Collaborative Project
Artphil Institute 2025
2025 Artphil Institute Collaborative Project
Enigma, Oxymoron,
Posthuman, Resilience, Synthetic Reality
Exhibition Overview —
Artphil은
Artphil에서는
관객들에게
자세한 내용은 다음과 같습니다.
Eligibility — 참가 자격
Artphil Institute 재학생
Venue — 장소
Artphil Project Broom Gallery 3F + Rooftop
Timeline — 전시 일정
2025. 09. 27
기간 2025. 10. 13 - 10. 30 아티스트 톡 2025. 10. 15
1차 크리틱 2025. 10. 18
Project Broom Gallery 3F
Gallery Project Rooftop
STILL THE LITTLE YOU!
Design Concept
많은 사람들이 어릴 적 사진을 보며 “너 옛날이랑 똑같네”라는 말
을 합니다. 하지만 곰곰이 생각해 보면, 그 말은 모순적으로 들립
니다. 시간의 흐름 속에서 우리의 외형과 생각, 말투까지 변하지만
우리는 여전히 그 변한 존재를 ‘나’라고 부릅니다. 모든 것이 변했
음에도 ‘같다’고 느끼는 이 감각은 어디서 비롯되는 걸까요?
〈Still the little you!〉는 이 질문에서 출발합니다. 변화 속에서도
여전히 ‘나’라고 느끼게 하는 감각—즉, 본질을 시각적으로 탐구
한 작품입니다. 공간의 중심에는 완전하지 않은 붉은 구가 놓여 있
으며, 이는 보는 이마다 다르게 인식되는 ‘본질’을 상징합니다. 이
를 둘러싼 네 개의 메탈 링은 본질을 감싸는 환경적 요소들을 나타
내며, 아래의 반사 종이 박스는 시점에 따라 달라지는 ‘나’의 끊임
없는 변화를 보여줍니다. 공간 전체를 덮은 얇은 천은 빛과 경계를 흐리게 하여, ‘본질’이 이 성으로 규정될
Many people look at childhood photos and say, “You still look the same.” Yet in reality, our appearance, thoughts, and even the way we speak constantly change. So why do we continue to call these different versions of ourselves “me”?
〈Still the little you! 〉 begins with this question and explores the essence of self that persists through change. The imperfect red sphere at the center represents a “core of existence” that is perceived differently by each viewer. The surrounding metal rings signify external influences, while the reflective box below reveals how the self shifts depending on one’s viewpoint.
The thin fabric covering the space softens boundaries, suggesting that essence cannot be fully defined by logic but is instead a sensory experience. The work ultimately visualizes the contradictory feeling of being “the same me” despite constant change.
Isopink, Wire, Rope, Fur, Shower hose, Foam board, Mirror sheet
시간이 흐르며 외형도, 생각도, 감정도 변하지만 우리는 여전히
예전의 자신과 현재의 자신을 ‘같은 나’로 인식합니다. <Still the little you!> 는 이러한 모순된 감각 속에서 변화를 거듭하는 존재
와 그 안에 남아 있는 ‘본질’을 시각적으로 탐구한 설치 작품으로,
변하는 것과 변하지 않는 것 사이의 감각적 균형을 표현합니다.
As time passes, our appearance, thoughts, and emotions change — yet we continue to perceive our past and present selves as the same “me”. <Still the little you!> is an installation work that visually explores this contradictory sense of self, examining the everchanging being and the enduring “essence” within. The work expresses a sensory balance between what changes and what remains unchanged.
김은호
박보윤
이윤우
장하영
최준하
한병욱
황수진
김연진 Yeonjin Kim
Uno (Eunho) Kim
Boyoon Park
Yunu Lee
Hayoung Jang
Joonha Choi
Byungwook Han
SooJin Hwang Team Members
s(cr)een
The Excellence Prize for Experience
Team B
S(CR)EEN
Design Concept
이 작업은 인간과 기계의 관계가 ‘통제하는 사이’에서 ‘서로를 인
식하는 사이’로 바뀔 수 있다는 가능성을 다룬다. 우리는 기계를
위협이나 인간보다 더 우위에 있는 존재로 보지 않고, 인간과는 다
른 방식으로 감각하고 살아가는 또 하나의 존재로 바라본다.
작품의 핵심은 ‘얽힘(entanglement)’이다. 인간과 기계가 서로
를 관찰하고 영향을 주고받지만, 서로가 완전히 같아지거나 한쪽
이 다른 쪽을 지배하는 관계로 흐르지는 않는 상태를 말한다.
관객이 순간적으로 멈칫하거나, 거리를 두거나, 다시 응시를 마주
This project explores how the relationship between humans and machines can shift from control to mutual recognition. Rather than depicting machines as threats or superior agents, it treats them as different beings with their own ways of sensing and existing. The work focuses on the idea of entanglement: humans and machines observing, affecting, and interpreting one another without collapsing into sameness. By staging moments of hesitation, distance, and acknowledgement, the project questions humancentered assumptions and suggests that a nonhierarchical coexistence is imaginable—not through harmony or fusion, but through the ongoing negotiation of difference.
Project Description
기계는 원래 인간의 의도를 수행하는 도구로 만들어졌지만, AI나
자율주행처럼 오늘날의 기술은 더 이상 기계를 인간의 틀 안에서
만 이해할 수 없게 만든다. 기계의 행동은 인간과는 다른 방식으로
세계를 감각하며 형성되는 새로운 자율성의 징후처럼 보인다.
이 작업은 인간과 기계가 서로를 바라보는 ‘시선의 얽힘’에 집중한
다. 우리는 인간의 관점에서 기계를 관찰하고 해석하지만, 기계 역
시 나름의 방식으로 인간을 감지하고 반응하며 자신만의 패턴을 만들어낸다. 이 관계는 지배나 역전이
Machines were created to serve human intention, but AI and autonomous systems show that machines can no longer be understood as passive tools. Their behavior suggests a new autonomy shaped by sensing the world differently.
This exhibition focuses on the mutual gaze between humans and machines. We observe and interpret machines from our perspective, while machines, in their own way, perceive and respond to us, forming distinct patterns. This relationship is not domination or reversal but a moment of entanglement, where two
different beings attempt to recognize one another. A fabric body responds softly to wind and a motor, evoking an organism that imagines itself alive. Visitors bend under low wires at the entrance, revealing instinctive caution and misunderstanding. A tower wired back to the body looks down— not threatening but acknowledging.
In this shared act of seeing, the boundary between human and machine softens into the possibility of coexistence.
Design Process
Team Members
김은진 Eunjin
민경제 Kyung Je Min
배찬효 Chanhyo Bae
이은종 Eunjong Lee
임희진 Heejin Im 정소람 Soram Jung
강대한 Daehan Kang
Seojin Kim
Kim
Pharmacy
MFT PHARMACY
Design Concept
현대 사회는 타인의 고통에 대한 공감과 연대를 미덕으로 가르칩
니다. 그러나 인간은 타인의 불행을 마주할 때 종종 “내가 아니라
서 다행이다”라는 안도감을, 혹은 “나만 힘든 것이 아니구나”라는
은밀한 위안을 느낍니다. ‘샤덴프로이데(Schadenfreude)’라 불
리는 이 감정은 낮은 자존감과 치열한 경쟁 구조 속에서 더욱 선명
해지는 인간의 본능입니다.
MFT Pharmacy는 문명이라는 얇은 막 아래 억눌려 있던 이 원
초적 감정을 해소하기 위한 공간입니다. 금기시되었던 ‘타인의 불
행’을 상품화하여 마음껏 소비하고 즐길 수 있는 장을 마련했습니
다. 이곳에서 관객은 타인의 실패와 상처를 구매하며 즐거움과 죄
책감이 공존하는 감정적 충돌을 경험합니다.
나의 괴로운 기억이 누군가에게는 위안이 되고, 타인의 불행이 나 에게는 삶을 버티는 원동력이 되는 역설. 본 전시는 이 아이러니한 순환을 통해
Modern society teaches empathy and solidarity for the suffering of others as virtues. However, when encountering the misfortune of others, humans often feel a sense of relief. This emotion, known as 'Schadenfreude', is a primal instinct that becomes more pronounced amidst low self-esteem and intensely competitive environments.
MFT Pharmacy is a space designed to unleash this primal emotion, which has been suppressed beneath the thin layer of civilization. We have created a marketplace where “others’ misfortune” is commodified, allowing it to be freely consumed and enjoyed. Here, the audience purchases the failures and wounds of others, experiencing an emotional collision where pleasure and guilt coexist.
Within this space, the audience encounters an oxymoron of “fortunate misfortune”. Through this ironic cycle, the exhibition proposes a new form of therapy: rather than concealing this aspect of human nature, we accept and enjoy it in a mature form.
▲ Misfortune Archive 불행집
고통스러운 기억들을 모아 문학으로 승화시킨 불행 시집. 독자는
타인의 비극을 안전한 거리에서 관조하며 자신의 평온한 일상에
감사하거나, 동병상련의 위로를 얻는다.
▲ Misfortune Talisman 불행부적
타인이 겪었던 불행을 물리적으로 소유함으로써 같은
불행이 찾아오지 않도록 막아주는 액막이 부적. 지금
나에게 가장 필요하거나 두려운 불행을 선택적으로
소비할 수 있다.
Indulgences 불행 잡화점 ▶
Close-Up Shot of the Work
공하영 Hayoung Kong
Seojin Kim
Mosaic of Resilience
The Excellence Prize for Creativity
MOSAIC OF RESILIENCE
Design Concept
여러분은 지친 하루 일과를 마치고 집으로 돌아왔을 때 무엇 때문
에 피로가 풀리나요? 이는 저마다 다른 대답이 나올 수 있습니다.
각자가 회복할 수 있는 원동력이 다르기 때문이지요. 하와이 카우
아이 섬 연구에 따르면, 회복탄력성은 소통 능력과 진정한 행복감
에서 비롯된다고 합니다. 이에 따라 저희는 여러 개인들이 한데 모
여 살고 있는 서울의 회복탄력성에 주목해 보았습니다. ”과연 우
리가 살고 있는 서울은 행복할까?” 생각해 보면, 서울에 살아가는
사람들은 심각한 번아웃과 불안, 만성 피로, 지나친 경쟁, 자살 충
동 등을 경험하며 회복탄력성이 부족한 면을 보입니다.
저희는 개인의 회복탄력성을 통해 사회 전체의 회복탄력성을 탐구
하고 고민했던 흔적을 표현하고자 하였습니다. 서울에서 살아가는
사람들은 스트레스 지수도 높고 불안한 감정을 가지고 살아갑니
다. 그럼에도 사람들이 회복할 수 있는 이유는 자신을 반겨주는 단
한 사람, 반려동물, 불빛처럼 다양한 존재들이 서로 연대한 경험
에서 찾을 수 있었습니다. 회복탄력성을 가능하게 하는 연대와 신
뢰를 다양한 색채와 빛들의 어울림으로 표현하여 사회의 아름다운
조화로 표현했습니다. <Mosaic of Resilience>에서 서울을 자
유롭게 돌아다니며 나의 회복탄력성을 되돌아봄과
When you come home after a long, exhausting day, what helps you feel restored? The answer differs for everyone, because each of us draws strength from different sources. According to the Kauai Island Study in Hawaii, resilience grows from genuine happiness and our capacity to communicate. This led us to consider the resilience of Seoul, a city where many individuals live together. We asked: Is Seoul truly happy? In reality, many residents experience burnout, anxiety, chronic fatigue from density, and overwhelming competition. Our exhibition expresses our reflections on how individual resilience shapes societal resilience. Despite high stress, people recover through meaningful connections—someone who welcomes them, a pet, or even a comforting light. Through colors and light, <Mosaic of Resilience> visualizes solidarity and harmony, inviting visitors to explore Seoul while reflecting on both their own resilience and that of others.
Wood, PVC, EVA Foam block, Hanji, Fishing line, Adhesive vinyl sheet, LED Floodlight
Floor Plan
Project Description
<Mosaic of Resilience>는 나무 기둥 위에 올라가 있는 다양한
색채의 조각들이 모여 하나의 조화로운 사회를 표현하고자 한다.
구조물은 서울의 지도 모양을 본떠 작품을 위에서 바라보았을 때
에는 서울을 한눈에 조명하는 느낌을 관람객들에게 선사한다. 서
울을 상징하는 다양한 색채의 PVC 조각들을 통해 각자가 가지고
있는 다양한 회복탄력성을 시각화하였다.
나무 기둥에 걸려져 있는 한지들이 바람을 맞아 내는 바스락 소리
와 스피커를 통해 들려오는 서울 도심의
<Mosaic of Resilience> presents a harmonious society formed by colorful fragments elevated on wooden pillars. The structure is shaped after the map of Seoul, allowing viewers to see the city illuminated as a whole when looking at the work from above. The variously colored PVC pieces, symbolizing Seoul, visualize the diverse forms of resilience that individuals carry.
The rustling sound of “Hanji,” which is traditional Korean paper swaying in the wind, combined with recorded sounds of the city played through speakers, evokes the emotional turbulence and anxiety that people living in an urban society often experience. Over the four-day exhibition, the Hanji gradually crumpled in the wind, representing the accumulation of stress among Seoul’s residents.
3D Modeling
Scale of Installation
Team Members
Nahyun Kwon
Yesun Kim
Hayoon Roh
Jeongwon Park
Yoonji Shin
Seungje Yoo
Gwangyoung Lee
Joseph Chyung
Sewon Chung
Jiyoon Chae
2025 Artphil Institute
Collaborative Project
Oxymoron
Grand Prize
Team C - MFT Pharmacy
Artphil Institute Collaborative Project
History of Exhibition
아트필은 2000년부터 2025년까지 총 24회의 공동
작업을 진행해 왔습니다. 이 섹션에서는 그중 매해 대
상작으로 선정된 작업들을 아카이브 형식으로 소개합
니다.
*2020-2021년도의 공동작업은 COVID-19로 인하
여 릴레이 팝업 형식으로 진행하였으며, 별도의 시상
을 하지 않았습니다.
From 2000 to 2025, Artphil has conducted 24 collaborative projects. The following section archives the works selected each year as Grand Prize winners.
*The collaborative projects of 2020-2021 were held in a relay pop-up format without awards due to COVID-19.
2025 Artphil Institute
Collaborative Project
Enigma, Oxymoron,
Posthuman, Resilience, Synthetic Reality
Evaluation Criteria — 평가기준
-창의성 (주제 해석) Creativity (Interpretation of Theme) 10 점/ points
-조형성 (예술적 구성) Formality (Artistic Composition) 10 점/ points
-프레젠테이션 Presentation 20 점/ points
합계 Total 40 점/ points
Evaluation Process — 평가 과정
세션의 평가는 2번의 비평과 2번의 발표를 합산하여 단일 점수로 산출되었으며, 총 3회의 세션 결과를 합산했
습니다. 이 평가는 아홉 명의 선생님이 세심하게 심사하였습니다.
Each Session’s evaluation—combining 2 critiques and 2 presentations for a single score, totaling the outcomes of 3 sessions—was meticulously conducted by 9 judges.
Final Results Calculation — 최종 결과
-선생님들 심사 결과 The evaluation results of teachers
-학생들이 선정한 최우수 작품 The top works selected by Artphil students
Design Concept
A wave is a form created through convergence, existing briefly in a defined state before dispersing. In this project, individuals from different backgrounds come together for a shared purpose, forming a temporary configuration shaped by collective effort. Like the wave, this convergence is bounded by time, reaching a point at which the collective process concludes.
The golden ratio–based waves represent the culmination of each group’s work, not as an absolute or universal standard of perfection, but as a form shaped by students’ intent, resolution, and personal growth throughout the project. Like natural phenomena that form without striving for perfection, this ratio reveals itself only at the end of the collective process, as a form that arrives without having been sought.
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