta el 26 de agosto. El día 29 habrá una ceremonia de clausura en la que se hará entrega de los premios Ceres, la diosa de la fecundidad que preside el Teatro Romano. Casi toda la programación cuenta con autores griegos salvo un Plauto. Hay comedia y tragedia; el espectáculo inaugural se llama “Hélade”, está realizado con una mezcla seleccionada de textos griegos y música. Luego vendrá el “Anfitrión” de Plauto, en versión de Eduardo Galán, con dirección de Juan Carlos Pérez de la Fuente; “Electra” de Eurípides, en versión de Vicente Molina Foix y dirección de José Carlos Plaza; “Odisea”, de Homero, en versión de Rafael Álvarez “El Brujo”, que también la dirige; finalmente hay dos producciones con compañías extremeñas, “Las bacantes” de Eurípides y “Ajax” de Sófocles. “Las bacantes” contará también con un Dj que pinchará música en directo. Habrá también un programa de conferencias que dirige un catedrático de la Universidad de Extremadura y vamos a organizar un Foro de Directores de Festivales Europeos que durante dos días tratará de analizar la situación de los festivales de teatro en Europa, sus modelos de gestión y programación, las coproducciones, etc. Aunque el Foro es europeo, el director del Festival de Teatro de Buenos Aires ya me ha manifestado su interés por participar e, incluso, hermanar el de Buenos Aires con el de Mérida y me parece estupendo, porque pienso que la clave del futuro pasa por internacionalizar los esfuerzos. Yo estoy completamente de acuerdo con que las producciones que puedan llegar al festival sean coproducciones… con Edimburgo, con Epidauro, con Nancy, Aviñón, Portugal, Italia, Holanda… - Tengo entendido que parte de tu objetivo pasa, también, porque los espectáculos que se ofrezcan en Mérida no se queden ahí, sino que tengan más recorrido… - Ese es el objetivo que me he marcado. Históricamente, Pentación ha producido siete espectáculos en Mérida, desde 1989. Y muchos de ellos han sido explotados más allá del festival: “Yo, Claudio”, “Fedra”, “Anfitrión”, “El banquete de Platón”, etc. Distintos espectáculos que se han coproducido con el festival han podido hacer gira lo que me parece fundamental, porque son espectáculos de teatro clásico de primera categoría, que deben poder prewww.elespectaculoteatral.es

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sentarse no sólo en otras ciudades, sino fuera de España. De los seis espectáculos que se ofrecen este año, cinco son estrenos absolutos y el sexto se estrena dos semanas antes… Ofrecemos la exclusividad y la novedad y en estos momentos, por la premura de tiempo, no ha habido oportunidad todavía de estructurar una gira posterior. Pero el objetivo está ahí, salvo con el espectáculo inaugural, que sólo se presentará en Mérida. - Tus producciones cuentan habitualmente con primeras figuras. ¿Va a ser también la tónica dominante de estos espectáculos? - Va a haber actores importantes del panorama teatral español. Algunos, incluso, no han actuado nunca en el Teatro Romano. Gente muy importante, con un gran prestigio. Y ahora lo van a hacer. Pero todavía no puedo anunciar nombres. Se hará en mayo, cuando se ofrecerá una nueva rueda de prensa y se pondrán las entradas a la venta. El objetivo, por supuesto, es que vaya el máximo número de espectadores posible. - En años de recortes, ¿cómo se va a financiar? - Una parte se financia gracias a la aportación del Patronato del Festival, pero otra parte tiene que salir de la taquilla. Y Pentación asumirá el déficit, si se produjera. Y si hay beneficios, a partir de una cantidad irá a parar al propio Patronato, para ampliar la próxima edición.

- ¿Eso es así? ¿Pentación no se va a beneficiar? - Da cierto vértigo, efectivamente, porque vamos a hacer un enorme esfuerzo por lograr que sea un gran festival. Necesitamos un porcentaje de ocupación media del 65% para no perder… Por eso estoy pidiendo complicidad al sector, a los medios de comunicación y a la propia ciudad de Mérida. Vamos a ofrecer una programación atractiva, de calidad y de gran altura para que el público acuda masivamente. Yo tengo un contrato de un año. Y si sale bien y la administración quiere que siga, seguiré. Y si sale mal, pues no continuaremos. - ¿Lo consideras como un test para esa idea que siempre has defendido del modelo de colaboración entre lo público y la empresa privada? - Evidentemente. Salga bien o salga mal vamos a trabajar para que salga bien. Yo siempre he defendido el modelo de colaboración entre lo público y lo privado. Creo en el teatro público, que tiene que llegar donde no llega la iniciativa privada. Y con ese lema estamos todos en este mismo barco; más ahora en estos tiempos de crisis. La colaboración es fundamental para enriquecer las artes escénicas del país. Yo espero aportar un grano de arena al presente y al futuro de nuestras artes escénicas y que sirva de ejemplo del nuevo modelo que tenemos que construir entre todos.

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dFeria

El balance de su XVIII edición arroja importantes incrementos en sus cifras de participación

arece que las decisiones tomadas hace dos años por los organizadores de dFeria, respecto a los cambios en cuanto a fechas de celebración y la apertura de su programación a propuestas internacionales y de fuera del País Vasco, siguen dando buenos resultados. Después de cerrar el telón el pasado 15 de marzo el balance arrojaba un resultado más que positivo, con incrementos en todas sus cifras de participación. En los cuatro días de duración de la feria se han programado veintidós espectáculos, cuatro de ellos estrenos absolutos, y veinticuatro funciones que se llevaron a cabo en los espacios ya tradicionales en esta convocatoria de la capital donostiarra como son el teatro Victoria Eugenia, Sala Principal y Club, Teatro Principal, Gazteszena e Imanol Larzabal, a los que se sumó este año el Centro Cultural Intxaurrondo. El número de acreditados ha sido de 309 profesionales entre programadores (103), distribuidores (23), productores y compañías (74), periodistas (70) y otros (39), lo que ha supuesto un aumento del 26% respecto a 2011 (que ya había habido arrojado un incremento del 43% sobre el 2010). Se ha puesto especial cuidado en que la representación de la danza (45%) y el teatro (55%) fuese lo más equilibrada posible, puesto que la feria quiere cuidar y mimar ambas expresiones artísticas con igual intensidad.

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En cuanto al origen de los espectáculos, el 55% han sido vascos, el 27% del resto del país (Madrid, Castilla y León, Andalucía y Valencia) y el 18% extranjeros (Portugal, Italia y Argentina). Más de 5.668 espectadores asistieron a las representaciones programadas. El nivel de ocupación medio estuvo alrededor del 77%. La participación total en el conjunto de la feria ha sido de más de 8.713 personas (25% más que en 2011), vendiéndose 655 entradas más que el año anterior. En su comunicado final con el balance de la feria sus responsables se muestran orgullosos al haber conseguido realizar una edición que ha alcanzado altos

niveles tanto en el aspecto artístico como en el organizativo, así como en cuanto a la participación del sector de las artes escénicas y del público. Afirman igualmente que “hemos cumplido con todas las claves que nos planteamos en su momento sobre cómo encarar esta decimoctava edición: novedad, equilibrio entre danza y teatro, calidad... y hemos escenificado entre todos, sector, administraciones, prensa y público lo importante que es hoy en día la Feria de San Sebastián como apoyo y visibilización a la creación en el mundo de la danza y el teatro de sala”. Fotos: Gorka Bravo www.elespectaculoteatral.es

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Umore Azoka La XIII edición de la Feria de Artistas Callejeros de Leioa programa 20 estrenos absolutos

Imagen de la edición 2011 de la feria.

os organizadores de la décimo tercera edición de Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa (Bizkaia) han tenido que enfrentarse al arduo trabajo de seleccionar entre las más de cuatrocientas propuestas recibidas para participar en el evento, que se celebrará entre el 17 y el 20 de mayo. Finalmente en su convocatoria 2012 la feria contará con la participación de cuarenta y cinco compañías, catorce de ellas procedentes de Euskadi, dieciocho del resto de España y trece internacionales. Entre todas presentarán un total de cuarenta y siete espectáculos, de los cuales veinte son estrenos absolutos, dos son estrenos de calle y seis se presentan por primera vez en nuestro país. El objetivo de esta feria, organizada por el Área de Cultura y Juventud del Ayuntamiento de Leioa, con la colaboración del Gobierno Vasco, la Diputación Foral de Bizkaia y el Ministerio de Educación Cultura y Deporte, es afianzarse como el punto de encuentro de todos los artistas callejeros y programadores, haciendo una apuesta firme por los espectáculos que experimentan con la calle y están claramente diseñados para el espacio público.

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Fira de Teatre de Titelles de Lleida Prevé una asistencia de 30.000 espectadores a su 23ª edición

ieciocho compañías ofrecerán un total de setenta y cinco actuaciones a lo largo de los tres días de programación de la próxima Fira de Teatre de Titelles de Lleida, que abrirá el telón el próximo 4 de mayo con el espectáculo inaugural “El fantástico viaje de Jonás el espermatozoide”, de la compañía andaluza El Espejo Negro. Este año, debido a los inevitables ajustes económicos, la Fira se centra en priorizar los valores que la definen como feria profesional y como herramienta divulgativa y de participación ciudadana, apostando por la calidad por encima de la cantidad. Veintiún espacios de la ciudad de Lleida acogerán un amplio abanico de espectáculos de sala y de calle que incluye desde propuestas tradicionales hasta las más innovadoras y para todas las franjas de edad; la asistencia de público prevista está en torno a los 30.000 espectadores. En la programación se ha dado preferencia a las compañías catalanas; de las dieciocho participantes once son de esa procedencia, cuatro son del resto de España y tres son extranjeras. Algunas de ellas han elegido la feria para estrenar sus espectáculos, como la catalana Sienta la Cabeza que representará “Transforma’t de cap a peus” en primicia mundial. El espectáculo “Poli Dégaine”, de la compañía francesa La Pendue se podrá ver por primera vez en Cataluña y, también procedente de Francia, la Compagnie Non Nova estrenará en España “L’après-midi d’un foehn Version 1”. En el apartado profesional, la Fira contará este año con el espacio Meeting Point, que servirá de punto de encuentro, reunión y

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negocio destinado exclusivamente a profesionales de las artes escénicas. Habrá asimismo una serie de actividades paralelas a la programación general como la 12ª Feria del Libro de las Artes Escénicas, que se celebrará en la Biblioteca Pública o la 9ª Feria de Artesanos de Títeres, que tendrá lugar en la Plaza de la Catedral. Por otro lado, el Centre de Titelles de Lleida, organizador de la feria, cumple este año su 25º aniversario y para festejarlo se han organizado una serie de actividades especiales. Por un lado, la reposición del espectáculo del Centre “Gulliver al país de Lil.liput” y, por el otro, tres exposiciones: “Hansel y Gretel, òpera amb titelles”

(coproducción del Centre con el Gran Teatre del Liceu y el Teatre Nacional de Catalunya); “L’Arbre del Titelles” (producida por el IEI) en el vestíbulo del Teatre de l’Excorxador; y “Els Cartells de la Fira”, en el Café del Teatre de l’Escorxador. Por último, cabe destacar como novedad de este año la creación del Club Mecenas, el cual abre las puertas a nuevas colaboraciones de entidades y al apoyo empresarial posibilitando varios grados de mecenazgo e implicación anual con la Fira. También, de manera particular, todas las personas que quieran podrán hacer su aportación mediante la Subscripción Popular de Apoyo a la Fira de Titelles. www.elespectaculoteatral.es

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Festival de Otoño en Primavera

Foto: Pablo Nieto Ruidavets

Diez salas de la Comunidad de Madrid acogerán veinte espectáculos en su 29ª edición

l Festival de Otoño en Primavera, organizado por la Comunidad de Madrid, contará este año en su programación, que se desarrollará entre el 9 de mayo y el 3 de junio, con las nuevas propuestas de grandes figuras de la escena internacional como Peter Brook, Complicite, Patrice Chereau, Coédie Française, Odin Teatret o DV8 Physical Theatre; además de artistas emergentes y renovadores, entre los que destacan la compañía Mundo Perfeito, Xavier Bobés o Pieter Ampe & Guilherme Garrido. En total se podrán ver una veintena de espectáculos en diez recintos escénicos, entre ellos los Teatros del Canal, La Abadía, La Casa Encendida, el Teatro Pradillo y la sala Cuarta Pared en la capital, aparte de otros espacios de la región. Además de las grandes producciones anglosajonas de Complicite, DV8 Physical Theatre y Quarantine, el festival consolida su apuesta por creadores españoles como Juan Navarro y Gonzalo Cunill; Mariano de Paco, que dirige “Alemania”, de Ignacio Amestoy, o los coreógrafos y bailarines Antonio Ruz y Muriel Romero, dos jóvenes artistas que han logrado forjarse una sólida carrera a nivel internacional. Bélgica es otro de los países representados y se hace hueco en la programación con tres innovadoras compañías de reputada trayectoria a nivel europeo que hasta el momento se habían dejado ver poco en España: tg STAN, LOD y CAMPO. El resto de propuestas internacionales proceden de Francia, Italia, Dinamarca y Portugal. El apartado musical estará a cargo de dos de los más prestigiosos compositores del panorama europeo actual, Vinicio Capossela y Chilly Gonzales. El músico y performer italiano presentará por primera vez en España su espectáculo “Marinai, Profeti e Balene” y, por su parte, el pianista, compositor, productor y performer Chilly Gonzales presentará su “Piano Talk show”, un virtuoso ejercicio de interpretaciones al piano aderezadas con charlas e improvisación.

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heteatrodoxias

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Teatro, taquillas y deudas públicas En su artículo Marcé contrapone el tradicional modelo económico de los recintos escénicos públicos y la realidad de un sector de las artes escénicas regido por criterios comerciales, que debe sobrevivir en el juego de la oferta y la demanda. Existen múltiples y diversos modos de interacción entre las administraciones públicas y las empresas culturales y es necesario un cambio que simplifique esas relaciones, una de las soluciones pasa por que los contratos entre empresas, compañías y salas municipales sean de carácter mercantil.

a vida está llena de sorpresas. La gente del teatro hemos trabajado intensamente para conseguir que las salas municipales tuvieran un estatuto de gestión autónomo que les permitiera aproximarse a una explotación eficaz del centro lo más alejada posible de la burocracia municipal y del ordenamiento jurídico administrativo vigente para la gestión pública. Detrás de este objetivo existe el convencimiento de que el teatro es una actividad de características comerciales basada en el juego de la oferta y la demanda con un elemento regulador que es el precio de la entrada. Tal consideración no anula para nada las características artísticas de la producción escénica, su enorme capacidad para aportar valor añadido o el indiscutible compromiso social que aportan algunas obras. Es evidente, sin embargo, que muchos municipios mantienen el criterio de la tasa pública como criterio de pago de la entrada, lo cual obedece a una visión del teatro en tanto que servicio público, cada vez más alejada de la realidad. Tendría sentido gestionar el teatro con criterios de servicio público si la oferta y la demanda estuvieran sujetas a unas reglas predeterminadas que aseguraran la producción de un tipo determinado de teatro y si existiera a su vez un programa sistemático de visionado asociado al mundo de la educación o quizá a proyectos socioculturales estables. La realidad es otra. El teatro se rige por un principio de equilibrio entre una oferta privada muy variada y para nada sujeta a estrictos principios artísticos y una demanda cada vez más exigente. Cabe añadir a esta realidad una presión política para que los gestores teatrales obtengan niveles altos de ocupación. El resultado de esta ecuación es muy simple. La gente va al teatro cuando el espectáculo viene precedido de un cierto eco mediático, cuando los actores son famosos o cuando se trata de una gran producción. Este tipo de espectáculos cada vez tienden a ser más caros, con lo cual el precio de la entrada adquiere un papel esencial para generar una propuesta económica soste-

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nible. El presupuesto público, en consecuencia, tiende a ser percibido como algo innecesario y marginal dado que si se aplica a espectáculos poco conocidos (aunque sean magníficos) no consigue llenar los teatros, y si se aplica espectáculos grandes genera la sensación de estar pagando un diferencial inapropiado que va más allá de la capacidad de recaudación del propio teatro, aún a plena ocupación. El precio es, sin duda el elemento que equilibra esta ecuación. Por ello los presupuestos públicos tienden cada vez más a pagar las infraestructuras liberalizando los catchets para que se equiparen a las taquillas. Para conseguirlo es necesario que los teatros tengan capacidad de maniobra, y que los contratos entre empresas, compañías y las salas municipales sean de carácter mercantil. Puestos a ir más allá dentro de poco convendrá que las compañías puedan recaudar directamente la taquilla para simplificar el pago del IVA y por supuesto de los derechos de Autor. Mientras todo eso no vaya normalizándose, conviven en España todo tipo de modelos y realidades generándose una curiosa paradoja que nos obliga a realizar una nueva reflexión sobre los problemas de la gestión cultural en nuestro país. Una parte importantísima de las facturas pendientes de pago de los municipios españoles a las empresas y compañías teatrales no han sido aceptadas por el programa de tesorería impulsado por el Gobierno a través del ICO, entendiendo que no se trataba de facturas sujetas a una tramitación administrativa, en la medida que son consideradas por muchos Ayuntamientos como una deuda mercantil. No cabe duda que la naturaleza del contrato no altera para nada el carácter público de la deuda, pero como en tantos otros casos el componente ambiguo del contrato lo aleja de la consideración estricta de contrato público. Complica aún más el tema la multiplicidad de realidades jurídicas a las que compete, por cesión, externalización o simplemente por privatización la gestión del teatro municipal.

Evidentemente las empresas tienen todo el derecho a reclamar los pagos pendientes, lo cual abrirá un debate interesante del cual deduciremos cuántas de estas facturas estaban correctamente implementadas y cuántas dormían plácidamente en un cajón. La realidad demuestra que la Administración Pública está perfectamente preparada (y pensada) para gestionar servicios y administrar tasas, pero poco pensada para gestionar productos que se rigen por economías de mercado, para los cuales el precio adquiera un valor determinante. Lo realmente paradójico del tema es que en no pocos casos la función pendiente de pago generó ingresos, sino suficientes sí cercanos al valor de la factura. Ante esta situación parece obvio repensar el modelo económico de los centros culturales destinados a la exhibición de espectáculos para adecuarlos a una realidad más ecuánime con la naturaleza comercial de la actividad que se desarrolla. El retraso en el cobro de los catchets contratados con independencia, en la mayor parte de los casos, de las taquillas efectivamente conseguidas tiene efectos nefastos sobre la producción escénica española. Además de retrasar hasta límites insostenibles el salario del personal, dificulta la producción de nuevos espectáculos, o lo que aún es peor, reduce su calidad hasta la ineficacia comercial lo que produce un efecto de bucle (deja de interesar al público) que empobrece innecesariamente al sector. La producción cultural española tiene enormes problemas estructurales, pero sin duda el más grave es su gran atomización lo cual limita el capital social agregado de tal manera que la resistencia empresarial ante los problemas de tesorería es muy limitada. El sector teatral español debe prepararse para vivir con menos dinero público, pero lo que no tiene solución es aprender a vivir sin recibir de manera automática ni tan sólo las taquillas que produce. Xavier Marcé www.elespectaculoteatral.es

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recintos

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Teatro Arteria Coliseum Drive Entertainment gestionará el recinto madrileño a partir de agosto

partir del 1 de agosto la empresa Drive Entertainment sumará a la gestión de la programación del teatro Rialto la del Arteria Coliseum, ambos situados en la Gran Vía madrileña. La primera obra de gran formato que se representará en la nueva etapa del Arteria Coliseum será uno de los grandes estrenos de la temporada. Se trata del musical “Sonrisas y lágrimas”, coproducido por

Que Arte, Riga Producciones, Fluge, Vértigo Tours y Drive Entertainment y que permanecerá en dicho escenario desde el 12 de septiembre hasta junio de 2013. Actualmente el espectáculo está triunfando en la gira que está realizando por toda España previa a su llegada a Madrid. También está previsto durante la temporada 2012/2013 el estreno o reposición de obras de autores españoles con destino al

público infantil en días y horarios compatibles con la obra principal. Igualmente, Drive Entertainment y Exhibidores Unidos (Arteria), desarrollarán el acuerdo estratégico que forma parte del contrato de alquiler del recinto, orientado a la ocupación de los días y horarios libres de función por parte de la obra principal con obras que optimicen el uso de los recintos y faciliten la exhibición de obras de autores españoles.

Summum Music Iniciará en septiembre la programación integral del teatro Nuevo Apolo

a productora Summum Music es la nueva encargada de la programación integral del teatro Nuevo Apolo, que de todas formas continúa bajo la dirección de su actual propietario, Ramón Madurga Patuel. La empresa dirigida por Carlos López Fides ya ha comenzado a trabajar en la selección de los espectáculos que se representarán a partir de septiembre en ese escenario, entre los cuales tendrán cabida todo tipo de propuestas escénicas, desde teatro a musicales, conciertos, obras para público familiar, danza, etc. Con un aforo de 1.200 butacas, el céntrico recinto madrileño está a punto de cumplir 80 años de existencia y 25 como Nuevo Apolo. A lo largo de su historia ha acogido a figuras como Alfredo Kraus, Monserrat Caballé, Placido Domingo, Josep Carreras, Raphael, Sara Baras o Joaquín Cortés y en los últimos años se han representado musicales como “Jekyll & Hyde” o “Los Miserables”. Cuenta con un equipo humano con una larga trayectoria profesional y con sus propios departamentos técnico y de publicidad y comunicación. Por su parte, la empresa Summum Music además de haber desarrollado una extensa labor como promotora de conciertos en España de artistas como Janet Jackson, Paul Anka, Cindy Lauper, Chick Corea, Manhattan Transfer, Kool & The Gang, Adamo, George Moustaki, Gilberto Gil, The Beach Boys, etc, también ha ejercido y ejerce como productora y promotora de espectáculos nacionales e internacionales como “Forever King of Pop”, “Celtic Legends”, “The Spirit of the Dance”, “El lago de los cisnes sobre hielo” o el “Circo Acrobático Nacional Chino”, entre otros muchos.

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Carlos J. López Fides (izda.), director de Summum Music, y Ramón Madurga Patuel, propietario del inmueble, posan frente al teatro Nuevo Apolo de Madrid.

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compañías

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Antonia San Juan

Protagonista y productora de “De cintura para abajo”

“De cintura para abajo” es el proyecto de reencuentro profesional entre Antonia San Juan, Félix Sabroso y Dunia Ayaso. Los tres han mantenido desde muy jóvenes una gran amistad personal que llegaría a tener su reflejo y a ser un condicionante en sus respectivas carreras, dado que en ese sentido compartían sueños y vocaciones afines; pero hace más de una década que decidieron darse un respiro y seguir cada uno su propio camino, hasta que en verano del año pasado vieron que era el momento de volver a planificar y crear algo juntos. El resultado es esta comedia que coproducen ellos mismos junto a Pentación, en la que Ayaso y Sabroso también se encargan de la dramaturgia y la dirección escénica y que cuenta con las interpretaciones de la propia San Juan junto a Luis Miguel Seguí y Jorge Monje. El estreno tuvo lugar a principios de marzo con tres funciones en el Teatro Principal de Alicante, obteniendo éxito de público y crítica, y permanecerá en el Teatro de Bellas Artes de Madrid entre el 30 de marzo y el 24 el junio.

“En época de bonanza he trabajado como he podido y me lo he inventado, nunca nadie me ha ofrecido nada, ni me han subvencionado, así que en tiempos de crisis sigo aplicando el mismo criterio” 14

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uánto tiempo hacía que no trabajabas con Dunia Ayaso y Félix Sabroso? - Lo último que hice con ellos fue la película “El grito en el cielo”. Fue el momento en que nos dimos cuenta de que nos tocaba a todos crecer cada uno por su lado. Nos conocíamos y nos queríamos demasiado pero, al mismo tiempo, precisamente al existir ese afecto, verdaderamente todos sabíamos un poco cuál podía ser nuestro lugar. Durante estos trece años que hemos estado separados nos queríamos igual, pero no estábamos preparados para trabajar juntos. Ahora sí ha llegado ese momento. - ¿Cómo surgió el proyecto de “De cintura para abajo” y cuándo empezasteis a trabajar en él? - Fue todo a partir del verano pasado. Nos dimos cuenta de que desde la juventud, desde el instituto, ya habíamos planeado un proyecto y no habíamos podido llevarlo a cabo entre nosotros mismos, ni con nosotros mismos, pero ahora sí estábamos preparados para afrontarlo. Hay un gran respeto de todos por todos, dejándonos a www.elespectaculoteatral.es

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compañías cada uno el lugar para que el otro haga. Es decir, yo como actriz me someto a la dirección y a la escritura de Félix y Dunia. Existe ese respeto mutuo y cuando estamos en el teatro somos tres profesionales; ahí no hay amistad, hay trabajo. Ha resultado todo muy fácil y hemos comprobado que lo podemos hacer muy bien los tres. - ¿A la hora de escribir la obra han recuperado una idea que tenían desde hace tiempo o es algo totalmente nuevo? - No, la escribieron para mí. Me siento afortunada porque decidimos empezar con una obra desde cero, porque siempre es más fácil poner un texto nuevo en pie. Como te decía empezamos a proyectarla en verano y en septiembre yo ya estaba empezando a estudiar el texto. - Se trata de una comedia, pero parece ser que no sigue estrictamente los convencionalismos del género... - Sí, es una comedia pero no busca solamente la risa por la risa. Yo estoy convencida de que ahora mismo Félix es uno de los escritores y guionistas más importantes de este país. Me parece que sus obras están cargadas de psiquismo, de vivencias; hay detrás mucha vida, mucha lectura y mucha escucha, porque Félix es un gran observador de la vida y de las personas. Por otro lado, Dunia es la que sabe interpretar y descubrir cosas que incluso Félix las desconoce cuando las escribe. Nos hace descubrir a los actores cosas que yo creo que Félix no había percibido en el momento de escribirlas. Es muy bonito ese trabajo que se establece entre ellos dos. - También es un texto bastante cargado de actualidad, por los menos en cuanto a lo que se refiere a la actual situación económica… - Sí, pero ese trasfondo de crisis económica va en paralelo con una crisis de pareja. Efectivamente, el escenario es la decadencia de la cultura del pelotazo, ese dinero público manejado al antojo de una serie de personajes… porque todos los que en un momento dado llegan a ocupar un lugar social importante se vuelven unos tiranos. Yo no he conocido a nade, ni que sea de derechas o de izquierdas, que no cayese en lo mismo, los tenemos de todos los colores y para todos los gustos. En definitiva, en la obra se establece ese paralelismo entre la decadencia de la España del pelotazo y la de la relación de una pareja en su “economía sexual o libidinal”. - ¿Cómo ha sido el trabajo de puesta en escena? - Yo me he dado cuenta de una cosa: cuanta menos neurosis exista más se abaratan los costes, quiero decir, que si el director y los actores no están centrados, no se cumplen los horarios, se llega tarde… todo eso sale muy caro, porque es una pérdida de tiempo muy grande. Nosotros hemos ensawww.elespectaculoteatral.es

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el mundo del espectáculo teatral entrevista

yado cuatro horas durante seis semanas, de lunes a viernes, respetando incluso días en que no podíamos eludir otros compromisos personales o profesionales, de manera que nos adaptábamos para ir un poco antes o esperar a quien faltase para hacer su escena… Todo eso abarata los costes y acelera el proceso creativo. La neurosis en un equipo sale muy cara, provoca conflictos; por ejemplo está el actor que cree saber más que el director, que cree tener la mirada y la globalidad de la escena, o que cree conocer más el personaje que quien lo ha creado. Cuando eso no existe y realmente tú te sometes a la dirección todo se abarata y es mucho más sencillo, no se discute, solo acudes a trabajar y el ego te lo dejas en tu casa. Da igual que el elenco artístico sea pequeño, en este caso somos tres actores, pero es perfectamente posible que una sola actriz o actor que, por ejemplo, hace un monólogo, sea capaz de enloquecer a todo un equipo. - ¿Qué tal fue el estreno en Alicante?, ¿esperas una buena acogida en Madrid? - Estuvimos tres días en Alicante, la reacción del público ha sido espectacular y la crítica publicada en la prensa local fue muy buena. Por supuesto, esperamos que funcione también en Madrid; cuando se hace un montaje es con vistas y con la ilusión de que tenga éxito. Las fórmulas no existen, afortunadamente, por eso cuando empiezo un montaje lo hago con todo el cariño y la profesionalidad del mundo. Es un gran acontecimiento porque es la primera vez en mi vida profesional, que ya dura unos treinta años, que

estoy en un teatro comercial. Se lo tengo que agradecer a Jesús Cimarro, porque siendo mi ciudad nunca me han ofrecido nada y siempre me he sentido mejor tratada en cualquier otro lugar que en Madrid, así que estar en un teatro como el Bellas Artes es para mí una gran alegría y me siento muy afortunada. - ¿Cómo conseguisteis que Pentación se implicara en la producción? - No fue algo que buscásemos expresamente, tratando de convencerle; ya hacía tiempo que queríamos trabajar juntos, así que cuando tuvimos este proyecto le enseñamos el texto a Jesús Cimarro, le pareció bien y quiso participar. - ¿Como profesional del teatro en tantas facetas, cómo ves actualmente la crisis y cómo está afectando al sector? - Yo en época de bonanza he trabajado como he podido y me lo he inventado, nunca nadie me ha ofrecido nada, así que en tiempos de crisis sigo aplicando el mismo criterio. No puedo hablar del panorama teatral en general porque para mí es un panorama particular, el mío, mi forma de trabajar como he venido haciéndolo desde un principio. Nadie me ha subvencionado nunca, ni me han dado una gira por la Comunidad de Madrid. Para mí este periodo de crisis no tiene diferencia con otras épocas de mayor bonanza hayan podido darse. Por supuesto que he necesitado ayuda en algún momento, pero como no me la han dado me la he tenido que inventar yo sola, con lo cual, para mí la situación siempre es la misma haya o no haya una crisis generalizada.

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Incendis

El gran éxito de la actual temporada barcelonesa hará gira por España

a Perla 29, la empresa productora de “Incendis”, la auténtica sensación de la temporada de primavera en Barcelona, ha anunciado los planes de realizar gira por el resto del país con una versión en castellano. Estrenada el pasado 21 de febrero en el teatro Romea de Barcelona, “Incendis” ha sobrepasado las expectativas más optimistas con llenos absolutos desde el cuarto día de representaciones y con todas las entradas vendidas hasta el 22 de abril, último día de programación en el recinto del carrer de l’Hospital. Tal y como confirmó a EL ESPECTÁCULO TEATRAL Bet Orfila, gerente de La Perla 29, dado el apabullante éxito del espectáculo se están estudiando nuevas fechas en otoño, así como una serie de fechas por Cataluña –que sí estaba prevista inicialmente– y una gira por el resto del país que sí es toda una novedad. “Incendis” es una obra del dramaturgo, actor y director de escena canadiense Wajdi Mouawad, escrita en 2003. La obra forma parte de su tetralogía “Le sang des promesses” (“La sangre de las promesas”), con la que Mouawad alcanzó la fama internacional tras su representación (once horas seguidas) en el festival de Aviñón de 2009, en el que fue seleccionado como “artista asociado”. El proyecto de puesta en pie de “Incendis” en su versión catalana arranca, según Orfila, en 2011, tras la propuesta de Julio Manrique, director del Romea, de contar en su espacio con un espectáculo dirigido por Oriol Broggi, director artístico de La Perla 29. “A Broggi le habían recomendado la obra de Mouawad –explica la gerente de La Perla 29– y viajó a Aviñón en julio de 2011 para ver la representación de ‘Des femmes’, un montaje de Mouawad realizado a partir de las tragedias de Sófocles ‘Las Traquinias’, ‘Antígona’ y ‘Electra’. A su regreso, Broggi leyó ‘Incendis’ y decidió que el espectáculo solicitado por el Romea fuera ese, protagonizado por Julio Manrique y Clara Segura, que interpretan varios papeles, y con un reparto que completan Xavier Boada, Màrcia Cisteró, Claudia Font, Xavier Ricart y Xavier Ruano”. La Perla 29 se encuentra actualmente en un momento dulce que, según afirma Bet Orfila, van a intentar aprovechar para darse a conocer más intensamente fuera de Cataluña. “Es complicado que los pro-

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gramadores acudan a ver espectáculos en catalán –afirma– y nuestra presencia fuera de Cataluña ha sido escasa hasta ahora. Hemos estado tres veces en Madrid, hace varios años en La Cuarta Pared, con ‘King’, de John Berger, dirigido por Carlota Subirós, y luego en La Abadía con una ‘Antigona’ y en el María Guerrero con ‘Con derecho a fantasma’, de Eduardo de Filippo, dos montajes de Oriol Broggi”.

“Ahora –continúa explicando– vamos a hacer gira fuera de Cataluña por primera vez con ‘Luces de bohemia’, en la versión que Broggi dirigió el año pasado en el Grec, y vamos a estar en el teatro Central de Sevilla los días 16 y 17 de mayo y en otoño en Pamplona, Vitoria y Logroño y alguna otra ciudad más aún por concretar”. Fotos: Bito Cels www.elespectaculoteatral.es

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Exhumación

Entremeses barrocos

Escrita y dirigida por Carlos Be, la obra indaga en los orígenes del teatro

Foto: Manuel De

Foto: Chicho

La CNTC convierte en plato principal las piezas breves de Calderón de la Barca, Bernardo de Quirós y Agustín Moreto

a Compañía Nacional de Teatro Clásico ha querido recuperar el género del entremés, bastante olvidado durante el siglo XX –únicamente los escritos por Cervantes han sido representados con cierta asiduidad en el ámbito del teatro profesional– reuniendo en un solo montaje ocho piezas breves, algunas de nueva creación y otras de autores del Siglo de Oro como Calderón de la Barca, Bernardo de Quirós y Agustín Moreto. La versión para esta obra ha sido escrita por Luis García-Araus y la dirección escénica corre a cargo de Pilar Valenciano, Elisa Marinas, Aitana Galán y Héctor del Saz. “Entremeses barrocos” estará en el teatro Pavón de Madrid a partir del 1 de mayo. El espectáculo arranca con un texto de nueva creación, “Mojiganga de los infiernos”, que sirve de introducción a los entremeses de “Los degollados”, de Calderón, “El muerto, Eufrasia y Tronera”, de Bernardo Quirós, “El cortacaras”, de Moreto, y “El Toreador”, de Calderón, “engarzados –comenta García-Araus– por lo que hemos dado en llamar ‘entresijos’, formados con fragmentos del ‘Entremés de don Terencio o del zapatero’, atribuido tanto a Juan de Matos como a Fernando de Zárate, y el ‘Entremés de los putos’, de Jerónimo de Cáncer, y se cierra el con una reformulación del ‘Baile de los estravagantes’ de Francisco de Monteser”.

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alardonada en el VII Indifestival de Santander 2012 con los premios al Mejor Espectáculo y Mejor Actriz, y escrita y dirigida por Carlos Be, “Exhumación” es una obra sobre el origen del teatro. En ella dos historiadores y una filóloga radicados en Elsinor (Dinamarca) investigan los hechos reales en los que se basó William Shakespeare para escribir “Hamlet”. En sus pesquisas descubrirán una sorprendente intriga en torno al astrónomo del siglo XVII Tycho Brahe que, al igual que el personaje creado por dramaturgo británico, murió envenenado. Es pues la exhumación de Hamlet, tratando de sacar a la luz lo que ocultan de histórico sus páginas, así como el misterio del origen del teatro y del mundo. Puesta en pie por The Zombie Company, la obra cuenta con las interpretaciones de Carmen Mayordomo, Gabriel Moreno e Iván Ugalde, quienes llegan a encarnar a nueve personajes diferentes en un viaje trepidante hacia el alma que comparten la realidad y la ficción, y cuya conclusión cambiará para siempre la vida de los investigadores. El estreno absoluto de la obra, después de su presentación y éxito en el Indifestival, tuvo lugar en febrero en la Sala Triángulo de Madrid, adonde regresaría en marzo para continuar representándose durante el presente mes.

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¡Agosto! Cuadros de amor y humor al fresco Metamorfosis pone en escena catorce piezas breves de José Luis Alonso de Santos

atorce textos breves de José Luis Alonso de Santos se dan cita en “¡Agosto! Cuadros de amor y humor al fresco”, el nuevo espectáculo estrenado por la compañía Metamorfosis durante la pasada edición de dFeria y que ahora presenta en gira. En la obra, a través de pequeñas piezas, se suceden diferentes situaciones que mezclan el humor con cuestiones habitualmente tomadas en serio, como el amor, el desamor, la promiscuidad o la soledad de mujeres y hombres. El propio autor afirma sobre la obra que “está escrita a modo de pinceladas en el enlucido de la realidad cotidiana, con los colores de nuestros sentimientos y el dibujo del juego de nuestras emociones. En el fondo del cuadro la eterna lucha entre los sexos opuestos, que se necesitan para encontrar su sentido. Hombres y mujeres hablando de, para, con, contra, desde… las mujeres y los hombres. Piel buscando otra piel para reconocerse. Amo y sufro: luego existo. ‘Quien lo probó lo sabe…’, como dijo el poeta”. Desde los años 80 Alonso de Santos había escrito alrededor de cincuenta de estas piezas breves, algunas de ellas se publicaron en diferentes ediciones y finalmente se reunieron en un libro editado por la Junta de Castilla y León con motivo del Premio de las letras Castilla y León que se concedió al dramaturgo en 2009. Gran parte de ellas se habían representado en escuelas de interpretación o pequeños grupos de teatro aficionado, pero nunca habían llegado a convertirse en un espectáculo que llegase al circuito profesional. Alonso de Santos propuso el proyecto a Metamorfosis cuando estrenaron juntos “La llegada de los bárbaros”, la comedia que había escrito precisamente para los fundadores de la compañía , Juan Alberto López y Yiyo Alonso. Problemas de salud le impidieron al dramaturgo encargarse de la dirección de escena, así que propuso a Mariano de Paco Serrano, quien aceptó encantado. “Que José Luis Alonso de Santos –afirma Mariano de Paco– haya sugerido mi nombre para dirigir un espectáculo con sus piezas breves es, sin duda alguna, una de las cosas que han arrojado algo de luz y alegría en este ya pasado 2011 pleno de crisis. Que Metamorfosis se lance a la aventura de producir teatro estando como están las cosas y recoja el testigo lanzado por el autor es otra bienaventuranza en un tiempo aciago que no lo olvidemos, fue

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mejor. Me pongo al frente de este ‘¡Agosto!, cuadros de amor y humor al fresco’ con la ilusión de un niño (de 40), con tantas ganas de descubrir, de disfrutar y de trabajar duro”. Metamorfosis ha conseguido reunir en este nuevo proyecto un excelente equipo de profesionales cuyos trabajos en sus diferentes especialidades suman un buen número de reconocimientos, entre ellos, varios premios Max, y todos se muestran entusiasmados en formar parte del mismo. Mariano de Paco lo describe así: “En este teatro breve de Alonso de Santos se encierra, a mi juicio, toda la esencia del teatro y, por ende, de la propia vida ¿o viceversa? Desde su aparente sencillez, los diferentes textos abordan de manera magistral todos los grandes temas y la multiplicidad de individuos que los pueden llegar a vivir y todo ello con humor, con mucho humor. El amor y el humor como nudo gordiano

de nuestras existencias y conflictos, los misterios del vivir a través de una sucesión de escenas que, preste mucha atención el distinguido público, no pertenecen a la vida sino al teatro… Con maneras de alquimista el autor ha mezclado comedia y tragedia en tan justa medida que el resultado se convierte en una divertidísima pócima para las almas, (estos entes tan elevados y profundos pero también tan ávidos de diversión y solaz esparcimiento) y, cómo no, para sus correspondientes cuerpos vivos. En escena cuatro magníficos actores y también sus cuerpos: Juan Alberto López, Yiyo Alonso, Antonia Paso y Lidia Palazuelos, puestos en las manos de quién les habla. Todos ellos confiados y dando lo mejor de sí mismos para interpretar una galería de más de 30 personajes, habitantes de un universo tan propio, tan peculiar y tan ¿absurdo? Tan teatral que dará verdadera envidia verlo”. www.elespectaculoteatral.es

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Educando a Rita

Nueva versión de la obra Willy Russell escrita por Paco Mir y Alexander Herold

aco Mir y Alexander Herold han escrito una nueva versión de la obra del autor británico Willy Russell, “Educando a Rita”, que fue estrenada por Saga Producciones el pasado 25 de marzo en el teatro Flumen de Valencia. En esta ocasión los dos personajes protagonistas son interpretados por María Almudéver y Antonio Valero, bajo la dirección escénica del propio Alexander Herold. Sobre el texto original Paco Mir afirma que a pesar de haberse escrito a “finales del siglo XX es un clásico que en otros países se revisita constantemente, como se revisitan las grandes sinfonías o se ven una y otra vez los mismos cuadros”. “Educando a Rita” cuenta la historia de una peluquera de barrio con el deseo de mejorar su nivel cultural. Para poder cumplirlo decide asistir a unas clases de literatura en la universidad, donde se topa con un profesor anárquico y aficionado al alcohol que rompe todos los esquemas y convenciones de lo que debería ser un profesional docente universitario. “La trama original de esta comedia agridulce –aclara Paco Mir– se desarrolla en la prehistoria de nuestra civilización, en esa

época olvidada donde los teléfonos móviles no pertenecían ni a los sueños más imaginativos de la ciencia ficción. Nuestra versión transcurre en la actualidad, una alteración que en estos tiempos de ‘grandes hermanos’ magnifica la relación de ese sesudo profesor de literatura inglesa con más ganas de beber que de ense-

ñar con la chica barriobajera firmemente determinada a saberlo ‘TODO’, lo que no es poco. Dos caracteres contradictorios, fuertes, enrocados en sus prejuicios que irán desmoronándose poco a poco hasta encontrar sus lugares comunes. Los efectos de su encuentro son explosivos. Teatro puro”.

Mundos Posibles

Teatro La Abadía acoge la obra John Mighton adaptada y dirigida por Julián Fuentes Reta

undos Posibles”, del autor y matemático estadounidense John Mighton, es uno de los textos teatrales que más se ha representado en todo el mundo y ahora acaba de estrenarse en nuestro país, en el teatro La Abadía –en coproducción con Kubik Fabrik, Teatro de Malta y Corazón de Vaca–, dirigido y adaptado por Julián Fuentes Reta, quien en la temporada pasada sorprendió con “El proyecto Laramie”. La obra se desarrolla como un thriller de ciencia ficción que cuenta una fábula de amor con retazos de física cuántica y novela negra, para ofrecer una mirada sobre la extraña naturaleza de la existencia del ser humano. Dos detectives encuentran a un hombre asesinado al que han robado misteriosamente su cerebro. Mientras llevan a cabo la investigación policial, somos testigos de las posibles vidas en universos paralelos de un hombre, George, y de la mujer con la que siempre se cruza, Joyce. Mighton es bien conocido por sus textos comprometidos con la pervivencia del espíritu humano en un mundo tecnológicamente deshumanizado, siendo su trabajo más conocido el guión de la película “El indomable Will Hunting”, realizado en colaboración con los actores Matt Damon y Ben Affleck y que le valió el Oscar al Mejor Guión Original en 1997.

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El chico de la última fila

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La obra de Juan Mayorga regresa a la sala madrileña Cuarta Pared

l chico de la última fila” es una de las obras más exitosas del dramaturgo Juan Mayorga, con ella obtuvo el premio Max al Mejor Autor Teatral en Castellano en 2008, y ahora regresa a la sala madrileña Cuarta Pared, entre el 18 de abril y el 12 de mayo, de la mano de la compañía La Fila de al Lado, que ya durante el año pasado había puesto en pie este montaje en el mismo recinto. Según explica su autor, se trata de un texto que nos habla de maestros y discípulos, de padres e hijos, del placer de asomarse a las vidas ajenas, y sobre los riesgos de confundir ficción y realidad, una obra sobre los que eligen la última fila, aquella desde la que se ven todas las demás. La dirección de escena corre a cargo de Víctor Velasco y en la interpretación cuenta con los actores Samuel Viyuela, Miguel Lago Casal, Olaia Pazos, Natalia Braceli, Rodrigo Saenz de Heredia y Sergi Marzá. Para los jóvenes integrantes de La Fila de al Lado, que precisamente han tomado el nombre de su compañía de esta obra, el texto cumple con sus máximas: riesgo, contemporaneidad y sueño. El propio Mayorga afirma sobre los miembros de esta compañía que “han conseguido levantar un montaje intensamente teatral, tan sencillo como complejo, tan inteligente como lleno de humor”.

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Agerre Teatroa En los festivales latinoamericanos con “Puta vieja alcahueta Celestina” y “¿Es usted, también, Don Quijote?”

urante los pasados meses de diciembre y enero la compañía Agerre Teatroa ha estado participando en dos festivales latinoamericanos con sus espectáculos “Puta vieja alcahueta Celestina” y “¿Es usted, también, Don Quijote?”. La directora de esta agrupación vasca, Maite Agirre, afirma sobre este viaje que “la experiencia ha sido fantástica, inolvidable. Una oportunidad muy buena para aprender del trabajo de los demás, así como para poder mostrar el tuyo propio”. La primera cita al otro lado del Atlántico de Agerre Teatroa fue en el Festival Internacional Experimenta 12 de Argentina, celebrado del 6 al 13 de diciembre en Rosario. Allí, junto con otros grupos, tuvieron la oportunidad no solo de mostrar e intercambiar sus trabajos, sino que se ha realizado un desmontaje de cada obra dirigido por el prestigioso crítico argentino Julio Cejas, de forma que pudiera ser examinado y conocido cada aspecto de los espectáculos, además de ser comentado y discutido por todos los asistentes. “La Celestina es un espectáculo de mucho éxito, lo mismo en el País Vasco como en África o Argentina. Lo más atractivo es que no sabes cómo tomar a esta sorprendente mujer que es Celestina. Su misterio no se agota nunca, es inaferrable, y eso es muy enriquecedor”, afirma Agirre sobre el montaje que presentaron en el festival argentino. Por otro lado, durante casi todo el mes de enero la compañía estuvo en Chile participando en el Festival Internacional de Teatro Itinerante de Chiloé (FITICH). Este evento se celebra en el archipiélago de Chiloé, situado en el Pacífico, cerca de la Patagonia. “Hemos vivido –comenta Agirre– maravillosos contrastes. Por un lado actúas en unos bellos teatros y por otro en tantas islas pequeñas a las cuales, en algunos casos, el teatro no ha llegado nunca. En este último caso nos surgían situaciones muy especiales con la gente, llenas de encanto, además de sorprendentes. Antes de las actuaciones hacíamos ‘experiencias de capacitación’ con los y las interesadas, en las que mostrábamos nuestra música, nuestra lengua y algo de nuestra

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El público participa en una de las representaciones de “Puta vieja alcahueta Celestina” en el FITICH.

Los componentes de Agerre Teatroa posan junto a miembros de la comunidad huiliche de las islas Chiloé.

historia, junto con canciones y charlas sobre variados temas. Con nuestros cantos y nuestra música tratábamos de explicar nuestra cultura vasca. Por otra parte, nuestro compañero colombiano, Viento Cuervo, completaba la experiencia enseñándoles las raíces de tantos y tan variados instrumentos musicales y étnicos”. Cada vez que viajan a otras realidades culturales, y lo hacen muy a menudo, los componentes de Agerre adaptan su trabajo y se enfrascan en la cultura local y sus particularidades, haciendo participar en sus espectáculos a actores y actrices del lugar. “En el equipo de Chiloé éramos diez intérpretes: tres de Euskal Herria, seis chilotes y el actor-músico colombiano”. Además de “Puta vieja alcahueta Celestina”, en FITICH han presentado su nuevo espectáculo “¿Es usted, también, Don Quijote?”. “Los dos son muy frescos, musicales, sensuales, de grandes contrastes. Siempre pillan desprevenidos a los espectadores, y aunque al principio les asuste, enseguida entran en el juego”. Después de estas dos visitas a Latinoamérica la compañía continúa llevando adelan-

te sus proyectos y precisamente estrenó el pasado 17 de febrero “¿Es usted, también, Don Quijote?” en el teatro Barakaldo de Bizkaia, junto con B.A.I., escuela de teatro internacional pionera en el País Vasco. Al mismo tiempo, está preparando la versión con los trikitilaris Imuntzo y Beloki. “Los vi y me parecieron auténticamente Don Quijote y Sancho Panza”, afirma Agirre. Estos dos músicos son muy populares en el País Vasco, tienen ya siete discos editados y están trabajando en el octavo. Respecto al actual panorama de crisis, que está haciendo muy complicado trabajar tanto en el País Vasco como en otras comunidades, Agirre comenta que “no hay trabajo para todas las compañías. Por lo tanto, tenemos que irnos fuera a trabajar. En muchas comunidades siempre ha sido así. Y en todas partes nos han recibido y nos reciben siempre con los brazos abiertos. Por eso mismo cuando vienen de fuera a nuestro país y nos mostramos poco generosos con ellos me avergüenzo. Esos pueblos son para nuestro ‘primer mundo’ nuestra esperanza, y también nuestro futuro”.

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el mundo del espectáculo teatral humor

Ernesto Sevilla

El humorista de “Museo Coconut” presenta su espectáculo de monólogos

rnesto Sevilla, el director de la serie de humor “Museo Coconut” que actualmente emite el canal Neox de Antena 3 Televisión, y en la que también interviene como actor interpretando el papel de Zeus, el hijo pijo de Miss Coconut, presenta a finales de abril su espectáculo de monólogos, que ofrecerá el viernes 27 en la sala Movie de Pamplona y el sábado 28 en la sala Norma de Logroño. Licenciado en Bellas Artes, Ernesto Sevilla debutó en el mundo del humor como guionista de Paramount Comedy, antes de incorporarse al plantel de humoristas de “La hora chanante”, donde interpretaba, entre otros, el popular personaje de “El Gañán”. Sevilla ha intervino también en la serie “Muchachada nui”, donde era “Marcial”, y en películas como “El gran Vázquez” o “Pagafantas”.

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¡Qué desastre de función! Se estrenó en Madrid después de recorrer Cataluña durante dos años

espués de permanecer casi un año en el teatro Borrás de Barcelona y haber girado otro año más por Cataluña, La Projectora, la joint venture creada por Abel Folk y Gloria Casanova con Toni Albdalejo, de Anexa, ha estrenado en los Teatros del Canal de Madrid “¡Qué desastre de función!”, la versión en castellano del desopilante texto de Michael Frayn “Noises off”. Estrenada en Londres en 1982, la obra permaneció cinco años en el Savoy Theatre, convirtiéndose desde entonces en un clásico del humor británico, estrenado en más de cincuenta países, y con una brillante versión cinematográfica realizada en 1992 por Peter Bogdanovich, con los principales papeles interpretados por Michael Caine, Carol Burnett y Christopher Reeve. Toni Albadalejo, director de Anexa, vuelve con regularidad a este texto, que él estrenó en España hace veinticinco años. “Entonces –recuerda– la monté con Mario Gas, como actor, en el papel del director, y con otros actores como Juanjo Puigcorbé, Marta Padován o Félix Peña… ¡los grandes de aquella época! En Madrid también se estrenó, con Josep María Pou, Joaquín Kremel y Amparo Baró”. “Desde entonces –continúa–, cada siete u ocho años, hemos hecho una producción, hasta el punto de que en Cataluña es una marca, con el título que tiene la obra en catalán, ‘Pel davant i pel darrera’, que en castellano tiene una connotación un poco… fea (‘Por delante y por detrás’), y por eso hemos cambiado el título, para asemejarlo más al título de la película, ‘¡Qué ruina de función!’”. Pese al éxito logrado por la película, con legiones de fans en todo el mundo, esta se encuentra inexplicablemente descatalogada, sin posibilidad de encontrarla en ningún video-club, lo que se convierte en un aliado inesperado para una producción teatral que, según Albadalejo, “es mucho más divertida que la película, por la interacción que se crea con los actores, con las carcajadas impresionantes que se levantan entre el público”. “Nosotros venimos a Madrid con la intención de gustar –añade–, igual que gustó aquella primera vez, cuando estrenamos en el teatro Alcázar. Este casting lo ha visto el autor, Michael Frayn, hace un par de meses en Barcelona, después de haber

Toni Albadalejo (sentado, con gafas), rodeado por los actores de “¡Qué desastre de función!”.

Los productores de la obra. De izda. a dcha.: Abel Folk, Gloria Casanova y Toni Albadalejo.

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el mundo del espectáculo teatral humor

El Aberronchow Paco Collado y Pedro Herrero llevan al teatro Arenal al popular personaje de “La hora de José Mota”

visto diferentes versiones en más de cincuenta países en donde se ha estrenado, y él mismo dice que esta es la más divertida y la más ‘acrobática’ que ha visto”. La corta temporada que este montaje estuvo presente en la cartelera madrileña obedece a un plan más ambicioso, tal y como asegura el productor. “Los Teatros del Canal son un teatro público y venimos a enseñar el espectáculo, que es una de las funciones que, considero, debe tener un teatro público –afirma Albadalejo–. La Projectora estamos en negociaciones con varios productores de Madrid para realizar una nueva co-producción con la que hacer temporada en Madrid a partir de septiembre y, posteriormente, gira por España. En los Teatros del Canal vamos a estar hasta el 8 de abril y después haremos unas cuantas funciones en Bilbao, Valladolid, Pamplona… Hasta septiembre. La compañía actual ya no hará la producción que se presente en Madrid después del verano y la gira posterior, sino que será un nuevo elenco que se consensuará con los co-productores que se sumen al proyecto”. www.elespectaculoteatral.es

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Paco Collado, creador del personaje de “El Aberroncho”, acompañado por su representante artístico, Mario Larrode.

l 19 de abril se estrena en el teatro Arenal de Madrid “El Aberronchow”, en el que el popular personaje de “La hora de José Mota” cobra vida. El actor y humorista Paco Collado ha creado alrededor de El Aberroncho todo un espectáculo, con la colaboración de Pedro Herrero. “El Aberroncho es el hilo conductor del espectáculo –explica Collado–, que va a consistir en chistes, imitaciones, sketches y canciones. Pedro Herrero, que hace el espectáculo conmigo, además de ser un gran monologuista es un gran cantante y un gran compositor y algunas de sus canciones las hemos incorporado al espectáculo”. La enorme popularidad alcanzada por ese peculiar personaje ha posibilitado su presencia en el escenario del Arenal, donde permanecerá todos los jueves de abril, mayo y junio. El objetivo es más ambicioso, ya que el acuerdo con la empresa de Alejandro Colubi pasa por trasladar el espectáculo en septiembre a un escenario mayor, el del teatro Príncipe Gran Vía, si su tirón popular así lo recomienda.

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el mundo del espectáculo teatral ópera

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Vida y muerte de ^ Marina Abramovic

El teatro Real coproduce el nuevo montaje del visionario Bob Wilson

El cantante británico Antony Hegarty –que también participa en la composición de la música del espectáculo–, en un instante de su intervención en la obra.

l templo de la ópera madrileña, el Manchester International Festival y el Holland ^ Festival han coproducido “Vida y muerte de Marina Abramovic”, última producción del visionario creador tejano Bob Wilson. Después de su estreno mundial celebrado el pasado 9 de julio en el fabuloso marco de The Lowry de Manchester, el montaje llega ahora al escenario del Teatro Real de Madrid, donde permanecerá del 11 al 22 de abril. Seguidamente, el espectáculo se representará en junio en Basilea, Amsterdam y Amberes. La obra del tejano es un género en si misma. Igual que a él no se le puede considerar exclusivamente ni como autor teatral ni como director de escena, escenógrafo o artista conceptual, no hay tampoco forma de definir con la nomenclatura habitual sus propuestas, equidistantes entre conceptos como la performance, el teatro, la ópera, la videocreación o el uso de la tecnología de última generación en el campo de la iluminación ^ espectacular. Así, “Vida y muerte de Marina Abramovic” es un genial compendio de todos sus intereses. En resumen, se trata de un recorrido por la vida y la obra extrema de Marina Abramovic^ –la legendaria artista nacida en Belgrado en 1946–, creado en estrecha colaboración con ella misma, hasta el punto de participar como actriz en el espectáculo, interpretando el papel de su madre y a sí misma. No es el único Gran Nombre que participa en este montaje, en el que, entre otros actores, cantantes y bailarines, interviene el actor norteamericano Willem Dafoe –en el doble papel de narrador del texto y como Ulay, el performer alemán que fuera pareja de Abramovic^ entre 1976 y 1989–, y el músico británico Antony Hegarty, líder de la banda Antony and the Johnsons. El propio Antony y el compositor experimental norteamericano William Basinski son los autores de la música original de esta epopeya, que se completa con piezas de folklore serbio interpretadas en directo por ^ la formación que lidera la cantante Svetlana Spajic.

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el mundo del espectáculo teatral ópera

El sueño de la reina de las hadas Pedro Lagarta Teatro lleva la ópera a las salas alternativas

a sala Triángulo de Madrid acogió los días 2, 3, 9 y 10 de abril las funciones de “El sueño de la reina de las hadas”, un espectáculo de ópera y teatro puesto en pie por la compañía Pedro Lagarta Teatro y basado en “El Sueño de una noche de verano”, de Shakespeare, y “The Fairy queen”, de Henry Purcell. En su planteamiento inicial, los creadores de este montaje parten de la base de que, incuestionablemente, la ópera forma parte de las artes escénicas, a pesar de que el tiempo parece haberla colocado en una encrucijada entre los circuitos meramente musicales y los templos de los teatros líricos, donde solo las figuras más renombradas pueden gestionar grandes producciones que ya forman parte de unos tiempos económicamente más favorables que los actuales. Por este motivo, desde Pedro Lagarta Teatro consideran que la ópera debe estar sujeta a un cuestionamiento de base y pertenecer al repertorio de todas las salas teatrales.

En definitiva, con este montaje se pretende dar un paso más en la evolución del teatro y no parece casualidad que precisamente sea una sala alternativa ya veterana, como

Triángulo, la que haya programado el espectáculo, porque este tipo de recintos se han encargado tradicionalmente de servir de punta de lanza a dicha evolución.

La selva es joven y está llena de vida

Rodrigo García inaugura operadhoy con un montaje sobre una de las obras más políticas de Luigi Nono

l 18 de abril dará comienzo en los Teatros del Canal la décima edición de operadhoy, que se inaugura con “La selva es joven y está llena de vida”, una versión del dramaturgo y director de escena Rodrigo García sobre la pieza de 1966 del compositor italiano Luigi Nono. Nono creó la obra junto con el escritor Giovanni Pirelli como protesta a la invasión de Vietnam por parte de los Estados Unidos. Construida como ópera de cámara, la obra se caracterizaba, no obstante, por emplear un volumen intensísimo pese a la mínima instrumentación con la que contaba (voz, clarinete, percusión sobre chapa y grabaciones realizadas en la calle), con el objetivo de situar al oyente en medio del pánico provocado por el derrumbe de un refugio antiaéreo. Como obra política, los textos estaban sacados de discursos y manifestaciones estudiantiles y obreras, con un lamento recurrente a modo de leit motiv –“¿es esto todo lo que podemos hacer?”– con el que los cantantes intentaban expresar el papel de los intelectuales de la época. Operadhoy incluye, además, los montajes de “La historia”, de Oscar Strasnoy; “Relojes de arena”, de Juste Janulyte; “Gracias a mis ojos”, de Oscar Bianchi y Joël Pommerat y la obra de teatro musical “Cegado”, sobre piezas de Michael Beil, Mischa Käser, Anton Webern, Manuel Hidalgo y Filippo Perocco, con dramaturgia de Hans-Peter Jahn.

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Una de las imágenes distribuidas por Rodrigo García en los ensayos de su montaje sobre “La selva es joven y está llena de vida”

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ferias y feriantes

el mundo del espectáculo teatral opinión

FETEN 2012. El corazón, sin freno y sin marcha atrás, por el camino de la incertidumbre por Isidro Rodríguez

El teatro no puede desaparecer porque es el único arte donde la humanidad se enfrenta a sí misma. (Arthur Miller) Pues sí, Javi, esto es así. Por fin lo sabes aunque lo has sabido de siempre. Retrotraerse más de dos décadas a estos significados emanantes de nuestras charlas, diferencias, afectos y trabajos, y más después de haber gozado contigo en FETEN, es hermosísimo; porque nos une para casi siempre. Y eternamente en el aspecto que con tanta sabiduría nos donó Arthur Miller. Bueno, pero como este escrito lo haré público, gracias a mis editores, he de decir que me refiero a Javi, a Javier Renobales que forma parte del reparto de una excelente función, la mejor del FETEN 2012 según el jurado. Y digo yo que si resultó la mejor función, también tenían que haber sido las mejores interpretaciones. Al menos para mi las fueron. Pero sobre todo Javier Renobales, que hace un trabajo inmenso, porque cada gesto, cada sentimiento o movimiento, es un enfrentamiento del personaje con su conflicto. Y el actor va quitando con delicadeza el cascarón del huevo cocido para “comerse” lo de dentro. Hacer lo necesario y hacer lo fácil. La función es “Querida hija”, de Jokin Oregui que también la dirige con total acierto. La Compañía, Marie de Jongh. Los otros dos intérpretes; Ana Meabe y José Ramón Soroiz, giran impulsados por la energía de Javier y están a la altura de la historia y de las imágenes que a falta de palabras las elevan los gestos, intenciones y contenciones. Una historia que es un retazo de la vida donde “la humanidad se enfrenta así misma”. Un trocito, ¿para qué más?, de lo cotidiano que acaba siendo un mundo próximo, conocido pero con demasiada frecuencia olvidado. Gracias Javichu, te quiero mucho.

Novedades Eloina.

Y mira por donde que nada más poner pie en Gijón, era como un presentimiento, me pongo a andar calle San Bernardo adelante para torcer en Domínguez Gil y estrellar mis ojos contra el Cantábrico con San Lorenzo a la izquierda y la Escalerona a la derecha. Y justo a unos metros del chaflán donde convergen las dos calles y es la entrada de Novedades Eloina, me percato de que la tienda cierra para siempre. Empezó hace más de cincuenta años con el eslogan “Más barato que en Portugal”, y van y la cierran. No, hombre no. Cada noche del FETEN, mi amigo Juanlu, el de Lebrija, y yo, pasábamos por la esquina y decíamos ¡jo!.

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¡Por nada del mundo hay que cerrar una tienda que se llame “Novedades Eloina”! ¿Verdad que es hermoso? .

El mejor de los Fetenes.

“La función del arte en la sociedad es edificar, reconstruirnos cuando estamos en peligro de derrumbe.” Sigmun Freud Y va de frases. Porque en este FETEN, en un número importante de espectáculos, el/la artista en su creación, en sus propuestas han puesto sobre los escenarios lo que les golpea: la situación social de incertidumbre, de pérdida, de necesidad y de supervivencia. Y me viene a la memoria una canción de Golpes Bajos y no voy a poner el título porque todas y todos lo sabéis de sobra. Y me emociona y me parece maravilloso y lo que tiene que ser es que la creación se implique, porque, pienso yo, las soluciones vendrán desde las ideas, desde el pensamiento, en definitiva desde la cultura. No estoy de acuerdo con Hamlet cuando dice “¿Por qué he de solucionar lo que la historia no quiere?”. Nada, nada, príncipe, te equivocas. La historia será como nosotros queramos que sea. Con un par. Esa zozobra, esa inquietud, ese matiz de ternura o melancolía, esa línea que ha estado presente en este magnífico FETEN, la hemos comentado muy favorablemente muchos asistentes. “¿Por qué ha de llegar esta alimaña hasta las entrañas de las que procedo”. Que no príncipe, que somos muchos y a gorrazos, si fuera menester, desterraríamos a esas funestas alimañas, porque son varias, señor… Y mi particular FETEN lo inicié de maravilla Nats Nus Dansa, nos regaló un trabajo fantástico, “Minimón”, con una intérprete que demostró una preparación portentosa creando un espacio emocional creíble y perfecto para niñas y niños. Destaca la precisión técnica, diseño de iluminación y efectos muy adecuados con un gran nivel de ejecución. Los escolares de aquella mañana, a pesar de lo muy temprano, siguieron en todo momento sin desviar la atención y participando con comentarios que ponían en valor todo el trabajo tan magnifico de creación y comunicación. Teatro Paraíso es una compañía de garantía, que siempre aporta algo y sobre todo un fondo

de trabajo importante. En su “Vuela si puedes”, con unas caracterizaciones excelentes y la interpretación dentro de una principal acción que tiene la virtud de fijar la atención y sin desviarla en ningún momento. “Un lugar en el corazón”, de Teatro del Cuervo, es una propuesta diferente a lo que suelen ser los espectáculos que incorporan pompas de agua de jabón. La historia es creible y llena de poesía, que nunca estará de más. No existe nada mejor para hacer cambiar al mundo que la poesía. “Kafka y la muñeca viajera”, de eme2 + Albena + Tantaka es una producción impecable que no se puede poner en duda, aparte los gustos personales o la visión profunda que cada cual tenga sobre Kafka y su historia y lo que en el espectáculo se cuenta en tiempo y forma. “La gran A…ventura”, de Marcel Gros, es inconmensurable, casi perfecto. Un enorme payaso con un intensísimo trabajo.. El ingenio ni se enciende ni se apaga con un interruptor. El ingenio está siempre presente en las mentes privilegiadas. Ese es Marcel Gros. Hace grande lo sencillo. Como debe ser. Y hubo mucho más, mucho más que mucho, pero el espacio es el que es y ya no da para más porque quiero terminar con otra frase. Pero me reitero y me hago eco de lo dicho en este FETEN 2012. Ha sido uno de los mejores FETENES que hemos visto. Y a veces teníamos la sensación que algunos espectáculos estaban hechos para mayores. Y eso no es malo. Porque lo mismo es que los mayores por momentos nos hacíamos niños y niñas. Hasta siempre FETEN. Adiós, Eloina y suerte donde vayas con tus novedades que siempre serán mas baratas que en Portugal. Y mejores, claro. No te rindas, por favor no cedas, aunque el frío queme, aunque el miedo muerda, aunque el sol se esconda, y se calle el viento, aún hay fuego en tu alma, aún hay vida en tus sueños. Porque la vida es tuya y tuyo también el deseo, porque cada día es un comienzo nuevo, porque esta es la hora y el mejor momento. Beneddeti. Isidro Rodríguez www.elespectaculoteatral.es

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compañías

el mundo del espectáculo teatral danza

Aeternum

Los Vivancos estrenan su espectáculo en el teatro Nuevo Alcalá de Madrid

os Vivancos ya tienen lista su nueva producción, “Aeternum”, un espectáculo en el que se fusionan el flamenco, con el ballet, la danza contemporánea, el folklore, las artes marciales, la magia y el tap dance; todo ello aderezado con grandes efectos visuales y escénicos. Su estreno tendrá lugar el 18 de abril en el teatro Nuevo Alcalá de Madrid, donde permanecerá hasta el 3 de junio. El baile y la fusión de géneros son los ingredientes básicos y comunes al que fuera su primer espectáculo, “7 Hermanos”, con el que recorrieron 30 países y del que han disfrutado más de un millón de espectadores, pero en esta ocasión a Los Vivancos, que ejercen como directores y coreógrafos, se ha unido un equipo creativo internacional de gran nivel. Cuentan con Julie Hamelin, cofundadora del Cirque Éloize, y Daniele Finzi Pasca, creador de espectáculos como “Corteo”, de Cirque du Soleil, como asesores artísticos. La producción musical, los arreglos y la orquestación corren a cargo de Fernando Velázquez, compositor de bandas

sonoras para películas como “El Orfanato” o “Los ojos de Julia”. Las partituras originales han sido compuestas por los propios Vivancos y la grabación se realizó en Hungría con la Orquesta Sinfónica de Budapest, cuyo sonido se ha mezclado con el de músicos flamencos y la instrumentación de una banda de rock. En lo que respecta al argumento, “Aeternum” está dotado de mucha fantasía; explora los límites de lo sobrenatural y

pretende ser una metáfora sobre la inmortalidad que el arte brinda al hombre. La música y la danza se unen en escena a la lucha y a la magia. Esta última está presente gracias a los efectos creados por el ilusionista Morrison “El Magnífico”, profesor de la escuela de Juan Tamariz que cuenta con más de veintisiete años de experiencia en el mundo del espectáculo y numerosos galardones nacionales e internacionales.

2 o 3 preguntas La coreógrafa Alicia Soto reúne varios solos en los que combina danza y multimedia

a coreógrafa y directora artística de la compañía Hojarasca Alicia Soto ha reunido cinco años de creación e investigación en su espectáculo “2 o 3 preguntas”, el cual está constituido por varios de sus solos, que tienen en común el girar alrededor del concepto de realidad-ficción: desde anteriores creaciones como “La mujer de la sinmemoria” hasta llegar a 2010 con la performance “My way, pero… ¿quién es Santiago?”. Las indagaciones en este concepto le han llevado a construir sus espacios escénicos combinando los medios técnicos tradicionales con los programas de ordenar y las tecnologías multimedia. El ilusionismo de la imagen, las emociones y la poesía, junto con una creación musical compuesta para cada momento y la utilización de elementos escenográficos minimalistas, pero efectivos, junto con la desnudez del cuerpo, es la propuesta de “2 o 3 preguntas”, que pretende cerrar un ciclo de investigación y que tiene la particularidad de que en cada representación Alicia Soto rompe las barreras y abre una conversación directa con el público sobre el proceso creativo. Foto: Luis Antonio Barajas

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el mundo del espectáculo teatral danza

Aída Gómez

compañías

Nueva compañía residente en la Comunidad de Madrid

esde el pasado 20 de marzo la Comunidad de Madrid cuenta con una nueva compañía residente de danza, la agrupación Aída Gómez, que tendrá su centro de creación en Pozuelo de Alarcón y se suma de esta manera al programa que el Gobierno regional desarrolla con los ayuntamientos para fomentar la creación en la Comunidad de Madrid y promocionar el arte coreográfico. La de Aída Gómez es la novena compañía que se integra en dicho programa, las otras ocho son: Losdedae (Alcalá de Henares), Larumbe Danza (Coslada), Malucos Danza (Galapagar), Compañía Antonio Gades (Getafe), Rojas y Rodríguez (Móstoles), Ibérica de Danza (Las Rozas) y Compañía Antonio Márquez (Villaviciosa de Odón). En esta apuesta por la promoción de la danza la Comunidad de Madrid ha destinado a las compañías residentes 2.683.000 euros entre 2004 y 2012. Las agrupaciones reciben también apoyo de los municipios, que en el caso de Pozuelo consistirán en la cesión del teatro Mira para ensayos, clases y oficina de la compañía. Los vecinos de Pozuelo se van a ver beneficiados de esta colaboración con varias iniciativas. En primer lugar con las representaciones y los ensayos abiertos al público que realizará el conjunto de Aída Gómez en ese teatro. Por otro lado, la propia bailarina dirigirá un curso de verano en la Escuela Municipal de Música y Danza, en el que se promoverá la danza española y al que acudirán prestigiosos maestros, así como impartirá clases magistrales durante el próximo curso.

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compañías

el mundo del espectáculo teatral infantil

La isla

Factoría Teatro pone en escena un cuento de Ana María Matute

actoría Teatro ha escogido para su nuevo espectáculo infantil el cuento de Ana María Matute “La isla”, un relato de aventuras en el que su protagonista, Perico, emprende un fabuloso viaje en busca de su isla de Oro, como la Isla de Nunca Jamás de Peter Pan, donde los niños nunca crecen. Con versión y dirección de Gonzala Martín Scherman, el espectáculo, al igual que los cuentos clásicos, tiene una ambientación de época que pretende ubicarnos en la España de la década de los 40, la de Ana María Matute y su cuento; pero no por ello renuncia al colorido e incluso al teatro de sombras y las proyecciones de imágenes antiguas para completar un cuadro que quiere ser muy fiel al mundo de la autora del texto original. Otro importante ingrediente son las canciones, que se han seleccionado de la tradición popular española y acompañan los distintos momentos del viaje de Perico y los personajes que se va encontrando. Después de estrenarse en el centro de residencia de Factoría Teatro –el C.C. La Elipa del distrito de Ciudad Lineal de Madrid– el espectáculo está representándose durante abril en el Teatro Alcázar de la capital y en mayo continuará su gira en el teatro Arbolé de Zaragoza.

¡A volar!

Claxón3 reestrena su espectáculo en el teatro Pompeya de Madrid

volar!” es una comedia para toda la familia creada por la joven compañía Claxón3, formada en 2008 por los actores Arantxa Emes, Catalina Pueyo y Gonzalo Gordon. Este es su primer y único espectáculo hasta el momento y después de recorrer varias salas de la capital durante los últi-

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mos años será reestrenado el 14 de abril en el teatro Pompeya de la Gran Vía madrileña. La obra está principalmente dirigida a niños de 4 a 9 años y es una divertida fábula en tono de clown, poblada de personajes fantásticos con pequeños conflictos cotidianos que los hacen muy humanos. Combina

además técnicas de danza y luz negra y un elaborado trabajo corporal para sostener un argumento protagonizado por Gabriel, un niño que quiere cumplir el sueño de conocer a la Estrella Manuela y para ello contará con la ayuda de Madre Luna y el Señor Árbol.

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compañías

el mundo del espectáculo teatral infantil

El bosque embrujado La compañía Comparte acerca el flamenco al público infantil

a compañía Comparte presenta sobre los escenarios “El bosque embrujado”, un espectáculo dirigido a público familiar, especialmente a niños de 3 a 10 años, cuyo objetivo es acercar el arte y los compases flamencos a los más jóvenes. Se trata de una comedia musical en cuatro actos que incluye un taller didáctico en el transcurso de la función. El montaje, estrenado en el festival Suma Flamenca en verano del año pasado, ha sido creado y dirigido por la actriz, bailaora y profesora, Manuela Romero, que ha dedicado su vida a mostrar la importancia del arte jondo. En esta ocasión lo hace a través de un cuento con príncipes y princesas que se adapta al aprendizaje de los más pequeños. El elenco artístico está compuesto por la propia Manuela Romero, Macarena Vargas, Sonia de Rojas y Jessica Estévez; esta última también participa en el apartado musical tocando la trompeta y el cajón, acompañada por Jorge Blanco (violín) y Ernesto Bravo (guitarra).

En el corazón de una piedra azul

Obra multidisciplinar de Chian Lunatique basada en el cuento de Jimmy Liao

a compañía Chian Lunatique ha versionado para la escena un cuento de Jimmy Liao, titulado “La piedra azul”, abordando diferentes disciplinas artísticas como la música, el teatro, la danza o el audiovisual. El espectáculo puede verse en la sala madrileña Usina durante el mes de abril. Con dirección de Angélica Briseño y la única interpretación de Mariangeles Salvador, “En el corazón de una piedra azul” cuenta el recorrido de una piedra que es arrancada de las profundidades del bosque y va sufriendo transformaciones en diferentes animales como un elefante, un pájaro, un pez o un gato, además de otros elementos de la naturaleza como la luna u objetos que simbolizan conceptos como la muerte (una tumba), el juego (una pelota de circo), el amor (un corazón) o la falta de libertad (una cárcel). En el espectáculo se pretende crear un microcosmos de magia y poética siempre consecuente con el lirismo y estilo de Jimmy Liao, para expresar vivencias que se gestan desde la infancia, y que siempre permanecen, como la soledad, el cambio, la generosidad, el desapego o la empatía.

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equipamiento

el mundo del espectáculo teatral

W-DMX™ Iluminó los trajes del espectáculo de uno de los participantes en el Melodifestivalen de Suecia

os sistemas W-DMX™ de la firma sueca Wireless Solution Sweden fueron protagonistas del durante la reciente celebración del Melodifestivalen en Suecia. Este concurso se celebra anualmente y sirve para seleccionar al artista que participará representando al país escandinavo en Eurovisión. Este año comenzó el 4 de febrero y la final tuvo lugar el 10 de marzo en el Globe Arena de Estocolmo. El artista que finalmente se clasificó en segunda posición, Danny Saucedo, se presentaba con la canción “Amazing” y su puesta en escena incluía unos trajes lumínicos vestidos por él y sus cinco bailarines acompañantes. El diseñador de iluminación Henrik Lundin es el responsable del concepto y realización de este espectacular vestuario en el que se ha utilizado la innovadora tecnología LEC en combinación con los sistemas W-DMX™. Cada traje, alimentado ocho pilas AA, contiene aproximadamente 30 metros de emisores lumínicos LEC conectados a dimmers inalámbricos W-DMX 4 de cuatro canales y un scroller Newtech. La luz de LEC es blanca, así que los tubos están coloreados. Lundin controlaba la iluminación de los trajes a través de una consola GrandMA2 situada en un lateral del escenario que se comunicaba con los trajes a través de un transmisor W-DMX. “Era imprescindible – afirma Lundin– que pudiese utilizar la banda de 5.8 GHz que viene como estándar en los sistema W-DMX™, considerando la gran cantidad de cámaras y otros equi-

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pos inalámbricos utilizados en el recinto durante el espectáculo. No tuve ninguna interrupción y el show se desarrolló impecablemente”. Los sistemas LEC utilizados son fabricados

por la firma sueca ThinLight. Esta tecnología se basa en la producción de luz mediante una fina capa de sulfuro de zinc, que es luminiscente cuando se le aplica una corriente eléctrica.

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la técnica, instrucciones de uso

el mundo del espectáculo teatral

Oficio de tinieblas

Antiguamente la liturgia tradicional de la Semana Santa incluía el denominado “Oficio de Tinieblas” como una celebración del ritual de muerte y renacimiento presente en muchas culturas. Las profesiones técnicas del espectáculo se encuentran hoy inmersas en la parte oscura de su particular Oficio de Tinieblas sin que se vislumbre en el horizonte el esperado renacimiento.

l ritual del “Oficio de Tinieblas” tenía un fuerte componente de participación popular y de teatralidad. Se iniciaba con la iglesia a media luz, iluminada únicamente con el resplandor de quince velas instaladas en un candelabro especialmente construido para la ceremonia, denominado “tenebrario”. A medida que se recitaban los salmos, se apagaban una a una las velas y la oscuridad se iba apoderando del templo. Cuando ya sólo quedaba un cirio encendido, se cantaba el fúnebre Salmo 50 “Miserere” (Ten compasión de mí, Señor) al tiempo que se escondía tras el altar la única vela que todavía alumbraba. El templo y los fieles se sumían en el reino absoluto de las tinieblas. Al poco, los asistentes rompían el silencio con un estrépito provocado por matracas, carracas y toda suerte de artefactos ruidosos con los que habían acudido al oficio. Cuando el oficiante hacía reaparecer la tenue luz de la vela escondida, símbolo del renacimiento, el estruendo enmudecía repentinamente. Al acabar el oficio, los fieles abandonaban la iglesia en silencio y sin rito de despedida. Aunque su teatralidad y las recientes fechas se prestan a ello, no traigo a colación el Oficio de Tinieblas con motivo de las celebraciones de la Semana Santa sino porque siempre me ha parecido interesante la homonimia que, a partir de las palabras “oficio” y “tinieblas”, podemos establecer con los oficios técnicos del espectáculo. Tomemos para ello el vocablo “oficio” en su acepción de “profesión” refiriéndonos a las ocupaciones de la tramoya teatral en su conjunto y tengamos en cuenta que ejecutan su tarea en la oscuridad de las cajas del escenario. Los técnicos trabajan en la penumbra gestionando la escenografía, el sonido la luz... Estos oficios se desarrollan entre tinieblas, aunque éstas no sean ahora remembranza de muerte. Permítanme pues que vea una poética evocación del actual trabajo técnico en el ritual medieval -teatro, al fin y al cabo- del Oficio de Tinieblas. Menos poética se me antoja la realidad que afrontamos hoy. El medio profesional se encuentra en un momento sombrío. La actividad ha disminuido, los grandes teatros hablan de expedientes de regulación de empleo, las pequeñas compañías pasan su propio calvario ahogadas por los impagos y la falta de contratos. El paro se ha cebado en el colectivo técnico que es percibido más que nunca como un costo inasumible. Apagadas casi del todo las escasas velas que nos iluminaban e inmersos en nueswww.elespectaculoteatral.es

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tro personal rito de tinieblas, necesitamos de un renacimiento que por el momento no se atisba en el horizonte. Quizá lo que se halla en crisis es la manera en la que hasta hoy hemos entendido los oficios del espectáculo. Recientemente asistí a una reunión de trabajo con expertos de una universidad extranjera. Se debatía sobre el plan de estudios para la formación de artistas multidisciplinares y entre los objetivos de aprendizaje se hablaba de las competencias que sobre la técnica debían adquirir los estudiantes. La postura de la delegación no dejaba lugar a dudas. Según ellos, el modelo de explotación del espectáculo en vivo que hemos conocido puede darse ya por muerto. La nueva situación económica –que parece que ha llegado para quedarse- cambia radicalmente el contexto. El nuevo paradigma es la insostenibilidad de las estructuras actuales. A consecuencia de ella, llega una nueva época en la que el artista no podrá contar con los medios de producción habituales. Deberá prescindir de los grandes equipamientos públicos y orientarse hacia otros modelos de espectáculo en los que él mismo recupere la gestión de la técnica. Conclusión: debemos formar al artista en el uso de la técnica del espectáculo y prescindir de los profesionales técnicos o reducir su participación al mínimo imprescindible. No es necesario decir que no estoy de acuerdo con la radicalidad de esta postura. Baso mi desacuerdo en dos ideas: que la participación del técnico en el las artes escénicas no es, ni debe ser, meramente instrumental y que el cambio económico no significa la desaparición de los oficios sino, a lo sumo, su transformación. La crisis del marco económico puede representar el surgimiento de nuevas maneras de entender la creación. Tenemos un ejemplo claro de este fenómeno en el cine de la Nouvelle Vague que, haciendo de la necesidad virtud, desarrolló una nueva manera de entender el cine lejos de la complejidad económica y formal de los grandes estudios. Otro ejemplo de cambio lo constituyen las actuales formas alternativas de producción como el “crowdfunding”. Sin embargo, pensar que el artista, acumulando funciones, debe reemplazar al técnico parece un tanto exagerado. Tal idea sólo puede surgir de la consideración del papel del técnico como un elemento meramente instrumental, sin papel propio en el esquema de la producción. Sin duda, el cambio económico traerá fuertes transformaciones en nuestras profesiones y, seguramente, nuevas maneras de entender la

producción escénica. Pero no creo que el futuro pase por la expulsión el técnico de las áreas relacionadas con la cultura relegándolo a los entornos del espectáculo-ocio y del evento donde posiblemente se mantenga el necesario nivel de inversión. La cuestión que aparece en el fondo es el mal crónico del sector de las artes escénicas en relación a su financiación. Me gusta creer que la cultura no debe ser reducida únicamente a un bien económico y que por lo tanto la sociedad debe hacer algo para mantenerla y desarrollarla. De la misma manera que entendemos que hay que mantener los museos, debemos poner a disposición de los creadores equipamientos en los que puedan desarrollar su creatividad y presentar sus creaciones al público con los medios necesarios. Y ello no es contradictorio con la existencia de un fuerte sector privado a pesar de que ambos, -público y privado-, padecen la enfermedad de Baumol de la relación entre cantidad de trabajo y producto. A mi entender, el debate deriva a asuntos más profundos que la simple reivindicación del mantenimiento de un statu quo. No cabe duda de que deberemos adaptarnos al cambio de los tiempos y, posiblemente, a nuevas maneras de entender las artes escénicas y la forma en que un creador se encuentra con su público. Hoy nos encontramos en la parte oscura de nuestro particular Oficio de Tinieblas. Sobrecogidos, no acertamos más que a entonar nuestro propio Miserere. Pero si no queremos que se transforme en las exequias de una manera de entender la práctica de las artes escénicas, es preciso que despertemos y hagamos sonar las matracas y carracas antes de que la oscuridad sea total y permanente. Es preciso reivindicar nuestro papel en las artes escénicas hoy. La pervivencia del técnico no es un problema económico sino de modelo. La escenografía, iluminación, vestuario y demás signos de la representación se verán también arrastrados. Cada vela del tenebrario que se apaga es una pérdida, un retroceso. Parece que, al menos por ahora, nadie vendrá a reencenderlas. Y como en el Oficio de Tinieblas, al final nos iremos todos sin rito de despedida. Escribía Tirso de Molina a propósito de la matraca: “hace un son desapacible para los que despiertan y le conocen, y espantoso para los que coge desapercibidos”. Pues eso: a dar la matraca. Jordi Planas

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la última

el mundo del espectáculo teatral reflexión

Centros y teatros públicos: que el aire fresco, los ciudadanos -y las compañíasentren por las ventanas Que las artes escénicas, y en general la acción cultural, se enfrentan a un reto de enormes proporciones es un lugar común. Otro consiste en poner en tejados políticos la pelota de la salida de esta situación. La queja. Nuestro colaborador, Robert Muro, plantea en este número que en este panorama los ciudadanos, la sociedad civil, tiene y puede hacer mucho. Tan solo hay que organizar y facilitar su participación, su intervención.

as reducciones de los presupuestos públicos –del gobierno central, de los autonómicos y de las instituciones locales– son brutales y afectan a todas las partidas, no solo las culturales, que son consideradas menores. La elección dominante consiste en reducir drásticamente los gastos, lo que alimenta la recesión y la pobreza, sumiendo la economía capitalista en una sima. Para colmo, además, hay tanto responsable de esta situación suelto vestido de caperucita, e hinchando pecho bombero salvador, que la fe y el aliento se escapan de las buenas gentes. La situación solamente podría reorientarse desde una acción política titánica en la que frente al desánimo se impusiese el entusiasmo de los ciudadanos en la reconstrucción del país sobre nuevas bases. La altura de miras de los políticos profesionales –los que fueron, los que están y previsiblemente los que vendrán– es realmente escasa y por ello conviene no concluir los análisis en la queja, territorio tan transitado como estéril. Más bien hay que centrarse –por lo que a nosotros respecta–, en lo que los ciudadanos, y particularmente los sensibles al arte y la cultura, pueden hacer en estos momentos con sus fuerzas, sus manos, su corazón, su inteligencia y su creatividad. Esas son las herramientas de las que hoy disponemos. Ésas, y los públicos, los destinatarios del arte, que, si lo necesitan y lo aprecian –aunque sea tan solo un poco– serán aliados en el tan necesario proceso de renovación cultural y creativo. En realidad, la penuria nunca ha sido mala compañera de la creatividad, la dramaturgia, la poesía, la pintura o la música. Para que la mayor parte del arte se exprese bastan el creador y los públicos apreciadores. Cierto que algunas artes sufrirán más: aquellas colectivas que exigen mayores inversiones y solamente se soportan en los beneficios. Pero, tranquilos y que no rechinen los dientes ni crujan los huesos, en el capitalismo ésas, globalmente, no están en riesgo. Así que el problema está en que no hay dinero para programar. Esa mala interpretación del mandato constitucional de “promover la cultura” ha centrado toda la acción pública, e incluso una parte esencial

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de la privada, en crear y ofrecer creaciones, una política de impulso de la producción y de la oferta. Qué bien nos hubiera venido que la Constitución reflejara otro mandato para las instituciones públicas, por ejemplo el de “promover la participación social en los procesos creativos, de programación y de exhibición de las artes”. Al menos quienes entienden la acción cultural como herramienta de dinamización social y mejoramiento ciudadano, tendrían a su favor un mandato superior centrado en los destinatarios, no en el ombligo. Pero estamos a tiempo. O tal vez, simplemente, a la fuerza ahorcan. Hoy, y previsiblemente a medio y largo plazo será determinante –ya aparece en el horizonte– la tarea de centrar las políticas culturales en la participación, en la intervención de los públicos y ciudadanos en el devenir de la cultura que les es cercana. Pasada la grandilocuencia arquitectónica y constructiva y vacías las arcas de ochavos para llenar tanto y tan bello edificio, se impone abrir sus puertas para que entre en ellos el aire fresco, el ciudadano dinámico y la compañía ingeniosa. Pero claro, convertir en operativas estas ideas generales, exige entre otras cosas, medidas como las siguientes: Que los espacios abran la gestión y la programación a los ciudadanos y a las organizaciones sociales, lo que equivale a despolitizar y desfuncionarizar. Que quede claro: desfuncionarizar no significa privatizar: pagar a funcionarios o contratas para que los edificios estén abiertos es una desperdicio si no se llenan de contenidos. Y si se privatiza la gestión, debe ser entregada prioritariamente al tercer sector. En el actual panorama la acción cultural pública puede sostenerse mejor en la gestión de organizaciones no lucrativas, o en fórmulas de gestión empresarial con limitación de beneficios, que es como funcionan de facto las compañías. Pero las puertas, abiertas. Que los públicos sientan como suyos los centros culturales, los teatros y que sus opiniones cuenten en el día a día de los espacios. No solamente han de estar abiertos a debates tras las representaciones –interesante y participativa fórmula de

moda–, sino que hay que promover la formación de asociaciones de espectadores, la convocatoria de asambleas, la presentación publica y a debate de programaciones… Más democracia acerca al público, sin duda, y esencialmente al público más activo, que es quien más reclama el cambio de modelo. Que los ciudadanos contribuyan con su financiación individual a la salvaguarda del arte. Ellos serán quienes marquen el arte que se vea, el que se haga y el dinero que se cobre. Y que nadie se asuste: hay dinero para todos los proyectos, tendencias, creatividades; incluso para las más minoritarias. Cierto es que deberán acomodarse en sus procesos de producción a la financiación que sean capaces de lograr; sea porque se logra que las entradas financien las creaciones, sea porque el patrocinio – pequeño o grande, local o general– lo permite. Por cierto, viva la flexibilización de los precios de las entradas, muera el precio único o casi. Que impulsemos, al menos coyunturalmente, algunos cambios urgentísimos en la legislación para hacer más libre y autónoma la creación, menos dependiente de las ayudas públicas. Y si es necesario imponiendo de hecho otros modelos. El modelo cooperativo argentino de creación escénica, por ejemplo, en el que los interesados en armar arte aportan su energía y su poco dinero y recuperan luego proporcionalmente a lo invertido, unido a fórmulas de generación de empresas simple y por proyecto, permitirán un nuevo impulso a las artes escénicas en España. Sí, las organizaciones, las gentes de la cultura han de luchar y alzar la voz, claro que sí, y exigir que la acción pública mantenga su responsabilidad en la actividad cultural. Pero sobre todo deben orientar su actividad diaria a hacer que la sociedad asuma un papel más presente y determinante en el devenir de las artes y en su financiación. Es posible.

Robert Muro www.robertmuro.wordpress.com www.elespectaculoteatral.es

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