Camille Candia-Architecture-Portfolio-Historia del Arte I-RIBA Part 1-Ulima-2020

CAMILLE AYELEN CANDIA RODRIGUEZ - 20190354

PORTAFOLIO

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Profesor:

MARIA DE LA PALOMA CARCEDO MURO DE MUFARECH

Historia del arte i

Murnau Street With Women Vasili Kandinski, 1908

CONTENIDO

ESCULTURA EGIPCIA CG2 y CG3

ARTE GÓTICO CG2, CG3, CG4 y CG5

RENACIMIENTO Y BARROCO CG2, CG3, CG4 y CG5

NEOCLASICISMO Y ROMANTICISMO CG2, CG3, CG4 y CG5

IMPRESIONISMO Y EXPRESIONISMO CG7

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ESCULTURA EGIPCIA

INTRODUCIÓN

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En esta actividad sobre la Escultura Egipcia se responderán preguntas planteadas por el docente acerca de 2 esculturas egipcias previamente seleccionadas por el alumno, con el fin de realizar un análisis de la cultura y sus representaciones artísticas.

DESARROLLO DE LA ACTIVIDAD Pregunta 1: ¿Cuál era el objetivo de la escultura egipcia?

-Al inicio y generalmente eran de uso funerario para los faraones, se realizaban estatuas de ellos o de quienes iban a protegerlo en el “otro mundo”. Las estatuas luego fueron haciéndose para representar divinidades mitológicas, a los faraones, sus familias e incluso personas del pueblo realizando trabajos o quehaceres domésticos.

Pregunta 2: Las esculturas oficiales eran hieráticas, ¿Qué significa esto?

-El hieratismo de las esculturas oficiales significa que en estas esculturas resaltaba la sobriedad, seriedad y rigidez;

éstas eran inexpresivas. Por ejemplo, las esculturas de faraones eran representativas, es decir que era la misma escultura para representar a cualquier faraón.

Pregunta 3: ¿Qué diferencia había entre la escultura oficial y la popular?

-Las esculturas oficiales eran de faraones o templos, es decir cosas importantes hechas de materiales finos.

En cambio, las esculturas populares eran de personas que no pertenecían a la realeza, personas haciendo manualidades, haciendo pan o cualquier otro tipo de trabajos, estas están hechas de madera o material no tan fino.

¿Qué representaN laS esculturaS oficial Y popular ELEGIDAS? La escultura oficial elegida es Amenemhat III, representa a quien fue el sexto faraón de la dinastía XII de Egipto. Es llamado también Nymaatra. (Figura 1)

Figura 1

La escultura popular elegida representa el como era la vida de las personas del pueblo en el antiguo Egipto. Este tipo de estatuillas eran colocadas también en las tumbas de los faraones, haciendo trabajos manuales, quehaceres domésticos e incluso pequeños ejércitos destinados a servir a su faraón en el más allá. (Figura 2) Figura 2

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Arte gótico

INTRODUCIÓN

En este ensayo se realizará un análisis detallado de la obra El matrimonio Arnolfini del pintor Jan van Eyck. A fin de desarrollar conocimiento acerca de el arte gótico, como el saber diferenciarlo e identificarlo entre otras corrientes.

Descripción de la obra: El matrimonio Arnolfini es una pintura gótica que fue hecha por el pintor Jan van Eyck en 1434 (siglo XV). En la actualidad se encuentra en la National Gallery, London. Este cuadro tiene las dimensiones de 82.2 cm x 60 cm.

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DESARROLLO DE LA ACTIVIDAD ASUNTO REPRESENTADO Este cuadro apreciado en la figura 1 retrata a Giovanni Arnolfini, joven mercader de Italia, y a su esposa Giovanna Cenami. Tradicionalmente esta obra aparece en los catálogos como el matrimonio de uno de los miembros de la poderosa familia de comerciantes luqueses, los Arnolfini.

“Arnolfini, ataviado con un traje oscuro y un ancho sombrero, mira de frente con arrogancia mientras parece estar bendiciendo a su esposa. Ella se deja coger la mano e inclina la cabeza en gesto de sumisión.

Va vestida con una elegante túnica verde. La composición es perfectamente simétrica.” (Cuartango, 2015)

Figura 1

Técnica: La pintura mostrada en la figura 1 es un oleo, por ende fue disuelta en aceite. El uso de la técnica del óleo permite el grado de escrupulosidad que se observa en cada objeto representado. La obra cuenta con un estilo muy claro de la pintura Gótica Flamenca.

Soporte: El arte gótico emplea la técnica soportes de pintura sobre una tabla.

Elementos formales: Se toma en cuenta la obra análisis comentario de Morante, F y Ruiz, A.

Factura: La realización de esta pintura podría ser

considerada impecable gracias a la cantidad de detalle y precisión. Esto se debe a que fue ejecutada con el tipo de pincelada acabada, en el cual se busca evidenciar todos los detalles de forma muy minuciosa. En la figura 2 se aprecian algunos claros ejemplos como el perro ubicado a los pies de los novios, un adorno colgado al lado del espejo y una escobilla colgada a lado de la cama.

de

y

Línea: El cuadro posee varios detalles (por ser de estilo flamenco). Las sombras definen los objetos o personas presentadas en éste.

Las variaciones de colores le dan realismo e incluso movimiento a la obra ya que se buscaba el naturalismo. No cuenta con líneas marcadas que delimitan la pintura.

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Figura 2

Luz: E n e s ta p i n t u r a l a l u z n a t u r a l e n t r a p o r u n a gran ventana ubicada del lado izquierdo del cuadro. Se puede observar gracia a la figura 3 que dicha ventana es la única entrada de luz de la habitación, esto se puede afirmar gracias al reflejo de la lampara que cuelga del techo, a la gran iluminación en el rostro de la esposa, que se encuentra de frente a la ventana, cuya sombra se proyecta en la cama detrás de ella y a que el lado derecho rostro del Señor Arnolfini se encuentra iluminado mientras que el izquierdo tiene menos iluminación y hasta se puede ver la sombra de su nariz.

C o l o r: El color era un elemento clave para la pintura gótica. Se tiende a utilizar tonos intensos y coloridos (hasta llamativos) que en algunos casos puede llegar a ser un colorido irreal. Aunque de acuerdo a mi opinión los colores se ven muy realistas, llamativos y absolutamente increíbles, en especial el verde del vestido de la esposa.

Los colores en ésta época (siglo XV) contaban con un contenido simbólico para los pintores.

P e r s p e c t i v a: En este cuadro en la figura 4 se puede apreciar un punto de fuga que parte del centro del espejo que se encuentra detrás de la pareja, en el que se ven las espaldas de los esposos y unas personas que al parecer observan la escena.

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Figura 3

Una vez que el observador se da cuenta de ello se genera una sensación de que toda la pintura parte de dicho punto de fuga. En la figura 5 puede apreciarse la ubicación del espejo.

C o m p o s i c i ó n: “Hay dos elementos en la pintura que ejercen de contrapunto a la pareja: el perro a sus pies, cuyo pelo y cuyos ojos adquieren vida propia, y el espejo al fondo de la habitación, que revela que hay otras personas en la estancia. En la pared, el pintor escribe: "Jan van Eyck estuvo aquí"” (Cuartango, 2015) Estos detalles, que brinda un equilibrio a la composición, los podemos apreciar en la figura 6.

Forma de expresión: Abstracta o figurativa: Representación figurativa que muestra la unión entre Giovanni Arnolfini y su esposa Giovanna Cenami.

Función: Significado: La pintura cuenta con representaciones no muy apreciados a primera vista que evidencian que es una escena matrimonial.

“Ambos están descalzos, lo que podría significar el carácter sagrado del hogar, que queda de manifiesto en otros objetos como la lámpara, una estatua religiosa y la vela, símbolo del matrimonio. A su lado, hay un lecho de llamativo color rojo, que bien podría ser una alusión a la sensualidad carnal.” (Cuartango, 2015)

Figura 4

Figura 5

Símbolos de fertilidad: (figura 7) - Tr a j e c o l o r v e r d e c o n e l v i e n t r e a b u l t a d o - Escoba colgada.

- Imagen de Margarita, patrona del alumbramiento.

Figura 7 Z u e c o s , z a p a t o s c o n s u e l a d e m a d e r a: (figura 8) - C el e b r a c i ó n d e a l g o i m p o r t a n t e .

- Zapatos del esposo cerca a la puerta simbolizando vida social, y los de ella atrás simbolizando la vida doméstica.

Figura 8

Figura 6

Las naranjas y el cerezo: (figura 9) - E l c e r e z o e n l a v e n t a n a s im b o l i za e l amor - Las naranjas son símbolos de fertilidad y riqueza, pues esta fruta se importaba del sur y resultaba muy cara en la época.

Figura 9 Espejo: (Figura 10) - L a p r i n c i p a l fu n c i ó n d e l e s p e j o e s mostrarle al espectador lo que se esconder detrás de la visión del propio pintor.

Figura 10

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RENACIMIENTO Y BARROCO

INTRODUCIÓN

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En este ensayo se realizará un análisis formal e iconográfico de 2 esculturas de Miguel Angel, así como una pintura de Piero della Francesca y una pintura de Pedro Pablo Rubens.

Estas obras fueron brindadas por el docente a fin de que el alumno pueda realizar un análisis en base a las lecturas otorgadas y a las explicaciones dadas en clase.

Desarrollo de la actividad ESCULTURA Las obras escultóricas “Piedad del Vaticano” (figura 1, Buonarroti) y “Piedad Rondanini” (figura 2, Buonarroti) pertenecen al artista renacentista italiano Miguel Ángel. La figura 1 data de los años 1498-1499, propia del Cinquecento o Renacimiento Pleno; mientras que la figura 2 data de los años 1555, etapa en la cual Miguel Ángel se aproximaba más al Manierismo, siendo esta la última obra del artista antes de su muerte, la cual no pudo culminar.

Tanto “Piedad del Vaticano” (figura 1, Buonarroti) como “Piedad Rondanini” (figura 2, Buonarroti) son obras que pertenecen al mismo artista, sin embargo, cada una representa diferentes etapas de su producción.

“Piedad del Vaticano” se puede considerar como la obra cumbre de Miguel Ángel desarrollada durante el máximo apogeo del Renacimiento, mientras que “Piedad Rondanini” es la obra culminante de su legado artístico, así como de su vida y fue concebida en el momento en el cual el artista se acercaba más al Manierismo que al Renacimiento Pleno; ambas obras presentan grandes diferencias, no solo a nivel de creación sino también como obra culminada.

“Piedad del Vaticano” es una obra de acabado y detalle extraordinario, sobre ello Morante y Ruiz afirman que

“las superficies ofrecen un acabado exquisito” y debido al material con el cual la obra fue realizada, mármol blanco, las dificultades han sido “resueltas con maestría y virtuosismo técnico” (1997).

El acabado es tan preciso que la obra permite observar detalles del rostro, el cuerpo y la indumentaria de los personajes; visualmente los cuerpos son fácilmente reconocibles y dan la sensación de una correcta proporción, sobre esto Morante y Ruiz nos dicen que, si bien la mujer tiene “la cabeza de tamaño igual al de la otra figura, es mucho más grande (…) y sus proporciones resultan disparatadas, pero, en el conjunto, son convincentes” (1997). La composición de la obra “sigue un esquema piramidal y resalta la unidad armoniosa de las dos figuras” (1997), lo cual es fácil de identificar ya que al observarla de frente notamos que la punta de la pirámide es el rostro de la virgen y la base serían las piernas cubiertas por su vestimenta. En la figura 1 (Buonarroti) también podemos observar de qué forma la luz incide sobre la escultura, cayendo de una manera tan suave que se ajusta perfectamente al aura de la obra.

Un último punto a destacar sobre la obra es el contenido de la misma, es decir, lo que el autor quiere transmitirnos, si bien la escena evoca un momento trágico, la obra no transmite dicha tragedia,

Figura 1

Figura 2

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Figura 1

Figura 2

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pero sí refleja un gran dramatismo, tal como lo afirman Morante y Ruiz: “Se manifiesta de forma muy contenida, sin ademanes aparatosos, y que se resume, principalmente, en el gesto de la mano extendida de la mujer” (1997).

Debido a estas características se puede afirmar que la obra es una representación del estilo renacentista de la época que l l e g a a s u p u n t o m á x i m o c o n “ La Piedad del Vaticano” de Miguel Ángel.

Por otro lado, tenemos a “Piedad Rondanini” del mismo autor y las diferencias con “Piedad del Vaticano” son evidentes.

A simple viste, “Piedad Rondanini” no presenta la misma majestuosidad y nivel de detalle que “Piedad del Vaticano”. Los rostros en la figura 2 dan la sensación de ser un bosquejo casi inacabado o a medio hacer, las extremidades dan la misma sensación de haberse quedado a medio camino; si bien la obra de Miguel Ángel no fue culminada por el artista, esta sensación parece adrede. La deformación del cuerpo es evidente y, si bien, haciendo un análisis de la figura 1 se puede apreciar que también existe una deformación en el cuerpo, en la figura 2 dicha deformación es evidente, lo cual da como resultado un cuerpo de proporciones poco verosímiles. Por otro lado, la posición de los personajes resulta un poco confusa, mientras que en la “Piedad del Vaticano” la obra tiene un aura dramática, en el caso de “Piedad Rondanini” el dramatismo se ha perdido por completo,

la posición de los personajes mirando hacia abajo no evoca una escena majestuosa y mucho menos trágica.

Por último, también es importante destacar la ubicación de la luz, ya que da la sensación de una obra oscura y hasta un tanto sombría. De esta forma, podemos afirmar que “Piedad del Vaticano” y “Piedad Rondanini” son obras contrapuestas en la producción artística de Miguel Ángel; como mencionamos anteriormente, ambas representan dos polos opuestos de su legado, “Piedad del Vaticano” es el punto máximo y “Piedad Rondanini” es el punto final.

Tanto “Piedad del Vaticano” (figura 1, Buonarroti) como “Piedad Rondanini (figura 2, Buonarroti) son creadas durante el Renacimiento, sin embargo, cada una de ellas fue realizada en una etapa diferente del mismo. “Piedad del Vaticano” se realizó durante el apogeo del Renacimiento, sobre esto, en “Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos”, Vasari nos cuenta que Miguel Ángel realizó esta obra por encargo del cardenal SaintDenis y fue esta la obra que elevó la fama de Miguel Ángel debido a su perfección y majestuosidad. “(…) esa obra agrego bastante más gloria y fama a su talento que todas las anteriores” (1550). De cierto modo, podemos considerarla como la obra cumbre de Miguel Ángel, sin embargo, dicha obra respondía también a los cánones de la época del Renacimiento Pleno.

Podemos considerar dichos cánones como el uso del mármol, el carácter perfeccionista en el uso de la técnica, el nivel de detalle tan pulido y de un excelente acabado, el esquema compositivo piramidal que responde a una propuesta geométrica de parte de los artistas renacentistas, la expresión de la obra es naturalista e idealizada (Morante y Ruiz 1997), característica propia de los artistas de la época. Por otro lado, la obra “Piedad Rondanini”, si bien pertenece al Renacimiento, se encuentra en una posición más cercana al Manierismo, es por ello que “rompe con el ideal clásico” (Morante y Ruiz 1997), se ha perdido esa majestuosidad, pero sigue manteniendo varios patrones que se encuentran en el Renacimiento Pleno.

En ambas obras hay un interés por la luz que se puede identificar, sin embargo, en “Piedad Rondanini” este tiene un aspecto menos homogéneo.

También ambas son trabajadas en mármol, el cual es uno de los materiales más usados durante el Renacimiento, y presentan una misma temática relacionada a lo religioso, característico del Renacimiento.

Otro de los temas fundamentales del Renacimiento es el hombre y, tal como mencionan Morante y Ruiz, renace el desnudo (1997), lo cual se ve perfectamente reflejado en ambas obras, sin embargo, cabe hacer una importante diferencia ya que durante el Renacimiento Pleno

el desnudo responde a las teorías de Policleto con proporciones más reales, mientras que durante el Manierismo, al cual pertenece “Piedad Rondanini” ocurre una desproporción de las formas, como podemos observar.

Es evidente que el renacimiento influyó mucho en la creación y producción de las mismas, pero también es importante hacer la diferenciación de la etapa renacentista en la cual ocurrieron ya que a partir de estas se define el cómo fueron realizadas.

Ambas obras se desarrollaron durante el Renacimiento, el cual se divide en tres etapas: Quattrocento o Renacimiento Temprano (s. XV), Cinquecento o Pleno Renacimiento (primeros 20 años del s. XVI) y Manierismo (resto del s. XVI). Los principales centros de producción durante la época se encuentran en Europa, específicamente en Italia en ciudades como Florencia, Toscana, Venecia, Roma, entre otros, pero también se expandió a países como España, Francia, Inglaterra.

Durante el Renacimiento nacen artistas como Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Tiziano, Tintoretto, Cellini, etc.

El escultor más destacado de la época es, sin lugar a duda, Miguel Ángel, a quien se le considera más cercano al Cinquecento.

Sin embargo, junto a él también hubo otros escultores famosos por sus bellas obras, Morante y Ruiz en su obra destacan a B. Cellini, Giambologna y a los Leoni dentro de la época manierista....

Figura 1

Figura 2

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NEOCLASICISMO Y ROMANTICISMO

INTRODUCIÓN

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En este ensayo se realizará un análisis formal e iconográfico de 2 pinturas neoclasicas brindadas por la docente las cuales son Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David (1784) y Los fusilamientos del 3 de Mayo de Francisco de Goya (1813/1814), y 2 pinturas del romanticismo: La libertad guiando al pueblo de Eugéne Delacroix (1831), y La barca de medusa de Théodore Gericault (1818/1819).

Desarrollo de la actividad NEOCLASICISMO Clasifica las obras pictóricas, señalando su autor y estilo: “Juramento de los Horacios” es una obra de Jacques-Louis David, el representante más importante del neoclasicismo francés; mientras que “Los fusilamientos del 3 de mayo” pertenece al pintor Francisco de Goya, esta obra es considerada como la ruptura con el estilo neoclásico y se inclina más hacia un estilo romántico, por lo cual se considera precursora de este último.

Realiza un análisis formal e iconográfico de las obras y compara las diferencias entre ambas. Comente las características compositivas de ambas pinturas y el por qué se encuadran en este estilo.

“Juramento de los Horacios” es una obra representativa del neoclasicismo, ya que hay muchos elementos visibles pertenecientes a esta corriente.

En cuanto a la parte técnica, hay un uso de colores más vivaces y una gama más variada, a simple vista observo el rojo, ocres, azules, grises, entre otros, esto ocurre como contraposición al barroco; y también se pierde el uso del claroscuro llevado al extremo ya que toda la obra se ve bien iluminada y no hay un punto específico de iluminación tal como comentan Morante López y Ruiz Zapata: “Pierde el protagonismo y el efectismo que tenía en el Barroco” (1997), sin embargo sí observo que hay un intento de resaltar los personajes

Figura 3 “sobre el fondo que parece más sombrío y con colores más apagados. Otro detalle que a mi parecer resulta bastante importante a destacar es la composición de la obra, ya que vemos a los personajes perfectamente distribuidos, una propuesta clásica del neoclasicismo, ya que se prestaba bastante atención a las líneas y la simetría, en la figura 3 he marcado dos líneas reconocibles y una figura geométrica que indican la posición de los personajes. Por último, me gustaría señalar el tratamiento del dibujo en sí porque las líneas y las formas de los personajes resultan bastante realistas y, sobre todo, con una ejecución impecable que permite diferenciar cada elemento. Todas características que se presentan en la obra de Jacques-Louis David son propias del neoclasicismo y es por ello que es una de las obras que mejor reflejan dicho estilo.

“Los fusilamientos del 3 de mayo”, a diferencia de la anterior, es una obra con una gama de colores más grisáceos y opacos, incluso da la sensación de ser una obra bastante oscura en términos generales debido al tema que está tocando;

Figura 4 sobre este tema Morante López y Ruiz Zapata afirman que “pasa de los alegres tonos dieciochescos de sus cartones a obras más contrastadas, con colores fuertes; en las pinturas negras su gama se redujo a ocres, negros, marrones…” (1997), en este caso según la época podría afirmar que se encuentra en un intermedio de su época “alegre” a su época “oscura”. Las líneas y las formas de los personajes se pierden, ya no hay personajes tan realistas ni escultóricos como en la obra de David, además me da la sensación de que hay un trabajo más profundo de sombras y luces por medio del uso del color, tal como lo señalo en la figura cuando hablo de las “manchas de color”. Como hemos visto, tanto la técnica como la composición y la temática de la obra rompen con la obra clásica propuesta por el neoclasicismo, Goya va más allá y es por tal motivo que se le considera precursor del romanticismo.

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IMPRESIONISMO Y EXPRESIONISMO

INTRODUCIÓN

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En este ensayo compararemos a dos pintores de diferentes periodos artísticos. Uno perteneciente al Impresionismo con la obra Neaulieu, femmes et garçonnet de Pierre Auguste Renoir de 1890 y otro al Expresionismo con la obra Murnau Street With Women de Vasili Kandinski de 1908. Ambas pinturas muy diferentes en cuanto temáticas y ejecución, han sido elegidas por la impecable representación de su corriente correspondiente, y la expresión clara de las evidentes diferencias entre el impresionismo y el expresionismo.

Este ensayo buscará relatar desde un punto de vista y explicación personal las corrientes impresionista y expresionista y como éstas son representadas por las obras seleccionadas.

DESARROLLO DE LA ACTIVIDAD ¿Cómo representan ambos cuadros las corrientes impresionistas o expresionistas?

El cuadro que se ve en la figura 3 representa muy bien la corriente impresionista por múltiples razones, entre ellas está el hecho de ser una pintura de óleo sobre lienzo tal y como generalmente lo son las pinturas impresionistas.

También está la pincelada, la cual tiende a ser corta y rápida; y, en ocasiones, en forma de “coma”. La línea tiende a ser casi inexistente “un valor en retroceso”, incluso en los impresionistas puros ésta desaparece. Sin embargo, en las obras de Renoir se ve una forma clara en la que cierra sus figuras. La luz viene a ser esencial en esta Figura 1 corriente. Los impresionistas buscan captar la luz natural, el momento y forma en la que ésta se da provoca que los artistas procuren realizar sus obras al aire libre y de forma rápida. Por ende, los cuadros tienden a ser bastante claros y luminosos. Esta corriente (con respecto al color) prescinde de la mezcla de colores en la paleta, los artistas prefieren aplicar colores puros y dejar que las mezclas se den en la retina.

El cuadro expuesto en la figura 4 representa a simple vista el expresionismo por muchas razones.

Pero, en mi opinión, la principal es la técnica con la que fue creada tan representativa de esta corriente. El expresionismo se basa en la expresión subjetiva, se utilizan colores vivos y fuertemente contrastados, con una representación de la realidad alterada de acuerdo a los sentimientos y el mensaje que el autor quiere transmitir. El pintor tiende a utilizar su obra como medio de comunicación entre sus sentimientos y el público.

En la obra seleccionada se puede observar los colores fuertes, las mujeres morfológicamente

Figura 2

diferentes a la realidad. Y, en general, se observa la impresión del artista de su propia forma de ver, percibir e interpretar el mundo y todo lo que ocurre a su alrededor. Se p u e d e a p r e c i a r t a m b i é n d e f o r m a c l a r a l o s t r a z o s m a r c a d os y l a s p i n c e l a d a s a l e a t o r i a s pero ordenadas, existen ritmos lineales fuertes y se marcan los limites de los objetos con el color mismo. Y es este mismo color con el que se realiza la iluminación de la obra.

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¿Cómo percibe la evolución pictórica del Impresionismo y Expresionismo teniendo en cuenta los cuadros elegidos?

Pi e n s o q u e e l i m p r e s i o n i s m o p o s e e u n a técnica muy marcada y notoria (una vez que la obra se analiza), la luz natural, los colores, la forma en que se realiza el trazo corto y rápido, como el color no se mezcla en la paleta, sino que el pintor deja que ésta se dé en la retina, y el hecho de que la naturaleza tenga una presencia tan fuerte que el más mínimo cambio lumínico altere gran parte de las formas y objetos en la obra.

Esta corriente artística responde a un contexto social e histórico que cambia inevitablemente con el tiempo, existen alteraciones sociales y políticas, avances tecnológicos y cambios en los ideales de las personas, la forma de ver e interpretar el arte evoluciona. Por ende, el impresionismo se ve extinguido y llega el expresionismo, y gracias a él, debido momento histórico, político y social, los pintores poseen mayor libertad sobre sus obras, ya no deben captar la realidad tal cual es en el momento en el que se da (ya que eso lo pueden hacer las fotografías). . Dicha libertad hace que los pintores impriman su propia forma de ver el mundo, los colores vivos, las personas morfológicamente cambiadas, los objetos deformes, todo es representado de forma subjetiva de acuerdo al mensaje que quieran transmitir a través de sus obras.

Todo esto rompe totalmente lo tradicional, con una actitud de rebeldía y oposición con todo lo ya establecido.

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¿Qué piensa llevo a los artistas a cambiar de un estilo impresionista a otro tan opuesto como el expresionista?

Pienso que el proceso que lleva a los artistas a cambiar del impresionismo al expresionismo es una mezcla de situaciones, realidades, cambios y evoluciones propias del siglo XX. Desde el punto de vista artístico los pintores parten de las obras de los postimpresionistas quienes tendrán una gran influencia en los posteriores movimientos de la época.

Estos movimientos reaccionan frente a la supuesta superficialidad del impresionismo.

Nace también el vanguardismo artístico que busca romper con lo anterior, lo “clásico”. ¿Con cuál de las dos corrientes se identifica más?

Considero que me identifico con el impresionismo. Pienso que mi forma de ver las cosas y de, sobre todo, plasmarlas es un poco más cercana a la realidad y a lo ya existente sin ser totalmente clásica, ese es el tipo de arte que creo que transmito y el tipo de arquitecta en la que creo que me estoy convirtiendo.

Sin embargo, la corriente expresionista lleva consigo las cosas y realidades que conoce y las usa como precedentes para crear algo nuevo y en ocasiones alejado de la realidad. En algún momento de mi vida profesional me encantaría ser una arquitecta expresionista. Pero lo que más me entusiasma de esto es el proceso por el que debo pasar, ya que como bien sabemos el impresionismo y expresionismo son corrientes muy distintas, por ende, de crear obras impresionistas a expresionistas, habrá un largo camino con muchas influencias externas que estoy ansiosa por experimentar.

LINKS ESCULTURA EGIPCIA file:///C:/Users/USER01/Downloads/Escultura%2 0Egipcia%20-%20Candia%20Camille.pdf

ARTE GÓTICO file:///C:/Users/USER01/Downloads/Actividad%2 04%20Romanico%20y%20G%C3%B3tico.pdf

RENACIMIENTO Y BARROCO file:///C:/Users/USER01/Downloads/Renacimient o%20y%20Barroco%20(1).pdf

NEOCLASICISMO Y ROMANTICISMO file:///C:/Users/USER01/Downloads/Neoclasicism o%20y%20Romanticismo%20(1).pdf

IMPRESIONISMO Y EXPRESIONISMO file:///C:/Users/USER01/Downloads/Impresionis mo%20y%20expresionismo_Candia.pdf

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SOBRE MI E s t u d i a n t e d e l a c a r r e r a d e A r q u i te c tu r a c o n i n ter és en l o s idiomas.

Practico habilidades blandas como h o n es t i d a d , s o l i d a r i d a d y l a c a p a c i d a d d e e n ta b l a r r e l a c i o n e s i n te r p er s o n a l es .

Me consideran una persona responsable, p e r fecci o n i s t a , e x t r o v e r t i d a y b u e n a t r a b a j a n d o e n e q u i p o . T e n g o i n t er és en l a s a r t e s d e s d e m i n i ñ e z , t a n t o l a d a n z a c o m o e l te a tr o y cl a r a m en t e, la arquitectura.

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